Marc Chagall

gigatos | Mai 21, 2022

Zusammenfassung

Marc Chagall (6. Juli 1887 – 28. März 1985) war ein weißrussisch-französischer Künstler. Der frühe Modernist wurde mit mehreren bedeutenden Kunststilen in Verbindung gebracht und schuf Werke in einer Vielzahl von künstlerischen Formaten, darunter Malerei, Zeichnungen, Buchillustrationen, Glasmalerei, Bühnenbilder, Keramik, Wandteppiche und Kunstdrucke.

Geboren im ehemaligen Großfürstentum Litauen, dem heutigen Weißrussland, das damals zum Russischen Reich gehörte, war er litauischer Herkunft. Vor dem Ersten Weltkrieg reiste er zwischen Sankt Petersburg, Paris und Berlin hin und her. In dieser Zeit schuf er seine eigene Mischung und seinen eigenen Stil moderner Kunst, die auf seiner Vorstellung von Osteuropa und der jüdischen Volkskultur beruhte. Die Kriegsjahre verbrachte er im sowjetischen Weißrussland, wo er zu einem der bedeutendsten Künstler des Landes und zu einem Mitglied der modernistischen Avantgarde wurde. Er gründete die Kunsthochschule in Witebsk, bevor er 1923 erneut nach Paris ging.

Der Kunstkritiker Robert Hughes bezeichnete Chagall als „die Quintessenz des jüdischen Künstlers des zwanzigsten Jahrhunderts“. Dem Kunsthistoriker Michael J. Lewis zufolge galt Chagall als „der letzte Überlebende der ersten Generation europäischer Modernisten“. Jahrzehntelang wurde er „auch als der herausragende jüdische Künstler der Welt respektiert“. Mit dem Medium der Glasmalerei schuf er Fenster für die Kathedralen von Reims und Metz, Fenster für die UNO und das Art Institute of Chicago sowie die Jerusalemer Fenster in Israel. Er schuf auch großformatige Gemälde, darunter einen Teil der Decke der Pariser Opéra.

Er hatte zwei grundlegende Reputationen, schreibt Lewis: als Pionier des Modernismus und als bedeutender jüdischer Künstler. Er erlebte das „goldene Zeitalter“ der Moderne in Paris, wo „er die Kunstformen des Kubismus, des Symbolismus und des Fauvismus zusammenführte, und der Einfluss des Fauvismus führte zum Surrealismus“. Doch in all diesen Phasen seines Stils „blieb er mit Nachdruck ein jüdischer Künstler, dessen Werk eine einzige träumerische Träumerei vom Leben in seinem Heimatdorf Witebsk war“. „Wenn Matisse stirbt“, bemerkte Pablo Picasso in den 1950er Jahren, „wird Chagall der einzige Maler sein, der noch weiß, was Farbe wirklich ist“.

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Frühes Leben

Marc Chagall wurde 1887 als Moishe Shagal in einer litauisch-jüdischen chassidischen Familie in Liozna in der Nähe der Stadt Witebsk (Weißrussland, damals Teil des Russischen Reiches) geboren. Zum Zeitpunkt seiner Geburt hatte Witebsk etwa 66.000 Einwohner. Die Hälfte der Bevölkerung war jüdisch. Die malerische Stadt mit ihren Kirchen und Synagogen wurde in Anlehnung an die kosmopolitische Stadt des ehemaligen spanischen Reiches „Russisches Toledo“ genannt. Da die Stadt größtenteils aus Holz erbaut wurde, überlebte nur wenig von ihr die Jahre der Besetzung und Zerstörung während des Zweiten Weltkriegs.

Chagall war das älteste von neun Kindern. Der Familienname Shagal ist eine Variante des Namens Segal, der in einer jüdischen Gemeinde gewöhnlich von einer levitischen Familie getragen wurde. Sein Vater, Khatskl (Zachar) Shagal, war bei einem Heringshändler angestellt, und seine Mutter, Feige-Ite, verkaufte in ihrem Haus Lebensmittel. Sein Vater arbeitete hart, trug schwere Fässer, verdiente aber nur 20 Rubel im Monat (der Durchschnittslohn im gesamten Russischen Reich betrug 13 Rubel im Monat). Chagall fügte später „aus Respekt vor seinem Vater“ Fischmotive ein, schreibt der Chagall-Biograf Jacob Baal-Teshuva. Chagall schrieb über diese frühen Jahre:

Tag für Tag, Winter wie Sommer, stand mein Vater um sechs Uhr morgens auf und ging in die Synagoge. Dort sprach er sein übliches Gebet für den einen oder anderen Toten. Nach seiner Rückkehr machte er den Samowar fertig, trank Tee und ging an die Arbeit. Höllische Arbeit, die Arbeit eines Galeerensklaven. Warum sollte man sie verbergen? Wie davon erzählen? Kein Wort wird je das Los meines Vaters lindern… Auf unserem Tisch gab es immer reichlich Butter und Käse. Das Butterbrot, wie ein ewiges Symbol, wurde nie aus meinen Kinderhänden gelassen.

Eine der Haupteinnahmequellen der jüdischen Bevölkerung der Stadt war die Herstellung von Kleidung, die im gesamten russischen Reich verkauft wurde. Sie stellten auch Möbel und verschiedene landwirtschaftliche Geräte her. Vom späten 18. Jahrhundert bis zum Ersten Weltkrieg beschränkte die kaiserlich-russische Regierung das Leben der Juden auf das Siedlungsgebiet, das die heutige Ukraine, Weißrussland, Polen, Litauen und Lettland umfasste und fast genau dem Gebiet der kürzlich vom kaiserlichen Russland übernommenen Polnisch-Litauischen Gemeinschaft entsprach. In der Folge entstanden im gesamten heutigen Osteuropa jüdische Marktflecken (Schtetl) mit eigenen Märkten, Schulen, Krankenhäusern und anderen Gemeinschaftseinrichtungen:  14

Chagall schrieb als Junge: „Ich fühlte auf Schritt und Tritt, dass ich ein Jude war – die Leute ließen es mich fühlen“. Während eines Pogroms schrieb Chagall, dass: „Die Straßenlaternen sind aus. Ich fühle mich panisch, besonders vor den Fenstern der Metzgereien. Dort sieht man noch lebende Kälber neben den Beilen und Messern der Metzger liegen“. Als einige Pogromniks ihn fragten: „Jude oder nicht?“, erinnerte sich Chagall, dass er dachte: „Meine Taschen sind leer, meine Finger empfindlich, meine Beine schwach, und sie wollen Blut sehen. Mein Tod wäre sinnlos. Ich wollte so gerne leben“. Chagall leugnete, Jude zu sein, woraufhin die Pogromniks riefen: „Na gut! Geht weg!“

Das meiste, was über Chagalls frühes Leben bekannt ist, stammt aus seiner Autobiografie Mein Leben. Darin beschreibt er den großen Einfluss, den die Kultur des chassidischen Judentums auf sein Leben als Künstler hatte. Chagall erzählte, wie er erkannte, dass die jüdischen Traditionen, in denen er aufgewachsen war, schnell verschwanden und dass er sie dokumentieren musste. Witebsk selbst war seit den 1730er Jahren ein Zentrum dieser Kultur, deren Lehren von der Kabbala abgeleitet waren. Die Chagall-Forscherin Susan Tumarkin Goodman beschreibt die Verbindungen und Quellen seiner Kunst zu seiner frühen Heimat:

Chagalls Kunst kann als Antwort auf eine Situation verstanden werden, die die Geschichte der russischen Juden lange geprägt hat. Obwohl sie kulturelle Erneuerer waren, die einen wichtigen Beitrag zur Gesellschaft leisteten, galten die Juden als Außenseiter in einer oft feindseligen Gesellschaft… Chagall selbst stammte aus einer religiös geprägten Familie; seine Eltern waren gläubige chassidische Juden, die spirituelle Befriedigung in einem Leben fanden, das von ihrem Glauben bestimmt und durch Gebete organisiert war. „14

Chagall war mit Sholom Dovber Schneersohn und später mit Menachem M. Schneerson befreundet.

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Kunsterziehung

Im damaligen Russischen Reich war es jüdischen Kindern nicht gestattet, reguläre Schulen oder Universitäten zu besuchen. Auch ihre Bewegungsfreiheit innerhalb der Stadt war eingeschränkt. Chagall erhielt daher seine Grundschulausbildung an der örtlichen jüdischen Religionsschule, wo er Hebräisch und die Bibel lernte. Als er 13 Jahre alt war, versuchte seine Mutter, ihn an einem regulären Gymnasium anzumelden, und er erinnerte sich: „Aber an dieser Schule nehmen sie keine Juden auf. Ohne zu zögern, ging meine mutige Mutter zu einem Professor. Sie bot dem Schuldirektor 50 Rubel an, damit er die Schule besuchen konnte, was er akzeptierte.

Ein Wendepunkt in seinem künstlerischen Leben kam, als er zum ersten Mal einen Kommilitonen beim Zeichnen beobachtete. Baal-Teshuva schreibt, dass es für den jungen Chagall „wie eine Vision, eine Offenbarung in Schwarz-Weiß“ war, jemanden beim Zeichnen zu beobachten. Chagall sagte später, dass es in seinem Elternhaus keinerlei Kunst gab und das Konzept ihm völlig fremd war. Als Chagall einen Schulkameraden fragte, wie er das Zeichnen gelernt habe, antwortete dieser: „Geh und such dir ein Buch in der Bibliothek, Idiot, such dir irgendein Bild aus, das dir gefällt, und kopiere es einfach“. Schon bald begann er, Bilder aus Büchern zu kopieren und fand die Erfahrung so lohnend, dass er beschloss, Künstler zu werden.

Schließlich vertraute er seiner Mutter an: „Ich möchte Maler werden“, obwohl sie sein plötzliches Interesse an der Kunst noch nicht verstehen konnte und auch nicht, warum er sich für einen Beruf entschied, der „so unpraktisch erschien“, schreibt Goodman. Der junge Chagall erklärte: „Es gibt einen Ort in der Stadt; wenn ich zugelassen werde und den Kurs abschließe, werde ich ein richtiger Künstler sein. Ich wäre so glücklich!“ Man schrieb das Jahr 1906, und er war auf das Atelier von Yehuda (Yuri) Pen aufmerksam geworden, einem realistischen Künstler, der in Witebsk auch eine kleine Zeichenschule betrieb, in der die späteren Künstler El Lissitzky und Ossip Zadkine arbeiteten. Da Chagall noch jung war und über kein Einkommen verfügte, bot Pen ihm an, ihn kostenlos zu unterrichten. Nach ein paar Monaten an der Schule erkannte Chagall jedoch, dass die akademische Porträtmalerei nicht seinen Vorstellungen entsprach.

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Künstlerische Inspiration

Goodman stellt fest, dass Juden in dieser Zeit im kaiserlichen Russland grundsätzlich zwei Möglichkeiten hatten, sich in der Kunstwelt zu etablieren: Die eine war, „seine jüdischen Wurzeln zu verbergen oder zu verleugnen“. Die andere Alternative – für die sich Chagall entschied – bestand darin, „seine jüdischen Wurzeln zu pflegen und öffentlich zum Ausdruck zu bringen“, indem er sie in seine Kunst integrierte. Für Chagall war dies auch ein Mittel zur „Selbstbehauptung und ein Ausdruck von Prinzipien“:  14

Der Chagall-Biograf Franz Meyer erklärt, dass durch die Verbindungen zwischen seiner Kunst und seinem frühen Leben „der hassidische Geist immer noch die Grundlage und die Quelle der Nahrung für seine Kunst ist“. Lewis fügt hinzu: „So kosmopolitisch der Künstler später auch werden sollte, sein Vorrat an visuellen Bildern würde nie über die Landschaft seiner Kindheit mit ihren verschneiten Straßen, Holzhäusern und allgegenwärtigen Fiedlern hinausgehen… Szenen aus der Kindheit, die sich so unauslöschlich ins Gedächtnis einprägen und sie mit einer so intensiven emotionalen Ladung versehen, dass sie sich nur schemenhaft durch eine obsessive Wiederholung derselben kryptischen Symbole und Ideogramme entladen kann… „

Jahre später, im Alter von 57 Jahren, als er in den Vereinigten Staaten lebte, bestätigte Chagall dies, als er einen offenen Brief mit dem Titel „An meine Stadt Witebsk“ veröffentlichte:

Und warum? Warum habe ich dich vor vielen Jahren verlassen? … Du dachtest, der Junge sucht etwas, sucht so eine besondere Feinheit, diese Farbe, die wie Sterne vom Himmel herabsteigt und hell und durchsichtig wie Schnee auf unseren Dächern landet. Woher hat er sie? Wie kommt sie zu einem Jungen wie ihm? Ich weiß nicht, warum er sie nicht bei uns, in der Stadt, in seinem Heimatland finden konnte. Vielleicht ist der Junge „verrückt“, aber „verrückt“ um der Kunst willen. …Du hast gedacht: „Ich sehe, ich bin in das Herz des Jungen eingebrannt, aber er “fliegt“ immer noch, er strebt immer noch danach, abzuheben, er hat “Wind“ im Kopf.“ … Ich habe nicht mit dir gelebt, aber ich hatte kein einziges Bild, das nicht von deinem Geist und deiner Reflexion geatmet hätte.

