Robert Altman

Delice Bette | Dezember 12, 2022

Post Views: 11

Zusammenfassung

Robert Bernard Altman (20. Februar 1925 – 20. November 2006) war ein amerikanischer Filmregisseur, Drehbuchautor und Produzent. Altman wurde fünfmal für den Academy Award für die beste Regie nominiert und gilt als einer der bedeutendsten Vertreter der New-Hollywood-Ära.

Sein Stil des Filmemachens umfasste viele Genres, jedoch meist mit einer „subversiven“ Wendung, die sich typischerweise auf Satire und Humor stützte, um seine persönlichen Ansichten auszudrücken. Altman erwarb sich den Ruf, „Anti-Hollywood“ und nonkonformistisch zu sein, sowohl was seine Themen als auch seinen Regiestil angeht. Die Schauspieler arbeiteten besonders gern unter seiner Regie, weil er sie zum Improvisieren ermutigte und so ihre eigene Kreativität anregte.

Er bevorzugte große Ensemblebesetzungen für seine Filme und entwickelte eine Mehrspuraufnahmetechnik, bei der sich die Dialoge mehrerer Schauspieler überschneiden. Dies führte zu einem natürlicheren, dynamischeren und komplexeren Erlebnis für den Zuschauer. Außerdem setzte er eine sehr bewegliche Kameraführung und Zoomobjektive ein, um das Geschehen auf der Leinwand zu verstärken. Die Kritikerin Pauline Kael schrieb über seinen Regiestil, Altman könne „aus fast nichts ein Filmfeuerwerk machen“. Zu Altmans bekanntesten Regiearbeiten zählen M*A*S*H (1970), McCabe & Mrs. Miller (1971), The Long Goodbye (1973), Nashville (1975), 3 Women (1977), The Player (1992), Short Cuts (1993) und Gosford Park (2001).

Im Jahr 2006 würdigte die Academy of Motion Picture Arts and Sciences Altmans Gesamtwerk mit einem Academy Honorary Award. Trotz sieben Nominierungen hat er nie einen Wettbewerbs-Oscar gewonnen. Seine Filme M*A*S*H, McCabe & Mrs. Miller, The Long Goodbye und Nashville wurden für das National Film Registry der Vereinigten Staaten ausgewählt. Altman ist einer von drei Filmemachern, deren Filme den Goldenen Bären in Berlin, den Goldenen Löwen in Venedig und die Goldene Palme in Cannes gewonnen haben (die anderen beiden sind Henri-Georges Clouzot und Michelangelo Antonioni).

Altman wurde am 20. Februar 1925 in Kansas City, Missouri, als Sohn von Helen (geb. Matthews), einer Mayflower-Nachfahrin aus Nebraska, und Bernard Clement Altman, einem wohlhabenden Versicherungsvertreter und Amateurspieler, geboren, der aus einer Familie der Oberschicht stammte. Altmans Vorfahren waren Deutsche, Engländer und Iren; sein Großvater väterlicherseits, Frank Altman senior, anglisierte die Schreibweise des Familiennamens von „Altmann“ zu „Altman“, aber als Erwachsener folgte er der Religion nicht weiter, obwohl er als „eine Art Katholik“ und katholischer Direktor bezeichnet wurde. Er wurde an Jesuitenschulen ausgebildet, darunter die Rockhurst High School in Kansas City. Im Jahr 1943 machte er seinen Abschluss an der Wentworth Military Academy in Lexington, Missouri.

Kurz nach seinem Schulabschluss trat Altman im Alter von 18 Jahren in die United States Army Air Forces ein. Während des Zweiten Weltkriegs flog Altman mehr als 50 Bombeneinsätze als Co-Pilot einer B-24 Liberator mit der 307th Bomb Group in Borneo und Niederländisch-Ostindien. Nach seiner Entlassung im Jahr 1947 zog Altman nach Kalifornien. Er arbeitete in der Werbung für eine Firma, die eine Tätowiermaschine zur Identifizierung von Hunden erfunden hatte. Aus einer Laune heraus wurde er Filmemacher und verkaufte 1948 ein Drehbuch an RKO für den Film Bodyguard, den er zusammen mit George W. George geschrieben hatte. Altmans unmittelbarer Erfolg ermutigte ihn, nach New York City zu ziehen, wo er versuchte, eine Karriere als Autor zu starten. Nachdem er wenig Erfolg hatte, kehrte er 1949 nach Kansas City zurück, wo er eine Stelle als Regisseur und Autor von Industriefilmen für die Calvin Company annahm. Altman führte bei etwa 65 Industrie- und Dokumentarfilmen für die Calvin Company Regie. Durch seine frühe Arbeit an Industriefilmen experimentierte Altman mit Erzähltechniken und entwickelte seine charakteristische Verwendung von sich überschneidenden Dialogen. Im Februar 2012 wurde ein früher Calvin-Film von Altman, Modern Football (1951), vom Filmemacher Gary Huggins gefunden.

Lesen Sie auch: uncategorized-en – Barbara Hepworth

1950s

Altmans erste Gehversuche als TV-Regisseur waren die DuMont-Dramaserie Pulse of the City (1953-1954) und eine Episode der Westernserie The Sheriff of Cochise von 1956. 1956 wurde er von einem lokalen Geschäftsmann beauftragt, in Kansas City einen Spielfilm über Jugendkriminalität zu schreiben und zu drehen. Der Film mit dem Titel The Delinquents, der für 60.000 Dollar gedreht wurde, wurde von United Artists für 150.000 Dollar gekauft und 1957 veröffentlicht. Dieser primitive Teenager-Exploitation-Film enthielt mit seinem lockeren, naturalistischen Dialog die Grundlagen für Altmans spätere Arbeit. Nach diesem Erfolg zog Altman zum letzten Mal von Kansas City nach Kalifornien um. Er war Co-Regisseur bei The James Dean Story (1957), einem Dokumentarfilm, der in die Kinos kam, um aus dem kürzlichen Tod des Schauspielers Kapital zu schlagen, und der an seine aufstrebende Kultgemeinde vermarktet wurde. Beide Werke erregten die Aufmerksamkeit von Alfred Hitchcock, der Altman als Regisseur für seine CBS-Anthologieserie Alfred Hitchcock Presents einstellte. Nach nur zwei Episoden trat Altman aufgrund von Differenzen mit einem Produzenten zurück, aber diese Bekanntheit ermöglichte es ihm, eine erfolgreiche Fernsehkarriere zu starten. In den nächsten zehn Jahren arbeitete Altman viel für das Fernsehen (und fast ausschließlich für Serien-Dramen) und führte Regie bei mehreren Episoden von Whirlybirds, The Millionaire, U.S. Marshal, The Troubleshooters, The Roaring 20s, Bonanza, Bus Stop, Kraft Mystery Theater, Combat! sowie einzelne Episoden mehrerer anderer bemerkenswerter Serien, darunter Hawaiian Eye, Maverick (die Episode der vierten Staffel „Bolt From the Blue“, die ebenfalls von Altman geschrieben wurde und in der Roger Moore die Hauptrolle spielte), Lawman, Surfside 6, Peter Gunn, und Route 66.

