Alfred Stieglitz
gigatos | Januar 8, 2022
Zusammenfassung
Alfred Stieglitz HonFRPS (1. Januar 1864 – 13. Juli 1946) war ein amerikanischer Fotograf und Förderer der modernen Kunst, der in seiner 50-jährigen Karriere maßgeblich dazu beitrug, dass die Fotografie als Kunstform anerkannt wurde. Neben seiner Fotografie war Stieglitz für die New Yorker Kunstgalerien bekannt, die er zu Beginn des 20. Jahrhunderts leitete und in denen er viele europäische Avantgarde-Künstler in den USA bekannt machte. Er war mit der Malerin Georgia O“Keeffe verheiratet.
Stieglitz wurde in Hoboken, New Jersey, als erster Sohn der deutsch-jüdischen Einwanderer Edward Stieglitz (1833-1909) und Hedwig Ann Werner (1845-1922) geboren. Sein Vater war Leutnant in der Unionsarmee und arbeitete als Wollkaufmann. Er hatte fünf Geschwister, Flora (1865-1890), die Zwillinge Julius (1867-1937) und Leopold (1867-1956), Agnes (1869-1952) und Selma (1871-1957). Alfred Stieglitz, der die enge Beziehung der Zwillinge sah, wünschte sich in seiner Kindheit selbst eine Seelenverwandte.
Stieglitz besuchte 1871 das Charlier Institute, eine christliche Schule in New York. Im darauffolgenden Jahr begann seine Familie, die Sommer am Lake George in den Adirondack Mountains zu verbringen, eine Tradition, die Stieglitz auch als Erwachsener fortsetzte.
Um sich für die Aufnahme in das City College of New York zu qualifizieren, besuchte Stieglitz in seinem ersten Highschool-Jahr eine öffentliche Schule, die er jedoch als unzureichend empfand. Im Jahr 1881 verkaufte Edward Stieglitz sein Unternehmen für 40.000 US-Dollar und zog mit seiner Familie für die nächsten Jahre nach Europa, um seinen Kindern eine bessere Ausbildung zu ermöglichen. Alfred Stieglitz schrieb sich am Realgymnasium in Karlsruhe ein. Im folgenden Jahr studierte Alfred Stieglitz Maschinenbau an der Technischen Hochschule in Berlin. Er besuchte eine Chemieklasse bei Hermann Wilhelm Vogel, einem Wissenschaftler und Forscher, der sich mit den chemischen Verfahren zur Entwicklung von Fotografien beschäftigte. In Vogel fand Stieglitz sowohl die akademische Herausforderung, die er brauchte, als auch ein Ventil für seine wachsenden künstlerischen und kulturellen Interessen. Er erhielt ein monatliches Taschengeld von 1.200 Dollar (entspricht 32.181 Dollar im Jahr 2020).
1884 kehrten seine Eltern nach Amerika zurück, aber der 20-jährige Stieglitz blieb in Deutschland und sammelte Bücher über Fotografie und Fotografen in Europa und den USA. Er kaufte seine erste Kamera, eine 8 × 10-Platten-Filmkamera, und reiste durch die Niederlande, Italien und Deutschland. Er fotografierte Landschaften und Arbeiter auf dem Lande. Die Fotografie, so schrieb er später, „faszinierte mich, erst als Spielzeug, dann als Leidenschaft, dann als Besessenheit“.
Durch sein Selbststudium erkannte er die Fotografie als Kunstform. 1887 schrieb er seinen ersten Artikel, „A Word or Two about Amateur Photography in Germany“, für die neue Zeitschrift The Amateur Photographer. Danach schrieb er Artikel über die technischen und ästhetischen Aspekte der Fotografie für Zeitschriften in England und Deutschland.
Für seine Fotografie The Last Joke, Bellagio, gewann er 1887 den ersten Preis beim Amateur Photographer. Im folgenden Jahr gewann er sowohl den ersten als auch den zweiten Preis im selben Wettbewerb, und sein Ruf begann sich zu verbreiten, als mehrere deutsche und britische Fotomagazine seine Arbeiten veröffentlichten.
1890 starb seine Schwester Flora bei der Geburt, und Stieglitz kehrte nach New York zurück.
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New York und der Camera Club (1891-1901)
Stieglitz betrachtete sich selbst als Künstler, weigerte sich aber, seine Fotografien zu verkaufen. Sein Vater kaufte für ihn ein kleines Fotogeschäft, damit er seinen Lebensunterhalt in seinem gewählten Beruf verdienen konnte. Da er hohe Ansprüche an die Qualität der Bilder stellte und seinen Angestellten hohe Löhne zahlte, erwirtschaftete die Photochrome Engraving Company nur selten einen Gewinn. Er schrieb regelmäßig für die Zeitschrift The American Amateur Photographer. Für seine Fotografien erhielt er Auszeichnungen bei Ausstellungen, darunter die gemeinsame Ausstellung des Boston Camera Club, der Photographic Society of Philadelphia und der Society of Amateur Photographers of New York.
Ende 1892 kaufte Stieglitz seine erste Handkamera, eine 4×5-Platten-Filmkamera von Folmer und Schwing, mit der er zwei seiner bekanntesten Bilder aufnahm: Winter, Fifth Avenue und The Terminal. Zuvor hatte er eine 8×10-Plattenkamera benutzt, die ein Stativ erforderte.
Stieglitz erlangte einen guten Ruf für seine Fotografie und seine Zeitschriftenartikel über die Bedeutung der Fotografie als Kunstform. Im Frühjahr 1893 wurde er Mitherausgeber von The American Amateur Photographer. Um den Anschein der Voreingenommenheit bei seinen Meinungen zu vermeiden und weil Photochrome nun die Fotogravuren für die Zeitschrift druckte, lehnte Stieglitz ein Gehalt ab. Er schrieb die meisten Artikel und Rezensionen in der Zeitschrift und war sowohl für seinen technischen als auch für seinen kritischen Inhalt bekannt.