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Russisches Reich (1906-1910)

Im Jahr 1906 zog er nach Sankt Petersburg, der damaligen Hauptstadt des Russischen Reiches und dem Zentrum des künstlerischen Lebens des Landes mit seinen berühmten Kunstschulen. Da Juden die Stadt nicht ohne internen Pass betreten durften, gelang es ihm, von einem Freund einen vorläufigen Pass zu bekommen. Er schrieb sich an einer angesehenen Kunstschule ein und studierte dort zwei Jahre lang. Im Jahr 1907 begann er, naturalistische Selbstporträts und Landschaften zu malen. Chagall war aktives Mitglied der irregulären Freimaurerloge „Großer Orient der Völker Russlands“. Er gehörte der Loge „Vitebsk“ an.

Zwischen 1908 und 1910 war Chagall Schüler von Léon Bakst an der Zvantseva-Schule für Zeichnung und Malerei. Während seines Aufenthalts in Sankt Petersburg entdeckte er das experimentelle Theater und die Werke von Künstlern wie Paul Gauguin. Bakst, ebenfalls Jude, war Designer für dekorative Kunst und berühmt als Zeichner von Bühnenbildern und Kostümen für die Ballets Russes und half Chagall, indem er als Vorbild für jüdischen Erfolg fungierte. Bakst zog ein Jahr später nach Paris. Der Kunsthistoriker Raymond Cogniat schreibt, dass Chagall, nachdem er vier Jahre lang allein gelebt und Kunst studiert hatte, „in den Mainstream der zeitgenössischen Kunst eintrat. …Seine Lehrzeit war vorbei, Russland hatte eine denkwürdige Rolle in seinem Leben gespielt“:  30

Chagall blieb bis 1910 in Sankt Petersburg und besuchte oft Witebsk, wo er Bella Rosenfeld kennenlernte. In Mein Leben beschreibt Chagall seine erste Begegnung mit ihr: „Ihr Schweigen gehört mir, ihre Augen gehören mir. Es ist, als ob sie alles über meine Kindheit, meine Gegenwart, meine Zukunft wüsste, als ob sie durch mich hindurchsehen könnte“:  22 Bella schrieb später über die Begegnung mit ihm: „Wenn man einen Blick in seine Augen erhaschte, waren sie so blau, als wären sie direkt aus dem Himmel gefallen. Es waren seltsame Augen … lang, mandelförmig … und jedes schien für sich zu segeln, wie ein kleines Boot.“

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Frankreich (1910-1914)

Im Jahr 1910 zog Chagall nach Paris, um seinen künstlerischen Stil zu entwickeln. Der Kunsthistoriker und Kurator James Sweeney stellt fest, dass bei Chagalls Ankunft in Paris der Kubismus die vorherrschende Kunstform war und die französische Kunst noch von der „materialistischen Sichtweise des 19. Jahrhunderts“ beherrscht wurde. Doch Chagall kam aus Russland mit „einer reifen Farbbegabung, einer frischen, unverschämten Reaktion auf Gefühle, einem Gefühl für einfache Poesie und einem Sinn für Humor“, fügt er hinzu. Diese Vorstellungen waren Paris zu jener Zeit fremd, so dass seine erste Anerkennung nicht von anderen Malern, sondern von Dichtern wie Blaise Cendrars und Guillaume Apollinaire kam: 7 Der Kunsthistoriker Jean Leymarie bemerkt, dass Chagall begann, die Kunst als „aus dem Inneren nach außen gehend, vom gesehenen Objekt zum psychischen Ausfluss“ zu betrachten, was das Gegenteil der kubistischen Schaffensweise war.

So entwickelte er Freundschaften mit Guillaume Apollinaire und anderen Avantgarde-Künstlern wie Robert Delaunay und Fernand Léger. Baal-Teshuva schreibt, dass „Chagalls Traum von Paris, der Stadt des Lichts und vor allem der Freiheit, wahr geworden war“:  33 Die ersten Tage waren für den 23-jährigen Chagall, der sich in der Großstadt einsam fühlte und der französischen Sprache nicht mächtig war, eine Härte. An manchen Tagen hatte er „das Gefühl, zurück nach Russland zu fliehen, da er beim Malen von den Reichtümern der slawischen Folklore, seinen chassidischen Erfahrungen, seiner Familie und vor allem von Bella träumte“.

In Paris schreibt er sich an der Académie de La Palette ein, einer avantgardistischen Kunstschule, an der die Maler Jean Metzinger, André Dunoyer de Segonzac und Henri Le Fauconnier unterrichten, und findet auch an einer anderen Akademie Arbeit. In seiner Freizeit besuchte er Galerien und Salons, insbesondere den Louvre. Zu den Künstlern, die er bewunderte, gehörten Rembrandt, die Brüder Le Nain, Chardin, van Gogh, Renoir, Pissarro, Matisse, Gauguin, Courbet, Millet, Manet, Monet, Delacroix und andere. In Paris erlernte er die Gouache-Technik, mit der er weißrussische Szenen malte. Er besuchte auch Montmartre und das Quartier Latin „und war glücklich, einfach nur Pariser Luft zu atmen“, beschreibt Baal-Teshuva diese neue Phase in Chagalls künstlerischer Entwicklung:

Chagall war beschwingt, berauscht, als er durch die Straßen und an den Ufern der Seine entlang schlenderte. Alles an der französischen Hauptstadt erregt ihn: die Geschäfte, der Geruch von frischem Brot am Morgen, die Märkte mit ihrem frischen Obst und Gemüse, die breiten Boulevards, die Cafés und Restaurants und vor allem der Eiffelturm… Eine weitere, völlig neue Welt, die sich ihm eröffnet, ist das Kaleidoskop der Farben und Formen in den Werken der französischen Künstler. Chagall begutachtete mit Begeisterung die vielen verschiedenen Tendenzen und musste seine Position als Künstler überdenken und entscheiden, welchen kreativen Weg er einschlagen wollte. „33

Während seiner Zeit in Paris wurde Chagall ständig an seine Heimat Witebsk erinnert, denn in Paris lebten auch viele Maler, Schriftsteller, Dichter, Komponisten, Tänzer und andere Emigranten aus dem russischen Reich. Doch „Nacht für Nacht malte er bis zum Morgengrauen“, ging erst dann für einige Stunden zu Bett und widerstand den vielen Verlockungen der nächtlichen Großstadt:  44 „Meine Heimat existiert nur in meiner Seele“, sagte er einmal: viii Er malte weiterhin jüdische Motive und Themen aus seinen Erinnerungen an Witebsk, obwohl er neben Porträts auch Pariser Szenen – insbesondere den Eiffelturm – einbezog. Viele seiner Werke waren aktualisierte Versionen von Gemälden, die er in Russland gemalt hatte und die er in fauvistische oder kubistische Tonarten umsetzte.

Chagall entwickelte ein ganzes Repertoire an skurrilen Motiven: geisterhafte Gestalten, die im Himmel schweben, … der gigantische Fiedler, der auf Miniaturpuppenhäusern tanzt, das Vieh und die durchsichtigen Gebärmütter, in denen winzige Sprösslinge kopfüber schlafen. Die meisten seiner Szenen aus dem Leben in Witebsk malte er, während er in Paris lebte, und „in gewisser Weise waren sie Träume“, bemerkt Lewis. Ihr „Unterton der Sehnsucht und des Verlusts“, ihre losgelöste und abstrakte Erscheinung, veranlasste Apollinaire, „von dieser Qualität beeindruckt“ zu sein und sie „surnaturel!“ zu nennen. Sein „Tier

Sweeney schreibt: „Das ist Chagalls Beitrag zur zeitgenössischen Kunst: die Wiedererweckung einer Poesie der Darstellung, die einerseits die faktische Illustration und andererseits die ungegenständliche Abstraktion vermeidet“. André Breton sagte, dass „mit ihm allein die Metapher ihre triumphale Rückkehr in die moderne Malerei erlebte“:  7

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Russland und Sowjetrussland (1914-1922)

Da er seine Verlobte Bella, die sich noch in Witebsk aufhielt, vermisste – „Er dachte Tag und Nacht an sie“, schreibt Baal-Teshuva – und Angst hatte, sie zu verlieren, beschloss Chagall, die Einladung eines renommierten Kunsthändlers in Berlin anzunehmen und seine Werke auszustellen. Chagall nahm 40 Leinwände und 160 Gouachen, Aquarelle und Zeichnungen mit, um sie auszustellen. Die Ausstellung in der Galerie Sturm von Herwarth Walden war ein großer Erfolg: „Die deutschen Kritiker lobten ihn in den höchsten Tönen.“

Nach der Ausstellung reiste er weiter nach Witebsk, wo er nur lange genug bleiben wollte, um Bella zu heiraten. Doch nach wenigen Wochen begann der Erste Weltkrieg, der die russische Grenze auf unbestimmte Zeit schloss. Ein Jahr später heiratete er Bella Rosenfeld und sie bekamen ihr erstes Kind, Ida. Vor der Eheschließung hatte Chagall Schwierigkeiten, Bellas Eltern davon zu überzeugen, dass er ein geeigneter Ehemann für ihre Tochter sein würde. Sie waren besorgt, dass sie einen Maler aus einer armen Familie heiraten könnte, und fragten sich, wie er sie unterstützen würde. Ein erfolgreicher Künstler zu werden, wurde nun zum Ziel und zur Inspiration. Lewis zufolge „sind die euphorischen Gemälde aus dieser Zeit, die das junge Paar zeigen, wie es in einem Ballon über Witebsk schwebt – dessen Holzgebäude in Delaunay-Manier facettiert sind – die unbeschwertesten seiner Karriere“. Seine Hochzeitsbilder waren auch ein Thema, auf das er in späteren Jahren immer wieder zurückkam, wenn er über diese Zeit seines Lebens nachdachte: 75

1915 begann Chagall, seine Werke in Moskau auszustellen, zunächst in einem bekannten Salon und 1916 in St. Petersburg. Auf einer Moskauer Ausstellung von Avantgarde-Künstlern stellte er seine Werke erneut aus. Diese Ausstellung brachte ihm Anerkennung, und eine Reihe wohlhabender Sammler begann, seine Werke zu kaufen. Er begann auch, eine Reihe jiddischer Bücher mit Tuschezeichnungen zu illustrieren. Im Jahr 1917 illustrierte er I. L. Peretz“ Der Zauberer. Chagall war 30 Jahre alt und hatte begonnen, bekannt zu werden: 77

Die Oktoberrevolution von 1917 war für Chagall eine gefährliche Zeit, die aber auch Chancen bot. Chagall schrieb, er fürchte sich vor den bolschewistischen Befehlen, die an die Zäune geheftet sind: „Die Fabriken standen still. Die Horizonte öffneten sich. Raum und Leere. Kein Brot mehr. Die schwarze Schrift auf den morgendlichen Plakaten machte mich krank im Herzen“. Chagall war oft tagelang hungrig und erinnerte sich später an den Anblick einer Braut, der Bettler und der armen Schlucker, die mit Bündeln beschwert waren“, was ihn zu dem Schluss brachte, dass das neue Regime das russische Reich auf den Kopf gestellt hatte, so wie ich meine Bilder drehe“. Zu diesem Zeitpunkt war er einer der angesehensten Künstler des kaiserlichen Russlands und ein Mitglied der modernistischen Avantgarde, die als „ästhetischer Arm der Revolution“ besondere Privilegien und Prestige genoss. Ihm wurde eine bemerkenswerte Position als Kommissar für bildende Kunst des Landes angeboten, aber er zog etwas weniger Politisches vor und nahm stattdessen eine Stelle als Kommissar für Kunst in Witebsk an. In der Folge gründete er die Kunsthochschule von Witebsk, die, wie Lewis hinzufügt, zur „bedeutendsten Kunstschule der Sowjetunion“ wurde.

