Edward Hopper
gigatos | Januar 21, 2022
Zusammenfassung
Edward Hopper (22. Juli 1882 – 15. Mai 1967) war ein amerikanischer realistischer Maler und Grafiker. Er ist vor allem für seine Ölgemälde bekannt, war aber auch als Aquarellmaler und Radierer erfolgreich. Seine Karriere profitierte entscheidend von seiner Ehe mit der Künstlerin Josephine Nivison, die sowohl als Lebensmodell als auch als kreative Partnerin viel zu seinem Werk beitrug. Hopper war ein Künstler der leisen Töne, der aus alltäglichen Motiven ein gedämpftes Drama schuf, das „mit einer poetischen Bedeutung überlagert“ war und zu narrativen Interpretationen einlud, die oft unbeabsichtigt waren. Er wurde für die „völlige Wahrhaftigkeit“ des von ihm porträtierten Amerikas gelobt.
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Frühes Leben
Hopper wurde 1882 in Nyack, New York, einem Zentrum des Yachtbaus am Hudson River nördlich von New York City, geboren. Er war eines von zwei Kindern einer gut situierten Familie. Seine Eltern, die größtenteils holländischer Abstammung waren, hießen Elizabeth Griffiths Smith und Garret Henry Hopper, ein Kaufmann für Trockenwaren. Obwohl er nicht so erfolgreich war wie seine Vorfahren, konnte Garrett seine beiden Kinder mit Hilfe des Erbes seiner Frau gut versorgen. Er ging im Alter von neunundvierzig Jahren in den Ruhestand. Edward und seine einzige Schwester Marion besuchten sowohl private als auch öffentliche Schulen. Sie wurden in einem streng baptistischen Elternhaus erzogen. Sein Vater war von milder Natur, und der Haushalt wurde von Frauen dominiert: Hoppers Mutter, Großmutter, Schwester und Dienstmädchen.
Sein Geburts- und Elternhaus wurde im Jahr 2000 in das National Register of Historic Places aufgenommen. Es wird heute als Edward Hopper House Art Center betrieben. Es dient als gemeinnütziges Kulturzentrum, in dem Ausstellungen, Workshops, Vorträge, Aufführungen und Sonderveranstaltungen stattfinden.
Hopper war ein guter Schüler in der Grundschule und zeigte bereits im Alter von fünf Jahren Talent im Zeichnen. Die intellektuellen Neigungen seines Vaters und seine Vorliebe für die französische und russische Kultur nahm er bereitwillig auf. Er zeigte auch das künstlerische Erbe seiner Mutter. Hoppers Eltern förderten seine Kunst und versorgten ihn reichlich mit Materialien, Lehrzeitschriften und illustrierten Büchern. Bereits im Alter von zehn Jahren begann Hopper, seine Zeichnungen zu signieren und zu datieren. Zu den frühesten dieser Zeichnungen gehören Kohleskizzen geometrischer Formen, darunter eine Vase, eine Schale, eine Tasse und Schachteln. Bereits in diesen frühen Arbeiten zeigt sich die detaillierte Auseinandersetzung mit Licht und Schatten, die sich durch seine gesamte weitere Karriere ziehen sollte. Bereits als Teenager arbeitete er mit Feder, Kohle, Aquarell und Öl – er zeichnete nach der Natur und fertigte politische Karikaturen an. Im Jahr 1895 schuf er sein erstes signiertes Ölgemälde, Rowboat in Rocky Cove, das er nach einer Reproduktion in The Art Interchange, einer populären Zeitschrift für Amateurkünstler, kopierte. Hoppers andere frühe Ölgemälde wie Old ice pond at Nyack und sein um 1898 entstandenes Gemälde Ships wurden als Kopien von Gemälden von Künstlern wie Bruce Crane und Edward Moran identifiziert.
In seinen frühen Selbstporträts neigte Hopper dazu, sich selbst als mager, unansehnlich und unscheinbar darzustellen. Obwohl er ein großer und ruhiger Teenager war, fand sein schelmischer Sinn für Humor in seiner Kunst Ausdruck, manchmal in Darstellungen von Einwanderern oder von Frauen, die Männer in komischen Situationen dominieren. Später in seinem Leben stellte er hauptsächlich Frauen als Figuren in seinen Gemälden dar. In der High School (er machte 1899 seinen Abschluss an der Nyack High School) träumte er davon, Schiffsarchitekt zu werden, aber nach dem Abschluss erklärte er, dass er eine künstlerische Laufbahn einschlagen wolle. Hoppers Eltern bestanden darauf, dass er kommerzielle Kunst studierte, um ein verlässliches Einkommen zu haben. Bei der Entwicklung seines Selbstverständnisses und seiner individualistischen Lebensphilosophie wurde Hopper durch die Schriften von Ralph Waldo Emerson beeinflusst. Später sagte er: „Ich bewundere ihn sehr… ich lese ihn immer wieder.“
Hopper begann sein Kunststudium 1899 mit einem Korrespondenzkurs. Bald wechselte er an die New York School of Art and Design, den Vorläufer der Parsons The New School for Design. Dort studierte er sechs Jahre lang, unter anderem bei William Merritt Chase, der ihn in der Ölmalerei unterrichtete. Schon früh orientierte sich Hopper an Chase und den französischen Meistern des Impressionismus, Édouard Manet und Edgar Degas. Das Skizzieren nach lebenden Modellen war eine Herausforderung und ein Schock für den konservativ erzogenen Hopper.
Ein anderer seiner Lehrer, der Künstler Robert Henri, unterrichtete die Lebenskunde. Henri ermutigte seine Schüler dazu, mit ihrer Kunst „in der Welt etwas zu bewirken“. Außerdem riet er seinen Schülern: „Es kommt nicht auf das Thema an, sondern darauf, was du dabei fühlst“ und „Vergiss die Kunst und male Bilder von dem, was dich im Leben interessiert.“ Auf diese Weise beeinflusste Henri Hopper, aber auch die späteren Künstler George Bellows und Rockwell Kent. Er ermutigte sie, ihrem Werk einen modernen Geist einzuhauchen. Einige Künstler aus Henris Umfeld, darunter John Sloan, wurden Mitglieder von „The Eight“, auch bekannt als Ashcan School of American Art. Hoppers erstes erhaltenes Ölgemälde, das auf die Verwendung von Innenräumen als Thema hinweist, ist Solitary Figure in a Theater (ca. 1904). Während seiner Studienzeit malte er auch Dutzende von Aktbildern, Stillleben, Landschaften und Porträts, einschließlich seiner Selbstporträts.