Lesen Sie auch: biografii-2 – Sarah Bernhardt

1960s

In den 1960er Jahren etablierte sich Altman als Fernsehregisseur aufgrund seiner Fähigkeit, schnell und effizient mit einem begrenzten Budget zu arbeiten. Obwohl er häufig von TV-Projekten gefeuert wurde, weil er sich weigerte, sich den Vorgaben der Sender anzupassen, gelang es Altman immer wieder, neue Aufträge zu erhalten. 1964 beschlossen die Produzenten, „Once Upon a Savage Night“, eine seiner Episoden von Kraft Suspense Theatre, als Fernsehfilm unter dem Titel Nightmare in Chicago zu veröffentlichen.

Zwei Jahre später wurde Altman als Regisseur für den Low-Budget-Raumfahrtfilm Countdown engagiert, wurde aber wenige Tage nach Abschluss des Projekts gefeuert, weil er sich geweigert hatte, den Film auf eine überschaubare Länge zu kürzen. Er führte erst wieder bei That Cold Day in the Park (1969) Regie, der sowohl bei der Kritik als auch an den Kinokassen ein Desaster war.

Im Laufe des Jahrzehnts begann Altman, in seinen Werken politische Subtexte zum Ausdruck zu bringen. Insbesondere drückte er seine Anti-Kriegs-Stimmung in Bezug auf den Vietnamkrieg aus. Darunter litt Altmans Karriere etwas, da er mit der Antikriegsbewegung in Verbindung gebracht wurde.

Lesen Sie auch: biografii-2 – Homer

1970s

1969 wurde Altman das Drehbuch für MASH angeboten, eine Adaption eines wenig bekannten Romans aus der Zeit des Koreakriegs, der das Leben in den Streitkräften persifliert; mehr als ein Dutzend anderer Filmemacher hatten es abgelehnt. Altman zögerte, die Produktion zu übernehmen, und die Dreharbeiten verliefen so turbulent, dass Elliott Gould und Donald Sutherland versuchten, Altman wegen seiner unorthodoxen Filmmethoden feuern zu lassen. Nichtsdestotrotz wurde MASH bei seiner Veröffentlichung 1970 weithin als Klassiker gepriesen. Er gewann die Goldene Palme bei den Filmfestspielen von Cannes 1970 und erhielt fünf Nominierungen für den Academy Award. Es war Altmans umsatzstärkster Film, der zu einer Zeit veröffentlicht wurde, als in den Vereinigten Staaten die Stimmung gegen den Krieg zunahm. Das Academy Film Archive konservierte MASH im Jahr 2000.

Inzwischen als großes Talent anerkannt, feierte Altman Erfolge mit McCabe & Mrs. Miller (1971), einem revisionistischen Western, in dem die bissigen Songs von Leonard Cohen eine düstere Vision des amerikanischen Grenzlandes untermalen; The Long Goodbye (1973), eine kontroverse Adaption des Romans von Raymond Chandler; Thieves Like Us (1974), eine Adaption des Romans von Edward Anderson, der zuvor von Nicholas Ray unter dem Titel They Live by Night verfilmt worden war, und Nashville (1975), der ein starkes politisches Thema vor dem Hintergrund der Welt der Country-Musik behandelte. Die Stars des Films schrieben ihre eigenen Songs; Keith Carradine gewann einen Oscar für den Song „I“m Easy“. Obwohl seine Filme oft auf ein geteiltes Echo stießen, blieben viele der prominenten Filmkritiker der damaligen Zeit (darunter Pauline Kael, Vincent Canby und Roger Ebert) seinem Regiestil während des gesamten Jahrzehnts treu.

Es dauerte einige Zeit, bis das Publikum seine Filme zu schätzen wusste, und er wollte es den Studioverantwortlichen nicht recht machen müssen. 1970, nach der Veröffentlichung von MASH, gründete er Lion“s Gate Films, um unabhängige Produktionsfreiheit zu haben. Altmans Unternehmen ist nicht zu verwechseln mit dem heutigen Lionsgate, einem kanadischen

Lesen Sie auch: biografien – Anthony Caro

1980s

Im Jahr 1980 führte er Regie bei dem Musicalfilm Popeye. Produziert von Robert Evans und geschrieben von Jules Feiffer, basierte der Film auf dem Comic

1981 verkaufte der Regisseur Lion“s Gate an den Produzenten Jonathan Taplin, nachdem seine politische Satire Health (gedreht Anfang 1979 für eine Veröffentlichung zu Weihnachten) vom langjährigen Verleiher 20th Century Fox nach lauwarmen Test- und Festivalvorführungen im Jahr 1980 auf Eis gelegt worden war. Auch der Weggang des langjährigen Altman-Anhängers Alan Ladd Jr. von Fox spielte eine entscheidende Rolle bei der Verhinderung der Veröffentlichung des Films.

Da er in der Post-New-Hollywood-Blockbuster-Ära aufgrund seines wechselhaften Rufs und der besonders turbulenten Ereignisse rund um die Produktion von Popeye keine größeren Finanzierungen erhalten konnte, begann Altman, „mit kleinstem Budget für Bühne, Heimvideo, Fernsehen und begrenzte Kinoveröffentlichung literarische dramatische Werke zu inszenieren“, darunter die gefeierten Secret Honor und Come Back to the Five and Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean, eine von der Kritik als antipodisch empfundene Adaption eines Theaterstücks, bei dem Altman am Broadway Regie geführt hatte: 115.

1982 inszenierte Altman eine Inszenierung von Igor Strawinskys The Rake“s Progress an der University of Michigan, wo er gleichzeitig einen Kurs über seine Filme gab. Kurz darauf kehrte er zum Film Secret Honor mit Studenten zurück. Im Jahr 2008 erwarb die Bibliothek der Universität Michigan Altmans Archiv. Außerdem war er Co-Autor von John Andersons Hit-Single „Black Sheep“ aus dem Jahr 1983.

Die Teenager-Komödie O.C. and Stiggs (1985), eine missglückte Rückkehr zum Hollywood-Filmemachen, die vom British Film Institute rückblickend als „wahrscheinlich Altmans am wenigsten erfolgreicher Film“ bezeichnet wurde, kam 1987 verspätet in die Kinos, nachdem sie von MGM auf Eis gelegt worden war.

