Jean-Baptiste Camille Corot

gigatos | Januar 16, 2022

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Zusammenfassung

Jean-Baptiste-Camille Corot (16. Juli 1796 – 22. Februar 1875) war ein französischer Landschafts- und Porträtmaler sowie Radierkünstler. Er ist eine Schlüsselfigur der Landschaftsmalerei, und sein umfangreiches Werk verweist gleichzeitig auf die neoklassische Tradition und nimmt die Pleinair-Innovationen des Impressionismus vorweg.

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Frühes Leben und Ausbildung

Jean-Baptiste-Camille Corot (kurz: Camille Corot) wurde am 16. Juli 1796 in Paris in einem Haus in der Rue du Bac 125 geboren, das heute abgerissen ist. Seine Familie stammte aus bürgerlichen Verhältnissen – sein Vater war Perückenmacher und seine Mutter Hutmacherin – und im Gegensatz zu einigen seiner Künstlerkollegen litt er zeitlebens nie unter Geldmangel, da seine Eltern gut investierten und ihre Geschäfte gut führten. Nachdem seine Eltern geheiratet hatten, kauften sie den Hutmacherladen, in dem seine Mutter gearbeitet hatte, und sein Vater gab seine Karriere als Perückenmacher auf, um das Geschäft zu führen. Das Geschäft war ein berühmtes Ziel für die Pariser Modewelt und brachte der Familie ein gutes Einkommen. Corot war das zweite von drei Kindern der Familie, die in jenen Jahren über dem Geschäft wohnte.

Corot erhält ein Stipendium für das Lycée Pierre-Corneille in Rouen, verlässt es aber nach schulischen Schwierigkeiten und geht auf ein Internat. Er „war kein brillanter Schüler, und während seiner gesamten Schullaufbahn erhielt er nicht eine einzige Nominierung für einen Preis, nicht einmal für die Zeichenklassen“. Im Gegensatz zu vielen Meistern, die schon früh Talent und Neigung zur Kunst zeigten, zeigte Corot vor 1815 kein solches Interesse. In diesen Jahren lebte er bei der Familie Sennegon, deren Patriarch mit Corots Vater befreundet war und der viel Zeit mit dem jungen Corot bei Spaziergängen in der Natur verbrachte. In dieser Gegend entstanden die ersten Gemälde Corots nach der Natur. Mit neunzehn Jahren war Corot ein „großes Kind, schüchtern und unbeholfen. Er errötete, wenn man ihn ansprach. Vor den schönen Damen, die den Salon seiner Mutter besuchten, schämte er sich und floh wie ein wildes Tier… Gefühlsmäßig war er ein anhänglicher und wohlerzogener Sohn, der seine Mutter anbetete und zitterte, wenn sein Vater sprach. Als Corots Eltern 1817 in ein neues Haus umzogen, bezog der 21-jährige Corot das Zimmer mit Dachgaube im dritten Stock, das auch sein erstes Atelier wurde.

Mit Hilfe seines Vaters ging Corot bei einem Tuchhändler in die Lehre, aber er hasste das kaufmännische Leben und verachtete das, was er als „Geschäftstricks“ bezeichnete. Dennoch blieb er diesem Beruf treu, bis er 26 Jahre alt war, als sein Vater ihm erlaubte, den Beruf des Künstlers zu ergreifen. Später sagte Corot: „Ich habe meinem Vater gesagt, dass das Geschäft und ich einfach nicht zusammenpassen und dass ich mich scheiden lassen werde.“ Die Geschäftserfahrung erwies sich jedoch als vorteilhaft, da er durch den Kontakt mit den Farben und Texturen der Stoffe einen ästhetischen Sinn entwickelte. Vielleicht aus Langeweile wandte er sich um 1821 der Ölmalerei zu und begann sofort mit Landschaften. Nach dem Tod seiner Schwester erhielt Corot ab 1822 ein jährliches Taschengeld von 1500 Francs, mit dem er seine neue Karriere, sein Atelier, seine Materialien und seine Reisen für den Rest seines Lebens finanzieren konnte. Er mietete sofort ein Atelier am Quai Voltaire.