Im Jahr 1905 nahm Hopper einen Teilzeitjob in einer Werbeagentur an, wo er Titelbilder für Fachzeitschriften entwarf. Hopper begann die Illustration zu verabscheuen. Bis Mitte der 1920er Jahre war er aus wirtschaftlicher Notwendigkeit an diesen Beruf gebunden. Vorübergehend entkam er, indem er drei Reisen nach Europa unternahm, die jeweils in Paris endeten, angeblich, um die dortige Kunstszene zu studieren. Tatsächlich aber studierte er allein und schien von den neuen Kunstströmungen weitgehend unbeeindruckt zu sein. Später sagte er, er könne sich nicht erinnern, jemals von Picasso gehört zu haben“. Von Rembrandt war er sehr beeindruckt, vor allem von seiner Nachtwache, von der er sagte, sie sei „das Wunderbarste, was ich von ihm gesehen habe; man kann gar nicht glauben, wie real sie ist.“
Hopper malte zunächst Stadt- und Architekturszenen in einer dunklen Farbpalette. Dann wechselte er zu der helleren Palette der Impressionisten, bevor er zu der dunkleren Palette zurückkehrte, mit der er sich wohl fühlte. Später sagte Hopper: „Ich habe das überwunden, und später waren die Dinge, die ich in Paris gemalt habe, eher die Art von Dingen, die ich jetzt mache.“ Hopper verbrachte einen Großteil seiner Zeit damit, Straßen- und Café-Szenen zu malen und ins Theater und in die Oper zu gehen. Anders als viele seiner Zeitgenossen, die die abstrakten kubistischen Experimente nachahmten, fühlte sich Hopper zur realistischen Kunst hingezogen. Später gab er zu, dass er keine anderen europäischen Einflüsse kannte als den französischen Graveur Charles Meryon, dessen stimmungsvolle Pariser Szenen Hopper nachahmte.
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Jahre des Kampfes
Nach der Rückkehr von seiner letzten Europareise mietete Hopper ein Atelier in New York City, wo er darum kämpfte, seinen eigenen Stil zu finden. Nur widerwillig kehrte er zur Illustration zurück, um seinen Lebensunterhalt zu bestreiten. Als Freiberufler war Hopper gezwungen, sich um Projekte zu bemühen und musste an die Türen von Zeitschriften und Agenturen klopfen, um Aufträge zu erhalten. Seine Malerei blieb auf der Strecke: „Es ist schwer für mich zu entscheiden, was ich malen will. Manchmal finde ich es monatelang nicht. Es kommt langsam.“ Sein Illustratorenkollege Walter Tittle beschrieb Hoppers depressiven Gemütszustand in schärferen Worten, indem er seinen Freund „an langen Perioden unbezwingbarer Trägheit leiden sah, tagelang in hilflosem Unglück vor seiner Staffelei sitzend, unfähig, eine Hand zu erheben, um den Bann zu brechen.“
Im Jahr 1912 (22. Februar bis 5. März) wird er in die Ausstellung The Independents aufgenommen, eine Gruppe von Künstlern, die auf Initiative von Robert Henri entstanden ist, aber er verkauft sich nicht.
1912 reiste Hopper nach Gloucester, Massachusetts, um sich inspirieren zu lassen und seine ersten Gemälde im Freien in Amerika zu malen. Er malte Squam Light, das erste von vielen Leuchtturmbildern, die folgen sollten.
1913, bei der Armory Show, verdiente Hopper 250 Dollar, als er sein erstes Gemälde, Sailing (1911), an den amerikanischen Geschäftsmann Thomas F. Vietor verkaufte, das er über ein früheres Selbstporträt gemalt hatte. Hopper war einunddreißig, und obwohl er hoffte, dass sein erster Verkauf bald zu weiteren führen würde, dauerte es noch viele Jahre, bis seine Karriere in Schwung kam. Er beteiligte sich weiterhin an Gruppenausstellungen an kleineren Orten, wie dem MacDowell Club in New York. Kurz nach dem Tod seines Vaters im selben Jahr zog Hopper in das Apartment 3 Washington Square North im Stadtteil Greenwich Village in Manhattan, wo er für den Rest seines Lebens wohnen sollte.
Im folgenden Jahr erhielt er den Auftrag, einige Filmplakate zu entwerfen und die Werbung für eine Filmgesellschaft zu übernehmen. Obwohl er die Illustrationsarbeit nicht mochte, war Hopper ein lebenslanger Anhänger des Kinos und des Theaters, die er beide als Themen für seine Gemälde behandelte. Beide Formen beeinflussten seine kompositorischen Methoden.
Da er mit seinen Ölgemälden nicht weiterkommt, wendet sich Hopper 1915 der Radierung zu. Bis 1923 schuf er die meisten seiner rund 70 Werke in diesem Medium, darunter viele städtische Szenen aus Paris und New York. Er fertigte auch einige Plakate für den Krieg an und arbeitete gelegentlich an kommerziellen Projekten. Wenn es ihm möglich war, malte Hopper bei Besuchen in Neuengland, vor allem in den Künstlerkolonien in Ogunquit und auf Monhegan Island, einige Ölbilder im Freien.
In den frühen 1920er Jahren erlangten seine Radierungen allmählich öffentliche Anerkennung. In ihnen kommen einige seiner späteren Themen zum Ausdruck, wie in Night on the El Train (Paare in Stille), Evening Wind (einsame Frau) und The Catboat (einfache nautische Szene). Zwei bemerkenswerte Ölgemälde aus dieser Zeit sind New York Interior (1921) und New York Restaurant (1922). Außerdem malte er zwei seiner zahlreichen „Fenster“-Gemälde, die noch folgen sollten: Girl at Sewing Machine und Moonlight Interior, die beide eine Figur (bekleidet oder nackt) in der Nähe eines Wohnungsfensters mit Blick nach draußen oder von außen nach innen zeigen.
Obwohl diese Jahre frustrierend waren, erlangte Hopper einige Anerkennung. Im Jahr 1918 erhielt Hopper den Preis des U.S. Shipping Board für sein Kriegsplakat „Smash the Hun“. Er nahm an drei Ausstellungen teil: 1917 mit der Society of Independent Artists, im Januar 1920 (eine Einzelausstellung im Whitney Studio Club, dem Vorläufer des Whitney Museums) und 1922 (wiederum mit dem Whitney Studio Club). Im Jahr 1923 erhielt Hopper zwei Auszeichnungen für seine Radierungen: den Logan-Preis der Chicago Society of Etchers und den W. A. Bryan-Preis.
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Heirat und Durchbruch
1923 brachte Hoppers langsamer Aufstieg schließlich den Durchbruch. Während einer sommerlichen Malreise in Gloucester, Massachusetts, begegnete er Josephine Nivison, einer Künstlerin und ehemaligen Schülerin von Robert Henri, wieder. Sie waren Gegensätze: Sie war klein, offen, gesellig, kontaktfreudig und liberal, während er groß, geheimnisvoll, schüchtern, ruhig, introspektiv und konservativ war. Sie heirateten ein Jahr später mit dem Künstler Guy Pene du Bois als Trauzeugen. Sie bemerkte dazu: „Manchmal ist ein Gespräch mit Eddie so, als würde man einen Stein in einen Brunnen fallen lassen, nur dass es nicht klopft, wenn er auf den Boden fällt. Sie ordnete ihre Karriere der seinen unter und teilte seinen zurückgezogenen Lebensstil. Der Rest ihres Lebens drehte sich um ihre spärliche begehbare Wohnung in der Stadt und ihre Sommer in South Truro auf Cape Cod. Sie managte seine Karriere und seine Interviews, war sein wichtigstes Modell und seine Lebensgefährtin.
