Duccio di Buoninsegna
gigatos | Januar 22, 2022
Zusammenfassung
Duccio di Buoninsegna (seine Bedeutung lässt sich sogar auf europäischer Ebene messen. Es wird allgemein angenommen, dass sein Einfluss entscheidend für die Entwicklung des internationalen gotischen Stils war, der insbesondere auf Simone Martini und die beiden Brüder Ambrogio und Pietro Lorenzetti wirkte.
Duccios Kunst hat ursprünglich eine solide byzantinische Komponente, die vor allem mit der jüngeren Kultur der Paläologenzeit zusammenhängt, und ist stark von Cimabue beeinflusst (der in den ersten Jahren seiner Tätigkeit höchstwahrscheinlich sein Lehrer war), dem er eine persönliche Note im Sinne der Gotik hinzufügt, die sich in transalpiner Linearität und Eleganz, weichen Linien und einer raffinierten Farbpalette niederschlägt.
Im Laufe der Zeit erreichte Duccios Stil immer natürlichere und sanftere Ergebnisse. Er integrierte auch die von Giotto eingeführten Neuerungen, wie die Wiedergabe des Kontrasts je nach einer oder wenigen Lichtquellen, das Volumen der Figuren und der Draperie und die Wiedergabe der Perspektive. Sein Meisterwerk, die Maestà in der Kathedrale von Siena, ist ein emblematisches Werk des 14. italienischen Jahrhunderts.
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Erste Werke
Die erste Erwähnung Duccios findet sich 1278 im Stadtarchiv von Siena für die Bezahlung von Buchdeckeln (Biccherna) und für zwölf bemalte Schachteln, die Dokumente der Stadtverwaltung enthalten sollten. Diese Werke sind heute verloren. Im Allgemeinen wird daraus ein Geburtsdatum zwischen 1250 und 1260 abgeleitet. In früheren Schriften finden sich keine näheren Angaben zu seiner Ausbildung. Er könnte von dem Maler Cimabue unterrichtet oder in einer sienesischen Werkstatt ausgebildet worden sein. Wahrscheinlich arbeitete er nicht an der großen Baustelle der damaligen Zeit, der Basilika San Francesco in Assisi, doch er kannte die Malereien. Auch die florentinischen Innovationen der räumlichen Darstellung waren ihm nicht unbekannt. Augenzwinkernde Hinweise auf die klassische Antike in seinem Werk belegen, dass er sich die Arbeit von Nicola Pisano, der von 1256 bis 1284 Bildhauer am Dom von Siena war, genau angesehen hat. Gotische Elemente in seinem Werk könnten auf eine Reise nach Frankreich in den Jahren 1280-1285 hindeuten; wahrscheinlich kannte er die französische Kunst jedoch nur von importierten Gegenständen wie illuminierten Manuskripten; Nicola Pisano selbst kannte die gotische Kunst, wahrscheinlich durch die kleinen Elfenbeinobjekte, die die Pariser Werkstätten in ganz Europa exportierten.
Das erste erhaltene Werk von Duccio ist die sogenannte „Madonna Gualino“, die sich heute in der Galleria Sabauda in Turin befindet (ihre ursprüngliche Herkunft ist unbekannt). Es wurde um 1280-1283 gemalt und zeigt einen Stil, der dem von Cimabue sehr ähnlich ist, so dass es lange Zeit eher dem florentinischen Meister als Duccio zugeschrieben wurde. Die Tafel erinnert an Cimabues Majestäten im allgemeinen Rahmen, in der starken byzantinischen Ableitung und dem Fehlen gotischer Züge, in den somatischen Zügen der Jungfrau, im Gewand des Kindes und in der Verwendung von Kontrasten. Dieser starke cimabueske Einfluss, der auch in späteren Werken deutlich bleiben sollte, wenn auch allmählich verblasste, führte zu der Annahme, dass zwischen dem „alten“ Cimabue und dem jungen Duccio eine Lehrer-Schüler-Beziehung bestanden habe. Doch schon in diesem ersten Werk Duccios tauchen neue Elemente auf: ein Farbenreichtum, der zu Farben führt, die nicht zum florentinischen Repertoire gehören (wie das Rosa des Gewandes des Kindes, das Weinrot des Gewandes der Jungfrau Maria und das Blau des Mantels), die kleine Nase des Säuglings, die sein Gesicht weicher und kindlicher erscheinen lässt, das wollige Geflecht der byzantinischen Chrysographien im Gewand Marias. Aber das sind alles noch Details und das Bild ist entschieden zimbabwisch.
