Marlon Brando

Dimitris Stamatios | November 1, 2022

Zusammenfassung

Marlon Brando Jr. (3. April 1924 – 1. Juli 2004) war ein amerikanischer Schauspieler. Er gilt als einer der einflussreichsten Schauspieler des 20. Jahrhunderts und erhielt im Laufe seiner Karriere, die sich über sechs Jahrzehnte erstreckte, zahlreiche Auszeichnungen, darunter zwei Academy Awards, zwei Golden Globe Awards, einen Cannes Film Festival Award und drei British Academy Film Awards. Brando war auch ein Aktivist für viele Anliegen, insbesondere für die Bürgerrechtsbewegung und verschiedene Bewegungen der amerikanischen Ureinwohner. Nachdem er in den 1940er Jahren bei Stella Adler studiert hatte, gilt er als einer der ersten Schauspieler, der das Stanislawski-System der Schauspielerei und das davon abgeleitete Method Acting einem breiten Publikum nahe brachte.

Für seine Rolle des Stanley Kowalski in der Verfilmung von Tennessee Williams“ Stück A Streetcar Named Desire aus dem Jahr 1951, die er bereits erfolgreich am Broadway gespielt hatte, erhielt er zunächst viel Beifall und seine erste Oscar-Nominierung als bester Hauptdarsteller. Für seine Darstellung des Terry Malloy in On the Waterfront erhielt er weiteres Lob, einen ersten Oscar und einen Golden Globe Award, und seine Darstellung des rebellischen Motorradbandenführers Johnny Strabler in The Wild One erwies sich als ein bleibendes Bild in der Popkultur. Brando erhielt Oscar-Nominierungen für die Rolle des Emiliano Zapata in Viva Zapata! und des Air Force Major Lloyd Gruver in Sayonara (1957), einer Adaption des Romans von James A. Michener aus dem Jahr 1954.

In den 1960er Jahren erlebte Brandos Karriere einen kommerziellen und kritischen Abschwung. Er führte Regie und spielte die Hauptrolle in dem Kult-Western One-Eyed Jacks, einem kritischen und kommerziellen Flop, nach dem er eine Reihe bemerkenswerter Kassenschlager ablieferte, angefangen mit Meuterei auf der Bounty (1962). Nach zehn Jahren der Erfolglosigkeit willigte er ein, die Rolle des Vito Corleone in Francis Ford Coppolas Der Pate (1972) zu übernehmen. Er bekam die Rolle und gewann daraufhin seinen zweiten Oscar und den Golden Globe Award für eine Leistung, die Kritiker zu seinen besten zählen. Er lehnte den Academy Award ab, weil „die Filmindustrie die amerikanischen Indianer heute so behandelt … und auch wegen der jüngsten Ereignisse am Wounded Knee“, und schickte Sacheen Littlefeather, um den Preis in seinem Namen entgegenzunehmen und seine Gründe für die Ablehnung zu erklären. Der Pate wurde zum umsatzstärksten Film aller Zeiten, und zusammen mit seiner für den Oscar nominierten Leistung in Der letzte Tango in Paris (1972) etablierte sich Brando wieder in der Riege der Top-Kassastars.

Nach einer Pause in den frühen 1970er Jahren begnügte sich Brando im Allgemeinen damit, als hochbezahlter Charakterdarsteller in Nebenrollen aufzutreten, etwa als Jor-El in Superman (1978), als Colonel Kurtz in Apocalypse Now (1979) und als Adam Steiffel in The Formula (1980), bevor er eine neunjährige Pause vom Film einlegte. Laut Guinness-Buch der Rekorde erhielt Brando für 13 Tage Arbeit an Superman die Rekordsumme von 3,7 Millionen Dollar (17 Millionen Dollar inflationsbereinigt) und 11,75 % des Bruttogewinns.

Brando wurde vom American Film Institute als viertgrößter Filmstar unter den männlichen Filmstars eingestuft, deren Leinwanddebüt 1950 oder früher stattfand. Er war einer von nur sechs Schauspielern, die 1999 von der Zeitschrift Time in ihrer Liste der 100 wichtigsten Menschen des Jahrhunderts genannt wurden. In dieser Liste bezeichnete Time Brando auch als den „Schauspieler des Jahrhunderts“.

Brando wurde am 3. April 1924 in Omaha, Nebraska, als Sohn von Marlon Brando Sr. (1895-1965), einem Hersteller von Pestiziden und chemischen Futtermitteln, und Dorothy Julia Pennebaker (1897-1954) geboren. Brando hatte zwei ältere Schwestern, Jocelyn (1919-2005) und Frances (1922-1994). Seine Abstammung war überwiegend deutsch, niederländisch, englisch und irisch. Sein patrilinearer Vorfahre, Johann Wilhelm Brandau, kam in den frühen 1700er Jahren aus der Pfalz in Deutschland nach New York City. Er ist auch ein Nachkomme von Louis DuBois, einem französischen Hugenotten, der um 1660 in New York ankam. Sein Urgroßvater mütterlicherseits, Myles Joseph Gahan, war ein irischer Einwanderer, der als Sanitäter im amerikanischen Bürgerkrieg diente. 1995 gab er in Irland ein Interview, in dem er sagte: „Ich war noch nie in meinem Leben so glücklich. Als ich aus dem Flugzeug stieg, hatte ich diesen Rausch der Gefühle. Ich habe mich noch nie an einem Ort so zu Hause gefühlt wie hier. Ich denke ernsthaft über die irische Staatsbürgerschaft nach.“ Brando wurde als Christ und Wissenschaftler erzogen.

Seine Mutter, bekannt als Dodie, war für ihre Zeit unkonventionell: Sie rauchte, trug Hosen und fuhr Auto. Sie war selbst Schauspielerin und Theaterverwalterin und half Henry Fonda, seine Schauspielkarriere zu beginnen. Allerdings war sie Alkoholikerin und musste oft von ihrem Mann aus Bars in Chicago nach Hause gebracht werden. In seiner Autobiografie Songs My Mother Taught Me (Lieder, die mir meine Mutter beibrachte) schrieb Brando traurig über seine Mutter: „Die Qual, die ihr Trinken verursachte, war, dass sie es vorzog, sich zu betrinken, anstatt sich um uns zu kümmern.“ Dodie und Brandos Vater traten schließlich den Anonymen Alkoholikern bei. Brando hegte weitaus mehr Feindschaft für seinen Vater: „Ich war sein Namensvetter, aber nichts, was ich tat, gefiel ihm oder interessierte ihn auch nur. Er genoss es, mir zu sagen, dass ich nichts richtig machen konnte. Er hatte die Angewohnheit, mir zu sagen, dass ich es nie zu etwas bringen würde.“ Als er vier Jahre alt war, wurde Brando von seiner jugendlichen Gouvernante sexuell missbraucht. Brando hängte sich an sie und war verzweifelt, als sie ihn verließ. Für den Rest seines Lebens war Brando verzweifelt über ihren Verlust. Um 1930 zogen Brandos Eltern nach Evanston, Illinois, als die Arbeit des Vaters ihn nach Chicago führte, trennten sich aber 1935, als Brando 11 Jahre alt war. Seine Mutter nahm die drei Kinder mit nach Santa Ana in Kalifornien, wo sie bei ihrer Mutter lebten. Brandos Eltern versöhnten sich 1937 wieder, verließen im Jahr darauf Evanston und zogen gemeinsam auf eine Farm in Libertyville, Illinois, einer Kleinstadt nördlich von Chicago. Zwischen 1939 und 1941 arbeitete er als Platzanweiser im einzigen Kino der Stadt, The Liberty.

Brando, dessen Spitzname in seiner Kindheit „Bud“ war, war von Jugend an ein Nachahmer. Er entwickelte die Fähigkeit, die Eigenheiten der Kinder, mit denen er spielte, zu übernehmen und sie dramatisch darzustellen, ohne die Rolle zu verlassen. Er lernte den Nachbarsjungen Wally Cox kennen, und die beiden waren bis zu Cox“ Tod im Jahr 1973 engste Freunde. In der 2007 erschienenen TCM-Biografie Brando: The Documentary erinnert sich George Englund, ein Freund aus Kindertagen, daran, dass Brando schon als Kind die Kühe und Pferde auf der Familienfarm nachahmte, um seine Mutter vom Trinken abzulenken. Seine Schwester Jocelyn war die erste, die eine Schauspielkarriere verfolgte und an der American Academy of Dramatic Arts in New York City studierte. Sie trat am Broadway auf, dann in Filmen und im Fernsehen. Brandos Schwester Frances verließ das College in Kalifornien, um in New York Kunst zu studieren. Brando wurde in der Schule ein Jahr zurückgestellt und später von der Libertyville High School verwiesen, weil er mit seinem Motorrad durch die Gänge fuhr.

Er wurde auf die Shattuck Military Academy in Minnesota geschickt, wo schon sein Vater studiert hatte. Brando war ein hervorragender Theaterspieler und machte sich gut in der Schule. In seinem letzten Jahr (1943) wurde er auf Bewährung entlassen, weil er während eines Manövers einem Oberst, der zu Besuch war, ungehorsam war. Er wurde in seinem Zimmer eingesperrt, schlich sich aber in die Stadt und wurde erwischt. Die Fakultät beschloss, ihn von der Schule zu verweisen, obwohl er von den Studenten unterstützt wurde, die einen Ausschluss für zu hart hielten. Er wurde für das folgende Jahr wieder eingeladen, beschloss aber, die High School zu verlassen. Brando arbeitete als Baggerfahrer, ein Sommerjob, den ihm sein Vater vermittelt hatte. Er versuchte, in die Armee einzutreten, aber bei seiner Einführungsuntersuchung stellte sich heraus, dass eine Football-Verletzung, die er sich in Shattuck zugezogen hatte, ein kaputtes Knie zur Folge hatte. Er wurde als 4-F eingestuft und nicht eingezogen.

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New York und Schauspielerei

Brando beschloss, seinen Schwestern nach New York zu folgen und an der American Theatre Wing Professional School, einem Teil des Dramatic Workshop of the New School, bei dem einflussreichen deutschen Regisseur Erwin Piscator zu studieren. In einem Dokumentarfilm von 1988, Marlon Brando: The Wild One, erinnerte sich Brandos Schwester Jocelyn: „Er spielte in einer Schulaufführung mit und hatte Spaß daran … Also beschloss er, nach New York zu gehen und Schauspielerei zu studieren, denn das war das einzige, was ihm Spaß gemacht hatte. Das war, als er 18 war.“ In der A&E Biography-Episode über Brando sagte George Englund, Brando habe sich in New York für die Schauspielerei entschieden, weil „er dort akzeptiert wurde. Er wurde nicht kritisiert. Es war das erste Mal in seinem Leben, dass er gute Dinge über sich hörte“. Seine ersten Monate in New York verbrachte er schlafend auf den Sofas von Freunden. Eine Zeit lang lebte er bei Roy Somlyo, der später ein vierfacher Emmy-Gewinner und Broadway-Produzent wurde.

Brando war ein begeisterter Schüler und Befürworter von Stella Adler, von der er die Techniken des Stanislawski-Systems lernte. Diese Technik ermutigte den Schauspieler, sowohl innere als auch äußere Aspekte zu erforschen, um die darzustellende Figur vollständig zu verwirklichen. Brandos bemerkenswerte Einsicht und sein Sinn für Realismus wurden schon früh deutlich. Adler erzählte, dass sie im Unterricht mit Brando die Klasse angewiesen hatte, sich wie Hühner zu verhalten und hinzuzufügen, dass gleich eine Atombombe auf sie fallen würde. Die meisten in der Klasse gackerten und rannten wild herum, aber Brando saß ruhig da und tat so, als würde er ein Ei legen. Auf die Frage von Adler, warum er so reagiere, antwortete er: „Ich bin ein Huhn – was weiß ich schon von Bomben?“ Obwohl Brando gemeinhin als methodischer Schauspieler gilt, war er anderer Meinung. Er behauptete, Lee Strasbergs Lehren verabscheut zu haben:

Nachdem ich etwas Erfolg hatte, versuchte Lee Strasberg den Ruhm dafür zu ernten, mir das Schauspielen beigebracht zu haben. Er hat mir nie etwas beigebracht. Er hätte die Sonne und den Mond für sich beansprucht, wenn er geglaubt hätte, dass er damit durchkommen würde. Er war ein ehrgeiziger, selbstsüchtiger Mann, der die Menschen, die das Actors Studio besuchten, ausnutzte und versuchte, sich als Schauspielorakel und Guru darzustellen. Einige Leute verehrten ihn, aber ich wusste nie, warum. Ich ging manchmal samstagmorgens ins Actors Studio, weil Elia Kazan dort unterrichtete, und normalerweise waren dort viele gut aussehende Mädchen, aber Strasberg hat mir nie Schauspielunterricht gegeben. Stella (Adler) tat es – und später Kazan.

Brando war der erste, der eine natürliche Herangehensweise an die Filmschauspielerei an den Tag legte. Laut Dustin Hoffman in seiner Online-Masterclass sprach Brando oft mit Kameramännern und Schauspielerkollegen über ihr Wochenende, auch nachdem der Regisseur zur Handlung aufgerufen hatte. Sobald Brando das Gefühl hatte, dass er den Dialog so natürlich wie ein solches Gespräch führen konnte, begann er mit dem Dialog. In seinem 2015 erschienenen Dokumentarfilm Listen To Me Marlon sagte er einmal, Schauspieler seien wie Frühstücksflocken, d. h. sie seien berechenbar. Kritiker sagten später, Brando sei schwierig gewesen, aber Schauspieler, die mit ihm gearbeitet haben, sagten, das sei einfach Teil seiner Technik.

