Sol LeWitt
gigatos | Februar 2, 2022
Zusammenfassung
Solomon „Sol“ LeWitt (9. September 1928 – 8. April 2007) war ein amerikanischer Künstler, der mit verschiedenen Bewegungen verbunden war, darunter Konzeptkunst und Minimalismus.
LeWitt wurde in den späten 1960er Jahren mit seinen Wandzeichnungen und „Strukturen“ (ein Begriff, den er anstelle von „Skulpturen“ bevorzugte) berühmt, war jedoch in einer Vielzahl von Medien produktiv, darunter Zeichnung, Druckgrafik, Fotografie, Malerei, Installation und Künstlerbücher. Seit 1965 wurden seine Werke in Hunderten von Einzelausstellungen in Museen und Galerien auf der ganzen Welt gezeigt. Die erste Biografie des Künstlers, Sol LeWitt: A Life of Ideas, von Lary Bloom, wurde im Frühjahr 2019 von Wesleyan University Press veröffentlicht.
LeWitt wurde in Hartford, Connecticut, in einer Familie jüdischer Einwanderer aus Russland geboren. Seine Mutter nahm ihn zu Kunstkursen am Wadsworth Atheneum in Hartford mit. Nach seinem BFA-Abschluss an der Syracuse University im Jahr 1949 reiste LeWitt nach Europa, wo er die Gemälde Alter Meister kennenlernte. Kurz darauf diente er im Koreakrieg, zunächst in Kalifornien, dann in Japan und schließlich in Korea. 1953 zog LeWitt nach New York City und richtete sich ein Atelier in der Lower East Side ein, in der alten aschkenasischen jüdischen Siedlung in der Hester Street. Während dieser Zeit studierte er an der School of Visual Arts und ging gleichzeitig seinem Interesse an Design bei der Zeitschrift Seventeen nach, wo er Paste-ups, mechanische Arbeiten und Fotokopien anfertigte. 1955 arbeitete er ein Jahr lang als Grafikdesigner im Büro des Architekten I.M. Pei. Zu dieser Zeit entdeckte LeWitt auch die Arbeit des Fotografen Eadweard Muybridge aus dem späten 19. Jahrhundert, dessen Studien zu Sequenz und Fortbewegung ihn schon früh beeinflussten. Diese Erfahrungen in Verbindung mit einem Einstiegsjob als nächtlicher Rezeptionist und Sekretär, den er 1960 im Museum of Modern Art (MoMA) in New York antrat, sollten LeWitts spätere Arbeit beeinflussen.
Zu LeWitts Kollegen im MoMA gehörten die Künstler Robert Ryman, Dan Flavin, Gene Beery und Robert Mangold sowie die spätere Kunstkritikerin und Schriftstellerin Lucy Lippard, die als Page in der Bibliothek arbeitete. Die berühmt gewordene Ausstellung „Sixteen Americans“ der Kuratorin Dorothy Canning Miller aus dem Jahr 1960 mit Werken von Jasper Johns, Robert Rauschenberg und Frank Stella löste in der Künstlergemeinschaft, mit der LeWitt zusammenarbeitete, eine Welle der Begeisterung und Diskussion aus. LeWitt schloss auch Freundschaft mit Hanne Darboven, Eva Hesse und Robert Smithson.
In den späten 1960er Jahren lehrte LeWitt an verschiedenen New Yorker Schulen, darunter die New York University und die School of Visual Arts. Im Jahr 1980 verließ LeWitt New York und ging nach Spoleto, Italien. Nach seiner Rückkehr in die Vereinigten Staaten in den späten 1980er Jahren ließ sich LeWitt in Chester, Connecticut, nieder. Er starb im Alter von 78 Jahren in New York an den Folgen einer Krebserkrankung.