In der Zeit, in der Corot die Mittel erwarb, um sich der Kunst zu widmen, befand sich die Landschaftsmalerei im Aufschwung und teilte sich im Allgemeinen in zwei Lager: die historisierende Landschaft der Neoklassizisten in Südeuropa, die idealisierte Ansichten realer und imaginärer Orte darstellte, die mit antiken, mythologischen und biblischen Figuren bevölkert waren, und die realistische Landschaft, die in Nordeuropa verbreiteter war und die sich weitgehend an die tatsächliche Topografie, Architektur und Flora anlehnte und oft Figuren von Bauern zeigte. Bei beiden Ansätzen begannen die Landschaftsmaler in der Regel mit Skizzen und Vorzeichnungen im Freien und vollendeten die Arbeiten in Innenräumen. Einen großen Einfluss auf die französischen Landschaftsmaler des frühen 19. Jahrhunderts hatten die Engländer John Constable und J. M. W. Turner, die den Trend zum Realismus und zur Abkehr vom Neoklassizismus verstärkten.

Zwischen 1821 und 1822 studierte Corot für kurze Zeit bei Achille Etna Michallon, einem gleichaltrigen Landschaftsmaler, der ein Protegé des Malers Jacques-Louis David und bereits ein angesehener Lehrer war. Michallon hatte einen großen Einfluss auf Corots Karriere. Zu Corots Zeichenunterricht gehörte das Abpausen von Lithografien, das Kopieren dreidimensionaler Formen und das Anfertigen von Landschaftsskizzen und -gemälden im Freien, insbesondere in den Wäldern von Fontainebleau, in den Hafenstädten der Normandie und in den Dörfern westlich von Paris wie Ville-d“Avray (wo seine Eltern ein Landhaus besaßen). Michallon machte ihn auch mit den Grundsätzen der französischen Neoklassik vertraut, wie sie in der berühmten Abhandlung des Theoretikers Pierre-Henri de Valenciennes vertreten und in den Werken der französischen Neoklassizisten Claude Lorrain und Nicolas Poussin veranschaulicht wurden, deren Hauptziel die Darstellung der idealen Schönheit in der Natur in Verbindung mit den Ereignissen der Antike war.

Obwohl diese Schule im Niedergang begriffen war, hatte sie im Salon, der bedeutendsten Kunstausstellung Frankreichs, die jedes Mal von Tausenden besucht wurde, immer noch die Oberhand. Corot sagte später: „Meine erste Landschaft habe ich nach der Natur gemalt… unter den Augen dieses Malers, dessen einziger Rat darin bestand, alles, was ich vor mir sah, mit größter Sorgfalt wiederzugeben. Die Lektion hat gewirkt; seither habe ich die Präzision immer hoch geschätzt.“ Nach Michallons frühem Tod 1822 studierte Corot bei Michallons Lehrer Jean-Victor Bertin, einem der bekanntesten neoklassizistischen Landschaftsmaler Frankreichs, der Corot Kopien von Lithografien botanischer Motive zeichnen ließ, um präzise organische Formen zu lernen. Obwohl Corot die Neoklassizisten sehr schätzte, beschränkte er seine Ausbildung nicht auf deren Tradition der Allegorie in der imaginären Natur. In seinen Notizbüchern finden sich präzise Darstellungen von Baumstämmen, Felsen und Pflanzen, die den Einfluss des nordischen Realismus erkennen lassen. Während seiner gesamten Laufbahn zeigte Corot eine Neigung, beide Traditionen in seinem Werk anzuwenden und manchmal auch zu kombinieren.

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Erste Reise nach Italien

Mit der Unterstützung seiner Eltern folgte Corot dem bewährten Muster französischer Maler, die nach Italien gingen, um die Meister der italienischen Renaissance zu studieren und die verfallenen Monumente der römischen Antike zu zeichnen. Eine Bedingung seiner Eltern vor der Abreise war, dass er ein Selbstporträt für sie malen sollte, sein erstes. Corots Aufenthalt in Italien von 1825 bis 1828 war sehr prägend und produktiv. In dieser Zeit schuf er über 200 Zeichnungen und 150 Gemälde. Er arbeitete und reiste mit mehreren jungen französischen Malern, die ebenfalls im Ausland studierten und gemeinsam malten und sich abends in den Cafés trafen, um sich gegenseitig zu kritisieren und zu tratschen. Corot lernte wenig von den Meistern der Renaissance (obwohl er später Leonardo da Vinci als seinen Lieblingsmaler nannte) und verbrachte die meiste Zeit in der Umgebung von Rom und auf dem italienischen Land. Die Farnesischen Gärten mit ihrem herrlichen Blick auf die antiken Ruinen waren ein häufiges Ziel, das er zu drei verschiedenen Tageszeiten malte. Die Ausbildung war besonders wertvoll, um die Herausforderungen der Mittel- und der Panoramaperspektive zu verstehen und um die von Menschenhand geschaffenen Strukturen wirkungsvoll in eine natürliche Umgebung einzufügen. Er lernte auch, wie man Gebäuden und Felsen mit dem richtigen Licht und Schatten die Wirkung von Volumen und Festigkeit verleiht und dabei eine glatte und dünne Technik anwendet. Darüber hinaus war es für eine gute Landschaftsmalerei unabdingbar, geeignete Figuren in einer profanen Umgebung zu platzieren, um einen menschlichen Kontext und Maßstab zu schaffen, was in allegorischen Landschaften noch wichtiger war. Zu diesem Zweck arbeitete Corot sowohl an Figurenstudien in einheimischer Kleidung als auch an Aktdarstellungen. Im Winter verbrachte er einige Zeit im Atelier, kehrte aber so schnell wie möglich nach draußen zurück, um zu arbeiten. Das intensive Licht Italiens stellte ihn vor große Herausforderungen: „Diese Sonne gibt ein Licht ab, das mich verzweifeln lässt. Es lässt mich die völlige Ohnmacht meiner Palette spüren.“ Er lernte, das Licht zu beherrschen und die Steine und den Himmel in subtilen und dramatischen Variationen zu malen.

