Sidney Lumet

Dimitris Stamatios | Mai 6, 2023

Zusammenfassung

Sidney Arthur Lumet (25. Juni 1924 – 9. April 2011) war ein amerikanischer Filmregisseur, Produzent und Drehbuchautor, der über 50 Filme gedreht hat. Er wurde fünfmal für den Academy Award nominiert: viermal für die beste Regie für 12 Angry Men (1957), Dog Day Afternoon (1975), Network (1976) und The Verdict (1982) und einmal für das beste adaptierte Drehbuch für Prince of the City (1981). Er gewann zwar keinen Oscar, erhielt aber einen Ehrenpreis der Akademie, und 14 seiner Filme wurden für den Oscar nominiert.

Laut The Encyclopedia of Hollywood war Lumet einer der produktivsten Filmemacher der Neuzeit, der seit seinem Regiedebüt 1957 im Durchschnitt mehr als einen Film pro Jahr drehte. Turner Classic Movies verweist auf seine „starke Führung der Schauspieler“, seine „kraftvolle Erzählweise“ und den „sozialen Realismus“ in seinen besten Werken. Der Filmkritiker Roger Ebert bezeichnete ihn als „einen der besten Handwerker und wärmsten Menschenfreunde unter allen Regisseuren“. Lumet war auch als „Schauspieler-Regisseur“ bekannt, da er im Laufe seiner Karriere mit den besten Schauspielern zusammenarbeitete, wahrscheinlich mehr als „jeder andere Regisseur“. Sean Connery, der in fünf seiner Filme mitspielte, bezeichnete ihn als einen seiner Lieblingsregisseure und als einen, der diese „Vision“ hatte.

Als Mitglied der ersten Klasse des New Yorker Actors Studio begann Lumet seine Regiekarriere mit Off-Broadway-Produktionen und wurde dann ein äußerst effizienter Fernsehregisseur. Sein erster Film, 12 Angry Men (1957), war ein Gerichtsdrama, in dessen Mittelpunkt eine angespannte Jury-Beratung stand. In der Folge verteilte Lumet seine Energie auf politische und soziale Dramen sowie auf Verfilmungen literarischer Stücke und Romane, große stilvolle Geschichten, schwarze New Yorker Komödien und realistische Kriminalfilme, darunter Serpico und Prince of the City. Durch seine Regiearbeit bei 12 Angry Men war er auch für die erste Welle von Regisseuren verantwortlich, die erfolgreich vom Fernsehen zum Film wechselten.

Im Jahr 2005 erhielt Lumet einen Academy Award für sein Lebenswerk für seine „brillanten Verdienste um Drehbuchautoren, Darsteller und die Kunst des Kinofilms“. Zwei Jahre später beendete er seine Karriere mit dem hochgelobten Drama Before the Devil Knows You’re Dead (2007). Wenige Monate nach Lumets Tod im April 2011 fand im New Yorker Lincoln Center eine Retrospektive zu seinem Werk statt, an der zahlreiche Redner und Filmstars teilnahmen. Im Jahr 2015 führte Nancy Buirski Regie bei By Sidney Lumet, einem Dokumentarfilm über seine Karriere, der im Januar 2017 im Rahmen der PBS-Reihe American Masters ausgestrahlt wurde.

Frühe Jahre

Lumet wurde in Philadelphia geboren und wuchs in der Lower East Side in Manhattan auf. Er studierte Theaterschauspiel an der Professional Children’s School of New York und an der Columbia University.

Lumets Eltern, Baruch und Eugenia (geb. Wermus) Lumet, waren Veteranen des jiddischen Theaters und polnisch-jüdische Emigranten in den Vereinigten Staaten. Sein Vater, ein Schauspieler, Regisseur, Produzent und Schriftsteller, wurde in Warschau geboren. Lumets Mutter, die Tänzerin war, starb, als er noch ein Kind war. Er hatte eine ältere Schwester. Sein professionelles Debüt im Radio gab er im Alter von vier Jahren, sein Bühnendebüt am Jiddischen Kunsttheater im Alter von fünf Jahren. Als Kind trat er auch in vielen Broadway-Produktionen auf, darunter Dead End von 1935 und The Eternal Road von Kurt Weill.

1935, im Alter von 11 Jahren, spielte er in einem Henry-Lynn-Kurzfilm Papirossen (jiddisch für „Zigaretten“) mit, der von dem Radiostar Herman Yablokoff mitproduziert wurde. Der Film wurde in einem Theaterstück mit dem gleichen Titel gezeigt, das auf dem Hit „Papirosn“ basierte. Das Stück und der Kurzfilm wurden im McKinley Square Theatre in der Bronx aufgeführt. 1939, im Alter von 15 Jahren, hatte er seinen einzigen Auftritt in einem abendfüllenden Film in …One Third of a Nation….