LeWitt gilt als Begründer sowohl der Minimal- als auch der Konzeptkunst. Sein umfangreiches zwei- und dreidimensionales Werk reicht von Wandzeichnungen (von denen über 1200 ausgeführt wurden) über Hunderte von Arbeiten auf Papier bis hin zu Strukturen in Form von Türmen, Pyramiden, geometrischen Formen und Verläufen. Die Größe dieser Werke reicht von Büchern über Installationen in Galeriegröße bis hin zu monumentalen Werken für den Außenbereich. LeWitts erste serielle Skulpturen entstanden in den 1960er Jahren unter Verwendung der modularen Form des Quadrats in Anordnungen von unterschiedlicher visueller Komplexität. 1979 beteiligte sich LeWitt an der Gestaltung des Stücks Dance der Lucinda Childs Dance Company.
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Bildhauerei
In den frühen 1960er Jahren begann LeWitt, seine „Strukturen“ zu schaffen, ein Begriff, mit dem er seine dreidimensionalen Arbeiten bezeichnete. Seine häufige Verwendung offener, modularer Strukturen geht auf den Kubus zurück, eine Form, die das Denken des Künstlers von Anfang an beeinflusste. Nachdem er ein frühes Werk geschaffen hatte, das aus geschlossenen Holzobjekten bestand, die von Hand lackiert wurden, beschloss er Mitte der 1960er Jahre, „die Haut ganz zu entfernen und die Struktur freizulegen“. Diese skelettartige Form, der radikal vereinfachte offene Kubus, wurde zum Grundbaustein des dreidimensionalen Werks des Künstlers. Mitte der 1960er Jahre begann LeWitt, mit dem offenen Kubus zu arbeiten: zwölf gleiche lineare Elemente, die an acht Ecken zu einer Skelettstruktur verbunden sind. Ab 1969 konzipierte er viele seiner modularen Strukturen in großem Maßstab, die von industriellen Herstellern aus Aluminium oder Stahl gefertigt wurden. Mehrere von LeWits Würfelstrukturen befanden sich ungefähr auf Augenhöhe. In diesem Maßstab führte der Künstler körperliche Proportionen in seine grundlegende skulpturale Einheit ein.
Nach frühen Experimenten entschied sich LeWitt um 1965 für eine Standardversion seiner modularen Kuben: Der negative Raum zwischen den Balken stand im Verhältnis von 8,5:1 zum positiven Raum des skulpturalen Materials selbst, also 172{displaystyle {frac {17}{2}}}. Das Material sollte auch weiß statt schwarz gestrichen werden, um die „Expressivität“ der schwarzen Farbe früherer, ähnlicher Werke zu vermeiden. Sowohl das Verhältnis als auch die Farbe waren willkürliche ästhetische Entscheidungen, die jedoch in mehreren Werken, die für LeWitts „modulare Würfel“ typisch sind, konsequent verwendet wurden. Museen, die Exemplare von LeWitts modularen Würfelwerken besitzen, haben Unterrichtsvorschläge für den Grundschulunterricht veröffentlicht, die Kinder dazu anregen sollen, die mathematischen Eigenschaften der Kunstwerke zu untersuchen.
Ab Mitte der 1980er Jahre komponierte LeWitt einige seiner Skulpturen aus gestapelten Schlackenblöcken, wobei er immer noch Variationen innerhalb der selbst auferlegten Einschränkungen erzeugte. Zu dieser Zeit begann er, mit Betonblöcken zu arbeiten. 1985 wurde der erste Zementkubus in einem Park in Basel errichtet. Ab 1990 entwirft LeWitt mehrere Varianten eines Turms, der aus Betonblöcken gebaut wird. In Abkehr von seinem bekannten geometrischen Formenvokabular zeigen die Werke, die LeWitt Ende der 1990er Jahre realisierte, anschaulich das wachsende Interesse des Künstlers an eher zufälligen kurvigen Formen und stark gesättigten Farben.
2007 entwarf LeWitt 9 Towers, einen Kubus aus mehr als 1.000 hellen Ziegeln, der auf jeder Seite fünf Meter misst. Er wurde 2014 im Kivik Art Centre in Lilla Stenshuvud, Schweden, installiert.