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Frühe Karriere: 1944-1951

Brando nutzte seine Fähigkeiten im Stanislawski-System für seine ersten Sommerrollen in Sayville, New York, auf Long Island. Brando zeigte in den wenigen Aufführungen, in denen er mitwirkte, ein unberechenbares, aufmüpfiges Verhalten. Sein Verhalten führte dazu, dass er aus der Besetzung der Produktion der New School in Sayville geworfen wurde, aber bald darauf wurde er in einem lokal produzierten Stück entdeckt. Dann, 1944, schaffte er es an den Broadway, wo er in dem bittersüßen Drama I Remember Mama den Sohn von Mady Christians spielte. Die Lunts wollten, dass Brando die Rolle des Sohnes von Alfred Lunt in O Mistress Mine spielte, und Lunt trainierte ihn sogar für sein Vorsprechen, aber Brandos Lesung während des Vorsprechens war so dürftig, dass sie ihn nicht engagieren konnten. Die New Yorker Theaterkritiker wählten ihn für seine Rolle als gequälter Veteran in Truckline Café zum „Most Promising Young Actor“, obwohl das Stück ein kommerzieller Misserfolg war. 1946 trat er am Broadway als junger Held in dem politischen Drama A Flag is Born auf und weigerte sich, eine Gage über dem Actors“ Equity-Tarif zu akzeptieren. Im selben Jahr spielte Brando die Rolle des Marchbanks an der Seite von Katharine Cornell in der Wiederaufnahme von Candida, eine ihrer Paraderollen. Cornell besetzte ihn im selben Jahr auch als Bote in ihrer Inszenierung von Jean Anouilhs Antigone. Man bot ihm auch an, eine der Hauptfiguren in der Broadway-Premiere von Eugene O“Neills The Iceman Cometh zu spielen, aber er lehnte die Rolle ab, nachdem er beim Versuch, das umfangreiche Skript zu lesen, eingeschlafen war und das Stück als „ungeschickt geschrieben und schlecht konstruiert“ bezeichnete.

1945 empfahl Brandos Agent ihm eine Co-Hauptrolle in The Eagle Has Two Heads mit Tallulah Bankhead, produziert von Jack Wilson. Bankhead hatte die Rolle der Blanche Dubois in A Streetcar Named Desire, die Williams für sie geschrieben hatte, abgelehnt, um das Stück in der Spielzeit 1946-1947 zu spielen. Bankhead erkannte Brandos Potenzial, trotz ihrer Verachtung (die die meisten Broadway-Veteranen teilten) für Method Acting, und stimmte zu, ihn zu engagieren, obwohl er schlecht vorgesprochen hatte. Während der Tournee vor dem Broadway gerieten die beiden heftig aneinander, da Bankhead Brando an seine Mutter erinnerte, die in ihrem Alter war und ebenfalls ein Alkoholproblem hatte. Wilson war weitgehend tolerant gegenüber Brandos Verhalten, aber er erreichte seine Grenze, als Brando kurz vor der Premiere am 28. November 1946 durch eine Generalprobe murmelte. „Es ist mir egal, was Ihre Großmutter getan hat“, rief Wilson, „und dieses Method-Zeug, ich will wissen, was Sie tun werden!“ Brando wiederum erhob seine Stimme und schauspielerte mit großer Kraft und Leidenschaft. „Es war wunderbar“, erinnerte sich ein Mitglied der Besetzung. „Alle umarmten ihn und küssten ihn. Er kam von der Bühne geschlendert und sagte zu mir: “Sie glauben nicht, dass du schauspielern kannst, wenn du nicht schreien kannst.““

Die Kritiker waren jedoch nicht so freundlich. In einer Kritik zu Brandos Auftritt in der Eröffnungsszene wurde festgestellt, dass Brando „seinen Charakter noch ausbaut, aber im Moment nicht beeindruckt.“ Ein Bostoner Kritiker bemerkte zu Brandos langwieriger Todesszene: „Brando sah aus wie ein Auto in Midtown Manhattan auf der Suche nach einem Parkplatz“. Bei späteren Tourneen erhielt er bessere Kritiken, aber seine Kollegen erinnerten sich nur an gelegentliche Anzeichen des Talents, das er später zeigen sollte. „Es gab ein paar Momente, in denen er wirklich großartig war“, gab Bankhead 1962 in einem Interview zu. „Er war ein großartiger junger Schauspieler, wenn er es wollte, aber die meiste Zeit konnte ich ihn auf der Bühne nicht einmal hören.“

Brando zeigte seine Abneigung gegen die Inszenierung, indem er auf der Bühne einige schockierende Manieren an den Tag legte. Er „versuchte alles in der Welt, um es ihr zu verderben“, so Bankheads Inspizient. „Er trieb sie fast in den Wahnsinn: Er kratzte sich im Schritt, bohrte in der Nase und tat alles Mögliche. Nach mehreren Wochen auf der Straße erreichten sie Boston, wo Bankhead bereit war, ihn zu entlassen. Dies erwies sich als einer der größten Segnungen seiner Karriere, denn so konnte er die Rolle des Stanley Kowalski in Tennessee Williams“ Stück A Streetcar Named Desire von 1947 unter der Regie von Elia Kazan spielen. Zu diesem Zweck gab Bankhead selbst in ihrem Brief, in dem sie Williams“ Einladung, die Rolle der Blanche zu spielen, ablehnte, Brando diese wohlklingende – wenn auch bissige – Empfehlung:

Ich habe einen Vorschlag für die Besetzung. Ich kenne einen Schauspieler, der die Rolle des brutalen Stanley Kowalski spielen kann. Ich meine, ein totales Schwein von einem Mann ohne jegliches Feingefühl oder Anmut. Marlon Brando wäre perfekt als Stanley. Ich habe den Schuft gerade aus meinem Stück „Der Adler hat zwei Köpfe“ gefeuert, und ich weiß genau, dass er Arbeit sucht.

Pierpont schreibt, dass John Garfield die erste Wahl für die Rolle war, aber „unmögliche Forderungen stellte“. Kazan entschied sich für den weit weniger erfahrenen (und technisch zu jungen) Brando. In einem Brief vom 29. August 1947 vertraute Williams seiner Agentin Audrey Wood an: „Es war mir noch nicht aufgefallen, welch hervorragenden Wert die Besetzung dieser Rolle mit einem sehr jungen Schauspieler haben würde. Er vermenschlicht die Figur des Stanley, indem er die Brutalität und Gefühllosigkeit der Jugend verkörpert und nicht die eines bösartigen alten Mannes … Brandos Lesung, die bei weitem die beste Lesung war, die ich je gehört habe, brachte einen neuen Wert hervor. Brando orientierte sich bei der Darstellung von Kowalski an dem Boxer Rocky Graziano, den er in einer örtlichen Sportschule ausgebildet hatte. Graziano wusste nicht, wer Brando war, besuchte aber die Aufführung mit Karten, die ihm der junge Mann besorgt hatte. Er sagte: „Der Vorhang ging auf, und auf der Bühne stand dieser Hurensohn aus der Turnhalle, und er spielt mich.“

1947 machte Brando Probeaufnahmen für ein frühes Drehbuch der Warner Brothers für den Roman Rebel Without a Cause (1944), der nichts mit dem 1955 produzierten Film zu tun hatte. Die Probeaufnahmen sind als Extra in der DVD-Veröffentlichung von A Streetcar Named Desire (2006) enthalten.

Brandos erste Filmrolle war die eines verbitterten querschnittsgelähmten Veteranen in The Men (1950). Zur Vorbereitung auf die Rolle verbrachte er einen Monat im Birmingham Army Hospital in Van Nuys im Bett. Der Rezensent der New York Times, Bosley Crowther, schrieb, dass Brando als Ken „so lebhaft real, dynamisch und sensibel ist, dass seine Illusion vollkommen ist“ und bemerkte: „Aus steifem und gefrorenem Schweigen kann er mit der tränenreichen und fuchtelnden Raserei eines plötzlich durchtrennten Kabels in eine leidenschaftliche Wut ausbrechen.“

Nach Brandos eigener Aussage könnte es an diesem Film gelegen haben, dass sein Wehrdienststatus von 4-F auf 1-A geändert wurde. Er hatte sich einer Operation an seinem künstlichen Knie unterzogen, das nicht mehr so stark geschwächt war, dass er vom Wehrdienst ausgeschlossen werden konnte. Als Brando sich im Einberufungszentrum meldete, gab er auf einem Fragebogen an, seine Rasse sei „menschlich“, seine Hautfarbe sei „saisonal-oyster weiß bis beige“, und er erklärte einem Arzt der Armee, er sei psychoneurotisch. Als die Einberufungsbehörde ihn an einen Psychiater verwies, erklärte Brando, er sei von der Militärschule verwiesen worden und habe große Probleme mit Autoritäten. Zufälligerweise kannte der Psychiater einen befreundeten Arzt von Brando. Während des Koreakriegs vermied Brando den Militärdienst.

Schon früh in seiner Karriere begann Brando, seine Texte nicht mehr auswendig zu lernen, sondern mit Hilfe von Stichwortzetteln zu sprechen. Trotz der Einwände mehrerer Regisseure, mit denen er zusammenarbeitete, war Brando der Meinung, dass dies seinen Auftritten mehr Realismus und Spontaneität verlieh. Er war der Meinung, dass er sonst den Eindruck erwecken würde, die Rede eines Schriftstellers zu rezitieren. In der TV-Dokumentation The Making of Superman: The Movie erklärte Brando:

Wenn man die Worte nicht kennt, aber eine ungefähre Vorstellung davon hat, dann schaut man sich die Stichwortkarte an, und das gibt dem Zuschauer hoffentlich das Gefühl, dass die Person wirklich nach dem sucht, was sie sagen will – dass sie nicht weiß, was sie sagen soll.

„Manche dachten, Brando benutzte die Karten aus Faulheit oder weil er sich seinen Text nicht merken konnte. Einmal wurde Brando am Set von Der Pate gefragt, warum er seinen Text ausgedruckt haben wollte.“ Er antwortete: „Weil ich sie auf diese Weise lesen kann.

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Aufstieg zum Ruhm: 1951-1954

Brando brachte seine Darstellung des Stanley Kowalski in Tennessee Williams A Streetcar Named Desire (1951) auf die Leinwand. Die Rolle gilt als eine der besten von Brando. Sie brachte ihm seine erste Oscar-Nominierung in der Kategorie Bester Hauptdarsteller ein.

Im folgenden Jahr wurde er auch für Viva Zapata! (1952) nominiert, eine fiktive Darstellung des Lebens des mexikanischen Revolutionärs Emiliano Zapata. Der Film erzählte von Zapatas bäuerlicher Erziehung, seinem Aufstieg zur Macht im frühen 20. Der Film wurde unter der Regie von Elia Kazan und mit Anthony Quinn in der Hauptrolle gedreht. In dem Biopic Marlon Brando: The Wild One sagt Sam Shaw: „Bevor der Film begann, ging er heimlich nach Mexiko in die Stadt, in der Zapata lebte und geboren wurde, und dort studierte er die Sprachmuster der Menschen, ihr Verhalten und ihre Bewegungen.“ Die meisten Kritiker konzentrierten sich eher auf den Schauspieler als auf den Film, und Time und Newsweek veröffentlichten begeisterte Kritiken.

Jahre später bemerkte Brando in seiner Autobiografie: „Tony Quinn, den ich beruflich bewunderte und persönlich mochte, spielte meinen Bruder, aber er war während der Dreharbeiten zu diesem Film extrem kalt zu mir. Während unserer gemeinsamen Szenen spürte ich eine Verbitterung mir gegenüber, und wenn ich nach der Arbeit einen Drink vorschlug, lehnte er entweder ab oder war mürrisch und sagte wenig. Erst Jahre später habe ich erfahren, warum.“ Brando erklärte, dass „Gadg“ (Kazan) Quinn, der nach Brandos Ausscheiden aus dem Film die Rolle des Stanley Kowalski am Broadway übernommen hatte, gesagt hatte, Brando sei von seiner Arbeit nicht beeindruckt gewesen, um auf der Leinwand Spannungen zwischen den beiden zu erzeugen. Nachdem er den gewünschten Effekt erzielt hatte, sagte Kazan Quinn nie, dass er ihn getäuscht hatte. Erst viele Jahre später, nachdem sie ihre Notizen verglichen hatten, erkannten Brando und Quinn die Täuschung.

Brandos nächster Film, Julius Caesar (1953), erhielt sehr positive Kritiken. Brando verkörperte Mark Anton. Während die meisten das Talent Brandos anerkannten, waren einige Kritiker der Meinung, dass Brandos „Nuscheln“ und andere Eigenheiten einen Mangel an schauspielerischen Grundlagen verrieten, und als seine Besetzung bekannt gegeben wurde, blieben viele skeptisch über seine Erfolgsaussichten. Unter der Regie von Joseph L. Mankiewicz und mit dem britischen Bühnenschauspieler John Gielgud in der Hauptrolle lieferte Brando eine beeindruckende Leistung ab, insbesondere während Antonius“ berühmter Rede „Freunde, Römer, Landsleute …“. Gielgud war so beeindruckt, dass er Brando eine ganze Spielzeit am Hammersmith Theatre anbot, ein Angebot, das er jedoch ablehnte. In seiner Biografie über den Schauspieler schreibt Stefan Kanfer: „Marlons Autobiografie widmet seiner Arbeit an diesem Film eine Zeile: Unter all den britischen Profis war es für mich idiotisch, ein Filmset zu betreten und Mark Anthony zu spielen“ – ein weiteres Beispiel für seine hartnäckige Selbstverleugnung, und völlig falsch.“ Kanfer fügt hinzu, dass Regisseur John Huston nach einer Vorführung des Films kommentierte: „Mein Gott! Es war, als würde sich eine Ofentür öffnen – die Hitze kam von der Leinwand. Ich kenne keinen anderen Schauspieler, der so etwas kann“. Während der Dreharbeiten zu Julius Caesar erfuhr Brando, dass Elia Kazan mit den Ermittlern des Kongresses zusammengearbeitet und dem HUAC (House Committee on Un-American Activities) eine ganze Reihe von „Subversiven“ genannt hatte. Nach allem, was man hört, war Brando über die Entscheidung seines Mentors verärgert, arbeitete aber in On The Waterfront wieder mit ihm zusammen. „Keiner von uns ist perfekt“, schrieb er später in seinen Memoiren, „und ich denke, dass Gadg anderen, aber vor allem sich selbst, Schaden zugefügt hat.“

1953 spielte Brando auch die Hauptrolle in dem Film The Wild One, in dem er sein eigenes Triumph Thunderbird 6T Motorrad fuhr. Die Triumph-Importeure reagierten zwiespältig auf die Enthüllung des Films, da es darin um die Übernahme einer Kleinstadt durch randalierende Motorradbanden ging. Der Film wurde damals wegen seiner vermeintlich grundlosen Gewalttätigkeit kritisiert, und die Time schrieb: „Die Wirkung des Films besteht nicht darin, ein öffentliches Problem zu beleuchten, sondern Adrenalin durch die Adern des Kinobesuchers zu schießen.“ Angeblich war Brando mit dem ungarischen Regisseur László Benedek nicht einverstanden und verstand sich nicht mit seinem Co-Star Lee Marvin.