Fool for Love (von Altman und Sam Shepard für The Cannon Group nach Shepards für den Pulitzer-Preis nominiertem Theaterstück adaptiert) schnitt besser ab als die meisten seiner Filme aus dieser Zeit: Mit einem Budget von 2 Millionen Dollar spielte er 900.000 Dollar im Inland ein und erhielt positive Kritiken von Roger Ebert und Vincent Canby. Dennoch blieb ihm die große Popularität beim Publikum verwehrt.

Für seine Fernsehdokumentation Tanner “88 (1988), eine Zusammenarbeit mit Garry Trudeau, die im Umfeld eines amerikanischen Präsidentschaftswahlkampfes spielt, wurde er mit einem Primetime Emmy Award ausgezeichnet.

Lesen Sie auch: uncategorized-en – Heinrich VIII. (England)

1990s

1990 führte Altman Regie bei Vincent & Theo, einem biografischen Film über Vincent van Gogh, der als Fernseh-Miniserie für die Ausstrahlung im Vereinigten Königreich gedacht war. Die Kinoversion des Films war in den Vereinigten Staaten ein bescheidener Erfolg und markierte einen wichtigen Wendepunkt im kritischen Aufschwung des Regisseurs.

Mit The Player (1992), einer Satire auf Hollywood, nahm er seine Karriere wieder ernsthaft auf. Der von dem einflussreichen David Brown (The Sting, Jaws, Cocoon) koproduzierte Film wurde für drei Oscars nominiert, darunter für die beste Regie. Er gewann zwar nicht den Oscar, wurde aber von den Filmfestspielen von Cannes, der BAFTA und dem New York Film Critics Circle als bester Regisseur ausgezeichnet.

Anschließend führte Altman Regie bei Short Cuts (1993), einer ehrgeizigen Adaption mehrerer Kurzgeschichten von Raymond Carver, die das Leben verschiedener Bürger von Los Angeles im Laufe mehrerer Tage schildert. Die große Besetzung des Films und die Verflechtung vieler verschiedener Handlungsstränge ähnelten seinen Filmen mit großer Besetzung aus den 1970er Jahren; er gewann 1993 den Goldenen Löwen bei den Internationalen Filmfestspielen von Venedig und eine weitere Oscar-Nominierung für die beste Regie.

In den restlichen 1990er Jahren hatte Altman nur noch begrenzten Erfolg. Sein 1994 veröffentlichter Film Prêt-à-Porter (auch bekannt als Ready to Wear) erhielt im Vorfeld der Veröffentlichung viel Aufmerksamkeit, war aber kommerziell und kritisch ein Flop, obwohl er mehrere Nominierungen für Auszeichnungen erhielt, darunter zwei Golden Globe-Nominierungen und den National Board of Review Award für die beste schauspielerische Leistung eines Ensembles. 1996 inszenierte Altman Kansas City, in dem er seine Liebe zum Jazz der 1930er Jahre durch eine komplizierte Entführungsgeschichte zum Ausdruck brachte. Die Geschichte erhielt lauwarme bis positive Kritiken, spielte aber an den Kinokassen so gut wie nichts ein, ebenso wie der 1998 gedrehte Justizthriller The Gingerbread Man.

Mit Cookie“s Fortune von 1999, einer schrulligen schwarzen Komödie über den Selbstmord einer wohlhabenden Witwe, seinem ersten Film seit fast sechs Jahren, der sein Budget wieder einspielte, schloss er das Jahrzehnt mit einem Höhepunkt ab und erntete allgemeines Lob von den Kritikern. 1999 wurde er zum Fellow der American Academy of Arts and Sciences gewählt.

Lesen Sie auch: biografien – Karl III. (Ostfrankenreich)

2000s

Gosford Park (2001), ein groß besetzter britischer Landhauskrimi, wurde von vielen Kritikern in die Liste der zehn besten Filme des Jahres aufgenommen. Der Film wurde mit dem Oscar für das beste Originaldrehbuch (Julian Fellowes) ausgezeichnet und erhielt sechs weitere Nominierungen, darunter zwei für Altman als bester Regisseur und bester Film.

Die Zusammenarbeit mit unabhängigen Studios wie Fine Line, Artisan (das in der heutigen Lionsgate aufgegangen ist) und USA Films (heute Focus Features) verschaffte Altman den Vorteil, dass er die Filme, die er schon immer machen wollte, ohne Einmischung der Studios drehen konnte. Eine Verfilmung von Garrison Keillors öffentlicher Radioserie A Prairie Home Companion wurde im Juni 2006 veröffentlicht. Bis zu seinem Tod entwickelte Altman immer noch neue Projekte, darunter einen Film auf der Grundlage von Hands on a Hard Body: The Documentary (1997).

2006 verlieh die Academy of Motion Picture Arts and Sciences Altman einen Academy Honorary Award for Lifetime Achievement. In seiner Dankesrede enthüllte er, dass er etwa zehn oder elf Jahre zuvor eine Herztransplantation erhalten hatte. Der Regisseur scherzte daraufhin, dass die Academy vielleicht zu früh gehandelt habe, um sein Werk zu würdigen, da er das Gefühl habe, noch vier Jahrzehnte seines Lebens vor sich zu haben.

Lesen Sie auch: biografien – Henrietta Anne Stuart

Querdenker und Autorenfilmer

Nach seiner erfolgreichen Fernsehkarriere begann Altman seine neue Karriere in der Filmindustrie, als er bereits im mittleren Alter war. Er erkannte die kreativen Grenzen, die ihm das Fernsehgenre setzte, und machte sich nun daran, Filme zu drehen und zu schreiben, die seine persönlichen Visionen über die amerikanische Gesellschaft und Hollywood zum Ausdruck bringen sollten. Seine Filme wurden später als „auteuristische Angriffe“ und „eigenwillige Variationen“ des traditionellen Films beschrieben, wobei er seine Beobachtungen in der Regel mit subtiler Komik oder Satire zum Ausdruck brachte.

Seine Filme befassten sich in der Regel mit politischen, ideologischen und persönlichen Themen, und Altman war dafür bekannt, dass er sich weigerte, seine eigene künstlerische Vision aufzugeben. Er wurde als „Anti-Hollywood“ beschrieben und ignorierte oft den sozialen Druck, der andere in der Branche beeinflusste, was es für ihn schwieriger machte, viele seiner Filme zu sehen. Er sagte, seine Unabhängigkeit als Filmemacher habe ihm insgesamt geholfen:

Ich glaube nicht, dass es einen lebenden Filmemacher gibt oder jemals gegeben hat, der mehr Glück hatte als ich. Ich war noch nie ohne ein Projekt, und es war immer ein Projekt meiner eigenen Wahl. Ich weiß also nicht, wie viel besser es sein könnte. Ich bin kein Mogul geworden, ich baue keine Schlösser und ich habe kein riesiges Privatvermögen, aber ich konnte tun, was ich tun wollte, und ich habe es oft getan.

