Renaissance

gigatos | September 12, 2022

Zusammenfassung

Mit den Begriffen Renaissance, Renaissance oder Renaissancecentismus wird die Periode der europäischen Geschichte bezeichnet, die ungefähr von der Mitte des 14. bis zum Ende des 16. Jahrhunderts reicht. Die Gelehrten sind sich jedoch nicht einig über diese Chronologie, wobei die Daten je nach Autor erheblich variieren. Obwohl die Veränderungen in Kultur, Gesellschaft, Wirtschaft, Politik und Religion sehr deutlich waren und den Übergang vom Feudalismus zum Kapitalismus kennzeichneten und eine Evolution gegenüber den mittelalterlichen Strukturen bedeuteten, wird der Begriff eher verwendet, um die Auswirkungen auf Kunst, Philosophie und Wissenschaft zu beschreiben.

Der Name Renaissance ist auf die intensive Neubewertung der Zeugnisse der klassischen Antike zurückzuführen, die dazu führte, dass der Einfluss von religiösem Dogmatismus und Mystizismus auf Kultur und Gesellschaft allmählich zurückging und gleichzeitig die Wertschätzung für Rationalität, Wissenschaft und Natur zunahm. In diesem Prozess wurde der Mensch mit einer neuen Würde ausgestattet und in den Mittelpunkt der Schöpfung gestellt, weshalb die wichtigste Denkströmung dieser Zeit den Namen Humanismus erhielt.

Die Bewegung manifestierte sich zunächst in der italienischen Region Toskana mit den Städten Florenz und Siena als Hauptzentren, von wo aus sie sich durch die Entwicklung der Presse und die Verbreitung von Künstlern und Werken zunächst auf die übrige italienische Halbinsel und dann auf praktisch alle Länder Westeuropas ausbreitete. Italien blieb immer der Ort, an dem die Bewegung ihren typischsten Ausdruck fand, aber auch in England, Frankreich, Deutschland, Holland und auf der Iberischen Halbinsel gab es Renaissance-Manifestationen von großer Bedeutung. Die internationale Verbreitung italienischer Referenzen brachte im Allgemeinen eine Kunst hervor, die sich stark von ihren Vorbildern unterscheidet und von regionalen Traditionen beeinflusst ist. Für viele ist sie am besten als ein neuer Stil, der Manierismus, zu definieren. Der Begriff Renaissance wurde erstmals von Giorgio Vasari im 16. Jahrhundert geprägt, einem Historiker, der Florenz als Protagonisten aller wichtigen Neuerungen darstellte und dessen Schriften einen entscheidenden Einfluss auf die spätere Kritik ausübten.

Lange Zeit wurde diese Epoche in den Vereinigten Staaten und in Europa als eine homogene, kohärente und stets fortschrittliche Bewegung angesehen, als die interessanteste und fruchtbarste Periode seit der Antike, und eine ihrer Phasen, die Hochrenaissance, wurde als Apotheose der vorangegangenen langen Suche nach dem erhabensten Ausdruck und der vollkommensten Nachahmung der Klassiker geweiht, und ihr künstlerisches Erbe galt als unübertreffliches Qualitätsparadigma. Die Studien der letzten Jahrzehnte haben diese traditionellen Ansichten jedoch revidiert, da sie sie als nicht fundiert oder stereotyp betrachten und die Zeit als weitaus komplexer, vielfältiger, widersprüchlicher und unvorhersehbarer ansehen, als über Generationen hinweg angenommen wurde. Der neue Konsens, der sich durchgesetzt hat, erkennt die Renaissance jedoch als einen wichtigen Meilenstein in der europäischen Geschichte an, als eine Phase des raschen und bedeutenden Wandels in vielen Bereichen, als eine Konstellation kultureller Zeichen und Symbole, die einen Großteil dessen, was Europa bis zur Französischen Revolution war, definierte und die auch heute noch in vielen Teilen der Welt sowohl in akademischen Kreisen als auch in der Populärkultur von großem Einfluss ist.

Der Humanismus ist der wichtigste Wert, der in der Renaissance kultiviert wurde und sich auf Konzepte stützt, die ihren Ursprung in der klassischen Antike haben. Lorenzo Casini zufolge war „eine der Grundlagen der Renaissance-Bewegung die Idee, dass das Beispiel der klassischen Antike ein unschätzbares Vorbild für die Exzellenz darstellt, auf das die moderne Zeit, die so dekadent und unwürdig ist, schauen kann, um den Schaden zu beheben, der seit dem Fall des Römischen Reiches entstanden ist“. Man war sich auch darüber im Klaren, dass Gott der Welt nur eine Wahrheit gegeben hatte, nämlich die, aus der das Christentum hervorgegangen war und die es allein in ihrer Gesamtheit bewahrt hatte, aber Fragmente davon waren anderen Kulturen, unter denen die griechisch-römische Kultur besonders hervorstach, zugestanden worden, und aus diesem Grund wurde das, was von der Antike an Bibliographie und anderen Relikten übrig geblieben war, hoch geschätzt.

Mehrere Elemente trugen dazu bei, dass in Italien der Humanismus in seiner typischsten Form entstand. Die Erinnerung an den Ruhm des Römischen Reiches, die in Ruinen und Denkmälern erhalten ist, und das Überleben des Lateinischen als lebendige Sprache sind wichtige Aspekte. Die Werke von Grammatikern, Kommentatoren, Ärzten und anderen Gelehrten enthielten immer wieder Bezüge zum Klassizismus, und die Vorbereitung von Anwälten, Sekretären, Notaren und anderen Beamten erforderte im Allgemeinen das Studium der lateinischen Rhetorik und Gesetzgebung. Das klassische Erbe war für die Italiener nie ganz verschwunden, und die Toskana wurde stark mit ihm in Verbindung gebracht. Aber auch wenn die Pflege der Klassiker dort überlebt hatte, so war sie doch dürftig im Vergleich zu dem Interesse, das die antiken Autoren in Frankreich und anderen nordischen Ländern spätestens seit dem neunten Jahrhundert hervorriefen. Als die klassizistische Mode Ende des 13. Jahrhunderts in Frankreich zu schwinden begann, kam es in Mittelitalien zu einem Aufschwung, der wohl auch auf den französischen Einfluss zurückzuführen ist. Petrarca (1304-1374) wird traditionell als Begründer des Humanismus bezeichnet, doch in Anbetracht der Existenz mehrerer bemerkenswerter Vorläufer, wie Giovanni del Virgilio in Bologna oder Albertino Mussato in Padua, war er eher der erste große Vertreter der Bewegung.

Der Humanismus war nicht nur eine Philosophie, sondern auch eine literarische Bewegung und eine Lernmethode, die ein breites Spektrum an Interessen umfasste, bei denen die Philosophie nicht das einzige und vielleicht nicht einmal das vorherrschende war. Im Gegensatz zur mittelalterlichen Scholastik, die sich im Wesentlichen darauf beschränkte, die Autoritäten der Vergangenheit, vor allem Aristoteles und die frühen Kirchenväter, zu konsultieren und die Unterschiede zwischen den Autoren und Kommentatoren zu diskutieren, legte sie mehr Wert auf den Gebrauch der individuellen Vernunft und die Analyse empirischer Beweise. Der Humanismus hat diese Quellen nicht verworfen, und ein nicht unbedeutender Teil seiner Bildung geht auf mittelalterliche Grundlagen zurück, aber er begann, sie im Lichte neuer Thesen und einer Vielzahl anderer wiederentdeckter antiker Texte zu überprüfen. In der Encyclopaedia Britannica Beschreibung,

Der Humanismus konsolidierte sich ab dem 15. Jahrhundert vor allem durch die Schriften von Marsilio Ficino, Lorenzo Valla, Leonardo Bruni, Poggio Bracciolini, Erasmus von Rotterdam, Rudolph Agricola, Pico della Mirandola, Petrus Ramus, Juan Luis Vives, Francis Bacon, Michel de Montaigne, Bernardino Telesio, Giordano Bruno, Tommaso Campanella und Thomas More, die sich unter anderem mit verschiedenen Aspekten der Natur, des Menschen, des Göttlichen und der Gesellschaft auseinandersetzten, der Künste und des Denkens, die eine Fülle von Referenzen aus der Antike enthalten, die durch bisher unbekannte Texte – griechische, lateinische, arabische, jüdische, byzantinische und andere – in Umlauf gebracht wurden und so unterschiedliche Schulen und Prinzipien wie Neuplatonismus, Hedonismus, Optimismus, Individualismus, Skeptizismus, Stoizismus, Epikureismus, Hermetik, Anthropozentrismus, Rationalismus, Gnostizismus, Kabalismus und viele andere repräsentieren. Die Wiederaufnahme des Studiums der griechischen Sprache, das in Italien gänzlich aufgegeben worden war, ermöglichte es zudem, die Originaltexte von Platon, Aristoteles und anderen Autoren neu zu untersuchen, was zu neuen Interpretationen und genaueren Übersetzungen führte, die den Eindruck, den man von ihrem Gedankengut hatte, veränderten. Auch wenn der Humanismus in den Bereichen Ethik, Logik, Theologie, Jurisprudenz, Rhetorik, Poetik, Kunst und Geisteswissenschaften, bei der Entdeckung, Exegese, Übersetzung und Verbreitung klassischer Texte sowie durch seinen Beitrag zur Philosophie der Renaissance in den Bereichen Moral und politische Philosophie bemerkenswert war, so wurde doch laut Smith et alii der größte Teil der spezifisch philosophischen Arbeit dieser Zeit von Philosophen geleistet, die in der alten scholastischen Tradition und in der Nachfolge von Aristoteles ausgebildet waren, sowie von Metaphysikern, die Anhänger von Platon waren.

Die glänzende kulturelle und wissenschaftliche Blüte der Renaissance machte den Menschen und sein logisches Denken und die Wissenschaft zum Maßstab und Schiedsrichter des sichtbaren Lebens. Das gab Anlass zu Optimismus, öffnete den Menschen positiv für Neues und förderte seinen Forschergeist. Die Entwicklung eines neuen Lebensgefühls ließ die übertriebene Spiritualität der Gotik hinter sich und sah die materielle Welt mit ihren Natur- und Kulturschönheiten als einen Ort des Genießens, an dem die individuelle Erfahrung und die verborgenen Möglichkeiten des Menschen im Vordergrund stehen. Die demokratischen Experimente Italiens, das wachsende Ansehen des Künstlers als Gelehrter und nicht als einfacher Handwerker und ein neues Bildungskonzept, das die individuellen Talente jedes Einzelnen schätzte und den Menschen zu einem vollständigen und ganzheitlichen Wesen entwickeln wollte, das seine geistigen, moralischen und körperlichen Fähigkeiten voll zum Ausdruck bringt, nährten zudem ein neues Gefühl der sozialen und individuellen Freiheit.

Die Theorien der Vervollkommnung und des Fortschritts wurden erörtert, und die Vorbereitung, die die Humanisten für die Bildung des idealen Menschen, eines Menschen mit Körper und Geist, der zugleich Philosoph, Wissenschaftler und Künstler ist, befürworteten, erweiterte die mittelalterliche Unterrichtsstruktur des trívio und quadrívio und schuf dabei neue Wissenschaften und Disziplinen, ein neues Konzept von Unterricht und Erziehung und eine neue wissenschaftliche Methode. In dieser Zeit wurden verschiedene wissenschaftliche Instrumente erfunden, verschiedene Naturgesetze und bis dahin unbekannte physikalische Objekte entdeckt, und das Antlitz der Erde veränderte sich für die Europäer nach den Entdeckungen der großen Seefahrten, die Physik, Mathematik, Medizin, Astronomie, Philosophie, Ingenieurwesen, Philologie und verschiedene andere Wissenszweige auf ein noch nie dagewesenes Niveau an Komplexität, Effizienz und Genauigkeit brachten, die alle zu einem exponentiellen Wachstum des Gesamtwissens beitrugen, was dazu führte, dass die Geschichte der Menschheit als eine kontinuierliche Erweiterung und immer zum Besseren verstanden wurde. Dieser Geist des Vertrauens in das Leben und den Menschen verbindet die Renaissance mit der klassischen Antike und bestimmt einen Großteil ihres Erbes. Die folgende Passage aus François Rabelais“ Pantagruel (1532) wird oft zitiert, um den Geist der Renaissance zu veranschaulichen:

Trotz der Vorstellung, die sich die Renaissance von sich selbst machen könnte, konnte die Bewegung niemals eine wörtliche Nachahmung der antiken Kultur sein, denn alles geschah unter dem Mantel des Katholizismus, dessen Werte und Kosmogonie sich von denen des antiken Heidentums stark unterschieden. So war die Renaissance in gewisser Weise ein origineller und eklektischer Versuch, den heidnischen Neuplatonismus mit der christlichen Religion, Eros mit Charitas, zusammen mit östlichen, jüdischen und arabischen Einflüssen in Einklang zu bringen, wobei das Studium der Magie, der Astrologie und des Okkulten eine wichtige Rolle bei der Ausarbeitung von Systemen der Disziplin und der moralischen und geistigen Verbesserung sowie einer neuen Symbolsprache spielte.

Wenn früher das Christentum der einzige Weg zu Gott war, der die gesamte Erklärung des Lebens und der Welt begründete und eine Rechtfertigung für die herrschende Gesellschaftsordnung lieferte, so zeigten die Humanisten, dass es viele andere Wege und Möglichkeiten gab, dass sie nicht versuchten, das Wesen des Glaubens zu leugnen – dies wäre auf Dauer unmöglich gewesen, alle radikalen Leugnungen endeten damals in gewaltsamer Unterdrückung -, sondern die Interpretation der Dogmen und ihre Beziehungen zum Leben und zu den sozialen Dramen veränderten. Dies gab der Religion mehr Flexibilität und Anpassungsfähigkeit, bedeutete aber auch einen Rückgang ihres Ansehens und ihres Einflusses auf die Gesellschaft, da sich der Mensch ein wenig von ihrer Vormundschaft emanzipierte. Das mittelalterliche Denken neigte dazu, den Menschen als abscheuliches Geschöpf zu betrachten, als eine „Masse aus Fäulnis, Staub und Asche“, wie es Petrus Damian im elften Jahrhundert ausdrückte. Doch als Pico della Mirandola im 15. Jahrhundert auftrat, stellte der Mensch bereits das Zentrum des Universums dar, ein mutiertes, unsterbliches, autonomes, freies, schöpferisches und mächtiges Wesen, das die älteren Stimmen von Hermes Trismegistus („Das große Wunder ist der Mensch“) und dem Araber Abdala („Es gibt nichts Wunderbareres als den Menschen“) widerhallen ließ.

Einerseits sahen sich einige dieser Männer als Erben einer Tradition, die seit tausend Jahren verschwunden war, und glaubten, dass sie eine große antike Kultur wiederbelebten, und fühlten sich sogar ein wenig wie Zeitgenossen der Römer. Andere wiederum sahen ihr eigenes Zeitalter als etwas, das sich sowohl vom Mittelalter als auch von der Antike unterschied, mit einer Lebensweise, die es nie zuvor gegeben hatte, und die oft als die Vollkommenheit der Jahrhunderte verkündet wurde. Andere Strömungen vertraten die Auffassung, dass die Geschichte zyklisch ist und unvermeidliche Phasen des Aufstiegs, des Höhepunkts und des Niedergangs aufweist und dass der Mensch ein Wesen ist, das Kräften unterworfen ist, die sich seiner Macht entziehen, und dass er weder über seine Gedanken, Fähigkeiten und Leidenschaften noch über die Dauer seines eigenen Lebens vollständig Herr ist. Und es gab die Unzufriedenen, denen die rasante Säkularisierung der Gesellschaft und der Prunk der Reichen nicht gefiel und die eine Rückkehr zu mittelalterlicher Mystik und Strenge predigten. Neuere Forschungen haben gezeigt, dass die Vervielfältigung eklektischer Werke, idiosynkratische Methodologien, abweichende Meinungen, das Streben nach enzyklopädischem Wissen und die Neudefinition ästhetischer und philosophischer Kanons und ethischer Kodizes in dieser Zeit so viele Debatten auslösten, dass deutlich geworden ist, dass das Denken der Renaissance weitaus heterogener war als bisher angenommen und dass die Epoche unter anderem wegen des Umfangs der Kontroversen so dynamisch und kreativ war.

