Edward Kienholz
gigatos | Januar 15, 2022
Zusammenfassung
Edward Ralph Kienholz (23. Oktober 1927 – 10. Juni 1994) war ein amerikanischer Installationskünstler und Assemblage-Bildhauer, der sich in seinem Werk sehr kritisch mit Aspekten des modernen Lebens auseinandersetzte. Ab 1972 schuf er einen Großteil seiner Werke in enger Zusammenarbeit mit seiner künstlerischen Partnerin und fünften Ehefrau, Nancy Reddin Kienholz. Während eines Großteils ihrer Karriere wurde das Werk der Kienholzes in Europa mehr geschätzt als in ihrem Heimatland USA, obwohl amerikanische Museen ihre Kunst seit den 1990er Jahren stärker in den Vordergrund rücken.
Der Kunstkritiker Brian Sewell bezeichnete Edward Kienholz als „den am wenigsten bekannten, am meisten vernachlässigten und vergessenen amerikanischen Künstler der Beat-Generation der 1950er Jahre um Jack Kerouac, einen Zeitgenossen der Schriftsteller Allen Ginsberg, William Burroughs und Norman Mailer, dessen visuelle Bilder mindestens so düster, dreckig, schmutzig und deprimierend sind wie deren literarisches Vokabular“.
Edward Ralph Kienholz wurde in Fairfield, Washington, im trockenen östlichen Teil des Staates geboren. Er wuchs auf einer Weizenfarm auf und erlernte das Tischlerhandwerk, das Zeichnen und mechanische Fertigkeiten. Sein Vater war streng und seine Mutter eine religiöse Fundamentalistin; der rebellische Sohn sehnte sich danach, dieser beengten Umgebung zu entkommen. Er studierte Kunst am Eastern Washington College of Education und kurzzeitig am Whitworth College in Spokane, erhielt aber keinen formalen Abschluss. Nach einer Reihe von Gelegenheitsjobs, unter anderem als Pfleger in einer psychiatrischen Klinik, Manager einer Tanzkapelle, Gebrauchtwagenverkäufer, Caterer, Dekorateur und Staubsaugervertreter, ließ sich Kienholz in Los Angeles nieder, wo er sich mit der damaligen Avantgarde-Kunstszene beschäftigte.
1956 eröffnete Kienholz die NOW Gallery, für die Michael Bowen das Schild entwarf; in diesem Jahr lernte er den Studenten Walter Hopps kennen, der die Syndell Gallery besaß. Sie organisierten gemeinsam das All-City Art Festival und eröffneten dann 1957 zusammen mit dem Dichter Bob Alexander die Ferus Gallery am North La Cienega Boulevard. Die Ferus Gallery wurde bald zu einem Zentrum der Avantgarde-Kunst und -Kultur in der Gegend von Los Angeles.
Obwohl er keine formale künstlerische Ausbildung genossen hatte, begann Kienholz, seine handwerklichen und tischlerischen Fähigkeiten für die Herstellung von Collagen und Reliefs zu nutzen, die er aus Materialien zusammenstellte, die er in den Gassen und auf den Bürgersteigen der Stadt gefunden hatte. 1958 verkaufte er seinen Anteil an der Ferus Gallery, um ein Haus und ein Atelier in Los Angeles zu kaufen und sich auf seine Kunst zu konzentrieren, indem er freistehende, großformatige Umwelttafeln schuf. Er beteiligte sich weiterhin an den Aktivitäten der Ferus Gallery und veranstaltete 1959 eine Ausstellung mit seinen ersten Assemblage-Arbeiten.
1961 vollendete Kienholz seine erste groß angelegte Installation, Roxy“s, eine raumgroße Umgebung, die er 1962 in der Galerie Ferus zeigte. Roxy“s spielt im Jahr 1943 und zeigt Kienholz“ Erinnerungen an seine jugendlichen Begegnungen in einem Bordell in Nevada, ausgestattet mit antiken Möbeln, einer Jukebox aus den 30er Jahren, alten Gebrauchsgegenständen und satirischen Figuren, die aus ausrangierten Gegenständen zusammengesetzt sind. Dieses Kunstwerk erregte später auf der documenta 4 im Jahr 1968 großes Aufsehen.