Zu Brandos Verwunderung inspirierte der Film die Rebellion der Teenager und machte ihn zu einem Vorbild für die aufkommende Rock“n“Roll-Generation und zukünftige Stars wie James Dean und Elvis Presley. Nach der Veröffentlichung des Films schnellte der Verkauf von Lederjacken und Motorrädern in die Höhe. In seiner Autobiografie kam Brando zu dem Schluss, dass der Film nicht sehr gut gealtert sei, sagte aber auch:

Mehr als bei den meisten Rollen, die ich im Film oder auf der Bühne gespielt habe, konnte ich mich in Johnny hineinversetzen, und deshalb glaube ich, dass ich ihn sensibler und sympathischer gespielt habe, als es das Drehbuch vorsah. Es gibt eine Zeile im Film, in der er knurrt: „Niemand sagt mir, was ich zu tun habe. Das ist genau das, was ich mein ganzes Leben lang empfunden habe.

Später im selben Jahr spielte Brando zusammen mit seinem Studio-Kollegen William Redfield in einer Sommerproduktion von George Bernard Shaws Arms and the Man.

1954 spielte Brando die Hauptrolle in On the Waterfront, einem Kriminaldrama über gewerkschaftliche Gewalt und Korruption unter Langarbeitern. Der Film wurde von Elia Kazan inszeniert und von Budd Schulberg geschrieben; in den Hauptrollen spielten Karl Malden, Lee J. Cobb, Rod Steiger und, in ihrem Filmdebüt, Eva Marie Saint. Als Brando die Rolle angeboten wurde, lehnte er – immer noch verärgert über Kazans Aussage vor dem HUAC – ab, und die Rolle des Terry Malloy wäre beinahe an Frank Sinatra gegangen. Laut dem Biographen Stefan Kanfer glaubte der Regisseur, dass Sinatra, der in Hoboken (wo der Film spielt und gedreht wurde) aufgewachsen war, die Rolle des Malloy übernehmen würde, aber schließlich warb der Produzent Sam Spiegel Brando für die Rolle und verpflichtete ihn für 100.000 Dollar. Kazan protestierte nicht, denn, wie er später gestand, „ich habe Brando immer jedem vorgezogen“.

Brando gewann den Oscar für seine Rolle als irisch-amerikanischer Hafenarbeiter Terry Malloy in On the Waterfront. Seine Darstellung, die durch seine Beziehung zu Eva Marie Saint und Kazans Regie beflügelt wurde, wurde als Meisterleistung gelobt. Für die Szene, in der Terry seine Versäumnisse beklagt und sagt: „Ich hätte ein Anwärter sein können“, überzeugte er Kazan, dass die Szene im Drehbuch unrealistisch war. In Schulbergs Drehbuch spielte Brando die gesamte Szene, in der seine Figur von seinem Bruder Charlie, gespielt von Rod Steiger, mit einer Waffe bedroht wird. Brando bestand darauf, die Waffe sanft wegzuschieben, weil er sagte, Terry würde niemals glauben, dass sein Bruder abdrücken würde, und bezweifelte, dass er seine Rede fortsetzen könnte, während er eine Waffe auf sich gerichtet befürchtete. Kazan ließ Brando improvisieren und drückte später seine tiefe Bewunderung für Brandos instinktives Verständnis aus, indem er sagte:

Das Außergewöhnliche an seiner Darstellung ist meines Erachtens der Kontrast zwischen der Fassade des harten Kerls und der extremen Zartheit und Sanftheit seines Verhaltens. Welcher andere Schauspieler würde, wenn sein Bruder eine Pistole zieht, um ihn zu zwingen, etwas Schändliches zu tun, seine Hand auf die Waffe legen und sie mit der Sanftheit einer Liebkosung wegschieben? Wer sonst könnte „Oh, Charlie!“ in einem Ton des Vorwurfs lesen, der so liebevoll und so melancholisch ist und die schreckliche Tiefe des Schmerzes andeutet? … Wenn es in der amerikanischen Filmgeschichte eine bessere Leistung eines Mannes gibt, dann weiß ich nicht, was es ist.

Bei seinem Erscheinen erhielt On the Waterfront hervorragende Kritiken und war ein kommerzieller Erfolg, der 1954 an den nordamerikanischen Kinokassen schätzungsweise 4,2 Millionen Dollar einbrachte. In seiner Rezension vom 29. Juli 1954 lobte der Kritiker der New York Times, A. H. Weiler, den Film und nannte ihn „eine ungewöhnlich kraftvolle, aufregende und phantasievolle Nutzung der Leinwand durch begabte Profis“. Der Filmkritiker Roger Ebert lobte den Film mit der Bemerkung, dass Brando und Kazan die Schauspielerei im amerikanischen Film für immer verändert hätten, und nahm ihn in seine Liste der „Great Movies“ auf. In seiner Autobiografie äußerte sich Brando typisch abfällig über seine Leistung: „An dem Tag, als Gadg mir den kompletten Film zeigte, war ich so deprimiert von meiner Leistung, dass ich aufstand und den Vorführraum verließ … Ich dachte, ich sei ein großer Versager.“ Nachdem Brando den Oscar für den besten Darsteller gewonnen hatte, wurde die Statue gestohlen. Erst viel später tauchte sie in einem Londoner Auktionshaus auf, das sich mit dem Schauspieler in Verbindung setzte und ihn über ihren Verbleib informierte.

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Kassenerfolge und Regiedebüt: 1954-1959

Nach On the Waterfront blieb Brando ein Kassenmagnet, aber die Kritiker empfanden seine Darbietungen zunehmend als halbherzig und ließen die Intensität und das Engagement vermissen, die er in seinen früheren Werken, insbesondere in seiner Arbeit mit Kazan, gezeigt hatte. 1954 spielte er Napoleon in dem Film Désirée. Nach Aussage seines Co-Stars Jean Simmons wurde Brando durch seinen Vertrag gezwungen, in dem Film mitzuspielen. Er bemühte sich wenig um die Rolle, behauptete, das Drehbuch habe ihm nicht gefallen, und bezeichnete später den gesamten Film als „oberflächlich und trostlos“. Brando verachtete besonders den Regisseur Henry Koster.

Brando und Simmons spielten in der Verfilmung des Musicals Guys and Dolls (1955) erneut zusammen. Guys and Dolls sollte Brandos erste und letzte Musicalrolle sein. Time befand, dass der Film „in seinem Gefühl dem Original nicht gerecht wird“ und bemerkte, dass Brando „mit einem weit entfernten Tenor singt, der manchmal dazu neigt, flach zu sein.“ Als er Anfang 1955 in Edward Murrows Person to Person-Interview auftrat, gab er zu, Probleme mit seiner Gesangsstimme zu haben, die er als „ziemlich schrecklich“ bezeichnete. Im Dokumentarfilm Meet Marlon Brando aus dem Jahr 1965 verriet er, dass das im Film zu hörende Endprodukt das Ergebnis unzähliger Gesangsaufnahmen war, die zu einer einzigen zusammengeschnitten wurden, und scherzte später: „Ich konnte keine Note mit einem Baseballschläger treffen; einige Noten verfehlte ich um ein Vielfaches … Bei einem Lied haben sie meine Worte so fest zusammengenäht, dass ich, als ich es vor der Kamera aussprach, fast erstickt wäre“. Auch die Beziehungen zwischen Brando und seinem Co-Star Frank Sinatra waren frostig, wie Stefan Kanfer feststellte: „Die beiden Männer waren sich diametral entgegengesetzt: Marlon brauchte mehrere Takes, Frank hasste es, sich zu wiederholen.“ Bei ihrem ersten Treffen soll Sinatra gespottet haben: „Kommen Sie mir nicht mit diesem Actors Studio-Scheiß“. Brando scherzte später: „Frank ist der Typ, der, wenn er stirbt, in den Himmel kommt und Gott die Hölle heiß macht, weil er eine Glatze hat.“ Frank Sinatra nannte Brando „den am meisten überschätzten Schauspieler der Welt“ und bezeichnete ihn als „Mumbles“. Der Film war ein kommerzieller, wenn auch kein kritischer Erfolg, kostete 5,5 Millionen Dollar und spielte 13 Millionen Dollar ein.

Brando spielte Sakini, einen japanischen Dolmetscher für die US-Armee im Nachkriegsjapan, in The Teahouse of the August Moon (1956). Pauline Kael war von dem Film nicht sonderlich beeindruckt, bemerkte aber: „Marlon Brando hungerte sich selbst aus, um den Kobold-Dolmetscher Sakini zu spielen, und er sieht aus, als ob er den Stunt genießt – er spricht mit einem verrückten Akzent, grinst jungenhaft, beugt sich vor und macht trickreiche Bewegungen mit seinen Beinen. Er ist harmlos genial (und man vermisst ihn, wenn er nicht auf der Leinwand zu sehen ist), aber die schelmische Rolle erlaubt es ihm nicht, das zu tun, worin er großartig ist, und es ist möglich, dass er in ihr weniger effektiv ist, als es ein weniger guter Schauspieler gewesen wäre.“ In Sayonara (1957) spielte er einen Offizier der United States Air Force. Newsweek befand, der Film sei eine „langweilige Geschichte über das Zusammentreffen der beiden“, aber er war dennoch ein Kassenerfolg. Laut Stefan Kanfers Biografie über den Schauspieler handelte Brandos Manager Jay Kanter einen lukrativen Vertrag aus, bei dem Brando zehn Prozent der Einnahmen erhielt, was ihn in die Kategorie der Millionäre brachte. Der Film war umstritten, weil er offen die Rassenehe thematisierte, erwies sich aber als großer Erfolg und erhielt 10 Oscar-Nominierungen, wobei Brando als bester Schauspieler nominiert war. Der Film wurde mit vier Oscars ausgezeichnet. Teahouse und Sayonara waren die ersten in einer Reihe von Filmen, die Brando in den nächsten zehn Jahren drehen wollte und die gesellschaftlich relevante Botschaften enthielten. Er ging eine Partnerschaft mit Paramount ein und gründete seine eigene Produktionsfirma namens Pennebaker, deren erklärtes Ziel es war, Filme zu entwickeln, die einen „sozialen Wert enthielten, der die Welt verbessern würde“. Der Name war eine Hommage an seine Mutter, die 1954 gestorben war. Nach allem, was man hört, war Brando über ihren Tod am Boden zerstört. Der Biograf Peter Manso sagte in A&E“s Biography: „Sie war diejenige, die ihm Anerkennung geben konnte wie niemand sonst, und nach dem Tod seiner Mutter scheint es, dass Marlon aufhört, sich zu kümmern.“ Brando beauftragte seinen Vater mit der Leitung von Pennebaker. In demselben A&E-Special behauptet George Englund, Brando habe seinem Vater den Job gegeben, weil „es Marlon die Möglichkeit gab, ihn anzugreifen, ihn zu erniedrigen und herabzusetzen“.

1958 spielte Brando in The Young Lions mit, wobei er sich die Haare blond färbte und für die Rolle einen deutschen Akzent annahm, der, wie er später zugab, nicht überzeugend war. Der Film basiert auf dem Roman von Irwin Shaw, und Brandos Darstellung der Figur des Christian Diestl war zu seiner Zeit umstritten. Später schrieb er: „Das ursprüngliche Drehbuch lehnte sich eng an das Buch an, in dem Shaw alle Deutschen als böse Karikaturen zeichnete, insbesondere Christian, den er als Symbol für alles Schlechte am Nationalsozialismus darstellte; er war gemein, fies, bösartig, ein Klischee des Bösen … Ich dachte, die Geschichte sollte zeigen, dass es keine von Natur aus “schlechten“ Menschen auf der Welt gibt, sondern dass sie leicht in die Irre geführt werden können.“ Shaw und Brando traten sogar gemeinsam zu einem Fernsehinterview mit dem CBS-Korrespondenten David Schoenbrun auf, und während eines bombastischen Wortwechsels warf Shaw Brando vor, dass er wie die meisten Schauspieler nicht in der Lage sei, einen Bösewicht zu spielen; Brando antwortete darauf: „Niemand erschafft eine Figur, außer einem Schauspieler. Ich spiele die Rolle; jetzt existiert er. Er ist meine Kreation.“ In The Young Lions hatte Brando auch seinen einzigen Auftritt in einem Film mit seinem Freund und Rivalen Montgomery Clift (obwohl sie keine gemeinsamen Szenen hatten). Brando schloss das Jahrzehnt mit seinem Auftritt in The Fugitive Kind (1960) an der Seite von Anna Magnani ab. Der Film basierte auf einem anderen Stück von Tennessee Williams, war aber kaum so erfolgreich wie A Streetcar Named Desire. Die Los Angeles Times bezeichnete Williams“ Figuren als „psychisch krank oder einfach nur hässlich“, und The New Yorker nannte den Film ein „kitschiges Melodrama“.