Der Zweite Weltkrieg unterbrach seine frühe Schauspielkarriere und er verbrachte vier Jahre in der U.S. Army. Nach seiner Rückkehr vom Dienst als Radartechniker, der in Indien und Burma stationiert war (1942-1946), engagierte er sich im Actors Studio und gründete dann seinen eigenen Theaterworkshop. Er organisierte eine Off-Broadway-Theatergruppe und wurde deren Leiter. Er führte weiterhin Regie bei Sommertheateraufführungen und unterrichtete Schauspiel an der High School of Performing Arts. Er war der leitende Schauspieltrainer am neuen 46th St. Gebäude der „Performing Arts“. Der 25-jährige Lumet leitete die Schauspielabteilung bei einer Produktion von The Young and Fair.

Frühe Karriere

Lumet begann seine Karriere als Regisseur bei Off-Broadway-Produktionen und entwickelte sich dann zu einem hoch angesehenen Fernsehregisseur. Nach seiner Arbeit am Off-Broadway und in Sommerstudios begann er 1950 als Assistent seines Freundes und damaligen Regisseurs Yul Brynner mit der Regie beim Fernsehen. Aufgrund der hohen Fluktuation, die das Fernsehen erfordert, entwickelte er bald eine „blitzschnelle“ Methode für die Dreharbeiten. So führte er während seiner Arbeit für CBS bei Hunderten von Folgen von Danger (1950-55), Mama (1949-57) und You Are There (1953-57) Regie, einer wöchentlichen Serie, in der Walter Cronkite in einem seiner ersten Fernsehauftritte zu sehen war. Lumet wählte Cronkite für die Rolle des Moderators aus, „weil die Prämisse der Sendung so albern und unverschämt war, dass wir jemanden brauchten, der die amerikanischste, hausbackenste und warmherzigste Ausstrahlung hatte“, so Lumet.

Er führte auch Regie bei Originalstücken für Playhouse 90, Kraft Television Theatre und Studio One und inszenierte rund 200 Episoden, was ihn laut Turner Classic Movies als „einen der produktivsten und angesehensten Regisseure der Branche“ etablierte. Seine Fähigkeit, während der Dreharbeiten schnell zu arbeiten, übertrug sich auch auf seine Filmkarriere. Da die Qualität vieler seiner Fernsehdramen so beeindruckend war, wurden einige von ihnen später als Kinofilme adaptiert.

Sein erster Film, 12 Angry Men (1957), der auf einem CBS-Theaterstück basiert, war ein vielversprechender Anfang für Lumet. Der Film war ein großer Erfolg bei den Kritikern und etablierte ihn als einen Regisseur, der es verstand, Stoffe aus anderen Medien für Filme zu adaptieren. Mehr als die Hälfte von Lumets Filmen entstand im Theater.

Eine kontroverse Fernsehsendung, bei der er 1960 Regie führte, machte ihn bekannt: The Sacco-Vanzetti Story auf NBC. Nach Angaben der New York Times wurde das Drama vom Bundesstaat Massachusetts (wo Sacco und Vanzetti verurteilt und hingerichtet wurden) angefeindet, weil man glaubte, dass die verurteilten Mörder in Wirklichkeit völlig unschuldig waren. Die daraus resultierende Kontroverse hat Lumet jedoch mehr genützt als geschadet, denn sie brachte ihm mehrere prestigeträchtige Filmaufträge ein.

Er begann mit der Adaption klassischer Theaterstücke für Film und Fernsehen und führte Regie bei Marlon Brando, Joanne Woodward und Anna Magnani in dem Spielfilm The Fugitive Kind (1959), der auf dem Stück Orpheus Descending von Tennessee Williams basiert. Später führte er Regie bei einer Live-Fernsehfassung von Eugene O’Neills The Iceman Cometh, auf die sein Film A View from the Bridge (1962) folgte, ein weiteres psychologisches Drama nach einem Stück von Arthur Miller. Es folgte eine weitere Verfilmung eines Theaterstücks von Eugene O’Neill, Long Day’s Journey into Night (ebenfalls 1962), bei der Katharine Hepburn für ihre Darstellung einer drogenabhängigen Hausfrau eine Oscar-Nominierung erhielt; die vier Hauptdarsteller räumten bei den Filmfestspielen von Cannes 1962 die meisten Preise ab. Außerdem wurde er von der New York Times zu einem der „Zehn besten Filme“ des Jahres gewählt.

Realismus und energischer Stil

Der Filmkritiker Owen Gleiberman hat festgestellt, dass Lumet ein „hartgesottener, geradliniger Schütze“ war, der aufgrund seiner Ausbildung während des goldenen Zeitalters des Fernsehens in den 1950er Jahren für seinen energiegeladenen Regiestil bekannt wurde. Die Worte „Sidney Lumet“ und „Energie“, fügt er hinzu, wurden zu Synonymen: „Die Energie war auch in den ruhigsten Momenten da. Es war eine innere Energie, ein Summen der Existenz, das Lumet in den Menschen beobachtete und aus ihnen herausholte… er ging in die New Yorker Straßen… er machte sie elektrisch:

Es war die Energie der Arbeiterklasse in den Außenbezirken. Lumets Straßen waren genauso fies wie die von Scorsese, aber Lumet wirkte eher schlicht als poetisch. Er kanalisierte diese skeptische New Yorker Vitalität mit einer so natürlichen Kraft, dass man leicht übersehen konnte, worum es bei dieser Leistung wirklich ging. Er hat diese New Yorker Atmosphäre wie kein anderer eingefangen, weil er sie gesehen, gelebt und geatmet hat – aber dann musste er hinausgehen und sie inszenieren oder neu erschaffen, fast so, als ob er einen Dokumentarfilm inszenieren würde, indem er seine Schauspieler wie zufällige Raubtiere aufeinander losgehen ließ und auf möglichst natürlichem Licht bestand, Er ließ die Büros so hässlich und bürokratisch aussehen, wie sie waren, weil er wusste, dass sie nicht einfach nur Büros waren, sondern Verstecke, und dass es eine tiefere Intensität, fast eine Art von Schönheit gab, wenn man die Grobheit der Realität so einfing, wie sie wirklich aussah.

Zusammenarbeit

Lumet bestand generell auf dem gemeinschaftlichen Charakter des Films und machte sich manchmal über die Dominanz des „persönlichen“ Regisseurs lustig, schreibt der Filmhistoriker Frank P. Cunningham. Infolgedessen wurde Lumet sowohl bei Schauspielern als auch bei Kameraleuten für seine Offenheit bekannt, kreative Ideen mit dem Autor, dem Schauspieler und anderen Künstlern zu teilen. Lumet „ist unübertroffen, wenn es darum geht, hervorragende Schauspieler zu dirigieren“, fügt Cunningham hinzu, von denen viele vom Theater kamen. Er konnte Schauspielern wie Ralph Richardson, Marlon Brando, Richard Burton, Katharine Hepburn, James Mason, Sophia Loren, Geraldine Fitzgerald, Blythe Danner, Rod Steiger, Vanessa Redgrave, Paul Newman, Sean Connery, Henry Fonda, Dustin Hoffman, Albert Finney, Simone Signoret und Anne Bancroft starke Leistungen entlocken. „Gib ihm einen guten Schauspieler, und er könnte den großen Schauspieler finden, der in ihm schlummert“, schrieb der Filmkritiker Mick LaSalle.

Wenn es nötig war, wählte Lumet unausgebildete Schauspieler, erklärte aber: „In über neunzig Prozent der Fälle will ich die besten Leute, die ich kriegen kann: Schauspieler, Autoren, Beleuchter, Kameraleute, Requisiteure.“ Wenn er jedoch weniger erfahrene Schauspieler einsetzte, konnte er dennoch hervorragende und denkwürdige schauspielerische Leistungen hervorbringen. Dies gelang ihm mit Nick Nolte, Anthony Perkins, Armand Assante, Jane Fonda, Faye Dunaway, Timothy Hutton und Ali MacGraw, die ihn selbst als „den Traum eines jeden Schauspielers“ bezeichnete. Nach Meinung von Fonda war er „ein Meister. Er beherrschte sein Handwerk so gut. Er hatte starke, fortschrittliche Werte und hat sie nie verraten.“

Lumet war der Ansicht, dass Filme eine Kunst sind und dass „die Aufmerksamkeit, die man Filmen schenkt, in direktem Zusammenhang mit der Qualität der Bilder steht.“ Da er seine Karriere als Schauspieler begann, wurde er als „Schauspieler-Regisseur“ bekannt und arbeitete im Laufe der Jahre mit den besten von ihnen zusammen, eine Liste, die wahrscheinlich von keinem anderen Regisseur erreicht wird. Der Schauspielwissenschaftler Frank P. Tomasulo stimmt dem zu und weist darauf hin, dass viele Regisseure, die in der Lage sind, die Schauspielerei aus der Perspektive eines Schauspielers zu verstehen, alle „großartige Kommunikatoren“ waren.

Den Filmhistorikern Gerald Mast und Bruce Kawin zufolge hat Lumets „Sensibilität für Schauspieler und den Rhythmus der Stadt ihn zu Amerikas langlebigstem Nachfahren der neorealistischen Tradition der 1950er Jahre und ihrer dringenden Verpflichtung zu ethischer Verantwortung gemacht“. Sie zitieren seinen frühen Film The Hill (1965) als „einen der politisch und moralisch radikalsten Filme der 1960er Jahre“. Sie fügen hinzu, dass hinter den sozialen Konflikten in Lumets Filmen die „Überzeugung steht, dass Liebe und Vernunft in menschlichen Angelegenheiten schließlich siegen werden“ und dass „Recht und Gerechtigkeit schließlich gewahrt werden – oder auch nicht“. Sein Debütfilm, Zwölf wütende Männer, war seinerzeit ein gefeierter Film, der in den 1950er Jahren ein Modell für liberale Vernunft und Gemeinschaft darstellte. Der Film und Lumet wurden für den Oscar nominiert, und er wurde für den Director’s Guild Award nominiert, und der Film wurde von der Kritik hoch gelobt.