In der Madonna von Crevole, einem späteren Werk aus den Jahren 1283-1284, das aus der Pfarrkirche Santa Cecilia in Crevole stammt und jetzt im Museo dell“Opera Metropolitana del Duomo in Siena ausgestellt ist, ist eine größere Abweichung von Cimabues Stil zu erkennen. Das Gesicht der Jungfrau ist weicher und raffinierter, ohne einen Ausdruck zu verraten, der immer noch ernst und tief ist. Die kleine Nase des Kindes bleibt, aber es lässt sich auch zu einer liebevollen Geste gegenüber seiner Mutter hinreißen.
Aus denselben Jahren stammen auch zwei leider stark beschädigte Trockenmalereien, die in der Bardi-Kapelle (die einst dem Heiligen Gregor dem Großen gewidmet war) der Basilika Santa Maria Novella in Florenz gefunden wurden. Sie befinden sich in den Lünetten oben links und rechts in der Kapelle und zeigen jeweils den Heiligen Gregor den Großen zwischen zwei Flabelliferen und Christus, der zwischen zwei Engeln thront. Auch in diesem Fall ist die starke Distanzierung von Cimabue nicht zu übersehen, doch gerade die eleganten Gesichter der Engel und das umhüllende Gewand des thronenden Christus lassen einmal mehr die Besonderheit des florentinischen Meisters schätzen.
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Madonna Rucellai
Am 15. April 1285 erhielt Duccio seinen ersten größeren Auftrag, die sogenannte „Madonna Rucellai“, die zu Ehren der Jungfrau Maria von einer Florentiner Laienbruderschaft, der Compagnia dei Laudesi, in Auftrag gegeben wurde. Die Tafel ist für die Bardi-Kapelle der Basilika Santa Maria Novella in Florenz bestimmt, dieselbe Kapelle, in der auch die Überreste der oben beschriebenen Trockenmalereien von Duccio gefunden wurden. Die Tafel wird „Rucellai“ genannt, da sie ab 1591 in der angrenzenden Kapelle Rucellai aufgestellt wurde, bevor sie in die Uffizien gelangte. Das Werk stellt die majestätische Jungfrau mit Kind dar, die von sechs Engeln vor einem goldenen Hintergrund flankiert wird. Der Rand der Tafel ist mit Medaillons geschmückt, in denen Propheten, Apostel und Heilige als Büsten zu sehen sind. Der Maler versucht, die Stoffe und Körper zu modellieren, wobei er mit Farbabstufungen spielt. Er versucht auch, die Regeln der Perspektive einzuhalten, was ihm jedoch nicht immer gut gelingt.
Das Werk ist von Cimabues Maestà im Louvre inspiriert, die er etwa fünf Jahre zuvor gemalt hatte, und zwar so sehr, dass es lange Zeit für ein Werk von Cimabue gehalten wurde. Diese falsche Zuschreibung wurde auch nach der Entdeckung der Abtretungsurkunde im Jahr 1790 aufrechterhalten. Diese „Maestà“ ist ein Schlüsselwerk in der Laufbahn des Künstlers, in dem sich die solide Majestät und menschliche Darstellung Cimabues mit einer größeren Aristokratie und einer gewissen Raffinesse sowie einem noch sanfteren menschlichen Inhalt kreuzt. Das Werk zeichnet sich durch dekorative Motive gotischen Ursprungs aus, wie der fantasievolle goldene Saum von Marias Kleid, der eine komplizierte Linie von der Brust bis zu den Füßen zieht, die gotischen Sprossenfenster des hölzernen Throns und der mehr von byzantinischen Chrysographien „durchtränkte“ Mantel der Jungfrau, der jedoch durch weiche, fallende Falten gemildert wird. Es sind vor allem diese gotischen Elemente, die eine weitere Entfernung von Cimabue markieren, der noch immer in der byzantinischen Tradition verwurzelt ist.
