Antoni Tàpies
gigatos | Januar 10, 2022
Zusammenfassung
Antoni Tàpies i Puig, I Marqués de Tápies (Barcelona, 13. Dezember 1923 – ibidem, 6. Februar 2012), war ein spanischer Maler, Bildhauer und Kunsttheoretiker. Er ist einer der weltweit führenden Vertreter des Informalismus und gilt als einer der bedeutendsten spanischen Künstler des 20. Das Werk des katalanischen Künstlers hat ein Studien- und Konservierungszentrum in der Fundació Antoni Tàpies in Barcelona.
Als Autodidakt schuf Tàpies seinen eigenen Stil innerhalb der Avantgarde-Kunst des 20. Jahrhunderts, indem er Tradition und Innovation in einem abstrakten, aber symbolträchtigen Stil verband und dem materiellen Substrat des Werks große Bedeutung beimaß. Hervorzuheben ist der ausgeprägte spirituelle Sinn, den der Künstler seinem Werk verleiht, in dem der materielle Träger über seinen Zustand hinausgeht und eine tiefgreifende Analyse der menschlichen Existenz bedeutet.
Das Werk von Tàpies wird sowohl national als auch international sehr geschätzt und wurde in den renommiertesten Museen der Welt ausgestellt. Im Laufe seiner Karriere erhielt er zahlreiche Preise und Auszeichnungen, darunter den Preis der Wolf-Stiftung für Kunst (1981), die Goldmedaille der Generalitat de Catalunya (1983), den Prinz-von-Asturien-Preis für Kunst (1990), die Picasso-Medaille der Unesco (1993) und den Velázquez-Preis für Bildende Kunst (2003). In Anerkennung seiner künstlerischen Laufbahn verlieh ihm König Juan Carlos I. am 9. April 2010 den Titel eines Markgrafen von Tàpies.
Das Werk von Antoni Tàpies steht in der Tradition dieser Explosionen, die sich von Zeit zu Zeit in unserem Land ereignen und die so viele tote Dinge bewegen. Es ist authentisch barcelonisch mit universeller Ausstrahlung. Dafür gebührt ihm meine ganze Bewunderung.
Tàpies war der Sohn des Rechtsanwalts Josep Tàpies i Mestres und von Maria Puig i Guerra, der Tochter einer katalanistischen Politikerfamilie. Der Beruf des Vaters und die Beziehungen der Familie der Mutter zu Mitgliedern des politischen Lebens Kataloniens förderten eine liberale Atmosphäre in der Kindheit des Künstlers. Tàpies hat immer gesagt, dass die Konfrontation zwischen dem Antiklerikalismus seines Vaters und dem orthodoxen Katholizismus seiner Mutter ihn persönlich auf die Suche nach einer neuen Spiritualität brachte, die er in östlichen Philosophien und Religionen, vor allem im Zen-Buddhismus, fand.
Nach eigenem Bekunden wurde seine künstlerische Berufung durch eine Weihnachtsausgabe der Zeitschrift D“Ací i d“Allà im Jahr 1934 geweckt, die ein umfassendes Panorama der internationalen modernen Kunst präsentierte. Eines der Ereignisse, die sein Leben prägten, war seine Rekonvaleszenz von einer Schwindsucht im Alter von 18 Jahren, ein Umstand, der ihn dazu brachte, den Sinn seines Lebens und seine Berufung zu überdenken, denn während seiner Genesung widmete er sich intensiv dem Zeichnen. Die fiebrigen Zustände, unter denen er litt, führten zu häufigen Halluzinationen, die für die Entwicklung seines Werks von wesentlicher Bedeutung waren. Während seines Aufenthalts im Sanatorium Puig d“Olena (1942-1943) flüchtete er sich in Musik (Wagner) und Literatur (Ibsen, Nietzsche, Thomas Mann) und fertigte Kopien von Van Gogh und Picasso an.
Er verband sein 1943 begonnenes Jurastudium an der Universität von Barcelona mit seiner Leidenschaft für die Kunst. Schließlich wandte er sich der Malerei zu und brach 1946 sein Studium ab. Als Autodidakt studierte er nur kurz an der Akademie von Nolasc Valls. 1946 richtete er sein erstes Malatelier in Barcelona ein.