In der Encyclopedia of World Biography heißt es, dass in seinen Filmen häufig Schauspieler mitwirkten, die „Method acting“ studiert hatten und sich durch einen erdigen, introspektiven Stil auszeichneten. Ein führendes Beispiel für solche „Method“-Schauspieler ist Al Pacino, der zu Beginn seiner Karriere bei dem „Method“-Schauspielguru Lee Strasberg studierte. Lumet bevorzugte auch den Anschein von Spontaneität sowohl bei seinen Schauspielern als auch bei den Schauplätzen, was seinen Filmen ein improvisiertes Aussehen verlieh, da er einen Großteil seiner Arbeit vor Ort drehte.

Proben und Vorbereitung

Lumet glaubte fest an das Proben und war der Meinung, dass der Schauspieler seine Spontaneität nicht verliert, wenn er richtig probt. Laut dem Schauspielautor Ian Bernard war er der Meinung, dass die Schauspieler dadurch den „gesamten Bogen der Rolle“ kennenlernen, was ihnen die Freiheit gibt, den „magischen Zufall“ zu finden. Auf die Frage des Regisseurs Peter Bogdanovich, ob er vor den Dreharbeiten ausgiebig geprobt habe, antwortete Lumet, dass er gerne mindestens zwei Wochen vor den Dreharbeiten probe. Während dieser Wochen, erinnert sich Faye Dunaway, die in Network (1976) mitspielte, blockierte er auch die Szenen mit seinem Kameramann. Als Ergebnis, fügt sie hinzu, „wird keine Minute verschwendet, während er dreht, und das zeigt sich nicht nur am Budget des Studios, sondern auch an der Dynamik der Darbietung“. Sie lobt seinen Regiestil in Network, für den sie ihren einzigen Academy Award gewann:

Sidney ist einer der, wenn nicht der talentierteste und professionellste Mann der Welt… und die Rolle in Network war eine der glücklichsten Erfahrungen, die ich je gemacht habe… Er ist ein wirklich begabter Mann, der viel zu meiner Leistung beigetragen hat.

Auch weil seine Schauspieler gut einstudiert waren, konnte er eine Produktion in kurzer Zeit abwickeln, so dass seine Produktionen ihr bescheidenes Budget einhielten. Bei den Dreharbeiten zu Prince of the City (1981) zum Beispiel konnte er die gesamten Dreharbeiten in 52 Tagen koordinieren, obwohl es über 130 Sprechrollen und 135 verschiedene Drehorte gab. Infolgedessen, so schreiben die Historiker Charles Harpole und Thomas Schatz, arbeiteten die Darsteller gerne mit ihm zusammen, da sie ihn für einen „hervorragenden Regisseur von Schauspielern“ hielten. Der Star des Films, Treat Williams, sagte, Lumet sei dafür bekannt, „energisch“ zu sein:

Er war einfach ein Feuerball. Er war leidenschaftlich bei der Sache, und er „kam zur Arbeit“ mit allen Fässern in der Hand. Er ist wahrscheinlich der am besten vorbereitete Regisseur, mit dem ich je gearbeitet habe. Seine Filme wurden immer unter dem Zeitplan und unter dem Budget fertig. Und alle waren zum Abendessen zu Hause.

Harpole fügt hinzu, dass „während viele Regisseure Proben oder die Beratung von Schauspielern bei der Entwicklung ihres Charakters ablehnten, Lumet beides hervorragend beherrschte“. So konnte er seinen Darstellern leichter ein filmisches Schaufenster für ihre Fähigkeiten bieten und ihnen helfen, ihre schauspielerische Leistung zu vertiefen. Der Schauspieler Christopher Reeve, der in Deathtrap (1982) mitspielte, wies ebenfalls darauf hin, dass Lumet es verstand, eine technische Sprache zu sprechen: „Wenn man so arbeiten will – er weiß, wie man über Methode spricht, er weiß, wie man improvisiert, und er macht das alles gleichermaßen gut.“

Joanna Rapf schreibt über die Dreharbeiten zu The Verdict (1982), dass Lumet seinen Schauspielern viel persönliche Aufmerksamkeit schenkte, sei es, dass er ihnen zuhörte oder sie berührte. Sie beschreibt, wie Lumet und der Hauptdarsteller Paul Newman auf einer Bank saßen, die von der Hauptkulisse abgetrennt war, wo Newman seine Schuhe ausgezogen hatte, um unter vier Augen eine wichtige Szene zu besprechen, die gedreht werden sollte… die Schauspieler gehen ihre Szenen durch, bevor die Kamera läuft. Diese Vorbereitung erfolgte, weil Lumet eine Szene gerne in einem, höchstens zwei Takes dreht. Newman nannte ihn gerne „Speedy Gonzales“ und fügte hinzu, dass Lumet nicht mehr dreht als er muss. „Er nimmt sich selbst nicht in Schutz. Ich weiß, ich würde es tun“, sagte Newman.