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One-Eyed Jacks und Meuterei auf der Bounty

1961 gab Brando sein Regiedebüt in dem Western One-Eyed Jacks. Ursprünglich sollte Stanley Kubrick Regie führen, doch er wurde schon früh während der Produktion gefeuert. Paramount machte daraufhin Brando zum Regisseur. Brando spielt die Hauptfigur Rio, und Karl Malden spielt seinen Partner „Dad“ Longworth. In den Nebenrollen sind Katy Jurado, Ben Johnson und Slim Pickens zu sehen. Brandos Vorliebe für mehrfache Wiederholungen und die Erforschung des Charakters als Schauspieler übertrug sich jedoch auf seine Regiearbeit, so dass der Film bald das Budget überschritt; Paramount rechnete damit, dass der Film drei Monate dauern würde, aber die Dreharbeiten zogen sich auf sechs Monate hin und die Kosten verdoppelten sich auf mehr als sechs Millionen Dollar. Brandos Unerfahrenheit als Cutter verzögerte auch die Postproduktion und Paramount übernahm schließlich die Kontrolle über den Film. Brando schrieb später: „Paramount sagte, sie mochten meine Version der Geschichte nicht; ich hatte alle außer Karl Malden lügen lassen. Das Studio schnitt den Film in Stücke und machte auch ihn zum Lügner. Zu diesem Zeitpunkt war ich von dem ganzen Projekt gelangweilt und ließ es hinter mir. One-Eyed Jacks wurde von den Kritikern mit gemischten Kritiken aufgenommen.

Brandos Abneigung gegen die Filmindustrie kochte Berichten zufolge am Set seines nächsten Films über, dem Metro-Goldwyn-Mayer-Remake von Meuterei auf der Bounty, das auf Tahiti gedreht wurde. Der Schauspieler wurde beschuldigt, fast jeden Aspekt der Produktion absichtlich zu sabotieren. Am 16. Juni 1962 erschien in der Saturday Evening Post ein Artikel von Bill Davidson mit der Überschrift „Sechs Millionen Dollar in den Sand gesetzt: Die Meuterei des Marlon Brando“. Der Regisseur von Meuterei, Lewis Milestone, behauptete, dass die Manager „verdienen, was sie bekommen, wenn sie einem Schinkenschauspieler, einem launischen Kind, die vollständige Kontrolle über einen teuren Film geben.“ Meuterei auf der Bounty brachte MGM fast zum Kentern, und obwohl das Projekt tatsächlich durch andere Verzögerungen als Brandos Verhalten behindert worden war, sollten die Anschuldigungen den Schauspieler noch jahrelang verfolgen, da die Studios Brandos schwierigen Ruf zu fürchten begannen. Die Kritiker nahmen auch sein schwankendes Gewicht zur Kenntnis.

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Rückgang der Kasseneinnahmen: 1963-1971

Von seinem Privatleben abgelenkt und von seiner Karriere desillusioniert, begann Brando, die Schauspielerei als Mittel zum Zweck zu betrachten. Kritiker protestierten, als er begann, Rollen in Filmen anzunehmen, die viele als unter seinem Talent liegend ansahen, oder warfen ihm vor, den besseren Rollen nicht gerecht zu werden. Nachdem er zuvor nur kurzfristige Verträge mit Filmstudios abgeschlossen hatte, unterzeichnete Brando 1961 untypischerweise einen Fünf-Filme-Vertrag mit Universal Studios, der ihn für den Rest des Jahrzehnts verfolgen sollte. The Ugly American (1963) war der erste dieser Filme. Der Film, der auf dem gleichnamigen Roman von 1958 basierte, für den Pennebaker die Option erworben hatte, und in dem Brandos Schwester Jocelyn mitspielte, wurde zwar recht positiv bewertet, floppte aber an den Kinokassen. Brando wurde für seine Leistung für einen Golden Globe nominiert. Alle anderen Universal-Filme aus dieser Zeit, darunter Bedtime Story (1964), The Appaloosa (1966), A Countess from Hong Kong (1967) und The Night of the Following Day (1969), waren ebenfalls kritische und kommerzielle Flops. Vor allem Countess war eine Enttäuschung für Brando, der sich auf die Zusammenarbeit mit einem seiner Helden, dem Regisseur Charlie Chaplin, gefreut hatte. Die Erfahrung erwies sich als unglücklich; Brando war entsetzt über Chaplins didaktischen Regiestil und sein autoritäres Vorgehen. Brando hatte 1965 auch in dem Spionagethriller Morituri mitgewirkt; auch dieser Film fand kein Publikum.

Brando räumte seinen beruflichen Niedergang ein und schrieb später: „Einige der Filme, die ich in den Sechzigern gemacht habe, waren erfolgreich, andere nicht. Einige, wie The Night of the Following Day, habe ich nur wegen des Geldes gemacht; andere, wie Candy, habe ich gemacht, weil ein Freund mich darum gebeten hat und ich ihm nicht absagen wollte … In gewisser Weise betrachte ich mein mittleres Alter als die „Fuck You Years“. Candy war für viele besonders entsetzlich. Der 1968 unter der Regie von Christian Marquand gedrehte Sex-Farce-Film, der auf dem 1958 erschienenen Roman von Terry Southern basiert, persifliert pornografische Geschichten anhand der Abenteuer seiner naiven Heldin Candy, gespielt von Ewa Aulin. Der Film wird allgemein als der Tiefpunkt von Brandos Karriere angesehen. Die Washington Post bemerkte dazu: „Brandos Selbstverliebtheit über ein Dutzend Jahre hinweg kostet ihn und sein Publikum seine Talente.“ In der März-Ausgabe 1966 von The Atlantic schrieb Pauline Kael, dass Brando in seinen rebellischen Tagen „asozial war, weil er wusste, dass die Gesellschaft Mist ist; er war ein Held für die Jugend, weil er stark genug war, sich den Mist nicht gefallen zu lassen“, aber jetzt seien Brando und andere wie er „Possenreißer geworden, die schamlos und erbärmlich über ihren öffentlichen Ruf spotten“. In einer früheren Rezension von The Appaloosa aus dem Jahr 1966 schrieb Kael, der Schauspieler sei „in einem weiteren Hund von einem Film gefangen … Nicht zum ersten Mal gibt Mr. Brando eine schwerlidige, adenoidal offene Karikatur des unartikulierten, standhaften Einzelgängers.“ Obwohl er Gleichgültigkeit vortäuschte, war Brando von der Kritik verletzt und gab 2015 in dem Film Listen to Me Marlon zu: „Sie können dich jeden Tag schlagen und du hast keine Möglichkeit, dich zu wehren. Ich war sehr überzeugend in meiner Pose der Gleichgültigkeit, aber ich war sehr empfindlich und es tat sehr weh.“

Brando spielte einen unterdrückten schwulen Armeeoffizier in Reflections in a Golden Eye unter der Regie von John Huston und mit Elizabeth Taylor in der Hauptrolle. Die Rolle erwies sich als eine seiner meistbeachteten seit Jahren, und Stanley Crouch staunte: „Brandos Hauptleistung bestand darin, die wortkarge, aber stoische Düsternis derer darzustellen, die von den Umständen pulverisiert werden.“ Der Film erhielt insgesamt gemischte Kritiken. Ein weiterer bemerkenswerter Film war The Chase (1966), in dem der Schauspieler mit Arthur Penn, Robert Duvall, Jane Fonda und Robert Redford zusammenspielte. Der Film behandelt Themen wie Rassismus, sexuelle Revolution, Korruption in Kleinstädten und Selbstjustiz. Der Film wurde überwiegend positiv aufgenommen.

Brando nannte Burn! (1969) als seinen persönlichen Lieblingsfilm und schrieb in seiner Autobiografie: „Ich glaube, ich habe in diesem Film eine der besten schauspielerischen Leistungen erbracht, die ich je erbracht habe, aber es kamen nur wenige Leute, um ihn zu sehen.“ Brando widmete dem Film in seinen Memoiren ein ganzes Kapitel und erklärte, der Regisseur Gillo Pontecorvo sei neben Kazan und Bernardo Bertolucci der beste Regisseur gewesen, mit dem er je gearbeitet habe. Brando beschrieb auch, wie er am Set mit Pontecorvo aneinander geriet und wie „wir uns fast gegenseitig umbrachten“. Der Film, der lose auf Ereignissen in der Geschichte von Guadeloupe basiert, wurde von den Kritikern negativ aufgenommen. 1971 spielte er unter der Regie von Michael Winner in dem britischen Horrorfilm The Nightcomers mit Stephanie Beacham, Thora Hird, Harry Andrews und Anna Palk. Der Film ist ein Prequel zu The Turn of the Screw, aus dem später der Film The Innocents von 1961 wurde. Brandos Leistung brachte ihm eine Nominierung für den BAFTA als bester Schauspieler ein, aber der Film floppte an den Kinokassen.

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Der Pate und Der letzte Tango in Paris

In den 1970er Jahren galt Brando als „unberechenbar“. Die Kritiker lehnten seine Arbeit zunehmend ab, und er hatte seit The Young Lions (1958), dem letzten Jahr, in dem er unter den Top Ten der Kassenstars rangierte, und dem Jahr seiner letzten Oscar-Nominierung für Sayonara, in keinem Kassenschlager mehr mitgespielt. Brandos Darstellung von Vito Corleone, dem „Don“, in Der Pate (1972), Francis Ford Coppolas Verfilmung des gleichnamigen Bestsellers von Mario Puzo aus dem Jahr 1969, war ein Wendepunkt in seiner Karriere, der ihn wieder in die Top Ten brachte und ihm seinen zweiten Oscar als bester Darsteller einbrachte.

Paramount-Produktionschef Robert Evans, der Puzo einen Vorschuss für das Schreiben des Paten gegeben hatte, damit Paramount die Filmrechte erhielt, engagierte Coppola, nachdem viele große Regisseure den Film abgelehnt hatten. Evans wollte einen italienisch-amerikanischen Regisseur, der den Film mit kultureller Authentizität versehen konnte. Coppola war außerdem billig. Evans war sich der Tatsache bewusst, dass Paramounts letzter Mafia-Film, The Brotherhood (1968), ein Kassenschlager gewesen war, und er glaubte, dass dies zum Teil daran lag, dass der Regisseur, Martin Ritt, und der Star, Kirk Douglas, Juden waren und dem Film ein authentisches italienisches Flair fehlte. Ursprünglich hatte das Studio den Film als Low-Budget-Produktion geplant, die in der heutigen Zeit spielen sollte, ohne große Schauspieler, aber der phänomenale Erfolg des Romans gab Evans den nötigen Einfluss, um den Paten in einen Prestigefilm zu verwandeln.

Coppola hatte eine Liste von Schauspielern für alle Rollen erstellt, und auf seiner Liste potenzieller Dons standen der italienisch-amerikanische Oscar-Preisträger Ernest Borgnine, der italienisch-amerikanische Frank de Kova (am besten bekannt durch seine Rolle als Chief Wild Eagle in der TV-Sitcom F-Troop), John Marley (Oscar-Nominierter für die beste Nebenrolle in Paramounts Erfolgsfilm Love Story von 1970, der als Filmproduzent Jack Woltz besetzt wurde), der Italo-Amerikaner Richard Conte (der als Don Corleones tödlicher Rivale Don Emilio Barzini besetzt wurde) und der italienische Filmproduzent Carlo Ponti. Coppola gab 1975 in einem Interview zu: „Wir dachten schließlich, wir müssten den besten Schauspieler der Welt anlocken. So einfach war das. Das lief auf Laurence Olivier oder Marlon Brando hinaus, die die größten Schauspieler der Welt sind.“ Auf der holografischen Kopie von Coppolas Besetzungsliste ist Brandos Name unterstrichen.

Evans erzählte Coppola, dass er schon zwei Jahre zuvor an Brando für die Rolle gedacht hatte, und Puzo hatte sich Brando in der Rolle vorgestellt, als er den Roman schrieb, und hatte ihm sogar wegen der Rolle geschrieben, so dass Coppola und Evans die Wahl auf Brando einschränkten. (Ironischerweise konkurrierte Olivier mit Brando um den Oscar als bester Schauspieler für seine Rolle in Sleuth. Bei den New York Film Critics Circle Awards 1972 setzte er sich gegen Brando durch.) Albert S. Ruddy, den Paramount mit der Produktion des Films beauftragt hatte, war mit der Wahl von Brando einverstanden. Die Studiobosse von Paramount waren jedoch dagegen, Brando zu besetzen, da er für seine Schwierigkeiten und seine lange Reihe von Kassenflops bekannt war. Brando hatte auch mit One-Eyed Jacks zu kämpfen, einer problematischen Produktion, die Paramount bei ihrer Veröffentlichung im Jahr 1961 Geld kostete. Der Präsident von Paramount Pictures, Stanley Jaffe, sagte zu einem verärgerten Coppola: „Solange ich Präsident dieses Studios bin, wird Marlon Brando nicht in diesem Film mitspielen, und ich werde Ihnen nicht mehr erlauben, darüber zu diskutieren.“

Jaffe stellte schließlich drei Bedingungen für die Besetzung von Brando: Er musste eine Gage akzeptieren, die weit unter dem lag, was er normalerweise erhielt; er musste sich bereit erklären, die finanzielle Verantwortung für etwaige Verzögerungen bei der Produktion zu übernehmen, die sein Verhalten verursachte; und er musste sich einer Probeaufnahme unterziehen. Coppola überredete Brando zu einem auf Video aufgenommenen „Make-up“-Test, bei dem Brando sich selbst schminkte (er benutzte Wattebällchen, um die aufgeblasenen Wangen der Figur zu simulieren). Coppola hatte befürchtet, dass Brando zu jung für die Rolle des Don sein könnte, war aber von der Darstellung des Schauspielers als Oberhaupt einer Verbrecherfamilie elektrisiert. Dennoch musste er mit dem Studio kämpfen, um den temperamentvollen Schauspieler zu engagieren. Brando hatte selbst Zweifel und erklärte in seiner Autobiografie: „Ich hatte noch nie einen Italiener gespielt und glaubte nicht, dass ich es erfolgreich tun könnte.“ Schließlich ließ sich Charles Bluhdorn, der Präsident der Paramount-Muttergesellschaft Gulf+Western, dazu überreden, Brando die Rolle zu überlassen; als er die Probeaufnahmen sah, fragte er erstaunt: „Was sehen wir uns da an? Wer ist dieser alte Knacker?“ Brando wurde für eine niedrige Gage von 50.000 Dollar verpflichtet, aber in seinem Vertrag wurde ihm ein gleitender Prozentsatz des Bruttoeinkommens zugesichert: 1 % des Bruttobetrags für jede 10 Millionen Dollar über einer Schwelle von 10 Millionen Dollar, bis zu 5 %, wenn der Film 60 Millionen Dollar überstieg. Laut Evans verkaufte Brando seine Anteile an dem Film für 100.000 Dollar zurück, da er das Geld dringend benötigte. „Diese 100.000 Dollar kosteten ihn 11 Millionen Dollar“, behauptete Evans.

