Eva Hesse (Künstlerin)
gigatos | Januar 26, 2022
Zusammenfassung
Eva Hesse (11. Januar 1936 – 29. Mai 1970) war eine in Deutschland geborene amerikanische Bildhauerin, die für ihre bahnbrechenden Arbeiten mit Materialien wie Latex, Glasfaser und Kunststoff bekannt ist. Sie gehört zu den Künstlern, die in den 1960er Jahren die Bewegung der Postminimal Art einleiteten.
Hesse wurde am 11. Januar 1936 in Hamburg in eine Familie gläubiger Juden hineingeboren. Als Hesse im Dezember 1938 zwei Jahre alt war, schickten ihre Eltern sie und ihre ältere Schwester, Helen Hesse Charash, in der Hoffnung, aus Nazi-Deutschland zu fliehen, in die Niederlande. Sie befanden sich an Bord eines der letzten Kindertransportzüge.
Nach fast sechsmonatiger Trennung zog die wiedervereinigte Familie nach England und emigrierte 1939 nach New York City, wo sie sich in Manhattans Washington Heights niederließ. 1944 trennten sich Hesses Eltern; ihr Vater heiratete 1945 erneut und ihre Mutter beging 1946 Selbstmord. 1961 lernte Hesse den Bildhauer Tom Doyle kennen und heiratete ihn (sie ließen sich 1966 scheiden).
Im Oktober 1969 wurde bei ihr ein Hirntumor diagnostiziert, und sie starb am 29. Mai 1970 nach drei fehlgeschlagenen Operationen innerhalb eines Jahres. Ihr Tod im Alter von 34 Jahren beendete eine Karriere, die trotz ihrer nur zehnjährigen Dauer sehr einflussreich werden sollte.
Im Alter von 16 Jahren machte Hesse ihren Abschluss an der New Yorker School of Industrial Art und schrieb sich 1952 am Pratt Institute of Design ein. Nur ein Jahr später brach sie das Studium ab. Als Hesse 18 Jahre alt war, machte sie ein Praktikum bei der Zeitschrift Seventeen. Während dieser Zeit besuchte sie auch Kurse an der Art Students League. Von 1954-57 studierte sie an der Cooper Union, und 1959 erhielt sie ihren BA an der Yale University. Während ihrer Zeit in Yale studierte Hesse bei Josef Albers und wurde stark vom Abstrakten Expressionismus beeinflusst.
Nach Yale kehrte Hesse nach New York zurück, wo sie sich mit vielen anderen jungen minimalistischen Künstlern anfreundete, darunter Sol LeWitt, Donald Judd, Yayoi Kusama und andere. Ihre enge Freundschaft mit Sol LeWitt hielt bis an ihr Lebensende an. Die beiden schrieben sich häufig, und 1965 gab LeWitt einer jungen, zweifelnden Eva den berühmten Rat: „Hör auf! Sowohl Hesse als auch LeWitt wurden später zu einflussreichen Künstlern; ihre Freundschaft förderte die künstlerische Entwicklung ihrer Werke.
