Sandro Botticelli

gigatos | Januar 31, 2022

Zusammenfassung

Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi (ca. 1445 – 17. Mai 1510), bekannt als Sandro Botticelli, italienisch: , war ein italienischer Maler der Frührenaissance. Botticellis posthumer Ruf litt bis zum Ende des 19. Jahrhunderts, als er von den Präraffaeliten wiederentdeckt wurde, die eine Neubewertung seines Werks anregten. Seitdem gelten seine Gemälde als Inbegriff der linearen Anmut der Frührenaissance-Malerei.

Neben den mythologischen Themen, für die er heute am besten bekannt ist, malte Botticelli eine Vielzahl religiöser Themen (darunter Dutzende von Darstellungen der Madonna mit Kind, viele in der runden Tondo-Form) und auch einige Porträts. Seine bekanntesten Werke sind Die Geburt der Venus und Primavera, die sich beide in den Uffizien in Florenz befinden. Botticelli lebte sein ganzes Leben lang in derselben Gegend von Florenz; seine einzigen bedeutenden Aufenthalte an anderen Orten waren die Monate, die er 1474 in Pisa und 1481-82 in der Sixtinischen Kapelle in Rom verbrachte.

Nur eines von Botticellis Gemälden, die Mystische Geburt (National Gallery, London), ist mit einem Datum versehen (1501), aber andere Gemälde lassen sich anhand von Archivalien mit unterschiedlicher Sicherheit datieren, so dass sich die Entwicklung seines Stils mit einiger Sicherheit nachvollziehen lässt. Er war während der gesamten 1470er Jahre ein unabhängiger Meister, was seinen Ruf beflügelte. Die 1480er Jahre waren sein erfolgreichstes Jahrzehnt, in dem seine großen mythologischen Gemälde und viele seiner berühmtesten Madonnen vollendet wurden. In den 1490er Jahren wurde sein Stil persönlicher und bis zu einem gewissen Grad manieriert. Seine letzten Werke zeigen, dass er sich in eine Richtung bewegte, die der von Leonardo da Vinci (sieben Jahre jünger) und der neuen Generation von Malern, die den Stil der Hochrenaissance schufen, entgegengesetzt war, und stattdessen zu einem Stil zurückkehrte, der von vielen als eher gotisch oder „archaisch“ beschrieben wurde.

Botticelli wurde in der Stadt Florenz in einem Haus in einer Straße geboren, die noch heute Borgo Ognissanti heißt. Er lebte sein ganzes Leben lang in derselben Gegend und wurde in der Kirche seines Viertels namens Ognissanti („Allerheiligen“) begraben. Sandro war eines von mehreren Kindern des Gerbers Mariano di Vanni d“Amedeo Filipepi und das jüngste seiner vier Kinder, das das Erwachsenenalter erreichte. Das Datum seiner Geburt ist nicht bekannt, aber die Steuererklärungen seines Vaters in den folgenden Jahren geben sein Alter mit zwei Jahren im Jahr 1447 und dreizehn Jahren im Jahr 1458 an, was bedeutet, dass er zwischen 1444 und 1446 geboren worden sein muss.

Im Jahr 1460 gab Botticellis Vater seine Tätigkeit als Gerber auf und wurde zusammen mit seinem anderen Sohn Antonio Goldschläger. Dieser Beruf brachte die Familie in Kontakt mit einer Reihe von Künstlern. Giorgio Vasari berichtet in seinem Leben des Botticelli, dass Botticelli zunächst als Goldschmied ausgebildet wurde.

Das Viertel Ognissanti war „ein bescheidenes, von Webern und anderen Handwerkern bewohntes Viertel“, aber es gab auch einige reiche Familien, vor allem die Rucellai, ein wohlhabender Clan von Bankiers und Wollhändlern. Das Oberhaupt der Familie, Giovanni di Paolo Rucellai, gab zwischen 1446 und 1451, also in Botticellis ersten Jahren, bei Leon Battista Alberti den berühmten Palazzo Rucellai in Auftrag, einen Meilenstein der italienischen Renaissancearchitektur. Im Jahr 1458 mietete Botticellis Familie ihr Haus von den Rucellai, was nur eine von vielen Geschäftsbeziehungen zwischen den beiden Familien war.

Im Jahr 1464 kaufte sein Vater ein Haus in der nahe gelegenen Via Nuova (heute Via della Porcellana), in dem Sandro von 1470 (wenn nicht früher) bis zu seinem Tod im Jahr 1510 lebte. Botticelli lebte und arbeitete in diesem Haus (eine eher ungewöhnliche Praxis), obwohl auch seine Brüder Giovanni und Simone dort wohnten. Die berühmtesten Nachbarn der Familie waren die Vespucci, darunter Amerigo Vespucci, nach dem Amerika benannt wurde. Die Vespucci waren Verbündete der Medici und schließlich regelmäßige Gönner von Botticelli.

Der Spitzname Botticelli, der so viel wie „kleines Fass“ bedeutet, leitet sich vom Spitznamen von Sandros Bruder Giovanni ab, der offenbar wegen seiner runden Statur Botticello genannt wurde. In einem Dokument von 1470 wird Sandro als „Sandro Mariano Botticelli“ bezeichnet, was bedeutet, dass er den Namen vollständig angenommen hatte.

Um 1461 oder 1462 ging Botticelli bei Fra Filippo Lippi in die Lehre, einem der führenden Florentiner Maler und Liebling der Medici. Von Lippi lernte Botticelli, wie man intime Kompositionen mit schönen, melancholischen Figuren schafft, die mit klaren Konturen und nur geringen Licht- und Schattenkontrasten gezeichnet sind. Lippi war während dieser Zeit in Prato, wenige Kilometer westlich von Florenz, ansässig, wo er die Apsis der heutigen Kathedrale von Prato mit Fresken versah. Botticelli verließ Lippis Werkstatt wahrscheinlich im April 1467, als dieser sich zur Arbeit nach Spoleto begab. Es wurde viel darüber spekuliert, ob Botticelli eine kürzere Zeit in einer anderen Werkstatt verbrachte, etwa in der der Brüder Pollaiuolo oder Andrea del Verrocchio. Doch obwohl beide Künstler einen starken Einfluss auf die Entwicklung des jungen Botticelli hatten, lässt sich die Anwesenheit des jungen Künstlers in ihren Werkstätten nicht eindeutig nachweisen.

Lippi starb im Jahr 1469. Botticelli muss zu diesem Zeitpunkt bereits über eine eigene Werkstatt verfügt haben. Im Juni desselben Jahres erhielt er den Auftrag für eine Tafel der Tapferkeit (Florenz, Galleria degli Uffizi), die zu einer ein Jahr zuvor bei Piero del Pollaiuolo in Auftrag gegebenen Sammlung aller sieben Tugenden gehören sollte. Botticellis Tafel übernimmt das Format und die Komposition von Pieros Tafel, zeigt aber eine elegantere und natürlichere Pose und enthält eine Reihe von „phantasievollen Verzierungen, um Pieros Armut an ornamentaler Erfindung zu zeigen“.

Im Jahr 1472 nahm Botticelli seinen ersten Lehrling auf, den jungen Filippino Lippi, den Sohn seines Meisters. Die Werke von Botticelli und Filippino aus diesen Jahren, darunter viele Madonnen mit Kind, sind oft schwer voneinander zu unterscheiden. Die beiden arbeiteten auch regelmäßig zusammen, wie bei den Tafeln eines demontierten Cassoni-Paares, die sich heute im Louvre, in der National Gallery of Canada, im Musée Condé in Chantilly und in der Galleria Pallavicini in Rom befinden.

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Wichtige frühe Gemälde

Botticellis frühestes erhaltenes Altarbild ist eine große Sacra conversazione von etwa 1470-72, die sich heute in den Uffizien befindet. Das Gemälde zeigt Botticellis frühe Beherrschung der Komposition, wobei die acht Figuren mit einer „leichten Natürlichkeit in einem geschlossenen architektonischen Rahmen“ angeordnet sind.

