Lucio Fontana
gigatos | April 16, 2022
Zusammenfassung
Lucio Fontana (Rosario, 19. Februar 1899 – Comabbio, 7. September 1968) war ein italienischer Maler, Keramiker und Bildhauer.
Seine Familie war italienisch, aber er wurde in Argentinien geboren. Er besuchte die Brera-Akademie in Mailand und widmete sich der Bildhauerei; nach seiner Rückkehr nach Buenos Aires verfasste er das Manifiesto blanco, mit dem er die Grundlagen der spatialistischen Bewegung legte. In den frühen 1950er Jahren schuf er Leinwände mit Löchern, gefolgt von den berühmten „Schnitten“. In seinem künstlerischen Schaffen setzte er zahlreiche Techniken ein, in der Malerei, der Bildhauerei und der Keramik.
Der Sohn des italienischen Bildhauers Luigi Fontana (1865-1946) und seiner argentinischen Mutter begann seine künstlerische Laufbahn 1921 in der Bildhauerwerkstatt seines Vaters und seines väterlichen Kollegen und Freundes Giovanni Scarabelli. Danach wurde er ein Anhänger von Adolfo Wildt. Bereits 1949 überwand er die traditionelle Unterscheidung zwischen Malerei und Skulptur, indem er die Leinwand mit Löchern und Schnitten durchbrach. Der Raum ist nicht mehr Gegenstand der Darstellung nach den herkömmlichen Regeln der Perspektive. Die Oberfläche der Leinwand, die durch Reliefs und Vertiefungen unterbrochen wird, tritt in eine direkte Beziehung zum realen Raum und zum Licht. Ende der 1940er Jahre arbeitete er mit Fontana Arte bei der Herstellung von Keramiksockeln für Tische und Couchtische (entworfen von dem Architekten Roberto Menghi) und mit der Firma Borsani zusammen.
Lucio stammt aus einer Beziehung zwischen Lucia Bottini, der Tochter des Schweizer Kupferstechers Jean, die später mit Juan Pablo Maroni verheiratet war, und seinem Vater Luigi, der das Kind bei sich behielt und später Anita Campiglio heiratete, die Fontana stets als echte Mutter betrachtete. Da die Familie Fontana recht wohlhabend war, wurde der junge Lucio nach Italien geschickt, wo er zunächst wichtige Internate und dann das Technische Institut Carlo Cattaneo und die Kunstschule Brera besuchte. 1917 meldete er sich freiwillig zur Armee und kehrte 1921, nachdem er sein Diplom als Bauinspektor erhalten hatte, nach Argentinien zurück. Nachdem er mit seinem Vater zusammengearbeitet hatte, eröffnete er 1924 sein eigenes Atelier in Rosario. Er gab den realistischen Stil seines Vaters auf und orientierte sich stattdessen an den kubistischen Formen von Alexander Archipenko, wie in Nude (1926) und La mujer y la balde (1927). Im ersten Werk sind Einflüsse von Archipenko und des Secessionismus zu erkennen, während im zweiten Werk die Lektion von Aristide Maillol zu erkennen ist.
1927 kehrte er nach Mailand zurück und schrieb sich an der Akademie der Schönen Künste in Brera ein, die er 1930 abschloss. Beeinflusst wurde er von seinem Lehrer Adolfo Wildt.
1963 sagte er: „Ich wurde von einem großen Meister geführt: Wildt, ich galt als der beste Schüler des Kurses. Und in der Tat hatte Wildt mir gegenüber mehrfach geäußert, ich solle ein Fortsetzer seiner Kunst werden. Stattdessen nahm ich, sobald ich die Akademie verließ, eine Masse Gips, gab ihr eine grobe figurative Struktur eines sitzenden Mannes und schüttete Teer darauf. Einfach so, für eine heftige Reaktion. Wildt beschwerte sich, und was sollte ich ihm sagen? Ich schätzte ihn sehr, ich war ihm dankbar, aber ich wollte einen neuen Weg finden, einen ganz eigenen Weg: So entstand eines der wichtigsten Werke aus Fontanas früher Schaffensperiode: Der schwarze Mann (1930 – heute verschollen). Unter Rückgriff auf Werke von Archipenko und Zadkine suchte er nach einer Rückkehr zu den Ursprüngen der Form. Der schwarze Teer und die fast formlose Masse kontrastieren mit der Wiederbelebung römischer und etruskischer Formen durch Arturo Martini und Marino Marini. Zusammen mit Renato Birolli und Aligi Sassu betrachtete er den Expressionismus als Alternative zur Mode des 20. Jahrhunderts wie in Campione olimpico (oder Champion Waiting) (1932).