Am 16. November 1893 heiratete der 29-jährige Stieglitz die 20-jährige Emmeline Obermeyer, die Schwester seines engen Freundes und Geschäftspartners Joe Obermeyer und Enkelin des Bierbrauers Samuel Liebmann. Sie heirateten in New York City. Stieglitz schrieb später, dass er Emmy, wie sie allgemein genannt wurde, nicht liebte, als sie heirateten, und dass ihre Ehe mindestens ein Jahr lang nicht vollzogen wurde. Sie war die Tochter eines wohlhabenden Brauereibesitzers und hatte von ihrem Vater Geld geerbt. Stieglitz bedauerte später seine Entscheidung, Emmy zu heiraten, da sie seine künstlerischen und kulturellen Interessen nicht teilte. Der Stieglitz-Biograf Richard Whelan fasste die Beziehung der beiden mit den Worten zusammen, Stieglitz habe es ihr „bitterlich verübelt, dass sie nicht sein Zwilling wurde“. Stieglitz hatte sein ganzes Leben lang einen Fetisch für jüngere Frauen.
Anfang 1894 unternahmen Stieglitz und seine Frau eine verspätete Hochzeitsreise nach Frankreich, Italien und in die Schweiz. Auf dieser Reise fotografierte Stieglitz ausgiebig und schuf einige seiner ersten berühmten Bilder wie A Venetian Canal, The Net Mender und A Wet Day on the Boulevard, Paris. Während seines Aufenthalts in Paris lernte Stieglitz den französischen Fotografen Robert Demachy kennen, der zu einem lebenslangen Korrespondenten und Kollegen wurde. In London lernte Stieglitz die Gründer von The Linked Ring, George Davison und Alfred Horsley Hinton, kennen, die beide für einen Großteil seines Lebens seine Freunde und Kollegen blieben.
Später im Jahr, nach seiner Rückkehr, wurde Stieglitz einstimmig zu einem der beiden ersten amerikanischen Mitglieder des „Linked Ring“ gewählt. Für Stieglitz war diese Anerkennung der nötige Anstoß, um seine Bemühungen um die Förderung der künstlerischen Fotografie in den Vereinigten Staaten voranzutreiben. Zu dieser Zeit gab es in New York zwei Fotoklubs, die Society of Amateur Photographers und den New York Camera Club. Stieglitz trat von seiner Position bei der Photochrome Company und als Herausgeber des American Amateur Photographer zurück und verbrachte den größten Teil des Jahres 1895 mit Verhandlungen über eine Fusion der beiden Clubs.
Im Mai 1896 schlossen sich die beiden Organisationen zusammen und gründeten den Camera Club of New York. Obwohl ihm die Präsidentschaft der Organisation angeboten wurde, wurde er Vizepräsident. Er entwickelte Programme für den Club und war an allen Aspekten der Organisation beteiligt. Dem Journalisten Theodore Dreiser sagte er, er wolle „den Club so groß, seine Arbeit so bedeutend und seine Autorität so endgültig machen, dass er sein großes Prestige zufriedenstellend nutzen kann, um die Anerkennung der einzelnen Künstler außerhalb und innerhalb seiner Mauern zu erzwingen.“
Stieglitz wandelte das bisherige Mitteilungsblatt des Camera Club in eine Zeitschrift, Camera Notes, um und erhielt die volle Kontrolle über die neue Publikation. Die erste Ausgabe wurde im Juli 1897 veröffentlicht. Bald galt sie als die beste Fotozeitschrift der Welt. In den folgenden vier Jahren nutzte Stieglitz die Camera Notes, um seinen Glauben an die Fotografie als Kunstform zu propagieren, indem er neben Abzügen führender amerikanischer und europäischer Fotografen auch Artikel über Kunst und Ästhetik veröffentlichte. Der Kritiker Sadakichi Hartmann schrieb: „Es schien mir, dass künstlerische Fotografie, der Camera Club und Alfred Stieglitz nur drei Namen für ein und dieselbe Sache waren.“
Er fotografierte auch weiterhin selbst. Ende 1896 fertigte er von Hand die Fotogravuren für eine erste Mappe mit seinen eigenen Arbeiten an, Picturesque Bits of New York and Other Studies. Er nahm weiterhin an Ausstellungen in Europa und den USA teil, und 1898 hatte er sich einen guten Ruf als Fotograf erworben. Für sein Lieblingsbild Winter – Fifth Avenue erhielt er 75 Dollar (umgerechnet 2.333 Dollar im Jahr 2020). Zehn von Stieglitz“ Abzügen wurden in diesem Jahr für den ersten Philadelphia Photographic Salon ausgewählt, wo er Gertrude Käsebier und Clarence H. White kennenlernte und mit ihnen befreundet war.
Am 27. September 1898 wurde Stieglitz“ Tochter Katherine „Kitty“ geboren. Mit dem Erbe von Emmy stellte das Paar eine Gouvernante, eine Köchin und ein Zimmermädchen ein. Stieglitz arbeitete im gleichen Rhythmus wie vor der Geburt seiner Tochter, so dass das Paar überwiegend getrennt unter einem Dach lebte.
Im November 1898 veranstaltete eine Gruppe von Fotografen in München eine Ausstellung ihrer Werke in Verbindung mit einer Ausstellung von Druckgrafiken von Künstlern wie Edvard Munch und Henri de Toulouse-Lautrec. Sie nannten sich selbst die „Secessionisten“, ein Begriff, den Stieglitz sowohl wegen seiner künstlerischen als auch seiner sozialen Bedeutung aufgriff. Vier Jahre später benutzte er denselben Namen für eine neu gegründete Gruppe von Bildfotografen, die er in New York organisierte.
Im Mai 1899 erhielt Stieglitz eine Einzelausstellung im Camera Club, die siebenundachtzig Bilder umfasste. Die Vorbereitungen für diese Ausstellung und die ständige Arbeit an den Camera Notes zehrten an Stieglitz“ Gesundheit. Um sich zu entlasten, holte er seine Freunde Joseph Keiley und Dallet Fugeut, die beide keine Mitglieder des Camera Club waren, als Mitherausgeber der Camera Notes ins Boot. Verärgert über diese Einmischung von Außenstehenden, ganz zu schweigen von ihrer eigenen schwindenden Präsenz in der Club-Publikation, begannen viele der älteren Mitglieder des Clubs, aktiv gegen Stieglitz“ redaktionelle Autorität vorzugehen. Stieglitz verbrachte den größten Teil des Jahres 1900 damit, Wege zu finden, diese Bemühungen zu überlisten, und verwickelte sich in langwierige administrative Kämpfe.
Einer der wenigen Höhepunkte jenes Jahres war Stieglitz“ Einführung in einen neuen Fotografen, Edward Steichen, auf dem Ersten Chicagoer Fotosalon. Steichen, ursprünglich ein Maler, brachte viele seiner künstlerischen Instinkte in die Fotografie ein. Die beiden wurden gute Freunde und Kollegen.