Ein weiteres Werk aus dieser Zeit ist der Heilige Sebastian in Berlin, der 1474 für einen Pfeiler in Santa Maria Maggiore in Florenz gemalt wurde. Dieses Werk entstand kurz nach dem viel größeren Altarbild der Brüder Pollaiuolo mit demselben Heiligen (London, National Gallery). Obwohl Botticellis Heiliger in der Pose dem von Pollaiuolo sehr ähnlich ist, ist er auch ruhiger und gelassener. Der fast nackte Körper ist sehr sorgfältig gezeichnet und anatomisch präzise, was das genaue Studium des menschlichen Körpers durch den jungen Künstler widerspiegelt. Die zarte Winterlandschaft, die sich auf den Festtag des Heiligen im Januar bezieht, ist von der zeitgenössischen niederländischen Malerei inspiriert, die in Florentiner Kreisen sehr geschätzt wird.

Anfang 1474 wurde Botticelli von den Behörden in Pisa gebeten, sich an der Ausmalung des Camposanto zu beteiligen, einem prestigeträchtigen Großprojekt, das hauptsächlich von Benozzo Gozzoli ausgeführt wurde, der fast zwanzig Jahre damit beschäftigt war. Es sind verschiedene Zahlungen bis September verzeichnet, aber kein Werk ist erhalten, und es scheint, dass das, was Botticelli begonnen hatte, nicht beendet wurde. Wie auch immer es ausgegangen sein mag, die Tatsache, dass Botticelli von außerhalb Florenz“ angesprochen wurde, zeugt von einem wachsenden Ansehen.

Die Anbetung der Heiligen Drei Könige für Santa Maria Novella (um 1475-76, heute in den Uffizien, die erste von acht Anbetungen) wurde von Vasari besonders gelobt und befand sich in einer viel besuchten Kirche, was seinem Ruf förderlich war. Es kann als der Höhepunkt von Botticellis frühem Stil angesehen werden. Obwohl es von einem Geldwechsler oder vielleicht Geldverleiher in Auftrag gegeben wurde, der sonst nicht als Verbündeter der Medici bekannt ist, enthält es die Porträts von Cosimo de Medici, seinen Söhnen Piero und Giovanni (die inzwischen alle tot sind) und seinen Enkeln Lorenzo und Giuliano. Außerdem gibt es Porträts des Stifters und, in den Augen der meisten, von Botticelli selbst, der vorne rechts steht. Das Gemälde ist berühmt für die Vielfalt der Blickwinkel, aus denen die Gesichter gemalt sind, und für ihre Mimik.

Ein großes Fresko für das Zollhaus von Florenz, das heute verloren ist, stellte die Hinrichtung der Anführer der Pazzi-Verschwörung von 1478 gegen die Medici durch den Strang dar. Es war ein florentinischer Brauch, Verräter auf diese Weise zu demütigen, durch die sogenannte „pittura infamante“. Dies war Botticellis erster großer Freskenauftrag (abgesehen von der gescheiterten Pisa-Exkursion), der möglicherweise zu seiner Berufung nach Rom führte. Die Figur des Francesco Salviati, des Erzbischofs von Pisa, wurde 1479 nach Protesten des Papstes entfernt, und der Rest wurde nach der Vertreibung der Medici und der Rückkehr der Familie Pazzi im Jahr 1494 zerstört. Ein weiteres verlorenes Werk war ein Tondo der Madonna, das ein florentinischer Bankier in Rom in Auftrag gegeben hatte, um es dem Kardinal Francesco Gonzaga zu überreichen; vielleicht wurde dadurch sein Werk in Rom bekannt. Ein Fresko im Palazzo Vecchio, dem Sitz des florentinischen Staates, ging im nächsten Jahrhundert verloren, als Vasari das Gebäude umgestaltete.

1480 gab die Familie Vespucci eine Freskenfigur des heiligen Augustinus für die Ognissanti, ihre Pfarrkirche, in Auftrag, die auch Botticelli gehörte. Jemand anderes, wahrscheinlich der Orden, der die Kirche leitete, beauftragte Domenico Ghirlandaio mit der Darstellung des Heiligen Hieronymus; beide Heiligen wurden in ihren mit Gegenständen vollgestopften Arbeitszimmern schreibend dargestellt. Wie auch in anderen Fällen war eine solche direkte Konkurrenz „für Botticelli immer ein Ansporn, all seine Kräfte zu entfalten“, und das Fresko, sein frühestes erhaltenes, wird von Ronald Lightbown als sein bestes angesehen. Das aufgeschlagene Buch über dem Heiligen enthält einen der Scherze, für die er laut Vasari bekannt war. Der größte Teil des „Textes“ besteht aus Kritzeleien, aber eine Zeile lautet: „Wo ist Bruder Martino? Er ist ausgegangen. Und wohin ist er gegangen? Er ist außerhalb der Porta al Prato“, wahrscheinlich ein Dialog, der von den Umiliati, dem Orden, der die Kirche leitete, mitgehört wurde. Lightbown meint, dies zeige, dass Botticelli dachte, „das Beispiel von Hieronymus und Augustinus könnte auf die Umiliati, wie er sie kannte, abgewälzt werden“.

Im Jahr 1481 beauftragte Papst Sixtus IV. Botticelli und andere prominente florentinische und umbrische Künstler mit der Ausmalung der Wände der gerade fertiggestellten Sixtinischen Kapelle. Dieses Großprojekt sollte die Hauptdekoration der Kapelle werden. Die meisten Fresken sind erhalten geblieben, stehen jedoch im Schatten von Michelangelos Werken des folgenden Jahrhunderts, da einige der früheren Fresken zerstört wurden, um Platz für seine Gemälde zu schaffen. Es wird angenommen, dass der florentinische Beitrag Teil eines Friedensabkommens zwischen Lorenzo Medici und dem Papsttum war. Nachdem Sixtus in die Pazzi-Verschwörung verwickelt worden war, waren die Feindseligkeiten eskaliert und hatten zur Exkommunikation von Lorenzo und anderen florentinischen Beamten und zu einem kleinen „Pazzi-Krieg“ geführt.

Das ikonografische Schema bestand aus zwei Zyklen, die sich an den Seiten der Kapelle gegenüberstanden: das Leben Christi und das Leben des Moses, die zusammen die Vorherrschaft des Papsttums andeuteten. Botticellis Beitrag umfasste drei der ursprünglich vierzehn großen Szenen: die Versuchungen Christi, die Jugend des Moses und die Bestrafung der Söhne Koras (oder verschiedene andere Titel) sowie einige der imaginären Porträts von Päpsten in der Ebene darüber und Gemälde unbekannter Themen in den Lünetten darüber, wo sich heute die Decke der Sixtinischen Kapelle von Michelangelo befindet. Möglicherweise hat er auch eine vierte Szene an der Stirnwand gegenüber dem Altar gemalt, die heute zerstört ist. Jeder Maler brachte ein Team von Assistenten aus seiner Werkstatt mit, da der zu bedeckende Raum beträchtlich war; jede der Haupttafeln ist etwa 3,5 mal 5,7 Meter groß, und die Arbeit wurde in einigen Monaten erledigt.

Vasari deutet an, dass Botticelli mit der künstlerischen Gesamtleitung des Projekts betraut wurde, aber moderne Kunsthistoriker halten es für wahrscheinlicher, dass Pietro Perugino, der erste beauftragte Künstler, mit dieser Aufgabe betraut wurde, wenn überhaupt. Die Themen und zahlreiche Details, die bei der Ausführung zu beachten waren, wurden den Künstlern zweifellos von den vatikanischen Behörden vorgegeben. Die Entwürfe stellen ein komplexes und kohärentes Programm dar, das die päpstliche Oberhoheit bekräftigt, und sind in dieser Hinsicht einheitlicher als in ihrem künstlerischen Stil, auch wenn die Künstler einem einheitlichen Maßstab und einer breiten kompositorischen Anordnung folgen, mit vielen Figuren im Vordergrund und hauptsächlich Landschaft in der oberen Hälfte der Szene. Wenn man von den gemalten Pilastern absieht, die jede Szene voneinander trennen, stimmt die Höhe des Horizonts zwischen den Szenen überein, und Moses trägt in seinen Szenen die gleiche gelbe und grüne Kleidung.