Im November 1961 heiratete Eva Hesse den Bildhauerkollegen Tom Doyle. Im August 1962 nahmen Eva Hesse und Tom Doyle an einem Allan Kaprow Happening an der Art Students League of New York in Woodstock, New York, teil. Dort fertigte Hesse ihre erste dreidimensionale Arbeit an: ein Kostüm für das Happening. 1963 hatte Eva Hesse eine Einzelausstellung mit Arbeiten auf Papier in der Allan Stone Gallery in der New Yorker Upper East Side. 1965 zogen die beiden nach Deutschland, damit Doyle ein Künstlerstipendium des deutschen Industriellen und Sammlers Friedrich Arnhard Scheidt wahrnehmen konnte. Hesse und Doyle, deren Ehe zu diesem Zeitpunkt in die Brüche ging, lebten und arbeiteten etwa ein Jahr lang in einer verlassenen Textilfabrik in Kettwig an der Ruhr bei Essen. Das Gebäude enthielt noch Maschinenteile, Werkzeuge und Materialien aus der früheren Nutzung, und die kantigen Formen dieser ausgedienten Maschinen und Werkzeuge dienten Hesse als Inspiration für ihre mechanischen Zeichnungen und Gemälde. Ihre erste Skulptur war ein Relief mit dem Titel Ringaround Arosie, das aus mit Stoff überzogenem Kabel, elektrischem Draht und Masonit bestand. Dieses Jahr in Deutschland markierte einen Wendepunkt in Hesses Karriere. Von nun an fertigte sie weiterhin Skulpturen an, die zum Hauptschwerpunkt ihrer Arbeit wurden. Als sie 1965 nach New York City zurückkehrte, begann sie mit den unkonventionellen Materialien zu arbeiten und zu experimentieren, die für ihr Werk charakteristisch werden sollten: Latex, Glasfaser und Kunststoff.
Hesses Frühwerk (1960-65) besteht hauptsächlich aus abstrakten Zeichnungen und Gemälden. Sie ist eher für ihre Skulpturen bekannt, weshalb ihre Zeichnungen oft als Vorstufe zu ihrem späteren Werk betrachtet werden. Allerdings schuf sie die meisten ihrer Zeichnungen als eigenständiges Werk. Sie sagte: „Sie waren verwandt, weil sie von mir stammten, aber sie waren nicht in einer Weise verwandt, die das andere vervollständigte.“
Hesses Interesse an Latex als Medium für skulpturale Formen hatte mit der Unmittelbarkeit zu tun. Der Kunstkritiker John Keats stellte fest: „Die Unmittelbarkeit mag einer der Hauptgründe sein, warum sich Hesse zu Latex hingezogen fühlte“. Hesses erste beiden Werke aus Latex, Schema und Sequel (1967-68), verwenden Latex in einer Weise, die sich der Hersteller nicht vorstellen konnte. In ihrem Werk Untitled (Rope Piece) verwendete Hesse Industrielatex und hängte ihn nach dem Aushärten mit Draht an die Wand und die Decke: „Industrielatex war zum Gießen gedacht. Hesse behandelte es wie Hausfarbe, indem sie Schicht um Schicht auftrug, um eine glatte und doch unregelmäßige Oberfläche zu schaffen, die an den Rändern wie Büttenpapier ausgefranst war.“
Hesses Werk besteht häufig aus einer Vielzahl ähnlicher Formen, die in Gitterstrukturen oder Clustern angeordnet sind. Unter Beibehaltung einiger der bestimmenden Formen des Minimalismus, der Modularität und der Verwendung unkonventioneller Materialien schuf sie exzentrische Werke, die sich wiederholten und arbeitsintensiv waren. Ihr Werk Contingent von 1968 ist ein ideales Beispiel für dieses Konzept. Und in einer Erklärung zu ihrem Werk beschrieb Hesse ihre Arbeit mit dem Titel Hang-Up als „…das erste Mal, dass meine Idee von Absurdität oder extremen Gefühlen durchkam…Das ganze Ding ist absolut starr, eine ordentliche Schnur um das ganze Ding… Es ist extrem, und das ist der Grund, warum ich es mag und nicht mag… Es ist die lächerlichste Struktur, die ich je gemacht habe, und deshalb ist sie wirklich gut“.
Eva Hesse wird mit der Kunstbewegung Postminimalismus in Verbindung gebracht. Arthur Danto unterschied den Postminimalismus vom Minimalismus durch seine „Fröhlichkeit und seinen Witz“, seinen „unverkennbaren Hauch von Erotik“ und seine „nicht-mechanische Wiederholung“.