1948 war er einer der Gründer der Zeitschrift und der Bewegung Dau al Set, die mit dem Surrealismus und dem Dadaismus verwandt ist. Der Anführer dieser Bewegung war der Dichter Joan Brossa, und zu Tàpies gesellten sich Modest Cuixart, Joan-Josep Tharrats, Joan Ponç, Arnau Puig und später Juan Eduardo Cirlot. Die Zeitschrift bestand bis 1956, aber Tàpies war 1950 nach Paris gegangen und hatte sich von der Gruppe distanziert, obwohl er weiterhin sporadisch Beiträge für die Zeitschrift lieferte.
Tàpies“ frühe Werke sind im Rahmen des Surrealismus angesiedelt, doch ab diesem Zeitpunkt ändert er seinen Stil und wird zu einem der führenden Vertreter des Informalismus. Als Vertreter der so genannten „Materiemalerei“ verwendete Tàpies für seine Werke Materialien, die nicht als künstlerisch angesehen werden, sondern als recycelt oder weggeworfen, wie z. B. Seile, Papier oder Marmorstaub.
Im Jahr 1948 stellte er seine Werke erstmals auf dem I Salon d“Octubre in Barcelona aus und zeigte zwei Werke aus dem Jahr 1947: Pintura und Encolado. In diesem Jahr lernte er Joan Miró kennen, einen der von ihm am meisten bewunderten Künstler. 1949 nahm er an der Ausstellung Un aspecto de la joven pintura catalana im Institut Français in Barcelona teil, wo er von Eugeni d“Ors gesehen wurde, der ihn zum VII. Salón de los Once in Madrid (1950) einlud. 1950 hatte er seine erste Einzelausstellung in den Galeries Laietanes in Barcelona, wo er 1952 erneut ausstellte. Mit einem Stipendium des Französischen Instituts reist er nach Paris (1950), wo es ihm gelingt, beim Internationalen Carnegie-Wettbewerb in Pittsburgh auszustellen und Picasso zu treffen.
Im Jahr 1950 wurde er ausgewählt, Spanien auf der Biennale von Venedig zu vertreten, wo er mehrmals teilnahm. Im Jahr 1953 stellte er in Chicago und Madrid aus; im selben Jahr organisierte die Kunsthändlerin Martha Jackson eine Ausstellung für ihn in New York, die ihn in den Vereinigten Staaten bekannt machte. Im selben Jahr gewann er den ersten Preis beim Jazzsalon in Barcelona und lernte den Kritiker Michel Tapié kennen, der Berater der Galerie Stadler in Paris war, wo er 1956 und seitdem mehrmals ausstellte. 1954 heiratete er Teresa Barba i Fàbregas, mit der er drei Kinder hatte: Antoni (Dichter), Clara und Miquel Àngel.
Zusammen mit Modest Cuixart, Joan-Josep Tharrats, Marc Aleu, Josep Guinovart, Jordi Mercadé und Jaume Muxart gehörte er 1955 zu den Gründern der Gruppe Taüll. 1955 wurde er auf der III. Bienal Hispanoamericana in Barcelona ausgezeichnet und stellte zusammen mit Tharrats in Stockholm aus, präsentiert von Salvador Dalí. Im Jahr 1958 hatte er einen besonderen Raum auf der Biennale von Venedig und erhielt den ersten Carnegie-Preis und den Unesco-Preis.
Seitdem hat er in Barcelona, Madrid, Paris, New York, Washington, Bern, München, Bilbao, Buenos Aires, Hannover, Caracas, Zürich, Rom, Sankt Gallen, Köln, Kassel, London, Cannes usw. ausgestellt und Preise in Tokio (1960), New York (1964) und Menton (1966) erhalten. 1967 wird er von dem Kunsthändler Aimé Maeght engagiert und stellt im Musée d“Art Moderne in Paris (1973), in New York (1975) und in der Maeght Foundation (1976) aus.