Er gewann einige der bedeutendsten Künstler des Landes wie El Lissitzky und Kasimir Malewitsch für seinen Lehrkörper. Er nahm auch seinen ersten Lehrer, Yehuda Pen, auf. Chagall versuchte, eine Atmosphäre eines Kollektivs von unabhängig denkenden Künstlern zu schaffen, von denen jeder seinen eigenen, einzigartigen Stil hatte. Dies sollte sich jedoch bald als schwierig erweisen, da einige der wichtigsten Mitglieder des Lehrkörpers eine suprematistische Kunst aus Quadraten und Kreisen bevorzugten und Chagalls Versuch, einen „bürgerlichen Individualismus“ zu schaffen, missbilligten. Chagall trat daraufhin als Kommissar zurück und zog nach Moskau.

In Moskau wurde ihm eine Stelle als Bühnenbildner für das neu gegründete Staatliche Jüdische Kammertheater angeboten. Es sollte Anfang 1921 seinen Betrieb mit einer Reihe von Stücken von Sholem Aleichem aufnehmen. Für die Eröffnung des Theaters schuf er eine Reihe großer Wandgemälde, wobei er Techniken verwendete, die er von seinem frühen Lehrer Bakst gelernt hatte. Eines der Hauptwandbilder war 2,7 m (9 Fuß) hoch und 7,3 m (24 Fuß) lang und zeigte verschiedene lebhafte Motive wie Tänzer, Fiedler, Akrobaten und Nutztiere. Ein Kritiker nannte es damals „hebräischen Jazz in Farbe“. Chagall schuf es als ein „Lagerhaus von Symbolen und Geräten“, so Lewis. Die Wandgemälde „stellten einen Meilenstein“ in der Geschichte des Theaters dar und waren Vorläufer seiner späteren großformatigen Werke, darunter Wandgemälde für die New Yorker Metropolitan Opera und die Pariser Oper: 87

Der Erste Weltkrieg endete 1918, aber der russische Bürgerkrieg ging weiter, und die Hungersnot breitete sich aus. Die Chagalls sahen sich gezwungen, in eine kleinere, weniger teure Stadt in der Nähe von Moskau zu ziehen, obwohl Chagall nun täglich mit überfüllten Zügen nach Moskau pendeln musste. 1921 arbeitete er zusammen mit seinem Freund, dem Bildhauer Isaac Itkind, als Kunstlehrer in einem jüdischen Jungenheim in der Vorstadt Malachowka, in dem junge Flüchtlinge untergebracht waren, die durch Pogrome zu Waisen geworden waren: 270 Während dieser Zeit schuf er eine Reihe von Illustrationen für den jiddischen Gedichtzyklus Grief, geschrieben von David Hofstein, der ein weiterer Lehrer im Malachowka-Heim war: 273

Nachdem er die Jahre zwischen 1921 und 1922 in primitiven Verhältnissen verbracht hatte, beschloss er, nach Frankreich zurückzukehren, um seine Kunst in einem komfortableren Land zu entwickeln. Zahlreiche andere Künstler, Schriftsteller und Musiker planten ebenfalls, in den Westen überzusiedeln. Er beantragte ein Ausreisevisum, und während er auf die ungewisse Genehmigung wartete, schrieb er seine Autobiografie Mein Leben: 121

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Frankreich (1923-1941)

Im Jahr 1923 verließ Chagall Moskau, um nach Frankreich zurückzukehren. Auf dem Weg dorthin hielt er in Berlin an, um die vielen Bilder wiederzufinden, die er zehn Jahre zuvor, vor Kriegsbeginn, dort ausgestellt hatte, konnte aber keines von ihnen finden oder zurückholen. Dennoch entdeckte er nach seiner Rückkehr nach Paris wieder „die freie Entfaltung und Erfüllung, die für ihn so wesentlich waren“, schreibt Lewis. Nachdem alle seine frühen Werke verloren gegangen waren, versuchte er, seine Erinnerungen an seine ersten Jahre in Witebsk in Skizzen und Ölgemälden zu verarbeiten.

Er nahm eine Geschäftsbeziehung mit dem französischen Kunsthändler Ambroise Vollard auf. Dies inspirierte ihn dazu, Radierungen für eine Reihe von illustrierten Büchern zu schaffen, darunter Gogols Tote Seelen, die Bibel und die Fabeln von La Fontaine. Diese Illustrationen sollten schließlich zu seinen besten druckgrafischen Arbeiten werden. Im Jahr 1924 reiste er in die Bretagne und malte La fenêtre sur l“Île-de-Bréhat. 1926 hatte er seine erste Ausstellung in den Vereinigten Staaten in der Galerie Reinhardt in New York, die etwa 100 Werke umfasste, obwohl er nicht zur Eröffnung reiste. Stattdessen blieb er in Frankreich und „malte unaufhörlich“, wie Baal-Teshuva bemerkt. Erst 1927 machte sich Chagall in der französischen Kunstwelt einen Namen, als der Kunstkritiker und Historiker Maurice Raynal ihm einen Platz in seinem Buch Modern French Painters zuwies. Allerdings war Raynal immer noch nicht in der Lage, Chagall seinen Lesern genau zu beschreiben:

Chagall befragt das Leben im Lichte einer raffinierten, ängstlichen, kindlichen Sensibilität, eines leicht romantischen Temperaments … eine Mischung aus Traurigkeit und Heiterkeit, die für eine ernste Sicht des Lebens charakteristisch ist. Seine Vorstellungskraft, sein Temperament, verbieten zweifellos eine lateinische Strenge der Komposition:  314

Während dieser Zeit reiste er durch Frankreich und die Côte d“Azur, wo er die Landschaften, die bunte Vegetation, das blaue Mittelmeer und das milde Wetter genoss. Er unternahm immer wieder Ausflüge aufs Land und nahm dabei sein Skizzenbuch mit: 9 Er besuchte auch nahe gelegene Länder und schrieb später über die Eindrücke, die einige dieser Reisen bei ihm hinterlassen hatten:

Ich möchte daran erinnern, wie vorteilhaft meine Reisen außerhalb Frankreichs für mich im künstlerischen Sinne waren – in Holland oder in Spanien, Italien, Ägypten, Palästina oder einfach in Südfrankreich. Dort, im Süden, sah ich zum ersten Mal in meinem Leben jenes satte Grün, das ich in meinem eigenen Land nie gesehen hatte. In Holland glaubte ich, das vertraute, pulsierende Licht zu entdecken, wie das Licht zwischen dem späten Nachmittag und der Abenddämmerung. In Italien fand ich die Ruhe der Museen, die das Sonnenlicht zum Leben erweckte. In Spanien war ich glücklich, die Inspiration einer mystischen, wenn auch manchmal grausamen Vergangenheit zu finden, den Gesang des Himmels und der Menschen zu hören. Und im Osten fand ich unerwartet die Bibel und einen Teil meines Wesens:  77

Nachdem er von einer seiner Reisen nach Paris zurückgekehrt war, beauftragte Vollard Chagall, das Alte Testament zu illustrieren. Obwohl er das Projekt auch in Frankreich hätte abschließen können, nahm er den Auftrag zum Anlass, nach Israel zu reisen, um das Heilige Land selbst zu erleben. Im Jahr 1931 reisten Marc Chagall und seine Familie auf Einladung von Meir Dizengoff nach Tel Aviv. Dizengoff hatte Chagall zuvor ermutigt, Tel Aviv im Zusammenhang mit Dizengoffs Plan, in der neuen Stadt ein jüdisches Kunstmuseum zu errichten, zu besuchen. Chagall und seine Familie wurden eingeladen, in Dizengoffs Haus in Tel Aviv zu wohnen, das später zur Unabhängigkeitshalle des Staates Israel wurde.

Chagall blieb schließlich zwei Monate lang im Heiligen Land. Chagall fühlte sich in Israel, wo viele Menschen Jiddisch und Russisch sprachen, wie zu Hause. Laut Jacob Baal-Teshuva „war er beeindruckt vom Pioniergeist der Menschen in den Kibbuzim und tief bewegt von der Klagemauer und den anderen heiligen Stätten“:  133

Chagall erzählte später einem Freund, dass Israel für ihn „der lebendigste Eindruck war, den er je erhalten hatte“. Wullschlager merkt jedoch an, dass Delacroix und Matisse sich von der Exotik Nordafrikas inspirieren ließen, während er als Jude in Israel eine andere Perspektive hatte. „Was er dort wirklich suchte, war nicht ein äußerer Reiz, sondern eine innere Ermächtigung aus dem Land seiner Vorfahren, um sich in seine Arbeit an den Bibelillustrationen zu stürzen“:  343 Chagall erklärte: „Im Osten fand ich die Bibel und einen Teil meines eigenen Wesens.“

Infolgedessen vertiefte er sich in „die Geschichte der Juden, ihre Prüfungen, Prophezeiungen und Katastrophen“, bemerkt Wullschlager. Sie fügt hinzu, dass der Beginn des Auftrags für Chagall ein „außerordentliches Risiko“ darstellte, da er schließlich als führender zeitgenössischer Maler bekannt geworden war, nun aber seine modernistischen Themen beenden und sich in „eine alte Vergangenheit“ vertiefen würde:  350 Zwischen 1931 und 1934 arbeitet er „wie besessen“ an der „Bibel“ und reist sogar nach Amsterdam, um die biblischen Gemälde von Rembrandt und El Greco sorgfältig zu studieren und die Extreme der religiösen Malerei zu sehen. Er ging durch die Straßen des jüdischen Viertels der Stadt, um die frühere Atmosphäre wieder zu spüren. Er erzählte Franz Meyer:

Ich habe die Bibel nicht gesehen, ich habe sie geträumt. Seit meiner frühen Kindheit bin ich von der Bibel gefesselt. Sie schien mir immer und scheint mir auch heute noch die größte Quelle der Poesie aller Zeiten zu sein. „350

Chagall sah das Alte Testament als eine „menschliche Geschichte, … nicht mit der Erschaffung des Kosmos, sondern mit der Erschaffung des Menschen, und seine Engelsfiguren sind gereimt oder mit menschlichen Figuren kombiniert“, schreibt Wullschlager. Sie weist darauf hin, dass in einem seiner frühen Bibelbilder, „Abraham und die drei Engel“, die Engel bei einem Glas Wein sitzen und plaudern, „als ob sie gerade zum Abendessen vorbeigekommen wären“:  350

Er kehrte nach Frankreich zurück und hatte im nächsten Jahr 32 der insgesamt 105 Platten fertiggestellt. Bis 1939, zu Beginn des Zweiten Weltkriegs, hatte er 66 fertiggestellt. Vollard starb jedoch noch im selben Jahr. Als die Serie 1956 abgeschlossen war, wurde sie von der Edition Tériade veröffentlicht. Baal-Teshuva schreibt, dass „die Illustrationen umwerfend waren und großen Beifall fanden. Einmal mehr hatte sich Chagall als einer der bedeutendsten Grafiker des 20. Jahrhunderts erwiesen“:  135 Leymarie hat diese Zeichnungen von Chagall als „monumental“ bezeichnet und,