Hesse arbeitete und konkurrierte manchmal mit ihren männlichen Kollegen in der postminimalistischen Kunst, einer hauptsächlich von Männern dominierten Bewegung. Viele feministische Kunsthistorikerinnen haben festgestellt, dass ihr Werk erfolgreich Frauenfragen beleuchtet, ohne eine offensichtliche politische Agenda zu verfolgen. In einem Brief an Ethelyn Honig (1965) erklärte sie, dass eine Frau „von Anfang an im Nachteil ist… Ihr fehlt die Überzeugung, dass sie das “Recht“ auf Leistung hat. Es fehlt ihr auch der Glaube, dass ihre Leistungen würdig sind“. Sie fuhr fort zu erklären, dass „eine fantastische Stärke notwendig ist und Mut. Ich denke die ganze Zeit darüber nach. Meine Entschlossenheit und mein Wille sind stark, aber es mangelt mir so sehr an Selbstwertgefühl, dass ich es nie zu überwinden scheine.“ Hesse bestritt, dass ihr Werk streng feministisch sei, und verteidigte es als feminin, aber ohne feministische Aussagen im Sinn. In einem Interview mit Cindy Nemser für Woman“s Art Journal (1970) erklärte sie: „Der Weg, die Diskriminierung in der Kunst zu besiegen, ist die Kunst. Exzellenz hat kein Geschlecht.“
Hesses Arbeiten zeigen oft minimale physische Manipulationen eines Materials, während sie gleichzeitig die Bedeutung, die es vermittelt, vollständig umwandeln. Diese Einfachheit und Komplexität hat unter Kunsthistorikern eine Kontroverse ausgelöst. Die Debatte konzentrierte sich auf die Frage, welche Arbeiten als vollständige und fertige Werke betrachtet werden sollten und welche als Studien, Skizzen oder Modelle für zukünftige Werke. Hesses Zeichnungen sind oft als Entwürfe für spätere Skulpturen bezeichnet worden, doch Hesse selbst leugnete jede enge Verbindung. Ihr Werk wird oft als Anti-Form beschrieben, d.h. als Widerstand gegen die Uniformität. Ihr Werk verkörpert Elemente des Minimalismus in seinen einfachen Formen, zarten Linien und einer begrenzten Farbpalette. Barry Schwabsky beschrieb ihre Arbeit für das Camden Arts Centre in London: „Dinge gefaltet, Dinge gestapelt, Dinge verdreht, Dinge gewickelt und abgewickelt; verworrene Dinge, stumpfe Dinge, mit denen man sich verbinden kann; Materialien, die ein erstarrtes Aussehen haben, Materialien, die verloren oder weggeworfen oder schlecht behandelt scheinen; Formen, die aussehen, als wären sie aus Fleisch, und Formen, die aussehen, als könnten sie aus Fleisch sein, sollten es aber nicht sein – man kann diese Dinge, diese Materialien, diese Formen betrachten und das Erschaudern einer unbenennbaren Nanosensation spüren, oder man kann sein Auge ohne Reaktion an ihnen vorbeiziehen lassen; vielleicht kann man beides gleichzeitig tun. “ Alle ihre Arbeiten, insbesondere ihre Zeichnungen, basieren auf Wiederholungen und einfachen Abläufen.