In den 1970er Jahren wurde sein Werk politischer, mit katalanistischen Forderungen und Opposition gegen das Franco-Regime, im Allgemeinen mit Worten und Zeichen auf seinen Bildern, wie die vier Streifen der katalanischen Flagge (El espíritu catalán, 1971). Dieser Aktivismus führte ihn auch zu Aktionen wie dem Einschluss des Kapuzinerklosters in Sarrià zur Gründung einer demokratischen Studentengewerkschaft (1966) oder dem Marsch nach Montserrat als Protest gegen den Burgos-Prozess (1970), für den er für kurze Zeit inhaftiert wurde.
Seitdem hat er zahlreiche Einzel- und Sammelausstellungen bestritten: Tokio, 1976; New York, 1977; Rom, 1980; Amsterdam, 1980; Madrid, 1980; Venedig, 1982; Mailand, 1985; Wien, 1986; Brüssel, 1986; MNCARS, Madrid, 2000; Micovna Pavilion, Royal Garden, Prag, 1991; MOMA, New York, 1992; Guggenheim Museum, New York, 1995; Kirin Art Space Harajuku, Tokio, 1996; Centro per l“Arte Contemporanea Luigi Pecci, Prato, 1997. Die Werke von Antoni Tàpies wurden in den weltweit führenden Museen für moderne Kunst ausgestellt. Neben der Ernennung zum Doktor honoris causa durch mehrere Universitäten wurde Tàpies mit mehreren Preisen ausgezeichnet, darunter der Preis der Wolf-Stiftung für Kunst (1981), die Goldmedaille der Generalitat de Catalunya (1983) und der Prinz-von-Asturien-Preis für Kunst (1990).
1990 öffnete die Fundació Antoni Tàpies, eine vom Künstler selbst gegründete Institution zur Förderung der zeitgenössischen Kunst, ihre Pforten für die Öffentlichkeit im Gebäude des ehemaligen Editorial Montaner i Simón, einem modernistischen Werk von Lluís Domènech i Montaner. Die Stiftung hat auch die Funktion eines Museums mit einer großen Anzahl von Werken, die der Künstler gestiftet hat, sowie einer Bibliothek und einem Auditorium.
Tàpies war auch Autor von Bühnenbildern (Or i sal, von Joan Brossa, 1961) und Illustrationen für Bücher, vor allem von Brossa (Ú no és ningú, 1979); außerdem widmete er sich der Gestaltung von Plakaten und veranstaltete 1984 eine Ausstellung seiner wichtigsten Plakatarbeiten sowie der grafischen Produktion: Stiche, Lithografien, Serigrafien usw. Im Jahr 2002 gestaltete er das Plakat für die Mercè-Festlichkeiten in Barcelona.
Als Kunsttheoretiker veröffentlichte Tàpies Artikel in Destino, Serra d“Or, La Vanguardia, Avui usw., von denen die meisten in den Büchern La práctica del arte (1970), El arte contra la estética (1974), La realidad como arte (1982) und Por un arte moderno y progresista (1985) sowie in der Autobiografie Memoria personal (1977) zusammengefasst sind. In seinen Werken griff er sowohl die traditionelle Kunst als auch die extreme Avantgarde der Konzeptkunst an.
Mit dem Übergang zum 21. Jahrhundert erhielt Tàpies weiterhin zahlreiche nationale und internationale Auszeichnungen, und in den besten Museen und Galerien der Welt wurden Retrospektivausstellungen zu seinem Werk organisiert. Im Jahr 2003, anlässlich seines achtzigsten Geburtstags, wurde in der Fundació Antoni Tàpies eine Retrospektive seiner besten Werke gezeigt, die im Rahmen eines Tages der offenen Tür der Öffentlichkeit vorgestellt wurde. Ebenfalls 2004 wurde im MACBA in Barcelona eine Hommage an seine Person organisiert, mit einer großen Ausstellung von 150 Werken, die von den 1940er Jahren bis heute entstanden sind, darunter Gemälde, Skulpturen, Zeichnungen und verschiedene Kreationen des brillanten Künstlers.