…voller göttlicher Inspiration, die das legendäre Schicksal und die epische Geschichte Israels von der Genesis bis zu den Propheten, über die Patriarchen und die Helden nachzeichnen. Jedes Bild wird eins mit dem Ereignis und unterrichtet den Text mit einer feierlichen Intimität, die seit Rembrandt unbekannt ist: ix

Nicht lange nachdem Chagall seine Arbeit an der Bibel begonnen hatte, kam Adolf Hitler in Deutschland an die Macht. Antisemitische Gesetze wurden eingeführt und das erste Konzentrationslager in Dachau wurde errichtet. Wullschlager beschreibt die ersten Auswirkungen auf die Kunst:

Die Nazis hatten ihren Feldzug gegen die Kunst der Moderne gleich nach ihrer Machtergreifung begonnen. Expressionistische, kubistische, abstrakte und surrealistische Kunst – alles, was intellektuell, jüdisch, ausländisch, sozialistisch inspiriert oder schwer zu verstehen war – wurde ins Visier genommen, von Picasso und Matisse bis hin zu Cézanne und van Gogh; stattdessen wurde der traditionelle deutsche Realismus gepriesen, der zugänglich und offen für patriotische Interpretationen war:  374

Im Laufe des Jahres 1937 wurden etwa zwanzigtausend Werke aus deutschen Museen von einem Ausschuss unter der Leitung von Joseph Goebbels als „entartet“ beschlagnahmt:  375 Obwohl die deutsche Presse einst „in ihn verliebt“ gewesen war, machten sich die neuen deutschen Behörden nun über Chagalls Kunst lustig und beschrieben sie als „grüne, violette und rote Juden, die aus der Erde schießen, auf Geigen spielen und durch die Luft fliegen …“ : 376

Nach dem deutschen Einmarsch und der Besetzung Frankreichs blieben die Chagalls naiverweise in Vichy-Frankreich, ohne zu wissen, dass die französischen Juden mit Hilfe der Vichy-Regierung eingesammelt und in deutsche Konzentrationslager gebracht wurden, aus denen nur wenige zurückkehren würden. Die kollaborierende Vichy-Regierung unter Marschall Philippe Pétain setzte unmittelbar nach der Machtübernahme eine Kommission zur „Neudefinition der französischen Staatsbürgerschaft“ ein, mit dem Ziel, „Unerwünschten“, einschließlich eingebürgerten Bürgern, die französische Staatsbürgerschaft zu entziehen. Chagall war so sehr mit seiner Kunst beschäftigt, dass er erst im Oktober 1940, als die Vichy-Regierung auf Geheiß der Nazi-Besatzung antisemitische Gesetze verabschiedete, zu verstehen begann, was vor sich ging. Als die Chagalls erfuhren, dass Juden aus öffentlichen und akademischen Positionen entfernt wurden, „wurden sie sich der Gefahr bewusst, der sie ausgesetzt waren“. Aber Wullschlager stellt fest, dass sie „zu diesem Zeitpunkt in der Falle saßen“:  382 Ihr einziger Zufluchtsort konnte Amerika sein, aber „sie konnten sich die Überfahrt nach New York nicht leisten“ und auch nicht die hohe Kaution, die jeder Einwanderer bei der Einreise hinterlegen musste, um sicherzustellen, dass er dem Land nicht finanziell zur Last fallen würde.

Die Geschwindigkeit, mit der Frankreich zusammenbrach, verblüffte alle: Es kapitulierte noch schneller als Polen ein Jahr zuvor“, so Wullschlager. Schockwellen überquerten den Atlantik…, da Paris bis dahin in der gesamten nicht-nazistischen Welt mit Zivilisation gleichgesetzt worden war.“:  388 Doch die Verbundenheit der Chagalls mit Frankreich „machte sie blind für die Dringlichkeit der Situation.“:  389 Viele andere bekannte russische und jüdische Künstler versuchten schließlich zu fliehen: Dazu gehörten Chaïm Soutine, Max Ernst, Max Beckmann, Ludwig Fulda, der Schriftsteller Victor Serge und der preisgekrönte Schriftsteller Vladimir Nabokov, der zwar selbst nicht jüdisch war, aber mit einer Jüdin verheiratet war: 1181 Der russische Schriftsteller Victor Serge beschrieb viele der Menschen, die vorübergehend in Marseille lebten und darauf warteten, nach Amerika auszuwandern:

Hier ist eine Bettlergasse, in der sich die Überreste von Revolutionen, Demokratien und unterdrückten Intellektuellen sammeln… In unseren Reihen gibt es genug Ärzte, Psychologen, Ingenieure, Pädagogen, Dichter, Maler, Schriftsteller, Musiker, Wirtschaftswissenschaftler und Persönlichkeiten des öffentlichen Lebens, um ein ganzes großes Land zu beleben..:  392

Auf Drängen ihrer Tochter Ida, die „die Notwendigkeit erkannte, schnell zu handeln“ (388), und mit Hilfe von Alfred Barr vom New Yorker Museum of Modern Art wurde Chagall gerettet, indem sein Name auf die Liste der prominenten Künstler gesetzt wurde, deren Leben in Gefahr war und die die Vereinigten Staaten versuchen sollten, zu befreien. Varian Fry, der amerikanische Journalist, und Hiram Bingham IV, der amerikanische Vizekonsul in Marseille, leiteten eine Rettungsaktion, um Künstler und Intellektuelle aus Europa in die USA zu schmuggeln, indem sie ihnen gefälschte Visa für die USA ausstellten. Im April 1941 wurde Chagall und seiner Frau die französische Staatsbürgerschaft entzogen. Die Chagalls wohnten in einem Hotel in Marseille, wo sie zusammen mit anderen Juden verhaftet wurden. Varian Fry gelang es, die französische Polizei unter Androhung eines Skandals dazu zu bewegen, ihn freizulassen. Chagall war einer von über 2.000, die durch diese Aktion gerettet wurden. Er verließ Frankreich im Mai 1941, „als es schon fast zu spät war“, fügt Lewis hinzu. Picasso und Matisse wurden ebenfalls eingeladen, nach Amerika zu kommen, aber sie entschieden sich, in Frankreich zu bleiben. Chagall und Bella kamen am 23. Juni 1941 in New York an, einen Tag nach dem deutschen Überfall auf die Sowjetunion:  150 Ida und ihr Mann Michel folgten auf dem berüchtigten Flüchtlingsschiff SS Navemar mit einer großen Kiste mit Chagalls Werken. Ein zufälliges Treffen zwischen Ida und dem Geheimdienstanalysten Konrad Kellen in einem französischen Café führte dazu, dass Kellen bei seiner Rückkehr in die Vereinigten Staaten weitere Gemälde mitnahm.

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Vereinigte Staaten (1941-1948)

Noch bevor er 1941 in die Vereinigten Staaten kam, erhielt Chagall 1939 den dritten Preis des Carnegie-Preises für „Les Fiancés“. Nach seinem Aufenthalt in Amerika entdeckte er, dass er bereits „internationales Ansehen“ erlangt hatte, schreibt Cogniat, obwohl er sich in dieser neuen Rolle in einem fremden Land, dessen Sprache er noch nicht beherrschte, unwohl fühlte. Er wurde vor allem gegen seinen Willen zu einer Berühmtheit und fühlte sich in der fremden Umgebung verloren: 57

Nach einiger Zeit begann er, sich in New York niederzulassen, das voll von Schriftstellern, Malern und Komponisten war, die wie er während der Nazi-Invasion aus Europa geflohen waren. Er wohnte in der East 74th Street 4. Er besuchte Galerien und Museen und freundete sich mit anderen Künstlern wie Piet Mondrian und André Breton an:  155

Baal-Teshuva schreibt, dass Chagall es „liebte“, in die Viertel von New York zu gehen, in denen Juden lebten, insbesondere in die Lower East Side. Dort fühlte er sich zu Hause, genoss das jüdische Essen und konnte die jiddische Presse lesen, die zu seiner wichtigsten Informationsquelle wurde, da er noch kein Englisch sprach.

Die zeitgenössischen Künstler haben Chagalls Kunst noch nicht verstanden oder gar gemocht. Laut Baal-Teshuva „hatten sie wenig mit einem folkloristischen Geschichtenerzähler russisch-jüdischer Herkunft mit Hang zum Mystizismus gemein“. Die Pariser Schule, die man als „Pariser Surrealismus“ bezeichnete, bedeutete ihnen wenig:  155 Diese Einstellung sollte sich jedoch ändern, als Pierre Matisse, der Sohn des anerkannten französischen Künstlers Henri Matisse, dessen Vertreter wurde und 1941 Chagall-Ausstellungen in New York und Chicago organisierte. Eine der ersten Ausstellungen umfasste 21 seiner Meisterwerke aus den Jahren 1910 bis 1941. Der Kunstkritiker Henry McBride schrieb über diese Ausstellung in der New York Sun:

Chagall ist ein Zigeuner, wie er im Buche steht… diese Bilder tragen mehr zu seinem Ruf bei als alles, was wir bisher gesehen haben… Seine Farben sprühen vor Poesie… sein Werk ist so authentisch russisch wie das Lied eines Wolgaschiffers…

Der Choreograf Léonide Massine vom Ballet Theatre of New York beauftragte ihn mit der Gestaltung der Bühnenbilder und Kostüme für sein neues Ballett Aleko. Dieses Ballett sollte den Text von Alexander Puschkins Verserzählung Die Zigeuner mit der Musik von Tschaikowsky in Szene setzen. Ursprünglich sollte das Ballett in New York uraufgeführt werden, aber aus Kostengründen wurde es nach Mexiko verlegt, wo die Arbeitskosten niedriger waren als in New York. Während Chagall in Russland bereits Bühnenbilder geschaffen hatte, war dies sein erstes Ballett, und es gab ihm die Gelegenheit, Mexiko zu besuchen. Dort lernte er schnell die „primitive Lebensweise und die farbenfrohe Kunst der Mexikaner“ zu schätzen, wie Cogniat bemerkt. Er entdeckte „etwas, das sehr eng mit seiner eigenen Natur verwandt war“, und fertigte dort alle Farbdetails für die Bühnenbilder an. Schließlich schuf er vier große Kulissen und ließ die Ballettkostüme von mexikanischen Näherinnen nähen.

Als das Ballett am 8. September 1942 im Palacio de Bellas Artes in Mexiko-Stadt uraufgeführt wurde, galt es als „bemerkenswerter Erfolg“. Unter den Zuschauern befanden sich auch andere berühmte Wandmaler, die gekommen waren, um Chagalls Werk zu sehen, darunter Diego Rivera und José Clemente Orozco. Laut Baal-Teshuva gab es, als der letzte Takt der Musik zu Ende war, „stürmischen Applaus und 19 Vorhangrufe, wobei Chagall selbst immer wieder auf die Bühne zurückgerufen wurde“. Die Inszenierung wurde dann nach New York verlegt, wo sie vier Wochen später an der Metropolitan Opera aufgeführt wurde, und die Reaktion wiederholte sich, „wieder war Chagall der Held des Abends“:  158 Der Kunstkritiker Edwin Denby schrieb über die Eröffnung in der New York Herald Tribune, dass Chagalls Werk:

hat sich in eine dramatisierte Ausstellung von Riesengemälden verwandelt… Sie übertrifft alles, was Chagall auf der Staffelei gemacht hat, und ist ein atemberaubendes Erlebnis, wie man es im Theater kaum erwartet.