In einem Interview aus dem Jahr 1994, das auf der Website der Academy of Achievement zu finden ist, betonte Coppola: „Der Pate war ein sehr unbeachteter Film, als wir ihn drehten. Sie waren sehr unzufrieden damit. Sie mochten die Besetzung nicht. Ihnen gefiel nicht, wie ich den Film drehte. Ich war immer kurz davor, gefeuert zu werden.“ Als Brando davon erfuhr, drohte er damit, aus dem Film auszusteigen, und schrieb in seinen Memoiren: „Ich glaube fest daran, dass Regisseure ein Recht auf Unabhängigkeit und Freiheit haben, um ihre Vision zu verwirklichen, obwohl Francis uns die Charakterisierungen überließ und wir herausfinden mussten, was wir tun sollten.“ In einem Fernsehinterview mit Larry King im Jahr 2010 sprach Al Pacino auch darüber, wie Brandos Unterstützung ihm half, die Rolle des Michael Corleone im Film zu behalten – obwohl Coppola ihn feuern wollte. Pacino erklärte in dem Larry-King-Interview auch, dass Coppola zwar seine Enttäuschung über Pacinos frühe Szenen zum Ausdruck brachte, aber nicht ausdrücklich damit drohte, ihn zu feuern; Coppola selbst fühlte sich von den Studiobossen unter Druck gesetzt, die von Pacinos Leistung verwirrt waren. In demselben Interview dankt Pacino Coppola dafür, dass er die Rolle bekommen hat. Brando zeigte sich während der Dreharbeiten von seiner besten Seite, unterstützt von einer Besetzung, zu der Pacino, Robert Duvall, James Caan und Diane Keaton gehörten. In dem Vanity Fair-Artikel „The Godfather Wars“ schreibt Mark Seal: „Mit den Schauspielern, wie auch im Film, fungierte Brando als Familienoberhaupt. Er brach das Eis, indem er mit einem Glas Wein auf die Gruppe anstieß.“ Als wir jung waren, war Brando so etwas wie der Patenonkel der Schauspieler“, sagt Robert Duvall. Ich traf mich mit Dustin Hoffman in Cromwell“s Drugstore, und wenn wir seinen Namen einmal erwähnten, sagten wir ihn 25 Mal an einem Tag. Caan fügt hinzu: “Am ersten Tag, als wir Brando trafen, waren alle voller Ehrfurcht.““

Brandos Darbietung wurde von den Kritikern mit Begeisterung aufgenommen. „Ich dachte, es wäre interessant, einen Gangster zu spielen, vielleicht zum ersten Mal im Film, der nicht wie die von Edward G. Robinson gespielten Bösewichte ist, sondern eine Art Held, ein Mann, den man respektiert“, erinnerte sich Brando in seiner Autobiografie. „Und weil er so viel Macht und unbestrittene Autorität hatte, dachte ich, es wäre ein interessanter Kontrast, ihn als sanften Mann zu spielen, im Gegensatz zu Al Capone, der Leute mit Baseballschlägern verprügelte.“ Duvall staunte später gegenüber A&E“s Biography: „Er minimierte das Gefühl des Anfangs. Mit anderen Worten, er hat das Wort Aktion heruntergespielt. Er ging vor die Kamera, so wie er vorher war. Schnitt! Es war alles dasselbe. Es gab wirklich keinen Anfang. Ich habe viel gelernt, als ich das sah.“ Brando erhielt für seine Leistung den Oscar als bester Schauspieler, lehnte ihn aber ab und war damit der zweite Schauspieler, der einen Preis als bester Schauspieler ablehnte (nach George C. Scott für Patton). Da er nicht an der Preisverleihung teilnahm, schickte er die Aktivistin für die Rechte der amerikanischen Ureinwohner, Sacheen Littlefeather (die in voller Apachenkleidung erschien), um Brandos Gründe zu nennen. Sie begründete dies mit „der heutigen Behandlung amerikanischer Indianer durch die Filmindustrie … und im Fernsehen und in Wiederholungen von Filmen sowie mit den jüngsten Ereignissen in Wounded Knee.“ Die Besetzung von Wounded Knee im Jahr 1973 fand zur Zeit der Zeremonie statt. Brando hatte eine Rede geschrieben, die Littlefeather vorlesen sollte, aber wie sie erklärte, war dies aus Zeitgründen nicht erlaubt. In der schriftlichen Rede fügte Brando hinzu, er hoffe, dass seine Ablehnung des Oscars als „ein ernsthaftes Bemühen, die Aufmerksamkeit auf ein Thema zu lenken, das sehr wohl darüber entscheiden könnte, ob dieses Land das Recht hat, von nun an zu sagen, dass wir an die unveräußerlichen Rechte aller Menschen glauben, frei und unabhängig auf dem Land zu bleiben, das ihr Leben seit Menschengedenken unterstützt hat.“

Nach „Der Pate“ drehte der Schauspieler 1972 Bernardo Bertoluccis Film „Der letzte Tango in Paris“, in dem er an der Seite von Maria Schneider spielte, doch Brandos viel beachtete Leistung drohte von einem Aufschrei über den sexuellen Inhalt des Films überschattet zu werden. Brando porträtiert einen amerikanischen Witwer namens Paul, der eine anonyme sexuelle Beziehung mit einer jungen, verlobten Pariserin namens Jeanne beginnt. Wie schon bei früheren Filmen weigerte sich Brando, seinen Text für viele Szenen auswendig zu lernen. Stattdessen schrieb er seinen Text auf Zettel und hängte sie am Drehort auf, damit er sie leicht nachschlagen konnte, und überließ Bertolucci das Problem, sie aus dem Bild zu halten. Der Film enthält mehrere intensive, grafische Szenen mit Brando, darunter Paul, der Jeanne anal vergewaltigt und dabei Butter als Gleitmittel verwendet, was angeblich nicht einvernehmlich war. Die Schauspielerin bestätigte, dass es zu keinem wirklichen Sex kam, beschwerte sich aber darüber, dass ihr erst kurz vor den Dreharbeiten mitgeteilt wurde, was die Szene beinhalten würde.

Bertolucci drehte auch eine Szene, in der Brandos Genitalien zu sehen waren, erklärte aber 1973: „Ich hatte mich so sehr mit Brando identifiziert, dass ich sie aus Scham vor mir selbst weggelassen habe. Ihn nackt zu zeigen, wäre so gewesen, als hätte ich mich nackt gezeigt.“ Schneider erklärte in einem Interview: „Marlon sagte, er fühle sich dadurch vergewaltigt und manipuliert und er sei 48. Und er war Marlon Brando!“. Wie Schneider bestätigte auch Brando, dass der Sex simuliert war. Bertolucci sagte über Brando, er sei „ein Monster als Schauspieler und ein Liebling als Mensch“. Brando weigerte sich 15 Jahre lang, mit Bertolucci zu sprechen, nachdem die Produktion abgeschlossen war. Bertolucci sagte:

Ich dachte, dass es wie ein Dialog war, in dem er meine Fragen in gewisser Weise beantwortete. Als er am Ende des Films den Film sah, stellte ich fest, dass er erkannte, was wir taten, dass er so viel von seiner eigenen Erfahrung wiedergab. Und er war sehr wütend auf mich, und ich sagte ihm: „Hör zu, du bist erwachsen. Älter als ich. Hast du nicht gemerkt, was du da tust?“ Und er redete jahrelang nicht mehr mit mir.

Allerdings;

Ich rief ihn eines Tages im Jahr “93 an, ich glaube, ich war in L.A. und meine Frau drehte einen Film. Als erstes ging er ans Telefon und sprach mit mir, als hätten wir uns einen Tag zuvor gesehen. Er sagte: „Komm her.“ Ich fragte: „Wann?“ Er sagte: „Jetzt.“ Ich weiß noch, wie ich auf dem Mulholland Drive zu seinem Haus fuhr und dachte, ich schaffe es nicht, ich werde wohl vorher zusammenbrechen. Ich war so aufgewühlt.

Der Film zeigt auch Pauls wütende, emotionsgeladene letzte Konfrontation mit dem Leichnam seiner toten Frau. Der umstrittene Film war jedoch ein Hit, und Brando schaffte es zum letzten Mal in die Liste der Top Ten Box Office Stars. Seine Bruttobeteiligung brachte ihm 3 Millionen Dollar ein. Die stimmberechtigten Mitglieder der Academy of Motion Picture Arts & Sciences nominierten Brando erneut als besten Schauspieler, seine siebte Nominierung. Obwohl Brando 1973 den New York Film Critics Circle Awards gewann, nahm er weder an der Zeremonie teil noch schickte er einen Vertreter, um den Preis abzuholen, falls er ihn gewinnen sollte.

Pauline Kael schrieb in ihrer Rezension im New Yorker: „Der Durchbruch des Films ist endlich da. Bertolucci und Brando haben das Gesicht einer Kunstform verändert.“ Brando gestand in seiner Autobiografie: „Bis heute kann ich nicht sagen, worum es in Der letzte Tango in Paris ging“, und fügte hinzu: „Der Film verlangte von mir eine Menge emotionales Armdrücken mit mir selbst, und als er fertig war, beschloss ich, dass ich mich nie wieder emotional zerstören würde, um einen Film zu machen“.

1973 war Brando vom Tod seines besten Jugendfreundes Wally Cox erschüttert. Brando schlief in Cox“ Pyjama und entriss der Witwe seine Asche. Sie wollte ihn auf Rückgabe der Asche verklagen, sagte aber schließlich: „Ich glaube, Marlon braucht die Asche mehr als ich“.

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Ende der 1970er Jahre

1976 spielte Brando in The Missouri Breaks mit seinem Freund Jack Nicholson. Der Film brachte den Schauspieler auch wieder mit Regisseur Arthur Penn zusammen. Wie der Biograf Stefan Kanfer beschreibt, hatte Penn Schwierigkeiten, Brando zu kontrollieren, der es mit seinem Grenzgänger und späteren Auftragskiller Robert E. Lee Clayton zu übertreiben schien: „Marlon machte ihn zu einem sich quer kleidenden Psychopathen. Clayton, der die erste Stunde des Films abwesend ist, kommt zu Pferd, kopfüber baumelnd, in weißem Hirschleder gekleidet, wie Littlefeather. Er spricht ohne ersichtlichen Grund mit einem irischen Akzent. Im Laufe der nächsten Stunde nimmt Clayton, ebenfalls ohne ersichtlichen Grund, den Tonfall eines britischen Upperclass-Trottels und einer älteren Grenzgängerin an, komplett mit Oma-Kleid und passender Mütze. Penn, der daran glaubte, Schauspieler ihr Ding machen zu lassen, gab Marlon die ganze Zeit nach. Die Kritiker waren unfreundlich: The Observer nannte Brandos Darstellung „eine der extravagantesten Darbietungen von Grandedamerie seit Sarah Bernhardt“, während The Sun sich beschwerte: „Marlon Brando hat mit seinen zweiundfünfzig Jahren den schlabbrigen Bauch eines Zweiundsechzigjährigen, das weiße Haar eines Zweiundsiebzigjährigen und die Disziplinlosigkeit eines frühreifen Zwölfjährigen.“ Allerdings stellte Kanfer fest: „Obwohl sein Spätwerk auf Ablehnung stieß, zeigt eine erneute Betrachtung, dass es oft mitten in der langweiligsten Szene ein plötzliches, leuchtendes Ereignis gab, ein Aufblitzen des alten Marlon, das zeigte, wie fähig er immer noch war.“

1978 sprach Brando die englische Fassung von Raoni, einem französisch-belgischen Dokumentarfilm unter der Regie von Jean-Pierre Dutilleux und Luiz Carlos Saldanha, in dem es um das Leben von Raoni Metuktire und das Überleben der indianischen Stämme im Norden Zentralbrasiliens geht. Brando verkörperte Supermans Vater Jor-El im Film Superman von 1978. Er stimmte der Rolle nur unter der Bedingung zu, dass er für eine kleine Rolle eine hohe Gage erhalten würde, dass er das Drehbuch nicht vorher lesen müsste und dass sein Text irgendwo außerhalb der Kamera zu sehen sein würde. In einem Dokumentarfilm, der auf der 2001 erschienenen DVD von Superman enthalten ist, wurde enthüllt, dass er 3,7 Millionen Dollar für zwei Wochen Arbeit erhielt. Brando drehte auch Szenen für die Fortsetzung des Films, Superman II, aber nachdem die Produzenten sich weigerten, ihm den gleichen Prozentsatz zu zahlen, den er für den ersten Film erhalten hatte, verweigerte er ihnen die Erlaubnis, das Filmmaterial zu verwenden. „Ich verlangte meinen üblichen Anteil“, erinnert er sich in seinen Memoiren, „aber sie weigerten sich, und ich mich auch.“ Nach Brandos Tod wurde das Material jedoch in die Neuverfilmung Superman II: The Richard Donner Cut von 2006 und in die „lose Fortsetzung“ Superman Returns von 2006 aufgenommen, in der sowohl verwendetes als auch ungenutztes Archivmaterial von ihm als Jor-El aus den ersten beiden Superman-Filmen für eine Szene in der Festung der Einsamkeit neu gemastert wurde und Brandos Voice-over im gesamten Film verwendet wurde. Im Jahr 1979 hatte er einen seltenen Fernsehauftritt in der Miniserie Roots: The Next Generations, in der er George Lincoln Rockwell darstellte; für seine Darstellung wurde er mit einem Primetime Emmy Award als herausragender Nebendarsteller in einer Miniserie oder einem Film ausgezeichnet.