„Altman war ein echter Außenseiter des Films“, so der Autor Ian Freer, denn er widersetzte sich der kommerziellen Konformität der Filmindustrie: „Er war die Geißel des Film-Establishments, und seine Arbeit warf im Allgemeinen einen scharfsinnigen, vernichtenden Blick auf die Breite der amerikanischen Kultur, wobei er oft Genres und Charakter-Archetypen sprengte; Altman war fasziniert von Menschen mit Unvollkommenheiten, von Menschen, wie sie wirklich sind, und nicht so, wie die Filme sie glauben machen wollen.“ Der Regisseur Alan Rudolph bezeichnete in einer besonderen Würdigung Altmans Filmstil als „altmanesk“.

Mit seinem unabhängigen Regiestil hat er sich bei Drehbuchautoren und in der Filmbranche einen schlechten Ruf erworben. Er gibt zu: „Ich habe einen schlechten Ruf bei den Drehbuchautoren, der sich im Laufe der Jahre entwickelt hat: “Oh, er macht nicht das, was du schreibst, blah blah blah.“ … Ring Lardner war sehr sauer auf mich“, weil ich mich nicht an sein Drehbuch hielt: 18 Auch mit den Studiobossen kam Altman nicht gut aus. Einmal schlug er einem leitenden Angestellten auf die Nase und stieß ihn in ein Schwimmbecken, weil dieser darauf bestand, sechs Minuten aus einem Film herauszuschneiden, an dem er gerade arbeitete: 9

Sein Ruf unter den Schauspielern war besser. Bei ihnen erstreckte sich seine Unabhängigkeit manchmal auch auf die Auswahl der Schauspieler, die er oft gegen den Konsens traf. Cher zum Beispiel schreibt ihm zu, dass er ihre Karriere mit dem Theaterstück und dem Film Come Back to the Five and Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean (1982) begründet hat. „Ohne Bob hätte ich nie eine Filmkarriere gehabt. Jeder sagte ihm, er solle mich nicht casten. Jeder. … Niemand wollte mir eine Chance geben. Ich bin überzeugt, dass Bob der Einzige war, der mutig genug war, es zu tun.“ Andere, wie Julianne Moore, beschreiben die Zusammenarbeit mit ihm:

Wissen Sie, all das Gerede über Bob als eine Art jähzorniger, schwieriger Mensch? Nun, so war er nie mit einem Schauspieler oder einer kreativen Person, die ich gesehen habe. Niemals, niemals, niemals. Er sparte sich das alles für die Geldleute auf: 431

Der Regisseur Robert Dornhelm sagte, Altman „betrachtete den Film als reinen, künstlerischen Ort“. Bei Short Cuts (1993) zum Beispiel „flehte ihn der Verleiher an“, ein paar Minuten zu kürzen, um den Film kommerziell rentabel zu halten: „Bob dachte, der Antichrist wolle seine Kunst zerstören. Es waren wohlmeinende Leute, die ihm das geben wollten, was er verdiente, nämlich einen großen kommerziellen Erfolg. Aber wenn es um die Kunst oder das Geld ging, war er für die Kunst.“: 438

Sally Kellerman, die Altmans eigenwillige Haltung bemerkte, bedauert noch immer, dass sie die Chance, in einem seiner Filme mitzuspielen, nicht wahrgenommen hat:

Ich hatte gerade die Dreharbeiten zu Last of the Red Hot Lovers beendet, als Bob mich eines Tages zu Hause anrief. „Sally, willst du in meinem übernächsten Film mitspielen?“, fragte er. „Nur wenn es eine gute Rolle ist“, sagte ich. Er hat aufgelegt.

Lesen Sie auch: kaempfe – Schlacht bei Guinegate (1513)

Themen und Gegenstände

Im Gegensatz zu Regisseuren, deren Werke verschiedenen Filmgenres zuzuordnen sind, wie z. B. Western, Musicals, Kriegsfilme oder Komödien, wurde Altmans Werk von verschiedenen Kritikern eher als „Anti-Genre“ bezeichnet. Dies ist teilweise auf den satirischen und komödiantischen Charakter vieler seiner Filme zurückzuführen. Geraldine Chaplin, die Tochter von Charlie Chaplin, verglich den Humor in seinen Filmen mit den Filmen ihres Vaters:

Sie sind auf die richtige Weise lustig. Lustig auf eine kritische Art und Weise – was die Welt ist und die Welt, in der wir leben. Sie waren beide auf ihre Weise genial. Sie verändern die Erfahrung der Realität. Sie haben ihre Welt und sie haben ihren Humor. Dieser Humor ist so selten: 287

Altman machte deutlich, dass er in seinen Filmen keine „Geschichten“ mochte, im Gegensatz zu der Art und Weise, wie die meisten Fernseh- und Mainstream-Filme gemacht werden. Dem Altman-Biographen Mitchell Zuckoff zufolge „mochte er das Wort “Geschichte“ nicht, da er der Meinung war, dass eine Handlung gegenüber der Erforschung reinen (oder noch besser unreinen) menschlichen Verhaltens zweitrangig sein sollte“: xiii Zuckoff beschreibt die Ziele, die vielen von Altmans Filmen zugrunde liegen: „Er liebte die chaotische Natur des wirklichen Lebens, mit widersprüchlichen Perspektiven, überraschenden Wendungen, unerklärlichen Handlungen und zweideutigen Enden. Er liebte vor allem die vielen Stimmen, die sich manchmal streiten, manchmal zustimmen, sich im Idealfall überschneiden, eine Cocktailparty oder eine Straßenszene, die er so einfing, wie er sie erlebte.: xiii Julianne Moore, die einige seiner Filme gesehen hatte, schreibt Altmans Regiestil ihre Entscheidung zu, Filmschauspielerin zu werden, statt Bühnenschauspielerin:

Ich habe es wirklich stark gespürt. Und ich dachte: „Ich weiß nicht, wer dieser Typ ist, aber das ist es, was ich machen will. Ich möchte diese Art von Arbeit machen.“ Von da an sah ich mir seine Filme an, wann immer ich konnte, und er war immer mein absoluter Lieblingsregisseur, wegen dem, was er thematisch und emotional sagte und wie er über Menschen dachte..: 324

Der Filmautor Charles Derry schreibt, dass Altmans Filme „charakteristischerweise scharfsinnige Beobachtungen, aufschlussreiche Dialoge und Momente kristallklarer Enthüllung menschlicher Torheit enthalten“. Da Altman ein scharfsinniger Beobachter der Gesellschaft war und sich „besonders für die Menschen interessierte“, so Derry, hatten viele seiner Filmfiguren „diese schlampige Unvollkommenheit, die mit den Menschen, wie sie sind, mit dem Leben, wie es gelebt wird, verbunden ist“. Infolgedessen sind seine Filme oft eine indirekte Kritik an der amerikanischen Gesellschaft.