Die Renaissance wird oft als optimistisches Zeitalter beschrieben – und die Dokumentation zeigt, dass sie in ihrer Zeit in einflussreichen Kreisen auch so gesehen wurde -, aber wenn sie mit dem Leben außerhalb der Bücher konfrontiert wurden, hatten ihre Philosophen immer damit zu kämpfen, mit dem Konflikt zwischen dem edenischen Idealismus, den sie als das natürliche Erbe des Menschen vorschlugen, fertig zu werden, einem Wesen, das nach dem Ebenbild Gottes geschaffen wurde, und die brutale Härte politischer Tyrannei, Volksaufstände und Kriege, Epidemien, endemische Armut und Hunger sowie die chronischen moralischen Dramen des normalen, realen Menschen.

Jahrhundert mit dem Aufkommen von Skepsis, Pessimismus, Ironie und Pragmatismus bei Erasmus, Machiavelli, Rabelais und Montaigne, die die Schönheit der Ideale des Klassizismus verehrten, aber leider die Unmöglichkeit ihrer praktischen Umsetzung feststellten. Während ein Teil der Kritik diesen Stimmungsumschwung als Endphase der Renaissance begreift, hat ein anderer Teil ihn als eine der Grundlagen einer eigenen kulturellen Bewegung, des Manierismus, definiert.

Die Renaissance wird in der Regel in drei große Phasen unterteilt, das Trecento, das Quattrocento und das Cinquecento, die dem 14., 15. und 16. Jahrhundert entsprechen, mit einem kurzen Zwischenspiel zwischen den beiden letzten, das als Hochrenaissance bezeichnet wird.

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Trecento

Das Trecento (14. Jahrhundert) stellt die Vorbereitung auf die Renaissance dar und ist im Wesentlichen ein italienisches Phänomen, insbesondere in der Toskana, und obwohl in verschiedenen Zentren wie Pisa, Siena, Padua, Venedig, Verona und Mailand zu dieser Zeit ein Prozess der Humanisierung des Denkens und eine Abkehr von der Gotik einsetzte, waren die Regierungssysteme in den meisten dieser Orte zu konservativ, um bedeutende kulturelle Veränderungen zuzulassen. Florenz übernahm die intellektuelle Vorreiterrolle und leitete den Übergang vom mittelalterlichen zum modernen Modell ein. Diese Zentralisierung in Florenz wurde jedoch erst am Ende des Trecento deutlich.

Die Identifizierung der grundlegenden Elemente der italienischen Renaissance beinhaltet notwendigerweise die Untersuchung der florentinischen Wirtschaft und Politik und ihrer sozialen und kulturellen Auswirkungen, aber es gibt viele undurchsichtige Aspekte und das Feld ist voller Kontroversen. Richard Lindholm zufolge besteht jedoch ein recht breiter Konsens darüber, dass die wirtschaftliche Dynamik, die Flexibilität der Gesellschaft angesichts der Herausforderungen, ihre Fähigkeit, in Krisenzeiten schnell zu reagieren, ihre Risikobereitschaft und ein lebendiges Bürgersinn auf breiter Ebene ausschlaggebend für die kulturelle, architektonische und künstlerische Blüte waren, die sich entfaltete und verstärkte.

Das Produktionssystem entwickelte neue Methoden, mit einer neuen Arbeitsteilung und einer fortschreitenden Mechanisierung. Die florentinische Wirtschaft wurde hauptsächlich von der Produktion und dem Handel mit Stoffen getragen. Es war eine instabile, aber dynamische Wirtschaft, die in der Lage war, sich angesichts unvorhergesehener Ereignisse wie Kriege und Epidemien radikal anzupassen. Um 1330 begann eine Blütezeit, und nach der Pest von 1348 erstrahlte sie in neuem Glanz und bot Stoffe und Kleidung von hohem Luxus und Raffinesse an.

Seit dem vorigen Jahrhundert hatte sich in der Toskana eine Mittelschicht herausgebildet, die sich durch die Organisation in Zünften, d. h. in Handwerksverbänden, die die Erbringung bestimmter Dienstleistungen und die Herstellung bestimmter Materialien und Gegenstände monopolisierten, finanziell emanzipierte. In Florenz wurden sie in zwei Kategorien eingeteilt: die großen Künste (Kürschner, Ärzte und Apotheker) und die kleinen Künste, zu denen zahlreiche weniger prestigeträchtige und einträgliche Berufe gehörten, wie z. B. Fischer, Schankwirte, Schuhmacher, Bäcker, Waffenschmiede, Schmiede und so weiter. Die „Art of Wool“ beispielsweise kontrollierte die Herstellung, das Färben und den Handel mit gewebten Tüchern, Vorhängen, Kleidern und Wollgarnen, einschließlich der Ein- und Ausfuhr, sie kontrollierte die Qualität der Produkte, legte die Preise fest und wehrte jegliche Konkurrenz ab. Die anderen haben auf die gleiche Weise gearbeitet. Die Zünfte waren vieles: eine Mischung aus Gewerkschaft, Bruderschaft, Schule für Lehrlinge im Handwerk, Hilfsverein für die Mitglieder und Gesellschaftsverein. Die Arts Major wurden reich und mächtig, unterhielten prächtige Kapellen und Altäre in den Hauptkirchen und errichteten Denkmäler. Sie alle handelten in bemerkenswerter Harmonie, verfolgten gemeinsame Ziele und beherrschten praktisch die Führung der öffentlichen Angelegenheiten durch ihre Delegierten in den Stadträten und Magistraten. Die verschiedenen Zünfte in jeder Stadt beschäftigten zusammen fast die gesamte wirtschaftlich aktive Stadtbevölkerung, und die Nichtmitgliedschaft in der eigenen Zunft war aufgrund der strengen Kontrolle der Zünfte über die Märkte und das Arbeitskräfteangebot ein fast unüberwindliches Hindernis für den beruflichen Erfolg. Andererseits bot die Zugehörigkeit offensichtliche Vorteile für die Arbeitnehmer, und der Erfolg dieses Modells führte dazu, dass die Bevölkerung erstmals in großem Umfang Wohneigentum erwerben konnte, eine Entwicklung, die mit einem größeren Interesse an Kunst und Architektur einherging.

Ihre Anführer besaßen in der Regel große Privatunternehmen, besaßen ein hohes Ansehen und stiegen auch sozial auf, indem sie öffentliche Ämter übernahmen, die Künste und die Kirche mäzenatisch förderten und Villen und Paläste bauten, in denen sie wohnten und ein neues Patriziat bildeten. Die großen Geschäftsleute unterhielten oft parallel dazu Wechselstuben, die Vorläufer des Bankwesens, und bewegten ein Vermögen, indem sie den Besitz von Fürsten, Kaisern und Päpsten finanzierten oder verwalteten. Dieses gestärkte Bürgertum wurde zu einer tragenden Säule der Regierung und zu einem neuen Markt für Kunst und Kultur. Familien dieser Klasse, wie die Mozzi, Strozzi, Peruzzi und Medici, wurden bald in den Adelsstand erhoben und einige von ihnen regierten sogar Staaten.

In diesem Jahrhundert erlebte Florenz heftige Klassenkämpfe, eine mehr oder weniger chronische sozioökonomische Krise und erlitt im Laufe des Jahrhunderts einen deutlichen Machtverfall. Es war eine Zeit, in der die Staaten einen Großteil ihrer Energie in zwei Hauptaktivitäten investierten: Entweder sie griffen ihre Nachbarn an, plünderten sie aus und eroberten deren Territorien, oder sie standen auf der anderen Seite und versuchten, sich den Angriffen zu widersetzen. Die Domänen von Florenz waren seit langem bedroht, die Stadt war in mehrere Kriege verwickelt, aus denen sie meist als Verlierer hervorging, aber manchmal auch glänzende Siege errang; mehrere wichtige Banken gingen in Konkurs; es gab Pestepidemien; Der rasche Machtwechsel zwischen den sich bekämpfenden Fraktionen der Guelfen und der Ghibellinen, die sich blutige Auseinandersetzungen lieferten, erlaubte weder soziale Ruhe noch die Festlegung langfristiger politisch-administrativer Ziele, was durch Volksaufstände und die Verarmung des Landes noch verstärkt wurde, aber das städtische Bürgertum würde im Laufe der Zeit demokratische Regierungsversuche unternehmen. Trotz wiederkehrender Schwierigkeiten und Krisen war Florenz bis zur Mitte des Jahrhunderts eine mächtige Stadt auf der italienischen Bühne; im letzten Jahrhundert war sie zwar größer, aber immer noch mehreren anderen Städten untergeordnet und unterhielt eine bedeutende Handelsflotte sowie wirtschaftliche und diplomatische Beziehungen zu mehreren Staaten nördlich der Alpen und rund um das Mittelmeer. Es sei darauf hingewiesen, dass sich die Demokratie der florentinischen Republik von den modernen Interpretationen des Begriffs unterscheidet. Leonardo Bruni erklärte 1426, dass das Gesetz alle Bürger als gleich anerkenne, in der Praxis jedoch nur die Elite und die Mittelschicht Zugang zu öffentlichen Ämtern und ein gewisses Mitspracherecht bei der Entscheidungsfindung hätten. Vieles davon ist dem fast ständigen Klassenkampf der Renaissance geschuldet.

Auf der anderen Seite strukturierten der aufkommende freie Wettbewerb und die starke Betonung des Handels das Wirtschaftssystem nach kapitalistischen und materialistischen Gesichtspunkten, wobei die Tradition, einschließlich der religiösen Tradition, dem Rationalismus, der Finanzspekulation und dem Utilitarismus geopfert wurde. Gleichzeitig entwickelten die Florentiner nie, wie es in anderen Regionen der Fall war, ein moralisches Vorurteil gegen die Wirtschaft oder gegen den Reichtum an sich, der als Mittel zur Hilfe für den Nächsten und zur aktiven Teilnahme an der Gesellschaft angesehen wurde, und sie waren sich sogar bewusst, dass der intellektuelle und künstlerische Fortschritt weitgehend vom materiellen Erfolg abhing, aber da Geiz, Stolz, Habgier und Wucher als Sünden galten, verbündete sich die Kirche mit den Interessen der Wirtschaft, indem sie Gewissenskonflikte beschwichtigte und eine Reihe von Ausgleichsmechanismen für Ausrutscher anbot.

Der Gedanke, dass die Vergebung der Sünden und das Seelenheil auch durch den öffentlichen Dienst und die Verschönerung von Städten und Kirchen mit Kunstwerken erlangt werden können, wurde in die Lehre aufgenommen, ebenso wie die Ausübung anderer tugendhafter Handlungen, wie die Bestellung von Messen und die Unterstützung des Klerus und der Bruderschaften und ihrer Initiativen, die ebenso heilsam für den Geist wie nützlich für die Erhöhung des Ansehens des Spenders waren. Die Wohltätigkeit war in der Tat ein wichtiger sozialer Kitt und ein Garant für die öffentliche Sicherheit. Es diente nicht nur der Verschönerung der Städte, sondern auch der Unterstützung der Armen, der Krankenhäuser, der Anstalten, der Schulen und der Finanzierung zahlreicher Verwaltungsaufgaben, einschließlich der Kriege, weshalb die Staaten stets ein großes Interesse am reibungslosen Funktionieren dieses Systems hatten. Eine pragmatische und säkulare Kultur wurde auf verschiedene Weise gestärkt, zusammen mit dem Beitrag der Humanisten, von denen viele Berater von Fürsten waren oder hohe bürgerliche Magistrate leiteten, die die Gesellschaft veränderten und den Kunstmarkt und seine Produktions-, Vertriebs- und Bewertungsformen direkt beeinflussten.

Auch wenn das Christentum nie ernsthaft in Frage gestellt wurde, begann am Ende des Jahrhunderts eine Periode des allmählichen Niedergangs des Ansehens der Kirche und der Fähigkeit der Religion, die Menschen zu kontrollieren und ein kohärentes Kultur- und Gesellschaftsmodell anzubieten, nicht nur wegen des säkularisierten politischen, wirtschaftlichen und sozialen Umfelds, sondern auch, weil Wissenschaftler und Humanisten begannen, rationale und nachweisbare Erklärungen für die Phänomene der Natur zu suchen und transzendentale, traditionelle oder folkloristische Erklärungen in Frage zu stellen, was sowohl den religiösen Kanon schwächte als auch die Beziehung zwischen Gott, dem Menschen und der übrigen Schöpfung veränderte. Aus diesem Zusammenstoß, der sich in der Renaissance fortsetzte und erneuerte, ging der Mensch als gut, schön, mächtig und verherrlicht hervor, und die Welt wurde als ein guter Ort zum Leben angesehen.

Die florentinische Demokratie, so unvollkommen sie auch sein mochte, ging schließlich in einer Reihe von äußeren Kriegen und inneren Unruhen verloren, und in den 1370er Jahren schien Florenz schnell auf eine neue herrschaftliche Regierung zuzusteuern. Die Mobilisierung der mächtigen Albizzi-Familie unterbrach diesen Prozess, doch anstatt das kommunale System zu erhalten, übernahm sie die politische Vorherrschaft und errichtete mit Unterstützung von Verbündeten aus dem großbürgerlichen Patriziat eine oligarchische Republik. Gleichzeitig formierte sich eine Opposition, die sich auf die Medici stützte, die gerade ihren Aufstieg begannen. Trotz der Kürze dieser demokratischen Experimente und der Enttäuschung über viele ihrer idealen Ziele war ihr Entstehen ein Meilenstein in der Entwicklung des europäischen politischen und institutionellen Denkens.

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Quattrocento

Nach den glanzvollen Momenten, die Florenz erlebt hatte, wurde die Stadt am Ende des Trecento von den Vorstößen des Herzogtums Mailand bedrängt, verlor mehrere Territorien und alle ehemaligen Verbündeten und wurde vom Zugang zum Meer abgeschnitten. Das Quattrocento (15. Jahrhundert) begann mit den mailändischen Truppen vor den Toren von Florenz, nachdem sie in den Jahren zuvor das Land verwüstet hatten. Doch 1402 tötete eine neue Pestepidemie ihren General Giangaleazzo Visconti und bewahrte die Stadt davor, dem Schicksal eines Großteils Nord- und Nordwestitaliens zu erliegen, was zu einem Wiederaufleben des Bürgersinns führte. Von da an begannen lokale Intellektuelle und Historiker, inspiriert auch durch das politische Denken von Platon, Plutarch und Aristoteles, den Diskurs zu organisieren und zu verkünden, dass Florenz einen „heldenhaften Widerstand“ geleistet habe und zum größten Symbol der republikanischen Freiheit geworden sei, außerdem sei es der Meister der gesamten italienischen Kultur, und nannten es das neue Athen.

Die Erlangung der Unabhängigkeit in Verbindung mit dem aufkommenden philosophischen Humanismus bildete die Grundlage dafür, dass Florenz politisch, intellektuell und künstlerisch in der ersten Reihe stand. In den 1420er Jahren wurde die Arbeiterklasse jedoch größtenteils ihrer errungenen Macht beraubt und musste sich einer neuen politischen Landschaft beugen, die während des gesamten Jahrhunderts von der Medici-Regierung beherrscht wurde, einer Regierung, die zwar nominell republikanisch, in Wirklichkeit aber aristokratisch und herrschaftlich war. Dies war eine Enttäuschung für das Bürgertum im Allgemeinen, stärkte aber den Brauch des Mäzenatentums, der für die Entwicklung des Klassizismus grundlegend war. Die sozialen Spannungen wurden nie vollständig unterdrückt oder gelöst, und sie scheinen immer ein weiteres wichtiges Ferment für die kulturelle Dynamik der Stadt gewesen zu sein.

Die Ausweitung der lokalen Produktion von Luxusstoffen kam in den 1420er Jahren zum Erliegen, aber die Märkte erholten sich und expandierten bis zur Mitte des Jahrhunderts wieder im Handel mit spanischen und orientalischen Stoffen und in der Produktion von populäreren Varianten, und ungeachtet der üblichen periodischen politischen Umwälzungen erlebte die Stadt eine weitere Periode des Wohlstands und intensivierte das künstlerische Mäzenatentum, eroberte Gebiete zurück und kaufte die Domäne der Hafenstädte, um ihren internationalen Handel neu zu strukturieren. Sie erlangte die politische Vormachtstellung in der gesamten Toskana, obwohl Mailand und Neapel eine ständige Bedrohung blieben. Die florentinische bürgerliche Oligarchie monopolisierte damals das gesamte europäische Bankensystem, erwarb aristokratischen Glanz und große Kultur und füllte ihre Paläste und Kapellen mit klassizistischen Werken. Die Ostentation erzeugte Unzufriedenheit im Bürgertum, die sich in einer Rückbesinnung auf den mystischen Idealismus der Gotik äußerte. Diese beiden gegensätzlichen Tendenzen prägten die erste Hälfte dieses Jahrhunderts, bis das Kleinbürgertum seinen Widerstand aufgab und eine erste große ästhetische Synthese ermöglichte, die von Florenz aus auf fast das gesamte italienische Territorium übergriff und durch den Vorrang des Rationalismus und der klassischen Werte bestimmt wurde.