Zu seinen jüngsten öffentlichen Auftritten gehören die Zusammenarbeit mit José Saramago im Jahr 2005 zur Verteidigung der baskischen pazifistischen Gruppe Elkarri und die Schenkung seines Werks 7 de noviembre an das katalanische Parlament anlässlich des 25. Jahrestags seiner Restaurierung im selben Jahr. Im Oktober 2007 spendete er ein Originalwerk für die Kampagne gegen die Schließung von TV3 in Valencia, damit Reproduktionen für zehn Euro verkauft werden konnten, um die von der Generalitat Valenciana (Regionalregierung von Valencia) gegen ACPV verhängte Geldstrafe zu begleichen. Im selben Jahr hinterließ er eine Botschaft in der Caja de las Letras des Instituto Cervantes, die erst 2022 eröffnet wird. Am 9. April 2010 wurde er von König Juan Carlos I. zum Marquis von Tàpies ernannt.
Antoni Tàpies starb am 6. Februar 2012 in seinem Haus in Barcelona im Alter von 88 Jahren.
Als künstlerischer Autodidakt war Tàpies dennoch ein Mann von großer Kultur, ein Liebhaber der Philosophie (Nietzsche), der Literatur (Dostojewski) und der Musik (Wagner). Er war ein großer Verfechter der katalanischen Kultur, von der er zutiefst beeindruckt war: Er war ein großer Bewunderer des mystischen Schriftstellers Ramon Llull (von dem er zwischen 1973 und 1985 ein Buch mit Stichen anfertigte) sowie der katalanischen Romanik und der modernistischen Architektur von Antoni Gaudí. Gleichzeitig war er ein Bewunderer der östlichen Kunst und Philosophie, die wie Tàpies die Grenze zwischen Materie und Geist, zwischen Mensch und Natur verwischte. Beeinflusst vom Buddhismus zeigte er in seinem Werk, wie der Schmerz, sowohl der körperliche als auch der geistige, dem Leben innewohnt.
Den Einstieg in die Kunst fand Tàpies durch realistische Zeichnungen, vor allem Porträts von Familienmitgliedern und Freunden. Sein erster Kontakt mit der damaligen Avantgarde-Kunst führte dazu, dass er sich einem Surrealismus mit magischem Einschlag zuwandte, der von Künstlern wie Joan Miró, Paul Klee und Max Ernst beeinflusst war und sich in seiner Zeit bei Dau al Set herauskristallisierte.
Dau al Set war eine Bewegung, die vor allem vom Dadaismus und Surrealismus beeinflusst war, aber auch aus vielen literarischen, philosophischen und musikalischen Quellen schöpfte: Sie entdeckten den mallorquinischen Mystiker Ramon Llull wieder, die Musik von Wagner, Schönberg und Jazz, das künstlerische Werk von Gaudí und das literarische Werk von Poe und Mallarmé, die Philosophie von Nietzsche und den deutschen Existenzialismus, die Psychologie von Freud und Jung usw. Seine Malerei ist figurativ, mit einer ausgeprägten magisch-fantastischen Komponente und einem metaphysischen Charakter, der sich mit dem Schicksal des Menschen beschäftigt.
Nach seiner Zeit bei Dau al Set beginnt er 1951 eine Phase der geometrischen Abstraktion und wendet sich 1953 dem Informalismus zu: 1951 reist er nach Paris, wo er die neuen europäischen Strömungen und neuen Bildtechniken kennenlernt (hier kommt er in Kontakt mit Künstlern des Informalismus wie Jean Fautrier und Jean Dubuffet). Der Informalismus war eine Bewegung, die nach dem Zweiten Weltkrieg entstand und die Spuren des Krieges in Form eines pessimistischen Menschenbildes zeigte, das von der existenzialistischen Philosophie beeinflusst war. In künstlerischer Hinsicht gehen die Ursprünge des Informalismus auf die Abstraktion Kandinskys und die Experimente des Dadaismus mit verschiedenen Materialien zurück. Der Informalismus strebt auch eine Wechselbeziehung mit dem Betrachter an, und zwar im Rahmen des Konzepts des „offenen Werks“ des italienischen Theoretikers Umberto Eco.
Innerhalb des Informalismus gehörte Tàpies zur so genannten „Materiemalerei“, auch bekannt als „art brut“, die sich durch technisches Mischen und die Verwendung heterogener Materialien, oft Abfall oder recycelt, auszeichnet, die mit den traditionellen Materialien der Kunst auf der Suche nach einer neuen Sprache des künstlerischen Ausdrucks vermischt werden. Die wichtigsten Vertreter der Materiemalerei waren neben Tàpies die französischen Künstler Fautrier und Dubuffet sowie der Spanier Manolo Millares. Seit den 1950er Jahren war die Materiemalerei Tàpies“ wichtigstes Ausdrucksmittel, an dem er bis zu seinem Tod mit unterschiedlichen Ausprägungen arbeitete.