Bei vielen von Altmans Filmen ist der satirische Inhalt offensichtlich: MASH (McCabe & Mrs. Miller (Autor Matthew Kennedy stellt fest, dass Nashville (A Wedding (Altman selbst sagte, dass The Player (1992) „eine sehr milde Satire“ über die Hollywood-Filmindustrie sei, und Vincent Canby stimmte ihm zu, indem er sagte, dass „The Player als Satire kitzelt. Es wird kein Blut vergossen“. Die Satire seiner Filme führte manchmal dazu, dass sie an den Kinokassen scheiterten, wenn ihr satirischer Charakter vom Verleih nicht verstanden wurde. Altman macht für den Misserfolg von The Long Goodbye (1973), einer Detektivgeschichte, die falsche Vermarktung des Films als Thriller verantwortlich:

Als der Film anlief, war er ein großer, großer Flop. … Ich ging zu David Picker und sagte: „Das kannst du nicht machen. Kein Wunder, dass der verdammte Film ein Flop ist. Er erweckt den falschen Eindruck. Du lässt ihn wie einen Thriller aussehen, aber das ist er nicht, es ist eine Satire.

In ähnlicher Weise macht Altman auch den Misserfolg von O.C. & Stiggs dafür verantwortlich, dass der Film als typischer „Teenager-Film“ vermarktet wurde und nicht als das, als was er ihn gedreht hat, nämlich als „Satire auf einen Teenager-Film“, sagte er.

Lesen Sie auch: uncategorized-en – Louis Prima

Dialog über Improvisation

Altman bevorzugte Geschichten, in denen die Beziehungen zwischen mehreren Charakteren zum Ausdruck kommen, und war mehr an der Motivation der Figuren als an komplizierten Plots interessiert. Daher neigte er dazu, nur eine grundlegende Handlung für den Film zu skizzieren und bezeichnete das Drehbuch als „Blaupause“ für die Handlung. Indem er seine Schauspieler dazu ermutigte, Dialoge zu improvisieren, wurde Altman als „Schauspieler-Regisseur“ bekannt, ein Ruf, der viele namhafte Schauspieler dazu brachte, in seinen großen Besetzungen mitzuwirken. Die Schauspieler arbeiten gerne mit Altman zusammen, weil „er ihnen die Freiheit gibt, ihre Figuren zu entwickeln und das Drehbuch oft durch Improvisation und Zusammenarbeit zu verändern“, so Derry. Richard Baskin sagt: „Bob war ziemlich außergewöhnlich in seiner Art, die Leute tun zu lassen, was sie tun. Er vertraute darauf, dass man das tat, was man tat, und deshalb würde man für ihn töten.“

282 Geraldine Chaplin, die in Nashville mitspielte, erinnert sich an eine ihrer ersten Probesitzungen:

Er fragte: „Habt ihr eure Drehbücher dabei?“ Wir sagten ja. Er sagte: „Gut, werfen Sie sie weg. Ihr braucht sie nicht. Ihr müsst wissen, wer ihr seid und wo ihr seid und mit wem ihr zusammen seid.“ … Es war, als stünde man jede Sekunde vor einem vollen Haus auf der Bühne. All die Zirkusnummern, die du in deinem Körper hattest, hast du nur für ihn gemacht. 282

Altman ließ seine Schauspieler regelmäßig während der Proben oder manchmal auch während der eigentlichen Dreharbeiten einen Charakter durch Improvisation entwickeln. Eine solche Improvisation war beim Film aufgrund der hohen Kosten der Filmproduktion, die eine sorgfältige Planung, präzise Drehbücher und Proben erfordert, bevor ein teurer Film belichtet wird, unüblich. Dennoch zog es Altman vor, die Improvisation als Hilfsmittel zu nutzen, um seinen Schauspielern zu helfen, ihren Charakter zu entwickeln. Altman sagte: „Wenn wir erst einmal mit den Dreharbeiten begonnen haben, ist das eine sehr feste Sache. Die Improvisation wird missverstanden. Wir lassen die Leute nicht einfach los.“ Allerdings versuchte er, den Schauspielern nicht jeden Schritt zu diktieren, sondern ihnen die Kontrolle zu überlassen:

Wenn ich einen Film besetze, ist der größte Teil meiner kreativen Arbeit getan. Ich muss da sein, um den Schalter umzulegen und sie als Vaterfigur zu ermutigen, aber sie machen die ganze Arbeit. … Ich versuche nur, es den Schauspielern leicht zu machen, denn sobald man zu drehen beginnt, ist der Schauspieler der Künstler. … Ich muss ihnen Selbstvertrauen geben und dafür sorgen, dass sie ein gewisses Maß an Schutz haben, damit sie kreativ sein können. … Ich lasse sie das tun, wofür sie in erster Linie Schauspieler geworden sind: um zu kreieren.

Carol Burnett erinnert sich, dass Altman zugab, dass viele der Ideen in seinen Filmen von den Schauspielern stammen. „Das hat man noch nie von einem Regisseur gehört. Das war wirklich eine erstaunliche Sache“, sagte sie. 328 Andere, wie Jennifer Jason Leigh, wurden kreativ:

Er hat dich aus purer Notwendigkeit heraus zu Dingen inspiriert, von denen du nicht wusstest, dass du dazu fähig bist, von denen du nicht wusstest, dass du sie in dir hast. Er war so aufrichtig schelmisch und so verdammt lustig: 435

Er arbeitete gerne mit vielen der gleichen Darsteller zusammen, darunter Shelley Duvall und Bert Remsen (Jeff Goldblum, Lily Tomlin, Lyle Lovett, Henry Gibson, David Arkin, und John Schuck (Tim Robbins, Carol Burnett, Belita Moreno, Richard E. Grant, Geraldine Chaplin, Craig Richard Nelson, Sally Kellerman und Keith Carradine (jeweils 3 Filme). Krin Gabbard fügt hinzu, dass Altman gerne Schauspieler einsetzte, „die als Improvisatoren aufblühen“, wie etwa Elliott Gould, der in drei seiner Filme mitspielte: MASH, The Long Goodbye und California Split. Gould erinnert sich, dass er und sein Co-Star Donald Sutherland bei den Dreharbeiten zu MASH, seinem ersten Film mit Altman, nicht glaubten, dass Altman wusste, was er tat. Jahre später schrieb er: „Im Nachhinein denke ich, dass Donald und ich zwei elitäre, arrogante Schauspieler waren, die Altmans Genialität nicht verstanden.“: 174 Andere in der Besetzung schätzten Altmans Regiestil sofort. René Auberjonois erklärt:

Wir dachten, dass Filme eben so sind. Dass sie eine so freudige Erfahrung wären. Wenn man Karriere gemacht hat, hat man schnell gemerkt, dass die meisten Regisseure den Schauspielern nicht wirklich trauen, dass sie nicht wirklich wollen, dass die Schauspieler spielen. Das war der Unterschied zu Bob Altman. Er liebte Schauspieler und wollte sie spielen sehen: 175

Im Gegensatz zum Fernsehen und zum traditionellen Film vermied Altman auch die „konventionelle Erzählung“ und zog es vor, das „geschäftige Durcheinander des wirklichen Lebens“ zu zeigen, bemerkt Albert Lindauer. Zu den verschiedenen Techniken, mit denen er diesen Effekt erzielt, gehören „eine Fülle von Tönen und Bildern, riesige Besetzungen oder verrückte Charaktere, mehrere oder gar keine Handlungsstränge, … und das Vertrauen in die Improvisation“. Einige Monate vor seinem Tod versuchte Altman, die Beweggründe für seinen Filmstil zusammenzufassen:

Ich setze diese Arbeit eher mit Malerei als mit Theater oder Literatur gleich. Geschichten interessieren mich nicht. Im Grunde interessiere ich mich mehr für das Verhalten. Ich führe nicht Regie, ich beobachte. Ich muss begeistert sein, wenn ich erwarte, dass das Publikum begeistert ist. Denn was ich wirklich von einem Schauspieler sehen will, ist etwas, das ich noch nie gesehen habe, also kann ich ihm nicht sagen, was es ist. Ich versuche, die Schauspieler zu ermutigen, sich nicht abzuwechseln. Das Gespräch als Gespräch zu betrachten. Ich meine, das ist doch die Aufgabe, denke ich. Es geht darum, einen Komfortbereich zu schaffen, damit ein Schauspieler über das hinausgehen kann, was er dachte, dass er tun kann.

Lesen Sie auch: geschichte – Attischer Seebund

Tontechniken

Altman war einer der wenigen Filmemacher, die beim Drehen „die Möglichkeiten des Tons voll ausschöpften“. Er versuchte, selbst bei großen Besetzungen natürliche Gesprächsgeräusche nachzubilden, indem er den Schauspielern versteckte Mikrofone anschloss und sie dann mit mehreren Tonspuren aufnahm, während sie miteinander sprachen. Während der Dreharbeiten trug er ein Headset, um sicherzustellen, dass wichtige Dialoge gehört werden konnten, ohne sie zu betonen. So entstand für die Zuschauer ein „dichtes Klangerlebnis“, bei dem sie mehrere Dialogfetzen hören konnten, als ob sie verschiedenen privaten Gesprächen zuhörten. Altman erkannte, dass große Besetzungen einem Film zwar kommerziell schaden, „aber ich mag es, wenn viel los ist“.

Altman setzte überlappende Tonspuren erstmals in MASH (1970) ein, eine Tontechnik, die der Filmautor Michael Barson als „eine atemberaubende Innovation zu jener Zeit“ beschreibt. Altman sagte, er habe sie entwickelt, um die Zuschauer zu zwingen, aufmerksam zu sein und sich auf den Film einzulassen, als wären sie ein aktiver Teilnehmer. Einigen Kritikern zufolge wird diese Technik in McCabe und Mrs. Miller (1971), der ebenfalls zu seinen besten Filmen zählt, besonders extrem eingesetzt.

Filmhistoriker

Lesen Sie auch: zivilisationen – Stonehenge

Ensemble-Besetzungen

Sich überschneidende Dialoge zwischen großen Gruppen von Schauspielern verleihen Altmans Filmen Komplexität, und sie wurden oft kritisiert, weil sie beim ersten Sehen planlos oder unzusammenhängend wirkten. Einige seiner Kritiker änderten ihre Meinung, nachdem sie die Filme erneut gesehen hatten. Der britische Filmkritiker David Thomson gab Nashville (1975) eine schlechte Kritik, nachdem er ihn zum ersten Mal gesehen hatte, schrieb aber später: „Aber wenn ich mir Nashville und einige der früheren Filme noch einmal ansehe, … werde ich nachdenklich: Es bleibt rätselhaft, wie organisiert oder zielgerichtet Nashville ist. … Das Mosaik oder die Mischung erlaubt eine Freiheit und eine menschliche Eigenart, die Renoir bewundert haben könnte.“ Während der Dreharbeiten waren die Schauspieler inspiriert, und Co-Star Ronee Blakley war vom Erfolg des Films überzeugt:

Ja, ich dachte, es würde großartig werden, die Arbeit war so gut, jeder Schauspieler war inspiriert, und Altmans Team war äußerst kompetent, und er war diese seltene Art von Genie, das weiß, was funktioniert und was nicht in dem Moment, in dem es passiert.

Später erkannte Thomson diese Aspekte als Teil von Altmans Stil, beginnend mit MASH (1970): „MASH begann, den entscheidenden Altman-Stil zu entwickeln: sich überlagernde, verschwommene Töne und Bilder, die so glitschig sind, dass es keinen Sinn für Komposition gibt. Das ist es, was Nashville so fesselnd macht.“ Altman erklärte, dass für ihn solche sich überlagernden Dialoge in seinen Filmen näher an der Realität sind, besonders bei großen Gruppen: „Wenn man vierzehn Leute an einem Tisch sitzen hat, scheint es mir ziemlich unwahrscheinlich, dass nur zwei von ihnen sprechen.“ Pauline Kael schreibt, dass Altman, „der Meister der großen Ensembles, der lockeren Handlung und der sich überlagernden Stimmen, beweist, dass … er aus fast nichts ein Filmfeuerwerk machen kann.“

Lesen Sie auch: wichtige_ereignisse – Berlin-Blockade

Fotografie

Altmans unverwechselbarer Regiestil schlug sich auch in seinen Vorlieben für die Kameraarbeit nieder. Dazu gehörte die Verwendung von Breitbildkompositionen, die darauf abzielten, die vielen Personen oder Aktivitäten, die gleichzeitig auf der Leinwand stattfinden, einzufangen. Bei einigen Filmen, wie McCabe und Mrs. Miller, schuf er zusammen mit dem Kameramann Vilmos Zsigmond eine eindrucksvolle visuelle Atmosphäre, z. B. durch Szenen mit fließender Kameraführung, Zoom-Objektive und einen rauchigen Effekt durch spezielle Nebelfilter. Der Regisseur Stanley Kubrick sagte zu Altman: „Die Kameraführung war wunderbar“, und fragte: „Wie haben Sie das gemacht?“