In der Zwischenzeit reifte der Humanismus und verbreitete sich in Europa durch Ficino, Rodolphus Agricola, Erasmus von Rotterdam, Mirandola und Thomas More. Leonardo Bruni begründete die moderne Geschichtsschreibung, und mit Luca Pacioli, János Vitéz, Nicolas Chuquet, Regiomontanus, Nicolau de Cusa und Georg von Peuerbach und vielen anderen entwickelten sich Wissenschaft und Philosophie weiter. Gleichzeitig veranlasste das Interesse an der antiken Geschichte Humanisten wie Niccolò de“ Niccoli und Poggio Bracciolini, die Bibliotheken Europas nach verschollenen Büchern klassischer Autoren zu durchsuchen. Tatsächlich wurden viele wichtige Dokumente gefunden, wie Vitruvs De architectura, Reden von Cicero, Quintilians Institute of Oratory, Valerius Flaccos Argonautica und Lucretius“ De rerum natura. Die Rückeroberung der iberischen Halbinsel von den Mauren machte den europäischen Gelehrten auch eine große Sammlung von Texten von Aristoteles, Euklid, Ptolemäus und Plotinus zugänglich, die in arabischen Übersetzungen erhalten und in Europa unbekannt waren, sowie von muslimischen Werken von Avicenna, Geber und Averroës, die wesentlich zu einer neuen Blüte in der Philosophie, Mathematik, Medizin und anderen wissenschaftlichen Fachgebieten beitrugen.

Die Perfektionierung der Presse durch Johannes Gutenberg in der Mitte des Jahrhunderts erleichterte und verbilligte die Verbreitung von Wissen an ein größeres Publikum erheblich. Das gleiche Interesse an Kultur und Wissenschaft führte zur Gründung großer Bibliotheken in Italien und zur Wiederherstellung des Lateinischen, das zu einem vielgestaltigen Dialekt geworden war, in seiner klassischen Reinheit, so dass es zur neuen Verkehrssprache in Europa wurde. Die Wiederherstellung der lateinischen Sprache ergab sich aus der praktischen Notwendigkeit, diese neue Renaissance-Bibliothek intellektuell zu verwalten. Gleichzeitig revolutionierte sie die Pädagogik und lieferte den Humanisten und Literaten einen umfangreichen neuen Korpus an syntaktischen Strukturen und Vokabular, mit dem sie ihre eigenen Schriften mit der Autorität der Antike ausstatteten. Wichtig war auch das Interesse der Eliten am Sammeln antiker Kunst, das Studien und Ausgrabungen anregte, die zur Entdeckung verschiedener Kunstwerke führten und damit die Entwicklung der Archäologie vorantrieben und die bildende Kunst beeinflussten.

Zusätzliche Impulse erhielt dieser Prozess durch den griechischen Gelehrten Manuel Crisoloras, der zwischen 1397 und 1415 das Studium der griechischen Sprache in Italien wieder einführte, und mit dem Ende des byzantinischen Reiches im Jahr 1453 durch zahlreiche andere Intellektuelle wie Demetrius Calcondilas, Georg von Trebizonda, Johannes Argirópulo, Theodore Gaza und Barlaon von Seminara, wanderten auf die italienische Halbinsel und in andere Teile Europas aus, verbreiteten klassische philosophische Texte und unterrichteten Humanisten in der Kunst der Exegese. Ein großer Teil der heute bekannten griechisch-römischen Literatur und Gesetzgebung wurde vom byzantinischen Reich bewahrt, und diese neue Kenntnis der klassischen Originaltexte sowie ihrer Übersetzungen war nach Ansicht von Luiz Marques „eine der größten Operationen der Aneignung einer Kultur durch eine andere, in gewissem Maße vergleichbar mit der Griechenlands durch das Rom der Skythen im zweiten Jahrhundert v. Chr. Sie spiegelt außerdem den für die Geschichte des Quattrocento entscheidenden Übergang von der intellektuellen Hegemonie des Aristoteles zu der von Platon und Plotin wider. Mit diesem großen Zustrom von Ideen wurde die gesamte Struktur der antiken Paideia, ein von den Griechen erdachtes Bündel ethischer, sozialer, kultureller und pädagogischer Grundsätze, die einen vorbildlichen Bürger formen sollten, in Italien wieder eingeführt. Die neuen Informationen und Kenntnisse und der damit einhergehende Wandel in allen Bereichen der Kultur führten dazu, dass die Intellektuellen das Gefühl hatten, sich in einer Phase der Erneuerung zu befinden, die mit den glanzvollen Phasen der antiken Zivilisationen vergleichbar war, im Gegensatz zum vorangegangenen Mittelalter, das als Zeitalter der Dunkelheit und der Unwissenheit angesehen wurde.

Der Tod von Lorenzo de Medici im Jahr 1492, der Florenz fast dreißig Jahre lang regiert hatte und als einer der größten Mäzene des Jahrhunderts berühmt geworden war, sowie der Zusammenbruch der aristokratischen Herrschaft im Jahr 1494 bedeuteten das Ende der goldenen Phase der Stadt. Während des gesamten Quattrocento war Florenz der wichtigste – aber nie der einzige – Knotenpunkt für die Verbreitung von Klassizismus und Humanismus in Nordmittelitalien und kultivierte die Kultur, die als vollkommenster Ausdruck der Renaissance und als Modell, mit dem alle anderen Ausdrucksformen verglichen wurden, berühmt wurde. Diese lobende Tradition verstärkte sich, nachdem Vasari im 16. Jahrhundert sein „Leben der Künstler“ veröffentlicht hatte, den ersten Meilenstein der modernen Kunstgeschichtsschreibung, der den Florentinern die eindeutige Hauptrolle und überlegene Exzellenz zusprach. Dieses Werk hatte weitreichende Auswirkungen und beeinflusste die Geschichtsschreibung über Jahrhunderte hinweg.

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Hochrenaissance

Die Hochrenaissance umfasst chronologisch die letzten Jahre des Quattrocento und die ersten Jahrzehnte des Cinquecento und wird grob durch die reifen Werke Leonardo da Vincis (ab ca. 1480) und die Plünderung Roms im Jahr 1527 abgegrenzt. In dieser Zeit übernahm Rom die künstlerische und intellektuelle Vorreiterrolle und ließ Florenz in den Hintergrund treten. Dies war vor allem dem päpstlichen Mäzenatentum und einem Programm der Stadterneuerung und -verschönerung zu verdanken, das darauf abzielte, die ehemalige Reichshauptstadt wiederzubeleben, und zwar in Anlehnung an den Ruhm der Cäsaren, als deren rechtmäßige Erben sich die Päpste betrachteten. Als Sitz des Papsttums und Plattform für dessen imperialistische Ansprüche wurde gleichzeitig sein Status als „Oberhaupt der Welt“ bekräftigt.

Dies spiegelte sich auch in der Wiederbelebung sozialer und symbolischer Praktiken wider, die denen der Antike nachempfunden waren, wie z. B. die großen Triumphzüge, prunkvolle Volksfeste, die Prägung von Medaillen und großspurige Theateraufführungen mit historischen, mythologischen und allegorischen Figuren. Rom hatte bis dahin keine großen Künstler der Renaissance hervorgebracht, und der Klassizismus war durch die vorübergehende Anwesenheit von Künstlern aus anderen Ländern entstanden. Doch als sich Meister vom Format eines Raffael, Michelangelo und Bramante in der Stadt niederließen, bildete sich eine dynamische lokale Schule, die die Stadt zum reichsten Fundus der Hochrenaissancekunst machte.

Zu dieser Zeit war der Klassizismus die vorherrschende ästhetische Strömung in Italien, mit vielen wichtigen Zentren der Pflege und Verbreitung. Zum ersten Mal wurde die Antike als eine definierte Zivilisation mit eigenem Geist verstanden und nicht als eine Abfolge von isolierten Ereignissen. Gleichzeitig wurde dieser Geist als sehr nah an dem der Renaissance identifiziert, was den Künstlern und Intellektuellen in gewisser Weise das Gefühl gab, dass sie auf Augenhöhe mit den von ihnen bewunderten Meistern der Vergangenheit dialogisieren konnten. Sie hatten die Sprache, die sie erhalten hatten, endlich „gemeistert“ und konnten sie nun mit größerer Freiheit und Verständnis verwenden.

Im Laufe der Jahrhunderte hat sich ein breiter Konsens darüber herausgebildet, dass die Hochrenaissance die Reifung der am meisten geschätzten Ideale der gesamten vorangegangenen Renaissance-Generation darstellt: den Humanismus, die Vorstellung von der Autonomie der Kunst, die Verwandlung des Künstlers in einen Wissenschaftler und Gelehrten, das Streben nach Naturtreue und das Konzept des Genies. Den Namen „Hoch“ erhielt er wegen dieses angeblich exemplarischen Charakters, des Höhepunkts eines kontinuierlichen Aufstiegs. Nicht wenige Historiker haben leidenschaftliche Zeugnisse der Bewunderung für das Vermächtnis der Künstler dieser Zeit niedergeschrieben und sie als „wunderbare“, „erhabene“, „unvergleichliche“, „heroische“, „transzendente“ Epoche bezeichnet, die von den Kritikern noch lange Zeit in eine Aura der Nostalgie und Verehrung gehüllt wird. Wie bei allen alten Konsensen und Mythen hat es sich die jüngere Kritik zur Aufgabe gemacht, diese Tradition zu dekonstruieren und neu zu interpretieren, indem sie sie als eine etwas eskapistische, ästhetische und oberflächliche Vision eines sozialen Kontextes betrachtet, der seit jeher von enormen sozialen Ungleichheiten, Tyrannei, Korruption, eitlen Kriegen und anderen Problemen geprägt ist, „eine schöne, aber letztlich tragische Fantasie“, wie Brian Curran festgestellt hat.

Diese Überbewertung ist auch kritisiert worden, weil sie sich zu sehr auf den Begriff des Genies stützt, alle relevanten Beiträge einer Handvoll von Künstlern zuschreibt und nur eine bestimmte ästhetische Strömung als „klassisch“ und als „die beste“ identifiziert, während die Überprüfung der Beweise gezeigt hat, dass sowohl die Antike als auch die Hochrenaissance weitaus vielfältiger waren, als die hegemoniale Sichtweise behauptet.

Es wurde jedoch die historische Bedeutung der Hochrenaissance als ein historiographisches Konzept anerkannt, das mehr war, aber immer noch sehr einflussreich ist, und es wurde anerkannt, dass die ästhetischen Standards, die vor allem von Leonardo, Raffael und Michelangelo eingeführt wurden, einen Kanon etablierten, der sich von dem ihrer Vorgänger unterschied und äußerst erfolgreich in seiner Akzeptanz war und ebenfalls für einen langen Zeitraum referenziell wurde. Diese drei Meister werden trotz des jüngsten Revisionismus und der damit einhergehenden Relativierung der Werte immer noch weithin als der höchste Ausdruck dieser Epoche und als die vollständigste Verkörperung des Konzepts des Renaissance-Genies angesehen. Ihr Stil ist in dieser Phase durch einen stark idealisierten und üppigen Klassizismus gekennzeichnet, der ausgewählte Elemente aus besonders angesehenen klassischen Quellen synthetisiert und den Realismus, den einige Strömungen des Quattrocento noch praktizierten, ablehnt. Laut Hauser,

Während des päpstlichen Exils in Avignon war die Stadt Rom stark verfallen, doch seit ihrer Rückkehr im vorigen Jahrhundert bemühten sich die Päpste um eine Neuordnung und Wiederbelebung der Stadt und beschäftigten ein Heer von Archäologen, Humanisten, Antiquaren, Architekten und Künstlern, um Ruinen und Denkmäler zu erforschen und zu erhalten und die Stadt so zu verschönern, dass sie ihrer glanzvollen Vergangenheit wieder würdig wurde. Auch wenn es für viele Menschen in der Renaissance zur Gewohnheit geworden war zu behaupten, dass sie in einem neuen Goldenen Zeitalter lebten, so Jill Burke, so wurde dies doch nie zuvor mit so viel Nachdruck und Engagement bekräftigt wie von den Päpsten Julius II. und Leo X., den Hauptverantwortlichen dafür, dass Rom zu einem der größten und kosmopolitischsten europäischen Kunstzentren ihrer Zeit wurde, und den Hauptverfechtern der Idee, dass die Jahrhunderte in ihrer Generation ihre Vollendung erreicht hätten.

Die Konsequenz des Mentalitätswechsels zwischen dem Quattrocento und dem Cinquecento ist, dass die Form im Quattrocento ein Ende und im Cinquecento ein Anfang ist; während im Quattrocento die Natur die Muster lieferte, die von der Kunst nachgeahmt wurden, braucht die Gesellschaft im Cinquecento die Kunst, um zu beweisen, dass solche Muster existieren. Die prestigeträchtigste Kunst wurde stark selbstreferenziell und von der Alltagsrealität entfernt, obwohl sie den Menschen in den wichtigsten öffentlichen Räumen und im offiziellen Diskurs aufgezwungen wurde. Raffael fasste die Gegensätze in seinem berühmten Fresko Die Schule von Athen zusammen, einem der bedeutendsten Gemälde der Hochrenaissance, das den philosophischen Dialog zwischen Platon und Aristoteles, d. h. zwischen Idealismus und Empirismus, wieder aufleben ließ.

Der Klassizismus dieser Phase war zwar ausgereift und reichhaltig, und es gelang ihm, Werke von großer Kraft zu schaffen, aber er war stark formalistisch und retrospektiv geprägt, und aus diesem Grund wurde er von einigen neueren Kritikern eher als konservative denn als progressive Tendenz betrachtet. Der Humanismus selbst, in seiner römischen Version, verlor seinen bürgerlichen und antiklerikalen Eifer und wurde von den Päpsten zensiert und domestiziert, indem sie ihn im Wesentlichen in eine philosophische Rechtfertigung für ihr imperialistisches Programm verwandelten. Der Ethikkodex, der sich in den illustrierten Kreisen durchsetzte, ein abstraktes Konstrukt und ein soziales Theater im konkretesten Sinne des Wortes, schrieb in allem Mäßigung, Selbstbeherrschung, Würde und Höflichkeit vor. Baldassare Castigliones Der Höfling ist seine theoretische Synthese.

Trotz des Ethikkodexes, der unter den Eliten zirkulierte, sind die Widersprüche und Schwächen der herrschenden Ideologie heute für die Forscher offensichtlich. Das Verschönerungsprogramm Roms wurde als eine eher destruktive als konstruktive Initiative kritisiert, die eine Reihe von Arbeiten unvollendet ließ und authentische Denkmäler und Gebäude der Antike zerstörte oder unnötig veränderte. Diese Gesellschaft blieb autoritär, ungleich und korrumpiert, und einigen Anzeichen nach zu urteilen, scheint sie ungewöhnlich korrumpiert gewesen zu sein, so sehr, dass ihre zeitgenössischen Kritiker die Plünderung der Stadt im Jahr 1527 als göttliche Strafe für ihre Verbrechen, Sünden und Skandale ansahen. In diesem Sinne ist das andere wichtige „Lehrbuch“ dieser Zeit Machiavellis Der Fürst, eine Anleitung, wie man an die Macht kommt und dort bleibt, in dem er erklärt, dass „es keine guten Gesetze ohne gute Waffen gibt“, wobei er nicht zwischen Macht und Autorität unterscheidet und die Anwendung von Gewalt zur Kontrolle der Bürger legitimiert. Das Buch war ein Schlüsselwerk für das politische Denken der Renaissance in ihrer letzten Phase und eine wichtige Inspiration für die moderne Staatsphilosophie. Obwohl Machiavelli manchmal Kälte, Zynismus, Berechnung und Grausamkeit vorgeworfen werden, so dass der Ausdruck „Machiavellist“ auf ihn zurückgeht, ist das Werk ein wertvolles historisches Dokument als umfassende Analyse der politischen Praxis und der vorherrschenden Werte der Zeit.

Ereignisse wie die Entdeckung Amerikas und die protestantische Reformation sowie Techniken wie der Buchdruck mit beweglichen Lettern veränderten die Kultur und die Weltanschauung der Europäer. Gleichzeitig richtete sich die Aufmerksamkeit ganz Europas auf Italien und seinen Fortschritt, da die Großmächte Frankreich, Spanien und Deutschland es unter sich aufteilen wollten und es zum Schlacht- und Plünderungsfeld machten. Mit den folgenden Invasionen verbreitete die italienische Kunst ihren Einfluss auf einen großen Teil des Kontinents.