Aufgrund ihrer Größe wurde die Tafel wahrscheinlich vor Ort gemalt und nicht nach ihrer Fertigstellung transportiert.
Die Madonna mit Kind und drei anbetenden Franziskanern, eine kleine Tafel unbekannter Herkunft, die heute in der Pinacoteca Nazionale in Siena ausgestellt ist, wird ebenfalls um 1285 datiert.
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Werke vom Ende des Jahrhunderts
Nach der Madonna Rucellai von 1285 ist das Fenster im Dom von Siena, dessen Original jetzt im Museo dell“Opera Metropolitana del Duomo aufbewahrt wird (das Fenster im Dom ist eine Kopie), das einzige Duccio zugeschriebene Werk aus dem Ende des Jahrhunderts, für das eine Dokumentation seine sichere Datierung ermöglicht. Obwohl das Fenster von Glasbläsermeistern angefertigt wurde, geht man heute davon aus, dass sein Entwurf dem Patriarchen der sienesischen Malerei gehört, der 1287-1288 daran arbeitete. Der Thron in der Krönungsszene der Jungfrau Maria und die Throne der vier Evangelisten sind architektonische Throne aus Marmor, nicht mehr aus Holz wie der Thron der Rucellai-Madonna oder die früheren Throne von Cimabue. Dies ist das erste bekannte Beispiel für einen architektonischen Thron aus Marmor, ein Prototyp, den Duccio weiterhin verwenden sollte und der von nun an sehr beliebt wurde, auch im benachbarten Florenz von Cimabue und Giotto.
Es wird angenommen, dass die Majestätische Madonna unter Engeln, deren Herkunft unbekannt ist und die heute im Kunstmuseum Bern in der Schweiz aufbewahrt wird, später (1290-1295) entstanden ist. An diesem Werk lässt sich die Entwicklung von Duccios Stil im Laufe der Jahre ablesen. Eine bessere räumliche Tiefe in der Anordnung der Engel – nicht mehr übereinander wie in der Rucellai-Madonna, sondern hintereinander wie in Cimabues Maestà im Louvre – ist in dieser kleinen Majestät sofort ersichtlich. Die Engel, die ein Paar bilden, sind nicht einmal vollkommen symmetrisch, wie die unterschiedlichen Positionen ihrer Arme zeigen. Dieses neue Element vermeidet die sich wiederholende Symmetrie der Engel in der Madonna Rucellai und fördert ihre Differenzierung. Selbst der Thron hat, obwohl er einen ähnlichen Rahmen wie die Rucellai-Madonna hat, eine bessere axonometrische Perspektive und scheint angemessener in den Raum eingefügt zu sein, wodurch er dem Kanon der bedeutungsvollen Perspektive folgt. Diese Entwicklungen zeigen, dass Duccio sich noch immer von Meister Cimabue inspirieren lässt, der sehr auf die räumliche Kohärenz und das Volumen der Dinge und Figuren achtet, aber seinen Weg zu einer eigenen figurativen Eleganz fortsetzt, einen Weg, den er bereits mit der Madonna di Crevole begonnen hat. Obwohl die breiten Gesichter weiterhin zimbabwisch bleiben, erscheinen die somatischen Züge zarter (z. B. die Schattierung des Grats am Nasenansatz, die eng zusammengepressten, nuancierten Lippen und die Nase des Kindes). Auch die Anordnung der Falten der Kleidung erscheint natürlicher und weicher.