Nachdem Chagall 1943 nach New York zurückgekehrt war, begannen ihn die aktuellen Ereignisse mehr zu interessieren, was sich auch in seiner Kunst widerspiegelte, wo er unter anderem die Kreuzigung und Kriegsszenen malte. Als er erfuhr, dass die Deutschen seine Heimatstadt Witebsk zerstört hatten, war er sehr erschüttert: 159 Er erfuhr auch von den Konzentrationslagern der Nazis. In einer Rede im Februar 1944 beschrieb er einige seiner Gefühle:

Währenddessen scherzt der Feind und sagt, wir seien ein „dummes Volk“. Er dachte, als er begann, die Juden abzuschlachten, würden wir alle in unserer Trauer plötzlich den größten prophetischen Schrei erheben, und die christlichen Humanisten würden sich ihm anschließen. Aber nach zweitausend Jahren „Christentum“ in der Welt – man kann sagen, was man will – sind ihre Herzen mit wenigen Ausnahmen still… Ich sehe, wie die Künstler in den christlichen Nationen stillsitzen – wer hat sie schon einmal sprechen hören? Sie machen sich keine Sorgen um sich selbst, und unser jüdisches Leben geht sie nichts an. „89

In derselben Rede sprach er Sowjetrussland das Verdienst zu, am meisten zur Rettung der Juden beigetragen zu haben:

Die Juden werden ihm immer dankbar sein. Welches andere große Land hat anderthalb Millionen Juden aus Hitlers Händen gerettet und sein letztes Stück Brot geteilt? Welches Land hat den Antisemitismus abgeschafft? Welches andere Land hat wenigstens ein Stück Land als autonome Region für Juden, die dort leben wollen, gewidmet? All dies und noch mehr wiegt schwer auf der Waage der Geschichte: 89

Am 2. September 1944 stirbt Bella plötzlich an einer Virusinfektion, die aufgrund des kriegsbedingten Mangels an Medikamenten nicht behandelt wurde. Infolgedessen stellte er seine Arbeit für viele Monate ein, und als er die Malerei wieder aufnahm, waren seine ersten Bilder darauf ausgerichtet, Bellas Andenken zu bewahren. Wullschlager schreibt über die Wirkung auf Chagall: „Als 1945 die Nachrichten über den anhaltenden Holocaust in den Konzentrationslagern der Nazis eintrafen, nahm Bella in Chagalls Gedächtnis einen Platz unter den Millionen jüdischer Opfer ein.“ Er zog sogar die Möglichkeit in Betracht, dass ihr „Exil aus Europa ihren Lebenswillen geschwächt hatte“:  419

Nachdem er ein Jahr lang bei seiner Tochter Ida und deren Ehemann Michel Gordey gelebt hatte, begann er eine Romanze mit Virginia Haggard, der Tochter des Diplomaten Sir Godfrey Digby Napier Haggard und Großnichte des Schriftstellers Sir Henry Rider Haggard; ihre Beziehung dauerte sieben Jahre. Sie hatten ein gemeinsames Kind, David McNeil, geboren am 22. Juni 1946. Haggard erinnerte sich in ihrem Buch My Life with Chagall (Robert Hale, 1986) an ihre „sieben Jahre des Überflusses“ mit Chagall.

Einige Monate nachdem es den Alliierten gelungen war, Paris mit Hilfe der alliierten Armeen von der Nazi-Besatzung zu befreien, veröffentlichte Chagall in einer Pariser Wochenzeitung einen Brief „An die Pariser Künstler“:

In den letzten Jahren habe ich mich unglücklich gefühlt, weil ich nicht mit euch, meinen Freunden, zusammen sein konnte. Mein Feind hat mich gezwungen, den Weg des Exils zu gehen. Auf diesem tragischen Weg habe ich meine Frau verloren, die Gefährtin meines Lebens, die Frau, die meine Inspiration war. Ich möchte meinen Freunden in Frankreich sagen, dass sie sich in diesem Gruß an mich anschließt, sie, die Frankreich und die französische Kunst so sehr geliebt hat. Ihre letzte Freude war die Befreiung von Paris… Jetzt, wo Paris befreit ist, wo die Kunst Frankreichs wieder auferstanden ist, wird auch die ganze Welt ein für alle Mal von den satanischen Feinden befreit sein, die nicht nur den Körper, sondern auch die Seele vernichten wollten – die Seele, ohne die es kein Leben, kein künstlerisches Schaffen gibt..:  101

Ab 1946 wurde sein Werk immer bekannter. Das Museum of Modern Art in New York zeigte eine große Ausstellung, die 40 Jahre seines Schaffens präsentierte und den Besuchern einen ersten vollständigen Eindruck von der sich im Laufe der Jahre verändernden Natur seiner Kunst vermittelte. Der Krieg war zu Ende und er begann, Pläne für die Rückkehr nach Paris zu schmieden. Laut Cogniat „fühlte er sich noch stärker als zuvor verbunden, nicht nur mit der Atmosphäre von Paris, sondern auch mit der Stadt selbst, mit ihren Häusern und Ansichten“. Chagall fasste seine Jahre in Amerika zusammen:

Ich habe hier in Amerika während des unmenschlichen Krieges gelebt, in dem die Menschheit sich selbst verlassen hat… Ich habe den Rhythmus des Lebens gesehen. Ich habe gesehen, wie Amerika mit den Alliierten gekämpft hat… den Reichtum, den es verteilt hat, um den Menschen zu helfen, die unter den Folgen des Krieges leiden mussten… Ich mag Amerika und die Amerikaner… die Menschen dort sind offen. Es ist ein junges Land mit den Eigenschaften und Fehlern der Jugend. Es ist eine Freude, solche Menschen zu lieben… Vor allem bin ich beeindruckt von der Größe dieses Landes und der Freiheit, die es bietet..:  170

Im Herbst 1947 kehrte er endgültig zurück und nahm an der Eröffnung der Ausstellung seiner Werke im Musée National d“Art Moderne teil.

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Frankreich (1948-1985)

Nach seiner Rückkehr nach Frankreich reiste er durch ganz Europa und entschied sich, an der Côte d“Azur zu leben, die zu dieser Zeit zu einer Art „Kunstzentrum“ geworden war. Matisse lebte in der Nähe von Saint-Paul-de-Vence, etwa sieben Meilen westlich von Nizza, während Picasso in Vallauris wohnte. Obwohl sie in der Nähe wohnten und manchmal zusammen arbeiteten, gab es zwischen ihnen eine künstlerische Rivalität, da ihre Arbeiten so unterschiedlich waren, und sie wurden nie langfristige Freunde. Laut Picassos Geliebter, Françoise Gilot, hatte Picasso immer noch großen Respekt vor Chagall und sagte einmal zu ihr,

Wenn Matisse stirbt, wird Chagall der einzige Maler sein, der noch weiß, was Farbe ist… Seine Leinwände sind wirklich gemalt, nicht nur zusammengewürfelt. Einige seiner letzten Arbeiten in Vence haben mich davon überzeugt, dass es seit Renoir niemanden mehr gegeben hat, der ein solches Gefühl für Licht hatte wie Chagall.“

Im April 1952 trennte sich Virginia Haggard von Chagall für den Fotografen Charles Leirens; sie wurde später selbst professionelle Fotografin.

Chagalls Tochter Ida heiratete im Januar 1952 den Kunsthistoriker Franz Meyer, und da sie spürte, dass ihr Vater die Gesellschaft einer Frau in seinem Haus vermisste, stellte sie ihm Valentina (Vava) Brodsky vor, eine Frau mit ähnlichem russisch-jüdischen Hintergrund, die in London ein erfolgreiches Hutgeschäft geführt hatte. Sie wurde seine Sekretärin und stimmte nach einigen Monaten zu, nur zu bleiben, wenn Chagall sie heiratete. Die Heirat fand im Juli 1952 statt: 183 – doch sechs Jahre später, als es zu Konflikten zwischen Ida und Vava kam, „ließen sich Marc und Vava scheiden und heirateten sofort wieder unter einer für Vava günstigeren Vereinbarung“ (Jean-Paul Crespelle, Autor von Chagall, l“Amour le Reve et la Vie, zitiert in Haggard: Mein Leben mit Chagall).

1954 wurde er als Bühnenbildner für Robert Helpmanns Inszenierung von Rimski-Korsakows Oper Le Coq d“Or am Royal Opera House, Covent Garden, engagiert, zog sich aber zurück. Der australische Bühnenbildner Loudon Sainthill wurde kurzfristig an seiner Stelle verpflichtet.

In den folgenden Jahren konnte er nicht nur Gemälde und Grafiken, sondern auch zahlreiche Skulpturen und Keramiken herstellen, darunter Wandfliesen, bemalte Vasen, Teller und Krüge. Er begann auch, in größeren Formaten zu arbeiten und fertigte große Wandbilder, Glasfenster, Mosaike und Wandteppiche an.

1963 erhielt Chagall den Auftrag, die neue Decke für die Pariser Oper (Palais Garnier) zu malen, ein majestätisches Gebäude aus dem 19. André Malraux, Frankreichs Kulturminister, wollte etwas Einzigartiges und hielt Chagall für den idealen Künstler. Die Wahl des Künstlers löste jedoch eine Kontroverse aus: Einige waren dagegen, dass ein russischer Jude ein französisches Nationaldenkmal ausschmückte; anderen gefiel es nicht, dass die Decke des historischen Gebäudes von einem modernen Künstler bemalt wurde. Einige Zeitschriften schrieben herablassende Artikel über Chagall und Malraux, woraufhin Chagall sich gegenüber einem Autor äußerte:

Sie hatten es wirklich auf mich abgesehen… Es ist erstaunlich, wie sehr sich die Franzosen über Ausländer ärgern. Du lebst die meiste Zeit deines Lebens hier. Du wirst eingebürgerter Franzose… arbeitest umsonst und dekorierst ihre Kathedralen, und trotzdem verachten sie dich. Du bist nicht einer von ihnen..:  196

Nichtsdestotrotz setzte Chagall das Projekt fort, für das der 77-jährige Künstler ein Jahr benötigte. Die endgültige Leinwand war fast 220 Quadratmeter groß und erforderte 200 Kilogramm Farbe. Sie bestand aus fünf Teilen, die auf Polyesterplatten geklebt und bis zur 21 m hohen Decke hochgezogen wurden. Die Bilder, die Chagall auf die Leinwand malte, waren eine Hommage an die Komponisten Mozart, Wagner, Mussorgsky, Berlioz und Ravel sowie an berühmte Schauspieler und Tänzer: 199

Es wurde am 23. September 1964 in Anwesenheit von Malraux und 2.100 geladenen Gästen der Öffentlichkeit vorgestellt. Der Pariser Korrespondent der New York Times schrieb: „Für einmal waren die besten Plätze im obersten Kreis: 199 Baal-Teshuva schreibt:

Zu Beginn war der große Kristalllüster, der in der Mitte der Decke hing, unbeleuchtet… Das gesamte Ballett betrat die Bühne, woraufhin das Orchester der Oper zu Ehren Chagalls das Finale der „Jupiter-Sinfonie“ von Mozart, Chagalls Lieblingskomponisten, spielte. Während der letzten Takte der Musik leuchtete der Kronleuchter auf und erweckte das Deckengemälde des Künstlers in seiner ganzen Pracht zum Leben, was das Publikum mit stürmischem Beifall quittierte: 199

Nach der Enthüllung der neuen Decke „schienen selbst die erbittertsten Gegner der Kommission zu verstummen“, schreibt Baal-Teshuva. „Einhellig erklärte die Presse Chagalls neues Werk zu einem großen Beitrag zur französischen Kultur.“ Malraux sagte später: „Welcher andere lebende Künstler hätte die Decke der Pariser Oper so malen können, wie Chagall es getan hat?… Er ist vor allem einer der großen Koloristen unserer Zeit… viele seiner Gemälde und die Decke der Oper stellen erhabene Bilder dar, die zu den schönsten Gedichten unserer Zeit gehören, so wie Tizian die schönsten Gedichte seiner Zeit schuf“:  199 In seiner Rede vor dem Publikum erklärte Chagall die Bedeutung des Werks:

Dort oben in meinem Gemälde wollte ich wie ein Spiegel in einem Blumenstrauß die Träume und Kreationen der Sänger und Musiker reflektieren, die Bewegung des bunt gekleideten Publikums unten in Erinnerung rufen und die großen Opern- und Ballettkomponisten ehren… Ich schenke dieses Werk nun Frankreich und seiner École de Paris, ohne die es keine Farbe und keine Freiheit gäbe. „151

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Farbe

Laut Cogniat waren es bei allen Werken Chagalls in allen Phasen seines Lebens die Farben, die die Aufmerksamkeit des Betrachters auf sich zogen und fesselten. In seinen früheren Jahren war seine Bandbreite durch seine Betonung der Form begrenzt, und seine Bilder vermittelten nie den Eindruck gemalter Zeichnungen. Er fügt hinzu: „Die Farben sind ein lebendiger, integraler Bestandteil des Bildes und niemals passiv, flach oder banal wie ein nachträglicher Einfall. Sie modellieren und beleben das Volumen der Formen… sie schwelgen in Fantasie und Erfindungsreichtum, die neue Perspektiven und abgestufte, gemischte Töne hinzufügen… Seine Farben versuchen nicht einmal, die Natur zu imitieren, sondern suggerieren vielmehr Bewegungen, Flächen und Rhythmen“.