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Cinquecento und italienischer Manierismus

Das Cinquecento (16. Jahrhundert) ist die letzte Phase der Renaissance, in der sich die Bewegung verändert und auf andere Teile Europas ausweitet. Nach der Plünderung Roms im Jahr 1527 und der Infragestellung der päpstlichen Autorität durch die Protestanten verschob sich das politische Gleichgewicht auf dem Kontinent und seine soziokulturelle Struktur wurde erschüttert. Italien hatte die schlimmsten Folgen zu tragen: Es wurde nicht nur überfallen und geplündert, sondern verlor auch seine Funktion als Handelszentrum Europas, da sich durch die großen Seefahrten neue Handelswege eröffneten. Das gesamte Panorama änderte sich, als der katholische Einfluss zurückging und Gefühle von Pessimismus, Unsicherheit und Entfremdung aufkamen, die die Atmosphäre des Manierismus prägten.

Der Untergang Roms bedeutete, dass es nicht mehr „ein“ Zentrum gab, das Ästhetik und Kultur diktierte. In Florenz, Ferrara, Neapel, Mailand, Venedig und vielen anderen Städten entstanden deutlich differenzierte regionale Schulen, und die Renaissance breitete sich dann endgültig über ganz Europa aus und wandelte und diversifizierte sich tiefgreifend, während sie eine Vielzahl regionaler Einflüsse aufnahm. Die Kunst von Einzelgängern wie Michelangelo und Tizian hielt den Übergang von einem Zeitalter der Gewissheit und Klarheit zu einem Zeitalter des Zweifels und der Dramatik stilistisch fest. Die intellektuellen und künstlerischen Errungenschaften der Hochrenaissance waren noch frisch und konnten nicht so schnell vergessen werden, auch wenn ihr philosophisches Substrat angesichts neuer politischer, religiöser und sozialer Tatsachen nicht mehr gültig sein konnte. Es entstand eine neue Kunst und Architektur, in der Namen wie Parmigianino, Pontormo, Tintoretto, Rosso Fiorentino, Vasari, Palladio, Vignola, Romano, Cellini, Bronzino, Giambologna, Beccafumi, obwohl von der Antike inspiriert, deren Proportions- und Raumdarstellungssysteme und symbolische Werte in unruhigen, verzerrten, ambivalenten und kostbaren Werken neu organisierten und umsetzten.

Diese Änderung hatte sich schon seit einiger Zeit abgezeichnet. In den 1520er Jahren war das Papsttum in so viele internationale Konflikte verwickelt und der Druck um es herum war so groß, dass kaum jemand daran zweifelte, dass Rom dem Untergang geweiht war und sein Fall nur eine Frage der Zeit war. Schon lange vor der Katastrophe von 1527 hatte Raffael, der traditionell als einer der reinsten Vertreter der für die Hochrenaissance typischen Mäßigung und Ausgewogenheit gilt, in mehreren wichtigen Werken die Szenen mit so starken Kontrasten, die Gruppen mit so viel Bewegung, die Figuren mit so leidenschaftlichem Ausdruck konzipiert, und in so unnatürlichen und rhetorischen Positionen, dass er nach Frederick Hartt nicht nur als Vorläufer des Manierismus, sondern auch des Barocks gelten kann, und hätte er länger gelebt, hätte er zweifellos Michelangelo und andere beim vollständigen Übergang zu einem Stil begleitet, der sich konsequent von dem des frühen Jahrhunderts unterscheidet.

Vasari, einer der führenden Gelehrten des Cinquecento, sah keine radikale Lösung der Kontinuität zwischen der Hochrenaissance und der darauf folgenden Periode, in der er selbst lebte. Er betrachtete sich selbst noch als Renaissancemensch, und als er die offensichtlichen Unterschiede zwischen der Kunst der beiden Perioden erklärte, sagte er, dass die Nachfolger von Leonardo, Michelangelo und Raffael in einem „modernen Stil“, einem „neuen Weg“ arbeiteten, der versuchte, einige der wichtigsten Werke der Antike, die sie kannten, zu imitieren. Er bezog sich dabei vor allem auf die Laokoon-Gruppe, die 1506 wiederentdeckt wurde und in römischen Künstlerkreisen großes Aufsehen erregte, sowie auf den Torso des Belvedere, der zur gleichen Zeit begann, berühmt und viel studiert zu werden. Diese Werke übten einen großen Einfluss auf die frühen Manieristen, einschließlich Michelangelo, aus, obwohl sie nicht zur klassischen, sondern zur hellenistischen Epoche gehören, die in vielerlei Hinsicht eine antiklassische Schule war. Jahrhundert als Ausdruck eines Ideals der Reinheit, der Majestät, der Vollkommenheit, des Gleichgewichts, der Harmonie und der emotionalen Mäßigung, der Synthese alles Guten, Nützlichen und Schönen, das sie im antiken Griechenland zwischen dem 5. und 4. Es ist schwer zu bestimmen, wie die Renaissance die Unterschiede zwischen den gegensätzlichen ästhetischen Strömungen der griechisch-römischen Kultur als Ganzes (der „Antike“) wahrgenommen hat, denn fast alle Werke der Antike, zu denen sie damals Zugang hatte, waren hellenistische und römische Neuinterpretationen verloren gegangener griechischer Vorbilder, ein sehr eklektisches formales Repertoire, das vielfältige Bezüge aus fast tausend Jahren griechisch-römischer Geschichte enthielt, eine Periode, in der es verschiedene und dramatische Veränderungen in Geschmack und Stil gab. Sie scheinen die Antike eher als eine monolithische Kulturepoche gesehen zu haben, oder zumindest als eine, aus deren ikonographischer Sammlung sie nach Belieben Elemente entnehmen konnten, um eine „brauchbare Antike“ zu schaffen, die den Anforderungen der Zeit angepasst war. Der Kritiker Ascanio Condivi berichtet von einem Beispiel für diese Haltung bei Michelangelo: Wenn der Meister eine ideale Form schaffen wollte, begnügte er sich nicht damit, ein einziges Modell zu betrachten, sondern suchte viele und zog von jedem die besten Eigenschaften ab. Raphael, Bramante und andere sollen den gleichen Ansatz verfolgt haben.

Nach dem 17. Jahrhundert wurde der Manierismus jedoch lange Zeit als eine Entartung der authentischen klassischen Ideale angesehen, die von Künstlern entwickelt wurde, die sich an den Launen einer morbiden und nutzlosen Virtuosität störten oder sich mehr damit beschäftigten. Viele spätere Kritiker führten die Dramatik und Asymmetrie der Werke dieser Zeit auf eine übertriebene Nachahmung des Stils von Michelangelo und Giulio Romano zurück, aber diese Merkmale wurden auch als Ausdruck einer unruhigen und desillusionierten Zeit interpretiert. Hartt wies auf den Einfluss der kirchlichen Reformbewegungen auf den Mentalitätswandel hin. Die neuere Kritik ist sich darüber im Klaren, dass kulturelle Bewegungen immer das Ergebnis mehrerer Faktoren sind, und der italienische Manierismus bildet da keine Ausnahme. Es wird jedoch davon ausgegangen, dass er im Wesentlichen das Produkt eines konservativen höfischen Umfelds, eines komplexen Zeremoniells und einer eklektischen, hochentwickelten Kultur war, und nicht eine absichtlich antiklassische Bewegung.

In jedem Fall hatte die Polemik zur Folge, dass sich die Manieristengelehrten in zwei Hauptströmungen aufteilten. Die Ausbreitung des italienischen Einflusses in Europa im Cinquecento brachte für einige plastische Ausdrucksformen hervor, die so vielgestaltig waren und sich so sehr von denen des Quattrocento und der Hochrenaissance unterschieden, dass es problematisch wurde, sie als Teil des ursprünglichen Phänomens zu bezeichnen, da sie in vielerlei Hinsicht einen Gegensatz zu den klassischen Prinzipien darstellten, die von früheren Phasen so geschätzt wurden und die die „wahre“ Renaissance definieren sollten. Auf diese Weise etablierten sie den Manierismus als eigenständige Bewegung und erkannten ihn als exquisite, phantasievolle und kraftvolle Ausdrucksform an, deren Bedeutung dadurch gesteigert wurde, dass sie die erste Schule der modernen Kunst war. Der andere kritische Strang hingegen analysiert sie als Vertiefung und Bereicherung der klassischen Voraussetzungen und als legitimen Abschluss des Renaissance-Zyklus; nicht so sehr als Negation oder Verzerrung dieser Prinzipien, sondern als Reflexion über ihre praktische Anwendbarkeit in diesem historischen Moment und als – manchmal schmerzhafte, aber im Allgemeinen kreative und erfolgreiche – Anpassung an die Umstände der Zeit. Um das Bild noch komplexer zu machen, war die Identifizierung der charakteristischen Merkmale des Manierismus sowie seine Chronologie und seine Anwendbarkeit auf andere Regionen und Bereiche als die bildenden Künste das Zentrum einer weiteren monumentalen Kontroverse, die viele für unlösbar halten.

Neben den kulturellen Veränderungen, die die politische Neuordnung des Kontinents mit sich brachte, war das 16. Jahrhundert von einer weiteren großen Krise geprägt, der protestantischen Reformation, die die alte universelle Autorität der römischen Kirche für immer aufhob. Eine der wichtigsten Auswirkungen der Reformation auf die Kunst der Renaissance war die Verurteilung von Heiligenbildern, die dazu führte, dass die nördlichen Tempel von bildlichen und skulpturalen Darstellungen von Heiligen und göttlichen Persönlichkeiten entvölkert wurden und viele Kunstwerke in einer Welle der ikonoklastischen Wut zerstört wurden. Damit wandten sich die repräsentativen Künste unter reformistischem Einfluss profanen Charakteren und der Natur zu. Das Papsttum erkannte jedoch bald, dass die Kunst eine wirksame Waffe gegen die Protestanten sein konnte, da sie zu einer breiteren Evangelisierung beitrug und für die große Masse des Volkes verführerischer war. Während der Gegenreformation wurden neue Vorschriften systematisiert, die detailliert festlegten, wie der Künstler Werke mit religiöser Thematik schaffen sollte, wobei er versuchte, Emotionen und Bewegung zu betonen, die als die verständlichsten und attraktivsten Mittel angesehen wurden, um die einfache Hingabe des Volkes zu gewinnen und so den Sieg über die Protestanten zu sichern. Doch wenn die Gegenreformation einerseits zu mehr Aufträgen für sakrale Kunst führte, verschwand andererseits die frühere Freiheit des künstlerischen Ausdrucks, die es Michelangelo erlaubt hatte, seine riesige Tafel des Jüngsten Gerichts im Herzen des Vatikans mit einer Vielzahl nackter Körper von großer Sinnlichkeit zu schmücken, auch wenn der profane Bereich von der Zensur wenig betroffen war.

Das Cinquecento war auch die Gründungszeit der ersten Kunstakademien, wie der Akademie der Künste des Designs in Florenz und der Akademie des Heiligen Lukas in Rom, einer Weiterentwicklung der Künstlergilden, die den Akademismus als System der höheren Bildung und als kulturelle Bewegung etablierte, die das Lernen standardisierte, theoretische Debatten anregte und als Instrument der Regierungen für die Verbreitung und Weihe nicht nur ästhetischer, sondern auch politischer und sozialer Ideologien diente. Die manieristischen Kunsttheoretiker vertieften die von der vorangegangenen Generation angestoßenen Debatten, betonten die Verbindung des menschlichen Intellekts mit der göttlichen Kreativität und verliehen der Vielfalt ein hohes Ansehen. Für Pierre Bourdieu bedeutete die Schaffung des akademischen Systems die Formulierung einer Theorie, in der die Kunst eine Verkörperung der Prinzipien des Schönen, Wahren und Guten war, eine natürliche Erweiterung der Ideologie der Hochrenaissance, aber die Manieristen waren offen für die Existenz verschiedener gültiger Normen, die den Schöpfern große Freiheit in verschiedenen Aspekten erlaubten, insbesondere in der profanen Kunst, frei von der Kontrolle der Kirche. Die Betonung der Akademien auf technische Verbesserungen und die ständige Bezugnahme auf etablierte antike Vorbilder dienten auch dazu, einen Teil des Hauptinteresses von der Aussage auf den Nachweis zu verlagern, wie gut etwas gesagt worden war, und den Künstler als Gelehrten zu präsentieren. Es dauerte eine Weile, bis sich der Einfluss der Akademien durchsetzte, aber während des Barock und des Neoklassizismus dominierten sie das gesamte europäische Kunstsystem.

Die Renaissance wurde in der Geschichte als der Beginn einer neuen Ära gepriesen, einer Ära, die von der Vernunft erhellt wurde und in der die Menschen, die nach dem Bild der Gottheit geschaffen wurden, die Prophezeiung erfüllen würden, die Welt mit Weisheit zu regieren, und deren wunderbare Werke sie in die Gesellschaft von Helden, Patriarchen, Heiligen und Engeln stellen würden. Heute ist man sich darüber im Klaren, dass die gesellschaftliche Realität nicht den hohen Idealen entsprach, die in der Kunst zum Ausdruck kamen, und dass dieser überschwängliche Ufanismus, der die Bewegung umgab, größtenteils das Werk der Renaissance selbst war, deren intellektuelles Schaffen, das sie selbst als Begründer eines neuen Goldenen Zeitalters darstellte und Florenz in den Mittelpunkt stellte, die Richtung der späteren Kritik weitgehend bestimmte. Auch spätere antiklassische Bewegungen wie der Barock erkannten in den Klassikern und ihren Erben aus der Renaissance wertvolle Werte.

Jahrhunderts war die Epoche zu einem der wichtigsten Forschungsgebiete geworden, und die Veröffentlichung des Klassikers „Geschichte der Renaissance in Italien“ von Jacob Burckhardt im Jahr 1860 war die Krönung einer fünfhundertjährigen historiografischen Tradition, die die Renaissance als ersten Meilenstein der Moderne ansah und sie mit der Entfernung eines Schleiers von den Augen der Menschheit verglich, der ihr eine klare Sicht ermöglichte. Burckhardts Werk erschien jedoch zu einem Zeitpunkt, als bereits eine revisionistische Tendenz in dieser Tradition zu spüren war, und das Echo, das es auslöste, verstärkte die Polemik nur noch. Seitdem hat eine Vielzahl neuer Studien die Art und Weise, wie die antike Kunst untersucht und verstanden wurde, revolutioniert.

Tradition und Autorität wurden zugunsten des bevorzugten Studiums von Primärquellen und kritischeren, nuancierteren, kontextualisierten und integrativen Analysen beiseite geschoben; man erkannte, dass die Meinungsvielfalt unter den Renaissancemenschen selbst viel größer war als gedacht, und dass die Dynamik und Originalität der Epoche zu einem großen Teil dieser Vielfalt zu verdanken ist; Der rasche Fortschritt der wissenschaftlichen Datierungs- und Restaurierungstechniken sowie der physikalisch-chemischen Analyse von Materialien ermöglichte es, zahlreiche traditionelle Autorschaftszuweisungen zu festigen und viele andere endgültig zu verwerfen, wodurch die Landkarte der künstlerischen Produktion grundlegend neu geordnet wurde; neue Chronologien wurden festgelegt und künstlerische Individualitäten und ihre Beiträge neu definiert; neue Wege der Verbreitung und des Einflusses wurden identifiziert, und viele wichtige Werke wurden wiederentdeckt. In diesem Prozess wurde eine Reihe von historiografischen Kanons über den Haufen geworfen, und die Tradition, die Geschichte in bestimmte Epochen einzuteilen („Renaissance“, „Barock“, „Neoklassizismus“), wurde als ein künstliches Konstrukt angesehen, das das Verständnis eines fortlaufenden sozialen Prozesses verzerrt und widersprüchliche begriffliche Stereotypen schafft. Darüber hinaus wurde und wird das Studium des gesamten historischen, politischen und sozialen Kontextes stark vertieft, wodurch die kulturellen Ausdrucksformen in einen wertvollen Rahmen gestellt werden, der sich ständig aktualisiert und pluralistischer wird.