Botticelli unterscheidet sich von seinen Kollegen durch eine eindringlichere triptychonartige Komposition, die jede seiner Szenen in eine zentrale Hauptgruppe und zwei flankierende Gruppen an den Seiten unterteilt, die verschiedene Ereignisse zeigen. In jeder dieser Gruppen erscheint die Hauptfigur des Christus oder des Moses mehrmals, im Fall der Jugend des Moses sogar siebenmal. Für die dreißig erfundenen Porträts der ersten Päpste scheint hauptsächlich Botticelli verantwortlich gewesen zu sein, zumindest was die Herstellung der Karikaturen betrifft. Die meisten Gelehrten sind sich einig, dass zehn der erhaltenen Porträts von Botticelli entworfen wurden und fünf wahrscheinlich zumindest teilweise von ihm stammen, obwohl alle beschädigt und restauriert wurden.

Die Bestrafung der Söhne Koras enthält eine für Botticelli ungewöhnlich genaue, wenn auch nicht exakte Kopie eines klassischen Werks. Es handelt sich um die Darstellung in der Mitte der Nordseite des Konstantinbogens in Rom, die er um 1500 in Die Geschichte der Lucretia wiederholte. Auch wenn er seine Freizeit in Rom offenbar nicht mit dem Zeichnen von Antiken verbrachte, wie es viele Künstler seiner Zeit gerne taten, so scheint er dort doch eine Anbetung der Könige gemalt zu haben, die sich heute in der National Gallery of Art in Washington befindet. Im Jahr 1482 kehrte er nach Florenz zurück, und abgesehen von seinen verlorenen Fresken für die Medici-Villa in Spedaletto etwa ein Jahr später sind keine weiteren Reisen in die Ferne überliefert. Vielleicht war er von Juli 1481 bis spätestens Mai 1482 weg.

Die Meisterwerke Primavera (beide befinden sich in den Uffizien. Sie gehören zu den berühmtesten Gemälden der Welt und sind Ikonen der italienischen Renaissance. Als Darstellungen von Themen aus der klassischen Mythologie in sehr großem Maßstab waren sie in der westlichen Kunst seit der Antike praktisch beispiellos. Zusammen mit den kleineren und weniger berühmten Venus und Mars und Pallas und dem Kentauren wurden sie von Kunsthistorikern unendlich oft analysiert, wobei die wichtigsten Themen waren: die Nachahmung antiker Maler und der Kontext von Hochzeitsfeiern, der Einfluss des Neuplatonismus der Renaissance sowie die Identität der Auftraggeber und mögliche Modelle für die Figuren.

Obwohl sie alle einen unterschiedlichen Grad an Komplexität in ihrer Bedeutung aufweisen, haben sie auch einen unmittelbaren visuellen Reiz, der ihre enorme Popularität erklärt. Alle zeigen dominante und schöne Frauenfiguren in einer idyllischen Gefühlswelt mit einem sexuellen Element. Die anhaltende wissenschaftliche Aufmerksamkeit konzentriert sich hauptsächlich auf die Poesie und Philosophie der zeitgenössischen Humanisten der Renaissance. Die Werke illustrieren keine bestimmten Texte, sondern stützen sich in ihrer Bedeutung jeweils auf mehrere Texte. Ihre Schönheit wurde von Vasari als „Anmut“ und von John Ruskin als „linearer Rhythmus“ charakterisiert. In den Bildern kommt Botticellis linearer Stil am besten zur Geltung, unterstrichen durch die weichen, kontinuierlichen Konturen und die Pastellfarben.

Sowohl die Primavera als auch die Geburt wurden von Vasari in der Mitte des 16. Jahrhunderts in der Villa di Castello gesehen, die seit 1477 Lorenzo di Pierfrancesco de“ Medici gehörte, und bis zur Veröffentlichung eines Medici-Inventars von 1499 im Jahr 1975 wurde angenommen, dass beide Werke speziell für die Villa gemalt wurden. Die neuere Forschung geht davon aus, dass die Primavera für das Stadthaus von Lorenzo di Pierfrancesco in Florenz gemalt wurde, während die Geburt der Venus von jemand anderem für einen anderen Ort in Auftrag gegeben wurde.

Botticelli hat nur wenige mythologische Themen gemalt, aber diese sind heute wahrscheinlich seine bekanntesten Werke. Eine viel kleinere Tafel als die zuvor besprochenen ist seine Venus und Mars in der National Gallery in London. Größe und Form lassen vermuten, dass es sich um eine Spalliera handelt, ein Gemälde, das entweder in ein Möbelstück oder – was in diesem Fall wahrscheinlicher ist – in eine Holzvertäfelung eingepasst wurde. Die Wespen, die den Kopf des Mars umschwirren, deuten darauf hin, dass es für ein Mitglied seiner Nachbarn, der Familie Vespucci, gemalt wurde, deren Name auf Italienisch „kleine Wespen“ bedeutet und die Wespen in ihrem Wappen führte. Mars schläft, vermutlich nach dem Liebesspiel, während Venus zusieht, wie kleine Satyrn mit seiner militärischen Ausrüstung spielen, und einer versucht, ihn zu wecken, indem er ihm eine Muschel ins Ohr bläst. Das Gemälde wurde zweifellos zur Feier einer Hochzeit geschenkt und schmückte das Schlafgemach.

In drei dieser vier großen Mythologien kommt Venus vor, eine zentrale Figur des Neuplatonismus der Renaissance, der der göttlichen Liebe einen ebenso wichtigen Platz in seiner Philosophie einräumte wie das Christentum. Die vierte, Pallas und der Kentaur, ist durch das Symbol auf Pallas“ Kleid eindeutig mit den Medici verbunden. Die beiden Figuren sind etwa lebensgroß, und es gibt eine Reihe spezifischer persönlicher, politischer oder philosophischer Interpretationen, die die grundlegende Bedeutung der Unterwerfung der Leidenschaft unter die Vernunft erweitern.

Eine Reihe von Tafeln in Form einer Spalliera oder Cassone wurde 1483 von Antonio Pucci anlässlich der Hochzeit seines Sohnes Giannozzo mit Lucrezia Bini bei Botticelli in Auftrag gegeben. Das Thema war die Geschichte von Nastagio degli Onesti aus dem achten Roman des fünften Tages von Boccaccios Dekameron in vier Tafeln. Die Wappen der Medici und der Familien der Braut und des Bräutigams erscheinen auf der dritten Tafel.

Als Botticelli 1482 aus Rom zurückkehrte, hatte er seinen Ruf durch seine Arbeit dort erheblich verbessert. Wie bei seinen weltlichen Gemälden sind auch viele religiöse Aufträge größer und zweifellos teurer als zuvor. Insgesamt stammen aus den 1480er Jahren mehr datierbare Werke Botticellis als aus jedem anderen Jahrzehnt, und die meisten davon sind religiös. Mitte der 1480er Jahre hatten viele führende Florentiner Künstler die Stadt verlassen, einige kehrten nie mehr zurück. Der aufstrebende Leonardo da Vinci, der sich über Botticellis Landschaften lustig machte, ging 1481 nach Mailand, die Brüder Pollaiolo 1484 nach Rom und Andrea Verrochio 1485 nach Venedig.

Die übrigen führenden Vertreter der florentinischen Malerei, Botticelli, Domenico Ghirlandaio und Filippino Lippi, arbeiteten zusammen mit Perugino an einem großen Freskenzyklus für die Villa von Lorenzo dem Prächtigen in Spedalletto bei Volterra. Botticelli malte zahlreiche Madonnen (siehe unten) sowie Altarbilder und Fresken in Florentiner Kirchen. Im Jahr 1491 gehörte er einem Ausschuss an, der über eine Fassade für die Kathedrale von Florenz entscheiden sollte, und erhielt im darauffolgenden Jahr ein kleines Honorar für einen Entwurf für die Mosaikgestaltung einiger Innengewölbe der Kathedrale, der jedoch scheiterte.