Er war in der Lage, mit nur zwei oder drei Farben eindrucksvolle Bilder zu schaffen. Cogniat schreibt: „Chagall ist unübertroffen in der Fähigkeit, mit der einfachsten Verwendung von Farben einen lebendigen Eindruck von explosiver Bewegung zu vermitteln…“ Sein ganzes Leben lang schufen seine Farben eine „vibrierende Atmosphäre“, die auf „seiner eigenen persönlichen Vision“ beruhte:  60

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Gegenstand

Chagalls frühes Leben hat ihm ein „starkes visuelles Gedächtnis und eine bildhafte Intelligenz“ verliehen, schreibt Goodman. Nachdem er in Frankreich gelebt und die Atmosphäre der künstlerischen Freiheit erlebt hatte, „stieg seine Vision in die Höhe und er schuf eine neue Realität, die sich sowohl auf seine innere als auch auf seine äußere Welt stützte.“ Aber es waren die Bilder und Erinnerungen an seine frühen Jahre in Weißrussland, die seine Kunst mehr als 70 Jahre lang tragen sollten:  13

Cogniat zufolge gibt es bestimmte Elemente in seiner Kunst, die während seiner gesamten Laufbahn erhalten geblieben sind. Eines davon war die Wahl seiner Themen und die Art und Weise, wie er sie darstellte. „Das offensichtlich konstanteste Element ist seine Gabe zur Fröhlichkeit und sein instinktives Mitgefühl, das ihn selbst bei den ernstesten Themen vor der Dramatisierung bewahrt…“:  89 Die Musiker waren eine Konstante in allen Phasen seines Schaffens. Nach seiner ersten Heirat „haben sich die Liebenden gesucht, umarmt, gestreichelt, sind durch die Luft geschwebt, haben sich in Blumenkränzen getroffen, haben sich gestreckt und sind wie der melodiöse Zug ihrer lebhaften Tagträume dahingeschwebt. Akrobaten verrenken sich mit der Anmut exotischer Blumen am Ende ihrer Stängel; Blumen und Laub gibt es überall“. Wullschlager erläutert die Quellen für diese Bilder:

Für ihn ähnelten Clowns und Akrobaten immer Figuren in religiösen Gemälden… Die Entwicklung der Zirkuswerke… spiegelt eine allmähliche Eintrübung seines Weltbildes wider, und die Zirkusartisten machten in seinem Werk nun dem Propheten oder Weisen Platz – eine Figur, in die Chagall seine Angst hineinlegte, als Europa sich verdunkelte und er sich nicht mehr auf die Lumière-Liberté Frankreichs als Inspiration verlassen konnte..:  337

Chagall beschrieb seine Liebe zu Zirkusleuten:

Warum berühren mich ihre Schminke und Grimassen so sehr? Mit ihnen kann ich zu neuen Horizonten aufbrechen… Chaplin versucht im Film das zu tun, was ich in meiner Malerei zu tun versuche. Er ist heute vielleicht der einzige Künstler, mit dem ich auskommen könnte, ohne ein einziges Wort sagen zu müssen. „337

Seine frühen Bilder zeigen oft die Stadt, in der er geboren und aufgewachsen ist, Vitebsk. Cogniat merkt an, dass diese Bilder realistisch sind und den Eindruck vermitteln, dass er sie aus erster Hand erlebt hat, indem er einen Moment in der Zeit mit einer Handlung festhielt, oft mit einem dramatischen Bild. In seinen späteren Jahren, wie zum Beispiel in der „Bibel-Serie“, waren die Themen dramatischer. Es gelang ihm, das Reale mit dem Fantastischen zu vermischen, und in Verbindung mit der Verwendung von Farbe waren die Bilder immer zumindest akzeptabel, wenn nicht sogar beeindruckend. Er versuchte nie, die reine Realität darzustellen, sondern schuf seine Atmosphären immer durch Fantasie. „91 In allen Fällen ist Chagalls „beständigstes Thema das Leben selbst, in seiner Einfachheit oder seiner verborgenen Komplexität… Er stellt uns Orte, Menschen und Gegenstände aus seinem eigenen Leben vor“.

Nachdem er die Techniken des Fauvismus und des Kubismus (unter dem Einfluss von Jean Metzinger und Albert Gleizes) aufgenommen hatte, gelang es Chagall, diese stilistischen Tendenzen mit seinem eigenen volkstümlichen Stil zu verbinden. Er verlieh dem düsteren Leben der chassidischen Juden die „romantischen Obertöne einer verzauberten Welt“, so Goodman. Indem er die Aspekte des Modernismus mit seiner „einzigartigen künstlerischen Sprache“ verband, konnte er die Aufmerksamkeit von Kritikern und Sammlern in ganz Europa auf sich ziehen. Im Allgemeinen war es seine Kindheit in einer weißrussischen Provinzstadt, die ihm eine ständige Quelle für fantasievolle Anregungen bot. Chagall wurde einer von vielen jüdischen Emigranten, die später zu bedeutenden Künstlern wurden, da sie alle einst zu „Russlands zahlreichsten und kreativsten Minderheiten“ gehörten, wie Goodman feststellt: 13

Der Erste Weltkrieg, der 1918 endete, hatte fast eine Million Juden vertrieben und zerstört, was von der provinziellen Schtetl-Kultur übrig geblieben war, die das Leben der meisten osteuropäischen Juden über Jahrhunderte bestimmt hatte. Goodman stellt fest: „Das Verblassen der traditionellen jüdischen Gesellschaft hinterließ bei Künstlern wie Chagall starke Erinnerungen, die sich nicht mehr aus einer greifbaren Realität speisen konnten. Stattdessen wurde diese Kultur zu einer emotionalen und intellektuellen Quelle, die nur noch in der Erinnerung und in der Phantasie existierte… Die Erfahrung war so reichhaltig, dass sie ihn für den Rest seines Lebens unterstützte“:  15 Sweeney fügt hinzu, dass „wenn man Chagall bittet, seine Bilder zu erklären, er antworten würde: “Ich verstehe sie überhaupt nicht. Sie sind keine Literatur. Sie sind nur malerische Anordnungen von Bildern, die mich besessen machen…“:  7

Als er 1948 nach dem Krieg aus den USA nach Frankreich zurückkehrte, sah er mit eigenen Augen die Zerstörung, die der Krieg über Europa und die jüdische Bevölkerung gebracht hatte. 1951 schrieb er im Rahmen eines Gedenkbuchs für die vierundachtzig jüdischen Künstler, die von den Nazis in Frankreich ermordet wurden, ein Gedicht mit dem Titel „Für die geschlachteten Künstler“: 1950″, das ihn zu Gemälden wie dem Davidlied (siehe Foto) inspirierte:

Ich sehe das Feuer, den Rauch und die Gase, die zur blauen Wolke aufsteigen und sie schwarz machen. Ich sehe die ausgerissenen Haare, die herausgerissenen Zähne. Sie überwältigen mich mit meiner rasenden Palette. Ich stehe in der Wüste vor Haufen von Stiefeln, Kleidung, Asche und Dung und murmle mein Kaddisch. Und als ich von meinen Bildern aufstehe, steigt der gemalte David zu mir herab, die Harfe in der Hand. Er will mir beim Weinen helfen und Kapitel aus den Psalmen rezitieren..:  114-115

Lewis schreibt, dass Chagall „der wichtigste bildende Künstler bleibt, der Zeugnis von der Welt des osteuropäischen Judentums abgelegt hat… und ungewollt zum öffentlichen Zeugen einer untergegangenen Zivilisation wurde“. Obwohl das Judentum religiöse Hemmungen gegenüber der Darstellung vieler religiöser Themen hat, gelang es Chagall, seine Fantasiebilder als eine Form der visuellen Metapher in Verbindung mit volkstümlicher Symbolik zu verwenden. Sein „Fiedler auf dem Dach“ zum Beispiel kombiniert eine volkstümliche Dorfkulisse mit einem Fiedler, um die jüdische Liebe zur Musik zu zeigen, die für den jüdischen Geist wichtig ist.

Die Musik spielte eine wichtige Rolle bei der Gestaltung der Themen seiner Arbeit. Während er später die Musik von Bach und Mozart liebte, wurde er in seiner Jugend vor allem von der Musik der chassidischen Gemeinschaft beeinflusst, in der er aufwuchs. Der Kunsthistoriker Franz Meyer weist darauf hin, dass einer der Hauptgründe für den unkonventionellen Charakter seines Werks mit dem Chassidismus zusammenhängt, der die Welt seiner Kindheit und Jugend inspirierte und der sich den meisten osteuropäischen Juden seit dem 18. Er schreibt: „Für Chagall ist dies eine der tiefsten Quellen, nicht der Inspiration, sondern einer bestimmten spirituellen Haltung… der hassidische Geist ist immer noch die Grundlage und die Quelle der Nahrung seiner Kunst.“:  24 In einem Vortrag, den Chagall 1963 bei einem Besuch in Amerika hielt, sprach er über einige dieser Eindrücke.

Chagall hatte jedoch eine komplexe Beziehung zum Judentum. Einerseits schrieb er seinem russisch-jüdischen kulturellen Hintergrund eine entscheidende Rolle für seine künstlerische Vorstellungskraft zu. Doch so zwiespältig er seiner Religion auch gegenüberstand, so konnte er doch nicht umhin, seine jüdische Vergangenheit als künstlerisches Material heranzuziehen. Als Erwachsener war er kein praktizierender Jude, aber mit seinen Gemälden und Glasmalereien versuchte er immer wieder, eine „universelle Botschaft“ zu vermitteln, indem er sowohl jüdische als auch christliche Themen verwendete.

Etwa zweitausend Jahre lang hat uns eine Energiereserve genährt und unterstützt und unser Leben erfüllt, aber im letzten Jahrhundert hat sich in dieser Reserve ein Riss aufgetan, und ihre Bestandteile haben begonnen, sich aufzulösen: Gott, die Perspektive, die Farbe, die Bibel, die Form, die Linie, die Traditionen, die sogenannten Geisteswissenschaften, die Liebe, die Hingabe, die Familie, die Schule, die Erziehung, die Propheten und Christus selbst. Habe vielleicht auch ich zu meiner Zeit gezweifelt? Ich habe Bilder verkehrt herum gemalt, Menschen enthauptet und seziert und die Teile in die Luft gestreut, alles im Namen einer anderen Perspektive, einer anderen Art von Bildkomposition und eines anderen Formalismus. „29

Er bemühte sich auch, sein Werk nicht nur auf das Judentum auszurichten. Bei der Eröffnung des Chagall-Museums in Nizza sagte er: „Meine Malerei repräsentiert nicht den Traum eines Volkes, sondern den der gesamten Menschheit“.

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Buntglasfenster

Einer von Chagalls wichtigsten Beiträgen zur Kunst war seine Arbeit mit Glasmalerei. Dieses Medium ermöglichte es ihm, seinen Wunsch nach intensiven und frischen Farben weiter zum Ausdruck zu bringen, und hatte den zusätzlichen Vorteil, dass natürliches Licht und Lichtbrechung miteinander interagierten und sich ständig veränderten: alles, von der Position, an der der Betrachter stand, bis hin zum Wetter draußen, veränderte den visuellen Effekt (obwohl dies bei seinen Hadassah-Fenstern nicht der Fall ist). Erst 1956, im Alter von fast 70 Jahren, entwarf er Fenster für die Kirche von Assy, sein erstes großes Projekt. Von 1958 bis 1960 schuf er dann die Fenster für die Kathedrale von Metz.