Mit Hilfe von Nivison wurden 1923 sechs von Hoppers Gloucester-Aquarellen in eine Ausstellung im Brooklyn Museum aufgenommen. Eines davon, The Mansard Roof, wurde vom Museum für seine ständige Sammlung für 100 Dollar erworben. Die Kritiker schwärmten allgemein von seinen Werken; einer schrieb: „Welche Vitalität, Kraft und Direktheit! Beobachten Sie, was man aus dem heimeligsten Thema machen kann.“ Im folgenden Jahr verkaufte Hopper alle seine Aquarelle im Rahmen einer Einzelausstellung und beschloss schließlich, die Illustration hinter sich zu lassen.
Der Künstler hatte bewiesen, dass er seine Vorliebe für die Pariser Architektur auf die amerikanische Stadt- und Landarchitektur übertragen konnte. Die Kuratorin des Boston Museum of Fine Arts, Carol Troyen, erklärt: „Hopper mochte die Art und Weise, wie diese Häuser mit ihren Türmchen, Türmen, Veranden, Mansardendächern und Ornamenten wunderbare Schatten warfen. Er sagte immer, dass er am liebsten das Sonnenlicht auf einer Hauswand malte“.
Mit einundvierzig erhielt Hopper weitere Anerkennung für sein Werk. Er war weiterhin verbittert über seine Karriere und lehnte später Auftritte und Auszeichnungen ab. Da seine finanzielle Stabilität durch stetige Verkäufe gesichert war, lebte Hopper ein einfaches, stabiles Leben und schuf vier weitere Jahrzehnte lang Kunst in seinem persönlichen Stil.
Sein Werk Two on the Aisle (1927) erzielte den Rekorderlös von 1.500 Dollar und ermöglichte Hopper den Kauf eines Autos, mit dem er Exkursionen in entlegene Gebiete Neuenglands unternahm. Im Jahr 1929 schuf er Chop Suey und Railroad Sunset. Im folgenden Jahr schenkte der Kunstmäzen Stephen Clark dem Museum of Modern Art House by the Railroad (1925), das erste Ölgemälde, das das Museum für seine Sammlung erwarb. Sein letztes Selbstporträt in Öl malte Hopper um 1930. Obwohl Josephine für viele seiner Gemälde posierte, stand sie nur für ein einziges formelles Ölporträt ihres Mannes, Jo Painting (1936), Modell.
Hopper erging es während der Großen Depression besser als vielen anderen Künstlern. Sein Ansehen stieg 1931 sprunghaft an, als große Museen, darunter das Whitney Museum of American Art und das Metropolitan Museum of Art, Tausende von Dollar für seine Werke zahlten. In diesem Jahr verkaufte er 30 Gemälde, darunter 13 Aquarelle. Im darauffolgenden Jahr nahm er an der ersten Whitney Annual teil, und für den Rest seines Lebens stellte er in jedem Jahrbuch des Museums aus. 1933 richtete das Museum of Modern Art Hopper seine erste große Retrospektive aus.
1930 mieteten die Hoppers eine Hütte in South Truro auf Cape Cod. Für den Rest ihres Lebens kehrten sie jeden Sommer dorthin zurück und bauten 1934 ein Sommerhaus. Von dort aus unternahmen sie Fahrten in andere Gegenden, wenn Hopper auf der Suche nach frischem Material zum Malen war. In den Sommern 1937 und 1938 verbrachte das Paar längere Aufenthalte auf der Wagon Wheels Farm in South Royalton, Vermont, wo Hopper eine Reihe von Aquarellen entlang des White River malte. Diese Szenen sind untypisch für Hoppers reifes Werk, da es sich meist um „reine“ Landschaften handelt, die weder Architektur noch menschliche Figuren enthalten. First Branch of the White River (1938), das sich heute im Museum of Fine Arts in Boston befindet, ist das bekannteste von Hoppers Vermont-Landschaften.
In den 1930er und frühen 1940er Jahren war Hopper sehr produktiv und schuf neben vielen anderen wichtigen Werken New York Movie (1939), Girlie Show (1941), Nighthawks (1942), Hotel Lobby (1943) und Morning in a City (1944). In den späten 1940er Jahren erlebte er jedoch eine Phase relativer Inaktivität. Er gab zu: „Ich wünschte, ich könnte mehr malen. Ich habe es satt, zu lesen und ins Kino zu gehen“. In den folgenden zwei Jahrzehnten schwächelte seine Gesundheit, und er hatte mehrere Prostataoperationen und andere medizinische Probleme. Doch in den 1950er und frühen 1960er Jahren schuf er mehrere weitere bedeutende Werke, darunter First Row Orchestra (und Intermission im Jahr 1963.
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Tod
Hopper starb am 15. Mai 1967 in seinem Atelier am Washington Square in New York City eines natürlichen Todes. Er wurde zwei Tage später auf dem Familiengrab auf dem Oak Hill Cemetery in Nyack, New York, seinem Geburtsort, beigesetzt. Seine Frau starb zehn Monate später und ist mit ihm begraben.
Seine Frau vermachte ihre gemeinsame Sammlung von mehr als dreitausend Werken dem Whitney Museum of American Art. Weitere bedeutende Gemälde von Hopper befinden sich im Museum of Modern Art in New York, im Des Moines Art Center und im Art Institute of Chicago.
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Persönlichkeit und Vision
Hopper war immer zurückhaltend, wenn es darum ging, über sich und seine Kunst zu sprechen, und sagte einfach: „Die ganze Antwort ist auf der Leinwand zu sehen. Hopper war stoisch und fatalistisch – ein stiller, introvertierter Mann mit einem sanften Sinn für Humor und einer offenen Art. Hopper war jemand, der sich zu einem emblematischen, anti-narrativen Symbolismus hingezogen fühlte, der „kurze, isolierte Momente der Konfiguration malte, die mit Suggestion gesättigt waren“. Seine stillen Räume und unruhigen Begegnungen „berühren uns dort, wo wir am verletzlichsten sind“, und haben „eine Andeutung von Melancholie, die sich in Szene setzt“. Sein Farbsinn offenbart ihn als reinen Maler, der „in seinen stillen Leinwänden, in denen sich Makel und Segen die Waage halten, den Puritaner zum Puristen macht“. Nach Ansicht des Kritikers Lloyd Goodrich war er „ein eminent einheimischer Maler, der mehr als jeder andere die Qualität Amerikas in seine Gemälde brachte“.