Aufgrund der anhaltenden Belastung durch die Leitung des Camera Club erlitt er im folgenden Jahr den ersten von mehreren psychischen Zusammenbrüchen. Er verbrachte einen Großteil des Sommers im Haus der Familie am Lake George, Oaklawn, um sich zu erholen. Nach seiner Rückkehr nach New York kündigte er seinen Rücktritt als Herausgeber der Camera Notes an.
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Die Foto-Sezession und die Kameraarbeit (1902-1907)
Die Fotografin Eva Watson-Schütze drängte ihn, eine Ausstellung ins Leben zu rufen, die ausschließlich von Fotografen beurteilt werden sollte, die im Gegensatz zu Malern und anderen Künstlern etwas über die Fotografie und ihre technischen Merkmale wussten. Im Dezember 1901 wurde er von Charles DeKay vom National Arts Club eingeladen, eine Ausstellung zusammenzustellen, bei der Stieglitz „die volle Macht haben würde, seinen eigenen Neigungen zu folgen“. Innerhalb von zwei Monaten stellte Stieglitz eine Sammlung von Abzügen aus seinem engen Freundeskreis zusammen, die er in Anlehnung an die Münchner Fotografen Photo-Secession nannte. Stieglitz erklärte damit nicht nur seine Abkehr von den allgemeinen künstlerischen Beschränkungen der damaligen Zeit, sondern insbesondere von der offiziellen Aufsicht des Camera Club. Die Ausstellung wurde Anfang März 1902 im Arts Club eröffnet und war sofort ein großer Erfolg.
Er begann, den Plan zu formulieren, eine völlig unabhängige Zeitschrift für Bildfotografie herauszugeben, um die künstlerischen Standards des Photo-Secessionist weiterzuführen. Im Juli legte er sein Amt als Herausgeber von Camera Notes vollständig nieder, und einen Monat später veröffentlichte er einen Prospekt für eine neue Zeitschrift, die er Camera Work nannte. Er war entschlossen, dass es „die beste und prächtigste aller fotografischen Publikationen“ werden sollte. Die erste Ausgabe wurde vier Monate später, im Dezember 1902, gedruckt und enthielt wie alle folgenden Ausgaben wunderschöne handgezogene Fotogravuren, kritische Schriften über Fotografie, Ästhetik und Kunst sowie Rezensionen und Kommentare über Fotografen und Ausstellungen. Camera Work war „die erste fotografische Zeitschrift mit visuellem Schwerpunkt“.
Stieglitz war ein Perfektionist, und das zeigte sich in jedem Aspekt von Camera Work. Er brachte die Kunst des Fotogravurdrucks voran, indem er für die Abzüge in Camera Work beispiellos hohe Standards forderte. Die visuelle Qualität der Gravuren war so hoch, dass, als ein Satz von Abzügen für eine Photo-Secession-Ausstellung in Brüssel ausblieb, stattdessen eine Auswahl von Gravuren aus der Zeitschrift aufgehängt wurde. Die meisten Betrachter gingen davon aus, dass sie die Originalfotografien vor sich hatten.
Im Laufe des Jahres 1903 gab Stieglitz die Zeitschrift Camera Work heraus und arbeitete daran, seine eigenen Arbeiten und die der Fotosezessionisten auszustellen, während er gleichzeitig mit dem Stress seines Privatlebens zu kämpfen hatte. Der luxemburgisch-amerikanische Fotograf Edward Steichen, der später die bahnbrechende Ausstellung The Family of Man kuratieren sollte, war der am häufigsten gezeigte Fotograf in der Zeitschrift. Fuguet, Keiley und Strauss, die drei Redaktionskollegen von Stieglitz bei Camera Notes, brachte er zu Camera Work mit. Später sagte er, dass er allein rund 35.000 Exemplare von Camera Work im Laufe ihres Erscheinens einzeln verpackt und verschickt hat.
1904 war Stieglitz erneut geistig und körperlich erschöpft und beschloss, im Mai mit seiner Familie nach Europa zu reisen. Er plante ein zermürbendes Programm von Ausstellungen, Treffen und Ausflügen und brach fast bei der Ankunft in Berlin zusammen, wo er sich mehr als einen Monat lang erholte. Den Rest des Jahres 1904 verbrachte er damit, Deutschland zu fotografieren, während seine Familie ihre Verwandten dort besuchte. Auf dem Rückweg in die USA machte Stieglitz in London Halt und traf sich mit führenden Vertretern des „Linked Ring“, konnte sie jedoch nicht davon überzeugen, eine Ortsgruppe ihrer Organisation in Amerika zu gründen (mit Stieglitz als Leiter).
Am 25. November 1905 wurden in der Fifth Avenue die Little Galleries of the Photo-Secession“ mit hundert Abzügen von neununddreißig Fotografen eröffnet. Steichen hatte Stieglitz nach seiner Rückkehr aus Europa empfohlen und ihn ermutigt, drei Räume gegenüber von Steichens Wohnung zu mieten, die die beiden für die Ausstellung von Fotografien für ideal hielten. Die Galerie wurde ein sofortiger Erfolg, mit fast fünfzehntausend Besuchern in der ersten Saison und, was noch wichtiger war, mit einem Verkauf von Abzügen im Wert von fast 2.800 Dollar. Mehr als die Hälfte dieser Verkäufe entfiel auf Arbeiten seines Freundes Steichen, der im selben Gebäude eine Wohnung hatte.
Stieglitz konzentrierte sich weiterhin auf die Fotografie, auf Kosten seiner Familie. Emmy, die hoffte, eines Tages Stieglitz“ Liebe zu gewinnen, gab ihm weiterhin einen Zuschuss aus ihrem Erbe.
In der Oktoberausgabe 1906 von Camera Work sagte sein Freund Joseph Keiley: „Heute ist in Amerika der eigentliche Kampf, für den die Photo-Secession gegründet wurde, vollbracht – die ernsthafte Anerkennung der Photographie als ein zusätzliches Medium des bildlichen Ausdrucks.“
Zwei Monate später traf der 42-jährige Stieglitz die 28-jährige Künstlerin Pamela Colman Smith, die ihre Zeichnungen und Aquarelle in seiner Galerie ausstellen wollte. Er beschloss, ihre Arbeiten zu zeigen, weil er es für „höchst lehrreich hielt, Zeichnungen und Fotografien zu vergleichen, um die Möglichkeiten und Grenzen der Fotografie zu beurteilen“. Ihre Ausstellung wurde im Januar 1907 eröffnet, und es kamen weit mehr Besucher in die Galerie als bei den vorangegangenen Fotoausstellungen, und bald waren alle ausgestellten Werke verkauft. Stieglitz hoffte, aus der Popularität der Ausstellung Kapital schlagen zu können, und fotografierte ihre Kunstwerke und gab eine separate Mappe mit seinen Platinabzügen ihrer Arbeiten heraus.