Die charakteristischsten Werke von Tàpies sind jene, in denen er seine Mischung verschiedener Materialien in Kompositionen anwendet, die die Konsistenz von Wänden annehmen, denen er verschiedene charakteristische Elemente durch Zeichen hinzufügt, die den kommunikativen Charakter des Werks betonen und an die populäre Kunst des „Graffiti“ erinnern. Diese mauerartige Konsistenz hat Tàpies schon immer angezogen, der seinen Stil auch gerne auf die Etymologie seines eigenen Nachnamens bezog:
„Die Wand ist ein Bild, das mich ein wenig überrascht hat. Nach einigen Malsitzungen, in denen ich so sehr mit dem verwendeten Plastikmaterial kämpfte und es mit so vielen Kratzern füllte, veränderte sich das Bild plötzlich, machte einen qualitativen Sprung und verwandelte sich in eine stille, ruhige Fläche. Ich stellte fest, dass ich eine Wand gemalt hatte, eine Wand, die gleichzeitig mit meinem Namen verbunden war.
Von zentraler Bedeutung in Tàpies“ Werk ist auch der ikonografische Charakter, den er seinen Werken durch verschiedene Zeichen wie Kreuze, Monde, Sternchen, Buchstaben, Zahlen, geometrische Figuren usw. verleiht. Für Tàpies haben diese Elemente eine allegorische Bedeutung, die sich auf die innere Welt des Künstlers bezieht und so transzendentale Themen wie Leben und Tod oder Einsamkeit, fehlende Kommunikation oder Sexualität anspricht. Jede Figur kann eine bestimmte Bedeutung haben: Die Buchstaben A und T stehen für die Initialen seines Namens oder für Antoni und Teresa (das M erklärt er wie folgt):
„Wir alle haben ein M auf den Linien der Handfläche gezeichnet, was auf den Tod hinweist, und auf dem Fuß gibt es Falten in Form eines S; alles zusammen war der sichere Tod“.
Ein weiteres charakteristisches Merkmal von Tàpies war seine chromatische Strenge; er bewegte sich im Allgemeinen in strengen, kalten und erdigen Farbpaletten wie Ocker, Braun, Grau, Beige oder Schwarz. Der Künstler gibt uns seine eigene Erklärung:
„Wenn ich dazu gekommen bin, nur noch in Grau zu malen, dann liegt das zum Teil daran, dass ich auf den Kolorismus reagiert habe, der die Kunst der Generation vor meiner prägte, eine Malerei, in der viel mit Primärfarben gearbeitet wurde. Da ich ständig von den Auswirkungen der Werbung und der für unsere Gesellschaft charakteristischen Beschilderung umgeben bin, suchte ich auch nach einer mehr verinnerlichten Farbe, die man als die Düsternis, das Licht der Träume und unserer inneren Welt definieren könnte. Die Farbe Braun ist mit einer Philosophie verbunden, die eng mit dem Franziskanertum und dem Habit der Franziskanermönche zusammenhängt. Es gibt eine Tendenz, nach den fröhlichen Farben zu suchen: Rot, Gelb; aber für mich sind graue und braune Farben mehr nach innen gerichtet, sie haben mehr mit der philosophischen Welt zu tun“.
„Ich denke, dass ein Kunstwerk den Betrachter verblüfft zurücklassen und ihn zum Nachdenken über den Sinn des Lebens anregen sollte“.
In den 1970er Jahren begann er, beeinflusst von der Pop Art, in seinen Werken festere Gegenstände zu verwenden, wie z. B. Teile von Möbeln. Die Verwendung alltäglicher Elemente in Tàpies“ Werk verfolgt jedoch nicht das gleiche Ziel wie in der Pop-Art, wo sie zur Trivialisierung der Konsumgesellschaft und der Massenmedien eingesetzt werden; im Gegensatz dazu ist in Tàpies“ Werk das spirituelle Substrat immer präsent, die Bedeutung einfacher Elemente als Hinweis auf eine größere universelle Ordnung.