Es wird immer wieder darüber diskutiert, wie die Skulpturen von Eva Hesse am besten zu erhalten sind. Mit Ausnahme von Fiberglas sind die meisten der von ihr bevorzugten Materialien schlecht gealtert, so dass viele ihrer Arbeiten die Restauratoren vor eine enorme Herausforderung stellen. Arthur Danto schreibt über die Retrospektive des Jüdischen Museums im Jahr 2006: „Die Verfärbungen, die Schlaffheit des membranartigen Latex, die spürbare Alterung des Materials… Doch irgendwie wirkt das Werk nicht tragisch. Stattdessen ist es voller Leben, voller Eros, sogar voller Komik… Jedes Stück in der Ausstellung vibriert vor Originalität und Unfug.“
In einigen Fällen sind ihre Arbeiten so beschädigt, dass sie nicht mehr präsentiert werden können. So kann Sans III nicht mehr öffentlich ausgestellt werden, weil sich die Latexkästen in sich selbst zusammengerollt haben und zerbröckelt sind. Hesses enger Freund Sol LeWitt plädierte für Maßnahmen zur aktiven Konservierung: „Sie wollte, dass ihr Werk erhalten bleibt … Sie hatte sicher nicht die Einstellung, stumm zuzusehen, wie es vor ihren Augen zerfällt.“ LeWitts Antwort wird von vielen anderen Freunden und Kollegen Hesses unterstützt. Hesses Hingabe an das Material und den Prozess widerspricht jedoch ihrer Absicht, dass diese Werke Dauerhaftigkeit erlangen sollen. Als sie dieses Thema mit Blick auf Sammler erörterte, schrieb sie: „An diesem Punkt fühle ich mich ein wenig schuldig, wenn die Leute sie kaufen wollen. Ich denke, sie wissen es, aber ich möchte ihnen einen Brief schreiben und sagen, dass es nicht von Dauer sein wird. Ich bin mir nicht sicher, was mein Standpunkt zum Thema Nachhaltigkeit wirklich ist. Ein Teil von mir hat das Gefühl, dass es überflüssig ist, und wenn ich Gummi benutzen muss, ist das wichtiger. Das Leben ist nicht von Dauer, die Kunst ist nicht von Dauer.“
Ihre Kunst wird oft im Zusammenhang mit den vielen Kämpfen in ihrem Leben betrachtet. Dazu gehören die Flucht vor den Nazis, die Scheidung ihrer Eltern, der Selbstmord ihrer Mutter, als sie 10 Jahre alt war, ihre gescheiterte Ehe und der Tod ihres Vaters. Ein 2016 in New York uraufgeführter Dokumentarfilm mit dem Titel Eva Hesse veranschaulicht ihren schmerzhaften Werdegang. Unter der Regie von Marcie Begleiter erzählt der Film die Geschichte von Hesses „tragisch verkürztem Leben“. Er „konzentriert sich auf die Jahre des künstlerischen Aufbruchs, eine Periode rasanter Entwicklung und rasender Produktivität, die in der Kunstgeschichte nur wenige Parallelen aufweist.“
Auch wenn die Erfahrungen zweifelsohne tiefe Eindrücke auf Hesse hinterlassen haben, liegt die wahre Wirkung ihrer Kunst in ihrer formalen, künstlerischen Erfindungsgabe: zum Beispiel ihre erfinderische Verwendung von Material, ihre zeitgenössische Antwort auf die minimalistische Bewegung und ihre Fähigkeit, die postmoderne und postminimalistische Kunstbewegung einzuleiten. Arthur Danto verbindet beides, indem er sie als „Bewältigerin des emotionalen Chaos beschreibt, indem sie die Bildhauerei durch ästhetischen Ungehorsam neu erfindet, indem sie mit wertlosem Material inmitten der Industrieruinen einer besiegten Nation spielt, die sie nur zwei Jahrzehnte zuvor ohne zu zögern ermordet hätte“.