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Die Steerage, 291 und die moderne Kunst (1907-1916)
Im späten Frühjahr 1907 arbeitete Stieglitz zusammen mit seinem Freund Clarence H. White an einer Reihe von fotografischen Experimenten. Sie machten mehrere Dutzend Fotos von zwei bekleideten und nackten Modellen und druckten eine Auswahl davon mit ungewöhnlichen Techniken ab, darunter Tonen, Wachsen und Zeichnen auf Platinabzügen. Laut Stieglitz überwanden sie damit „die Unmöglichkeit der Kamera, bestimmte Dinge zu tun“.
Aufgrund des Rückgangs der Camera Work-Abonnements und der geringen Gewinnspanne der Galerie verdiente er in diesem Jahr weniger als 400 Dollar. Jahrelang hatte Emmy einen extravaganten Lebensstil gepflegt, zu dem auch eine Vollzeit-Gouvernante für Kitty und teure Europareisen gehörten. Trotz der Besorgnis ihres Vaters über seine wachsenden finanziellen Probleme segelte die Familie Stieglitz mit ihrer Gouvernante erneut über den Atlantik.
Auf seiner Reise nach Europa machte Stieglitz eine Aufnahme, die nicht nur als sein Markenzeichen, sondern auch als eine der wichtigsten Fotografien des 20. Jahrhunderts gilt. Er richtete seine Kamera auf die Passagiere der unteren Klasse im Bug des Schiffes und hielt eine Szene fest, die er „The Steerage“ nannte. Vier Jahre lang wurde das Bild weder veröffentlicht noch ausgestellt.
Während seines Aufenthalts in Europa sah Stieglitz die erste kommerzielle Vorführung des Autochrom-Lumière-Farbfotografieverfahrens, und bald experimentierte er in Paris mit Steichen, Frank Eugene und Alvin Langdon Coburn damit. Er nahm drei von Steichens Autochromen mit nach München, um vierfarbige Reproduktionen anfertigen zu lassen, die in eine zukünftige Ausgabe von Camera Work eingefügt werden sollten.
Man forderte ihn auf, aus dem Camera Club auszutreten, doch aufgrund der Proteste anderer Mitglieder wurde er als Mitglied auf Lebenszeit wieder aufgenommen. Kurz nachdem er eine bahnbrechende Ausstellung mit Zeichnungen von Auguste Rodin präsentiert hatte, zwangen ihn seine finanziellen Probleme, die Kleinen Galerien für kurze Zeit zu schließen, bis sie im Februar 1908 unter dem neuen Namen „291“ wiedereröffnet wurden.
Stieglitz mischte bewusst Ausstellungen von Kunst, von der er wusste, dass sie umstritten sein würde, wie etwa Rodins sexuell explizite Zeichnungen, mit dem, was Steichen „verständliche Kunst“ nannte, und mit Fotografien. Die Absicht war, „einen Dialog in Gang zu setzen, der es den 291 Besuchern ermöglichen sollte, die Unterschiede und Gemeinsamkeiten zwischen Künstlern aller Ränge und Typen zu sehen, zu diskutieren und zu erwägen: zwischen Malern, Zeichnern, Bildhauern und Fotografen; zwischen europäischen und amerikanischen Künstlern; zwischen älteren oder etablierteren Figuren und jüngeren, neueren Künstlern“. Zur gleichen Zeit veranstaltete der National Arts Club eine „Sonderausstellung zeitgenössischer Kunst“, die Fotografien von Stieglitz, Steichen, Käsebier und White sowie Gemälde von Mary Cassatt, William Glackens, Robert Henri, James McNeill Whistler und anderen zeigte. Es wird angenommen, dass dies die erste große Ausstellung in den USA war, in der Fotografen gleichberechtigt mit Malern ausgestellt wurden.
Den größten Teil der Jahre 1908 und 1909 verbrachte Stieglitz damit, Ausstellungen in der Galerie 291 zu gestalten und Camera Work zu veröffentlichen. In dieser Zeit entstanden keine Fotografien, die in dem endgültigen Katalog seines Werks, Alfred Stieglitz: The Key Set.
Im Mai 1909 starb Stieglitz“ Vater Edward und hinterließ seinem Sohn testamentarisch die damals beträchtliche Summe von 10.000 Dollar (was im Jahr 2020 288.037 Dollar entspricht). Stieglitz nutzte diese neue Finanzspritze, um seine Galerie und Camera Work für die nächsten Jahre am Laufen zu halten.
In dieser Zeit lernte Stieglitz Marius de Zayas kennen, einen energischen und charismatischen Künstler aus Mexiko, der zu einem seiner engsten Mitarbeiter wurde, der ihm sowohl bei den Ausstellungen in der Galerie half als auch Stieglitz mit neuen Künstlern in Europa bekannt machte. Als Stieglitz“ Ruf als Förderer der modernen europäischen Kunst zunahm, traten bald mehrere neue amerikanische Künstler an ihn heran, die hofften, ihre Werke ausstellen zu können. Stieglitz war von ihrer modernen Vision fasziniert, und innerhalb weniger Monate hingen die Werke von Alfred Maurer, John Marin und Marsden Hartley an den Wänden von 291.