In politischen und sozialen Fragen war er konservativ (Hopper vertrat beispielsweise die Ansicht, dass „das Leben von Künstlern von Menschen geschrieben werden sollte, die ihnen sehr nahe stehen“), er akzeptierte die Dinge, wie sie waren, und zeigte einen Mangel an Idealismus. Er war kultiviert und kultiviert, sehr belesen, und viele seiner Gemälde zeigen lesende Figuren. Im Allgemeinen war er ein geselliger Mensch und ließ sich durch Stille nicht aus der Ruhe bringen, auch wenn er manchmal wortkarg, mürrisch oder distanziert war. Er nahm seine Kunst und die Kunst anderer immer ernst, und wenn man ihn fragte, gab er eine offene Meinung ab.
Hoppers systematischste Erklärung seiner Philosophie als Künstler findet sich in einer handschriftlichen Notiz mit dem Titel „Statement“, die er 1953 der Zeitschrift Reality vorlegte:
Große Kunst ist der äußere Ausdruck eines inneren Lebens des Künstlers, und dieses innere Leben wird zu seiner persönlichen Vision der Welt führen. Keine noch so geschickte Erfindung kann das wesentliche Element der Vorstellungskraft ersetzen. Eine der Schwächen vieler abstrakter Gemälde ist der Versuch, die Erfindungen des menschlichen Intellekts an die Stelle einer privaten imaginativen Vorstellung zu setzen.
Obwohl Hopper behauptete, dass er nicht bewusst psychologische Bedeutungen in seine Bilder einbrachte, interessierte er sich sehr für Freud und die Macht des Unterbewusstseins. Er schrieb 1939: „So viel von jeder Kunst ist ein Ausdruck des Unterbewusstseins, dass es mir scheint, dass die meisten wichtigen Qualitäten unbewusst und wenig von Bedeutung durch den bewussten Intellekt eingebracht werden.“
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Methoden
Obwohl er vor allem für seine Ölgemälde bekannt ist, erlangte Hopper zunächst Anerkennung für seine Aquarelle, und er schuf auch einige kommerziell erfolgreiche Radierungen. Außerdem enthalten seine Notizbücher hochwertige Feder- und Bleistiftskizzen, die nie für die Öffentlichkeit bestimmt waren.
Hopper legte besonderen Wert auf geometrische Gestaltung und die sorgfältige Platzierung menschlicher Figuren im richtigen Verhältnis zu ihrer Umgebung. Er war ein langsamer und methodischer Künstler, wie er schrieb: „Es dauert lange, bis eine Idee auftaucht. Dann muss ich sehr lange darüber nachdenken. Ich fange erst an zu malen, wenn ich alles in meinem Kopf ausgearbeitet habe. Wenn ich an der Staffelei stehe, geht es mir gut“. Er fertigte oft vorbereitende Skizzen an, um seine sorgfältig berechneten Kompositionen auszuarbeiten. Er und seine Frau führten ein detailliertes Buch über ihre Werke und notierten darin Dinge wie „trauriges Gesicht einer unbeleuchteten Frau“, „elektrisches Licht von der Decke“ und „kühlere Oberschenkel“.
Für New York Movie (1939) demonstriert Hopper seine gründliche Vorbereitung mit mehr als 53 Skizzen des Theaterinterieurs und der Figur der nachdenklichen Platzanweiserin.
Der wirksame Einsatz von Licht und Schatten zur Erzeugung von Stimmungen ist ebenfalls von zentraler Bedeutung für Hoppers Methoden. Helles Sonnenlicht (als Sinnbild für Erkenntnis oder Offenbarung) und die Schatten, die es wirft, spielen auch in Hoppers Gemälden wie Early Sunday Morning (1930), Summertime (1943), Seven A.M. (1948) und Sun in an Empty Room (1963) eine symbolträchtige Rolle. Sein Einsatz von Licht- und Schatteneffekten wurde mit der Cinematographie des Film Noir verglichen.
Obwohl er ein realistischer Maler war, vereinfachte Hoppers „weicher“ Realismus die Formen und Details. Er verwendete gesättigte Farben, um Kontraste zu verstärken und Stimmungen zu erzeugen.
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Fächer und Themen
Hopper schöpfte seine Motive aus zwei primären Quellen: erstens aus den allgemeinen Merkmalen des amerikanischen Lebens und zweitens aus Seelandschaften und ländlichen Landschaften. Was seinen Stil betrifft, so bezeichnete sich Hopper selbst als „ein Amalgam vieler Rassen“ und nicht als Mitglied einer Schule, insbesondere der „Ashcan School“. Nachdem Hopper seinen ausgereiften Stil gefunden hatte, blieb seine Kunst trotz der zahlreichen Kunstströmungen, die im Laufe seiner langen Karriere kamen und gingen, konsequent und eigenständig.
Hoppers Seestücke lassen sich in drei Hauptgruppen einteilen: reine Landschaften mit Felsen, Meer und Strandgras, Leuchttürme und Bauernhäuser sowie Segelboote. Manchmal kombinierte er diese Elemente. Die meisten dieser Gemälde zeigen starkes Licht und schönes Wetter; er zeigte wenig Interesse an Schnee- oder Regenszenen oder an jahreszeitlichen Farbveränderungen. Die meisten reinen Seestücke malte er in der Zeit zwischen 1916 und 1919 auf Monhegan Island. Hoppers The Long Leg (1935) ist ein fast ganz in Blau gehaltenes Segelbild mit den einfachsten Elementen, während sein Ground Swell (1939) komplexer ist und eine Gruppe junger Leute beim Segeln zeigt, ein Thema, das an Winslow Homers ikonisches Breezing Up (1876) erinnert.
Auch urbane Architektur und Stadtansichten waren für Hopper ein wichtiges Thema. Er war fasziniert von der amerikanischen Stadtszene, „unserer einheimischen Architektur mit ihrer hässlichen Schönheit, ihren fantastischen Dächern, pseudogotisch, französisch-mansardisch, kolonial, mongrelisch oder was auch immer, mit grellen Farben oder zarten Harmonien verblasster Farbe, die sich entlang endloser Straßen aneinanderreihen, die in Sümpfen oder Müllhalden enden“.
1925 schuf er House by the Railroad. Dieses klassische Werk zeigt eine isolierte viktorianische Holzvilla, die teilweise durch den erhöhten Bahndamm verdeckt ist. Es markiert Hoppers künstlerische Reife. Lloyd Goodrich lobte das Werk als „eines der ergreifendsten und desolatesten Werke des Realismus“. Das Werk ist das erste einer Reihe von kargen ländlichen und städtischen Szenen, die mit scharfen Linien und großen Formen, untermalt von ungewöhnlicher Beleuchtung, die einsame Stimmung seiner Motive einfangen. Obwohl Kritiker und Betrachter Bedeutung und Stimmung in diese Stadtansichten hineininterpretieren, betonte Hopper: „Ich war mehr an dem Sonnenlicht auf den Gebäuden und den Figuren interessiert als an irgendeiner Symbolik.“ Wie zum Beweis dafür ist sein spätes Gemälde Sun in an Empty Room (1963) eine reine Studie des Sonnenlichts.