In Nashville verwendete Altman Sets mit auffälligen Rot-, Weiß- und Blautönen. Bei The Long Goodbye bestand er darauf, dass Zsigmond die Kamera beweglich hielt, indem er sie an beweglichen Objekten befestigte. Zsigmond erklärt, dass Altman bei diesem Film „etwas anderes machen wollte“ und ihm sagte, er wolle, dass „die Kamera sich bewegt – die ganze Zeit. Nach oben, nach unten. Rein und raus. Von Seite zu Seite.“ Kameramann Roger Deakins sagte zu seinem Einsatz von Zoomobjektiven: „Ich fände es ziemlich aufregend, einen Film mit einem Zoomobjektiv zu drehen, wenn es sich um diesen beobachtenden, schweifenden Look handelt, für den Robert Altman bekannt war. Er hat die Kamera an einen Auslegerarm gehängt, ist über die Szene geschwebt und hat diese Aufnahmen nach und nach ausgewählt – eine sehr schöne Arbeitsweise.“

Zsigmond erinnert sich auch daran, dass die Arbeit mit Altman Spaß gemacht hat:

Wir haben es sehr genossen, Dinge „improvisiert“ zu tun. Altman ist ein großer Improvisator. In den ersten Drehtagen „kreierte“ er von einem Moment auf den anderen verschiedene Ansätze. Er hat mir gezeigt, wie er die Kamera bewegen wollte – immer bewegen. Das hat Spaß gemacht. Die Schauspieler liebten das, und ich war immer wieder gefordert, Wege zu finden, das zu drehen, was Altman sich ausgedacht hatte.

Die Kameraarbeit von Vilmos Zsigmond in McCabe und Mrs. Miller wurde bei den British Academy Film Awards nominiert.

Lesen Sie auch: biografien – Babur

Musikpartituren

Bei der Verwendung von Musik in seinen Filmen war Altman bekannt dafür, dass er sehr wählerisch war und oft Musik auswählte, die ihm persönlich gefiel. Regisseur Paul Thomas Anderson, der mit ihm zusammengearbeitet hat, stellt fest, dass „Altmans Einsatz von Musik immer wichtig ist“, und fügt hinzu: „Bob liebte seine Musik, nicht wahr? Mein Gott, er liebte seine Musik“. Da er zum Beispiel ein „großer Fan“ von Leonard Cohens Musik war und sagte, er würde sich „einfach bekiffen und das Zeug spielen“, verwendete er drei seiner Songs in McCabe and Mrs. Miller (1971) und einen weiteren für die Schlussszene in Eine Hochzeit (1978).

Für Nashville (1975) ließ Altman zahlreiche neue Country-Songs von seinen Darstellern schreiben, um eine realistische Atmosphäre zu schaffen. Er baute eine „eindringlich wiederholte Melodie“ in The Long Goodbye (1973) ein und engagierte Harry Nilsson und Van Dyke Parks für die Musik zu Popeye (1980): 347

Eine Reihe von Musikexperten haben über Altmans Einsatz von Musik geschrieben, darunter Richard R. Ness, der in einem Artikel über die Partituren vieler Altman-Filme schrieb, der als wertvolle Quelle für das Verständnis von Altmans Filmtechnik gilt. In ähnlicher Weise schrieb der Professor für Filmwissenschaft Krin Gabbard eine Analyse von Altmans Einsatz von Jazzmusik in Short Cuts (1993) und stellte fest, dass nur wenige Kritiker die „Bedeutung der Musik“ in diesem Film berücksichtigt haben.

Jazz spielte auch in Kansas City (1996) eine wichtige Rolle. In diesem Film wird die Musik als Grundlage der Geschichte betrachtet. Altman erklärt, dass „die ganze Idee darin bestand, die Geschichte nicht zu spezifisch zu gestalten“, sondern dass der Film selbst „eher eine Art Jazz“ sein sollte. Altmans Technik, das Thema eines Films zu einer Form von Musik zu machen, galt als „ein Experiment, das noch niemand versucht hat“, und Altman gab zu, dass es riskant war. „Ich wusste nicht, ob es funktionieren würde. … Wenn die Leute es “verstehen“, dann mögen sie es in der Regel auch.“

Zu den Regisseuren, die von Altman beeinflusst wurden, gehören Paul Thomas Anderson, Wes Anderson, Judd Apatow, Richard Linklater, Alejandro González Iñárritu, Noah Baumbach, David Gordon Green, die Safdie-Brüder, Harmony Korine und Michael Winterbottom.

Als Direktor

Altman erhielt zahlreiche Auszeichnungen und Nominierungen, darunter sieben Nominierungen für den Academy Award und den Ehren-Oscar im Jahr 2006. Er erhielt sieben Nominierungen für den British Academy Film Award und gewann zweimal für The Player (1992) und Gosford Park (2001). Für Tanner “88 (1988) erhielt er den Primetime Emmy Award für die herausragende Regie bei einer Dramaserie. Außerdem erhielt er fünf Nominierungen für den Golden Globe Award und gewann den Golden Globe Award für die beste Regie für Gosford Park. Außerdem erhielt er verschiedene Auszeichnungen von Filmfestivals, darunter die prestigeträchtige Goldene Palme des Filmfestivals von Cannes für M*A*S*H und den Preis des Filmfestivals von Cannes für die beste Regie für The Player. Außerdem wurde er mit dem Goldenen Bären der Internationalen Filmfestspiele Berlin und dem Goldenen Löwen der Filmfestspiele von Venedig ausgezeichnet. Im Jahr 1994 wurde er mit dem Directors Guild of America Lifetime Achievement Award ausgezeichnet.

Lesen Sie auch: biografien – Edmund Burke

Familie

Altman war dreimal verheiratet: Seine erste Frau war LaVonne Elmer. Sie waren von 1947 bis 1949 verheiratet und hatten eine Tochter, Christine. Seine zweite Frau war Lotus Corelli. Sie waren von 1950 bis 1955 verheiratet und hatten zwei Söhne, Michael und Stephen. Mit vierzehn Jahren schrieb Michael den Text zu „Suicide Is Painless“, dem Titelsong zu Altmans Film MASH. Stephen ist ein Produktionsdesigner, der oft mit seinem Vater zusammenarbeitete. Altmans dritte Ehefrau war Kathryn Reed. Sie waren von 1957 bis zu seinem Tod im Jahr 2006 verheiratet. Sie hatten zwei Söhne, Robert und Matthew. Als er Kathryn heiratete, wurde Altman der Stiefvater von Konni Reed.