1910 wurde Stieglitz vom Direktor der Albright Art Gallery eingeladen, eine große Ausstellung mit den besten zeitgenössischen Fotografien zu organisieren. Obwohl in der Zeitschrift Camera Work ein offener Wettbewerb für die Ausstellung angekündigt wurde, löste die Tatsache, dass Stieglitz für die Ausstellung verantwortlich sein würde, eine neue Runde von Angriffen gegen ihn aus. In einem Leitartikel des Magazins American Photography wurde behauptet, Stieglitz könne „den Wert einer künstlerisch wertvollen fotografischen Arbeit nicht mehr erkennen, die nicht einem bestimmten Stil entspricht, der für alle Ausstellungen unter seiner Schirmherrschaft so charakteristisch ist. Vor einer halben Generation war diese Schule fortschrittlich und ihrer Zeit weit voraus. Heute ist sie nicht fortschrittlich, sondern eine reaktionäre Kraft der gefährlichsten Art.“
Stieglitz schrieb an seinen Fotografenkollegen George Seeley: „Der Ruf, nicht nur der Photo-Secession, sondern der Photographie steht auf dem Spiel, und ich beabsichtige, alle verfügbaren Kräfte aufzubringen, um für uns zu gewinnen.“ Die Ausstellung wurde im Oktober mit mehr als 600 Fotografien eröffnet. Die Kritiker lobten allgemein die schönen ästhetischen und technischen Qualitäten der Werke. Seine Kritiker stellten jedoch fest, dass die überwiegende Mehrheit der Abzüge in der Ausstellung von denselben Fotografen stammte, die Stieglitz seit Jahren kannte und deren Werke er in der 291 ausgestellt hatte. Mehr als fünfhundert der Abzüge stammten von nur siebenunddreißig Fotografen, darunter Steichen, Coburn, Seeley, White, F. Holland Day und Stieglitz selbst.
In der Januarausgabe 1911 von Camera Work druckte Stieglitz, der das, was er als Kommerz empfand, ablehnte, eine Rezension der Ausstellung in Buffalo mit abfälligen Worten über die Fotos von White und Käsebier ab. White verzeiht Stieglitz nie. Er gründete seine eigene Fotoschule, und Käsebier und White waren Mitbegründer der „Pictorial Photographers of America“.
Im Laufe des Jahres 1911 und Anfang 1912 organisierte Stieglitz bahnbrechende Ausstellungen moderner Kunst bei 291 und förderte die neue Kunst zusammen mit der Fotografie auf den Seiten von Camera Work. Im Sommer 1912 war er von der nicht-fotografischen Kunst so begeistert, dass er eine Ausgabe von Camera Work (August 1912) veröffentlichte, die ausschließlich Matisse und Picasso gewidmet war.
Ende 1912 organisierten die Maler Walter Pach, Arthur B. Davies und Walt Kuhn eine Ausstellung moderner Kunst, für die Stieglitz einige moderne Werke aus 291 zur Verfügung stellte. Er erklärte sich auch bereit, zusammen mit Claude Monet, Odilon Redon, Mabel Dodge und Isabella Stewart Gardner als Ehrenvizepräsident der Ausstellung aufgeführt zu werden. Im Februar 1913 wurde die Armory Show in New York eröffnet, und schon bald war die moderne Kunst ein wichtiges Gesprächsthema in der Stadt. Er sah in der Popularität der Ausstellung eine Bestätigung für die Arbeit, die er in den letzten fünf Jahren im Haus 291 gefördert hatte. Er organisierte eine Ausstellung seiner eigenen Fotografien im 291, die zeitgleich mit der Armory Show stattfand. Später schrieb er, dass die gleichzeitige Präsentation von Fotografien und modernen Gemälden „den Studenten und der Öffentlichkeit die beste Gelegenheit bot, den Platz und den Zweck der beiden Medien besser zu verstehen“.
Im Januar 1914 starb sein engster Freund und Mitarbeiter Joseph Keiley, was ihn viele Wochen lang verzweifeln ließ. Auch der Ausbruch des Ersten Weltkriegs beunruhigte ihn aus mehreren Gründen. Er war um die Sicherheit seiner Familie und Freunde in Deutschland besorgt. Er musste einen neuen Drucker für die Fotogravuren für Camera Work finden, die seit vielen Jahren in Deutschland gedruckt worden waren. Der Krieg verursachte einen erheblichen Abschwung in der amerikanischen Wirtschaft, und Kunst wurde für viele Menschen zu einem Luxusgut. Gegen Ende des Jahres kämpfte Stieglitz darum, sowohl 291 als auch Camera Work am Leben zu erhalten. Er veröffentlichte die April-Ausgabe von Camera Work im Oktober, aber es sollte mehr als ein Jahr dauern, bis er die Zeit und die Mittel hatte, die nächste Ausgabe zu veröffentlichen.
In der Zwischenzeit überzeugten Stieglitz“ Freunde de Zayas, Paul de Haviland und Agnes Meyer ihn davon, dass die Lösung für seine Probleme darin bestand, ein völlig neues Projekt in Angriff zu nehmen, etwas, das ihn wieder für seine Interessen interessieren würde. Er gab eine neue Zeitschrift heraus, die er nach seiner Galerie 291 nannte und die zum Inbegriff der Avantgardekultur werden sollte. Sie war zwar ein ästhetischer Triumph, aber ein finanzielles Desaster, und nach zwölf Ausgaben wurde das Erscheinen eingestellt.
In dieser Zeit interessierte sich Stieglitz zunehmend für eine modernere visuelle Ästhetik der Fotografie. Er wurde auf die Entwicklungen in der Avantgarde-Malerei und -Skulptur aufmerksam und stellte fest, dass der Piktorialismus nicht mehr die Zukunft darstellte, sondern die Vergangenheit war. Er wurde unter anderem von dem Maler Charles Sheeler und dem Fotografen Paul Strand beeinflusst. Strand, der seit vielen Jahren Ausstellungen im 291 besuchte, führte Stieglitz 1915 in eine neue fotografische Vision ein, die durch die kühnen Linien alltäglicher Formen verkörpert wurde. Stieglitz war einer der ersten, der die Schönheit und Anmut von Strands Stil erkannte, und er gab Strand eine große Ausstellung im 291. Außerdem widmete er fast die gesamte letzte Ausgabe von Camera Work seinen Fotografien.
Im Januar 1916 wurde Stieglitz eine Mappe mit Kohlezeichnungen einer jungen Künstlerin namens Georgia O“Keeffe gezeigt. Stieglitz war von ihrer Kunst so angetan, dass er, ohne O“Keeffe zu treffen oder gar ihre Erlaubnis einzuholen, ihre Werke auszustellen, den Plan fasste, ihre Arbeiten im Haus 291 auszustellen. Das erste, was O“Keeffe davon erfuhr, war ein anderer Freund, der Ende Mai desselben Jahres ihre Zeichnungen in der Galerie sah. Sie lernte Stieglitz schließlich kennen, nachdem sie zu 291 gegangen war und ihn dafür schimpfte, dass er ihre Werke ohne ihre Erlaubnis ausgestellt hatte.