Es waren nicht nur die italienische Architektur und das Licht, die Corots Aufmerksamkeit erregten. Der spätblühende Corot war auch von den italienischen Frauen begeistert: „Sie haben immer noch die schönsten Frauen der Welt, die ich kennengelernt habe….ihre Augen, ihre Schultern, ihre Hände sind spektakulär. Darin übertreffen sie unsere Frauen, aber andererseits sind sie ihnen nicht ebenbürtig, was Anmut und Liebenswürdigkeit angeht… Ich selbst bevorzuge als Maler die italienische Frau, aber wenn es um Emotionen geht, neige ich zu den Französinnen.“ Trotz seiner starken Anziehungskraft auf Frauen, schrieb er über sein Engagement für die Malerei: „Ich habe nur ein Ziel im Leben, das ich treu verfolgen will: Landschaften zu malen. Dieser feste Entschluss hält mich von einer ernsthaften Bindung ab. Das heißt, in der Ehe…aber meine unabhängige Natur und mein großes Bedürfnis nach ernsthaftem Studium lassen mich die Sache auf die leichte Schulter nehmen.“

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Streben nach dem Salon

In den sechs Jahren nach seinem ersten und zweiten Italienaufenthalt konzentrierte sich Corot auf die Vorbereitung großer Landschaften für die Präsentation im Salon. Mehrere seiner Gemälde für den Salon waren Adaptionen seiner italienischen Ölskizzen, die er im Atelier überarbeitete, indem er imaginäre, formale Elemente hinzufügte, die den neoklassischen Prinzipien entsprachen. Ein Beispiel dafür ist sein erster Beitrag für den Salon, View at Narni (1827), in dem er seine schnelle, natürliche Studie einer Ruine eines römischen Aquädukts in staubiger, heller Sonne in eine falsche, idyllische, pastorale Umgebung mit riesigen Schattenbäumen und grünem Rasen verwandelte, eine Umwandlung, die den neoklassischen Juroren gefallen sollte. Viele Kritiker schätzten seine italienischen Pleinair-Gemälde für ihren „Keim des Impressionismus“, ihre Treue zum natürlichen Licht und ihren Verzicht auf akademische Werte, obwohl sie als Studien gedacht waren. Einige Jahrzehnte später revolutionierte der Impressionismus die Kunst, indem er einen ähnlichen Ansatz verfolgte – schnelles, spontanes Malen unter freiem Himmel. Während die Impressionisten jedoch schnell aufgetragene, ungemischte Farben verwendeten, um Licht und Stimmung einzufangen, mischte Corot in der Regel seine Farben, um seine traumhaften Effekte zu erzielen.

Außerhalb des Ateliers reist Corot in Anlehnung an seine italienischen Methoden durch Frankreich und konzentriert sich auf ländliche Landschaften. Er kehrt an die Küste der Normandie und nach Rouen zurück, der Stadt, in der er als Jugendlicher lebte. Corot fertigt auch einige Porträts von Freunden und Verwandten an und erhält seine ersten Auftragsarbeiten. Das einfühlsame Porträt seiner Nichte Laure Sennegon in puderblauem Kleid war eines seiner erfolgreichsten und wurde später dem Louvre gestiftet. Von jedem Familienporträt malte er in der Regel zwei Kopien, eine für den Porträtierten und eine für die Familie, und auch von seinen Landschaften fertigte er häufig Kopien an.