Andere Werke, die allgemein Duccio zugeschrieben werden, werden zwischen 1285 und 1300 datiert, allerdings ohne einstimmigen Konsens der Experten über die Datierung, wie die Madonna mit Kind aus der Kirche Santi Pietro e Paolo in Buonconvento, die heute im Museo d“Arte Sacra della Val d“Arbia, ebenfalls in Buonconvento, aufbewahrt wird. Traditionell wurde sie kurz nach 1280 datiert. Neuere Archivrecherchen belegen jedoch Duccios Aufenthalt in Buonconvento nach 1290, und genaue Studien über die Anordnung der Falten des Mantels der Jungfrau und den Verlust der eckigen Gesichtszüge legen eine Datierung um 1290-1295 nahe.
Einigen Experten zufolge soll das bemalte Kreuz im Schloss von Orsini-Odescalchi in Bracciano ebenfalls nach 1285 entstanden sein. Früher in der Sammlung Odescalchi in Rom und heute in der Sammlung Salini in Siena, ist der Christus mit den geöffneten Augen noch am Leben und greift eine Ikonografie aus der romanischen Epoche auf (den Christus Triumphans), die Ende des 13. Jahrhunderts sehr selten war. Einigen Berichten zufolge stammt das Kruzifix in der Kirche San Francesco in Grosseto ebenfalls aus dieser Zeit. Bei diesen beiden Kruzifixen ist der Konsens der Experten nicht einstimmig, auch nicht in Bezug auf die Zuschreibung an Duccio, im Gegensatz zu den drei Gemälden, die die Geißelung, die Kreuzigung und die Beerdigung Christi darstellen, deren Herkunft unbekannt ist und die jetzt im Museo della Società di esecutori di pie disposizioni (it) in Siena aufbewahrt werden.
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Werke aus dem frühen Trecento
Mit den Werken aus den ersten Jahren des neuen Jahrhunderts erreicht Duccio di Buoninsegna einen reifen und eigenständigen Stil, der nun von dem Cimabues abgetrennt ist. Die Gesichter der Figuren sind länglicher und die Gesichtszüge weicher, was auf einen weicheren Pinselstrich zurückzuführen ist, mit dem die eckigen Gesichtszüge geglättet werden können. In den zahlreichen Tafeln mit dem Kind, die zu dieser Zeit gemalt wurden, haben die Madonna und das Kind ihre eigenen Physiognomien, die sich deutlich von denen der Madonna Rucellai oder auch der Madonna di Crevole unterscheiden, die noch im zimbabwischen Stil gehalten waren, sogar die Draperie ist mit natürlichen und weichen Falten angereichert. Es herrscht ein beispielloser figurativer Realismus vor, der Duccio den Ruf einbrachte, der beste Künstler der Stadt Siena zu sein. Das Polyptychon Nr. 28, das möglicherweise aus der Basilika San Domenico in Siena stammt und heute in der Nationalpinakothek von Siena aufbewahrt wird, ist ein Beispiel für diesen reifen Stil. Die Tafel zeichnet sich außerdem dadurch aus, dass sie das erste architektonische Polyptychon mit unabhängigen Kompartimenten ist, ein Prototyp, der immer häufiger verwendet werden sollte.
Auch das Triptychon mit Türen aus dem Besitz der britischen Königsfamilie und das Triptychon mit Türen, das die Madonna mit Kind zwischen dem heiligen Dominikus und der heiligen Aurea von Ostia darstellt und in der National Gallery in London aufbewahrt wird (beide mit unbekannter Herkunft und um 1300 datiert), stammen aus dieser Zeit, ebenso wie die in der Galleria Nazionale dell“Umbria in Perugia aufbewahrte Madonna mit Kind (aus der Basilika San Domenico in Perugia) und die Stoclet-Madonna, die so genannt wurde, weil sie dem Belgier Adolphe Stoclet gehörte, bevor sie ins Metropolitan Museum of Art in New York gelangte (Herkunft unbekannt). Das Triptychon mit Türen mit der Kreuzigung zwischen den Heiligen Nikolaus von Bari und Clemens (Herkunft unbekannt) würde zum Ende dieser Periode gehören (1304-1307), kurz bevor Duccio die grandiose Maestà im Dom von Siena begann.
