Francis Picabia
gigatos | Januar 4, 2022
Zusammenfassung
Francis Picabia (vollständiger Name Francisco María Martínez Picabia della Torre; 22. Januar 1879, Paris – 30. November 1953, Paris) war ein französischer Avantgarde-Maler, Grafiker und Schriftsteller, Theaterregisseur, Drehbuchautor, Schauspieler und Diplomat.
Francis Picabia wurde als exzentrischer Künstler berühmt, der sich keinem politischen oder stilistischen Dogma verschrieb. Er hatte einen großen Einfluss auf die zeitgenössische Kunst, insbesondere auf den Dadaismus und den Surrealismus.
Francisco María Martínez Picabia della Torre, genannt Francis Picabia (manchmal auch Picabia geschrieben), wurde als Sohn einer französischen Mutter und eines spanischen Vaters in Paris geboren. Der Vater von Francis Picabia arbeitete zunächst in Kuba in der Zuckerindustrie und später in der kubanischen Botschaft in Frankreich im diplomatischen Dienst. In Paris lernte er die zukünftige Mutter von Francis kennen. Seine Mutter, Marie Cecile Davan, gehörte zur wohlhabenden Pariser Bourgeoisie. Sie starb, als der zukünftige Künstler und Dichter 5 (nach anderen Quellen 7) Jahre alt war.
Francis Picabia hatte eine flexible, aufgeschlossene Persönlichkeit und ein sehr wechselhaftes, cholerisches Temperament. Starke Schwankungen im Temperament und im kreativen Tonfall führten gelegentlich zu lang anhaltenden Depressionen oder neurasthenischen Wutausbrüchen, die sich meist im familiären Umfeld manifestierten. Im Laufe seines Lebens änderte Picabia immer wieder seinen kreativen Stil und seinen persönlichen und ästhetischen Geschmack. In dieser Hinsicht kann er als eine Art Rekordbrecher betrachtet werden. Wenn man alle Veränderungen seines Stils, seiner Regie, seines Schreibstils und sogar seiner Ideologie der Reihe nach zählt, kommt man auf nicht weniger als sieben (oder sogar zehn) dramatische Wendungen. In dieser Hinsicht übertrifft Francis Picabia vielleicht sogar seinen berühmteren Zeitgenossen und Künstlerkollegen Pablo Picasso.
Als er sechzehn Jahre alt war, bot sein Vater heimlich eine seiner Landschaften der Jury des Salon de l“Artiste Française in Paris an. Zur Überraschung seiner Familie und des jungen Malers selbst wurde das Gemälde angenommen und sogar zur Kenntnis genommen. Dies ermutigte Picabia, sich ernsthaft mit der Malerei zu beschäftigen.
Zwischen 1895 und 1896 nahm Francis Picabia Unterricht an der Ecole des Arts Décoratifs in Paris bei Embert und Cormon und malte in seinem ersten Stil gute, typisch französische Landschaften, als ob er die berühmten Werke von Camille Corot in einer impressionistischen Richtung fortsetzte. Ab 1899 stellte Picabia im Salon des Independents aus und etablierte sich in den Pariser Kunstkreisen bald als Impressionist. Der Impressionismus von Picabi hielt jedoch nicht lange an. Bereits 1902, nach einer Reise nach Spanien, begann sich Picabies künstlerisches Interesse allmählich auf den farbenfrohen und auffälligen („spanischen“) Fauvismus zu verlagern.