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Bardi-Altarbild

Der erste große Kirchenauftrag nach Rom war das Bardi-Altarbild, das im Februar 1485 fertiggestellt und gerahmt wurde und sich heute in Berlin befindet. Der Rahmen stammt von keinem Geringeren als Giuliano da Sangallo, der gerade zum Lieblingsarchitekten von Lorenzo il Magnifico wurde. Eine thronende Madonna und ein (ziemlich großes) Kind sitzen auf einer kunstvoll geschnitzten, erhöhten Steinbank in einem Garten, hinter dem Pflanzen und Blumen bis auf einen kleinen Teil des Himmels den Blick versperren, um eine Version des hortus conclusus oder geschlossenen Gartens zu schaffen, eine sehr traditionelle Darstellung der Jungfrau Maria. Im Vordergrund stehen die Heiligen Johannes der Täufer und ein ungewöhnlich alter Johannes der Evangelist. Kleine und unauffällige Banderolen oder Bänder mit Bibelversen verdeutlichen die recht komplexe theologische Bedeutung des Werks, für die Botticelli einen klerikalen Berater gehabt haben muss, stören aber nicht die einfachere Betrachtung des Gemäldes und seiner liebevollen Detailwiedergabe, die Vasari lobte. Es ist in gewisser Weise typisch für Botticellis lockeren Umgang mit der strengen Perspektive, dass die obere Leiste der Bank von oben, die Vasen mit den Lilien darauf jedoch von unten zu sehen sind.

Der Stifter, der aus der führenden Bardi-Familie stammte, war nach über zwanzig Jahren als Bankier und Wollhändler in London, wo er als „John de Barde“ bekannt war, nach Florenz zurückgekehrt, und Aspekte des Gemäldes spiegeln möglicherweise nordeuropäische und sogar englische Kunst- und Volksfrömmigkeitstrends wider. Möglicherweise gab es noch weitere Tafeln in dem Altarbild, die heute fehlen.

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San Barnaba-Altarbild

Ein größeres und überfüllteres Altarbild ist das Altarbild von San Barnaba aus der Zeit um 1487, das sich heute in den Uffizien befindet und in dem Elemente von Botticellis emotionalem Spätstil auftauchen. Hier ist der Schauplatz ein palastartiger himmlischer Innenraum im neuesten Stil, der zeigt, dass Botticelli ein neues Interesse an der Architektur zeigt, möglicherweise beeinflusst von Sangallo. Die Jungfrau und das Kind sitzen hoch oben auf einem Thron, auf gleicher Höhe mit vier Engeln, die die Instrumente der Passion tragen. Sechs Heilige stehen in einer Reihe unter dem Thron. Mehrere Figuren haben recht große Köpfe, und das Jesuskind ist ebenfalls sehr groß. Während die Gesichter der Jungfrau, des Kindes und der Engel die geradlinige Schönheit der Tondos aufweisen, sind die Heiligen mit unterschiedlichen und intensiven Gesichtsausdrücken versehen. Vier kleine und eher einfache Predella-Tafeln sind erhalten; ursprünglich waren es wahrscheinlich sieben.

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Andere Arbeiten

Nachdem die Phase der großen weltlichen Werke in den späten 1480er Jahren wahrscheinlich vorbei war, malte Botticelli mehrere Altarbilder, und dies scheint eine Hochphase für die Madonnenproduktion in seiner Werkstatt gewesen zu sein. Botticellis größtes Altarbild, der San-Marco-Altar (378 x 258 cm, Uffizien), ist das einzige, das mit seiner vollständigen Predella aus fünf Tafeln erhalten ist. In der Luft über vier Heiligen findet die Krönung der Jungfrau in einer himmlischen Zone aus Gold und leuchtenden Farben statt, die an seine früheren Werke erinnert, mit tanzenden und Blumen werfenden Engeln, die sie umkreisen.

Im Gegensatz dazu bildet die Verkündigung des Cestello (1489-90, Uffizien) eine natürliche Gruppierung mit anderen späten Gemälden, insbesondere zwei Gemälden der Beweinung Christi, die das düstere Kolorit des Hintergrunds und die eher übertriebene Ausdruckskraft der gebeugten Posen der Figuren gemeinsam haben. Es hat eine ungewöhnlich detaillierte Landschaft, noch in dunklen Farben, durch das Fenster gesehen, die auf nordeuropäische Vorbilder zurückzugreifen scheint, vielleicht aus Drucken.

Von den beiden Klageliedern hat das eine ein ungewöhnliches Hochformat, denn es wurde wie der Heilige Sebastian von 1474 für die Seite einer Säule in der Kirche Santa Maria Maggiore in Florenz gemalt; es befindet sich heute in Mailand. Das andere, horizontale Bild wurde für eine Kapelle an der Ecke von Botticellis Straße gemalt und befindet sich heute in München. In beiden Fällen nehmen die dicht gedrängten, ineinander verschlungenen Figuren um den toten Christus fast den gesamten Bildraum ein, nur der nackte Felsen dahinter ist zu sehen. Die Jungfrau ist in Ohnmacht gefallen, und die anderen Figuren bilden ein Gedränge, um sie und Christus zu stützen. Das Münchner Gemälde zeigt drei weniger involvierte Heilige mit Attributen (seltsamerweise auch den heiligen Petrus, der normalerweise an diesem Tag in Jerusalem gesehen wird, aber in dieser Szene nicht anwesend ist) und gibt den Figuren (außer Christus) flache, perspektivisch dargestellte Heiligenscheine, die Botticelli von nun an häufig verwendet. Beide Werke stammen wahrscheinlich aus den Jahren 1490 bis 1495.

In frühen Aufzeichnungen wurde ein Altarbild von Botticelli für die Convertite, eine Einrichtung für ehemalige Prostituierte, erwähnt, ohne es zu beschreiben, und verschiedene überlebende, nicht bewiesene Werke wurden als Kandidaten vorgeschlagen. Heute wird allgemein angenommen, dass es sich bei einem Gemälde in der Courtauld Gallery in London um die Pala delle Convertite handelt, die um 1491-93 entstanden ist. Sein für ein Altarbild ungewöhnliches Thema ist die Heilige Dreifaltigkeit mit Christus am Kreuz, der von hinten von Gottvater gestützt wird. Engel umgeben die Dreifaltigkeit, die von zwei Heiligen flankiert wird, wobei Tobias und der Engel in viel kleinerem Maßstab rechts im Vordergrund stehen. Wahrscheinlich handelt es sich um eine Votivgabe, vielleicht auf Wunsch des ursprünglichen Stifters. Die vier Predella-Szenen, die das Leben der Maria Magdalena zeigen, die dann selbst als reformierte Prostituierte aufgenommen wurde, befinden sich im Philadelphia Museum of Art.

Nach etwa 1493 oder 1495 scheint Botticelli keine großen religiösen Gemälde mehr gemalt zu haben, obwohl die Produktion von Madonnen wahrscheinlich fortgesetzt wurde. Die kleineren erzählenden religiösen Szenen der letzten Jahre werden im Folgenden behandelt.

Gemälde der Madonna mit Kind, d. h. der Jungfrau Maria und des Jesuskindes, waren im Italien des 15. Jahrhunderts in verschiedenen Größen und Formaten sehr beliebt, von großen Altarbildern des Typs sacra conversazione bis hin zu kleinen Gemälden für den Wohnbereich. Sie hingen auch häufig in Büros, öffentlichen Gebäuden, Geschäften und kirchlichen Einrichtungen. Diese kleineren Gemälde waren eine ständige Einnahmequelle für Maler aller Qualitätsstufen, und viele wurden wahrscheinlich auf Vorrat und ohne besonderen Auftrag hergestellt.