Die meisten von Hoppers figürlichen Gemälden konzentrieren sich auf die subtile Interaktion des Menschen mit seiner Umwelt – in Form von Einzelfiguren, Paaren oder Gruppen. Seine wichtigsten emotionalen Themen sind Einsamkeit, Bedauern, Langeweile und Resignation. Er bringt diese Emotionen in verschiedenen Umgebungen zum Ausdruck, z. B. im Büro, auf öffentlichen Plätzen, in Wohnungen, auf der Straße oder im Urlaub. Als ob er Standbilder für einen Film oder Tableaus in einem Theaterstück schaffen würde, positioniert Hopper seine Figuren so, als ob sie kurz vor oder kurz nach dem Höhepunkt einer Szene eingefangen würden.
Hoppers einsame Figuren sind zumeist Frauen – bekleidet, halb bekleidet und nackt -, die oft lesen, aus dem Fenster schauen oder arbeiten. In den frühen 1920er Jahren malte Hopper seine ersten Bilder dieser Art: Girl at Sewing Machine (1921), New York Interior (eine andere Frau beim Nähen) (1921) und Moonlight Interior (ein Akt, der ins Bett geht) (1923). Automat (1927) und Hotel Room (1931) sind jedoch eher repräsentativ für seinen reifen Stil und betonen die Einsamkeit deutlicher.
Wie der Hopper-Forscher Gail Levin über Hotel Room schrieb:
Die sparsamen vertikalen und diagonalen Farbbänder und die scharfen elektrischen Schatten erzeugen ein prägnantes und intensives Drama in der Nacht… Durch die Kombination eines ergreifenden Themas mit einer solch kraftvollen formalen Anordnung ist Hoppers Komposition rein genug, um sich einer fast abstrakten Sensibilität anzunähern, und doch mit einer poetischen Bedeutung für den Betrachter überlagert.
Hoppers Room in New York (1932) und Cape Cod Evening (1939) sind Paradebeispiele für seine „Paar“-Bilder. Auf dem ersten Gemälde erscheint ein junges Paar entfremdet und unkommunikativ – er liest die Zeitung, während sie sich am Klavier entspannt. Der Betrachter nimmt die Rolle eines Voyeurs ein, als ob er mit einem Fernrohr durch das Fenster der Wohnung schaut, um die fehlende Intimität des Paares zu beobachten. Auf dem zweiten Gemälde spielt ein älteres Paar, das sich wenig zu sagen hat, mit seinem Hund, dessen Aufmerksamkeit von seinen Herrchen und Frauchen abgelenkt wird. In Exkursion in die Philosophie (1959) führt Hopper das Thema des Paares auf eine noch anspruchsvollere Ebene. Ein Mann mittleren Alters sitzt niedergeschlagen auf der Kante eines Bettes. Neben ihm liegen ein aufgeschlagenes Buch und eine teilweise bekleidete Frau. Ein Lichtschacht erhellt den Boden vor ihm. Jo Hopper notierte in ihr Logbuch: „Das aufgeschlagene Buch ist Platon, zu spät gelesen“.
Levin interpretiert das Gemälde:
Platons Philosoph muss sich auf der Suche nach dem Wirklichen und Wahren von dieser vergänglichen Welt abwenden und die ewigen Formen und Ideen betrachten. Der nachdenkliche Mann in Hoppers Gemälde befindet sich zwischen den Verlockungen des irdischen Bereichs, dargestellt durch die Frau, und dem Ruf des höheren geistigen Bereichs, repräsentiert durch den ätherischen Lichtfall. Der Schmerz des Nachdenkens über diese Wahl und ihre Folgen nach der nächtlichen Lektüre von Plato ist offensichtlich. Er ist gelähmt von der glühenden inneren Arbeit des Melancholikers.
In Office at Night (1940), einem weiteren „Paar“-Gemälde, schafft Hopper ein psychologisches Rätsel. Das Gemälde zeigt einen Mann, der sich auf seine Arbeitspapiere konzentriert, während in der Nähe seine attraktive Sekretärin eine Akte zieht. Mehrere Studien zu dem Gemälde zeigen, wie Hopper mit der Positionierung der beiden Figuren experimentierte, vielleicht um die Erotik und die Spannung zu verstärken. Hopper stellt den Betrachter vor die Möglichkeit, dass der Mann entweder wirklich kein Interesse an der Anziehungskraft der Frau hat oder dass er sich anstrengt, sie zu ignorieren. Ein weiterer interessanter Aspekt des Gemäldes ist, wie Hopper drei Lichtquellen einsetzt: eine Schreibtischlampe, ein Fenster und indirektes Licht von oben. Hopper schuf in der Folgezeit mehrere „Büro“-Bilder, aber keine weiteren mit einem sinnlichen Unterton.
Das bekannteste von Hoppers Gemälden, Nighthawks (1942), ist eines seiner Gruppenbilder. Es zeigt Kunden, die an der Theke eines Diners sitzen, das die ganze Nacht geöffnet hat. Die Formen und Diagonalen sind sorgfältig konstruiert. Der Blickwinkel ist filmisch – vom Bürgersteig aus, als ob der Betrachter sich dem Restaurant nähern würde. Das grelle elektrische Licht des Lokals hebt sich von der dunklen Nacht draußen ab und verstärkt die Stimmung und die subtilen Gefühle. Wie in vielen Gemälden Hoppers ist die Interaktion minimal. Das abgebildete Restaurant wurde von einem Restaurant in Greenwich Village inspiriert. Sowohl Hopper als auch seine Frau posierten für die Figuren, und Jo Hopper gab dem Gemälde seinen Titel. Die Inspiration für das Bild könnte aus Ernest Hemingways Kurzgeschichte „The Killers“ stammen, die Hopper sehr bewunderte, oder aus dem eher philosophischen „A Clean, Well-Lighted Place“. Die Stimmung des Gemäldes wurde manchmal als Ausdruck von Kriegsangst interpretiert. In Übereinstimmung mit dem Titel seines Gemäldes sagte Hopper später, Nighthawks habe mehr mit der Möglichkeit von Raubtieren in der Nacht zu tun als mit Einsamkeit.
Sein zweitbekanntestes Gemälde nach Nighthawks ist ein weiteres städtisches Gemälde, Early Sunday Morning (ursprünglich Seventh Avenue Shops), das eine leere Straßenszene in scharfem Seitenlicht zeigt, mit einem Hydranten und einem Friseurpfahl als Stellvertreter für menschliche Figuren. Ursprünglich wollte Hopper Figuren in die Fenster der oberen Stockwerke setzen, ließ sie aber leer, um das Gefühl der Trostlosigkeit zu verstärken.