Die Filmkritikerin Betsey Sharkey stimmt dem zu und fügt hinzu, dass „er ein Maestro von ein oder zwei Einstellungen war, Jahre bevor Clint Eastwood dies zu einer angesehenen Spezialität machte“. Sharkey erinnert sich: „Dunaway sagte mir einmal, dass Lumet so schnell arbeitete, als ob er auf Rollschuhen unterwegs wäre. Ein rasender Puls, erzeugt durch ein großes Herz.“

Entwicklung des Charakters

Die Biografin Joanna Rapf bemerkt, dass Lumet immer ein unabhängiger Regisseur war und gerne Filme über „Männer, die den Mut aufbringen, das System herauszufordern, über den kleinen Mann gegen das System“ drehte: Intro Dazu gehören auch Frauenfiguren wie in Garbo Talks (1984). Dessen Star, Anne Bancroft, verkörperte die Art von Charakterdarstellung, die ihn ansprach: „eine engagierte Aktivistin für alle möglichen Anliegen, die sich für die Rechte der Unterdrückten einsetzt, die lebendig, offen und mutig ist, die sich weigert, sich um der Bequemlichkeit willen anzupassen, und deren Verständnis vom Leben ihr erlaubt, in Würde zu sterben … Garbo Talks ist in vielerlei Hinsicht ein Valentinsgruß an New York.“

In einem Interview aus dem Jahr 2006 sagte er, er sei immer „fasziniert gewesen von den menschlichen Kosten, die entstehen, wenn man seinen Leidenschaften und Verpflichtungen folgt, und von den Kosten, die diese Leidenschaften und Verpflichtungen anderen auferlegen“. Dieses Thema stehe im Mittelpunkt der meisten seiner Filme, so Rapf, etwa in seinen Filmen über die Korruption im New York City Police Department oder in Familiendramen wie Daniel (1983).

Psychodramen

Der Filmhistoriker Stephen Bowles ist der Meinung, dass Lumet sich als Regisseur von ernsthaften Psychodramen im Gegensatz zu leichten Unterhaltungsfilmen am wohlsten fühlte und am effektivsten war. Seine Oscar-Nominierungen waren beispielsweise alle für Charakterstudien von Männern in Krisen, von seinem ersten Film, Zwölf wütende Männer, bis zu Das Urteil. Lumet zeichnete sich dadurch aus, dass er Dramen auf die Leinwand brachte. Die meisten seiner Figuren werden von Obsessionen oder Leidenschaften angetrieben, wie dem Streben nach Gerechtigkeit, Ehrlichkeit und Wahrheit, oder Eifersucht, Erinnerung oder Schuld. Lumet war von obsessiven Zuständen fasziniert, schreibt Bowles.

Lumets Protagonisten sind in der Regel Antihelden, isolierte und unauffällige Männer, die sich gegen eine Gruppe oder eine Institution auflehnen. Das wichtigste Kriterium für Lumet war nicht einfach, ob die Handlungen der Menschen richtig oder falsch sind, sondern ob sie echt und durch das Gewissen des Einzelnen gerechtfertigt sind. Der Whistleblower Frank Serpico zum Beispiel ist der Held schlechthin für Lumet, den er als „Rebell mit einer Sache“ bezeichnete.

Ein früheres Beispiel für ein Psychodrama war The Pawnbroker (1964) mit Rod Steiger in der Hauptrolle. Darin spielte Steiger einen Holocaust-Überlebenden, dessen Geist gebrochen wurde und der als Pfandleiher in Harlem sein tägliches Brot verdient. Lumet nutzte den Film, um in Rückblenden die psychologischen und geistigen Narben zu untersuchen, mit denen Steigers Figur lebt, einschließlich seiner verlorenen Fähigkeit, Freude zu empfinden. Steiger, der fast 80 Filme drehte, sagte in einem Fernsehinterview, der Film sei sein Lieblingsfilm als Schauspieler.

Fragen der sozialen Gerechtigkeit

Serpico (1973) war der erste von vier „bahnbrechenden“ Filmen, die Lumet in den 1970er Jahren drehte und die ihn als „einen der größten Filmemacher seiner Generation“ auszeichneten. Es ist die Geschichte von Macht und Verrat in der New Yorker Polizei, in der ein idealistischer Polizist gegen unmögliche Chancen ankämpft.