In all diesen Gemälden kann man den figurativen Realismus und die aristokratische Natur der Gesichter bewundern, die typisch für Duccios Kunst sind und zu Beginn des 14. Jahrhunderts in Italien unerreicht blieben. Hier kann man auch das reiche Volumen der Kleidung bewundern, deren Züge nun von der Florentiner Schule übernommen wurden, die Duccio als erste Lern- und Inspirationsquelle diente. So wurde dieser zum anerkanntesten Künstler Sienas, der einzige, dem die Stadtregierung die Aufgabe anvertrauen konnte, ein so großartiges und kostspieliges Werk wie die Maestà zu schaffen, die auf dem Hochaltar der Kathedrale von Siena angebracht werden sollte – zweifellos das Meisterwerk des Künstlers.
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Maestà
Die Maestà ist das Meisterwerk von Duccio und eines der emblematischsten Werke der italienischen Kunst. Sie wurde 1308 von der Stadt Siena für den Hochaltar des Doms in Auftrag gegeben. Dies geht aus schriftlichen Unterlagen hervor, die den Vertrag zurückverfolgen lassen (1308), sowie aus der Ortschronik, die die Anwesenheit des Meisters und seiner Werkstatt am Dom bezeugt (1311). Das heute in mehrere Tafeln aufgeteilte, beidseitig bemalte Ensemble dürfte ursprünglich fünf Meter hoch und fast ebenso breit gewesen sein. Es blieb bis 1506 auf dem Hauptaltar, wurde dann wieder auf einen anderen Altar gebracht, von dem es 1771 abmontiert wurde, bevor es auf zwei verschiedene Altäre verteilt wurde, wo es bis 1878 blieb. Danach wurden einige der Tafeln in Europa und den USA verstreut; fünf von ihnen wurden nicht wiedergefunden. Die Maestà wird heute im Museo dell“Opera Metropolitana del Duomo aufbewahrt.
Die Vorderseite zeigt die Jungfrau Maria mit dem Kind, umgeben von Engeln und Heiligen – ein Thema, das über mehrere Generationen hinweg immer wieder aufgegriffen wurde. Die Rückseite zeigt Szenen aus der Kindheit und der Passion Christi. Das Werk zeugt davon, dass Duccio die von Giotto ausgemalte Scrovegni-Kapelle in Padua kannte.
Das im Juni 1311 fertiggestellte Werk war schon vor seiner Fertigstellung so berühmt, dass sein Transport von Duccios Werkstatt im Stadtteil Stalloreggi zur Kathedrale am 9. Juni Anlass zu einem wahren Volksfest in den Straßen von Siena war, das durch eine Prozession ergänzt wurde: An der Spitze der Prozession standen der Bischof und die höchsten Behörden der Stadt, während das Volk mit brennenden Kerzen sang und Almosen verteilte. Die Inbrunst wird immer größer: Die Jungfrau Maria, die Beschützerin des sienesischen Territoriums, erhält endlich die Huldigung eines Werkes, das ihrer würdig ist und von dem sich die Bevölkerung eine wirksame Fürsprache erhofft.