Tàpies wird oft als Vorläufer der arte povera angesehen, da er arme und weggeworfene Materialien verwendet, obwohl auch hier der konzeptionelle Unterschied zwischen den beiden Stilen hervorgehoben werden muss.
In seinem charakteristischsten Werk aus dem Bereich des materiellen Informalismus verwendet Tàpies Techniken, bei denen traditionelle Kunstpigmente mit Materialien wie Sand, Kleidung, Stroh usw. gemischt werden, wobei Collage und Assemblage vorherrschen und die Textur dem Flachrelief ähnelt.
Tàpies definierte seine Technik als „gemischt“: Er malte auf Leinwand, in mittleren Formaten, in horizontaler Position und trug eine homogene Schicht monochromer Farbe auf, auf die er die „Mischung“ auftrug, eine Mischung aus zerkleinertem Marmorstaub, Bindemittel, Pigment und Öl, die er mit einem Spachtel oder mit den eigenen Händen auftrug.
Als es fast trocken war, habe ich ein Gitter aus hessischem Stoff auf die Oberfläche aufgetragen, und als es fest war, habe ich es abgerissen, so dass eine Reliefstruktur mit zerrissenen, zerkratzten oder sogar perforierten Bereichen entstand, die mit den Ansammlungen und der Materialdichte anderer Bereiche des Gemäldes kontrastierte. Anschließend fertigte er mit verschiedenen Werkzeugen (Ahle, Messer, Schere, Pinsel) eine neue Grattage an. Schließlich fügte er Zeichen (Kreuze, Monde, Sternchen, Buchstaben, Zahlen usw.) in Kompositionen hinzu, die an Graffiti erinnern, sowie Flecken, die durch Tropfen aufgetragen wurden.
Er fügte keine fixierenden Elemente hinzu, was dazu führte, dass sich die Werke schnell zersetzten – die Mischung ist ziemlich flüchtig -, aber Tàpies verteidigte die Zersetzung als Verlust der Idee der Ewigkeit der Kunst; er wollte, dass seine Werke das Gefühl des Vergehens der Zeit widerspiegeln. Dazu trugen auch seine eigenen Spuren in seinem Werk bei, die Einschnitte, die er vornahm und die für ihn ein Abbild der Natur waren.
Die Anfänge von Tàpies liegen im Bereich des Zeichnens, im Allgemeinen mit Tusche, und er widmet sich hauptsächlich Porträts, vorzugsweise von Familienmitgliedern und Freunden, mit großem Realismus: Josep Gudiol, Antoni Puigvert, Pere Mir i Martorell, Selbstporträt (1944). Er interessiert sich für neue Techniken und beginnt, seinem Werk seinen Stempel aufzudrücken: Zoom (1946), ein umgekehrtes Porträt in Form einer Sonne, mit einem von Van Gogh beeinflussten Gelbton und einem sehr reinen spanischen Weiß, das eine starke Leuchtkraft verleiht.
Gegen 1947 entstehen flüssigere Zeichnungen, die von Matisse beeinflusst sind. Später beginnt er sein Werk, das bereits authentisch persönlich ist, mit dicken Materialien und kurzen, separaten Pinselstrichen, mit einer primitiven und expressionistischen Note, mit einem magischen und pantheistischen Thema (Triptychon, 1948).
Während der Periode von Dau al Set war Tàpies Teil eines figurativen magischen Surrealismus, der von Joan Miró, Paul Klee und Max Ernst beeinflusst wurde: Nymphen, Dryaden und Harpyien (Die Katze, von Klee beeinflusst, starkes Helldunkel, fantastische, unwirkliche Welt, dunkle Farben; Das Leid der Brunhilde, vom deutschen Expressionismus in den Kontrasten von Farbe, Licht und Schatten beeinflusst), und Der Schmerz der Brunhilde, vom deutschen Expressionismus in den Kontrasten von Farbe, Licht und Schatten beeinflusst.
1954 schuf er an der Fassade des Bürogebäudes Finanzauto in der Calle Balmes 216 in Barcelona plastische Reliefs mit Motiven, die auf die Piaristen, die Eigentümer des Gebäudes, anspielen.