Botticelli malte Madonnen vom Beginn seiner Karriere an bis mindestens in die 1490er Jahre. Er war einer der ersten Maler, der das runde Tondo-Format verwendete, bei dem die gemalte Fläche typischerweise einen Durchmesser von 115 bis 145 cm (etwa vier bis fünf Fuß) hat. Dieses Format wurde eher mit Gemälden für Paläste als für Kirchen in Verbindung gebracht, obwohl sie groß genug waren, um in Kirchen aufgehängt zu werden, und einige davon wurden später an Kirchen gestiftet. Mehrere Madonnen verwenden dieses Format, in der Regel mit einer sitzenden Jungfrau, die bis zu den Knien gezeigt wird, und obwohl rechteckige Madonnenbilder in der Überzahl sind, werden Madonnen in Tondoform besonders mit Botticelli in Verbindung gebracht. Er verwendete das Tondo-Format auch für andere Themen, wie eine frühe Anbetung der Heiligen Drei Könige in London, und malte offenbar eher selbst eine Tondo-Madonna, während er rechteckige Madonnen gewöhnlich seiner Werkstatt überließ.

Botticellis Jungfrauen sind immer schön, in der gleichen idealisierten Weise wie seine mythologischen Figuren, und oft reich gekleidet im zeitgenössischen Stil. Obwohl sich Savonarola vor allem gegen die weltliche Kunst wandte, beklagte er sich auch über die Gemälde in den Florentiner Kirchen: „Ihr habt die Jungfrau als Hure gekleidet erscheinen lassen“, was sich möglicherweise auf Botticellis Stil auswirkte. Sie werden oft von ebenso schönen Engeln oder einem Kind Johannes des Täufers (dem Schutzpatron von Florenz) begleitet. Einige zeigen Blumen, aber keine detaillierten Landschaftshintergründe, wie sie andere Künstler entwickelten. Viele existieren in mehreren Versionen unterschiedlicher Qualität, oft mit anderen Elementen als der Jungfrau und dem Kind. Viele von ihnen wurden von Botticelli oder insbesondere von seiner Werkstatt angefertigt, andere offenbar von Künstlern, die keine Verbindung zu ihm hatten. Als das Interesse an Botticelli im 19. Jahrhundert wieder auflebte, galt es zunächst vor allem seinen Madonnen, die dann in großem Umfang geschmiedet wurden.

In der Magnificat-Madonna in den Uffizien (118 cm Durchmesser, um 1483) schreibt Maria das Magnificat auf, eine Rede aus dem Lukasevangelium (1,46-55), die Maria anlässlich ihrer Heimsuchung bei ihrer Cousine Elisabeth, einige Monate vor der Geburt Jesu, spricht. Sie hält das Jesuskind im Arm und ist von flügellosen Engeln umgeben, die nicht von modisch gekleideten Florentiner Jugendlichen zu unterscheiden sind.

Botticellis Madonna mit Kind und Engeln, die Kerzenständer tragen (1485)

Botticelli malte eine Reihe von Porträts, wenn auch nicht annähernd so viele, wie ihm zugeschrieben wurden. Es gibt eine Reihe von idealisierten, porträtähnlichen Gemälden von Frauen, die wahrscheinlich keine bestimmte Person darstellen (einige ähneln der Venus in Venus und Mars sehr). Traditionelle Gerüchte bringen sie mit der berühmten Schönheit Simonetta Vespucci in Verbindung, die 1476 im Alter von zweiundzwanzig Jahren starb, was jedoch unwahrscheinlich erscheint. Diese Figuren stellen eine weltliche Verbindung zu seinen Madonnen dar.

Von ein oder zwei Ausnahmen abgesehen, zeigen seine kleinen, unabhängigen Tafelbilder den Dargestellten nicht weiter als bis zum unteren Ende des Brustkorbs. Frauen sind in der Regel im Profil, ganz oder ein wenig gedreht, während Männer in der Regel eine „Dreiviertel“-Pose einnehmen, aber nie ganz frontal zu sehen sind. Selbst wenn der Kopf mehr oder weniger geradeaus gerichtet ist, wird die Beleuchtung genutzt, um einen Unterschied zwischen den Seiten des Gesichts zu erzeugen. Die Hintergründe können schlicht sein oder ein offenes Fenster zeigen, durch das in der Regel nur der Himmel zu sehen ist. Einige wenige haben Landschaftshintergründe entwickelt. Diese Merkmale waren zu Beginn seiner Karriere typisch für Florentiner Porträts, in seinen letzten Lebensjahren jedoch altmodisch.

Viele Porträts existieren in mehreren Fassungen, wahrscheinlich vor allem in der Werkstatt; ihre Zuordnung ist oft unklar. Oft ändert sich der Hintergrund zwischen den Versionen, während die Figur gleich bleibt. Auch bei seinen männlichen Porträts sind die Identifizierungen oft zweifelhaft, meist handelt es sich um verschiedene Medicis, und zwar länger, als es die tatsächlichen Belege zulassen. Lightbown schreibt ihm nur etwa acht Porträts von Einzelpersonen zu, die bis auf drei alle vor 1475 entstanden sind.

Botticelli übertreibt oft einige Aspekte der Gesichtszüge, um die Ähnlichkeit zu erhöhen. Er malte auch Porträts in anderen Werken, so fügte er in seine frühe Anbetung der Könige ein Selbstporträt und die Medici ein. Mehrere Figuren in den Fresken der Sixtinischen Kapelle scheinen Porträts zu sein, aber die Motive sind unbekannt, auch wenn phantasievolle Vermutungen angestellt wurden. Große allegorische Fresken aus einer Villa zeigen Mitglieder der Familie Tornabuoni zusammen mit Göttern und Personifikationen. Wahrscheinlich sind nicht alle Fresken erhalten geblieben, aber die Porträts eines jungen Mannes mit den Sieben Freien Künsten und einer jungen Frau mit Venus und den Drei Grazien befinden sich heute im Louvre.

Botticelli hatte ein lebenslanges Interesse an dem großen florentinischen Dichter Dante Alighieri, der Werke in verschiedenen Medien schuf. Ihm wird ein imaginäres Porträt zugeschrieben. Laut Vasari „schrieb er einen Kommentar zu einem Teil von Dante“, der auch in einer anderen Geschichte im Leben abschätzig erwähnt wird, aber kein solcher Text ist überliefert.

Botticellis Versuch, die Illustrationen für ein gedrucktes Buch zu entwerfen, war ein Novum für einen bedeutenden Maler, und obwohl es anscheinend ein Flop war, war dies eine Rolle für Künstler, die eine wichtige Zukunft hatte. Vasari schrieb missbilligend über den ersten gedruckten Dante von 1481 mit Stichen des Goldschmieds Baccio Baldini, die nach Zeichnungen von Botticelli gestochen wurden: „Da er von sophistischer Gesinnung war, schrieb er dort einen Kommentar zu einem Teil von Dante und illustrierte das Inferno, das er druckte, wobei er viel Zeit damit verbrachte, und diese Enthaltung von der Arbeit führte zu schweren Störungen in seinem Leben“. Vasari, der zu einer Zeit lebte, in der die Druckgrafik weitaus wichtiger war als zu Botticellis Zeiten, hat sie nie ernst genommen, vielleicht weil sich seine eigenen Gemälde als Reproduktion nicht gut verkauften.

Die Göttliche Komödie besteht aus 100 Gesängen, und der gedruckte Text ließ Platz für einen Kupferstich pro Gesang. Es wurden jedoch nur 19 Illustrationen gestochen, und die meisten Exemplare des Buches enthalten nur die ersten zwei oder drei. Die ersten beiden, manchmal auch drei, sind in der Regel auf die Buchseite gedruckt, während die späteren Illustrationen auf separaten Blättern gedruckt sind, die an die richtige Stelle geklebt wurden. Dies deutet darauf hin, dass die Herstellung der Stiche hinter dem Druck zurückblieb und die späteren Illustrationen in den Bestand der gedruckten und gebundenen Bücher eingeklebt und vielleicht an diejenigen verkauft wurden, die das Buch bereits gekauft hatten. Leider war Baldini weder sehr erfahren noch begabt als Kupferstecher und konnte die Feinheit von Botticellis Stil in seinen Platten nicht zum Ausdruck bringen. Zwei religiöse Stiche werden ebenfalls allgemein als nach Entwürfen von Botticelli angefertigt angesehen.