Brando spielte die Rolle des Colonel Walter E. Kurtz in Francis Ford Coppolas Vietnam-Epos Apocalypse Now (1979). Er spielt einen hochdekorierten Offizier der U.S. Army Special Forces, der abtrünnig wird, seine eigene Operation in Kambodscha leitet und sowohl vom US-Militär als auch von den Vietnamesen gefürchtet wird. Brando erhielt eine Gage von 1 Million Dollar pro Woche für 3 Wochen Arbeit. Der Film erregte Aufmerksamkeit wegen seiner langwierigen und problematischen Produktion, wie Eleanor Coppolas Dokumentarfilm Hearts of Darkness: A Filmmaker“s Apocalypse dokumentiert: Brando erschien übergewichtig am Set, Martin Sheen erlitt einen Herzinfarkt, und Unwetter zerstörten mehrere teure Sets. Auch die Veröffentlichung des Films wurde mehrmals verschoben, während Coppola Millionen von Metern Filmmaterial bearbeitete. In der Dokumentation spricht Coppola darüber, wie erstaunt er war, als ein übergewichtiger Brando für seine Szenen auftauchte, und in seiner Verzweiflung beschloss er, Kurtz, der in der Originalgeschichte abgemagert erscheint, als einen Mann darzustellen, der sich in jeder Hinsicht verausgabt hatte. Coppola: „Er war schon schwer, als ich ihn anheuerte, und er versprach mir, dass er in Form kommen würde, und ich stellte mir vor, dass ich, wenn er schwer wäre, das nutzen könnte. Aber er war so fett, er war sehr, sehr schüchtern deswegen … Er war sehr, sehr hartnäckig, weil er sich nicht so darstellen wollte. Brando gab Coppola gegenüber zu, dass er das Buch Herz der Finsternis nicht gelesen hatte, worum der Regisseur ihn gebeten hatte, und die beiden verbrachten Tage damit, die Geschichte und die Figur des Kurtz zu erforschen, sehr zum finanziellen Vorteil des Schauspielers, wie der Produzent Fred Roos berichtet: „Die Uhr tickte bei diesem Deal, den er hatte, und wir mussten ihn innerhalb von drei Wochen fertigstellen, sonst würden wir in diese sehr teure Überziehung geraten … Und Francis und Marlon sprachen über die Figur, und es vergingen ganze Tage. Und das alles auf Marlons Drängen hin – und trotzdem wird er dafür bezahlt.“

Bei seiner Veröffentlichung wurde Apocalypse Now von der Kritik gelobt, ebenso wie Brandos Leistung. Sein Flüstern von Kurtz“ letzten Worten „Der Horror! Das Grauen!“, ist besonders berühmt geworden. Roger Ebert, der in der Chicago Sun-Times schrieb, verteidigte die umstrittene Auflösung des Films und meinte, dass das Ende „mit Brandos unscharfen, grüblerischen Monologen und der finalen Gewalt viel befriedigender ist, als es ein konventionelles Ende je sein könnte.“ Brando erhielt ein Honorar von 2 Millionen Dollar plus 10 % der Brutto-Kinovermietung und 10 % der TV-Verkaufsrechte, was ihm rund 9 Millionen Dollar einbrachte.

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Spätere Arbeiten

Nach seinem Auftritt als Ölmagnat Adam Steiffel in dem von der Kritik schlecht aufgenommenen Film The Formula (1980) kündigte Brando seinen Rückzug von der Schauspielerei an. Er kehrte jedoch 1989 in A Dry White Season zurück, der auf dem Anti-Apartheid-Roman von André Brink aus dem Jahr 1979 basiert. Brando erklärte sich bereit, den Film kostenlos zu drehen, zerstritt sich jedoch mit dem Regisseur Euzhan Palcy über die Art und Weise, wie der Film geschnitten wurde; er hatte sogar einen seltenen Fernsehauftritt in einem Interview mit Connie Chung, um seine Missbilligung zu äußern. In seinen Memoiren behauptete er, dass Palcy „den Film so schlecht geschnitten hatte, dass die diesem Konflikt innewohnende Dramatik bestenfalls vage war.“ Brando wurde für seine Leistung gelobt, erhielt eine Oscar-Nominierung als bester Nebendarsteller und gewann den Preis für den besten Darsteller auf dem Filmfestival in Tokio.

Brando erhielt begeisterte Kritiken für seine Karikatur seiner Vito-Corleone-Rolle als Carmine Sabatini in The Freshman von 1990. In seiner Originalkritik schrieb Roger Ebert: „Es gab schon viele Filme, in denen Stars die Triumphe ihrer Rollen wiederholten – aber hat es jemals ein Star so triumphal getan wie Marlon Brando in The Freshman?“ Auch Variety lobte Brandos Leistung als Sabatini und stellte fest: „Marlon Brandos sublime komödiantische Leistung erhebt The Freshman von einer Screwball-Komödie zu einer schrulligen Nische der Filmgeschichte.“ Brando spielte an der Seite seines Freundes Johnny Depp in dem Kassenschlager Don Juan DeMarco (1995), in dem er auch die Sängerin Selena in ihrem einzigen Filmauftritt verkörperte, und in Depps umstrittenem Film The Brave (1997), der in den Vereinigten Staaten nie veröffentlicht wurde.

Spätere Auftritte, wie sein Auftritt in Christoph Kolumbus: Die Entdeckung (1992) (für den er für eine Himbeere als „Schlechtester Nebendarsteller“ nominiert wurde), Die Insel des Dr. Moreau (1996) (für den er eine Himbeere als „Schlechtester Nebendarsteller“ gewann) und sein kaum erkennbarer Auftritt in Free Money (1998), brachten ihm einige der schlechtesten Kritiken seiner Karriere ein. Der Drehbuchautor von Die Insel des Dr. Moreau, Ron Hutchinson, sagte später in seinen Memoiren Clinging to the Iceberg: Writing for a Living on the Stage and in Hollywood (2017), dass Brando die Produktion des Films sabotierte, indem er sich mit seinen Kollegen und der Filmcrew stritt und die Zusammenarbeit verweigerte.

Im Gegensatz zu seinen unmittelbaren Vorgängern wurde Brandos letzter abgeschlossener Film, The Score (2001), allgemein positiv aufgenommen. In dem Film, in dem er einen Hehler darstellt, spielte er an der Seite von Robert De Niro.

Nach dem Tod von Brando wurde der Roman Fan-Tan veröffentlicht. Brando hatte den Roman 1979 zusammen mit dem Regisseur Donald Cammell konzipiert, doch er wurde erst 2005 veröffentlicht.

Brandos Berühmtheit, sein schwieriges Familienleben und seine Fettleibigkeit erregten mehr Aufmerksamkeit als seine späte Schauspielkarriere. In den 1970er Jahren nahm er stark an Gewicht zu; Anfang bis Mitte der 1990er Jahre wog er über 140 kg und litt an Typ-2-Diabetes. Im Laufe seiner Karriere hatte er immer wieder Gewichtsschwankungen, die er im Großen und Ganzen auf sein jahrelanges stressbedingtes übermäßiges Essen und anschließende kompensatorische Diäten zurückführte. Er erwarb sich auch den Ruf, am Set schwierig zu sein, da er oft nicht willens oder in der Lage war, seinen Text auswendig zu lernen, und weniger daran interessiert war, Regieanweisungen zu befolgen, als den Regisseur mit seltsamen Forderungen zu konfrontieren. In seinen letzten Lebensjahren versuchte er sich auch an einigen Innovationen. Zwischen Juni 2002 und November 2004 wurden vom US-Patentamt mehrere Patente auf seinen Namen ausgestellt, die alle eine Methode zum Spannen von Trommelfellen betreffen (siehe z. B. US-Patent 6,812,392).

Im Jahr 2004 nahm Brando die Stimme der Figur Mrs. Sour in dem unveröffentlichten Animationsfilm Big Bug Man auf. Dies war seine letzte Rolle und seine einzige Rolle in einem weiblichen Charakter.

Als langjähriger enger Freund des Entertainers Michael Jackson besuchte Brando regelmäßig dessen Neverland Ranch und erholte sich dort jeweils wochenlang. Brando nahm auch an den zweitägigen Konzerten zur Feier des 30-jährigen Jubiläums der Solokarriere des Sängers im Jahr 2001 teil und spielte die Hauptrolle in seinem 13-minütigen Musikvideo „You Rock My World“ im selben Jahr.

Der Sohn des Schauspielers, Miko, war mehrere Jahre lang Jacksons Bodyguard und Assistent und ein Freund des Sängers. „Das letzte Mal, als mein Vater sein Haus verließ, um irgendwohin zu gehen, um irgendeine Art von Zeit zu verbringen, war es mit Michael Jackson“, erklärte Miko. „Er liebte es … Er hatte einen 24-Stunden-Koch, 24-Stunden-Sicherheitsdienst, 24-Stunden-Hilfe, 24-Stunden-Küche, 24-Stunden-Zimmerservice. Einfach ein Freibrief.“ „Michael hat meinem Vater in den letzten Jahren seines Lebens sehr geholfen. Dafür werde ich ihm immer zu Dank verpflichtet sein. In seinen letzten Tagen konnte mein Vater nur noch schwer atmen, und er war die meiste Zeit auf Sauerstoff angewiesen. Er liebte die Natur, und so lud Michael ihn immer wieder nach Neverland ein. Dad konnte alle Bäume und Blumen benennen, aber da er an Sauerstoff angeschlossen war, fiel es ihm schwer, sie alle zu sehen, so groß war der Ort. Also besorgte Michael Dad einen Golfwagen mit einem tragbaren Sauerstofftank, damit er herumfahren und Neverland genießen konnte. Sie fuhren einfach herum – Michael Jackson, Marlon Brando, mit einem Sauerstofftank in einem Golfwagen.“ Im April 2001 wurde Brando mit einer Lungenentzündung ins Krankenhaus eingeliefert.

2004 unterzeichnete Brando einen Vertrag mit dem tunesischen Regisseur Ridha Behi und begann mit der Vorproduktion eines Projekts, das den Titel Brando und Brando tragen sollte. Bis eine Woche vor seinem Tod arbeitete er an dem Drehbuch, das im Juli veröffentlicht werden sollte.

Am 1. Juli 2004 starb Brando im UCLA Medical Center an Atemversagen infolge einer Lungenfibrose mit kongestivem Herzversagen. Die Todesursache wurde zunächst unter Berufung auf den Datenschutz von seinem Anwalt verschwiegen. Er litt auch an Diabetes und Leberkrebs. Kurz vor seinem Tod und obwohl er eine Sauerstoffmaske zum Atmen brauchte, nahm er seine Stimme für den Film Der Pate auf: Das Spiel, erneut als Don Vito Corleone. Aufgrund seines schlechten Gesundheitszustands nahm Brando jedoch nur eine Zeile auf, und ein Imitator wurde engagiert, um seinen Text zu beenden. Seine einzige aufgenommene Zeile wurde als Hommage an den Schauspieler in das fertige Spiel aufgenommen. Einige weitere Zeilen seiner Figur wurden direkt aus dem Film übernommen. Karl Malden – Brandos Co-Star in drei Filmen (A Streetcar Named Desire, On the Waterfront und One-Eyed Jacks) – sprach in einem Dokumentarfilm, der der DVD von A Streetcar Named Desire beiliegt, über einen Anruf, den er von Brando kurz vor dessen Tod erhielt. Ein verzweifelter Brando erzählte Malden, er falle ständig um. Malden wollte zu ihm kommen, aber Brando wies ihn mit den Worten ab, es habe keinen Sinn. Drei Wochen später war Brando tot. Kurz vor seinem Tod hatte er sich offenbar geweigert, sich Schläuche mit Sauerstoff in die Lunge legen zu lassen, was, wie man ihm sagte, die einzige Möglichkeit war, sein Leben zu verlängern.

Brando wurde eingeäschert, und seine Asche wurde zusammen mit der seines guten Freundes Wally Cox und eines anderen langjährigen Freundes, Sam Gilman, beigesetzt. Sie wurde dann teils auf Tahiti und teils im Death Valley verstreut. Im Jahr 2007 wurde für Turner Classic Movies ein 165-minütiges Biopic über Brando, Brando: The Documentary, produziert von Mike Medavoy (dem Testamentsvollstrecker von Brando), veröffentlicht.

Brando war bekannt für sein turbulentes Privatleben und seine zahlreichen Partnerinnen und Kinder. Er war der Vater von mindestens 11 Kindern, von denen drei adoptiert wurden. 1976 sagte er zu einem französischen Journalisten: „Homosexualität ist so sehr in Mode, dass sie keine Nachrichten mehr macht. Wie viele Männer habe auch ich homosexuelle Erfahrungen gemacht, und ich schäme mich nicht dafür. Ich habe nie viel darauf geachtet, was die Leute über mich denken. Aber wenn es jemanden gibt, der überzeugt ist, dass Jack Nicholson und ich ein Liebespaar sind, dann möge er das auch weiterhin tun. Ich finde es amüsant.“

In Songs My Mother Taught Me schrieb Brando, dass er Marilyn Monroe auf einer Party kennenlernte, auf der sie unbemerkt von den anderen Anwesenden Klavier spielte, dass sie eine Affäre hatten und viele Jahre lang mit Unterbrechungen zusammen waren, und dass er einige Tage vor ihrem Tod einen Anruf von ihr erhielt. Er behauptete auch zahlreiche andere Romanzen, obwohl er in seiner Autobiografie nicht auf seine Ehen, seine Frauen oder seine Kinder einging.

In den frühen 1950er Jahren lernte er die Nisei-Schauspielerin und Tänzerin Reiko Sato kennen. Obwohl ihre Beziehung abkühlte, blieben sie für den Rest von Satos Leben befreundet, wobei sie in ihren späteren Jahren ihre Zeit zwischen Los Angeles und Tetiaroa aufteilte. Im Jahr 1954 berichtete Dorothy Kilgallen, dass sie ein Paar waren.