Bald darauf lernte O“Keeffe Paul Strand kennen, und mehrere Monate lang tauschten sie und Strand zunehmend romantische Briefe aus. Als Strand seinem Freund Stieglitz von seiner neuen Sehnsucht erzählte, antwortete Stieglitz, indem er Strand von seiner eigenen Verliebtheit in O“Keeffe erzählte. Allmählich erlahmte Strands Interesse, während Stieglitz“ eskalierte. Im Sommer 1917 schrieben er und O“Keeffe sich gegenseitig „ihre privatesten und kompliziertesten Gedanken“, und es war klar, dass sich etwas sehr Intensives entwickelte.
Das Jahr 1917 markierte das Ende einer Ära in Stieglitz“ Leben und den Beginn einer anderen. Unter anderem aufgrund der sich wandelnden Ästhetik, der sich durch den Krieg verändernden Zeiten und seiner wachsenden Beziehung zu O“Keeffe hatte er nicht mehr das Interesse oder die Ressourcen, um seine Arbeit des letzten Jahrzehnts fortzusetzen. Innerhalb weniger Monate löste er das auf, was von der Photo-Secession übrig geblieben war, stellte die Veröffentlichung von Camera Work ein und schloss die Türen von 291. Es war ihm auch klar, dass seine Ehe mit Emmy vorbei war. Er hatte endlich „seinen Zwilling“ gefunden, und der Beziehung, die er sich sein ganzes Leben lang gewünscht hatte, stand nichts mehr im Wege.
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O“Keeffe und die moderne Kunst (1918-1924)
Anfang Juni 1918 zog O“Keeffe von Texas nach New York, nachdem Stieglitz ihr versprochen hatte, ihr ein ruhiges Atelier zur Verfügung zu stellen, in dem sie malen konnte. Innerhalb eines Monats machte er in der Wohnung seiner Familie die erste von vielen Aktfotografien von ihr, während seine Frau Emmy abwesend war, aber sie kehrte zurück, während die Aufnahmen noch im Gange waren. Sie hatte schon seit einiger Zeit den Verdacht, dass zwischen den beiden etwas lief, und forderte ihn auf, sich nicht mehr mit ihr zu treffen oder zu verschwinden. Stieglitz reiste ab und fand sofort eine Wohnung in der Stadt, in der er und O“Keeffe zusammen leben konnten. Mehr als zwei Wochen lang schliefen sie getrennt voneinander. Ende Juli lagen sie zusammen in einem Bett, und Mitte August, als sie Oaklawn besuchten, „waren sie wie zwei verliebte Teenager“. Mehrmals am Tag rannten sie die Treppe zu ihrem Schlafzimmer hinauf, so begierig darauf, miteinander zu schlafen, dass sie sich im Laufen auszogen.“
Sobald er aus der Wohnung ausgezogen war, hatte Emmy einen Sinneswandel. Aufgrund der von Emmy und ihren Brüdern verursachten juristischen Verzögerungen sollte es noch sechs Jahre dauern, bis die Scheidung abgeschlossen war. Während dieser Zeit lebten Stieglitz und O“Keeffe weiterhin zusammen, obwohl sie von Zeit zu Zeit alleine loszog, um Kunst zu schaffen. Stieglitz nutzte die Zeit ihrer Trennung, um sich auf seine Fotografie und die Förderung der modernen Kunst zu konzentrieren.
O“Keeffe war die Muse, die Stieglitz immer gesucht hatte. Zwischen 1918 und 1925 fotografierte er O“Keeffe wie besessen in der produktivsten Zeit seines Lebens. In dieser Zeit fertigte er mehr als 350 montierte Abzüge von O“Keeffe an, die ein breites Spektrum ihres Charakters, ihrer Stimmungen und ihrer Schönheit abbilden. Er schoss viele Nahaufnahmen von Teilen ihres Körpers, vor allem von ihren Händen, entweder isoliert oder in der Nähe ihres Gesichts oder ihrer Haare. Die O“Keeffe-Biografin Roxanna Robinson stellt fest, dass ihre „Persönlichkeit für diese Fotografien von entscheidender Bedeutung war; sie war es ebenso wie ihr Körper, den Stieglitz festhielt“.
1920 wurde Stieglitz von Mitchell Kennerly von den Anderson Galleries in New York eingeladen, eine große Ausstellung seiner Fotografien zusammenzustellen. Anfang 1921 veranstaltete er die erste Einzelausstellung seiner Fotografien seit 1913. Von den 146 Abzügen, die er ausstellte, waren nur 17 zuvor zu sehen gewesen. Sechsundvierzig waren von O“Keeffe, darunter viele Aktfotos, aber sie war auf keinem der Abzüge als Modell zu erkennen. Im Katalog zu dieser Ausstellung gab Stieglitz seine berühmte Erklärung ab: „Ich wurde in Hoboken geboren. Ich bin ein Amerikaner. Die Fotografie ist meine Leidenschaft. Die Suche nach der Wahrheit ist meine Besessenheit“. Weniger bekannt ist, dass er diese Aussage mit den folgenden Worten untermauerte:
BITTE BEACHTEN SIE: In der obigen ERKLÄRUNG kommen die folgenden, schnell „veralteten“ Begriffe nicht vor: KUNST, WISSENSCHAFT, SCHÖNHEIT, RELIGION, jeder ISM, ABSTRACTION, FORM, PLASTIZITÄT, OBJEKTIVITÄT, SUBJEKTIVITÄT, ALTE MEISTER, MODERNE KUNST, PSYCHOANALYSE, ÄSTHETIK, BILDFOTOGRAFIE, DEMOKRATIE, CEZANNE, „291“, VERBOT. Der Begriff WAHRHEIT hat sich eingeschlichen, aber er kann von jedem wieder rausgeschmissen werden.
1922 organisierte Stieglitz eine große Ausstellung von Gemälden und Radierungen von John Marin in den Anderson Galleries, gefolgt von einer großen Auktion mit fast zweihundert Gemälden von mehr als vierzig amerikanischen Künstlern, darunter auch O“Keeffe. Angeregt durch diese Aktivitäten begann er eine seiner kreativsten und ungewöhnlichsten Unternehmungen: Er fotografierte eine Reihe von Wolkenstudien, einfach wegen ihrer Form und Schönheit. Er sagte:
Ich wollte Wolken fotografieren, um herauszufinden, was ich in vierzig Jahren über Fotografie gelernt hatte. Durch die Wolken wollte ich meine Lebensphilosophie niederlegen – zeigen, dass (der Erfolg) meiner Fotografien (nicht) auf das Motiv zurückzuführen war – nicht auf besondere Bäume oder Gesichter oder Innenräume, auf besondere Privilegien – Wolken waren für alle da…
Im Spätsommer hatte er eine Serie geschaffen, die er „Music – A Sequence of Ten Cloud Photographs“ nannte. In den nächsten zwölf Jahren machte er Hunderte von Wolkenfotos ohne Orts- oder Richtungsangaben. Diese Fotografien werden allgemein als die ersten bewusst abstrakten Fotografien angesehen und gehören bis heute zu seinen stärksten Bildern. Er bezeichnete diese Fotografien später als Äquivalente.