Zwischen 1955 und 1960 hatte er seine radikalste materialistische Periode, mit einem strengen Stil, mit neutralen, erdigen Farben und einer Fülle von Zeichen: Kreuz, T (von Tàpies), Kreuz im Kreuz (X), 4 (für die vier Elemente und die vier Himmelsrichtungen, als Symbol der Erde), usw.: Großes graues Bild (1956), Großes Oval (1956), Weißes Oval (1957), T-förmiges Bild (1960).
Wichtig in Tàpies“ Werk ist auch die Präsenz des menschlichen Körpers, meist in Einzelteilen, in schematischen Formen, oft mit dem Anschein des Verfalls, der Körper erscheint zerrissen, angegriffen, durchbohrt. Dies zeigt sich in El fuego interior (Relief in Form einer Achselhöhle) (Cráneo blanco (Weißer Schädel) (Körper (1986) spiegelt eine liegende Figur wider, die an den Tod erinnert – was durch das Wort „Tartaros“, die griechische Hölle, unterstrichen wird); Días de Agua I (Tage des Wassers I) (1987), ein in Wellen grauer Farbe getauchter Körper, der an die Legende von Hero und Leandro (Tage des Wassers I) (1987) erinnert.
Ein weiteres Charakteristikum von Tàpies ist die reichhaltige Verwendung verschiedenster Gegenstände in seinen Werken: Caja de cordeles (1946) nahm diese Tendenz bereits vorweg, mit einer Schachtel voller Schnüre, die strahlenförmig angeordnet waren und an eine Kopfhaut erinnerten; Puerta metálica y violín (1956) ist eine merkwürdige Komposition der beiden vorgenannten Elemente, die scheinbar gegensätzlich sind, das eine wegen seines prosaischen Charakters, das andere wegen seiner hohen künstlerischen und intellektuellen Konnotation; Pressed Straw with X (Cushion and Bottle) (1970), eine neue Verbindung zweier ungleicher Objekte, zielt darauf ab, ein Kissen von raffiniertem bürgerlichem Geschmack mit einer einfachen, fast proletarisch anmutenden Glasflasche zu kontrastieren.
Auch geometrische Figuren spielen in Tàpies“ Werk eine wichtige Rolle, die vielleicht von der katalanischen Romanik oder der primitiven und orientalischen Kunst beeinflusst sind: Weißes Oval (Gefaltete Materie) (1981), eine Leinwand, die dem Grabtuch Christi ähnelt und gewisse Reminiszenzen an den von Tàpies bewunderten Maler Zurbarán aufweist; Die Leiter (1974), als Symbol des Aufstiegs, inspiriert von Werken Mirós wie Der Hund, der den Mond anbellt oder Der Karneval des Harlekin.
Obwohl die Entwicklung von Tapians Werk von den Anfängen im Informalismus an einheitlich war, traten im Laufe der Zeit subtile Unterschiede sowohl in der Technik als auch im Inhalt zutage: Zwischen 1963 und 1968 wurde er in seiner Annäherung an die Welt der ihn umgebenden Realität bis zu einem gewissen Grad von der Pop Art beeinflusst, in der der alltägliche Gegenstand hervorgehoben wird: Materie in Form eines Hutes, Der Rahmen, Frau, Materie in Form einer Walnuss, Tisch und Stühle (1968), Materie mit einer Decke (1968), Großes Strohbündel (1968), Gepresstes Stroh (1969). Zwischen 1969 und 1972 widmete er sich vor allem katalanischen Themen: Atención Cataluña (1969), El espíritu catalán (1971), Pintura románica con barretina (1971), Sardana (1971), Inscripciones y cuatro barras sobre arpillera (1971-1972), Cataluña-Libertad (1972).