So kamen viele Historiker zu dem Schluss, dass die Renaissance mit einer übermäßig positiven Wertschätzung belastet war und dass dadurch automatisch und ohne stichhaltige Begründung das Mittelalter und andere Epochen abgewertet wurden. Ein Großteil der modernen Debatte befasst sich mit der Frage, ob es sich tatsächlich um eine Verbesserung gegenüber der früheren Zeit handelt. Es wurde darauf hingewiesen, dass sich viele der negativen sozialen Faktoren, die gemeinhin mit dem Mittelalter in Verbindung gebracht werden – Armut, Korruption, religiöse und politische Verfolgung – offenbar verschlimmert haben. Viele Menschen, die die Renaissance erlebten, betrachteten sie nicht als „Goldenes Zeitalter“, sondern waren sich ernster sozialer und moralischer Probleme bewusst, wie z. B. Savonarola, der Ende des 15. Jahrhunderts eine dramatische religiöse Erweckung auslöste, die zur Zerstörung zahlreicher Kunstwerke und schließlich zu seinem Tod auf dem Scheiterhaufen führte. Johan Huizinga vertrat die Ansicht, dass die Renaissance in gewisser Hinsicht eine Periode des Niedergangs gegenüber dem Mittelalter war, in der vieles zerstört wurde, was wichtig war. Das Lateinische zum Beispiel hatte sich bis dahin weiterentwickelt und war recht lebendig geblieben, aber die Besessenheit von der klassischen Reinheit hat diesen natürlichen Prozess unterbrochen und dazu geführt, dass es in seine klassische Form zurückfiel. Für Jacques Le Goff und andere seiner Schule war die Renaissance eine Epoche, in der die Kontinuitäten zum Mittelalter wichtiger waren als die Brüche – einschließlich der Beständigkeit des Konzepts des göttlichen Rechts der Könige und der Rituale der heiligen Monarchie, der technischen Grundlagen der materiellen Produktion, der Konzeption der Geschichte, der Suche nach Autorität in der Antike, des Denkens über die Grundlagen der Gesellschaft und ihrer Dreiteilung sowie der dominierenden Rolle der Kirche – und wies darauf hin, dass die Idee einer Renaissance und der Wunsch nach einer Rückkehr zu einem idealisierten Goldenen Zeitalter, das in der Antike angesiedelt ist, die europäische Kultur bis nach der Französischen Revolution durchdringen; In der Tat gab es mehrere „Renaissancen“ vor und nach der italienischen, insbesondere die karolingische, die otonische und die neoklassische. Viele Wissenschaftler haben darauf hingewiesen, dass in dieser Phase die wirtschaftliche Rezession gegenüber den prosperierenden Perioden überwog, aber andere halten dem entgegen, dass dies ein europäisches Phänomen und nicht spezifisch italienisch oder florentinisch gewesen zu sein scheint, während Eugenio Garin, Lynn Thorndike und einige andere der Ansicht sind, dass der wissenschaftliche Fortschritt vielleicht tatsächlich weit weniger originell war, als man annimmt.

Marxistische Historiker haben es vorgezogen, die Renaissance mit materialistischen Begriffen zu beschreiben, und behaupteten, dass die Veränderungen in Kunst, Literatur und Philosophie nur Teil des allgemeinen Trends weg von der Feudalgesellschaft hin zum Kapitalismus waren, der zum Entstehen einer bürgerlichen Klasse führte, die die Zeit und das Geld hatte, sich den Künsten zu widmen. Es wird auch argumentiert, dass der Rückgriff auf klassische Referenzen zu dieser Zeit oft ein Vorwand war, um die Ziele der Elite zu legitimieren, und dass die Inspiration im republikanischen Rom und insbesondere im kaiserlichen Rom zur Herausbildung eines Geistes der Konkurrenz und des Söldnerwesens geführt hat, den der arriviste für einen oft skrupellosen sozialen Aufstieg nutzte.

Beginnend mit dem Aufkommen der modernen Avantgarde zu Beginn des 20. Jahrhunderts und dann in mehreren aufeinanderfolgenden Wellen der Wiederaufwärmung hat die jüngste Kritik die Beziehungen der kulturellen Renaissance auf praktisch jeden Aspekt des Lebens dieser Zeit ausgedehnt und ihr Erbe auf so unterschiedliche Weise interpretiert, dass die alten Konsense zu vielen bestimmten Themen zerbröckelt sind. Es hat sich jedoch der Eindruck erhalten, dass diese Zeit in vielen Bereichen fruchtbar war für meisterhafte und innovative Leistungen und dass sie die Kultur und die Gesellschaft des Westens für lange Zeit tief geprägt hat.

Auch wenn die jüngste Kritik das traditionelle Ansehen der Renaissance stark erschüttert hat, indem sie alle Epochen gleichwertig bewertet und sie in ihrer Besonderheit gewürdigt hat, hat dies gleichzeitig eine außerordentliche Bereicherung und Erweiterung des Verständnisses ermöglicht, das wir heute von ihr haben, aber dieses Ansehen war nie ernsthaft bedroht, vor allem weil die Renaissance unbestreitbar eine der Grundlagen und ein wesentlicher Bestandteil der modernen westlichen Zivilisation war und auch heute noch eine lebendige Referenz ist. Einige ihrer wichtigsten Werke sind auch zu Ikonen der Populärkultur geworden, wie Michelangelos David und Die Schöpfung oder Da Vincis Mona Lisa. Die Zahl der Studien zu diesem Thema, die von Tag zu Tag zunimmt, und die anhaltenden Kontroversen zu zahlreichen Aspekten zeigen, dass die Renaissance reich genug ist, um weiterhin die Aufmerksamkeit der Kritiker und der Öffentlichkeit auf sich zu ziehen.

Auch wenn die Meinungen zu einzelnen Aspekten weit auseinandergehen, scheint heute ein Konsens darüber zu bestehen, dass die Renaissance eine Zeit war, in der viele tief verwurzelte, als wahr angenommene Überzeugungen zur Diskussion gestellt und durch wissenschaftliche Untersuchungsmethoden überprüft wurden. Damit wurde eine Phase eingeleitet, in der die Vorherrschaft der Religion und ihrer Dogmen nicht mehr absolut war und die den Weg für die Entwicklung von Wissenschaft und Technik, wie wir sie heute kennen, ebnete. Das spätere politische Denken wäre ohne die in der Renaissance gefestigten humanistischen Grundlagen nicht möglich gewesen, als die Philosophen in der Antike nach Präzedenzfällen für die Verteidigung der republikanischen Ordnung und der menschlichen Freiheit suchten und Ideen aktualisierten, die einen entscheidenden Einfluss auf die Rechtsprechung, die Verfassungstheorie und die Bildung moderner Staaten hatten.

Im Bereich der bildenden Kunst wurden Mittel entwickelt, die gegenüber dem Mittelalter einen gewaltigen Sprung in der Fähigkeit zur Darstellung von Raum, Natur und menschlichem Körper ermöglichten, wobei seit der Antike verloren gegangene Techniken wiederbelebt und neue geschaffen wurden. Die architektonische Sprache der Paläste, Kirchen und großen Denkmäler, die aus dem klassischen Erbe hervorgegangen ist, ist auch heute noch gültig und wird verwendet, wenn man dem modernen Bauen Würde und Bedeutung verleihen will. In der Literatur wurden die Volkssprachen würdig, Kultur und Wissen zu vermitteln, und das Studium der Texte der griechisch-römischen Philosophen verbreitete Maximen, die noch heute im Volksmund präsent sind und hohe Werte wie Heldentum, Gemeinsinn und Altruismus fördern, die grundlegende Bausteine für den Aufbau einer gerechteren und freieren Gesellschaft für alle sind. Die Verehrung der klassischen Vergangenheit und ihrer besten Werte schuf eine neue Sicht auf die Geschichte und begründete die moderne Geschichtsschreibung. Sie lieferte die Grundlage für die Herausbildung eines Bildungssystems, das damals über die Eliten hinausging und noch heute die Lehrpläne eines Großteils des Westens strukturiert und die soziale Ordnung und die Regierungssysteme stützt. Schließlich zieht das umfangreiche künstlerische Schaffen, das in so vielen Ländern Europas fortbesteht, weiterhin Menschen aus allen Teilen der Welt an und ist ein wesentlicher Bestandteil der Definition der westlichen Kultur.

So viele Assoziationen es auch gibt, so sehr sich die Wissenschaftler auch bemühen, das Thema zu erhellen, es bleibt doch voller Legenden, Stereotypen und Leidenschaft, vor allem in der öffentlichen Meinung. Mit den Worten von John Jeffries Martin, Leiter des Fachbereichs Geschichte an der Duke University und Herausgeber eines großen Bandes mit kritischen Aufsätzen, der 2003 veröffentlicht wurde und in dem er die Entwicklung der Geschichtsschreibung und die Tendenzen der neueren Kritik zusammenfasst,

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Bildende Kunst

In der Kunst war die Renaissance ganz allgemein durch die Inspiration durch die alten Griechen und Römer und durch die Auffassung der Kunst als Nachahmung der Natur gekennzeichnet, wobei der Mensch in diesem Panorama einen privilegierten Platz einnimmt. Aber mehr als eine Nachahmung musste die Natur, um gut dargestellt zu werden, eine Übersetzung erfahren, die sie unter einer rationalen und mathematischen Optik organisierte, als Spiegel einer göttlichen Ordnung, die zu enthüllen und auszudrücken Aufgabe der Kunst war, in einer Zeit, die von großer intellektueller Neugier, einem analytischen und organisierenden Geist und einer Mathematisierung und Verwissenschaftlichung aller Naturphänomene geprägt war. Es war die Zeit der großen Ambitionen, der Künstler näherte sich dem Wissenschaftler und dem Philosophen an, und die Humanisten strebten nach enzyklopädischem Wissen; es erschienen wichtige standardisierende Abhandlungen und diverse Essays über Kunst und Architektur, die den Grundstein für eine neue Geschichtsschreibung und einen neuen Ansatz für den Schaffensprozess legten. Alle Künste profitierten von den wissenschaftlichen Fortschritten, die in verschiedenen Bereichen zu Verbesserungen bei Techniken und Materialien führten. Hervorzuheben sind beispielsweise die Wiederentdeckung der Technik des Wachsausschmelzverfahrens, die es ermöglichte, Denkmäler in einem im Vergleich zu mittelalterlichen Bronzen noch nie dagewesenen Umfang zu schaffen, und die Verbreitung optischer und mechanischer Mechanismen als Hilfsmittel für Malerei und Bildhauerei. Andererseits profitierte die Wissenschaft von der Kunst, indem sie den Grad der Präzision und des Realismus der Illustrationen in wissenschaftlichen Abhandlungen und in der Ikonographie historischer Figuren erhöhte und sich die von den Künstlern eingeführten Ideen zu Geometrie und Raum sowie den Impuls zur Erforschung und Beobachtung der natürlichen Welt zunutze machte.

Der griechisch-römische Proportionskanon bestimmte wieder die Konstruktion der menschlichen Figur; auch die Kultivierung der typisch klassischen Schönheit kehrte zurück. Das Studium der menschlichen Anatomie, die zunehmende Übernahme der griechisch-römischen Mythologie in den visuellen Diskurs und das Wiederauftauchen des Aktes, frei von den Tabus, mit denen das Thema im Mittelalter belegt war, erneuerten die Ikonographie der Malerei und Skulptur dieser Zeit umfassend und eröffneten weite neue Felder der formalen und symbolischen Forschung, begünstigte die Erforschung verschiedener Emotionen und Stimmungen, beeinflusste die Mode und die Umgangsformen, stimulierte den Kollektivismus, den Antiquarismus und die Archäologie und schuf eine neue visuelle Tradition von bleibendem Einfluss, während das bürgerliche und private Mäzenatentum die Mittel für eine außergewöhnliche Blüte der profanen Kunst bereitstellte. Das Interesse an der Darstellung des Natürlichen belebte auch die Tradition der Porträtmalerei, die nach dem Untergang des Römischen Reiches weitgehend aufgegeben worden war.

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Das Produktionssystem

In der Renaissance war der Künstler ein Profi. Bis zum 16. Jahrhundert sind dokumentierte Beispiele von Werken, die außerhalb des Auftragssystems entstanden sind, äußerst selten, und die überwiegende Mehrheit der Fachleute war an eine Zunft gebunden. Die florentinischen Maler gehörten interessanterweise zu einer der großen Künste, nämlich der der Ärzte und Apotheker. Auch die Bronzebildhauer waren eine angesehene Klasse, die zur Seidenkunst gehörte. Die anderen hingegen gehörten zu den niederen Künsten, wie die Stein- und Holzkünstler. Sie alle galten als Fachleute für die mechanischen Künste, die in der damaligen Prestigeskala unterhalb der freien Künste lagen und die einzigen waren, in denen sich der Adel ohne Schande beruflich betätigen konnte. Die Zünfte organisierten das Produktions- und Handelssystem und beteiligten sich an der Verteilung der Aufträge auf die verschiedenen privaten Werkstätten, die von den Meistern unterhalten wurden, in denen viele Helfer beschäftigt waren und in denen die Schüler aufgenommen und auf das Handwerk vorbereitet wurden. Die Familie des Postulanten bezahlte den größten Teil ihrer Ausbildung, aber sie erhielten eine gewisse Unterstützung durch den Meister, als sie fähig wurden, ihre Aufgaben gut zu erfüllen und effektiv in den Handelsgeschäften der Werkstatt mitzuarbeiten. Frauen wurden nicht zugelassen. Die Lehre war umfassend, streng diszipliniert und dauerte viele Jahre, die Schüler lernten nicht nur die Techniken des Handwerks, sondern waren auch Diener für Reinigungs- und Organisationsaufgaben im Atelier und andere Aufgaben nach dem Ermessen des Meisters, sie arbeiteten bei der Ausbildung jüngerer Schüler mit, und vor Abschluss des Kurses und der Aufnahme in die Gilde konnte kein Schüler Aufträge in seinem Namen erhalten. Es gab auch Künstler, die keine ständige Werkstatt unterhielten, sondern mit zeitlich befristeten Aufträgen durch verschiedene Städte zogen, sich bereits organisierten Gruppen anschlossen oder Helfer in der Stadt rekrutierten, in der die Arbeit ausgeführt werden sollte, aber sie waren eine Minderheit. Die Beibehaltung eines festen Standorts hinderte die Werkstätten jedoch nicht daran, Aufträge von anderen Orten zu erhalten, insbesondere wenn ihre Meister berühmt waren.

Der Beitrag der Künstler der Renaissance ist vor allem durch die großen Altäre, Denkmäler, Skulpturen und Gemälde in Erinnerung geblieben, aber die Kunstwerkstätten waren Unternehmen mit einem sehr vielfältigen Markt. Neben großen Werken für Kirchen, Paläste und öffentliche Gebäude nahmen sie auch kleinere und populärere Aufträge an: Sie schmückten private, bürgerliche und religiöse Feste und Veranstaltungen, schufen Theaterkulissen und Kostüme, Luxuskleidung, Schmuck und malten Wappen und Embleme, Sie stellten Rüstungen, Waffen, Reittiere, verzierte Haushaltsgegenstände und vieles mehr her, und viele unterhielten Läden, die ständig für die Öffentlichkeit zugänglich waren und in denen sie die Spezialitäten ihres Hauses ausstellten.

Die Künstler wurden im Allgemeinen schlecht bezahlt, es gibt viele Berichte über Armut, und nur die Meister und ihre wichtigsten Helfer erreichten eine komfortable Situation, einige Meister wurden sogar reich, aber ihr Einkommen unterlag immer einem stark schwankenden Markt. Während der gesamten Renaissance arbeiteten die Humanisten und die führenden Künstler systematisch daran, die künstlerische Klasse von den mechanischen Künsten zu emanzipieren und sie bei den Liberalen anzusiedeln, und hatten damit einen beachtlichen, aber nicht vollständigen Erfolg. Den Brauch, das überragende Talent eines Künstlers zu würdigen, gab es schon früher; Giotto, Verrocchio, Donatello und viele andere wurden von ihren Zeitgenossen enthusiastisch und ausgiebig gelobt, aber bis zum Auftauchen von Michelangelo, Raffael und Leonardo war kein Künstler in so hohem Maße Gegenstand von Schmeicheleien der Mächtigen gewesen, wodurch sich das Autoritätsverhältnis zwischen Arbeitnehmer und Arbeitgeber sowie zwischen Elite und Volk fast umkehrte, was ebenso auf das veränderte Verständnis der Rolle der Kunst zurückzuführen war wie auf das Bewusstsein dieser Künstler für ihren Wert und ihre Entschlossenheit, diesen anzuerkennen.