Stieglitz“ Mutter Hedwig starb im November 1922, und wie schon bei seinem Vater vergrub er seinen Kummer in seiner Arbeit. Er verbrachte Zeit mit Paul Strand und seiner neuen Frau Rebecca (Beck), begutachtete die Arbeiten eines anderen Newcomers namens Edward Weston und begann, eine neue Ausstellung von O“Keeffes Werken zu organisieren. Ihre Ausstellung wurde Anfang 1923 eröffnet, und Stieglitz verbrachte einen Großteil des Frühjahrs mit der Vermarktung ihrer Werke. Schließlich wurden zwanzig ihrer Gemälde für mehr als 3.000 Dollar verkauft. Im Sommer zog O“Keeffe erneut in die Abgeschiedenheit des Südwestens, und Stieglitz war eine Zeit lang allein mit Beck Strand am Lake George. Er machte eine Reihe von Nacktfotos von ihr, und bald war er in sie vernarrt. Sie hatten eine kurze körperliche Affäre, bevor O“Keeffe im Herbst zurückkehrte. O“Keeffe merkte, was passiert war, aber da sie Stieglitz“ neuen Liebhaber nicht als ernsthafte Bedrohung für ihre Beziehung ansah, ließ sie die Dinge auf sich beruhen. Sechs Jahre später hatte sie ihre eigene Affäre mit Beck Strand in New Mexico.
1924 wurde Stieglitz“ Scheidung schließlich von einem Richter genehmigt, und innerhalb von vier Monaten heirateten er und O“Keeffe in einer kleinen, privaten Zeremonie im Haus von Marin. Sie fuhren nach Hause, ohne einen Empfang oder Flitterwochen. O“Keeffe sagte später, dass sie heirateten, um die Sorgen von Stieglitz“ Tochter Kitty zu lindern, die zu dieser Zeit wegen Depressionen und Halluzinationen in einem Sanatorium behandelt wurde. Für den Rest ihres gemeinsamen Lebens war ihre Beziehung, wie die Biografin Benita Eisler es charakterisierte, „eine Absprache … ein System von Abmachungen und Kompromissen, die stillschweigend vereinbart und größtenteils ohne den Austausch eines Wortes durchgeführt wurden. O“Keeffe, der in den meisten Fragen Konfrontationen vorzog, war der Hauptakteur der Absprachen in ihrer Vereinigung.“
In den kommenden Jahren verbrachte O“Keeffe einen Großteil ihrer Zeit malend in New Mexico, während Stieglitz New York nur selten verließ, außer im Sommer auf dem Familiensitz seines Vaters am Lake George in den Adirondacks, seinem Lieblingsurlaubsort. O“Keeffe sagte später: „Stieglitz war ein Hypochonder und konnte sich nicht weiter als 50 Meilen von einem Arzt entfernen.“
Ende 1924 schenkte Stieglitz dem Boston Museum of Fine Arts 27 Fotografien. Es war das erste Mal, dass ein großes Museum Fotografien in seine ständige Sammlung aufnahm. Im selben Jahr wurde er mit der Fortschrittsmedaille der Royal Photographic Society für die Förderung der Fotografie ausgezeichnet und erhielt die Ehrenmitgliedschaft der Gesellschaft.
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Die intime Galerie und Ein amerikanischer Ort (1925-1937)
1925 wurde Stieglitz von den Anderson Galleries eingeladen, eine der größten Ausstellungen amerikanischer Kunst zusammenzustellen. Der Titel lautete Alfred Stieglitz Presents Seven Americans: 159 Gemälde, Fotografien und Gegenstände, neu und noch nie öffentlich gezeigt von Arthur G. Dove, Marsden Hartley, John Marin, Charles Demuth, Paul Strand, Georgia O“Keeffe und Alfred Stieglitz. Nur ein kleines Gemälde von O“Keeffe wurde während der dreiwöchigen Ausstellung verkauft.
Bald darauf wurde Stieglitz die weitere Nutzung eines der Räume in den Anderson Galleries angeboten, die er für eine Reihe von Ausstellungen einiger der Künstler nutzte, die auch in der Ausstellung Seven Americans vertreten waren. Im Dezember 1925 eröffnete er seine neue Galerie, „The Intimate Gallery“, die er wegen ihrer geringen Größe „The Room“ nannte. In den folgenden vier Jahren stellte er sechzehn Ausstellungen mit Werken von Marin, Dove, Hartley, O“Keeffe und Strand sowie Einzelausstellungen von Gaston Lachaise, Oscar Bluemner und Francis Picabia zusammen. In dieser Zeit knüpfte Stieglitz eine Beziehung zu dem einflussreichen neuen Kunstsammler Duncan Phillips, der mehrere Werke über The Intimate Gallery erwarb.
1927 verliebte sich Stieglitz in die 22-jährige Dorothy Norman, die damals als Freiwillige in der Galerie arbeitete, und sie verliebten sich. Norman war verheiratet und hatte ein Kind, aber sie kam fast jeden Tag in die Galerie.
O“Keeffe nahm ein Angebot von Mabel Dodge an, den Sommer über nach New Mexico zu gehen. Stieglitz nutzte die Zeit ihrer Abwesenheit, um Norman zu fotografieren, und begann, ihr auch die technischen Aspekte des Druckens beizubringen. Als Norman ein zweites Kind bekam, war sie etwa zwei Monate lang von der Galerie abwesend, bevor sie regelmäßig zurückkehrte. Nach kurzer Zeit wurden die beiden ein Liebespaar, aber auch nachdem ihre körperliche Beziehung einige Jahre später abflaute, arbeiteten sie weiterhin zusammen, wenn O“Keeffe nicht da war, bis Stieglitz 1946 starb.