Es handelt sich um eine große Tafel (425 × 212 cm) mit zwei Seiten, auch wenn sie heute nach einem fragwürdigen Eingriff aus dem 19. Jahrhundert, der einige Schäden verursacht hat, in der Dicke zerschnitten ist. Auf der Hauptseite, die ursprünglich den Gläubigen zugewandt war, ist eine monumentale thronende Madonna mit Kind gemalt, die von einer Vielzahl von Heiligen und Engeln auf goldenem Hintergrund umgeben ist. Die Madonna sitzt auf einem großen, prunkvollen Thron, der eine dreidimensionale Räumlichkeit nach den bereits von Cimabue und Giotto praktizierten Neuerungen erkennen lässt. Sie ist in einer sanften Farbe gemalt, die ihrem Teint Natürlichkeit verleiht. Das Kind drückt eine tiefe Zärtlichkeit aus, aber sein Körper scheint kein Gewicht zu erzeugen und Marias Hände, die es halten, sind eher unnatürlich. An der Basis des Throns befindet sich die Unterschrift und das Gebet in lateinischen Versen: „MATER S (AN) CTA DEI
Die Rückseite war eher für den Klerus gedacht. Auf ihr sind 26 Geschichten aus der Passion Christi dargestellt, die in kleine Tafeln unterteilt sind und einen der größten Zyklen zu diesem Thema in Italien bilden. Den zentralen Platz nimmt die Kreuzigung ein, die breiter und doppelt so hoch ist, ebenso wie die Doppeltafel unten links mit dem Einzug in Jerusalem. In verschiedenen Szenen übernimmt Duccio hinsichtlich der „Perspektiven“ die architektonischen Hintergründe von Giotto, doch in anderen Szenen macht er bewusst eine Ausnahme von der räumlichen Darstellung, um Details hervorzuheben, die ihm wichtig sind, wie den gedeckten Tisch in der Abendmahlsszene (zu schräg zur Decke) oder wie die Geste von Pontius Pilatus in der Geißelung: Pilatus steht auf einem Podest unter dem Dach einer Ädikula, seine Hand greift vor die Säule, die das Dach stützt, wenn er weitergeht, würde er gegen die Säule stoßen, die ihm gegenübersteht. Duccio scheint also nicht daran interessiert zu sein, die Szenen zu sehr mit absoluten räumlichen Regeln zu verkomplizieren: Manchmal ist die Erzählung gerade in diesen Szenen effektiver, in denen eine traditionelle Felslandschaft ihn von den Zwängen der dreidimensionalen Darstellung befreit.
Das Altarbild hatte auch eine allseitig bemalte Predella (die erste bekannte Predella in der italienischen Kunst), wobei die gewölbten Tafeln mit Szenen aus dem Leben Marias gekrönt wurden (einige davon befinden sich in ausländischen Sammlungen und Museen.
In der Maestà lässt sich der ganze Realismus der Gesichter der Figuren wiederfinden, den Duccio umsetzen konnte, sowie seine nun erworbene Fähigkeit, Dinge und Personen nach dem Kanon der direkten Perspektive von Giotto zu zeichnen (und nicht nach der veralteten umgekehrten Perspektive von Cimabue, die er bis zum Ende des 13. Jahrhunderts übernahm). Die Gewänder haben eine voluminöse Draperie, der Kontrast wird mit Aufmerksamkeit für den Ursprung der Lichtquellen wiedergegeben – Tendenzen, die ebenfalls von Giotto übernommen wurden. Das Werk zeichnet sich auch durch die Fülle an Details und Verzierungen aus, von den Marmorintarsien des Throns bis zum feinen Muster des Tuches auf der Rückseite des Throns selbst, von den Haaren der Engel bis zu den Ornamenten der Heiligen. Die Kohäsion der Elemente der Florentiner Matrix mit Duccios figurativem Realismus, gepaart mit einer extremen Liebe zum Detail, macht dieses Werk zu einem der Meisterwerke des Trecento.
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Neueste Werke
Nur zwei Werke können nach der Maestà im Dom von Siena mit Sicherheit dem Duccesco-Katalog zugeschrieben werden, beide in einem leider nicht optimalen Erhaltungszustand: das Polyptychon Nr. 47, das ursprünglich für die heute nicht mehr existierende Kirche Spedale di Santa Maria della Scala bestimmt war und jetzt in der Pinacoteca Nazionale di Siena ausgestellt ist (1315-1319), und die Maestà im Dom von Massa Marittima (um 1316).