Er machte auch eine Reihe von farbenfrohen Keramiken und lernte die Mailänder Architektur-Avantgarde kennen: Figini und Pollini sowie die Gruppe BBPR: Belgioioso, Banfi, Peressutti, Rogers. Er lernte die Lektion von Le Corbusier. Seine Nähe zur Architektur zeigt sich deutlich in dem leider nie realisierten Denkmal für Giuseppe Grandi (den großen Bildhauer der lombardischen „Scapigliatura“), das er zusammen mit seinem Architekten-Cousin Bruno Fontana und dem Ingenieur Alcide Rizzardi entworfen hat (1931). Das Design umfasst einen umgekehrten Kegel und Kristalle. Die Ableitung von konstruktivistischen und rationalistischen Werken ist erkennbar: siehe Melnikov (Leuchtturm von Colombo 1929) und Tatlin (Denkmal der Dritten Internationale). 1930 schwankt Fontana stets zwischen expressionistischer Figuration und Verdichtung der Form und Zweidimensionalität. Siehe Il fiocinatore (1934) oder Scultura astratta (1934).
1937 reiste er nach Paris zur Weltausstellung. Er traf Tristan Tzara und Constantin Brancusi und sah die Werke von Picasso. Er besuchte die Keramikwerkstätten in Sèvres und stellte neue Keramiken her. Von 1940 bis 1947 lebte er in Argentinien und verfasste zusammen mit anderen abstrakten Künstlern das Manifiesto blanco: Eine Veränderung des Wesens und der Form ist erforderlich. Die Überwindung von Malerei, Bildhauerei, Poesie und Musik ist erforderlich. Es ist eine größere Kunst erforderlich, die den Anforderungen des neuen Geistes entspricht.
1947 schrieb er zusammen mit Beniamino Joppolo, Giorgio Kaisserlian und Milena Milani das Erste Manifest des Spatialismus Es ist unmöglich, dass der Mensch nicht von der Leinwand, der Bronze, dem Gips und der Knetmasse zu reinen, universellen, schwebenden Bildern übergeht, so wie es unmöglich war, dass er nicht vom Graphit zur Leinwand, der Bronze, dem Gips und der Knetmasse übergeht, ohne die ewige Gültigkeit der Bilder zu leugnen, die durch Graphit, Bronze, Leinwand, Gips und Knetmasse geschaffen wurden. Es folgte 1951 das Technische Manifest des Spatialismus (Die erste vom Menschen konstruierte räumliche Form ist der Aerostat. Mit der Beherrschung des Weltraums baut der Mensch die erste Architektur des Weltraumzeitalters – das Flugzeug. Diese räumlichen Architekturen in Bewegung werden die neuen Phantasien der Kunst hervorbringen. Es bildet sich eine neue Ästhetik heraus, leuchtende Formen im Raum. Bewegung, Farbe, Zeit und Raum – die Konzepte der neuen Kunst).
1952 wurde das Manifest der Raumbewegung für das Fernsehen veröffentlicht: „Zum ersten Mal in der Welt übertragen wir Spatialisten über das Fernsehen unsere neuen Kunstformen, die auf den Konzepten des Raums beruhen, gesehen von einem doppelten Standpunkt aus: der erste ist der des Raums, der einst als geheimnisvoll galt und jetzt bekannt und erforscht ist und daher von uns als plastisches Material verwendet wird; der zweite ist der der noch unbekannten Räume des Kosmos, die wir als Daten der Intuition und des Geheimnisses ansprechen wollen, Daten, die für die Kunst als Weissagung typisch sind. Für uns ist das Fernsehen ein Medium, auf das wir als Integration unserer Konzepte gewartet haben. Wir freuen uns, dass diese unsere räumliche Manifestation von Italien aus gesendet wird und dazu bestimmt ist, die Bereiche der Kunst zu erneuern.
Seine monochromen, oft gesprühten Leinwände sind geprägt von der präzisen und selbstbewussten Gestik des Künstlers, der, nachdem er seine Pinsel verlassen hat, mit Rasierklingen, Messern und Sägen hantiert. Alles spielt sich im Schatten ab, wobei das Streiflicht die Lösungen der Kontinuität unterstreicht.
Das Werk Il fiore (oder Concetto spaziale) von 1952 bringt Bewegung in die Sache: eine Blume aus gelb gestrichenen Eisenblechen mit einer Reihe von sauberen Löchern, die sich zwischen ihnen bewegen. Das vielleicht interessanteste Werk aus dieser Zeit ist jedoch die Struttura al neon (Neonstruktur) für die IX. Triennale in Mailand 1951. Von einer blauen Decke (gemeinsam mit den Architekten Baldessari und Grisotti entworfen) hängt ein durchgehendes, sich mehrfach verschlingendes Neonlicht, das die Bewegung einer Taschenlampe oder die Bewegung einer Papierskizze (wie sie in den vorbereitenden Skizzen zu sehen ist) ähnlich den Spiralmustern von Hans Hartung zu kristallisieren scheint. In den folgenden 1950er Jahren schuf er eine Reihe von Werken, die zunehmend dem informellen Denken entsprechen. Die Serie Stones, die Serie Baroque und die Serie Plaster. Er lernte Yves Klein kennen, der ihn seinerseits bewunderte. Fontana öffnete eine Tür zur Suche nach Unendlichkeit, Raum und Spiritualität. Die gleiche Suche nach Spiritualität wie Kandinsky, Pollock, Yves Klein und Rothcko.