Hoppers ländliche Szenen aus Neuengland, wie Gas (1940), sind nicht weniger bedeutungsvoll. Gas stellt „eine andere, ebenso saubere, gut beleuchtete Zuflucht … ke offen für diejenigen in Not, wie sie navigieren die Nacht, Reisen ihre eigenen Meilen zu gehen, bevor sie schlafen“. Das Werk stellt eine Verschmelzung mehrerer Hopper-Themen dar: die einsame Figur, die Melancholie der Dämmerung und die einsame Straße.
Hopper nähert sich dem Surrealismus mit Rooms by the Sea (1951), wo eine offene Tür den Blick auf den Ozean freigibt, ohne dass eine Leiter oder eine Treppe erkennbar ist und ohne dass ein Strand angedeutet wird.
Nach seinen Studienjahren malte Hopper ausschließlich Frauenakte. Im Gegensatz zu früheren Künstlern, die den weiblichen Akt malten, um die weibliche Form zu verherrlichen und die weibliche Erotik zu betonen, sind Hoppers Akte einsame Frauen, die psychologisch entblößt sind. Eine kühne Ausnahme ist Girlie Show (1941), wo eine rothaarige Striptease-Königin selbstbewusst über eine Bühne schreitet, begleitet von den Musikern im Orchestergraben. Girlie Show wurde von Hoppers Besuch einer Burlesque-Show ein paar Tage zuvor inspiriert. Hoppers Frau posierte wie üblich für das Bild und notierte in ihrem Tagebuch: „Ed beginnt eine neue Leinwand – eine Burlesque-Queen, die einen Striptease macht, und ich posiere ohne eine Naht vor dem Ofen – nichts als High Heels in einer Lotterie-Tanz-Pose.“
Hoppers Porträts und Selbstporträts waren nach seiner Studienzeit relativ selten. Hopper fertigte jedoch ein „Porträt“ eines Hauses an, The MacArthurs“ Home (1939), in dem er die viktorianische Architektur des Hauses der Schauspielerin Helen Hayes detailgetreu wiedergibt. Sie berichtete später: „Ich glaube, ich habe in meinem Leben noch nie eine misanthropischere, mürrische Person getroffen.“ Hopper murrte während des gesamten Projekts und nahm nie wieder einen Auftrag an. Hopper malte auch Portrait of Orleans (1950), ein „Porträt“ der Stadt Cape Cod von der Hauptstraße aus.
Obwohl er sich sehr für den amerikanischen Bürgerkrieg und die Schlachtfeldfotografien von Mathew Brady interessierte, schuf Hopper nur zwei historische Gemälde. Beide stellen Soldaten auf dem Weg nach Gettysburg dar. Ebenfalls selten unter seinen Themen sind Gemälde, die eine Aktion zeigen. Das beste Beispiel für ein Action Painting ist Bridle Path (1939), aber Hoppers Schwierigkeiten mit der richtigen Anatomie der Pferde haben ihn vielleicht von ähnlichen Versuchen abgehalten.
Hoppers letztes Ölgemälde, Zwei Komödianten (1966), das ein Jahr vor seinem Tod entstand, thematisiert seine Liebe zum Theater. Zwei französische Pantomimen, ein Mann und eine Frau, beide in strahlend weiße Kostüme gekleidet, verbeugen sich vor einer abgedunkelten Bühne. Jo Hopper bestätigte, dass ihr Mann mit den Figuren andeuten wollte, dass sie sich zum letzten Mal in ihrem Leben als Mann und Frau verbeugen.
Hoppers Gemälde wurden von anderen oft so gesehen, als hätten sie einen erzählerischen oder thematischen Inhalt, den der Künstler vielleicht gar nicht beabsichtigt hatte. Einem Gemälde kann durch seinen Titel viel Bedeutung verliehen werden, aber die Titel von Hoppers Gemälden wurden manchmal von anderen ausgewählt, oder sie wurden von Hopper und seiner Frau in einer Weise ausgewählt, die es unklar macht, ob sie eine wirkliche Verbindung mit der Bedeutung des Künstlers haben. So sagte Hopper einmal in einem Interview, dass er „den frühen Sonntagmorgen mag… aber es war nicht unbedingt Sonntag“. Dieses Wort wurde später von jemand anderem angehängt.
Die Tendenz, in Hoppers Gemälde thematische oder erzählerische Inhalte hineinzulesen, die Hopper nicht beabsichtigt hatte, betraf sogar seine Frau. Als Jo Hopper die Figur in Cape Cod Morning mit den Worten kommentierte: „Das ist eine Frau, die hinausschaut, um zu sehen, ob das Wetter gut genug ist, um ihre Wäsche aufzuhängen“, erwiderte Hopper: „Habe ich das gesagt? Du machst einen auf Norman Rockwell. Aus meiner Sicht schaut sie nur aus dem Fenster.“ Ein weiteres Beispiel für dasselbe Phänomen findet sich in einem Artikel von 1948 in Time:
Hoppers „Sommerabend“, ein junges Paar, das sich im grellen Licht einer Landhausveranda unterhält, ist unausweichlich romantisch, aber Hopper fühlte sich durch den Vorschlag eines Kritikers verletzt, dass es für eine Illustration in „jeder Frauenzeitschrift“ ausreichen würde. Hopper hatte das Bild „seit 20 Jahren im Hinterkopf, und ich habe nie daran gedacht, die Figuren einzufügen, bis ich letzten Sommer damit angefangen habe. Jeder Art Director würde das Bild zerreißen. Die Figuren waren nicht das, was mich interessierte; es war das Licht, das auf mich herabströmte, und die Nacht ringsum.“
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Platz in der amerikanischen Kunst
Indem er sich vor allem auf ruhige Momente konzentrierte und nur sehr selten Action zeigte, wandte Hopper eine Form des Realismus an, die ein anderer führender amerikanischer Realist, Andrew Wyeth, übernommen hatte, aber Hoppers Technik unterschied sich völlig von Wyeths hyperdetailliertem Stil. Im Einklang mit einigen seiner Zeitgenossen teilte Hopper seine urbane Sensibilität mit John Sloan und George Bellows, vermied aber deren offenkundige Action und Gewalt. Während Joseph Stella und Georgia O“Keeffe die monumentalen Strukturen der Stadt verherrlichten, reduzierte Hopper sie auf alltägliche Geometrien, und er stellte den Puls der Stadt eher als desolat und gefährlich denn als „elegant oder verführerisch“ dar.
Charles Burchfield, den Hopper bewunderte und mit dem er verglichen wurde, sagte über Hopper: „Er erreicht eine so vollständige Wahrhaftigkeit, dass man in seine Interpretationen von Häusern und Vorstellungen vom New Yorker Leben alle menschlichen Implikationen hineinlesen kann, die man will.“ Er führte den Erfolg Hoppers auch auf seinen „kühnen Individualismus“ zurück. … Mit ihm haben wir jene robuste amerikanische Unabhängigkeit wiedererlangt, die uns Thomas Eakins gab, die aber eine Zeit lang verloren ging.“ Hopper betrachtete dies als ein großes Kompliment, da er Eakins für den größten amerikanischen Maler hielt.