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Wandzeichnungen
1968 begann LeWitt, Richtlinien oder einfache Diagramme für seine zweidimensionalen Werke zu entwerfen, die er direkt auf die Wand zeichnete, zunächst mit Graphit, dann mit Buntstift, später mit Farbstift und schließlich mit farbintensiven Tuschen, leuchtenden Acrylfarben und anderen Materialien. Seit er 1968 ein Kunstwerk für die Eröffnungsausstellung der Paula Cooper Gallery schuf, eine Ausstellung zu Gunsten des Student Mobilization Committee to End the War in Vietnam, wurden Tausende von LeWitts Zeichnungen direkt auf Wandflächen installiert. Zwischen 1969 und 1970 schuf er vier „Drawings Series“, die verschiedene Kombinationen des Grundelements präsentierten, das für viele seiner frühen Wandzeichnungen maßgeblich war. In jeder Serie wendete er ein anderes System der Veränderung auf jede der 24 möglichen Kombinationen eines in vier gleiche Teile geteilten Quadrats an, die jeweils eine der vier von LeWitt verwendeten Grundtypen von Linien (vertikal, horizontal, diagonal links und diagonal rechts) enthielten. Daraus ergeben sich vier mögliche Permutationen für jede der vierundzwanzig ursprünglichen Einheiten. Das in der Zeichnungsserie I verwendete System bezeichnete LeWitt als „Rotation“, in der Zeichnungsserie II als „Mirror“, in der Zeichnungsserie III als „Cross & Reverse Mirror“ und in der Zeichnungsserie IV als „Cross Reverse“.
Zeichnung an der Wand
LeWitt, der in den späten 1970er Jahren nach Spoleto, Italien, gezogen war, schrieb seinen Übergang von Graphitstift oder Buntstift zu lebhaften Tuschewaschungen seiner Begegnung mit den Fresken von Giotto, Masaccio und anderen frühen florentinischen Malern zu. In den späten 1990er und frühen 2000er Jahren schuf er stark gesättigte, farbenfrohe Acryl-Wandzeichnungen. Ihre Formen sind kurvenreich, spielerisch und scheinen fast zufällig zu sein, aber sie sind auch nach strengen Richtlinien gezeichnet. Die Bänder haben beispielsweise eine Standardbreite, und kein farbiger Abschnitt darf einen anderen Abschnitt der gleichen Farbe berühren.
Im Jahr 2005 begann LeWitt mit einer Serie von „Scribble“-Wandzeichnungen, die so genannt werden, weil die Zeichner Bereiche der Wand durch Kritzeln mit Graphit ausfüllen mussten. Die Kritzeleien werden in sechs verschiedenen Dichten ausgeführt, die auf den Diagrammen des Künstlers angegeben und dann in Form von Schnüren auf der Oberfläche der Wand aufgezeichnet werden. Die Abstufungen der Kritzeldichte erzeugen ein Kontinuum von Tönen, das drei Dimensionen andeutet. Die größte Scribble-Wandzeichnung, Wall Drawing
Entsprechend dem Prinzip seiner Arbeit werden LeWitts Wandzeichnungen meist von anderen Personen als dem Künstler selbst ausgeführt. Selbst nach seinem Tod werden diese Zeichnungen noch immer von Menschen angefertigt. Daher setzte er schließlich Teams von Assistenten ein, um solche Werke zu schaffen. LeWitt selbst schrieb 1971 über die Anfertigung von Wandzeichnungen, dass „jeder Mensch eine Linie anders zieht und jeder Mensch Worte anders versteht“. Zwischen 1968 und seinem Tod im Jahr 2007 schuf LeWitt mehr als 1.270 Wandzeichnungen. Die Wandzeichnungen, die vor Ort angefertigt werden, existieren in der Regel nur für die Dauer einer Ausstellung und werden dann zerstört, was dem Werk in seiner physischen Form eine flüchtige Qualität verleiht. Sie können installiert, entfernt und an einem anderen Ort wieder installiert werden, und zwar so oft, wie es für die Ausstellungszwecke erforderlich ist. Bei der Verlegung an einen anderen Ort kann die Anzahl der Wände nur so verändert werden, dass die Proportionen des ursprünglichen Diagramms erhalten bleiben.