Im Jahr 1960 begann er mit der Gestaltung von Glasfenstern für die Synagoge des Hadassah Medical Center der Hebräischen Universität in Jerusalem. Leymarie schreibt, dass „um die Synagoge sowohl spirituell als auch physisch zu erhellen“, beschlossen wurde, die zwölf Fenster, die die zwölf Stämme Israels repräsentieren, mit Buntglas zu füllen. Chagall stellte sich die Synagoge als „eine der jüdischen Königin dargebotene Krone“ vor, und die Fenster als „Juwelen aus durchscheinendem Feuer“, schreibt sie. Chagall widmete der Aufgabe die nächsten zwei Jahre, und nach der Fertigstellung 1961 wurden die Fenster in Paris und anschließend im Museum of Modern Art in New York ausgestellt. Im Februar 1962 wurden sie dauerhaft in Jerusalem installiert. Jedes der zwölf Fenster ist etwa 2,4 m (11 Fuß) hoch und 2,4 m (8 Fuß) breit und damit viel größer als alles, was er zuvor gemacht hatte. Cogniat hält sie für „sein größtes Werk auf dem Gebiet der Glasmalerei“, obwohl Virginia Haggard McNeil Chagalls Enttäuschung darüber festhält, dass sie mit künstlichem Licht beleuchtet werden sollten und sich daher nicht entsprechend den Bedingungen des natürlichen Lichts verändern würden.

Der französische Philosoph Gaston Bachelard kommentierte, dass „Chagall die Bibel liest und plötzlich werden die Passagen hell“: xii 1973 brachte Israel ein 12-Briefmarkenset mit Abbildungen der Buntglasfenster heraus.

Die Fenster symbolisieren die zwölf Stämme Israels, die von Jakob und Mose in den Versen gesegnet wurden, die die Bücher Genesis und Deuteronomium abschließen. In diesen Büchern, so Leymarie, „wiederholte der sterbende Moses die feierliche Handlung Jakobs und segnete in einer etwas anderen Reihenfolge auch die zwölf Stämme Israels, die im Begriff waren, in das Land Kanaan einzuziehen… In der Synagoge, wo die Fenster auf die gleiche Weise verteilt sind, bilden die Stämme eine symbolische Ehrenwache um die Stiftshütte“: xii Leymarie beschreibt die physische und geistige Bedeutung der Fenster:

Die Essenz der Jerusalemer Fenster liegt in der Farbe, in Chagalls magischer Fähigkeit, Material zu beleben und in Licht zu verwandeln. Worte haben nicht die Kraft, Chagalls Farbe zu beschreiben, ihre Spiritualität, ihre singende Qualität, ihre schillernde Leuchtkraft, ihren immer subtileren Fluss und ihre Sensibilität für die Beugungen der Seele und die Transporte der Phantasie. Sie ist gleichzeitig juwelenhart und schaumig, widerhallend und durchdringend, strahlt Licht aus einem unbekannten Inneren aus: xii

Bei der Einweihungsfeier 1962 beschrieb Chagall seine Gefühle zu den Fenstern:

Für mich ist ein Buntglasfenster eine transparente Trennwand zwischen meinem Herzen und dem Herzen der Welt. Die Glasmalerei muss ernsthaft und leidenschaftlich sein. Sie ist etwas Erhebendes und Erheiterndes. Es muss durch die Wahrnehmung von Licht leben. Die Bibel zu lesen bedeutet, ein bestimmtes Licht wahrzunehmen, und das Fenster muss dies durch seine Einfachheit und Anmut deutlich machen… Die Gedanken nisten seit vielen Jahren in mir, seit der Zeit, als meine Füße das Heilige Land betraten, als ich mich darauf vorbereitete, Gravuren der Bibel zu schaffen. Sie haben mich gestärkt und ermutigt, mein bescheidenes Geschenk dem jüdischen Volk zu bringen – jenem Volk, das hier vor Tausenden von Jahren unter den anderen semitischen Völkern lebte..:  145-146

1964 schuf Chagall für die UNO ein Buntglasfenster mit dem Titel Frieden zu Ehren von Dag Hammarskjöld, dem zweiten Generalsekretär der UNO, der 1961 bei einem Flugzeugabsturz in Afrika ums Leben kam. Das Fenster ist etwa 4,6 m (15 Fuß) breit und 3,7 m (12 Fuß) hoch und enthält Symbole des Friedens und der Liebe sowie Musiksymbole. 1967 widmete er John D. Rockefeller ein Buntglasfenster in der Union Church von Pocantico Hills, New York.

Die 853 gegründete Fraumünsterkirche in Zürich, Schweiz, ist für ihre fünf großen Glasfenster bekannt, die Chagall 1967 schuf. Jedes Fenster ist 9,8 m (32 Fuß) hoch und 0,91 m (3 Fuß) breit. Der Religionshistoriker James H. Charlesworth stellt fest, dass es „überraschend ist, wie christliche Symbole in den Werken eines Künstlers auftauchen, der aus einem strengen und orthodoxen jüdischen Umfeld stammt“. Er vermutet, dass Chagall aufgrund seines russischen Hintergrunds in seinen Gemälden häufig russische Ikonen mit ihren Interpretationen christlicher Symbole verwendete. Er erklärt, dass die von ihm gewählten Themen in der Regel von biblischen Geschichten abgeleitet waren und häufig den „Gehorsam und das Leiden des auserwählten Volkes Gottes“ darstellten. Eine der Tafeln zeigt Moses, wie er die Thora empfängt, mit Lichtstrahlen auf seinem Kopf. Am oberen Rand einer anderen Tafel ist die Kreuzigung Jesu dargestellt.

Im Jahr 1978 begann er mit der Gestaltung von Fenstern für die Stephanskirche in Mainz, Deutschland. Heute besuchen jährlich 200.000 Besucher die Kirche, und „Touristen aus der ganzen Welt pilgern auf den Stephansberg, um die leuchtend blauen Glasfenster des Künstlers Marc Chagall zu sehen“, heißt es auf der Website der Stadt. „St. Stephan ist die einzige deutsche Kirche, für die Chagall Fenster geschaffen hat.“

Weiter heißt es auf der Website: „Die Farben sprechen unser Lebensbewusstsein direkt an, denn sie erzählen von Optimismus, Hoffnung und Lebensfreude“, sagt Monsignore Klaus Mayer, der das Werk Chagalls in Mediationen und Büchern vermittelt. Er korrespondierte 1973 mit Chagall und es gelang ihm, den „Meister der Farbe und der biblischen Botschaft“ dazu zu bewegen, ein Zeichen für jüdisch-christliche Verbundenheit und Völkerverständigung zu setzen. Jahrhunderte zuvor war Mainz „die Hauptstadt des europäischen Judentums“ und beherbergte die größte jüdische Gemeinde in Europa, wie der Historiker John Man feststellt. Im Jahr 1978, im Alter von 91 Jahren, schuf Chagall das erste Fenster, dem acht weitere folgten. Chagalls Mitarbeiter Charles Marq ergänzte das Werk Chagalls mit mehreren Glasfenstern in den für Chagall typischen Farben.

Die Allerheiligenkirche in Tudeley ist die einzige Kirche der Welt, deren zwölf Fenster vollständig von Chagall gestaltet wurden. Die anderen drei religiösen Gebäude mit vollständigen Chagall-Fenstern sind die Synagoge des Hadassah Medical Center, die Kapelle von Le Saillant im Limousin und die Union Church in Pocantico Hills, New York.

Die Fenster in Tudeley wurden von Sir Henry und Lady Rosemary d“Avigdor-Goldsmid in Auftrag gegeben, um ihrer Tochter Sarah zu gedenken, die 1963 im Alter von 21 Jahren bei einem Segelunfall vor Rye ums Leben kam. Als Chagall 1967 zur Einweihung des Ostfensters kam und die Kirche zum ersten Mal sah, rief er aus: „C“est magnifique! Je les ferai tous!“ (In den folgenden zehn Jahren entwarf Chagall die restlichen elf Fenster, die er wiederum in Zusammenarbeit mit dem Glasbläser Charles Marq in dessen Werkstatt in Reims in Nordfrankreich anfertigte. Die letzten Fenster wurden 1985, kurz vor Chagalls Tod, eingebaut.

An der Nordseite der Kathedrale von Chichester befindet sich ein Buntglasfenster, das Chagall im Alter von 90 Jahren entworfen und geschaffen hat. Das Fenster, sein letztes Auftragswerk, wurde auf Anregung von Dekan Walter Hussey durch Psalm 150 inspiriert: „Alles, was Odem hat, lobe den Herrn“. Das Fenster wurde 1978 von der Herzogin von Kent enthüllt.

Chagall besuchte Chicago in den frühen 1970er Jahren, um sein Wandgemälde Die vier Jahreszeiten zu installieren, und wurde damals inspiriert, eine Reihe von Glasfenstern für das Art Institute of Chicago zu schaffen. Nach Gesprächen mit dem Art Institute und weiteren Überlegungen machte Chagall die Fenster zu einer Hommage an die Zweihundertjahrfeier der USA und insbesondere an das Engagement der Vereinigten Staaten für kulturelle und religiöse Freiheit. Die Fenster tauchten 1986 in dem Film Ferris Bueller“s Day Off auf. Von 2005 bis 2010 wurden die Fenster wegen der Bauarbeiten an einem neuen Flügel des Art Institute und zur Reinigung des Archivs ausgelagert.

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Wandmalereien, Theaterkulissen und Kostüme

Chagall arbeitete zum ersten Mal 1914 an Bühnenbildern, als er in Russland lebte und sich von dem Theaterdesigner und Künstler Léon Bakst inspirieren ließ. In dieser Periode des russischen Theaters wurden laut Cogniat die ehemals statischen Vorstellungen von Bühnenbildern „zugunsten eines völlig willkürlichen Raumgefühls mit unterschiedlichen Dimensionen, Perspektiven, Farben und Rhythmen hinweggefegt“:  66 Diese Veränderungen gefielen Chagall, der mit dem Kubismus experimentiert hatte und einen Weg suchte, seine Bilder zu beleben. Indem er Wandbilder und Bühnenbilder entwarf, wurden Chagalls „Träume lebendig und zu einer tatsächlichen Bewegung“.

Infolgedessen spielte Chagall in dieser Zeit eine wichtige Rolle im russischen Kunstleben und war „eine der wichtigsten Kräfte des gegenwärtigen Drangs zum Antirealismus“, der dem neuen Russland zu „erstaunlichen“ Schöpfungen verhalf. Viele seiner Entwürfe entstanden für das Jüdische Theater in Moskau, das zahlreiche jüdische Stücke von Schriftstellern wie Gogol und Singe aufführte. Chagalls Bühnenbilder trugen dazu bei, illusorische Atmosphären zu schaffen, die zur Essenz der Theateraufführungen wurden.

Nachdem er Russland verlassen hatte, dauerte es zwanzig Jahre, bis er wieder die Möglichkeit erhielt, Theaterkulissen zu entwerfen. In den Jahren dazwischen malte er weiterhin Harlekine, Clowns und Akrobaten, die, wie Cogniat feststellt, „seine sentimentale Verbundenheit und Nostalgie mit dem Theater zum Ausdruck bringen“. Sein erster Auftrag für die Gestaltung von Bühnenbildern nach Russland war das Ballett „Aleko“ im Jahr 1942, als er in Amerika lebte. Im Jahr 1945 erhielt er auch den Auftrag, die Bühnenbilder und Kostüme für Strawinskys Feuervogel zu entwerfen. Diese Entwürfe trugen wesentlich dazu bei, seinen Ruf als bedeutender Künstler in Amerika zu verbessern, und werden auch heute noch vom New York City Ballet verwendet.

Cogniat beschreibt, wie Chagalls Entwürfe „den Betrachter in ein leuchtendes, farbiges Märchenland eintauchen lassen, in dem die Formen nebelhaft definiert sind und die Räume selbst von Wirbelstürmen oder Explosionen belebt scheinen“. Seine Technik der theatralischen Farbgestaltung erreichte ihren Höhepunkt, als Chagall 1958 nach Paris zurückkehrte und die Bühnenbilder für Ravels Daphnis und Chloë entwarf.