Kathryn Altman, die 2016 verstarb, war Mitautorin eines Buches über Altman, das 2014 veröffentlicht wurde. Sie war Beraterin und Sprecherin für den Dokumentarfilm Altman aus dem Jahr 2014 und sprach bei vielen Retrospektivvorführungen der Filme ihres Mannes.

Lesen Sie auch: biografii-2 – Licinius

Häuser

In den 1960er Jahren lebte Altman jahrelang im Mandeville Canyon in Brentwood, Kalifornien. In den 1970er Jahren wohnte er in Malibu, verkaufte aber 1981 sein Haus und die Produktionsfirma Lion“s Gate. „Ich hatte keine andere Wahl“, sagte er der New York Times. „Nach dem Flop von Popeye ging niemand mehr ans Telefon“. Er zog mit seiner Familie und dem Firmensitz nach New York City, kehrte aber schließlich nach Malibu zurück, wo er bis zu seinem Tod lebte.

Lesen Sie auch: biografien – Joseph Delteil

Politische Ansichten

Im November 2000 behauptete Altman, dass er nach Paris ziehen würde, wenn George W. Bush gewählt würde, scherzte aber, dass er Paris, Texas, gemeint hatte, als dies eintrat. Er merkte an, dass „der Staat besser dran wäre, wenn er (Bush) nicht mehr da wäre“. Altman war ein ausgesprochener Marihuana-Konsument und gehörte dem NORML-Beirat an. Außerdem war er Atheist und Kriegsgegner. Er war einer von zahlreichen Persönlichkeiten des öffentlichen Lebens, darunter der Linguist Noam Chomsky und die Schauspielerin Susan Sarandon, die die Erklärung „Nicht in unserem Namen“ gegen die Invasion des Irak im Jahr 2003 unterzeichneten. Julian Fellowes ist der Meinung, dass Altmans Antikriegs- und Anti-Bush-Haltung ihn den Oscar für die beste Regie für Gosford Park gekostet hat: 478

Altman verachtete die Fernsehserie M*A*S*H, die auf seinen Film von 1970 folgte, und bezeichnete sie als Gegenpol zu dem, worum es in seinem Film ging, und bezeichnete ihre Antikriegsbotschaften als „rassistisch“. Im DVD-Kommentar zu MASH aus dem Jahr 2001 nannte er deutlich die Gründe, warum er die Serie ablehnte.

Altman starb am 20. November 2006 im Alter von 81 Jahren an Leukämie im Cedars-Sinai Medical Center in Los Angeles.

Der befreundete Regisseur Paul Thomas Anderson widmete Altman 2007 seinen Film There Will Be Blood. Anderson hatte als Ersatzregisseur bei A Prairie Home Companion gearbeitet, um sich für den Fall abzusichern, dass der kranke 80-jährige Altman die Dreharbeiten nicht beenden könnte.

Bei einer Feier zu Ehren Altmans einige Monate nach seinem Tod wurde er als „leidenschaftlicher Filmemacher“ und Autorenfilmer beschrieben, der Konventionen ablehnte und einen, wie Regisseur Alan Rudolph es nannte, „altmanesken“ Filmstil schuf. Er bevorzugte große Besetzungen, natürliche, sich überschneidende Gespräche und ermutigte seine Schauspieler, zu improvisieren und ihre angeborene Kreativität zum Ausdruck zu bringen, ohne Angst zu haben, zu versagen. Lily Tomlin verglich ihn mit „einem großen, gütigen Patriarchen, der immer auf dich als Schauspieler achtete“, und fügte hinzu, dass „du keine Angst hast, mit ihm Risiken einzugehen“.

Viele seiner Filme werden als „bissige Satiren und gegenkulturelle Charakterstudien beschrieben, die das moderne Kino neu definierten und belebten.“ Obwohl seine Filme die meisten Filmgenres abdeckten, wie Western, Musicals, Kriegsfilme oder Komödien, galt er als „Anti-Genre“, und seine Filme waren „offen subversiv“. Er war bekannt dafür, dass er die „Scheinheiligkeit“, die er in den meisten Mainstream-Filmen sah, hasste, und „er wollte sie durch Satire sprengen“.

Der Schauspieler Tim Robbins, der in einer Reihe von Altmans Filmen mitspielte, beschreibt einige der einzigartigen Aspekte seiner Regiearbeit:

Er schuf eine einzigartige und wunderbare Welt auf seinen Sets, … wo der schelmische Vater die „Kinderdarsteller“ zum Spielen freigab. Wo die Fantasie ermutigt, gefördert, belächelt, umarmt und Altman-isiert wurde. Eine süße Anarchie, wie sie viele von uns seit dem Schulhof nicht mehr erlebt hatten, entfesselt durch Bobs wildes Herz.

Altmans persönliches Archiv befindet sich an der Universität von Michigan und umfasst etwa 900 Kisten mit persönlichen Unterlagen, Drehbüchern, Rechts-, Geschäfts- und Finanzunterlagen, Fotos, Requisiten und verwandtem Material. Altman hatte an der Universität den Film Secret Honor gedreht und dort auch mehrere Opern inszeniert.

Seit 2009 wird der Robert Altman Award bei der jährlichen Verleihung der Independent Spirit Awards an den Regisseur, den Casting Director und die Ensemblebesetzung eines Films verliehen.

Im Jahr 2014 erschien der abendfüllende Dokumentarfilm Altman, der sein Leben und seine Arbeit anhand von Filmausschnitten und Interviews beleuchtet.

Quellen

Robert Altman
Robert Altman
^ Powerfully realized study of Vincent van Gogh and his brother Theo marks a return to the mainstream arena for director Robert Altman. Brilliantly acted, splendid film fare should be welcomed in specialty houses and beyond.[17]
^ When The Player came out in 1992, it was greeted as a welcome comeback for director Robert Altman, who spent much of the previous decade working small—making filmed plays instead of the ambitious, character-heavy genre reinventions he“d been known for in the 1970s. But Altman actually reclaimed his „critics“ darling“ status two years earlier with Vincent & Theo, a luminous biopic about painter Vincent Van Gogh (played by Tim Roth) and his art-dealer brother (Paul Rhys).[18]
(en) « Robert Altman | Biography, Movies, & Facts », sur Encyclopedia Britannica (consulté le 14 mars 2019)
1 2 The Religious Affiliation of Robert Altman (неопр.). Adherents.com (28 июля 2005). Дата обращения: 22 ноября 2006. Архивировано из оригинала 4 февраля 2006 года.
Butler, Robert W.. Finally, An Attitude Adjustment: Hollywood“s Establishment Now Embraces Rebel Director Altman (5 марта 2006), С. 5.
Director Robert Altman dead at 81. (Memento vom 21. Dezember 2006 im Internet Archive) CNN, 22. November 2006.