In den Jahren 1970-1971 hatte er eine konzeptuelle Phase, in der er mit detritischen Materialien, mit Fettflecken oder Rohstoffen arbeitete: Pica de lavar con cruz, Mueble con paja, Palangana con Vanguardias, Paja cubierta con trapo. Nach einer Phase der Krise bis Ende der 1970er Jahre, in der er sich auf Skulpturen und Gravuren konzentrierte, erneuerte er ab 1980 Techniken und Themen und kehrte zu einem gewissen Informalismus zurück. Unter dem Einfluss der postmodernen Kunst – insbesondere des deutschen Neoexpressionismus – nahm er in diesem Jahrzehnt auch verstärkt figurative Elemente auf, im Allgemeinen als Hommage an traditionelle Stile und Künstler der Kunstgeschichte, wie in Recuerdo (1982), das auf Leonardo Da Vinci anspielt, oder Materia ocre (1984) und Mancha marrón sobre blanco (1986), die an den Barock erinnern.
In den 1990er Jahren erhielt er eine Reihe von institutionellen Aufträgen: 1991 malte er die Vier Chroniken im Tarradellas-Saal des Palastes der Generalitat de Catalunya. 1992 wurde er mit der Ausschmückung der Wandpavillons Kataloniens und des Internationalen Olympischen Komitees für die Weltausstellung in Sevilla beauftragt. Im selben Jahr kam es zu einer großen Kontroverse über das vom Stadtrat von Barcelona in Auftrag gegebene Projekt zur Ausschmückung des ovalen Saals des Nationalpalastes auf dem Montjuïc, dem Standort des MNAC. Tàpies plante eine 18 Meter hohe Skulptur in Form einer Socke, die nach seinen Worten die Bedeutung einer bescheidenen Socke hat, in der man meditieren kann und mit der ich die Bedeutung der kleinen Dinge in der kosmischen Ordnung darstellen möchte“. Aufgrund der Ablehnung des Projekts durch die Bevölkerung und des Widerstands der katalanischen Regierung wurden die Arbeiten jedoch nie abgeschlossen. Dennoch nahm der Künstler das Projekt Jahre später wieder auf und errichtete sein Werk auf der Terrasse der Fundació Antoni Tàpies als repräsentatives Hauptwerk der Stiftung nach deren Wiedereröffnung im Jahr 2010, nachdem das Museum zwei Jahre lang renoviert worden war. Das ursprüngliche 18-Meter-Projekt wurde jedoch nicht gebaut, sondern eine reduzierte Version von 2,75 Metern.
Im Jahr 1994 erhielt Tàpies von der Universität Pompeu Fabra den Auftrag, einen Raum als weltliche Kapelle, d. h. als Ort der Besinnung und Meditation, umzugestalten. Der Raum war Teil der vom Architekten Jordi Garcés entworfenen Agora Rubió i Balaguer der Universität, die die ehemaligen Kasernengebäude Roger de Llúria und Jaume I unterirdisch miteinander verbindet und neben der Kapelle auch ein Auditorium und einen Ausstellungsraum enthält. Tàpies konzipierte den Raum als Zufluchtsort vor der Außenwelt, ließ die architektonische Struktur mit ihren Betonwänden unverändert und installierte eine Reihe von künstlerischen Interventionen, um die besinnliche Atmosphäre der Kapelle zu vervollständigen: das Wandbild Diptychon der Glocke und die Skulptur Schlange und Teller sowie einige an der Wand aufgehängte Glockenstühle und einen hessischen Teppich, um eine Atmosphäre der Meditation und Ruhe zu schaffen. Die Skulptur befindet sich auf einem Altar mit einem großen Porzellanteller, auf dem die Schlange steht. Hier lässt sich die Vorgeschichte des Projekts der Socke für den Nationalpalast erahnen, die ebenfalls auf einem Altar aufgestellt wurde.
In der Bildhauerei ging er von seinen Anfängen in der Assemblagetechnik in den 1970er Jahren zur Verwendung von Terrakotta (ab 1981) und Bronze (ab 1987) über, immer in ähnlicher Weise wie in der Malerei, mit gemischten Techniken und der Verwendung von wiederverwerteten oder Abfallmaterialien, in manchmal ungewöhnlichen Assoziationen, die den Betrachter schockieren sollen. Hervorzuheben sind seine Hommage an Picasso (Parc de la Ciutadella, 1983) und das Keramikmosaik auf der Plaça de Catalunya in Sant Baudílio de Llobregat (1983) sowie die Installation Cloud and Chair in der Fundació Tàpies (1989).
Quellen