Die Hopper-Forscherin Deborah Lyons schreibt: „Unsere eigenen Momente der Offenbarung spiegeln sich oft transzendent in seinem Werk. Einmal gesehen, existieren Hoppers Interpretationen in unserem Bewusstsein zusammen mit unserer eigenen Erfahrung. Wir sehen eine bestimmte Art von Haus für immer als ein Hopper-Haus, vielleicht mit einem Geheimnis versehen, das Hopper in unsere eigene Vision eingepflanzt hat.“ Hoppers Gemälde heben die scheinbar alltäglichen und typischen Szenen unseres Lebens hervor und geben ihnen Anlass zur Epiphanie. Auf diese Weise nimmt Hoppers Kunst die düstere amerikanische Landschaft und einsame Tankstellen auf und schafft in ihnen ein Gefühl der schönen Vorfreude.
Obwohl er thematisch mit seinem Zeitgenossen Norman Rockwell verglichen wurde, mochte Hopper diesen Vergleich nicht. Hopper hielt sich selbst für subtiler, weniger illustrativ und schon gar nicht für sentimental. Auch Vergleiche mit Grant Wood und Thomas Hart Benton lehnte Hopper ab: „Ich glaube, die Maler der American Scene haben Amerika karikiert. Ich wollte immer mich selbst darstellen.“
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Einflussnahme
Hoppers Einfluss auf die Kunstwelt und die Popkultur ist unbestreitbar; siehe § In der Popkultur für zahlreiche Beispiele. Obwohl er keine formellen Schüler hatte, haben viele Künstler ihn als Einfluss genannt, darunter Willem de Kooning, Jim Dine und Mark Rothko. Ein Beispiel für den Einfluss Hoppers ist Rothkos frühes Werk Composition I (ca. 1931), das eine direkte Paraphrase von Hoppers Chop Suey ist.
Hoppers filmische Kompositionen und sein dramatischer Einsatz von Licht und Dunkelheit haben ihn zu einem Favoriten unter Filmemachern gemacht. So soll das Bild „House by the Railroad“ das ikonische Haus in Alfred Hitchcocks Film „Psycho“ stark beeinflusst haben. Dasselbe Gemälde wurde auch als Einfluss auf das Haus in Terrence Malicks Film Days of Heaven genannt. Der Film Pennies from Heaven von 1981 enthält ein Tableau vivant von Nighthawks, in dem die Hauptdarsteller die Plätze der Gäste einnehmen. Auch der deutsche Regisseur Wim Wenders beruft sich auf Hoppers Einfluss. Sein Film The End of Violence von 1997 enthält ebenfalls ein Tableau vivant von Nighthawks, das von Schauspielern nachgestellt wurde. Der bekannte surrealistische Horrorfilmregisseur Dario Argento ging sogar so weit, das Diner und die Gäste in Nighthawks als Teil einer Kulisse für seinen Film Deep Red (auch bekannt als Profondo Rosso) von 1976 nachzubauen. Ridley Scott hat das gleiche Gemälde als visuelle Inspiration für Blade Runner angeführt. Für die Beleuchtung der Szenen in dem Film Road to Perdition (2002) ließ sich Regisseur Sam Mendes von Hoppers Gemälden inspirieren, insbesondere von New York Movie.
Hommagen an Nighthawks, die Cartoon-Figuren oder berühmte Popkultur-Ikonen wie James Dean und Marilyn Monroe zeigen, sind häufig in Postergeschäften und Souvenirläden zu finden. Der Kabelfernsehsender Turner Classic Movies zeigt manchmal vor der Ausstrahlung seiner Filme animierte Clips, die auf Hoppers Gemälden basieren. Zu den musikalischen Einflüssen gehören der Sänger
In der Lyrik wurden zahlreiche Gedichte von Hoppers Gemälden inspiriert, in der Regel in Form von anschaulichen Beschreibungen und Dramatisierungen; dieses Genre wird als Ekphrasis bezeichnet. Neben zahlreichen individuellen Gedichten, die von Hopper inspiriert wurden, haben mehrere Dichter Sammlungen auf der Grundlage von Hoppers Gemälden verfasst. Der französische Dichter Claude Esteban schrieb eine Sammlung von Prosagedichten, Soleil dans une pièce vide (Sonne in einem leeren Raum, 1991), die auf siebenundvierzig Gemälden Hoppers aus den Jahren 1921 bis 1963 basiert und mit Sun in an Empty room (1963) endet, daher der Titel. Die Gedichte dramatisieren jeweils ein Hopper-Gemälde und stellen eine Geschichte hinter der Szene vor; das Buch wurde 1991 mit dem Prix France Culture ausgezeichnet. Acht der Gedichte – „Ground Swell“, „Girl at Sewing Machine“, „Compartment C“, „Car 293“, „Nighthawks“, „South Carolina Morning“, „House by the Railroad“, „People in the Sun“ und „Roofs of Washington Square“ – wurden anschließend von der Komponistin Graciane Finzi vertont und mit einer Lesung der Sängerin Natalie Dessay auf ihrem Album „Portraits of America“ (2016) aufgenommen, wo sie durch die Auswahl von zehn weiteren Hopper-Gemälden und dazu passenden Liedern aus dem amerikanischen Songbook ergänzt wurden. In ähnlicher Weise schrieb der spanische Dichter Ernest Farrés eine Sammlung von einundfünfzig Gedichten auf Katalanisch unter dem Namen Edward Hopper (2006, englische Übersetzung 2010 von Lawrence Venuti), und James Hoggard schrieb Triangles of Light: The Edward Hopper Poems (Wings Press, 2009). Eine Sammlung verschiedener Dichter wurde in The Poetry of Solitude: A Tribute to Edward Hopper 1995 (Herausgeberin Gail Levin). Zu den einzelnen Gedichten gehören Byron Vazakas (1957) und John Stone (1985), die von Early Sunday Morning inspiriert wurden, und Mary Leader, die von Girl at Sewing Machine inspiriert wurde.
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Ausstellungen
Im Jahr 1980 wurde die Ausstellung Edward Hopper: The Art and the Artist im Whitney Museum of American Art eröffnet und anschließend in London, Düsseldorf und Amsterdam sowie in San Francisco und Chicago gezeigt. Zum ersten Mal wurden Hoppers Ölgemälde zusammen mit vorbereitenden Studien zu diesen Werken gezeigt. Dies war der Beginn von Hoppers Popularität in Europa und seinem großen weltweiten Ruf.
Im Jahr 2004 ging eine große Auswahl von Hoppers Gemälden auf Europa-Tournee und wurde im Museum Ludwig in Köln und in der Tate Modern in London gezeigt. Die Tate-Ausstellung wurde mit 420 000 Besuchern in den drei Monaten, in denen sie geöffnet war, zur zweitbeliebtesten in der Geschichte der Galerie.