Hesse gehört zu den ersten Künstlern der 1960er Jahre, die mit den fließenden Konturen der organischen Welt der Natur und den einfachsten künstlerischen Gesten experimentieren. Einige Beobachter sehen in diesen Qualitäten latente, protofeministische Bezüge zum weiblichen Körper; andere finden in Hesses trägen Formen Ausdruck von Witz, Laune und einem Sinn für spontane Erfindungen mit zufällig gefundenen oder „alltäglichen“ Materialien. Zu den prominenten Künstlern, die sie als einen Haupteinfluss bezeichnet haben, gehören der japanische Künstler Eiji Sumi
1961 wurden Hesses Gouache-Gemälde in der 21. Internationalen Aquarell-Biennale des Brooklyn Museums ausgestellt. Gleichzeitig zeigte sie ihre Zeichnungen in der John Heller Gallery Ausstellung Drawings: Drei junge Amerikaner. Im August 1962 nahm sie zusammen mit Tom Doyle an einem Allan Kaprow Happening an der Art Students League of New York in Woodstock, New York, teil. 1963 hatte Hesse eine Einzelausstellung mit Arbeiten auf Papier in der Allan Stone Gallery in der New Yorker Upper East Side. Ihre erste Einzelausstellung mit Skulpturen wurde 1965 im Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen, Düsseldorf, gezeigt. Im November 1968 stellte sie ihre großformatigen Skulpturen in der Fischbach Gallery in New York aus. Die Ausstellung trug den Titel Chain Polymers (Kettenpolymere) und war ihre einzige Einzelausstellung von Skulpturen in den Vereinigten Staaten zu Lebzeiten. Die Ausstellung war für Hesses Karriere von entscheidender Bedeutung und festigte ihren damaligen Ruf. Ihre große Arbeit Expanded Expansion wurde 1969 im Whitney Museum in der Ausstellung „Anti-Illusion“ gezeigt: Prozess
In den Vereinigten Staaten und in Europa gab es Dutzende von großen posthumen Ausstellungen. Eine frühe Ausstellung fand im Guggenheim Museum (1972) statt, während 1979 unter dem Titel Eva Hesse: Sculpture drei verschiedene Retrospektiven veranstaltet wurden. Diese Ausstellungen fanden in der Whitechapel Art Gallery in London vom 4. Mai bis 17. Juni 1979, bei Kroller-Muller in Otterlo vom 30. Juni bis 5. August 1979 und in der Kestner-Gesellschaft in Hannover vom 17. August bis 23. September 1979 statt. Ein Kunstwerk, das in der Ausstellung gezeigt wurde, war Aught, vier mit Polyethylen gefüllte Doppelbögen aus Latex. 1982 organisierte Ellen H. Johnson die erste Retrospektive, die ausschließlich Hesses Zeichnungen gewidmet war und die in der Grey Art Gallery an der NYU, im Allen Memorial Art Museum am Oberlin College, in der Renaissance Society an der University of Chicago, im Contemporary Arts Museum in Houston und im Baltimore Museum of Art gezeigt wurde. In den Jahren 1992 und 1993 fanden Retrospektivausstellungen in New Haven, Valencia und Paris statt.
Seit Anfang der 2000er Jahre wurden zahlreiche große Ausstellungen organisiert, darunter eine große Schau im Jahr 2002 (die gemeinsam vom San Francisco Museum of Modern Art, der Tate Modern und dem Museum Wiesbaden organisiert wurde) und gleichzeitige Ausstellungen im Jahr 2006 im The Drawing Center in New York und dem Jewish Museum of New York. In Europa hatte Hesse zuletzt Ausstellungen in der Fundació Antoni Tàpies in Barcelona (2010) und in der Fruitmarket Gallery, Edinburgh (August bis Oktober 2009). Eine Ausstellung ihrer Zeichnungen aus der Sammlung des Allen Memorial Art Museum wird 2019-20 in das Museum Wiesbaden, das Mumok in Wien, Hauser & Wirth New York und das Allen Memorial Art Museum reisen.
Über 20 ihrer Werke befinden sich im Museum of Modern Art in New York. Die größte Sammlung von Hesses Werken außerhalb der Vereinigten Staaten befindet sich im Museum Wiesbaden, das nach der Ausstellung „Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts“ im Jahr 1990 begann, aktiv ihre Werke zu erwerben. Eine der größten Sammlungen von Hesses Zeichnungen befindet sich im Allen Memorial Art Museum am Oberlin College, das auch das Eva-Hesse-Archiv unterhält, das dem Museum 1977 von der Schwester der Künstlerin, Helen Hesse Charash, geschenkt wurde. Weitere öffentliche Sammlungen sind das Art Institute of Chicago, das Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, die National Gallery of Australia, das Nelson-Atkins Museum of Art, das San Francisco Museum of Modern Art, das Solomon R. Guggenheim Museum, die Tate Gallery, das Jewish Museum und das Whitney Museum of American Art.
Quellen