Eine 1966 im Los Angeles County Museum of Art (LACMA) gezeigte Ausstellung löste wegen seiner Assemblage Back Seat Dodge “38 (1964) erhebliche Kontroversen aus. Das Los Angeles County Board of Supervisors bezeichnete die Skulptur als „abstoßend, pornografisch und blasphemisch“ und drohte damit, die Finanzierung des Museums zu verweigern, wenn das Tableau nicht aus der Ausstellung entfernt würde. Man einigte sich auf einen Kompromiss, wonach die Autotür der Skulptur geschlossen und bewacht bleiben und nur auf Antrag eines Museumsbesuchers über 18 Jahren und nur dann geöffnet werden sollte, wenn sich keine Kinder in der Galerie befanden. Der Aufruhr führte dazu, dass sich am Tag der Ausstellungseröffnung mehr als 200 Besucher anstellten, um das Werk zu sehen. Seitdem ist Back Seat Dodge “38 ein Publikumsmagnet. Das LACMA erwarb das Werk offiziell erst 1986.
1966 begann Kienholz, die Sommer in Hope, Idaho, zu verbringen, während er in Los Angeles weiterhin Atelierräume unterhielt. Zu dieser Zeit produzierte er auch eine Reihe von Concept Tableaux, die aus gerahmten Textbeschreibungen von Kunstwerken bestanden, die noch nicht existierten. Er verkaufte diese Werke der frühen Konzeptkunst (obwohl der Begriff zu dieser Zeit noch nicht weit verbreitet war) für eine bescheidene Summe und gab dem Käufer das Recht (gegen Zahlung einer höheren Gebühr), das Kunstwerk tatsächlich zu bauen. Er verkaufte eine Reihe von Concept Tableaux, aber nur The State Hospital wurde zu einem fertigen Kunstwerk.
Kienholz“ Assemblagen aus gefundenen Objekten – dem Abfall der modernen Existenz, oft mit Figuren, die aus dem Leben gegriffen sind – sind zuweilen vulgär, brutal und grausam und konfrontieren den Betrachter mit Fragen über die menschliche Existenz und die Unmenschlichkeit der Gesellschaft des zwanzigsten Jahrhunderts. Über gefundene Materialien sagte er 1977: „Ich beginne wirklich, eine Gesellschaft zu verstehen, indem ich ihre Trödelläden und Flohmärkte durchstöbere. Das ist für mich eine Form der Bildung und historischen Orientierung. Ich kann die Ergebnisse von Ideen in dem sehen, was von einer Kultur weggeworfen wird“.
Kienholz baute gelegentlich ausgediente oder in Betrieb befindliche Radios oder Fernsehgeräte in seine Werke ein und fügte manchmal Ton und bewegte Bilder zur Gesamtwirkung hinzu. In einigen Installationen wurden lebende Tiere als entscheidende Elemente eingesetzt, die für Bewegung und Geräusche sorgten, die in starkem Kontrast zu den eingefrorenen Tableaus von Verfall und Degradierung standen. In The Wait beispielsweise, einer düsteren Szene einer einsamen, skelettierten Frau, die von Erinnerungen umgeben ist und auf den Tod wartet, befindet sich ein Käfig mit einem lebenden Sittich, der fröhlich zwitschert und herumhüpft. Der Vogel wird als integraler Bestandteil der Installation betrachtet, erfordert aber besondere Aufmerksamkeit, um sicherzustellen, dass er gesund und aktiv bleibt, wie im Online-Katalog und im Video des Whitney Museums beschrieben. Ein weiteres bekanntes Werk, The State Hospital, besteht aus einem Paar schwarzer Goldfische, die in zwei gläsernen Goldfischgläsern schwimmen und den Kopf eines psychisch kranken Häftlings darstellen.
Kienholz“ Werke kommentierten schonungslos Rassismus, Alterung, Geisteskrankheit, sexuelle Stereotypen, Armut, Gier, Korruption, Imperialismus, Patriotismus, Religion, Entfremdung und vor allem moralische Heuchelei. Aufgrund ihrer satirischen und gegen das Establishment gerichteten Töne wurden ihre Werke oft mit der in den 1960er Jahren in San Francisco entstandenen Funk-Kunstbewegung in Verbindung gebracht.