Als Kind während der Depression wuchs Lumet in New York City in ärmlichen Verhältnissen auf und wurde Zeuge von Armut und Korruption in seinem Umfeld. Dies vermittelte ihm schon früh die Bedeutung von Gerechtigkeit für eine Demokratie, ein Thema, das er in seinen Filmen zu vermitteln versuchte. Er gab jedoch zu, dass er nicht glaubt, dass das Filmgeschäft selbst die Macht hat, etwas zu verändern. „Es gibt, wie er sagt, eine Menge ‚Scheiße‘, mit der man in der Unterhaltungsindustrie zu tun hat, aber das Geheimnis guter Arbeit besteht darin, seine Ehrlichkeit und seine Leidenschaft zu bewahren.“ Der Filmhistoriker David Thomson schreibt über seine Filme:

Er hat konstante Themen: die Zerbrechlichkeit der Gerechtigkeit und die Polizei und ihre Korruption. Lumet wurde schnell geschätzt … bekam eine Gewohnheit für große Themen – Fail Safe, The Pawnbroker, The Hill, – und schien zwischen Dumpfheit und Pathos zerrissen. … Er war die Seltenheit der 1970er Jahre, ein Regisseur, der sich gerne in den Dienst seines Stoffes stellte – und doch schien er davon nicht berührt oder verändert zu werden. … Seine Sensibilität für die Schauspieler und den Rhythmus der Stadt haben ihn zu „Amerikas langlebigstem Nachfahren der neorealistischen Tradition der 1950er Jahre und ihrer dringenden Verpflichtung zu ethischer Verantwortung“ gemacht.

Einstellungen in New York City

Lumet zog es immer vor, in New York City zu arbeiten und mied die Dominanz von Hollywood. Als Regisseur wurde er stark mit New York City identifiziert. „Ich bin immer gerne in der Welt von Woody Allen“, sagte er. Er behauptete, dass „die Vielfalt der Stadt, ihre vielen ethnischen Viertel, ihre Kunst und ihr Verbrechen, ihre Kultiviertheit und ihre Korruption, ihre Schönheit und ihre Hässlichkeit ihn inspirieren“. Seiner Meinung nach ist es wichtig, sich täglich mit der Realität zu konfrontieren, um etwas zu schaffen. Für Lumet ist „New York voller Realität; Hollywood ist ein Fantasieland“.

Er nutzte New York City immer wieder als Kulisse – wenn nicht gar als Symbol – für seine „Beschäftigung mit Amerikas Niedergang“, so die Filmhistoriker Scott und Barbara Siegel. Lumet fühlte sich zu Kriminalgeschichten vor der Kulisse von New York City hingezogen, in denen die Kriminellen in einen Strudel von Ereignissen geraten, die sie weder verstehen noch kontrollieren können, sondern zu deren Lösung sie gezwungen sind.

Verwendung von zeitgenössischen jüdischen Themen

Wie andere jüdische Regisseure aus New York, z. B. Woody Allen, Mel Brooks und Paul Mazursky, sprachen Lumets Figuren oft offen über kontroverse Themen der Zeit. Sie fühlten sich als Filmemacher nicht eingeschränkt, und ihre Kunst wurde „durch ihr jüdisches Bewusstsein gefiltert“, schrieb der Filmhistoriker David Desser. Wie die anderen wandte sich auch Lumet manchmal jüdischen Themen zu, um eine ethnische Sensibilität zu entwickeln, die für die zeitgenössische amerikanische Kultur charakteristisch war: 3 indem er deren „einzigartige Spannungen und kulturelle Vielfalt“ dynamisch hervorhob. Dies spiegelte sich zum Teil in Lumets Beschäftigung mit dem Stadtleben wider: 6 Sein Film A Stranger Among Us (1992) beispielsweise ist die Geschichte einer Undercover-Polizistin und ihrer Erfahrungen in einer chassidischen Gemeinde in New York City.

Das Thema „Schuld“, erklärt Desser, beherrscht viele von Lumets Filmen. Von seinem ersten Spielfilm, 12 Angry Men (1957), in dem eine Jury über die Schuld oder Unschuld eines jungen Mannes entscheiden muss, bis zu Q&A (1990), in dem ein Anwalt die Frage der Schuld und Verantwortung eines eigenwilligen Polizisten klären muss, zieht sich das Thema Schuld wie ein roter Faden durch viele seiner Filme. In einem Film wie Murder on the Orient Express (1974) sind alle Verdächtigen schuldig: 172

Seine Filme zeichneten sich auch durch eine starke Betonung des Familienlebens aus und zeigten oft Spannungen innerhalb der Familie: 172 Diese Betonung der Familie schloss „Ersatzfamilien“ ein, wie in der Polizei-Trilogie bestehend aus Serpico (1973), Prince of the City (1981) und Q & A. Eine „untraditionelle Familie“ wird auch in Dog Day Afternoon (1975) dargestellt: 172

Techniken der Regieführung

Lumet habe immer den Naturalismus oder Realismus bevorzugt, so Joanna Rapf. Er mochte den „Dekorateur-Look“ nicht, bei dem die Kamera die Aufmerksamkeit auf sich ziehen konnte. Er schnitt seine Filme so, dass die Kamera unauffällig war. Sein Kameramann Ron Fortunato sagte: „Sidney flippt aus, wenn er einen Look sieht, der zu künstlich ist.