Im Jahr 1964 bemalte er die Decke der Pariser Oper auf einer Fläche von 220 m2 neu. Er malte zwei monumentale Wandgemälde, die an gegenüberliegenden Seiten der neuen Metropolitan Opera im Lincoln Center in New York hängen, die 1966 eröffnet wurde. Die Werke, The Sources of Music und The Triumph of Music, die von der obersten Balkonebene abhängen und sich bis zum Foyer des Grand Tier erstrecken, wurden in Frankreich fertiggestellt und nach New York verschifft und sind während der Stunden, in denen das Opernhaus direktem Sonnenlicht ausgesetzt ist, durch ein System von Tafeln abgedeckt, um ein Verblassen zu verhindern. Er entwarf auch die Bühnenbilder und Kostüme für eine neue Produktion von Die Zauberflöte, die im Februar 1967 Premiere hatte und bis 1981 aufgeführt wurde.

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Wandteppiche

Chagall entwarf auch Wandteppiche, die unter der Leitung von Yvette Cauquil-Prince, die auch mit Picasso zusammenarbeitete, gewebt wurden. Diese Wandteppiche sind viel seltener als seine Gemälde, denn nur 40 von ihnen gelangten jemals auf den Markt. Chagall entwarf drei Wandteppiche für die Staatshalle der Knesset in Israel sowie 12 Bodenmosaike und ein Wandmosaik.

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Keramiken und Skulpturen

Während seines Aufenthalts in Südfrankreich begann Chagall, sich mit Keramik und Bildhauerei zu beschäftigen. Die Keramik wurde an der Côte d“Azur zur Mode, und in Antibes, Vence und Vallauris entstanden verschiedene Werkstätten. Er nahm zusammen mit anderen bekannten Künstlern wie Picasso und Fernand Léger Unterricht. Zunächst bemalte Chagall bereits existierende Töpferwaren, doch schon bald begann er, seine eigenen Entwürfe zu entwerfen, womit seine Arbeit als Bildhauer als Ergänzung zu seiner Malerei begann.

Nachdem er mit Töpferwaren und Geschirr experimentiert hatte, wandte er sich großen keramischen Wandbildern zu. Er war jedoch nie zufrieden mit den Grenzen, die ihm die quadratischen Fliesensegmente auferlegten, die, wie Cogniat bemerkt, „ihm eine Disziplin auferlegten, die die Schaffung eines plastischen Bildes verhinderte“:  76

Die Autorin Serena Davies schreibt: „Als er 1985 in Frankreich starb – er war der letzte überlebende Meister der europäischen Moderne und überlebte Joan Miró um zwei Jahre – hatte er die großen Hoffnungen und die niederschmetternden Enttäuschungen der russischen Revolution aus erster Hand erlebt und war Zeuge des Endes der Pale of Settlement, der Beinahe-Vernichtung des europäischen Judentums und der Auslöschung von Witebsk, seiner Heimatstadt, in der nur 118 von 240.000 Einwohnern den Zweiten Weltkrieg überlebten.“

Chagalls letztes Werk war ein Auftragswerk für das Rehabilitation Institute of Chicago. Das Maquette-Gemälde mit dem Titel Hiob war bereits fertiggestellt, aber Chagall starb kurz vor der Fertigstellung des Wandteppichs. Yvette Cauquil-Prince webte den Wandteppich unter Chagalls Aufsicht und war die letzte Person, die mit Chagall zusammenarbeitete. Sie verließ das Haus von Vava und Marc Chagall am 28. März um 16 Uhr, nachdem sie die letzten Farben der Maquette für den Wandteppich besprochen und abgestimmt hatte. Er starb an diesem Abend.

Sein Verhältnis zu seiner jüdischen Identität war „ungelöst und tragisch“, so Davies. Er wäre ohne jüdische Riten gestorben, wenn nicht ein jüdischer Fremder aufgetaucht wäre und das Kaddisch, das jüdische Totengebet, über seinem Sarg gesprochen hätte. Chagall ist an der Seite seiner letzten Frau Valentina „Vava“ Brodsky Chagall auf dem multikonfessionellen Friedhof in der traditionellen Künstlerstadt Saint-Paul-de-Vence in der französischen Region Provence begraben.

Die Chagall-Biografin Jackie Wullschlager lobt ihn als „Pionier der modernen Kunst und einen ihrer größten figurativen Maler …, der eine Bildsprache erfand, die den Nervenkitzel und den Terror des zwanzigsten Jahrhunderts festhielt“. Sie fügt hinzu:

Auf seinen Leinwänden lesen wir den Triumph der Moderne, den Durchbruch der Kunst zu einem Ausdruck des inneren Lebens, der … eines der wichtigsten Vermächtnisse des letzten Jahrhunderts ist. Gleichzeitig war Chagall persönlich von den Schrecken der europäischen Geschichte zwischen 1914 und 1945 betroffen: Weltkriege, Revolutionen, ethnische Verfolgung, die Ermordung und das Exil von Millionen. In einer Zeit, in der viele große Künstler vor der Realität in die Abstraktion flüchteten, destillierte er seine Erfahrungen von Leid und Tragödie in Bilder, die zugleich unmittelbar, einfach und symbolisch waren und auf die jeder reagieren konnte. „4

Die Kunsthistoriker Ingo Walther und Rainer Metzger bezeichnen Chagall als „Dichter, Träumer und exotische Erscheinung“. Sie fügen hinzu, dass ihm während seines langen Lebens die „Rolle des Außenseiters und künstlerischen Exzentrikers“ ganz natürlich vorkam, da er eine Art Vermittler zwischen den Welten zu sein schien: „als Jude mit einer fürstlichen Verachtung für das alte Verbot der Bildermacherei; als Russe, der über den Bereich der vertrauten Selbstgenügsamkeit hinausging; oder als Sohn armer Eltern, der in einer großen und bedürftigen Familie aufwuchs.“ Dennoch etablierte er sich in der mondänen Welt der „eleganten künstlerischen Salons“:  7

Dank seiner Vorstellungskraft und seiner starken Erinnerungen konnte Chagall in den meisten seiner Werke typische Motive und Themen verwenden: dörfliche Szenen, bäuerliches Leben und intime Ansichten der kleinen Welt des jüdischen Dorfes (Schtetl). Seine ruhigen Figuren und einfachen Gesten trugen dazu bei, ein „monumentales Gefühl von Würde“ zu erzeugen, indem sie die alltäglichen jüdischen Rituale in ein „zeitloses Reich ikonischer Friedlichkeit“ übersetzten:  8 Leymarie schreibt, dass Chagall „die Grenzen seines Jahrhunderts überwunden hat. Er hat Möglichkeiten aufgedeckt, die eine Kunst, die den Kontakt zur Bibel verloren hatte, nicht vermutet hatte, und er hat damit eine völlig neue Synthese der jüdischen Kultur geschaffen, die von der Malerei lange Zeit ignoriert wurde“. Er fügt hinzu, dass Chagalls Kunst zwar nicht auf die Religion beschränkt werden kann, dass aber seine „bewegendsten und originellsten Beiträge, das, was er “seine Botschaft“ nannte, aus religiösen oder, genauer gesagt, biblischen Quellen stammen.“: x

Walther und Metzger versuchen, den Beitrag Chagalls zur Kunst zusammenzufassen:

Sein Leben und seine Kunst ergeben zusammen das Bild eines einsamen Visionärs, eines Weltbürgers, der noch viel vom Kind in sich trägt, eines Fremden, der sich im Staunen verliert – ein Bild, für dessen Pflege der Künstler alles tat. Tief religiös und heimatverbunden, ist sein Werk wohl der eindringlichste Appell an Toleranz und Respekt gegenüber allem Andersartigen, den die moderne Zeit hervorbringen konnte. „7

Andre Malraux lobte ihn. Er sagte: „Er ist der größte Bildermacher dieses Jahrhunderts. Er hat unsere Welt mit dem Licht der Freiheit betrachtet und sie mit den Farben der Liebe gesehen.“

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Kunstmarkt

Ein Ölgemälde von Chagall aus dem Jahr 1928, Les Amoureux, mit den Maßen 117,3 x 90,5 cm, das Bella Rosenfeld, die erste Frau des Künstlers und Wahlheimat Paris, zeigt, wurde am 14. November 2017 bei Sotheby“s New York für 28,5 Millionen Dollar (mit Gebühren) verkauft und verdoppelte damit fast den 27 Jahre alten Auktionsrekord von Chagall in Höhe von 14,85 Millionen Dollar.

Im Oktober 2010 war sein Gemälde Bestiaire et Musique, das eine Braut und einen Fiedler zeigt, die inmitten von Zirkusartisten und Tieren in den Nachthimmel schweben, „das Hauptlos“ bei einer Auktion in Hongkong. Mit einem Preis von 4,1 Millionen Dollar war es das teuerste zeitgenössische westliche Gemälde, das jemals in Asien verkauft wurde.

Im Jahr 2013 wurden bisher unbekannte Werke von Chagall in einem Versteck entdeckt, das der Sohn eines der Kunsthändler Hitlers, Hildebrand Gurlitt, angelegt hatte.

In den 1990er Jahren schrieb Daniel Jamieson The Flying Lovers of Vitebsk, ein Stück über das Leben von Chagall und seiner Partnerin Bella. Es wurde mehrfach wiederaufgenommen, zuletzt 2020 unter der Regie von Emma Rice. Die Inszenierung wurde live aus dem Bristol Old Vic gestreamt und anschließend in Zusammenarbeit mit Theatern auf der ganzen Welt als On-Demand-Version zur Verfügung gestellt. In dieser Inszenierung spielten Marc Antolin die Rolle des Chagall und Audrey Brisson die Rolle der Bella Chagall. Da die Produktion während der COVID-Epidemie stattfand, musste die gesamte Crew gemeinsam in Quarantäne gehen, um die Live-Aufführung und die Übertragung zu ermöglichen.

Zu seinen Lebzeiten erhielt Chagall mehrere Auszeichnungen:

Chagall, ein kurzer Dokumentarfilm von 1963, zeigt Chagall. Er wurde 1964 mit dem Academy Award für den besten Kurzdokumentarfilm ausgezeichnet.

Aufgrund des internationalen Ansehens, das er genoss, und der Beliebtheit seiner Kunst haben mehrere Länder ihm zu Ehren Gedenkbriefmarken herausgegeben, die Beispiele aus seinen Werken zeigen. Im Jahr 1963 gab Frankreich eine Briefmarke mit seinem Gemälde Das Ehepaar vor dem Eiffelturm heraus. 1969 gab Israel eine Briefmarke mit dem Gemälde König David heraus. 1973 gab Israel ein Briefmarkenset mit 12 Briefmarken heraus, auf denen die von ihm für die Synagoge des Hadassah Hebrew University Medical Center geschaffenen Buntglasfenster abgebildet waren; jedes Fenster stand für einen der „Zwölf Stämme Israels“.

Im Jahr 1987, zum hundertsten Jahrestag seiner Geburt in Weißrussland, beteiligten sich sieben Länder an einem speziellen Sammelprogramm und gaben Briefmarken zu seinen Ehren heraus. Zu den Ländern, die die Briefmarken herausgaben, gehörten Antigua und Barbuda, Dominica, Gambia, Ghana, Sierra Leone und Grenada, die zusammen 48 Briefmarken und 10 Blocks produzierten. Obwohl die Briefmarken alle seine verschiedenen Meisterwerke abbilden, sind die Namen der Kunstwerke nicht auf den Briefmarken aufgeführt.

Zu Lebzeiten Chagalls und nach seinem Tod gab es mehrere große Ausstellungen mit seinen Werken.

Während der Abschlusszeremonie der Olympischen Winterspiele 2014 in Sotschi schwebte ein Chagall-ähnlicher Wagen mit Wolken und Tänzern kopfüber über 130 kostümierten Tänzern, 40 Stelzenläufern und einem Geiger, der Volksmusik spielte.

Quellen

1. Marc Chagall
2. Marc Chagall