Seine Bekanntschaft mit Marcel Duchamp im Jahr 1910 hatte einen entscheidenden Einfluss auf die weitere Entwicklung von Francis Picabius“ Persönlichkeit und Werk. Vom Fauvismus, den er für eine relativ kurze Zeit vor dem Krieg mit Deutschland vertritt, wendet er sich zunächst dem Kubismus und der geometrischen Abstraktion zu. Picabias bekanntestes Gemälde aus dieser Zeit, Dancer on an Atlantic Cruise (1913), ist nicht nur ein Dokument von Picabias abstraktem Stil, sondern auch von seiner langen (mehr als drei Jahre) Abreise nach New York. Picabia hatte in seinem Leben im Allgemeinen die Angewohnheit, einen Kriegsschauplatz zu verlassen. Er stellt seine neuen abstrakten kubistischen Bilder auf der Armory Show (New York, 1913) aus, was ihm weiteren Ruhm einbringt. Aber auch Picabia bleibt nicht stehen. Zwischen 1915 und 1917, also während der gesamten drei Jahre seines Lebens in New York, stand er in engem Kontakt mit Künstlern der Avantgarde und leitete zusammen mit Duchamp die New Yorker Sektion der dadaistischen Bewegung. Doch nur zwei Jahre später ändert er erneut auf paradoxe Weise seinen Stil. Diesmal verzichtet Francis Picabia auf die geometrische Abstraktion und entscheidet sich nicht für einen bereits bestehenden Stil oder eine Bewegung. Er malt einen Zyklus von Originalkompositionen, die zum Erkennungszeichen und Markenzeichen seines persönlichen Malstils geworden sind. Konventionell können diese als „mechanische“ oder „anthropomorphe Zeichnungen“ bezeichnet werden. Durch das Malen von Kopien technischer Zeichnungen und das Hinzufügen unerwarteter, oft lebendiger und bedeutungsloser Details gab Picabia ihnen die paradoxen Züge menschlicher Formen. Dies sind zum Beispiel seine berühmtesten Werke: Parade der Liebe (1917), Eine Tochter ohne Mutter geboren (1917) und Das Vergaserkind (1919). Francis Picabias lebendige „mechanomorphe“ Zeichnungen sind voller Provokation, dadaistischer Epatage und Sarkasmus, sie demonstrieren sowohl die Bedeutungslosigkeit als auch die Macht der menschlichen Wahrnehmung, die in der Lage ist, reale Bilder in jede noch so abstrakte oder absurde Form zu implantieren. Es sind diese Werke Picabias, die seiner schöpferischen Persönlichkeit, die sich paradoxerweise direkt in seinem Leben und Werk manifestiert hat, am nächsten kommen und ihr am ehesten entsprechen.
Äußerst frei und unabhängig im Geiste, in Charakter und Persönlichkeitsmerkmalen Guillaume Apollinaire und Marcel Duchamp nahestehend, ist es amüsant nachzuvollziehen, wie Francis Picabia die Dada-Bewegung zunächst offen bekämpfte und ablehnte und dann während seiner eigens unternommenen „Propaganda“-Reisen nach New York, Barcelona und Zürich unterstützte und sogar anführte. Auf dieselbe Weise entwickelte sich auch sein Werk. Seine dadaistischen Artikel gelten als verheerend und brillant, der von ihm in New York gegründete Avantgarde-Almanach „391“, den er bis 1924 in Zürich und Paris herausgab, sowie seine abstrakten Gemälde aus der Zeit vor dem Ersten Weltkrieg und seine „mechanomorphen“ Zeichnungen, die an seltsame Zeichnungen aus der Zukunft erinnern, wurden nicht nur erkennbar, sondern auch zu Ikonen der Kunstgeschichte des frühen 20.