Einigen Experten zufolge stammt auch das Fresko mit der Kapitulation der Burg Giuncarico im Saal der Weltkarte im Palazzo Pubblico in Siena (1314) von Duccio, aber es gibt viele Zweifel daran.
Duccio starb zu einem unbekannten Zeitpunkt, 1318 oder 1319. Im Jahr 1319 schlagen seine Söhne das Erbe aus, da sie durch hohe Schulden belastet sind.
Duccio hatte im Laufe seines Lebens viele Schüler, auch wenn nicht klar ist, ob es sich um echte Schüler handelte, die in seinem Atelier künstlerisch wuchsen, oder um Maler, die einfach seinen Stil nachahmten. Viele von ihnen sind anonym und werden nur anhand eines Korpus von Werken mit gemeinsamen stilistischen Merkmalen identifiziert. Die ersten Schüler, die wir kollektiv als „Jünger der ersten Generation“ bezeichnen können, waren zwischen 1290 und 1320 aktiv und umfassten den Meister von Badia a Isola, den Meister von Città di Castello, den Meister der Aringhieri, den Meister der Collationes dei Santi Pere und den Meister von San Polo in Rosso. Eine weitere Gruppe von „Schülern der zweiten Generation“ war zwischen etwa 1300 und 1335 aktiv und umfasste Segna di Bonaventura, Ugolino di Nerio, den Meister der Gondi-Majestät, den Meister von Monte Oliveto und den Meister von Monterotondo. Es ist jedoch zu beachten, dass Segna di Bonaventura bereits vor 1300 aktiv war, wodurch er zeitlich zwischen der ersten und der zweiten Künstlergruppe angesiedelt ist. Eine dritte Gruppe folgte Duccio nur wenige Jahre nach seinem Tod und zeugt von der Wirkung seiner Malerei in Siena und in der gesamten Toskana. Zu diesen Künstlern, die zwischen etwa 1330 und 1350 tätig waren, gehörten die Söhne von Segna di Bonaventura, d. h. Niccolò di Segna und Francesco di Segna, sowie ein Schüler von Ugolino di Nerio, dem Meister von Chianciano.
Einige dieser Künstler wurden von Duccio allein beeinflusst, da ihre Werke denen des Meisters ähnelten, wie der Meister von Badia a Isola, Ugolino di Nerio, Segna di Bonaventura und ihre Kinder. Auch andere Künstler wurden von anderen Schulen beeinflusst, wie der Maestro degli Aringhieri, der für Giottos massive Volumen empfänglich war, und der Maestro della Maestà Gondi, der ebenfalls von Simone Martini beeinflusst wurde.
Simone Martini und Pietro Lorenzetti müssen gesondert behandelt werden. Beide Künstler malten ab ca. 1305 bzw. 1310 ähnliche Werke wie Duccio. Ihre Produktion wies jedoch von Anfang an eigenständige Merkmale auf, wie Simones Madonna mit Kind Nr. 583 (1305-1310) und Lorenzettis Orsini-Triptychon, das um 1310-1315 in Assisi gemalt wurde, zeigen. Später reiften beide Künstler zu völlig eigenständigen Stilen heran, die es ermöglichten, ihnen eine künstlerische Würde ohne das Etikett „Schüler von Duccio“ zuzusprechen.
Unter diesen umfasst sein Werk neben einer Madonna, die um 1300 auf Holz gemalt wurde, vor allem :
Der Krater Duccio auf dem Planeten Merkur wurde nach ihm benannt.
Am 16. August 2003 fand in Siena ein Palio zu seinen Ehren statt, den die Nobile Contrada del Bruco mit dem Pferd Berio gewann, das von dem Jockey Luigi Bruschelli geritten wurde, der als Trecciolino bekannt ist. Ein zweiter Palio fand am 16. August 2011 statt und wurde von der Contrada della Giraffa mit dem Pferd Fedora Saura gewonnen, das von Andrea Mari geritten wurde, der als Brio bekannt ist.
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Externe Links
Quellen