Dauerhafte Wandmalereien von LeWitt befinden sich unter anderem im AXA Center, New York (Der Hauptsitz der Swiss Re in Armonk, New York, die Atlanta City Hall, Atlanta (Das Walter E. Washington Convention Center, Washington, DC (Die Albright-Knox Art Gallery, Buffalo (Die Columbus Circle Subway Station, New York; Das Jüdische Museum (Das Green Center for Physics am MIT, Cambridge (Das Wadsworth Atheneum; und John Pearson“s House, Oberlin, Ohio. Die letzte öffentliche Wandzeichnung des Künstlers, Wall Drawing
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Gouachen
In den 1980er Jahren, insbesondere nach einer Reise nach Italien, begann LeWitt mit Gouache, einer opaken Farbe auf Wasserbasis, frei fließende abstrakte Werke in kontrastreichen Farben zu schaffen. Diese stellten eine bedeutende Abweichung von seiner sonstigen Praxis dar, da er diese Werke mit seinen eigenen Händen schuf. LeWitts Gouachen entstehen oft in Serien, die auf einem bestimmten Motiv basieren. Zu den früheren Serien gehörten unregelmäßige Formen, parallele Kurven, verschnörkelte Pinselstriche und netzartige Gitter.
Obwohl diese lockere Komposition visuell eine Abweichung von seinen früheren, stärker geometrisch strukturierten Werken darstellte, entsprach sie doch seiner ursprünglichen künstlerischen Absicht. LeWitt fertigte von seinen Gouache-Kompositionen akribisch eigene Drucke an. 2012 kuratierte die Kunstberaterin Heidi Lee Komaromi die Ausstellung „Sol LeWitt: Works on Paper 1983-2003“, die die Vielfalt der Techniken zeigte, die LeWitt in den letzten Jahrzehnten seines Lebens auf Papier verwendete.
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Bücher von Künstlern
Ab 1966 führte LeWitts Interesse an der Serialität dazu, dass er im Laufe seiner Karriere mehr als 50 Künstlerbücher produzierte; viele Exemplare schenkte er später der Bibliothek des Wadsworth Athenaeum. 1976 half LeWitt mit Künstlerkollegen und Kritikern wie Lucy Lippard, Carol Androcchio, Amy Baker (Sandback), Edit DeAk, Mike Glier, Nancy Linn, Walter Robinson, Ingrid Sischy, Pat Steir, Mimi Wheeler, Robin White und Irena von Zahn bei der Gründung von Printed Matter, Inc, einem gewinnorientierten Kunstraum im Stadtteil Tribeca in New York City. LeWitt war ein Wegbereiter des „Künstlerbuchs“, ein Begriff, der für eine 1973 von Dianne Perry Vanderlip kuratierte Ausstellung am Moore College of Art and Design in Philadelphia geprägt wurde.
Printed Matter war eine der ersten Organisationen, die sich der Herstellung und dem Vertrieb von Künstlerbüchern widmete und Self-Publishing, Kleinverlage sowie Künstlernetzwerke und -kollektive einbezog. Für LeWitt und andere diente Printed Matter auch als Unterstützungssystem für Avantgarde-Künstler, indem es seine Rolle als Verleger, Ausstellungsraum, Einzelhandelsgeschäft und Gemeinschaftszentrum für die Kunstszene in der Innenstadt ausbalancierte und in diesem Sinne das Netzwerk aufstrebender Künstler nachahmte, das LeWitt als Mitarbeiter des Museum of Modern Art kannte und genoss.
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Architektur und Landschaftsgestaltung
LeWitt arbeitete mit dem Architekten Stephen Lloyd zusammen, um eine Synagoge für seine Gemeinde Beth Shalom Rodfe Zedek zu entwerfen; er konzipierte das „luftige“ Synagogengebäude mit seiner flachen Kuppel, die von „überschwänglichen hölzernen Dachbalken“ getragen wird, eine Hommage an die hölzernen Synagogen Osteuropas.