Nach der dadaistischen Phase, in der er zusammen mit Tristan Tzara zu den anerkannten Führern gehörte (1914-1920), vollzog Francis Picabia 1921 eine weitere Wende und schloss sich den direkten Gegnern (und gleichzeitig Anhängern) des Dadaismus an – den Surrealisten. Er wurde regelmäßig von Depressionen geplagt, die er mit Kakodylat-Pillen behandeln musste (er amüsiert sich sehr über dieses Wort), die auch in seiner Kunst der Pariser Zeit tief verwurzelt waren. In dieser Zeit gibt Picabia seinen „mechanischen“ Stil auf, malt mehrere Jahre lang nicht in Öl und wendet sich hauptsächlich den Techniken der Collage und des surrealistischen Objekts zu. Es handelt sich um den „Strohhut“ (1921), das „Kakodylat-Gemälde“ (1922) und die „Frau mit Streichhölzern“ (1923). Eine der größten Leistungen von Francis Picabia in dieser Zeit ist merkwürdigerweise nicht die reine Malerei, sondern das Ballett und der Film „Relache“ („Pause“ oder „Das Spektakel fällt aus“), der zusammen mit dem brillanten Avantgarde-Komponisten Eric Satie und dem jungen Filmregisseur Rene Clair entstand…
Um 1927 beginnt Picabias Stil der „transparenten Bilder“ in seinem Werk, in dem er offen experimentiert und nach verschiedenen Möglichkeiten der Verzerrung der Perspektive sucht. Indem er mehrdimensionale Gesichter, Figuren und Objekte nebeneinander stellt, verwebt er sie in linearen räumlichen Überlagerungen und versucht so, den Effekt einer Täuschung des Blicks oder das Spiel stereoskopischer Flächenbewegungen zu erzielen. In diesen Gemälden können sich große transparente Silhouetten aus Linien über eine fein und detailliert gemalte Landschaft legen, wodurch ein besonderer „räumlicher Surrealismus“ entsteht, der bei keinem anderen surrealistischen Maler zu finden ist. Dieser Stil umfasst die Gemälde „Er und sein Schatten“ (1928), „Die Sphinx“ (1929) und „Medea“ (1929).Surrealistische Periode Francis Picabia beginnt allmählich zu verblassen und kommt zu „nein“ zu Beginn der 30-er Jahre. Doch damit ist seine stilistische Metamorphose noch nicht abgeschlossen.
Mitte der 1930er Jahre war Picabia von transparenten Bildern zu harten, brutalen Gemälden im Stil des Amateur-Pseudoklassizismus übergegangen. Picabia parodiert oder reproduziert die Art und Weise der Grafiker und geht zu einem fast schon kitschigen Stil über. Er malt Dutzende von Aktbildern, Allegorien, Porträts und sogar klassische biblische Szenen in einem bewusst kitschigen Look, der als Antikunst bezeichnet wird. Zu dieser Zeit war er besonders aktiv in der Auftragsarbeit. Francis Picabia war von seinem Charakter und seiner Lebensweise her schon immer ein ausgeprägter Jouyer und Genießer. Als Liebhaber des schönen Lebens und der in Reiseprospekten angepriesenen Vergnügungen (schöne Frauen, Rennwagen, Privatjachten, Villen an der Küste, sonnige Strände usw. …..) begann Picabia nach seinem „kritischen fünfzigsten Geburtstag“, direkt Geld zu verdienen und seinen prominenten Namen in „Bargeld“ zu verwandeln. In seinem letzten Lebensabschnitt wandte er sich der konventionellen, fast glamourösen Malerei zu, die dem unmittelbaren kommerziellen Gewinn diente, aber völlig ohne die Kraft und Originalität, die seinem Talent in jungen Jahren innewohnten.
Picabia überlebte die sechs Jahre des Krieges mit Deutschland in der neutralen Schweiz. Nach dem Ende der deutschen Besatzung kehrte er 1945 nach Paris zurück und stand in seinen letzten Lebensjahren in relativ engem Kontakt mit Existenzialisten. Sie waren es, die später seine poetischen Schriften und kunsttheoretischen Artikel aus den 1910er Jahren wiederentdeckten, die vorübergehend in Vergessenheit geraten waren. Nach dem Krieg lebte er im Haus seiner Eltern und arbeitete in der Werkstatt seines Großvaters Alphonse. Da er in große finanzielle Schwierigkeiten gerät, kann er keine neuen Leinwände erwerben und muss dasselbe Gemälde mehrmals übermalen.
Er starb am 30. November 1953 in Paris (82 rue des Petits-Champs) und ist auf dem Friedhof von Montmartre begraben.