Auch weil er bereit und in der Lage war, sich mit so vielen bedeutenden sozialen Themen und Problemen zu befassen, erzielte er starke Leistungen von Hauptdarstellern und gute Arbeit von Charakterdarstellern. Er ist „eine der unverrückbaren Figuren des New Yorker Filmschaffens. Er hält sich an gute Drehbücher, wenn er sie bekommt“, sagte Kritiker David Thomson. Obwohl die Kritiker seine Filme unterschiedlich beurteilten, wird Lumets Werk im Allgemeinen sehr geschätzt. Die meisten Kritiker beschreiben ihn als einen sensiblen und intelligenten Regisseur mit gutem Geschmack, Mut zum Experimentieren und einer „Gabe, mit Schauspielern umzugehen“.

In einem Zitat aus seinem Buch betonte Lumet die Logistik der Regiearbeit:

Jemand hat mich einmal gefragt, wie es ist, einen Film zu machen. Ich sagte, es sei wie die Herstellung eines Mosaiks. Jede Einstellung ist wie ein winziges Plättchen (eine Einstellung, der Grundbestandteil einer Filmproduktion, besteht aus einer Kameraposition und der dazugehörigen Beleuchtung). Man färbt es ein, formt es, poliert es so gut man kann. Man macht sechs- oder siebenhundert davon, vielleicht auch tausend. (In einem Film kann es leicht so viele Einstellungen geben.) Dann setzt man sie buchstäblich zusammen und hofft, dass es das ist, was man sich vorgenommen hat.

Kritiker Justin Chang fügt hinzu, dass Lumets Geschick als Regisseur und bei der Entwicklung starker Geschichten bis zu seinem letzten Film im Jahr 2007 anhielt. Er schreibt über sein „feines Gespür für Darsteller, seine Fähigkeit, ihnen mit der einen Hand große Wärme und spritzigen Humor zu entlocken und sie mit der anderen Hand zu immer dunkleren, qualvolleren Gefühlsextremen zu überreden, was in seinem ironisch betitelten letzten Film Before the Devil Knows You’re Dead auf erfreuliche Weise zur Schau gestellt wurde“.

Visionen für zukünftige Filme

In einem Interview mit dem New York Magazine sagte er, er erwarte, dass mehr Regisseure mit verschiedenen ethnischen Hintergründen und Gemeinschaften ihre Geschichten erzählen. „Ich habe damit angefangen, Filme über Juden, Italiener und Iren zu machen, weil ich nichts anderes kannte.

Lumet wurde von der Academy of Motion Picture Arts and Sciences für die folgenden Filme ausgezeichnet:

Lumet erhielt außerdem den Goldenen Bären der Internationalen Filmfestspiele Berlin für 12 Angry Men. Er erhielt vier Nominierungen für die Goldene Palme der Filmfestspiele von Cannes für die Filme Long Day’s Journey into Night (1962), The Hill (1965), The Appointment (1969) und A Stranger Among Us (1992). Außerdem erhielt er eine Nominierung für den Goldenen Löwen des Filmfestivals von Venedig für Prince of the City (1981).

Dem Filmhistoriker Bowles zufolge ist es Lumet unter anderem deshalb gelungen, ein führender Filmemacher von Dramen zu werden, weil „sein wichtigstes Kriterium nicht ist, ob die Handlungen seiner Protagonisten richtig oder falsch sind, sondern ob ihre Handlungen echt sind“. Und wenn diese Handlungen „durch das Gewissen des Einzelnen gerechtfertigt sind, verleiht dies seinen Helden ungewöhnliche Stärke und Mut, um den Druck, den Missbrauch und die Ungerechtigkeiten anderer zu ertragen.“ Auf diese Weise haben uns seine Filme immer wieder den „Quintessenz-Helden beschert, der sich der Autorität der Peer-Group widersetzt und seinen eigenen moralischen Wertekodex durchsetzt.“

Lumets veröffentlichte Memoiren über sein Leben beim Film, Making Movies (1996), sind „extrem unbeschwert und ansteckend in ihrem Enthusiasmus für das Handwerk des Filmemachens selbst“, schreibt Bowles, „und stehen in deutlichem Kontrast zum Ton und Stil der meisten seiner Filme. Lumets Markenzeichen als Regisseur ist vielleicht seine Arbeit mit den Schauspielern – und seine außergewöhnliche Fähigkeit, selbst aus den unerwartetsten Bereichen hochwertige, manchmal außergewöhnliche Leistungen herauszuholen“, stimmt Jake Coyle, ein Autor der Associated Press, zu: „Während Lumet jahrelang relativ wenig gewürdigt wurde, haben Schauspieler unter seiner Leitung immer wieder einige ihrer denkwürdigsten Leistungen erbracht. Von Katharine Hepburn bis Faye Dunaway, von Henry Fonda bis Paul Newman ist Lumet als Regisseur von Schauspielern bekannt“, und für einige, wie Ali MacGraw, ist er „der Traum eines jeden Schauspielers“.