Anfang 1929 erfuhr Stieglitz, dass das Gebäude, in dem der Room untergebracht war, im Laufe des Jahres abgerissen werden sollte. Nach einer letzten Ausstellung von Demuths Werken im Mai zog er sich für den Sommer erschöpft und deprimiert an den Lake George zurück. Die Strands sammelten fast sechzehntausend Dollar für eine neue Galerie für Stieglitz, der harsch reagierte und sagte, es sei an der Zeit, dass die „Jungen“ einen Teil der Arbeit erledigten, die er so viele Jahre lang geschultert hatte. Obwohl sich Stieglitz schließlich entschuldigte und die Großzügigkeit der beiden akzeptierte, markierte dieser Vorfall den Anfang vom Ende ihrer langen und engen Beziehung.
Im Spätherbst kehrte Stieglitz nach New York zurück. Am 15. Dezember, zwei Wochen vor seinem fünfundsechzigsten Geburtstag, eröffnete er „An American Place“, die größte Galerie, die er je geleitet hatte. Sie verfügte über die erste Dunkelkammer, die er je in der Stadt besessen hatte. Zuvor hatte er sich andere Dunkelkammern ausgeliehen oder nur gearbeitet, wenn er am Lake George war. In den nächsten sechzehn Jahren zeigte er Gruppen- und Einzelausstellungen seiner Freunde Marin, Demuth, Hartley, Dove und Strand. O“Keeffe erhielt jedes Jahr mindestens eine große Ausstellung. Er kontrollierte den Zugang zu ihren Werken streng und warb unablässig für sie, auch wenn die Kritiker sie nicht gerade wohlwollend beurteilten. In dieser Zeit sahen sie sich oft nur im Sommer, wenn es in ihrem Haus in New Mexico zu heiß war, aber sie schrieben sich fast wöchentlich mit der Inbrunst von Seelenverwandten.
1932 zeigte Stieglitz im The Place eine Retrospektive von 127 seiner Werke aus vierzig Jahren. Darunter befanden sich alle seine berühmtesten Fotografien, aber er wählte auch bewusst neuere Fotos von O“Keeffe, die aufgrund ihrer Jahre in der Sonne des Südwestens älter aussah als ihre fünfundvierzig Jahre, im Vergleich zu Stieglitz“ Porträts seiner jungen Geliebten Norman. Es war eines der wenigen Male, in denen er O“Keeffe in der Öffentlichkeit gehässig gegenübertrat, und es könnte eine Folge ihrer immer heftigeren Auseinandersetzungen im Privaten über seine Kontrolle über ihre Kunst gewesen sein.
Später im selben Jahr stellte er O“Keeffes Werke neben einigen amateurhaften Glasbildern von Becky Strand aus. Er veröffentlichte keinen Katalog zu dieser Ausstellung, was die Strands als Beleidigung auffassten. Paul Strand hat Stieglitz das nie verziehen. Er sagte: „Der Tag, an dem ich 1907 die Photo-Secession 291 betrat, war ein großer Moment in meinem Leben… aber der Tag, an dem ich 1932 aus An American Place herausging, war nicht weniger gut. Es war frische Luft und persönliche Befreiung von etwas, das, zumindest für mich, zweitklassig, korrupt und bedeutungslos geworden war.“
1936 kehrte Stieglitz für kurze Zeit zu seinen fotografischen Wurzeln zurück und organisierte eine der ersten Ausstellungen mit Fotos von Ansel Adams in New York City. Die Ausstellung war erfolgreich und David McAlpin kaufte acht Adams-Fotos. Zwei Jahre später veranstaltete er auch eine der ersten Ausstellungen von Eliot Porter. Stieglitz, der als „Pate der modernen Fotografie“ gilt, ermutigte Todd Webb, seinen eigenen Stil zu entwickeln und sich in das Medium zu vertiefen.
Im folgenden Jahr veranstaltete das Cleveland Museum of Art die erste große Ausstellung von Stieglitz“ Werken außerhalb seiner eigenen Galerien. Während er dafür sorgte, dass jeder Druck perfekt war, arbeitete er sich bis zur Erschöpfung ab. O“Keeffe verbrachte die meiste Zeit des Jahres in New Mexico.
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Die letzten Jahre (1938-1946)
Anfang 1938 erlitt Stieglitz einen schweren Herzinfarkt, einen von sechs Herzinfarkt- oder Angina-Pectoris-Anfällen, die ihn in den nächsten acht Jahren heimsuchten und die ihn zunehmend schwächten. Während seiner Abwesenheit leitete Dorothy Norman die Galerie. O“Keeffe blieb in dieser Zeit von Frühjahr bis Herbst in ihrem Haus im Südwesten.
Im Sommer 1946 erlitt Stieglitz einen tödlichen Schlaganfall und fiel in ein Koma. O“Keeffe kehrte nach New York zurück und fand Dorothy Norman in seinem Krankenhauszimmer vor. Sie verließ ihn und O“Keeffe war bei ihm, als er starb. Seinem Wunsch entsprechend fand eine einfache Beerdigung statt, an der zwanzig seiner engsten Freunde und Familienmitglieder teilnahmen. Stieglitz wurde eingeäschert, und zusammen mit seiner Nichte Elizabeth Davidson brachte O“Keeffe seine Asche zum Lake George, wo er „das Wasser hören konnte“. Am Tag nach der Beerdigung übernahm O“Keeffe die Kontrolle über An American Place.
Stieglitz schuf im Laufe seiner Karriere mehr als 2.500 gerahmte Fotografien. Nach seinem Tod stellte O“Keeffe eine Reihe der ihrer Meinung nach besten seiner Fotografien zusammen, die er persönlich aufgezogen hatte. In einigen Fällen fügte sie leicht unterschiedliche Versionen desselben Bildes hinzu, und diese Serien sind von unschätzbarem Wert, da sie Aufschluss über Stieglitz“ ästhetische Komposition geben. 1949 schenkte sie der National Gallery of Art in Washington D.C. den ersten Teil des von ihr so bezeichneten „Schlüsselsatzes“ von 1.317 Stieglitz-Fotografien. Im Jahr 1980 fügte sie dem Satz weitere 325 Fotografien hinzu, die Stieglitz von ihr gemacht hatte, darunter viele Aktfotos. Mit nunmehr 1 642 Fotografien handelt es sich um die weltweit größte und vollständigste Sammlung von Stieglitz“ Werk. Im Jahr 2002 veröffentlichte die National Gallery einen zweibändigen Katalog mit 1.012 Seiten, in dem das gesamte Schlüsselset zusammen mit detaillierten Anmerkungen zu jeder Fotografie abgebildet ist.
2019 veröffentlicht die National Gallery eine aktualisierte Online-Edition des Alfred Stieglitz Key Sets.
Quellen