Der größte Beitrag der Renaissancemalerei war ihre neue Art der Naturdarstellung, die durch die Beherrschung der Bildtechnik und der Zentralperspektive eine wirksame Illusion des dreidimensionalen Raums auf einer ebenen Fläche zu schaffen vermochte. Eine solche Errungenschaft bedeutete eine radikale Abkehr vom mittelalterlichen Darstellungssystem mit seiner Statik, seinem tiefenlosen Raum, seinem figurativen Schematismus und seinem symbolischen Proportionssystem, in dem die wichtigsten Figuren in größerem Maßstab dargestellt wurden. Der neu festgelegte Parameter hatte eine mathematische und physikalische Grundlage, sein Ergebnis war „realistisch“ (im Sinne der Schaffung einer Illusion von effizientem Raum), und seine Organisation war auf den Standpunkt des Beobachters zentriert. Darin spiegelt sich die Popularisierung der Grundsätze des Rationalismus, des Anthropozentrismus und des Humanismus wider. Die von den Malern der Renaissance formulierte Bildsprache war so erfolgreich, dass sie auch heute noch gültig ist und von vielen Menschen als die natürlichste Art der Raumdarstellung angesehen wird.

Die Malerei der Renaissance ist im Wesentlichen linear; die Zeichnung galt nun als Grundlage aller bildenden Künste und ihre Beherrschung als Voraussetzung für jeden Künstler. Von großem Nutzen war dabei das Studium der antiken Skulpturen und Reliefs, die die Grundlage für die Entwicklung eines großen Repertoires an Themen und Körpergesten und -haltungen bildeten, aber auch die direkte Beobachtung der Natur war ein wichtiges Element. In der Konstruktion der Malerei bildete die Linie traditionell das demonstrative und logische Element, während die Farbe affektive Zustände oder spezifische Qualitäten anzeigte. Ein weiterer Unterschied zur Kunst des Mittelalters war die Einführung einer größeren Dynamik in den Szenen und Gesten und die Entdeckung der Schattierung oder des Helldunkels als plastisches und mimetisches Mittel.

Giotto, der zwischen dem 13. und 14. Jahrhundert wirkte, war der größte Maler der italienischen Frührenaissance und der wichtigste Wegbereiter der Naturalisten in der Malerei. Sein revolutionäres Werk, das im Gegensatz zu den Werken spätgotischer Meister wie Cimabue und Duccio steht, hinterließ bei seinen Zeitgenossen einen starken Eindruck und sollte aufgrund seiner Logik, Einfachheit, Präzision und Naturtreue die gesamte italienische Malerei des Trecento dominieren. Ambrogio Lorenzetti und Taddeo Gaddi setzten die Linie Giottos fort, ohne sie zu erneuern, obwohl sich in anderen Werken fortschrittliche Merkmale mit Elementen der immer noch starken Gotik vermischten, wie in den Werken von Simone Martini und Orcagna. Giottos naturalistischer und ausdrucksstarker Stil stellt jedoch die Avantgarde in der Visualität dieser Phase dar und breitet sich in Siena aus, das Florenz eine Zeit lang an künstlerischen Fortschritten überholt. Von dort aus verbreitete sie sich nach Norditalien.

Im Quattrocento erlangten die Darstellungen der menschlichen Figur Solidität, Majestät und Kraft und spiegelten das Selbstbewusstsein einer Gesellschaft wider, die sehr reich und komplex wurde und ein vielschichtiges Feld von Trends und Einflüssen bildete. Aber während des größten Teils des Jahrhunderts wird die Kunst den Konflikt zwischen den letzten Anklängen der spirituellen und abstrakten Gotik, die von Fra Angelico, Paolo Uccello, Benozzo Gozzoli und Lorenzo Monaco verkörpert werden, und den neuen organisierenden, naturalistischen und rationalen Kräften des Klassizismus, die von Botticelli, Pollaiuolo, Piero della Francesca und Ghirlandaio vertreten werden, offenbaren.

In diesem Sinne war nach Giotto der nächste Meilenstein der Entwicklung Masaccio, in dessen Werken der Mensch einen deutlich veredelten Aspekt hat und dessen visuelle Präsenz entschieden konkret ist, mit effizienter Nutzung der Effekte von Volumen und dreidimensionalem Raum. Er leistete einen wichtigen Beitrag zur Formulierung der modernen Bildsprache im Westen; alle bedeutenden Florentiner Maler der folgenden Generation wurden von ihm beeinflusst, und als sein Werk von Leonardo da Vinci, Michelangelo und Raffael „wiederentdeckt“ wurde, erfuhr es eine noch größere Wertschätzung und blieb sechs Jahrhunderte lang in Mode. Für viele Kritiker ist er der wahre Begründer der Renaissance in der Malerei, und es wurde von ihm gesagt, dass er „der erste war, der es verstand, Menschen zu malen, die wirklich mit ihren Füßen die Erde berührten“.

In Venedig, einem weiteren Zentrum von großer Bedeutung und vielleicht der größte Rivale von Florenz in diesem Jahrhundert, gab es eine Gruppe berühmter Künstler wie Jacopo Bellini, Giovanni Bellini, Vittore Carpaccio, Mauro Codussi und Antonello da Messina. Siena, das in früheren Jahren der Avantgarde angehört hatte, schwankte nun zwischen der spirituellen Anziehungskraft der Gotik und der profanen Anziehungskraft des Klassizismus und verlor an Schwung. Inzwischen begann auch in anderen Regionen Norditaliens der Klassizismus zu erstarken, durch Perugino in Perugia, Cosimo Tura in Ferrara, Pinturicchio, Melozzo da Forli und Mantegna in Padua und Mantua. Pisanello war in einer Vielzahl von Städten tätig.

Man sollte auch an den erneuernden Einfluss der Ölmalerei auf die italienischen Maler denken, die im Quattrocento in den Niederlanden entwickelt wurde und einen hohen Verfeinerungsgrad erreicht hatte, der es ermöglichte, viel präzisere und schärfere Bilder mit einer viel subtileren Schattierung als mit Fresko, Enkaustik und Tempera zu schaffen, eine Neuheit, die einen wichtigen Einfluss auf die Porträt- und Landschaftsmalerei hatte. Die flämischen Gemälde wurden in Italien gerade wegen dieser Eigenschaften sehr geschätzt, und viele von ihnen wurden von den Italienern importiert, kopiert oder nachgeahmt.

Später, in der Hochrenaissance, drang Leonardo da Vinci mit einer ausgefeilten Öltechnik in das Terrain der zweideutigen und geheimnisvollen Atmosphären ein und verband dabei Kunst und Wissenschaft. Mit Raffael erreichte das klassizistische Darstellungssystem einen grandiosen Maßstab, indem er imposante illusionistische Architekturen und Landschaften schuf, aber er übertrug auch eine bis dahin unbekannte Süße in seine Madonnen, die bald sehr populär wurde. In Venedig sticht vor allem Tizian hervor, der neue chromatische Beziehungen und eine freiere, gestischere Maltechnik erforscht. Michelangelo krönte den Prozess der Verherrlichung des Menschen in der Sixtinischen Kapelle zu einem überhöhten Ausdruck des Mythischen, Erhabenen, Heroischen und Pathetischen. Viele andere hinterließen wichtige Beiträge, wie Correggio, Sebastiano del Piombo, Andrea del Sarto, Jacopo Palma, Giorgione und Pontormo.

Diese Phase, die von großer formaler Ausgewogenheit geprägt war, währte jedoch nicht lange und wurde bald durch den Manierismus grundlegend verändert. Mit den Manieristen änderte sich die gesamte Raumauffassung, die Perspektive wurde in mehrere Blickwinkel aufgesplittert und die Proportionen der menschlichen Figur wurden zu expressiven oder ästhetischen Zwecken verzerrt, wodurch eine dynamischere, lebendigere, subjektivere, dramatischere, kostbarere, intellektuellere und anspruchsvollere Bildsprache entstand.

In der Bildhauerei sind die Anzeichen für eine Neubewertung einer klassizistischen Ästhetik alt. Nicola Pisano schuf um 1260 eine Kanzel für das Baptisterium von Pisa, die als Vorläufer der Renaissance in der Bildhauerei gilt. Er fügte dort einen großen männlichen Akt ein, der die Tugend der Tapferkeit darstellt, und es scheint klar zu sein, dass seine Hauptinspiration aus der Beobachtung der mit Reliefs verzierten römischen Sarkophage auf dem Friedhof von Pisa kam. Sein Beitrag, der sich zwar auf wenige Werke beschränkt, gilt für die Geschichte der Bildhauerei als ebenso bedeutend wie der von Giotto für die Malerei. In der Tat ist Giottos Kunst weitgehend den Forschungen von Nicola Pisano geschuldet.

Sein Sohn Giovanni Pisano und andere wichtige Nachfolger wie Arnolfo di Cambio und Lapo di Ricevuto ziehen wertvolle Lehren aus dem Kontakt mit dem Klassizismus, doch ihr Stil entwickelt sich in dieser Hinsicht ungleichmäßig. Giovanni wird später die Szene in Florenz, Pisa und Siena zu Beginn des vierzehnten Jahrhunderts beherrschen, er schafft weitere bedeutende Akte, darunter einen weiblichen Akt, der das klassische Modell der Venus pudica reproduziert, und er ist einer der Begründer eines neuen Genres, des schmerzhaften Kruzifixes, das von großer Dramatik und großem Einfluss ist und bis dahin in der Toskana nicht üblich war. Sein vielseitiges Talent führte zu Werken mit klaren, reinen Linien, wie dem Porträt von Enrico Scrovegni. Seine Madonnen, Reliefs und die Kanzel des Doms von Pisa sind dagegen viel bewegender und dramatischer.

In der Mitte des Jahrhunderts erlangte Andrea Pisano als Autor der Reliefs an der Südtür des Baptisteriums in Florenz und als Architekt des Doms von Orvieto Berühmtheit. Er war Meister von Orcagna, dessen Tabernakel in Orsanmichele zu den Meisterwerken der Epoche gehört, und von Giovanni di Balduccio, dem Autor eines exquisiten und komplexen Grabdenkmals in der Mailänder Portinari-Kapelle. Seine Generation war durch den Einfluss der Malerei Giottos geprägt. Trotz der von einigen aktiven Meistern erzielten Fortschritte spiegeln ihre Werke immer noch eine Überschneidung von Strömungen wider, die für das gesamte Trecento typisch ist, und gotische Elemente sind in allen Werken noch vorherrschend oder wichtig.

Gegen Ende des Trecento taucht in Florenz Lorenzo Ghiberti auf, der die Reliefs im Baptisterium von San Giovanni schuf, wo die klassischen Vorbilder fest etabliert waren. Donatello führte dann die Vorstöße an verschiedenen Fronten an und übte einen großen Einfluss aus. Zu seinen Hauptwerken gehören Statuen alttestamentlicher Propheten, von denen Habakuk und Jeremia zu den eindrucksvollsten gehören. Auch im Bereich des Reiterstandbildes war er innovativ und schuf das Gattamelata-Denkmal, das bedeutendste seiner Art seit dem Denkmal des Marcus Aurelius im zweiten Jahrhundert. Seine hölzerne, büßende Magdalena von 1453 schließlich ist ein Bild des Schmerzes, der Entbehrung und der Verklärung, das zu seiner Zeit ohne Parallele war und einen ergreifenden Sinn für Dramatik und Realität in die Bildhauerei einführte, wie man ihn bis dahin nur im Hellenismus gesehen hatte.

In der nächsten Generation zeichnet sich Verrocchio durch die Theatralik und Dynamik seiner Kompositionen aus. Er war ein Maler, Bildhauer, Bühnenbildner und Dekorateur, einer der wichtigsten Günstlinge der Medici. Sein Christus und der heilige Thomas ist von großem Realismus und Poesie. Für den Neptunbrunnen in Florenz komponierte er ein Kind mit Delphin, das den Prototyp der Schlangenfigur darstellt, die im Manierismus und Barock das prestigeträchtigste formale Modell werden sollte, und mit der Dame mit Blumenstrauß präsentierte er ein neues Büstenmodell, das die Arme und den halben Körper einschloss und populär wurde. Sein größtes Werk, das Reiterdenkmal für Bartolomeo Colleoni in Venedig, ist ein Ausdruck von Kraft und Stärke, der noch intensiver ist als die Gattamelata. Verrocchio hatte Einfluss auf viele Maler und Bildhauer des 15. Jahrhunderts, darunter Leonardo, Perugino und Raffael, und gilt als einer der größten Künstler des Jahrhunderts.

Weitere bekannte Namen sind Luca della Robbia und seine Familie, eine Töpferdynastie, die eine neue Technik des Glasierens und Verglasens von Keramik entwickelt hat. Eine ähnliche Technik, die Majolika, war schon seit Jahrhunderten bekannt, aber Luca entwickelte eine Variante und wandte sie erfolgreich auf großformatige Skulpturen und dekorative Sets an. Seine Erfindung erhöhte die Haltbarkeit und Festigkeit der Stücke, bewahrte lebendige Farben und ermöglichte die Aufstellung im Freien. Luca war auch ein bekannter Marmorbildhauer, und Leon Battista Alberti zählte ihn zusammen mit Masaccio und Donatello zu den führenden Vertretern der florentinischen Avantgarde. Die großen Verbreiter der keramischen Technik waren jedoch sein Neffe Andrea della Robbia und sein Sohn Giovanni della Robbia, die die Dimensionen der Assemblagen vergrößerten, die Farbpalette bereicherten und das Finish verfeinerten. Die Technik wurde lange Zeit als Geheimnis gehütet.

Florenz blieb das Zentrum der Avantgarde bis zum Erscheinen von Michelangelo, der für die Medici und in Rom für die Päpste arbeitete und von der Hochrenaissance bis zur Mitte des fünfzigsten Jahrhunderts der einflussreichste Name in der Bildhauerei war. Sein Werk entwickelt sich vom reinen Klassizismus des David und des Bacchus hin zum Manierismus, der sich in vehementen und dramatischen Werken wie den Sklaven, dem Moses und den Akten in der Medici-Kapelle in Florenz ausdrückt. Künstler wie Desiderio da Settignano, Antonio Rosselino, Agostino di Duccio und Tullio Lombardo hinterließen ebenfalls Werke von großer Meisterschaft und Bedeutung, wie zum Beispiel Lombardos Adam, der erste seit der Antike bekannte Akt in Lebensgröße.

Der Renaissance-Zyklus schließt mit Werken von Giambologna, Baccio Bandinelli, Francesco da Sangallo, Jacopo Sansovino und Benvenuto Cellini, die sich durch einen dynamischen und ausdrucksstarken Stil auszeichnen, der in Giambolognas Entführung durch die Sabiner zum Ausdruck kommt. Herausragende Künstler aus anderen europäischen Ländern, wie Adriaen de Vries und Germain Pilon, begannen bereits nach eindeutig italienischem Vorbild zu arbeiten, verbreiteten den italienischen Geschmack in einem großen geografischen Gebiet und führten zu verschiedenen synkretistischen Formulierungen mit regionalen Schulen.

Skulpturen waren überall präsent, in den Straßen als Denkmäler und Verzierungen von Gebäuden, in den Sälen des Adels, in Kirchen, und im einfachsten Haus gab es immer ein Andachtsbild. Vasen, Möbel und Alltagsgegenstände der Elite waren oft mit geschnitzten oder gravierten Details versehen, und auch Miniaturen wie Gedenkmedaillen können diesem Bereich zugeordnet werden. In dieser Zeit wurden technische Hilfsmittel entwickelt, die im Vergleich zum Mittelalter einen gewaltigen Sprung in der Fähigkeit ermöglichten, freie Formen im Raum zu schaffen und die Natur und den menschlichen Körper darzustellen. Mit der Veröffentlichung verschiedener Abhandlungen und Kommentare zu dieser Kunst wurden Methoden und Theorien eingeführt, die das Verständnis dieses Bereichs erweiterten und ihn auf eine wissenschaftlichere Grundlage stellten, wodurch eine einflussreiche kritische Tradition begründet wurde. Die Verbesserung der Bildhauertechniken ermöglichte die Schaffung von Werken in einer Größenordnung, wie sie nur in der Antike bekannt war, und der bürgerliche Geist der Florentiner regte die Erfindung neuer Modelle öffentlicher Denkmäler an, eine Typologie, die mit einem anderen Verständnis der Darstellungsfähigkeit des Menschen als soziale und erzieherische Praxis verbunden war.

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Musik

Im Allgemeinen bietet die Musik der Renaissance kein Panorama abrupter Brüche in der Kontinuität, und die gesamte lange Periode kann als das Terrain der langsamen Transformation vom modalen zum tonalen Universum und von der horizontalen Polyphonie zur vertikalen Harmonie betrachtet werden. Die Renaissance war auch eine Zeit der großen Erneuerung in der Behandlung der Stimme und in der Orchestrierung, in der Instrumentalmusik und in der Konsolidierung der rein instrumentalen Gattungen und Formen mit den Tanzsuiten für Bälle, da es eine große Nachfrage nach musikalischer Unterhaltung bei jedem Fest oder jeder Zeremonie gab, ob öffentlich oder privat.