Das dadaistische Ballett Relâche zur Musik von Éric Satie, das am 4. Dezember 1924 im Théâtre des Champs Élysées uraufgeführt wurde, kann vielleicht als Höhepunkt im Leben und Werk von Francis Picabia angesehen werden, da es fast alle seine kreativen Richtungen vereint. Hier erwies sich Picabia sowohl als Produktionsdesigner und Kostümbildner, als Schriftsteller, Autor des Ballettlibrettos und des Drehbuchs, als Schauspieler (der im Film zwei Rollen spielte), als hervorragender Organisator des Theaterproduktionsprozesses und als Anführer der Dadaisten und Surrealisten (und geschickter Intrigant), der die besten Kräfte für die Teilnahme an der Aufführung gewann und die meisten seiner Feinde rechtzeitig „entschärfte“. Im Mittelpunkt der neuen Inszenierung stand Erik Satie, ein exzentrischer und stets innovativer Komponist, der mit seinen 58 Jahren sicherlich jedem der jungen Künstler einen Vorsprung verschaffen könnte. Picabia und Satie, beide äußerst lebhafte Künstler mit komplexen Persönlichkeiten, konnten dennoch aktiv zusammenarbeiten und schufen ein Werk, das in der Geschichte des Balletts noch immer eine Ausnahme darstellt.
Wie vieles im Leben von Francis Picabia verlief auch seine Beziehung zu Erick Satie in einem ausgeprägten „Zickzack“-Verlauf. 1919, als Picabia noch in Zürich lebte und nicht in die Konflikte und Streitereien der Pariser Kunstbewegungen verwickelt war, fügte der Künstler den (falsch geschriebenen) Namen „Erick Satye“ in sein Gemälde mit dem Titel Die Dada-Bewegung ein, das die Zeitschrift von Tristan Tzara illustrieren sollte. Sechs Monate später, bereits in Paris, ist Picabia zusammen mit André Breton und seinen randalierenden Surrealisten in vollem Gange gegen die „Gruppe Jean Cocteau“. Eines seiner Dada-Gedichte von 1920 nennt er „Auric Satie à la noix de Cocteau“ (Auric Satie à la noix de Cocteau). Im Text seines Gedichts äußerte er sich sehr boshaft-ironisch über „Auric Satie, der beschloss, dass seine “Einrichtungsmusik“ ihm abends einen Platz in der High Society verschaffen könnte“ (Dada-Phone Magazine, 1919, Nr. 7).
Doch im Gegensatz zu jeglichem Starrsinn oder Dogmatismus zögerte Picabia nicht, seinen Kurs nach einigen Monaten zu ändern. Er schickte Satie einen Brief voller Sympathie und schrieb eine Widmung „Erik est Satierik“ auf die Titelseite einer seiner Zeitschriften. Sechs Monate später veröffentlicht Satie in Picabias Almanach 391 zwei leicht bissige Aphorismen, die in großen Buchstaben auf der Titelseite der Zeitschrift erscheinen. Anfang 1922, während eines weiteren „Krieges“ der Surrealisten von Breton gegen die Dadaisten von Tzara, finden sich Satie und Picabia jedoch erneut in gegnerischen Lagern wieder. Ein Jahr später nahm Satie die Zusammenarbeit mit der Künstlerin wieder auf, diesmal für ein neues Ballett, das noch nicht den Titel Relâche oder Das Spektakel ist abgesagt trägt.
Dieses Ballett war der Höhepunkt der Zusammenarbeit von Satie und Picabia. Diese Produktion wurde ursprünglich (im Herbst 1923) von Rolf de Marais, dem Direktor des Schwedischen Balletts in Paris, bei Eric Satie in Auftrag gegeben, nach einem Drehbuch des Dichters Blaise Sandrard und mit Bühnenbildern von Picabia. In seiner ursprünglichen Fassung trug das Ballett keinen solch provokanten Titel. Im Drehbuch von Sandrar hatte das Ballett einen viel bescheideneren Titel: After Dinner. Doch nur drei oder vier Monate später verdrängte Francis Picabia mit seiner gewohnten Leichtigkeit Sandrar (der zu einem ungünstigen Zeitpunkt nach Brasilien abgereist war) aus dem Projekt, schrieb das Drehbuch um (und fügte laut Satie „nur ein paar Zeilen hinzu“) und wurde selbst zum vollständigen Autor und gleichzeitig zum künstlerischen Leiter einer viel radikaleren dadaistischen Performance.