Brando war in die mexikanische Schauspielerin Katy Jurado verliebt, nachdem er sie in High Noon gesehen hatte. Sie lernten sich kennen, als Brando in Mexiko den Film Viva Zapata! drehte. Brando erzählte Joseph L. Mankiewicz, dass er sich zu „ihren rätselhaften Augen hingezogen fühlte, die schwarz wie die Hölle waren und wie feurige Pfeile auf dich gerichtet waren“. Ihre erste Verabredung war der Beginn einer längeren Affäre, die viele Jahre dauerte und ihren Höhepunkt erreichte, als sie gemeinsam an One-Eyed Jacks (1960) arbeiteten, einem Film unter der Regie von Brando.

1954 lernte Brando die Schauspielerin Rita Moreno kennen, mit der er eine Liebesbeziehung begann. Moreno enthüllte später in ihren Memoiren, dass Brando, als sie schwanger wurde, eine Abtreibung veranlasste. Nachdem die Abtreibung verpfuscht wurde und Brando sich in Tarita Teriipaia verliebte, unternahm Moreno einen Selbstmordversuch mit einer Überdosis von Brandos Schlaftabletten. Jahre nach ihrer Trennung spielte Moreno seine große Liebe in dem Film Die Nacht des folgenden Tages.

Brando heiratete die Schauspielerin Anna Kashfi im Jahr 1957. Kashfi wurde in Kalkutta geboren und zog 1947 von Indien nach Wales. Sie ist die Tochter eines walisischen Stahlarbeiters irischer Abstammung, William O“Callaghan, der Superintendent bei den staatlichen indischen Eisenbahnen war, und seiner walisischen Frau Phoebe. In ihrem Buch Brando for Breakfast behauptete Kashfi jedoch, sie sei halb indisch und O“Callaghan sei ihr Stiefvater. Sie behauptete, ihr biologischer Vater sei Inder und sie sei das Ergebnis einer „unregistrierten Allianz“ zwischen ihren Eltern. Brando und Kashfi bekamen am 11. Mai 1958 einen Sohn, Christian Brando, von dem sie sich 1959 scheiden ließen.

1960 heiratete Brando Movita Castaneda, eine mexikanisch-amerikanische Schauspielerin; die Ehe wurde 1968 annulliert, nachdem festgestellt wurde, dass ihre frühere Ehe noch aktiv war. Castaneda hatte 1935 im ersten Film Meuterei auf der Bounty mitgespielt, etwa 27 Jahre vor der Neuverfilmung von 1962 mit Brando als Fletcher Christian. Sie hatten zwei gemeinsame Kinder: Miko Castaneda Brando (geboren 1961) und Rebecca Brando (geboren 1966).

Die französische Schauspielerin Tarita Teriipaia, die in Meuterei auf der Bounty die Hauptrolle spielte, wurde am 10. August 1962 Brandos dritte Ehefrau. Sie war 20 Jahre alt und damit 18 Jahre jünger als Brando, der sich über ihre Naivität gefreut haben soll. Da Teriipaia französische Muttersprachlerin war, beherrschte Brando diese Sprache fließend und gab zahlreiche Interviews auf Französisch. Brando und Teriipaia hatten zwei gemeinsame Kinder: Simon Teihotu Brando (geboren 1963) und Tarita Cheyenne Brando (1970-1995). Brando adoptierte auch die Tochter von Teriipaia, Maimiti Brando (geb. 1977), und die Nichte Raiatua Brando (geb. 1982). Brando und Teriipaia ließen sich im Juli 1972 scheiden.

Nach Brandos Tod behauptete die Tochter der Schauspielerin Cynthia Lynn, Brando habe eine kurzlebige Affäre mit ihrer Mutter gehabt, die mit Brando in Bedtime Story auftrat, und dass diese Affäre 1964 zu ihrer Geburt führte. In den späten 1960er Jahren und bis in die frühen 1980er Jahre hinein hatte er eine stürmische, langfristige Beziehung mit der Schauspielerin Jill Banner.

Brando hatte eine langjährige Beziehung mit seiner Haushälterin Maria Cristina Ruiz, mit der er drei Kinder hatte: Ninna Priscilla Brando (geboren am 13. Mai 1989), Myles Jonathan Brando (geboren am 16. Januar 1992) und Timothy Gahan Brando (geboren am 6. Januar 1994). Brando adoptierte auch Petra Brando-Corval (geb. 1972), die Tochter seiner Assistentin Caroline Barrett und des Schriftstellers James Clavell.

Die enge Freundschaft zwischen Brando und Wally Cox war Gegenstand von Gerüchten. Brando sagte zu einem Journalisten: „Wenn Wally eine Frau gewesen wäre, hätte ich ihn geheiratet und wir hätten für immer glücklich gelebt.“ Zwei von Cox“ Ehefrauen wiesen jedoch die Vermutung zurück, dass die Liebe mehr als platonisch war.

Brandos Enkel Tuki Brando (geboren 1990), der Sohn von Cheyenne Brando, ist Model. Zu seinen zahlreichen Enkelkindern gehören auch Prudence Brando und Shane Brando, die Kinder von Miko C. Brando, die Kinder von Rebecca Brando und die drei Kinder von Teihotu Brando, um nur einige zu nennen.

Stephen Blackehart soll der Sohn von Brando sein, aber Blackehart bestreitet diese Behauptung.

2018 behaupteten Quincy Jones und Jennifer Lee, Brando habe eine sexuelle Beziehung mit dem Komiker und Superman III-Darsteller Richard Pryor gehabt. Pryors Tochter Rain Pryor bestritt diese Behauptung später.

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Lebensstil

Brando erwarb sich durch seine öffentlichen Ausbrüche und Possen den Ruf eines „Bad Boy“. Laut dem Los Angeles Magazine war Brando „Rock and Roll, bevor irgendjemand wusste, was Rock and Roll ist“. Sein Verhalten während der Dreharbeiten zu Meuterei auf der Bounty (1962) schien seinen Ruf als schwieriger Star zu festigen. Man gab ihm die Schuld am Wechsel des Regisseurs und am ausufernden Budget, obwohl er die Verantwortung für beides von sich wies. Am 12. Juni 1973 brach Brando dem Paparazzo Ron Galella den Kiefer. Galella war Brando, der in Begleitung des Talkshow-Moderators Dick Cavett war, nach einer Aufzeichnung der Dick Cavett Show in New York City gefolgt. Er zahlte eine außergerichtliche Entschädigung in Höhe von 40.000 Dollar und erlitt dabei eine entzündete Hand. Galella trug einen Football-Helm, als er Brando das nächste Mal bei einer Gala zugunsten der American Indians Development Association im Jahr 1974 fotografierte.

Die Dreharbeiten zu Meuterei auf der Bounty hatten einen tiefgreifenden Einfluss auf Brandos Leben, denn er verliebte sich in Tahiti und seine Bewohner. Er kaufte ein Atoll mit 12 Inseln, Tetiaroa, und beauftragte 1970 einen preisgekrönten jungen Architekten aus Los Angeles, Bernard Judge, dort sein Haus und ein natürliches Dorf zu bauen, ohne die Umwelt zu zerstören. Es wurde ein Umweltlabor zum Schutz von Seevögeln und Schildkröten eingerichtet, das viele Jahre lang von Studentengruppen besucht wurde. Der Hurrikan von 1983 zerstörte viele der Gebäude, darunter auch sein Resort. Ein Hotel mit Brandos Namen, das Brando Resort Brando war ein aktiver Funkamateur mit den Rufzeichen KE6PZH und FO5GJ (letzteres von seiner Insel aus). In den Aufzeichnungen der Federal Communications Commission (FCC) wurde er als Martin Brandeaux geführt, um seine Privatsphäre zu schützen.

In der A&E Biography-Episode über Brando kommentiert der Biograf Peter Manso: „Einerseits ermöglichte es Marlon, sich als Berühmtheit an der Welt zu rächen, die ihn so tief verletzt, so tief gezeichnet hatte. Andererseits hasste er es, weil er wusste, dass es falsch und vergänglich war.“ In der gleichen Sendung erzählt ein anderer Biograf, David Thomson: „Viele, viele Leute, die mit ihm gearbeitet haben und mit den besten Absichten zu ihm kamen, gingen verzweifelt weg und sagten, er sei ein verwöhntes Kind. Es muss alles auf seine Art gemacht werden, oder er geht mit einer riesigen Geschichte darüber weg, wie ihm Unrecht getan wurde, wie er beleidigt wurde, und ich denke, das passt zu dem psychologischen Muster, dass er ein ungerecht behandeltes Kind war.“

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Politischer Aktivismus

1946 spielte Brando in Ben Hechts zionistischem Stück A Flag is Born mit. Bei den Präsidentschaftswahlen 1960 nahm er an einigen Benefizveranstaltungen für John F. Kennedy teil. Im August 1963 nahm er zusammen mit Harry Belafonte, James Garner, Charlton Heston, Burt Lancaster und Sidney Poitier an dem Marsch auf Washington teil. Zusammen mit Paul Newman nahm Brando auch an den Freedom Rides teil. Brando unterstützte Lyndon B. Johnson bei den Präsidentschaftswahlen 1964 in den Vereinigten Staaten.

Im Herbst 1967 besuchte Brando Helsinki, Finnland, anlässlich einer von der UNICEF organisierten Wohltätigkeitsveranstaltung im Stadttheater von Helsinki. Die Gala wurde in dreizehn Ländern im Fernsehen übertragen. Anlass für Brandos Besuch war die Hungersnot, die er in Bihar, Indien, erlebt hatte, und er präsentierte der Presse und den geladenen Gästen den Film, den er dort gedreht hatte. Er sprach sich für die Rechte der Kinder und die Entwicklungshilfe in den Entwicklungsländern aus.

Nach der Ermordung von Martin Luther King Jr. im Jahr 1968 ging Brando eines der größten Engagements zur Förderung von Kings Arbeit ein. Kurz nach Kings Tod gab er bekannt, dass er die Hauptrolle in einem großen Film (The Arrangement) (1969), der kurz vor dem Produktionsbeginn stand, aufgeben würde, um sich der Bürgerrechtsbewegung zu widmen. „Ich wollte herausfinden, was es bedeutet, in diesem Land schwarz zu sein, was es mit dieser Wut auf sich hat“, sagte Brando in der Late-Night-Talkshow Joey Bishop Show von ABC-TV. In der A&E-Biografie über Brando sagt der Schauspieler und Co-Star Martin Sheen: „Ich werde nie die Nacht vergessen, in der Reverend King erschossen wurde und ich die Nachrichten einschaltete und Marlon mit Bürgermeister Lindsay durch Harlem lief. Es gab Scharfschützen und viele Unruhen, und er ging weiter und sprach mit Bürgermeister Lindsay durch diese Stadtteile. Das war eine der unglaublichsten Taten von Mut, die ich je gesehen habe, und es hat viel bedeutet und viel bewirkt.“

Brandos Engagement für die Bürgerrechtsbewegung begann bereits lange vor Kings Tod. In den frühen 1960er Jahren spendete er Tausende von Dollar sowohl an die Southern Christian Leadership Conference (S.C.L.C.) als auch an einen Stipendienfonds, der für die Kinder des ermordeten N.A.A.C.P.-Führers Medgar Evers aus Mississippi eingerichtet worden war. 1964 wurde Brando bei einem „Fish-in“ verhaftet, um gegen einen gebrochenen Vertrag zu protestieren, der den amerikanischen Ureinwohnern Fischereirechte im Puget Sound versprochen hatte. Zu dieser Zeit war Brando bereits an Filmen beteiligt, die Botschaften über Menschenrechte enthielten: Sayonara, in dem es um Romanzen zwischen Rassen ging, und The Ugly American, der das Verhalten von US-Beamten im Ausland und die schädlichen Auswirkungen auf die Bürger fremder Länder darstellte. Eine Zeit lang spendete er auch Geld an die Black Panther Party und betrachtete sich als Freund des Gründers Bobby Seale. Er hielt auch eine Trauerrede, nachdem Bobby Hutton von der Polizei erschossen worden war. Brando beendete seine finanzielle Unterstützung für die Gruppe, weil er ihre zunehmende Radikalisierung wahrnahm, insbesondere eine Passage in einem von Eldridge Cleaver herausgegebenen Panther-Pamphlet, in dem er wahllose Gewalt „für die Revolution“ befürwortete.

Brando war auch ein Unterstützer der amerikanischen Indianerbewegung. Bei der Oscar-Verleihung 1973 weigerte sich Brando, den Oscar für seine karrierebelebende Leistung in Der Pate anzunehmen. Sacheen Littlefeather vertrat ihn bei der Verleihung. Sie erschien in voller Apachenkleidung und erklärte, dass Brando den Preis wegen der „schlechten Behandlung der amerikanischen Ureinwohner in der Filmindustrie“ nicht annehmen würde. Dies geschah, während die Unruhen am Wounded Knee noch andauerten. Das Ereignis erregte die Aufmerksamkeit der US-amerikanischen und internationalen Medien. Es wurde von den Anhängern und Teilnehmern der Bewegung als ein wichtiges Ereignis und als Sieg betrachtet.

Außerhalb seiner Filmarbeit trat Brando vor der kalifornischen Versammlung auf, um ein Gesetz für fairen Wohnraum zu unterstützen, und schloss sich 1963 persönlich Streikposten bei Demonstrationen gegen Diskriminierung in Wohnsiedlungen an.

Er war auch ein Aktivist gegen die Apartheid. Im Jahr 1964 befürwortete er einen Boykott seiner Filme in Südafrika, um zu verhindern, dass sie einem segregierten Publikum vorgeführt werden. 1975 nahm er an einer Protestkundgebung gegen amerikanische Investitionen in Südafrika und für die Freilassung von Nelson Mandela teil. 1989 spielte Brando die Hauptrolle in dem Film A Dry White Season, der auf dem gleichnamigen Roman von André Brink basiert.