Später begann Botticelli mit einem luxuriösen Manuskript, das Dante auf Pergament illustrierte, von dem der größte Teil nur bis zu den Unterzeichnungen übernommen wurde, und nur wenige Seiten sind vollständig illuminiert. Dieses Manuskript umfasst 93 erhaltene Seiten (32 x 47 cm), die heute auf die Vatikanische Bibliothek (8 Blätter) und Berlin (83) aufgeteilt sind, und stellt den Großteil der erhaltenen Zeichnungen Botticellis dar.

Auch hier wurde das Projekt nie vollendet, nicht einmal in der Zeichnungsphase, aber einige der frühen Gesänge scheinen zumindest gezeichnet worden zu sein, sind aber jetzt verschollen. Die erhaltenen Seiten wurden immer sehr bewundert und viel diskutiert, da das Projekt viele Fragen aufwirft. Es herrscht allgemeiner Konsens darüber, dass die meisten Zeichnungen spät entstanden sind; als Hauptschreiber kann Niccolò Mangona identifiziert werden, der zwischen 1482 und 1503 in Florenz tätig war und dessen Werk vermutlich vor dem von Dante entstand. Botticelli scheint also über einen langen Zeitraum hinweg an den Zeichnungen gearbeitet zu haben, denn es ist eine stilistische Entwicklung zu erkennen, die mit seinen Gemälden übereinstimmt. Obwohl andere Auftraggeber vorgeschlagen wurden (darunter zwangsläufig die Medici, insbesondere der jüngere Lorenzo oder il Magnifico), sind einige Wissenschaftler der Ansicht, dass Botticelli das Manuskript für sich selbst angefertigt hat.

Es gibt Hinweise darauf, dass Botticelli an Illustrationen für gedruckte Pamphlete von Savonarola gearbeitet haben könnte, die nach seinem Sturz fast alle zerstört wurden.

Botticelli wurde von den Historikern mit der Florentiner Schule unter der Schirmherrschaft von Lorenzo de“ Medici in Verbindung gebracht, einer Bewegung, die von den Historikern später als „goldenes Zeitalter“ bezeichnet wurde. Die Medici-Familie war während Botticellis Lebenszeit bis 1494, als der Hauptzweig vertrieben wurde, die effektive Herrschaft über Florenz, das nominell eine Republik war. Lorenzo il Magnifico wurde 1469 zum Oberhaupt der Familie, etwa zu der Zeit, als Botticelli seine eigene Werkstatt eröffnete. Er war ein großer Mäzen sowohl der bildenden als auch der literarischen Künste und förderte und finanzierte den humanistischen und neuplatonischen Kreis, aus dem ein Großteil des Charakters von Botticellis mythologischer Malerei zu stammen scheint. Im Allgemeinen scheint Lorenzo nicht viel bei Botticelli in Auftrag gegeben zu haben, sondern bevorzugte Pollaiuolo und andere. Ein Botticello, der wahrscheinlich Sandros Bruder Giovanni war, stand Lorenzo nahe.

Obwohl die Auftraggeber vieler Werke, die nicht für Kirchen bestimmt waren, unklar bleiben, scheint Botticelli eher von den beiden jungen Cousins von Lorenzo il Magnifico, seinem jüngeren Bruder Giuliano und anderen mit den Medici verbündeten Familien benutzt worden zu sein. Tommaso Soderini, ein enger Verbündeter Lorenzos, erhielt den Auftrag für die Figur der Tapferkeit von 1470, das früheste sicher datierte Gemälde Botticellis, das eine von Piero Pollaiuolo unvollendet gebliebene Serie der Sieben Tugenden vervollständigt. Möglicherweise waren sie von einem Vespucci eingeführt worden, der Soderinis Sohn unterrichtet hatte. Antonio Pucci, ein weiterer Verbündeter der Medici, gab wahrscheinlich die Londoner Anbetung der Könige in Auftrag, ebenfalls um 1470.

Giuliano de“ Medici wurde im Rahmen der Pazzi-Verschwörung von 1478 ermordet (Lorenzo entkam nur knapp, gerettet von seinem Bankdirektor), und ein Porträt, das Giuliano darstellen soll und in mehreren Versionen überliefert ist, könnte posthum entstanden sein, oder zumindest in einer Version kurz vor seinem Tod. Er steht auch im Mittelpunkt von Theorien, wonach die Figuren in den mythologischen Gemälden bestimmte Personen der florentinischen High Society darstellen, in der Regel in Verbindung mit Simonetta Vespucci, von der John Ruskin selbst überzeugt war, dass sie nackt für Botticelli posiert hatte.

Vasari zufolge wurde Botticelli ein Anhänger des zutiefst moralischen Dominikanermönchs Girolamo Savonarola, der von 1490 bis zu seiner Hinrichtung im Jahr 1498 in Florenz predigte:

Botticelli war ein Anhänger von Savonarola, weshalb er die Malerei aufgab und in große Not geriet, da er keine andere Einnahmequelle hatte. Nichtsdestotrotz blieb er ein hartnäckiges Mitglied der Sekte, wurde einer der piagnoni, der Schnüffler, wie sie damals genannt wurden, und gab seine Arbeit auf; so fand er sich schließlich als alter Mann so arm wieder, dass er fast verhungert wäre, wenn Lorenzo de“ Medici … und dann seine Freunde und … ihm nicht zu Hilfe gekommen wären.

Das Ausmaß des Einflusses von Savonarola auf Botticelli bleibt ungewiss; sein Bruder Simone war eindeutig ein Anhänger. Die manchmal zu hörende Geschichte, dass er seine eigenen Gemälde mit weltlichen Themen im Feuer der Eitelkeiten von 1497 zerstört habe, wird von Vasari nicht erzählt. Die Behauptung Vasaris, Botticelli habe unter dem Einfluss Savonarolas nichts mehr gemalt, wird von modernen Kunsthistorikern nicht akzeptiert. Die Mystische Geburt, Botticellis einziges Gemälde, das ein tatsächliches Datum trägt, wenn auch ein kryptisch ausgedrücktes, stammt aus dem späten Jahr 1500, achtzehn Monate nach Savonarolas Tod, und die Entwicklung seines Stils lässt sich anhand einer Reihe von späten Werken nachvollziehen, wie weiter unten erläutert wird.

Ende 1502, etwa vier Jahre nach Savonarolas Tod, wollte Isabella d“Este ein Gemälde in Florenz anfertigen lassen. Ihr Agent Francesco Malatesta teilte ihr schriftlich mit, dass ihre erste Wahl, Perugino, verreist sei, Filippino Lippi sechs Monate lang einen vollen Terminkalender habe, Botticelli aber sofort anfangen könne und bereit sei, ihr zu helfen. Sie zog es vor, auf Peruginos Rückkehr zu warten. Dies lässt wiederum ernste Zweifel an Vasaris Behauptung aufkommen, aber auch er scheint nicht sehr gefragt gewesen zu sein.

Viele Datierungen von Werken reichen bis zum Jahr 1505, obwohl er noch fünf Jahre länger lebte. Aber Botticelli hat anscheinend nach 1501 oder vielleicht schon früher kaum noch Werke geschaffen, und seine Produktion hatte sich bereits nach etwa 1495 verringert. Dies mag zum Teil auf die Zeit zurückzuführen sein, die er den Zeichnungen für das Manuskript Dante widmete. Im Jahr 1504 war er Mitglied der Kommission, die über den Standort von Michelangelos David entscheiden sollte.

In den 1490er Jahren kehrte Botticelli zu antiken Themen zurück und schuf einige kleinere Werke zu Themen der antiken Geschichte, die mehr Figuren enthalten und verschiedene Szenen aus jeder Geschichte zeigen, darunter auch Momente dramatischer Handlung. Es handelt sich dabei um die Verleumdung des Apelles (um 1494-95), eine Nachbildung einer verlorenen Allegorie des antiken griechischen Malers Apelles, die er möglicherweise für seinen persönlichen Gebrauch bestimmt hatte, sowie um die beiden Werke Die Geschichte der Virginia und Die Geschichte der Lucretia, die wahrscheinlich um 1500 entstanden sind.