Auf die eine oder andere Weise wurde Ende April 1924 aus dem ehemaligen Ballett After Dinner mit einem Libretto von Blaise Sandrar schließlich Das Spektakel wird abgesagt. Picabia konzipierte eine provokative Aufführung, in der viele Künste – Theater, Ballett, Musik, Bildhauerei, Malerei und sogar Film – „zu einem einzigen Unsinn“ kombiniert werden sollten – Relâche umfasste zwei Filmprojektionen auf der Leinwand, eine zu Beginn der Aufführung (Prolog) und eine weitere in der Pause (Intermission). Der Film mit genau diesem Titel „Entrée“, in dem zahlreiche berühmte dadaistische und surrealistische Künstler, der Chefchoreograf des schwedischen Balletts sowie Eric Satie und Francis Picabia selbst zu sehen sind, wurde von dem damals angehenden Filmemacher René Clair inszeniert, machte seinen Autor berühmt und fand (unabhängig von der Aufführung „Relâche“) Eingang in den goldenen Fundus der Filmkunst des 20.
Francis Picabia schuf für seine Inszenierung auch ein völlig dadaistisches und futuristisches Bühnenbild, während er sich selbst aktiv in den Prozess des Balletts und der Komposition einbrachte, was seiner Absicht entsprach, ein von Grund auf von der Idee des Dada durchdrungenes Gesamtprodukt zu schaffen. Zum Beispiel wird ein Teil des Balletts in völliger Stille aufgeführt, und die Tänzer tanzen ohne jegliche Unterstützung durch die Musik. In anderen Momenten hingegen gibt es Musik ohne Choreographie. Erik Satie hat alle diese Grimassen des Autors bereitwillig unterstützt, zumal sie ganz im Einklang mit seinen frühen Ideen standen. Im regulären Theaterprogramm, das die Premiere von Relâche beim Schwedischen Ballett begleitete, waren die folgenden Worte von Picabia und Satie zu lesen:
„Wann werden sich die Menschen von der lästigen Gewohnheit befreien, alles erklären zu müssen? „Das Stück fällt aus“ ist ein ununterbrochenes Ballett mit dem Ziel, die größte Absurdität auf das Theater zu übertragen: „Leben, wie es mir gefällt, Leben ohne morgen, Leben nur jetzt, alles heute, alles für heute, nichts für gestern und nichts für morgen“. (Vorschau des schwedischen Balletts, Relâche, November 1924)
Pikabia, die im Leben sexuell sehr freizügig ist, provozierte Satie während der Entstehung von Relâche ständig zu allen möglichen „Sublimierungen“. Infolgedessen war das Ballett voll von „unanständigen“ Bewegungen und Szenen. Vor allem Satie, der solche Anspielungen sehr gut beherrschte, behauptete bei der Arbeit an der Partitur, er habe für Relâche eine „pornographische“ Musik komponiert. Offenbar ist ihm das gelungen, und zwar in der direktesten Form. Satie definierte die Gattung seines Werks als „obszönes Ballett“. Und die Reaktion auf seine Mätzchen war angemessen. Einer der tolerantesten aller Kritiker, Paul Judge, schrieb in seiner Rezension des Balletts etwas milder darüber:
„Monsieur Saties Musik besteht aus den müdesten und abgegriffensten populären Melodien, die mit relativ wenigen Änderungen reproduziert werden, nicht als Ballettmusik, sondern als reines Beispiel für die Anwendung klassischer Dancehall-Techniken.“
Satie selbst, der für sein Ballett die vulgärsten und obszönsten Pariser Lieder auswählte, drückte dies noch viel deutlicher aus: „Wenn man eine bekannte Melodie hört, sollten dem Publikum sofort die obszönsten Worte einfallen, die dazu gesungen werden“. In verschiedenen Nummern des Balletts („The Woman Comes Out“, „The Music“, „The Men Get Undressed“, „The Dance with the Wheelbarrow“) ist die Orchestrierung bewusst transparent und klar, und die vulgären Motive sind gerade so weit verzerrt, dass sie leicht erkennbar bleiben. „Die Konstruktion der Musik von Erik Satie“, schrieb Picabias zweite Frau Germaine Everling später, „umhüllte und klärte ständig die Gedanken des Künstlers.