In der Kompositionstechnik wird die melismatische Mehrstimmigkeit der Organone, die direkt aus dem gregorianischen Gesang abgeleitet ist, zugunsten einer schlankeren Komposition aufgegeben, wobei die Stimmen in einer zunehmend ausgewogenen Weise behandelt werden. Zu Beginn der Periode wird der parallele Satz sparsam verwendet, Vorzeichen sind selten, aber harte Dissonanzen sind üblich. Im weiteren Verlauf der dreistimmigen Komposition treten Dreiklänge auf, die einen Eindruck von Tonalität vermitteln. Zum ersten Mal wird eine beschreibende oder programmatische Musik versucht, starre rhythmische Modi weichen der Isorhythmie und freieren, dynamischeren Formen wie der Ballade, dem Chanson und dem Madrigal. In der sakralen Musik wurde die Form der Messe zur prestigeträchtigsten. Die Notation entwickelt sich hin zur Annahme von Noten mit niedrigerem Wert, und gegen Ende der Periode wird das Intervall der Terzen als Konsonanz akzeptiert, während es vorher nur die Quinte, die Oktave und der Unisono waren.

Die Vorreiter dieses Wandels waren keine Italiener, sondern Franzosen wie Guillaume de Machaut, Autor der größten musikalischen Leistung des Trecento in ganz Europa, der Messe von Notre Dame, und Philippe de Vitry, der von Petrarca sehr gelobt wurde. Von der italienischen Musik dieser frühen Phase ist nur sehr wenig überliefert, obwohl bekannt ist, dass die Aktivität intensiv und fast ausschließlich im profanen Bereich stattfand. Die wichtigsten Quellen für Partituren sind der Codex Rossi, der Codex Squarcialupi und der Codex Panciatichi. Zu ihren Vertretern gehörten Matteo da Perugia, Donato da Cascia, Johannes Ciconia und vor allem Francesco Landini. Erst im Cinquecento begann die italienische Musik, die bis dahin stark von der französisch-flämischen Schule abhängig war, ihre eigenen Merkmale zu entwickeln.

Die Vorherrschaft der nördlichen Einflüsse bedeutet nicht, dass das Interesse der Italiener an der Musik gering war. In Ermangelung von musikalischen Vorbildern aus der Antike, denen man nacheifern konnte, griffen italienische Philosophen wie Ficino auf klassische Texte von Platon und Aristoteles zurück, um eine Musik zu schaffen, die der Alten würdig war. Eine wichtige Rolle spielten dabei Lorenzo de“ Medici in Florenz, der eine Musikakademie gründete und mehrere europäische Musiker anzog, und Isabella d“Este, deren kleiner, aber glänzender Hof in Mantua Dichter anlockte, die einfache Gedichte in italienischer Sprache schrieben, um sie zu vertonen, und dort wurde der Vortrag von Gedichten, wie auch in anderen italienischen Zentren, in der Regel von Musik begleitet. Die bevorzugte Gattung war die Frottola, die bereits eine klar definierte tonal-harmonische Struktur aufwies und zur Erneuerung des Madrigals mit seiner typischen Text- und Affekttreue beitragen sollte. Andere mehrstimmige Gattungen wie die Messe und die Motette machen inzwischen vollen Gebrauch von der Imitation zwischen den Stimmen und werden alle auf ähnliche Weise behandelt.

Wichtige flämische Komponisten arbeiten in Italien, wie Adriaen Willaert und Jacob Arcadelt, aber die berühmtesten Persönlichkeiten des Jahrhunderts sind der Italiener Giovanni da Palestrina und der Flame Orlando de Lasso, die mit einer melodiösen und reichen Komposition von großer formaler Ausgewogenheit und edler Ausdruckskraft einen Standard für die Chormusik setzten, der auf dem ganzen Kontinent befolgt werden sollte, wobei die Verständlichkeit des Textes gewahrt blieb, ein Aspekt, der in der vorangegangenen Epoche oft zweitrangig war und in der komplizierten Komplexität des Kontrapunkts unterging. Der Eindruck seiner Musik entspricht der idealistischen Erhabenheit der Hochrenaissance, die in einer Phase aufblühte, als der Manierismus in anderen Künsten wie der Malerei und der Bildhauerei bereits stark ausgeprägt war. Am Ende des Jahrhunderts traten drei große Persönlichkeiten auf, Carlo Gesualdo, Giovanni Gabrieli und Claudio Monteverdi, die Fortschritte in der Harmonik und einen Sinn für Farben und Klangfarben einführten, die die Musik bereicherten, indem sie ihr eine manieristische Ausdruckskraft und Dramatik verliehen und sie auf den Barock vorbereiteten. Monteverdi ist der erste große Opernkomponist der Geschichte, und seine Opern L“Orfeo (1607) und L“Arianna (1608, verschollen, nur eine berühmte Arie, das Lamento, ist erhalten) stellen den edlen Sonnenuntergang der Renaissancemusik und die ersten großen Meilensteine des musikalischen Barock dar.

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Architektur

Die vielen Spuren des antiken Roms im italienischen Boden haben nie aufgehört, die lokale Bauplastik zu beeinflussen, sei es durch die Verwendung von Strukturelementen oder Materialien, die von den Römern verwendet wurden, oder durch die Bewahrung der Erinnerung an klassische Formen. Dennoch blieb die Gotik im Trecento der vorherrschende Stil, und der Klassizismus sollte erst im folgenden Jahrhundert inmitten eines neuen Interesses an den großen Errungenschaften der Vergangenheit stark aufkommen. Dieses Interesse wurde durch die Wiederentdeckung verloren geglaubter klassischer Literatur, wie z. B. Vitruvs De Architectura, das 1414 oder 1415 in der Bibliothek der Abtei von Monte Cassino gefunden wurde, angeregt. Darin verherrlichte der Autor den Kreis als perfekte Form und ging auf die idealen Proportionen des Gebäudes und der menschlichen Figur sowie auf die Symmetrie und die Beziehung der Architektur zum Menschen ein. Seine Ideen wurden dann von anderen Architekten weiterentwickelt, wie z. B. dem ersten großen Vertreter des architektonischen Klassizismus, Filippo Brunelleschi, der sich ebenfalls von den Ruinen inspirieren ließ, die er in Rom studiert hatte. Er war der erste, der moderne architektonische Ordnungen kohärent einsetzte und ein neues System von Proportionen auf der Grundlage des menschlichen Maßstabs einführte. Ihm ist auch die Verwendung der Perspektive für die illusionistische Darstellung des dreidimensionalen Raums auf einer zweidimensionalen Ebene zu verdanken, eine Technik, die in den folgenden Jahrhunderten stark weiterentwickelt wurde und den gesamten Stil der zukünftigen Kunst prägen sollte, indem sie eine fruchtbare Verbindung zwischen Kunst und Wissenschaft einleitete. Leon Battista Alberti ist ein weiterer bedeutender Architekt, der als perfektes Beispiel für den „Universalmenschen“ der Renaissance gilt, der in verschiedenen Fachgebieten vielseitig einsetzbar ist. Er war der Autor des Traktats De re aedificatoria, das später kanonisch wurde. Andere Architekten, Künstler und Philosophen trugen zur Diskussion bei, wie Luca Pacioli in seinem Werk De Divina Proportione, Leonardo mit seinen Entwürfen für zentrierte Kirchen und Francesco di Giorgio mit dem Trattato di architettura, ingegneria e arte militare.

Zu den bemerkenswertesten Merkmalen der Renaissance-Architektur gehört die Wiederkehr des zentralisierten Tempelmodells, das auf einem griechischen Kreuz basiert und von einer Kuppel gekrönt wird, was die Popularisierung von Konzepten aus der neuplatonischen Kosmologie widerspiegelt und die Inspiration von Reliquienbauten wie dem Pantheon in Rom mit sich bringt. Der erste Bau dieser Art in der Renaissance war vielleicht San Sebastiano in Mantua, ein Werk von Alberti aus dem Jahr 1460, das jedoch unvollendet blieb. Das Modell basierte auf einem menschlicheren Maßstab, verzichtete auf die starke Vertikalität der gotischen Kirchen und hatte die Kuppel als Krönung einer Komposition, die sich durch ihre Verständlichkeit auszeichnete. Vor allem in Bezug auf die Struktur und die Konstruktionstechniken der Kuppel wurden in der Renaissance große Errungenschaften erzielt, aber sie wurde erst spät in das System aufgenommen, da Holzdächer bevorzugt wurden. Zu den bedeutendsten gehören die achteckige Kuppel der Kathedrale von Florenz von Brunelleschi, der beim Bau weder ein Gerüst noch Beton verwendete, und die Kuppel des Petersdoms in Rom von Michelangelo, die bereits im 16.

Vor dem Cinquecento gab es kein Wort für Architekten in dem Sinne, wie sie heute verstanden werden, und sie wurden Baumeister genannt. Die Architektur war die prestigeträchtigste Kunst der Renaissance, aber die meisten der führenden Meister der Epoche waren, als sie ihre Tätigkeit in der Baukunst aufnahmen, bereits angesehene Künstler, die jedoch keine Ausbildung auf diesem Gebiet hatten, sondern aus der Bildhauerei oder Malerei kamen. Sie wurden für die großen Projekte der öffentlichen Gebäude, Paläste und Kirchen herangezogen, während die Volksarchitektur den kleinen Baumeistern anvertraut wurde. Im Gegensatz zur mittelalterlichen Praxis, die sich durch Funktionalität und Unregelmäßigkeit auszeichnete, sahen die Meister die Gebäude als Kunstwerke an, waren voller Ideen über göttliche Geometrien, Symmetrien und perfekte Proportionen, wollten römische Bauten nachahmen und fertigten detaillierte Zeichnungen und ein kleines Holzmodell des Gebäudes an, das den Bauleuten als Vorlage diente. Diese Entwürfe waren strukturell und plastisch innovativ, berücksichtigten aber kaum die praktische Durchführbarkeit und die Bedürfnisse des täglichen Gebrauchs, insbesondere bei der Verteilung der Räume. Die Bauherren mussten die technischen Probleme lösen, die sich während der Arbeiten ergaben, wobei sie versuchten, den ursprünglichen Entwurf beizubehalten, aber oft wichtige Anpassungen und Änderungen vornahmen, wenn sich der Entwurf oder ein Teil davon als unpraktisch erwies. Hartt zufolge waren die Bauherren zu Beginn großer und komplexer Bauwerke wie Kirchen selten sicher, dass sie es bis zum Ende schaffen würden. Einige Meister arbeiteten jedoch lange Jahre daran und wurden zu großen Kennern der Materie, die wichtige technische, strukturelle und funktionelle Neuerungen einführten. Sie entwarfen auch Festungsanlagen, Brücken, Kanäle und andere Bauwerke sowie groß angelegte Stadtplanungen. Die meisten der zahlreichen Renaissance-Stadtpläne wurden nie verwirklicht, und von denen, die begonnen wurden, ging keiner sehr weit, aber sie sind seither eine Quelle der Inspiration für Stadtplaner aller Generationen.

Auf der weltlichen Seite sicherten Aristokraten wie die Medici, die Strozzi und die Pazzi ihren Status, indem sie den Bau von Palästen von großer Größe und Originalität in Auftrag gaben, wie den Pitti-Palast (Brunelleschi), den Palazzo Medici Riccardi (Michelozzo), den Palazzo Rucellai (Alberti) und den Palazzo Strozzi (Maiano), alle nach dem Vorbild der mittelalterlichen italienischen Paläste, mit einem mehr oder weniger kubischen Grundriss, hohen Stockwerken, die um einen Innenhof herum angeordnet sind, mit einer rustikalen Fassade, die von einem großen Gesims gekrönt wird, was ihnen einen soliden und unbesiegbaren Charakter verleiht. Rein klassizistische Formen sind in der Villa Medici von Giuliano da Sangallo zu sehen. Interessante Variationen dieses Modells finden sich in Venedig aufgrund der Überschwemmungseigenschaften des Geländes.

Nach der führenden Figur Donato Bramante in der Hochrenaissance, der das Zentrum des architektonischen Interesses von Florenz nach Rom verlegte und einer der vorbildlichsten Sakralbauten seiner Generation, der Tempietto, ist es Michelangelo selbst, der als Erfinder der Kolossalordnung gilt und eine Zeit lang die Werke des Petersdoms entwarf. Michelangelo war in den Augen seiner Zeitgenossen der erste, der die bis dahin geltenden Regeln der klassizistischen Architektur in Frage stellte und einen persönlichen Stil entwickelte, denn er war laut Vasari der erste, der sich der wahren schöpferischen Freiheit öffnete. Er steht also für das Ende des „kollektiven Klassizismus“, der in seinen Lösungen eher homogen ist, und für den Beginn einer Phase der Individualisierung und Vervielfältigung der Architektursprachen. Durch das immense Ansehen, das er in den eigenen Reihen genoss, ebnete er der neuen Generation von Baukünstlern den Weg für zahllose Experimente aus dem klassischen Kanon der Architektur und machte diese Kunst unabhängig von den alten – wenn auch weitgehend in deren Schuld. Einige der bekanntesten Namen dieser Epoche waren Della Porta, Sansovino, Palladio, Fontana, Peruzzi und Vignola. Zu den Änderungen, die diese Gruppe einführte, gehörten die Lockerung der Frontispizstruktur und die Aufhebung der Hierarchien der alten Orden, mit großer Freiheit für die Verwendung unorthodoxer Lösungen und der Entwicklung einer Vorliebe für ein rein plastisches Spiel mit Formen, das den Innenräumen und Fassaden viel mehr Dynamik verlieh. Von allen Spätrenaissance-Architekten war Palladio der einflussreichste und ist auch heute noch der am meisten studierte Architekt der Welt. Er war der Begründer einer fruchtbaren Schule, des so genannten Palladianismus, der mit Höhen und Tiefen bis ins zwanzigste Jahrhundert hinein Bestand hatte.

Mit der zunehmenden Bewegung von Künstlern, Humanisten und Lehrern zwischen den Städten nördlich der Alpen und der italienischen Halbinsel und mit der großen Verbreitung von gedruckten Texten und Kunstwerken durch Reproduktionen im Kupferstich begann für den italienischen Klassizismus in der Mitte des 15. Jahrhunderts eine Phase der Verbreitung auf dem Kontinent. Franz I. von Frankreich und Karl V., Kaiser des Heiligen Römischen Reiches, erkannten bald das Potenzial des Prestiges der italienischen Kunst zur Förderung ihrer Königsbilder und trugen entscheidend zu ihrer intensiven Verbreitung jenseits der Alpen bei. Dies geschah jedoch zu Beginn des 16. Jahrhunderts, als der Renaissance-Zyklus in Italien bereits seit mindestens zweihundert Jahren herangereift war und sich bereits in seiner manieristischen Phase befand.

Es ist also festzustellen, dass es im übrigen Europa kein Quattrocento und keine Hochrenaissance gab. Im Cinquecento, dem Zeitraum, in dem die europäische Italianisierung ihren Höhepunkt erreichte, waren die regionalen Traditionen, auch wenn sie bis zu einem gewissen Grad an den Klassizismus angelehnt waren, noch stark von den in Italien bereits überholten Stilen wie der Romanik und der Gotik geprägt. Das Ergebnis war sehr heterogen und reichhaltig gemischt, führte zur Eröffnung zahlreicher Wege und seine Analyse war voller Kontroversen, wobei der einzige große Konsens, der sich herausgebildet hat, die Vielfältigkeit der Bewegung, ihre breite Ausstrahlung und die Schwierigkeit einer kohärenten generalistischen Beschreibung ihrer Erscheinungsformen unter dem Blickwinkel der Existenz regionaler und nationaler Schulen mit starker Individualität, jede mit einer spezifischen Geschichte und Werten, betont.