Zur Poetik seiner berühmtesten Werke (die Schnitte in der Leinwand) gelangte Fontana 1958, als er über die Lektion des Barocks nachdachte, in der, wie er schrieb, die Figuren die Ebene zu verlassen und sich im Raum fortzusetzen scheinen. Einige seiner monochromen Leinwände, wie die Löcher und Schnitte, haben als offen provokative Gesten die Öffentlichkeit auch deshalb skandalisiert, weil sie sich leicht umgestalten ließen. Vor einem zunehmend monochromen Hintergrund schneidet er mit einem oder mehreren Schnitten in die Leinwand, so dass die Illusion der Leinwand als Träger für eine Zeichnung unterbrochen wird und das Werk zu einem Material wird, das die Leinwand in eine dreidimensionale Skulptur verwandelt. Leinwände, die durch Schnitte gekennzeichnet sind, werden je nach Anzahl der Schnitte auch als Spatial Concept (oder Waiting) bezeichnet. Zu Beginn haben die Leinwände viele Schnitte, die sogar in mehr oder weniger geordneten Reihen angeordnet sind, und sind mit Anilin koloriert; später werden die Schnitte reduziert, die Leinwände mit Aquarellfarbe koloriert und die Schnitte auf der Rückseite mit schwarzer Gaze geschlossen. Die folgenden Serien von Werken Lucio Fontanas sind nach Themen geordnet:
Le Sculture (1925-1967), I Buchi (1949-1968), Le Pietre (1952-1956), I Barocchi (1954-1957), I Gessi (1954-1958), Gli Inchiostri (1956-1959);
Gli Olii (1957-1968), I Tagli (1958-1968), I Quanta (1959-1960), Le Nature (1959-1960), I Metalli (1961-1968), La Fine Di Dio (1963-1964);
I Teatrini (1964-1966), Le Ellissi (1964-1967), Le Ambientazioni (1926-1968), I Disegni (1928-1968), Le Ceramiche (1949-1968).
Es gab zahlreiche Fälscher, aber nur wenige mit einem ebenso sicheren Zeichen. Um sich selbst zu schützen, schrieb Fontana unsinnige Sätze auf die Rückseite jeder Leinwand, eine einfache Krücke für kalligrafisches Können. Er war Maler, Bildhauer, Keramiker, Mosaizist, beschäftigte sich mit bemaltem Zement und war auch als Architekt tätig. An der Piazza Pozzo Garitta in Albissola Marina befindet sich der „Spazio Lucio Fontana“, wo sich in den 1950er und 1960er Jahren das Atelier des Künstlers befand, der für die örtliche „Passeggiata degli Artisti“ ein Mosaik entwarf und eine Metallskulptur goss.
In Albissola Marina arbeitete er auch in der Via Ferdinando Isola, in der Firma „APA Assalini Poggi Albisola“. In den frühen 1960er Jahren korrespondierte er mit Bewunderern, darunter der Kunstkritiker Franco Russoli. In den Jahren 1963-64 nahm er an der Ausstellung Peintures italiennes d“aujourd“hui teil, die im Nahen Osten und in Nordafrika organisiert wurde. Er starb in Comabbio in der Provinz Varese am 7. September 1968 im Alter von 69 Jahren.
1982 gründete seine Frau Teresita Rasini die Lucio Fontana Foundation, der sie über sechshundert Werke des Künstlers vermachte und deren Präsidentin sie bis zu ihrem Tod 1995 war. Die Stiftung ist an der Organisation von Ausstellungen beteiligt, die von bedeutenden öffentlichen und privaten Institutionen veranstaltet werden, wie z. B. die große anthologische Ausstellung, die Guggenheim-Ausstellung, die Wanderausstellung in Japan und die Ausstellung im Centre Pompidou in Paris. Der Präsident der Stiftung ist derzeit Nini Ardemagni Laurini.
Am 12. April 2008 wurde im Auktionshaus Christie“s in London das Werk des Autors „Spatial Concept. Waiting“, geschätzt auf 3,5 bis 5,5 Millionen Pfund, erzielte in der Auktion „Nachkriegs- und zeitgenössische Kunst“ einen Preis von 6.740.500 Pfund (9.018.789 Euro).
Ab dem 27. März 1965 zeigt das Studio Fontana die Ausstellung Zero Avantgarde. Zu sehen sind Werke von Nobuya Abe, Armando, Bernard Aubertin, Hans Bischoffshausen, Agostino Bonalumi, Pol Bury, Enrico Castellani, Lucio Fontana, Hermann Goepfert, Hans Haacke, Yves Klein, Yayoi Kusama, Walter Leblanc, Adolf Luther, Heinz Mack, Piero Manzoni, Christian Megert, Henk Peeters, Otto Piene, George Rickey, Jan Schoonhoven, Turi Simeti, Jesùs Rafael Soto, Paul Talman, Erwin Thorn, Giancarlo Tognoni, Günther Uecker, Jef Verheyen, Nanda Vigo, Herman de Vries.
Quellen