Die Gesamtheit der Idee der Annullierung der Relâche wurde auch abseits der Bühne direkt verkörpert. Die Premiere des Balletts war für den 27. November 1924 vorgesehen. Doch zu einem Zeitpunkt, als sich bereits ein anspruchsvolles Publikum und die gesamte Pariser Bohème im Théâtre des Champs-Elysées versammelt hatten, wurde eine entscheidende „relâche“ angekündigt, und die Aufführung… wurde abgesagt. Der Grund für die Absage war das schlechte Wetter und die mangelnde Bereitschaft von Jean Bjorlen, „in seinem Zustand zu tanzen“. Das Publikum war über die Possen der Aufführung regelrecht empört. Viele behaupteten ernsthaft, dass die „Relâche“ nicht echt sei und es sich lediglich um einen betrügerischen Schwindel handele, um die Selbstdarstellung der beiden berühmten Wortspielliebhaber Satie und Picabia zu fördern. Die „Aufhebung“ erfolgte jedoch eine Woche später, am 4. Dezember 1924.
Die Einheit zwischen den beiden wichtigsten Ballettautoren war in der Tat beeindruckend. Satie, der sein ganzes Leben lang zu ständigen Konflikten und Ressentiments neigte, hatte während der Produktion von Relâche keine Reibereien mit Picabia. Vielleicht war dies ein Durchbruch für Picabia selbst, der in seinem Leben und Werk noch nie einen solchen Präzedenzfall erlebt hatte. Das Ballett Relâche ist das letzte Werk von Eric Satie. Er arbeitete an der Partitur, während er bereits unheilbar krank war, und nur zwei Monate nach der Uraufführung begab er sich schließlich in das Klosterkrankenhaus Saint-Jacques, aus dem er nie wieder auftauchte. Satie starb am 1. Juli 1925. Francis Picabia litt sehr unter seinem Tod und fiel für mehr als ein Jahr in eine weitere schwere Depression, von der er sich, wie der Rest seines Lebens und Werks zeigt, nie wieder erholte.
Während der Arbeit an dem Ballett Relâche zeichnete und skizzierte Picabia zahlreiche Porträts von Erik Satie „in seinem mechanischen Stil“ und veröffentlichte auch verschiedene Texte über den Komponisten, in denen er unter anderem behauptete, dass „unsere Nachkommen seine Musik wie einen Handschuh an sich ziehen werden“. Der zweiminütige filmische Prolog des Balletts, ein beredtes und naives Symbol ihrer Einheit, zeigt, wie Satie und Picabia persönlich die Kanone laden und sie auf das Publikum richten. Und im zweiten Teil des Films, Intermission, hat Picabia sogar seine eigenen Initialen zusammen mit den Initialen des Komponisten (FP – ES) in einem ausdrucksstarken Herz auf den Grabpfeil mit der Leiche des von ihm erschossenen Choreografen Jean Bjorlen gemalt. Dieser niedliche, typisch dadaistische Scherz erwies sich leider nicht als gutes Omen, zumindest nicht für Erik Satie. Nur sechs Monate später kam auch für ihn der Leichenwagen.
Quellen