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Frankreich

Der Einfluss der Renaissance über Flandern und Burgund war bereits seit dem 15. Jahrhundert vorhanden, wie aus dem Werk von Jean Fouquet hervorgeht, aber der Hundertjährige Krieg und Pestepidemien verzögerten seine Blüte, die erst mit der französischen Invasion in Italien durch Karl VIII. im Jahr 1494 einsetzte. Der Zeitraum erstreckt sich bis etwa 1610, doch sein Ende ist durch die Religionskriege zwischen Katholiken und Hugenotten, die das Land verwüsteten und schwächten, sehr turbulent. Während seiner Amtszeit beginnt Frankreich mit der Entwicklung des Absolutismus und expandiert auf dem Seeweg, um Amerika zu erkunden. In Fontainebleau, dem Sitz des Hofes, entstand die Schule von Fontainebleau, in der Franzosen, Flamen und Italiener wie Rosso Fiorentino, Antoine Caron, Francesco Primaticcio, Niccolò dell“Abbate und Toussaint Dubreuil zusammenarbeiteten und die für andere wie François Clouet, Jean Clouet, Jean Goujon, Germain Pilon und Pierre Lescot eine Referenz darstellte. Auch Leonardo war dort anwesend. Trotzdem hat die Malerei eine relativ schwache und wenig innovative Entwicklung erfahren, die sich mehr auf kostbare Details und Virtuosität konzentriert. Kein französischer Künstler dieser Zeit hat einen kontinentalen Ruhm erlangt, wie so viele Italiener, und der Klassizismus ist nur durch den Filter des Manierismus wahrnehmbar. Auf der anderen Seite entwickelte sich ein Dekorationsstil, der bald in Europa weithin nachgeahmt wurde und Malerei, Reliefstuck und geschnitzte Holzelemente kombinierte.

Die Architektur war eine der originellsten Künste der französischen Renaissance, und in ganz Europa außerhalb Italiens gab es keine mit den großen französischen Palästen wie Fontainebleau, Tuilerien, Chambord, Louvre und Anet vergleichbaren Bauten. Die meisten von ihnen verfügten über große formale Gärten, wobei die Architekten Pierre Lescot und Philibert de l“Orme hervorstachen, die stark von den Werken von Vignola und Palladio beeinflusst waren, Verfechter eines reineren Klassizismus und Organisatoren symmetrischer Fassaden und Pläne. Auf jeden Fall war ihr Klassizismus nicht rein: Sie haben die klassischen Ordnungen auf unterschiedliche Weise umgestaltet, Varianten geschaffen, die Grundrisse und Volumina dynamisiert und großen Wert auf eine üppige und skurrile Dekoration gelegt, was den Grundsätzen der Rationalität, Einfachheit und formalen Ökonomie des typischeren Klassizismus widerspricht, und sie haben auch die für die Gotik charakteristischen lokalen Traditionen bewahrt.

In der Musik gab es eine große Blüte durch die burgundische Schule, die die europäische Musikszene im 15. Jahrhundert dominierte und die französisch-flämische Schule hervorbrachte, aus der Meister wie Josquin des Prez, Clément Janequin und Claude Le Jeune hervorgingen. Das französische Chanson des 16. Jahrhunderts wird eine Rolle bei der Entstehung der italienischen Canzona spielen, und seine Musique mesurée wird ein Muster deklamatorischer Vokalmusik etablieren, das versucht, die Musik des griechischen Theaters nachzubilden, und wird die Entwicklung zur vollen Tonalität begünstigen. Es entstand auch eine Gattung geistlicher Musik, die sich von ihren italienischen Vorbildern unterschied, das so genannte Chanson spirituelle. In der Literatur ragen Rabelais, ein Vorläufer des phantastischen Genres, Montaigne, der das Genre des Essays populär gemacht hat und noch heute zu den großen Namen zählt, und die Gruppe der Plejaden mit Pierre de Ronsard, Joachim du Bellay und Jean-Antoine de Baïf heraus, die eine volkstümliche Aktualisierung der griechisch-römischen Literatur, die Nachahmung bestimmter Formen und die Schaffung von Neologismen auf der Grundlage des Lateinischen und Griechischen anstreben.

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Niederlande und Deutschland

Die Flamen standen seit dem 15. Jahrhundert in Kontakt mit Italien, aber erst im 16. Jahrhundert wandelte sich der Kontext und wurde als Renaissance charakterisiert, die eine relativ kurze Lebensdauer hatte. In dieser Phase wird die Region reicher, die protestantische Reformation wird zu einer entscheidenden Kraft, die sich der katholischen Herrschaft Karls V. entgegenstellt, was zu schweren Konflikten führt, die das Gebiet spalten werden. Die Handelsstädte Brüssel, Gent und Brügge knüpften engere Kontakte zu Norditalien und gaben Werke in Auftrag oder zogen italienische Künstler an, wie die Architekten Tommaso Vincidor und Alessandro Pasqualini, die einen Großteil ihres Lebens dort verbrachten. Die Liebe zum Kupferstich brachte zahlreiche Reproduktionen italienischer Werke in die Region, Dürer hinterließ auf seiner Durchreise unauslöschliche Spuren, Erasmus hielt den Humanismus am Leben und Raffael ließ Wandteppiche in Brüssel anfertigen. Vesalius machte wichtige Fortschritte in der Anatomie, Mercator in der Kartografie, und die neue Presse schaffte in Antwerpen und Löwen die Voraussetzungen für die Gründung einflussreicher Verlagshäuser.

In der Musik werden die Niederlande zusammen mit Nordwestfrankreich durch die französisch-flämische Schule zum wichtigsten Zentrum für ganz Europa. In der Malerei entwickelte sich eine originelle Schule, die die Ölmalerei popularisierte und der Detailtreue und der Linienführung große Aufmerksamkeit schenkte, wobei sie den sakralen Themen sehr treu blieb und ihre gotische Tradition mit den Neuerungen des italienischen Manierismus verband. Jan van Eyck, Rogier van der Weyden und Hieronymus Bosch waren ihre Vorreiter im 15. Jahrhundert, und schon bald sollte die Region ihren eigenen Beitrag zur europäischen Kunst leisten, indem sie die Landschaftsmalerei mit Joachim Patinir und die Genremalerei mit Pieter Brueghel dem Älteren und Pieter Aertsen konsolidierte. Weitere bekannte Namen sind Mabuse, Maarten van Heemskerck, Quentin Matsys, Lucas van Leyden, Frans Floris, Adriaen Isenbrandt und Joos van Cleve.

Deutschland förderte seine Renaissance, indem es seine reiche gotische Vergangenheit mit italienischen und flämischen Elementen verschmolz. Einer der ersten Meister war Konrad Witz, gefolgt von Albrecht Altdorfer und Albrecht Dürer, der sich zweimal in Venedig aufhielt und dort stark beeinflusst wurde und bedauerte, in den Norden zurückkehren zu müssen. Zusammen mit dem Gelehrten Johann Reuchlin war Dürer einer der Haupteinflüsse für die Verbreitung der Renaissance in Mitteleuropa und auch in den Niederlanden, wo seine berühmten Stiche von Erasmus hoch gelobt wurden, der ihn „den Apeles der schwarzen Linien“ nannte. Die römische Schule war ein wichtiges Element in der Stilbildung von Hans Burgkmair und Hans Holbein, beide aus Augsburg, die von Tizian besucht wurden. Im Bereich der Musik genügt es, Orlando de Lasso zu erwähnen, einen Vertreter der flämisch-französischen Schule, der sich in München niederließ und zum berühmtesten Komponisten seiner Generation in Europa wurde. Er wurde von Kaiser Maximilian II. in den Ritterstand erhoben und von Papst Gregor XIII. zum Ritter geschlagen, was für einen Musiker äußerst selten ist.

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Portugal

Der Einfluss der Renaissance in Portugal reicht von der Mitte des 15. bis zum Ende des 16. Jahrhunderts. Obwohl die italienische Renaissance einen bescheidenen Einfluss auf die Kunst hatte, trugen die Portugiesen dazu bei, das Weltbild der Europäer zu erweitern und die humanistische Neugier zu wecken.

Als Pionier der europäischen Entdeckungen blühte Portugal Ende des 15. Jahrhunderts mit seinen Seefahrten nach Osten auf und erwirtschaftete immense Gewinne, die das Handelsbürgertum förderten und den Adel bereicherten, indem sie Luxus und die Kultivierung des Geistes ermöglichten. Der Kontakt zur Renaissance kam durch den Einfluss reicher italienischer und flämischer Kaufleute zustande, die in den Seehandel investierten. Die Handelskontakte mit Frankreich, Spanien und England waren rege, und der kulturelle Austausch wurde intensiviert.

Als bedeutende Seemacht zog sie Spezialisten für Mathematik, Astronomie und Schiffstechnik an, wie Pedro Nunes und Abraão Zacuto, sowie die Kartographen Pedro Reinel, Lopo Homem, Estevão Gomes und Diogo Ribeiro, die entscheidende Fortschritte bei der Kartierung der Welt erzielten. Und Gesandte in den Osten, wie der Apotheker Tomé Pires und der Arzt Garcia de Orta, sammelten und veröffentlichten Werke über die neuen lokalen Pflanzen und Medikamente.

In der Architektur finanzierten die Gewinne aus dem Gewürzhandel in den ersten Jahrzehnten des 16. Jahrhunderts einen prächtigen Übergangsstil, der maritime Elemente mit gotischen und manuelinischen vermischt. Das Jerónimos-Kloster, der Turm von Belém und das Fenster des Kapitels des Christusklosters in Tomar sind die bekanntesten, Diogo Boitaca und Francisco de Arruda waren die Architekten. In der Malerei stechen Nuno Gonçalves, Gregório Lopes und Vasco Fernandes hervor. In der Musik, Pedro de Escobar und Duarte Lobo, sowie vier Liederbücher, darunter der Cancioneiro de Elvas und der Cancioneiro de Paris.

In der Literatur führte Sá de Miranda italienische Versformen ein; Garcia de Resende stellte 1516 den Cancioneiro Geral zusammen und Bernardim Ribeiro leistete Pionierarbeit im Bukolismus. Gil Vicente verschmolz sie mit der Volkskultur und erzählte vom Wandel der Zeit, und Luís de Camões schrieb die Errungenschaften der Portugiesen in dem Epos Os Lusíadas nieder. Vor allem die Reiseliteratur florierte: João de Barros, Castanheda, António Galvão, Gaspar Correia, Duarte Barbosa, Fernão Mendes Pinto und andere beschrieben neue Länder und wurden von der neuen Presse übersetzt und verbreitet. Nachdem er an der portugiesischen Erkundung Brasiliens teilgenommen hatte, prägte Amerigo Vespucci, ein Agent der Medici, im Jahr 1500 den Begriff Neue Welt.

Der intensive internationale Austausch brachte mehrere humanistische und kosmopolitische Gelehrte hervor: Francisco de Holanda, André de Resende und Damião de Góis, Freund von Erasmus, die unter der Herrschaft von Manuel I. mit seltener Unabhängigkeit schrieben; Diogo und André de Gouveia, die über Frankreich wichtige Reformen im Bildungswesen durchführten. Exotische Berichte und Produkte auf dem portugiesischen Handelsposten von Antwerpen erregten das Interesse von Thomas More und Dürer in der ganzen Welt. In Antwerpen trugen die portugiesischen Gewinne und das portugiesische Wissen zur niederländischen Renaissance und zum Goldenen Zeitalter der Niederlande bei, insbesondere nach der Ankunft der kultivierten und wohlhabenden jüdischen Gemeinschaft, die aus Portugal vertrieben worden war.

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Spanien

In Spanien waren die Umstände in mehreren Punkten ähnlich. Die Rückeroberung des spanischen Territoriums von den Arabern und der phantastische Zustrom von Reichtum aus den amerikanischen Kolonien und der damit verbundene intensive Handels- und Kulturaustausch waren die Grundlage für eine Phase beispielloser Expansion und Bereicherung der lokalen Kunst. Künstler wie Alonso Berruguete, Diego de Siloé, Tomás Luis de Vitoria, El Greco, Pedro Machuca, Juan Bautista de Toledo, Cristóbal de Morales, Garcilaso de la Vega, Juan de Herrera, Miguel de Cervantes und viele andere hinterließen bemerkenswerte Werke im klassischen oder manieristischen Stil, dramatischer als ihre italienischen Vorbilder, da der Geist der Gegenreformation dort eine Hochburg und in geistlichen Schriftstellern wie Teresa von Avila, Ignatius von Loyola und Johannes vom Kreuz große Vertreter hatte. Vor allem in der Architektur wurde die üppige Ornamentik typisch für den als plateresk bekannten Stil, eine einzigartige Synthese aus gotischen, maurischen und Renaissance-Einflüssen. Die Universität von Salamanca, deren Lehre humanistisch geprägt war, sowie die Ansiedlung von Italienern wie Pellegrino Tibaldi, Leone Leoni und Pompeo Leoni gaben dem Prozess zusätzlichen Auftrieb.

Die spätere Renaissance überquerte sogar den Ozean und schlug Wurzeln in Amerika und im Osten, wo viele Klöster und Kirchen, die von spanischen Kolonisatoren in den Zentren Mexikos und Perus und von den Portugiesen in Brasilien, Macao und Goa gegründet wurden und von denen einige heute zum Weltkulturerbe gehören, noch erhalten sind.

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England

In England fiel die Renaissance mit dem so genannten elisabethanischen Zeitalter zusammen, einer Zeit großer maritimer Expansion und relativer innenpolitischer Stabilität nach den Verwüstungen des langen Rosenkrieges, in der es möglich wurde, an Kultur und Kunst zu denken. Wie in den meisten anderen Ländern Europas vermischte sich das noch lebendige gotische Erbe mit Anleihen aus der Spätrenaissance, aber seine besonderen Merkmale sind die Vorherrschaft von Literatur und Musik über die anderen Künste und seine Gültigkeit bis etwa 1620. Dichter wie John Donne und John Milton erforschen neue Wege zum Verständnis des christlichen Glaubens, und Dramatiker wie Shakespeare und Marlowe bewegen sich flink zwischen zentralen Themen des menschlichen Lebens – Verrat, Transzendenz, Ehre, Liebe Tod – in berühmten Tragödien wie Romeo und Julia, Macbeth, Othello, der Mohr von Venedig (Shakespeare) und Doktor Faustus (Marlowe), aber auch auf ihre prosaischeren und unbeschwerteren Aspekte in charmanten Fabeln wie Ein Sommernachtstraum (Shakespeare). Philosophen wie Francis Bacon setzten dem abstrakten Denken neue Grenzen und dachten über eine ideale Gesellschaft nach, und in der Musik wurde die italienische madrigalische Schule von Thomas Morley, Thomas Weelkes, Orlando Gibbons und vielen anderen aufgegriffen, erhielt einen unverwechselbaren lokalen Charakter und schuf eine Tradition, die bis heute lebendig ist, neben großen geistlichen Polyphonisten wie John Taverner, William Byrd und Thomas Tallis. Letzterer hinterließ die berühmte Motette Spem in alium für vierzig Stimmen, die in acht Chöre aufgeteilt sind, eine Komposition, die zu ihrer Zeit wegen ihrer Meisterschaft bei der Bewältigung großer Vokalmassen beispiellos war. In der Architektur ragen Robert Smythson und die Palladianisten Richard Boyle, Edward Lovett Pearce und Inigo Jones heraus, deren Werk auch in Nordamerika Auswirkungen hatte und in George Berkeley, James Hoban, Peter Harrison und Thomas Jefferson Schüler fand. In der Malerei wurde die Renaissance vor allem durch Deutschland und die Niederlande rezipiert, mit der Hauptfigur Hans Holbein, der später mit William Segar, William Scrots, Nicholas Hilliard und mehreren anderen Meistern der Tudor-Schule aufblühte.

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Geschichte, Philosophie und Ästhetik

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Kunst und Wissenschaft

Quellen

1. Renascimento
2. Renaissance
3. a b c Schmitt, Charles B. et al. (eds.). The Cambridge History of Renaissance Philosophy. Cambridge University Press, 1988, pp. 127-135
4. a b c d e „Renaissance“. In: Encyclopædia Britannica online.
5. a b c „Western Philosophy: Renaissance Philosophy“. In: Encyclopadedia Britannica online, consulta em 17/10/2017
6. ^ French: [ʁənɛsɑ̃s] (listen), meaning “re-birth“, from renaître “to be born again“; Italian: Rinascimento [rinaʃʃiˈmento], from rinascere, with the same meanings.[2]
7. ^ So Europe in 1300 was considerably more similar to Europe in 1520 than it was in (say) 800, even though 800 and 1300 are both considered to be in the Middle Ages, and conversely, Europe in 1700 was more similar to Europe in 1520 than it was in (say) 1900, even though 1700 and 1900 are both considered to be in the modern period.
8. ^ It is thought that Leonardo da Vinci may have painted the rhombicuboctahedron.[66]
9. «Renacimiento». Oxford University Press. Consultado el 8 de marzo de 2022.
10. «La falacia de convertir en verdad histórica lo que es historiografía». Reinventar la Antigüedad. Consultado el 1 de agosto de 2018.
11. Brotton, J., The Renaissance: A Very Short Introduction, Oxford University Press, 2006 ISBN 0-19-280163-5.
12. Gay, Peter, Style in History, New York: Basic Books, 1974.
13. Le Moyen Âge se termine en 1453 ou 1492 selon les auteurs, mais la Renaissance a commencé bien plus tôt en Italie