Obwohl er Atheist war und vorgetäuschte Religiosität verachtete, bewahrte Keinholz sorgfältig einen anonymen Schaufensterschrein auf, den er in Spokane, Washington, entdeckt hatte. Dieses gefundene Außenseiterkunstwerk nannte Keinholz The Jesus Corner und stellte es 1984 in einem Museum in Spokane aus, bevor er es im Museum of Modern Art in San Francisco zeigte. Zehn Jahre später bestand Keinholz darauf, es zu einem reduzierten Preis an das Missoula Art Museum in Missoula, Montana, zu verkaufen, um sicherzustellen, dass es in einem Umfeld gezeigt wird, in dem er sich wohlfühlt.
1981 erklärte Ed Kienholz offiziell, dass sein gesamtes Werk ab 1972 im Nachhinein als von seiner fünften Ehefrau und Mitarbeiterin, der ehemaligen Fotojournalistin Nancy Reddin Kienholz, mitverfasst und mitunterzeichnet zu betrachten sei. Gemeinsam werden sie als „Kienholz“ bezeichnet. Ihr Werk hat vor allem in Europa große Anerkennung gefunden.
Anfang der 1970er Jahre erhielt Kienholz ein Stipendium, das es ihm ermöglichte, in Berlin zu arbeiten. Seine wichtigsten Arbeiten in dieser Zeit basieren auf den Volksempfängern aus der Zeit des Nationalsozialismus in Deutschland. Im Jahr 1973 war er Gastkünstler des Deutschen Akademischen Austauschdienstes in Berlin. 1974 trat Edward Kienholz zusammen mit Jannis Kounellis, Wolf Vostell und anderen Künstlern in Berlin bei den ADA – Aktionen der Avantgarde auf.
1973 zogen Kienholz und Reddin von Los Angeles nach Hope, Idaho, und teilten in den folgenden zwanzig Jahren ihre Zeit zwischen Berlin und Idaho auf. Im Jahr 1976 erhielt er ein Guggenheim-Stipendium. Im Jahr 1977 eröffnete er in ihrem Atelier in Idaho die „Faith and Charity in Hope Gallery“, in der er sowohl etablierte als auch aufstrebende Künstler ausstellte, darunter Francis Bacon, Jasper Johns, Peter Shelton und Robert Helm. Die Keinholzs produzierten weiterhin ihre eigenen neuen Installationen und Skulpturen für Ausstellungen.
Edward Kienholz starb am 10. Juni 1994 in Idaho plötzlich an einem Herzinfarkt, nachdem er in den Bergen in der Nähe seines Hauses gewandert war. Er war ein chronischer Raucher, der mit Diabetes zu kämpfen hatte, die seine Gliedmaßen immer mehr beeinträchtigte. Er wurde in einer authentischen Kienholz-Installation beigesetzt; Robert Hughes schrieb: „Sein korpulenter, einbalsamierter Körper war in den Vordersitz eines braunen 1940er Packard-Coupés eingekeilt. In seiner Tasche befanden sich ein Dollar und ein Kartenspiel, neben ihm eine Flasche Chianti von 1931 und auf dem Rücksitz die Asche seines Hundes Smash. Er war bereit für das Leben nach dem Tod. Unter den Klängen von Dudelsäcken rollte der Packard, der von seiner Witwe Nancy Reddin Kienholz gesteuert wurde, wie ein Leichenkahn in das große Loch.“
Nach Edwards Tod verwaltete Nancy Reddin Kienholz den gemeinsamen künstlerischen Nachlass weiter und organisierte bis zu ihrem eigenen Tod im Jahr 2019 Veranstaltungen und Ausstellungen.
Retrospektiven von Kienholz“ Werk sind selten, da es schwierig und kostspielig ist, fragile, buchstäblich raumgroße Skulpturen und Installationen aus weit verstreuten Sammlungen in der ganzen Welt zusammenzutragen. Die Arbeiten von Kienholz waren oft schwer zu sehen, sowohl wegen ihrer Thematik als auch wegen der Logistik ihrer Ausstellung.