Im Jahr 2007 wurde im Museum of Fine Arts, Boston, eine Ausstellung gezeigt, die sich auf die Zeit von Hoppers größten Erfolgen konzentrierte – von etwa 1925 bis Mitte des Jahrhunderts. Die Ausstellung umfasste fünfzig Ölgemälde, dreißig Aquarelle und zwölf Drucke, darunter die beliebten Werke Nighthawks, Chop Suey und Lighthouse and Buildings. Die Ausstellung wurde vom Museum of Fine Arts, Boston, der National Gallery of Art, Washington, und dem Art Institute of Chicago organisiert und von der globalen Unternehmensberatung Booz Allen Hamilton gesponsert.
Im Jahr 2010 zeigte die Fondation de l“Hermitage in Lausanne (Schweiz) eine Ausstellung, die Hoppers gesamtes Schaffen umfasste und deren Werke größtenteils aus dem Whitney Museum in New York City stammten. Sie umfasste Gemälde, Aquarelle, Radierungen, Cartoons, Plakate sowie einige vorbereitende Studien für ausgewählte Gemälde. Die Ausstellung war zuvor in Mailand und Rom zu sehen gewesen. 2011 veranstaltete das Whitney Museum of American Art eine Ausstellung mit dem Titel Edward Hopper and His Times.
Im Jahr 2012 wurde im Grand Palais in Paris eine Ausstellung eröffnet, die die Komplexität seiner Meisterwerke beleuchtete, was auf den Reichtum von Hoppers Schaffen hinweist. Die Ausstellung war chronologisch in zwei Hauptteile gegliedert: Der erste Teil befasste sich mit den prägenden Jahren Hoppers (1900-1924) und verglich sein Werk mit dem seiner Zeitgenossen und der Kunst, die er in Paris sah und die ihn möglicherweise beeinflusst hat. Der zweite Teil befasst sich mit der Kunst seiner reifen Jahre, von den ersten Gemälden, die für seinen persönlichen Stil charakteristisch sind, wie House by the Railroad (1924), bis zu seinen letzten Werken.
Im Jahr 2020 zeigte die Fondation Beyeler eine Ausstellung mit Hoppers Kunst. Die Ausstellung konzentrierte sich auf Hoppers „ikonische Darstellungen der unendlichen Weite amerikanischer Landschaften und Stadtlandschaften“. Dieser Aspekt wird in Ausstellungen nur selten erwähnt, ist aber für das Verständnis des Werks von Hopper von zentraler Bedeutung.
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Kunstmarkt
Werke von Hopper kommen nur selten auf den Markt. Der Künstler war nicht sehr produktiv und malte nur 366 Gemälde; in den 1950er Jahren, als er bereits 70 Jahre alt war, schuf er etwa fünf Gemälde pro Jahr. Hoppers langjähriger Händler Frank Rehn, der dem Künstler 1924 seine erste Einzelausstellung ermöglichte, verkaufte Hotel Window (1956) 1957 für 7.000 Dollar (entspricht 64.501 Dollar im Jahr 2020) an die Sammlerin Olga Knoepke. Im Jahr 1999 verkaufte die Forbes Collection das Bild privat für rund 10 Millionen Dollar an den Schauspieler Steve Martin. Im Jahr 2006 verkaufte Martin es für 26,89 Millionen Dollar bei Sotheby“s New York, ein Auktionsrekord für den Künstler.
Im Jahr 2013 bot die Pennsylvania Academy of Fine Arts Hoppers East Wind Over Weehawken (1934) zum Verkauf an, in der Hoffnung, die 22 bis 28 Millionen Dollar zu erzielen, auf die das Gemälde geschätzt wird, um einen Fonds für den Erwerb „zeitgenössischer Kunst“ einzurichten, die an Wert gewinnen würde. Es handelt sich um eine in dunklen, erdigen Tönen gehaltene Straßenszene, die das Giebelhaus am 1001 Boulevard East an der Ecke zur 49th Street in Weehawken, New Jersey, zeigt und als eines von Hoppers besten Werken gilt. Es wurde 1952, fünfzehn Jahre vor dem Tod des Malers, zu einem sehr niedrigen Preis direkt von dem Händler erworben, der mit den Gemälden des Künstlers handelte. Das Gemälde wurde bei Christie“s in New York für rekordverdächtige 36 Millionen Dollar an einen anonymen Bieter per Telefon verkauft.
Nach dem Tod des Kunstsammlers Barney A. Ebsworth und der anschließenden Versteigerung zahlreicher Werke aus seiner Sammlung wurde 2018 Chop Suey (1929) für 92 Millionen US-Dollar verkauft und ist damit das teuerste Werk Hoppers, das jemals auf einer Auktion erworben wurde.
Neben seinem Einfluss (siehe § Einfluss) wird Hopper häufig in der Populärkultur zitiert.
1981 wurde der vom Whitney Museum of American Art produzierte Dokumentarfilm Hopper“s Silence von Brian O“Doherty auf dem New York Film Festival in der Alice Tully Hall gezeigt.
Der österreichische Regisseur Gustav Deutsch drehte 2013 den Film Shirley – Visions of Reality, der auf 13 Gemälden von Edward Hopper basiert.
Weitere Werke, die auf Hoppers Gemälden basieren oder von ihnen inspiriert wurden, sind das Album Nighthawks at the Diner von Tom Waits aus dem Jahr 1975 und eine Fotoserie von Gail Albert Halaban aus dem Jahr 2012.
In dem Buch (1985, 1998) und der Wanderausstellung mit dem Titel Hopper“s Places hat Gail Levin die Orte ausfindig gemacht und fotografiert, an denen viele von Hoppers Gemälden entstanden sind. In ihrer 1985 erschienenen Besprechung einer von Levin organisierten Ausstellung schrieb Vivien Raynor in der New York Times: „Miss Levins Schlussfolgerungen sind immer aufschlussreich, wenn sie z. B. zu dem Schluss kommt, dass Hoppers Neigung, Strukturen in die Länge zu ziehen, auf seine eigene Körpergröße zurückzuführen ist.“
Das Album Crush der New-Wave-Band Orchestral Manoeuvres in the Dark aus dem Jahr 1985 ist von mehreren Gemälden Hoppers inspiriert, darunter Early Sunday Morning, Nighthawks und Room in New York. Die 2013 erschienene Single „Night Cafe“ der Band wurde von Nighthawks beeinflusst und erwähnt Hopper namentlich. Sieben seiner Gemälde werden in dem Text erwähnt.
Die New York City Opera inszenierte 2016 die Ostküsten-Premiere von Stewart Wallace“ „Hopper“s Wife“ – eine Kammeroper aus dem Jahr 1997 über eine imaginäre Ehe zwischen Edward Hopper und der Klatschkolumnistin Hedda Hopper – auf der Harlem Stage.
Die irische Schriftstellerin Christine Dwyer Hickey veröffentlichte 2019 den Roman The Narrow Land, in dem Edward und Jo Hopper eine zentrale Rolle spielen.
Paul Weller hat einen Song namens „Hopper“ auf seinem 2017er Album A Kind Revolution aufgenommen.
Quellen