Die Mystische Geburt, ein relativ kleines und sehr persönliches Gemälde, das vielleicht für den eigenen Gebrauch bestimmt war, scheint auf das Ende des Jahres 1500 datiert zu werden. Es treibt die Abkehr von einem einheitlichen Figurenmaßstab, der für Botticellis religiöse Gemälde seit einigen Jahren kennzeichnend war, auf die Spitze: Die Heilige Familie ist viel größer als die anderen Figuren, selbst die, die weit vor ihr im Bildraum stehen. Dies kann als ein teilweiser Rückgriff auf gotische Konventionen angesehen werden. Die Ikonographie des vertrauten Themas der Geburt Christi ist einzigartig, mit Merkmalen wie den Teufeln, die sich im Felsen unter der Szene verstecken, und muss sehr persönlich sein.

Ein anderes Gemälde, das als Mystische Kreuzigung (heute Fogg Art Museum) bekannt ist, bezieht sich eindeutig auf den Zustand und das Schicksal von Florenz, das im Hintergrund hinter dem gekreuzigten Christus zu sehen ist, neben dem ein Engel einen Marzocco peitscht, den heraldischen Löwen, der ein Symbol der Stadt ist. Dieses Bild steht in direktem Zusammenhang mit den Erschütterungen der Vertreibung der Medici, der kurzen Herrschaft Savonarolas und der französischen Invasion. Leider ist es sehr beschädigt, so dass es möglicherweise nicht von Botticelli stammt, auch wenn es sicherlich in seinem Stil ist.

Sein späteres Werk, insbesondere die vier Tafeln mit Szenen aus dem Leben des Heiligen Zenobius, zeigt eine Verkleinerung des Maßstabs, ausdrucksvoll verzerrte Figuren und eine nicht-naturalistische Farbgebung, die an das Werk von Fra Angelico fast ein Jahrhundert zuvor erinnert. Botticelli wurde mit dem zehn Jahre älteren venezianischen Maler Carlo Crivelli verglichen, dessen späteres Werk sich ebenfalls vom Stil der bevorstehenden Hochrenaissance abwendet und sich stattdessen „in ein eindeutig gotisches Idiom bewegt“. Andere Gelehrte sehen in der vereinfachten expressionistischen Darstellung von Emotionen in seinen Werken der letzten Jahre Vorahnungen des Manierismus.

Ernst Steinmann (gest. 1934) entdeckte in den späteren Madonnen eine „Vertiefung der Einsicht und des Ausdrucks in der Darstellung der Physiognomie Mariens“, die er dem Einfluss Savonarolas zuschrieb (was auch die Datierung einiger dieser Madonnen nach hinten verschiebt). Jüngere Wissenschaftler sind zurückhaltend, einen direkten Einfluss zuzuordnen, obwohl es in der letzten Periode sicherlich einen Ersatz von Eleganz und Süße durch kraftvolle Strenge gibt.

Botticelli zahlte weiterhin seine Beiträge an die Compagnia di San Luca (die vorläufigen Datumsangaben für seine späten Gemälde reichen nicht weiter als bis hierher). Zu diesem Zeitpunkt war er sechzig oder mehr Jahre alt, in dieser Zeit definitiv im hohen Alter. Vasari, der um 1527 in Florenz lebte, berichtet, dass Botticelli „krank und altersschwach im Alter von achtundsiebzig Jahren“ starb, nachdem er „nicht mehr aufrecht stehen konnte und sich mit Hilfe von Krücken fortbewegte“. Er starb im Mai 1510, aber man geht heute davon aus, dass er zu diesem Zeitpunkt etwas unter siebzig war. Er wurde mit seiner Familie vor der Kirche von Ognissanti an einer Stelle begraben, die heute von der Kirche überbaut ist. Diese Kirche war seit seiner Taufe seine Pfarrkirche und enthielt sein Werk „Der heilige Augustinus in seinem Arbeitszimmer“.

Vasari erwähnt, dass Botticelli sehr schöne Zeichnungen anfertigte, die nach seinem Tod von Künstlern gesucht wurden. Abgesehen von den Dante-Illustrationen ist nur eine kleine Anzahl dieser Zeichnungen erhalten, von denen keine mit den erhaltenen Gemälden in Verbindung gebracht werden kann, zumindest nicht deren endgültige Kompositionen, obwohl es sich eher um vorbereitende Zeichnungen als um eigenständige Werke zu handeln scheint. Einige könnten mit den Arbeiten in anderen Medien zusammenhängen, von denen wir wissen, dass Botticelli sie angefertigt hat. Es sind drei Gewänder mit gestickten Entwürfen von ihm erhalten, und er entwickelte eine neue Technik für die Verzierung von Bannern für religiöse und weltliche Prozessionen, offenbar in einer Art Appliqué-Technik.

Im Jahr 1472 wird in den Aufzeichnungen der Malergilde festgehalten, dass Botticelli nur Filippino Lippi als Assistenten hatte, obwohl eine andere Quelle von einem Achtundzwanzigjährigen spricht, der bei Neri di Bicci gelernt hatte. Um 1480 waren es bereits drei, von denen keiner mehr von Bedeutung war. Andere Namen tauchen in den Aufzeichnungen auf, aber nur Lippi wurde ein bekannter Meister. Eine beträchtliche Anzahl von Werken, vor allem Madonnen, werden Botticellis Werkstatt oder dem Meister und seiner Werkstatt zugeschrieben, was im Allgemeinen bedeutet, dass Botticelli die Zeichnungen anfertigte, während die Assistenten den Rest erledigten, oder dass Zeichnungen von ihm von der Werkstatt kopiert wurden.

Botticellis linearer Stil war relativ leicht zu imitieren, so dass verschiedene Beiträge innerhalb eines Werks nur schwer zu identifizieren sind, obwohl die Qualität der Zeichnungen des Meisters die Werke anderer zumeist identifizierbar macht. Die Zuschreibung vieler Werke ist nach wie vor umstritten, insbesondere im Hinblick auf die Aufteilung der Arbeit zwischen Meister und Werkstatt. Lightbown ist der Meinung, dass „die Trennung zwischen Botticellis autographen Werken und den Gemälden aus seiner Werkstatt und seinem Umkreis ziemlich scharf ist“ und dass nur in einem einzigen großen Tafelbild „wichtige Teile von Assistenten ausgeführt wurden“; andere sind jedoch anderer Meinung.

Die National Gallery besitzt eine Anbetung der Könige aus der Zeit um 1470, die sie als von Filippino Lippi begonnen, aber von Botticelli vollendet beschreibt, wobei sie darauf hinweist, dass es ungewöhnlich war, dass ein Meister ein von einem Schüler begonnenes Werk übernahm.

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Finanzen

Nach Vasaris vielleicht unzuverlässigem Bericht verdiente Botticelli „sehr viel Geld, vergeudete es aber durch Unachtsamkeit und mangelnde Verwaltung“. Er lebte sein ganzes Leben lang in dem Familienhaus und hatte dort auch sein Atelier. Nach dem Tod seines Vaters im Jahr 1482 erbte es sein Bruder Giovanni, der eine große Familie hatte. Am Ende seines Lebens war es im Besitz seiner Neffen. Seit den 1490er Jahren besaß er ein bescheidenes Landhaus und einen Bauernhof in Bellosguardo (heute von der Stadt verschluckt), den er zusammen mit seinem Bruder Simone pachtete.

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Sexualität

Botticelli hat nie geheiratet und offenbar eine starke Abneigung gegen die Idee der Ehe geäußert. Eine Anekdote berichtet, dass sein Mäzen Tommaso Soderini, der 1485 starb, ihm vorschlug zu heiraten, woraufhin Botticelli antwortete, dass er einige Tage zuvor geträumt habe, er habe geheiratet, sei „vor Kummer aufgewacht“ und für den Rest der Nacht durch die Straßen gelaufen, um zu vermeiden, dass der Traum sich wiederholte, wenn er wieder schlief. Die Geschichte endet kryptisch damit, dass Soderini verstand, „dass er kein geeigneter Boden für die Anpflanzung von Reben war“.