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Kommentare zu Juden und Hollywood

In einem Interview in der Zeitschrift Playboy im Januar 1979 sagte Brando: „Man hat gesehen, wie jede einzelne Rasse besudelt wurde, aber man hat nie ein Bild von einem Juden gesehen, weil die Juden immer so wachsam waren – und das zu Recht. Sie haben nie erlaubt, dass es auf der Leinwand gezeigt wird. Die Juden haben so viel für die Welt getan, dass man wohl besonders enttäuscht ist, weil sie nicht darauf geachtet haben.“

Brando äußerte sich im April 1996 bei Larry King Live in ähnlicher Weise:

Hollywood wird von Juden geleitet; es gehört Juden, und sie sollten mehr Sensibilität für das Problem der Menschen haben, die leiden. Denn sie haben ausgebeutet – wir haben den Nigger und den Schmierlappen gesehen, wir haben das Schlitzauge gesehen, wir haben den schlitzäugigen gefährlichen Japsen gesehen, wir haben den gerissenen Filipino gesehen, wir haben alles gesehen, aber wir haben nie den Juden gesehen. Denn sie wussten ganz genau, dass das der Punkt ist, an dem man die Wagen herumzieht.

Larry King, der Jude war, antwortete: „Wenn Sie so etwas sagen, spielen Sie den Antisemiten in die Hände, die sagen, die Juden sind…“, unterbrach Brando: „Nein, nein, denn ich werde der erste sein, der die Juden ehrlich beurteilt und sagt: “Gott sei Dank gibt es die Juden“.“

Jay Kanter, Brandos Agent, Produzent und Freund, verteidigte ihn in Daily Variety: „Marlon hat mit mir stundenlang über seine Vorliebe für das jüdische Volk gesprochen, und er ist ein bekannter Unterstützer Israels.“ Ähnlich schrieb Louie Kemp in seinem Artikel für das Jewish Journal: „Sie erinnern sich vielleicht an ihn als Don Vito Corleone, Stanley Kowalski oder den unheimlichen Col. Walter E. Kurtz in “Apocalypse Now“, aber ich erinnere mich an Marlon Brando als einen Menschen und einen persönlichen Freund des jüdischen Volkes, als es das am meisten brauchte.“

Brando war einer der angesehensten Schauspieler der Nachkriegszeit. Das American Film Institute listet ihn als viertgrößten männlichen Star auf, dessen Leinwanddebüt vor oder während des Jahres 1950 stattfand (es fand 1950 statt). Die Kritiker schätzten ihn für seine denkwürdigen Darbietungen und seine charismatische Leinwandpräsenz. Er trug dazu bei, die Schauspielmethode zu popularisieren. Er gilt als einer der größten Filmschauspieler des 20. Jahrhunderts.

Die Encyclopedia Britannica beschreibt ihn als „den berühmtesten der methodischen Schauspieler, und sein undeutlicher, nuschelnder Vortrag kennzeichnete seine Ablehnung der klassischen dramatischen Ausbildung. Seine wahren und leidenschaftlichen Darbietungen machten ihn zu einem der größten Schauspieler seiner Generation“. Er gilt als der einflussreichste Schauspieler seiner Generation, doch seine offene Verachtung für den Schauspielerberuf … äußerte sich oft in Form von fragwürdigen Entscheidungen und uninspirierten Darbietungen. Nichtsdestotrotz bleibt er eine fesselnde Leinwandpräsenz mit einer enormen emotionalen Bandbreite und einer endlosen Reihe von zwingend anzuschauenden Idiosynkrasien.“

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Kultureller Einfluss

Marlon Brando ist eine kulturelle Ikone mit ungebrochener Popularität. Sein Aufstieg zu nationaler Aufmerksamkeit in den 1950er Jahren hatte einen tiefgreifenden Einfluss auf die amerikanische Kultur. Laut der Filmkritikerin Pauline Kael „stellte Brando eine Reaktion auf den Sicherheitswahn der Nachkriegszeit dar. Als Protagonist hatte der Brando der frühen fünfziger Jahre keinen Code, nur seine Instinkte. Er war eine Weiterentwicklung des Gangsterführers und des Geächteten. Er war asozial, weil er wusste, dass die Gesellschaft Mist war; er war ein Held für die Jugend, weil er stark genug war, sich den Mist nicht gefallen zu lassen … Brando verkörperte eine zeitgenössische Version des freien Amerikaners … Brando ist immer noch der aufregendste amerikanische Schauspieler auf der Leinwand.“ Die Soziologin Dr. Suzanne McDonald-Walker stellt fest: „Marlon Brando wurde mit seiner Lederjacke, seinen Jeans und seinem mürrischen Blick zu einer kulturellen Ikone, die “die Straße“ in all ihrer unkonventionellen Pracht verkörpert.“ Seine Darstellung des Bandenführers Johnny Strabler in The Wild One wurde zu einem ikonischen Bild, das sowohl als Symbol für Rebellion als auch als modisches Accessoire verwendet wird, zu dem eine Motorradjacke im Perfecto-Stil, eine schräge Kappe, Jeans und eine Sonnenbrille gehören. Johnnys Haarschnitt inspirierte den Trend zu Koteletten, der unter anderem von James Dean und Elvis Presley aufgegriffen wurde. Dean kopierte Brandos Schauspielstil ausgiebig, und Presley nutzte Brandos Image als Vorbild für seine Rolle in Jailhouse Rock. Die Szene „I coulda been a contender“ aus On the Waterfront ist nach Ansicht des Autors von Brooklyn Boomer, Martin H. Levinson, „eine der berühmtesten Szenen der Filmgeschichte, und der Satz selbst ist Teil des kulturellen Lexikons Amerikas geworden.“ Ein Beispiel für die Beständigkeit von Brandos populärem „Wild One“-Image war die 2009 erfolgte Veröffentlichung von Nachbildungen der Lederjacke, die Brandos Figur Johnny Strabler trug. Die Jacken wurden von Triumph vermarktet, dem Hersteller der Triumph Thunderbird-Motorräder, die in „The Wild One“ zu sehen waren, und wurden offiziell von Brandos Nachlass lizenziert.

Brando wurde auch als männliches Sexsymbol betrachtet. Linda Williams schreibt: „Marlon Brando ist das amerikanische männliche Sexsymbol schlechthin in den späten Fünfzigern und frühen Sechzigern“. Brando war eine frühe lesbische Ikone, die zusammen mit James Dean den Butch-Look und das Selbstverständnis in den 1950er Jahren und danach beeinflusste.

Brando wurde auch in der Musik verewigt; insbesondere wurde er im Text von „It“s Hard to Be a Saint in the City“ von Bruce Springsteen erwähnt, in dem eine der Anfangszeilen lautet „I could walk like Brando right in to the sun“, und in Neil Youngs „Pocahontas“ als Hommage an seine lebenslange Unterstützung der amerikanischen Ureinwohner, in der er mit Neil und Pocahontas an einem Feuer sitzend dargestellt wird. Er wurde auch in „Vogue“ von Madonna, „Is This What You Wanted“ von Leonard Cohen auf dem Album New Skin for the Old Ceremony, „Eyeless“ von Slipknot auf ihrem selbstbetitelten Album und zuletzt in dem einfach „Marlon Brando“ betitelten Lied des australischen Sängers Alex Cameron auf seinem 2017er Album Forced Witness erwähnt. Bob Dylans Song „My Own Version of You“ aus dem Jahr 2020 bezieht sich auf einen seiner berühmtesten Auftritte mit der Zeile „I“ll take the Scarface Pacino and the Godfather Brando“.

Er ist auch eines der vielen Gesichter auf dem Cover des Beatles-Albums „Sgt Pepper“s Lonely Hearts Club Band“, direkt über dem Wachsmodell von Ringo Starr.

Brandos Filme und die von James Dean veranlassten Honda, mit der Werbung „You Meet the Nicest People on a Honda“ (Man trifft die nettesten Leute auf einer Honda) gegen die negative Assoziation von Motorrädern mit Rebellen und Gesetzlosen vorzugehen.

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Ansichten zum Handeln

In seiner Autobiografie Songs My Mother Taught Me bemerkte Brando:

Ich habe immer gedacht, dass ein Vorteil der Schauspielerei darin besteht, dass sie den Schauspielern die Möglichkeit gibt, Gefühle auszudrücken, die sie im wirklichen Leben nicht äußern können. Intensive Emotionen, die man in sich vergraben hat, können aus dem Hinterkopf rauchen, und ich nehme an, dass dies im Hinblick auf das Psychodrama hilfreich sein kann. Im Nachhinein denke ich, dass meine emotionale Unsicherheit als Kind – die Frustration darüber, dass ich nicht so sein durfte, wie ich war, dass ich Liebe wollte und sie nicht bekommen konnte, dass ich merkte, dass ich nichts wert war – mir als Schauspieler geholfen haben könnte, zumindest in geringem Maße. Das hat mir wahrscheinlich eine gewisse Intensität verliehen, die die meisten Menschen nicht haben.

Er gestand auch, dass er zwar große Bewunderung für das Theater hege, aber nach seinem anfänglichen Erfolg nicht mehr dorthin zurückkehre, vor allem weil die Arbeit ihn emotional auslauge:

Am meisten erinnere ich mich an „A Streetcar Named Desire“, weil ich an sechs Abenden und zwei Nachmittagen in dem Stück mitspielen musste. Versuchen Sie sich vorzustellen, wie es war, jeden Abend um 20.30 Uhr auf die Bühne zu gehen, zu schreien, zu weinen, Geschirr zu zerbrechen, gegen die Möbel zu treten, gegen die Wände zu schlagen und Abend für Abend die gleichen intensiven, erschütternden Emotionen zu erleben und jedes Mal zu versuchen, im Publikum die gleichen Gefühle hervorzurufen, die ich empfand. Das war anstrengend.

Brando schrieb Stella Adler und ihrem Verständnis der Stanislawski-Schauspieltechnik wiederholt zu, dass sie den Realismus ins amerikanische Kino gebracht habe, fügte aber auch hinzu:

Diese Schauspielschule hat dem amerikanischen Theater und den Filmen gut gedient, aber sie war einschränkend. Das amerikanische Theater war nie in der Lage, Shakespeare oder klassische Dramen jeglicher Art zufriedenstellend zu präsentieren. Wir haben einfach nicht den Stil, die Achtung vor der Sprache oder die kulturelle Disposition … Bei Shakespeare kann man nicht nuscheln. Man kann nicht improvisieren, und man muss sich streng an den Text halten. Das englische Theater hat einen Sinn für Sprache, den wir nicht kennen … In den Vereinigten Staaten hat sich die englische Sprache fast zu einem Patois entwickelt.

Im Dokumentarfilm Listen to Me Marlon aus dem Jahr 2015 teilte Brando seine Gedanken über das Spielen einer Todesszene mit: „Das ist eine schwierige Szene, die man spielen muss. Du musst sie glauben lassen, dass du stirbst … Versuchen Sie, an den intimsten Moment zu denken, den Sie je in Ihrem Leben erlebt haben.“ Seine Lieblingsschauspieler waren Spencer Tracy, John Barrymore, Fredric March, James Cagney und Paul Muni. Er bewunderte auch Sean Penn, Jack Nicholson, Johnny Depp und Daniel Day-Lewis.

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Finanzielles Erbe

Bei seinem Tod im Jahr 2004 hinterließ Brando einen Nachlass im Wert von 21,6 Millionen Dollar. Laut Forbes brachte sein Nachlass 2005 immer noch rund 9 Millionen Dollar ein, und in diesem Jahr nannte ihn das Magazin als einen der bestverdienenden verstorbenen Prominenten der Welt.

Im Dezember 2019 wird die Rolex GMT Master Ref. 1675, die Brando in Francis Ford Coppolas Vietnamkriegsepos „Apocalypse Now“ trug, soll bei einer Auktion versteigert werden, wobei ein Preis von bis zu 1 Million Dollar erwartet wird.

Brando wurde vom American Film Institute zum viertgrößten männlichen Star ernannt, dessen Leinwanddebüt vor oder während des Jahres 1950 stattfand, und in die Liste der Time 100: The Most Important People of the Century des TIME Magazine aufgenommen. Außerdem wurde er von der Zeitschrift Variety zu einer der 10 wichtigsten „Ikonen des Jahrhunderts“ ernannt.

Anmerkungen

Zitate

Literaturverzeichnis

Quellen

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4. ^ a b Barnes, Mike. „Anna Kashfi, Actress and First Wife of Marlon Brando, Dies at 80.“ Archived December 24, 2017, at the Wayback Machine. The Hollywood Reporter, August 25, 2015. Retrieved December 23, 2017.
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7. ^ Dimare 2011, pp. 580–582.
8. Liste der Filmpreise für Marlon Brando auf imdb.com
9. Genealogies of some of the Old Dutch Families of Greene County (Memento vom 4. Juli 2007 im Internet Archive); New England Historic Genealogical Society (Memento vom 22. November 2005 im Internet Archive); nach anderen Quellen, z. B. Manso, stammten die Vorfahren aus dem Elsass
10. Manso, S. 1–19
11. St. James Encyclopedia of Popular Culture
12. Kanfer 2008, p. 319
13. DIMARE, Philip C. (2011). Movies in American History: An Encyclopedia. Santa Barbara, Califórnia: ABC-CLIO. pp. 580–582. ISBN 1-59884-296-X
14. BRANDO, Marlon (1994). Brando: Songs My Mother Taught Me. New York: Random House. ISBN 0-679-41013-9
15. ^ La protesta riguardava gli indiani degli Stati Uniti d“America, come da: Michel Ciment, Enrico Lancia, Jean-Loup Passek, Dizionario Larousse del cinema americano, Gremese Editore, 1998, p. 89, ISBN 978-88-7742-184-5.
16. ^ a b Bly 1994, p. 11.
17. ^ Kanfer 2008, p. 134.
18. ^ a b Kanfer 2008, pp. 5, 6.
19. ^ Patricia Bosworth, 1996, p. 130.