In der Überzeugung, dass Lumets „fesselnde Geschichten und unvergessliche Darstellungen seine Stärke waren“, bezeichnete Regisseur und Produzent Steven Spielberg Lumet als „einen der größten Regisseure in der langen Geschichte des Films“. Al Pacino erklärte, als er von Lumets Tod erfuhr, dass er mit seinen Filmen „ein großes Erbe hinterlässt, aber mehr noch, für die Menschen, die ihm nahe standen, wird er der zivilisierteste Mensch und der freundlichste Mann bleiben, den ich je gekannt habe.“ Der Autor des Boston Herald, James Verniere, bemerkt: „In einer Zeit, in der die amerikanische Filmindustrie darauf bedacht ist, zu sehen, wie tief sie sinken kann, bleibt Sidney Lumet ein Meister des moralisch komplexen amerikanischen Dramas. Nach seinem Tod haben die New Yorker Regisseure Woody Allen und Martin Scorsese Lumet gewürdigt. Allen nannte ihn den „Inbegriff des New Yorker Filmemachers“, während Scorsese sagte, „unsere Vision der Stadt wurde durch Klassiker wie Serpico, Dog Day Afternoon und vor allem den bemerkenswerten Prince of the City erweitert und vertieft“. Lumet wurde auch vom New Yorker Bürgermeister Michael Bloomberg gelobt, der ihn als „einen der großen Chronisten unserer Stadt“ bezeichnete.

Er gewann keinen einzelnen Oscar, obwohl er 2005 einen Ehrenpreis der Akademie erhielt. 14 seiner Filme wurden für verschiedene Oscars nominiert, darunter Network, der für 10 nominiert war und 4 gewann. Im Jahr 2005 erhielt Lumet einen Academy Award für sein Lebenswerk für seine „brillanten Verdienste um Drehbuchautoren, Darsteller und die Kunst des Kinofilms“.

Wenige Monate nach Lumets Tod im April 2011 brachte der Fernsehkommentator Lawrence O’Donnell eine Hommage an Lumet, und im New Yorker Lincoln Center fand eine Retrospektive zu seinem Werk statt, an der zahlreiche Redner und Filmstars teilnahmen. Im Oktober 2011 verlieh die Organisation Human Rights First den „Sidney Lumet Award for Integrity in Entertainment“ für die Fernsehserie The Good Wife und zeichnete gleichzeitig zwei Aktivisten aus dem Nahen Osten aus, die sich für Freiheit und Demokratie eingesetzt hatten. Lumet hatte mit Human Rights First an einem Medienprojekt gearbeitet, bei dem es um die Darstellung von Folter und Verhören im Fernsehen ging.

Lumet war viermal verheiratet; die ersten drei Ehen endeten mit einer Scheidung. Von 1949 bis 1955 war er mit der Schauspielerin Rita Gam verheiratet, von 1956 bis 1963 mit der Künstlerin und Erbin Gloria Vanderbilt und von 1980 bis zu seinem Tod mit Gail Jones (und Mary Bailey Gimbel, der Ex-Frau von Peter Gimbel). Mit Jones hatte er zwei Töchter: Amy, die von 1990 bis 1993 mit P.J. O’Rourke verheiratet war, und die Schauspielerin

Lumet starb im Alter von 86 Jahren am 9. April 2011 in seinem Haus in Manhattan an einem Lymphom. Als er 1997 in einem Interview gefragt wurde, wie er „abtreten“ wolle, antwortete Lumet: „Ich denke nicht darüber nach. Ich bin nicht religiös. Ich weiß nur, dass ich keinen Platz mehr einnehmen will. Verbrennt mich und verstreut meine Asche über Katz’s Delicatessen.“

Quellen

1. Sidney Lumet
2. Sidney Lumet
3. ^ „Say How: L“. National Library Service for the Blind and Print Disabled. Retrieved June 20, 2022.
4. ^ „Director Sidney Lumet wins honorary Oscar“. Entertainment Weekly. Retrieved May 29, 2021.
5. ^ a b Siegel, Scott and Barbara. The Encyclopedia of Hollywood (2004) Checkmark Books, 256
6. ^ Ebert, Roger. „Sidney Lumet: In memory“ Chicago Sun Times, April 9, 2011
7. vgl. Pflaum, H. G.: Im Zweifel gegen den Ankläger. In: Süddeutsche Zeitung, 18. Juni 1997, S. 14.
8. a b c d vgl. Sidney Lumet. In: Internationales Biographisches Archiv 23/2009 vom 2. Juni 2009 (aufgerufen am 10. April 2011 via Munzinger Online).
9. a b c d vgl. Coyle, Jake: US filmmaking great Sidney Lumet dies in NY at 86. The Associated Press State & Local Wire, 10. April 2011, 3:07 AM GMT (aufgerufen via LexisNexis Wirtschaft).
10. «Obituary: Sidney Lumet». BBC News. 9 de abril de 2011. Consultado el 19 de septiembre de 2022.
11. «Film Obituaries; Sidney Lumet». The Daily Telegraph (London). 9 de abril de 2011. Archivado desde el original el 11 de enero de 2022. Consultado el 19 de septiembre de 2022.
12. Ανακτήθηκε στις 10  Ιουλίου 2019.
13. Ανακτήθηκε στις 4  Μαρτίου 2021.
14. Ανακτήθηκε στις 11  Δεκεμβρίου 2020.