Seit über einem Jahrhundert wird spekuliert, dass Botticelli homosexuell gewesen sein könnte. Viele Autoren haben Homoerotik in seinen Porträts festgestellt. Der amerikanische Kunsthistoriker Bernard Berenson zum Beispiel entdeckte etwas, das er für latente Homosexualität hielt. 1938 entdeckte Jacques Mesnil in den florentinischen Archiven eine Zusammenfassung einer Anklage vom 16. November 1502, in der es schlicht und einfach hieß: „Botticelli hält sich einen Jungen“, eine Anschuldigung der Sodomie (Homosexualität). Es wurde keine Anklage erhoben. Der Maler wäre damals etwa achtundfünfzig Jahre alt gewesen. Mesnil tat dies als eine übliche Verleumdung ab, mit der sich die Anhänger und Gegner Savonarolas gegenseitig beschimpften. Die Meinungen darüber, ob dies ein Beweis für Bisexualität oder Homosexualität ist, gehen auseinander. Der Kunsthistoriker Scott Nethersole geht davon aus, dass ein Viertel der florentinischen Männer Gegenstand ähnlicher Anschuldigungen war, was „eine übliche Art und Weise gewesen zu sein scheint, sich an Menschen heranzumachen“, während andere vor einer voreiligen Ablehnung des Vorwurfs gewarnt haben. Mesnil kam jedoch zu dem Schluss, dass „die Frau nicht das einzige Objekt seiner Liebe war“.

Der Kunsthistoriker der Renaissance, James Saslow, hat festgestellt, dass: „Seine homoerotische Sensibilität zeigt sich vor allem in religiösen Werken, in denen er nackte junge Heilige wie Sebastian mit der gleichen androgynen Anmut und impliziten Körperlichkeit ausstattet wie Donatellos David“.

Möglicherweise hatte er eine enge Beziehung zu Simonetta Vespucci (1453-1476), von der insbesondere John Ruskin behauptet, dass sie in mehreren seiner Werke abgebildet ist und als Inspiration für viele der weiblichen Figuren in den Gemälden des Künstlers diente. Es ist möglich, dass er zumindest platonisch in Simonetta verliebt war, da er darum bat, am Fuße ihres Grabes in der Ognissanti – der Vespucci-Kirche – in Florenz begraben zu werden, obwohl dies auch die Kirche Botticellis war, in der er getauft worden war. Als er 1510 starb, wurden seine sterblichen Überreste wie von ihm gewünscht beigesetzt.

Nach seinem Tod wurde Botticellis Ruf länger und gründlicher in den Hintergrund gedrängt als der jedes anderen bedeutenden europäischen Künstlers. Seine Gemälde blieben in den Kirchen und Villen, für die sie geschaffen worden waren, und seine Fresken in der Sixtinischen Kapelle wurden von denen Michelangelos in den Schatten gestellt.

In den Quellen aus den Jahrzehnten nach seinem Tod werden einige wenige Gemälde und ihr Standort erwähnt. Vasaris Leben ist relativ kurz und, besonders in der ersten Ausgabe von 1550, eher missbilligend. Den Ettlingers zufolge „fühlte er sich offensichtlich nicht wohl mit Sandro und wusste nicht, wie er ihn in sein evolutionäres Schema der Kunstgeschichte von Cimabue bis Michelangelo einordnen sollte“. Nichtsdestotrotz ist dies die Hauptquelle für Informationen über sein Leben, auch wenn Vasari ihn zweimal mit Francesco Botticini, einem anderen Florentiner Maler der Zeit, verwechselt. Vasari sah Botticelli als überzeugten Anhänger der von Savonarola beeinflussten anti-Medici-Fraktion, während Vasari selbst stark auf das Mäzenatentum der zurückgekehrten Medici seiner Zeit angewiesen war. Vasari sah in ihm auch einen Künstler, der in seinen letzten Lebensjahren sein Talent vernachlässigt hatte, was seinen hohen Vorstellungen von der künstlerischen Berufung widersprach. Er widmet einen großen Teil seines Textes eher beunruhigenden Anekdoten über Streiche Botticellis. Vasari wurde im Jahr nach Botticellis Tod geboren, kannte aber viele Florentiner, die sich an ihn erinnerten.

Im Jahr 1621 kaufte ein Bildankäufer von Ferdinando Gonzaga, Herzog von Mantua, aus historischem Interesse ein Gemälde, das angeblich ein Botticelli war, „als von der Hand eines Künstlers, von dem Eure Hoheit nichts besitzen und der der Meister von Leonardo da Vinci war“. Dieser Irrtum ist vielleicht verständlich, denn obwohl Leonardo nur etwa sechs Jahre jünger als Botticelli war, konnte sein Stil einem Barockrichter als eine Generation fortgeschrittener erscheinen.

Die Geburt der Venus wurde ab 1815 in den Uffizien ausgestellt, wird aber in den Berichten von Reisenden über die Galerie in den folgenden zwei Jahrzehnten kaum erwähnt. Die Berliner Galerie kaufte den Bardi-Altar 1829, aber die National Gallery in London erwarb erst 1855 eine Madonna (die heute als aus seiner Werkstatt stammend angesehen wird).

Der englische Sammler William Young Ottley kaufte Botticellis „Mystische Geburt“ in Italien und brachte es 1799 nach London. Doch als er 1811 versuchte, es zu verkaufen, konnte kein Käufer gefunden werden. Nach Ottleys Tod erlaubte sein nächster Käufer, William Fuller Maitland aus Stansted, dass das Gemälde 1857 auf einer großen Kunstausstellung in Manchester, der Art Treasures Exhibition, ausgestellt wurde, wo es neben vielen anderen Kunstwerken von mehr als einer Million Menschen gesehen wurde. Sein einziges großes Gemälde mit einem mythologischen Thema, das jemals auf dem freien Markt verkauft wurde, ist Venus und Mars, das 1874 von der National Gallery bei Christie“s für eher bescheidene 1.050 Pfund erworben wurde. Im Jahr 2013 wurde seine Rockefeller-Madonna bei Christie“s für 10,4 Millionen US-Dollar verkauft. Im Jahr 2021 wurde das Porträt eines jungen Mannes, der ein Rondell hält, bei Sotheby“s für 92,2 Mio. USD verkauft.

Der erste Kunsthistoriker des 19. Jahrhunderts, der sich für Botticellis Sixtinische Fresken begeisterte, war Alexis-François Rio; auch Anna Brownell Jameson und Charles Eastlake wurden auf Botticelli aufmerksam, und Werke von seiner Hand begannen in deutschen Sammlungen zu erscheinen. Die präraffaelitische Bruderschaft nahm Elemente seines Werks in ihr eigenes auf.

Walter Pater entwirft ein literarisches Bild von Botticelli, das dann von der ästhetischen Bewegung aufgegriffen wird. Die erste Monografie über den Künstler wurde 1893 veröffentlicht, im selben Jahr wie Aby Warburgs bahnbrechende Dissertation über die Mythologien; zwischen 1900 und 1920 wurden mehr Bücher über Botticelli geschrieben als über jeden anderen Maler. Die englischsprachige Monografie von Herbert Horne aus dem Jahr 1908 gilt bis heute als außergewöhnlich hochwertig und gründlich, als „eine der großartigsten Errungenschaften der Renaissanceforschung“.

Botticelli taucht in zahlreichen fiktiven Darstellungen des Florenz des 15. Jahrhunderts in verschiedenen Medien als Figur, manchmal sogar als Hauptfigur, auf. In der zweiten Staffel der Fernsehserie „Medici: Masters of Florence“ wird er von Sebastian de Souza verkörpert.

Der Hauptgürtel-Asteroid 29361 Botticelli, der am 9. Februar 1996 entdeckt wurde, ist nach ihm benannt.

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Quellen

Quellen

1. Sandro Botticelli
2. Sandro Botticelli