In den USA, dem Heimatland der Kienholzes, waren nur relativ wenige der Hauptwerke zu sehen, obwohl amerikanische Museen nun begonnen haben, ihr Werk stärker in den Vordergrund zu stellen, insbesondere nach einer großen Retrospektive (posthum) im Whitney Museum of American Art im Jahr 1996. Das Bowers Museum (Santa Ana, Kalifornien), das Dayton Art Institute, das Honolulu Museum of Art, die National Gallery of Art (Washington, DC), das Oakland Museum of California, das San Francisco Museum of Modern Art, das Smithsonian American Art Museum, das University of Arizona Museum of Art, das Los Angeles County Museum of Art (LACMA), das Weisman Art Museum an der University of Minnesota, Minneapolis, und das Whitney Museum of American Art (New York) gehören zu den öffentlichen Sammlungen mit Werken von Kienholz.
Die vielfältigen und frei improvisierten Materialien und Methoden, die in den Werken von Kienholz verwendet werden, stellen eine ungewöhnliche Herausforderung für Kunstrestauratoren dar, die versuchen, die ursprüngliche Absicht und das Erscheinungsbild des Künstlers zu bewahren. Die Behandlung von Back Seat Dodge “38 gegen Kleidermotten stellte eine heikle Situation dar, die vom Getty Conservation Institute und dem J. Paul Getty Museum im Auftrag des LACMA, dem Eigentümer des Kunstwerks, geschickt angegangen wurde.
2009 zeigte die National Gallery in London eine Ausstellung von The Hoerengracht (niederländisch: Huren-Kanal), einer Straßeninstallation aus den 1980er Jahren, die das Rotlichtviertel von Amsterdam, Niederlande, darstellt. Vom 6. Mai bis zum 19. Juni 2010 wurde Kienholz“ Roxy“s (1960) in der David Zwirner Gallery in New York City minutiös rekonstruiert und durch die Öffnung von zwei Panoramafenstern gezeigt.
2011 wurde Kienholz“ Werk in Los Angeles erneut Aufmerksamkeit zuteil, unter anderem durch die Ausstellungsreihe Pacific Standard Time, in deren Rahmen seine kraftvolle Installation Five Car Stud aus dem Jahr 1972 im LACMA erneut ausgestellt wurde. Die überdimensionale Installation wird von fünf kreisförmig geparkten Fahrzeugen eingerahmt, deren Scheinwerfer eine krasse Kastrationsszene aus Rassenhass beleuchten. Das Werk wurde 1972 in Los Angeles und Deutschland ausgestellt, dann von einem japanischen Sammler erworben und fast 40 Jahre lang gelagert, wobei es nur durch dokumentarische Fotos von diesen Ausstellungen bekannt war. Im September 2011 wurde es erneut im LACMA ausgestellt. Auf der Art Basel 2012 wurde es von der Prada Foundation erworben.
Kienholz gilt als Pionier dessen, was als Installationskunst und Assemblagekunst bekannt wurde, und zwar bereits 1960 mit Roxy“s. Mit seiner Concept Tableau-Serie Mitte der 1960er Jahre schuf er auch frühe Werke der Konzeptkunst. Ed Kienholz“ sorgfältig dokumentiertes und selbstbewusst empörendes Verhalten beim so genannten „TWA-Zwischenfall“ im Jahr 1968 offenbarte Aspekte dessen, was später als „Performance Art“ bezeichnet wurde. Trotz seiner Behauptung, er sei lediglich ein rauer Zimmermann und Mechaniker aus der Arbeiterklasse, war sich Kienholz seiner Position in der zeitgenössischen Kunstszene durchaus bewusst, und er handelte selbstbewusst, um sein Image und sein Vermächtnis zu gestalten.
Das Buch Pacific Wall (Le mur du pacifique) des französischen Philosophen Jean-François Lyotard ist eine ausführliche Meditation über Keinholz“ Five Card Stud Installation.
Quellen