1981 wurde LeWitt von der Fairmount Park Art Association (heute bekannt als Association for Public Art) eingeladen, ein öffentliches Kunstwerk für einen Ort im Fairmount Park vorzuschlagen. Er wählte das lange, rechteckige Grundstück, das als Reilly Memorial bekannt ist, und reichte eine Zeichnung mit Anweisungen ein. Das 2011 installierte Werk Lines in Four Directions in Flowers besteht aus mehr als 7.000 Pflanzen, die in strategisch angeordneten Reihen gepflanzt wurden. In seinem ursprünglichen Vorschlag plante der Künstler eine Installation von Blumenbepflanzungen in vier verschiedenen Farben (weiß, gelb, rot und blau) in vier gleichen rechteckigen Bereichen, in Reihen von vier Richtungen (vertikal, horizontal, diagonal rechts und links), die von immergrünen Hecken von etwa 2“ Höhe eingerahmt werden, wobei jeder Farbblock vier bis fünf Arten umfasst, die nacheinander blühen.
Im Jahr 2004 wurde die Skulptur Six Curved Walls am Hang des Crouse College auf dem Campus der Syracuse University installiert. Die Skulptur aus Betonblöcken besteht aus sechs wellenförmigen Wänden, die jeweils 12 Fuß hoch sind, und erstreckt sich über 140 Fuß. Die Skulptur wurde anlässlich der Amtseinführung von Nancy Cantor als 11. Kanzlerin der Syracuse University entworfen und errichtet.
Seit den frühen 1960er Jahren haben er und seine Frau Carol Androccio durch Ankäufe, Tauschgeschäfte mit anderen Künstlern und Händlern oder durch Schenkungen fast 9.000 Kunstwerke zusammengetragen. Auf diese Weise erwarb er Werke von rund 750 Künstlern, darunter Flavin, Ryman, Hanne Darboven, Eva Hesse, Donald Judd, On Kawara, Carl Andre, Dan Graham, Hans Haacke, Gerhard Richter und andere. Im Jahr 2007 wurden in der Ausstellung „Selections from The LeWitt Collection“ im Weatherspoon Art Museum rund 100 Gemälde, Skulpturen, Zeichnungen, Drucke und Fotografien gezeigt, darunter Werke von Andre, Alice Aycock, Bernd und Hilla Becher, Jan Dibbets, Jackie Ferrara, Gilbert und George, Alex Katz, Robert Mangold, Brice Marden, Mario Merz, Shirin Neshat, Pat Steir und vielen anderen Künstlern.
LeWitts Werke wurden erstmals 1964 in einer von Dan Flavin kuratierten Gruppenausstellung in der Kaymar Gallery, New York, öffentlich ausgestellt. 1965 erhielt er in der John Daniels Gallery von Dan Graham seine erste Einzelausstellung. 1966 nahm er an der Ausstellung „Primary Structures“ im Jüdischen Museum in New York teil (eine bahnbrechende Ausstellung, die dazu beitrug, die minimalistische Bewegung zu definieren) und reichte einen unbetitelten, offenen modularen Kubus aus 9 Einheiten ein. Im selben Jahr wurde er in die Ausstellung „10“ in der Dwan Gallery in New York aufgenommen. Später wurde er von Harald Szeemann eingeladen, 1969 an der Ausstellung „When Attitude Becomes Form“ in der Kunsthalle Bern, Schweiz, teilzunehmen. In einem Interview aus dem Jahr 1993 sagte LeWitt über diese Jahre: „Ich beschloss, Farbe oder Form zurücktreten zu lassen und dreidimensional vorzugehen.“
Das Gemeentemuseum in Den Haag präsentierte 1970 seine erste Retrospektive, und 1978 wurde sein Werk in einer großen Retrospektive im Museum of Modern Art, New York, in der Mitte seiner Karriere gezeigt. 1972
2006 wurde LeWitts Drawing Series… im Dia:Beacon ausgestellt und war den Zeichnungen des Konzeptkünstlers aus den 1970er Jahren gewidmet. Zeichner und Assistenten zeichneten mit Graphit, Farbstift, Buntstift und Kreide direkt auf die Wände. Die Arbeiten basierten auf LeWitts komplexen Prinzipien, die die Beschränkungen der Leinwand für umfangreichere Konstruktionen aufhoben.
„Sol LeWitt: A Wall Drawing Retrospective“, eine Zusammenarbeit zwischen der Yale University Art Gallery (YUAG), dem MASS MoCA (Massachusetts Museum of Contemporary Art) und dem Williams College Museum of Art (WCMA), wurde 2008 im MASS MoCA in North Adams, Massachusetts, der Öffentlichkeit zugänglich gemacht. Die Ausstellung wird 25 Jahre lang zu sehen sein und befindet sich in einem dreistöckigen, 2 500 m2 großen historischen Mühlengebäude im Herzen des Campus des MASS MoCA, das von Bruner vollständig restauriert wurde.
Darüber hinaus war der Künstler Gegenstand von Ausstellungen im P.S. 1 Contemporary Center in Long Island City, in der Addison Gallery of American Art in Andover und im Wadsworth Atheneum Museum of Art in Hartford (Incomplete Cubes), die in drei Kunstmuseen in den Vereinigten Staaten gezeigt wurden. Zum Zeitpunkt seines Todes hatte LeWitt gerade eine Retrospektive seines Werks im Allen Memorial Art Museum in Oberlin, Ohio, organisiert, die in Neapel Sol LeWitt. L“artista e i suoi artisti wurde am 15. Dezember 2012 im Museo Madre eröffnet und läuft bis zum 1. April 2013.
LeWitts Werke befinden sich in den bedeutendsten Museumssammlungen, darunter: Tate Modern, London, Van Abbemuseum, Eindhoven, Nationalmuseum von Serbien in Belgrad, Centre Georges Pompidou, Paris, Hallen für Neue Kunst Schaffhausen, Schweiz, Australian National Gallery, Canberra, Australien, Guggenheim Museum, Museum of Modern Art, New York, Dia:Beacon, The Jewish Museum in Manhattan, MASS MoCA, North Adams, National Gallery of Art, Washington D.C., und das Hirshhorn Museum and Sculpture Garden. Die Errichtung der Double Negative Pyramid von Sol LeWitt im Europos Parkas in Vilnius, Litauen, war ein bedeutendes Ereignis in der Kunstgeschichte der Zeit nach der Berliner Mauer.
Sol LeWitt war eine der wichtigsten Figuren seiner Zeit. Er veränderte den Prozess des Kunstschaffens, indem er die grundlegende Beziehung zwischen einer Idee, der Subjektivität des Künstlers und dem Kunstwerk, das eine bestimmte Idee hervorbringen kann, in Frage stellte. Während viele Künstler in den 1960er Jahren die modernen Vorstellungen von Originalität, Autorschaft und künstlerischem Genie in Frage stellten, bestritt LeWitt, dass Ansätze wie Minimalismus, Konzeptkunst und Prozesskunst lediglich technisch seien oder eine Philosophie illustrierten. In seinen Paragraphen zur Konzeptkunst behauptete LeWitt, dass Konzeptkunst weder mathematisch noch intellektuell, sondern intuitiv sei, da die Komplexität, die der Umsetzung einer Idee in ein Kunstwerk innewohne, mit vielen Zufälligkeiten behaftet sei. Bei LeWitts Kunst geht es nicht um die einzigartige Hand des Künstlers, sondern um die Idee, die hinter jedem Werk steht und die über das Werk selbst hinausgeht. Zu Beginn des 21. Jahrhunderts wurde LeWitts Werk, insbesondere die Wandzeichnungen, von der Kritik für seinen ökonomischen Scharfsinn gelobt. Obwohl sie bescheiden sind – die meisten bestehen aus einfachen Anweisungen auf einem Blatt Papier – können die Zeichnungen immer und immer wieder angefertigt werden, überall auf der Welt, ohne dass der Künstler an ihrer Herstellung beteiligt sein muss.
Sein Auktionsrekord von 749.000 $ wurde 2014 für seine Gouache auf Pappe Wavy Brushstroke (1995) bei Sotheby“s in New York aufgestellt.
Quellen