Im Frühjahr 1829 begibt sich Corot nach Barbizon, um im Wald von Fontainebleau zu malen; 1822 hatte er zum ersten Mal im Wald von Chailly gemalt. Im Herbst 1830 und im Sommer 1831 kehrte er nach Barbizon zurück, wo er Zeichnungen und Ölstudien anfertigte, aus denen er ein für den Salon von 1830 bestimmtes Gemälde, seine Ansicht des Waldes von Fontainebleau (heute in der National Gallery in Washington) und, für den Salon von 1831, eine weitere Ansicht des Waldes von Fontainebleau schuf. Dort lernt er die Mitglieder der Schule von Barbizon kennen: Théodore Rousseau, Paul Huet, Constant Troyon, Jean-François Millet und den jungen Charles-François Daubigny. Corot stellt 1831 und 1833 ein Porträt und mehrere Landschaften auf dem Salon aus. Die Kritiker des Salons nehmen ihn kühl auf und Corot beschließt, nach Italien zurückzukehren, da er sie mit seinen neoklassizistischen Themen nicht zufriedenstellen kann.

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Mittlere Laufbahn

Auf seinen beiden Rückreisen nach Italien besuchte er Norditalien, Venedig und erneut die römische Landschaft. 1835 erregte Corot im Salon mit seinem biblischen Gemälde Agar dans le desert (Hagar in der Wüste) Aufsehen. Es zeigt Hagar, die Magd Sarahs, und das Kind Ismael, die in der Wüste verdursten, bis sie von einem Engel gerettet werden. Der Hintergrund wurde wahrscheinlich von einer italienischen Studie abgeleitet. Diesmal hatte Corot mit seiner unerwarteten kühnen und frischen Darstellung des klassizistischen Ideals Erfolg bei den Kritikern, da er „die Harmonie zwischen der Umgebung und der Leidenschaft oder dem Leiden, das der Maler darin darstellen will“, demonstrierte. Es folgten weitere biblische und mythologische Sujets, aber diese Gemälde waren nicht so erfolgreich, da die Kritiker des Salons den Vergleich mit Poussin vermissten. Im Jahr 1837 malte er seinen ersten erhaltenen Akt, die Nymphe an der Seine. Später riet er seinen Schülern: „Das Studium des Aktes ist die beste Lektion, die ein Landschaftsmaler erhalten kann. Wenn jemand weiß, wie er ohne Tricks eine Figur hinunterbekommt, kann er eine Landschaft malen; andernfalls kann er es nie tun.“

In den 1840er Jahren hatte Corot weiterhin Probleme mit den Kritikern (viele seiner Werke wurden für den Salon abgelehnt), und auch das Publikum kaufte nur wenige seiner Werke. Die Anerkennung und Akzeptanz durch das Establishment kam nur langsam, aber 1845 erklärte Baudelaire Corot zum Anführer der „modernen Schule der Landschaftsmalerei“. Während einige Kritiker Corots Farben als „blass“ und sein Werk als „naive Unbeholfenheit“ bezeichneten, antwortete Baudelaire scharfsinnig: „M. Corot ist eher ein Harmonist als ein Kolorist, und seine Kompositionen, die immer völlig frei von Pedanterie sind, verführen gerade durch ihre Einfachheit der Farben.“ 1846 zeichnete ihn die französische Regierung mit dem Kreuz der Ehrenlegion aus und 1848 erhielt er auf dem Salon eine Medaille zweiter Klasse, aber er erhielt kaum staatliche Unterstützung. Sein einziges Auftragswerk ist ein religiöses Gemälde für eine Taufkapelle, das er 1847 in der Art der Renaissance-Meister malt. Obwohl sich das Establishment weiterhin zurückhält, erkennen andere Maler die wachsende Bedeutung Corots an. 1847 notiert Delacroix in seinem Tagebuch: „Corot ist ein wahrer Künstler. Man muss einen Maler an seinem Platz sehen, um eine Vorstellung von seinem Wert zu bekommen… Corot vertieft sich in ein Thema: Ideen kommen ihm und er fügt sie während der Arbeit hinzu; das ist der richtige Ansatz.“ Auf Empfehlung von Delacroix kaufte der Maler Constant Dutilleux ein Corot-Gemälde und begann eine lange und fruchtbare Beziehung zu dem Künstler, die ihm Freundschaft und Gönner einbrachte. Corots Ansehen in der Öffentlichkeit verbesserte sich nach der Revolution von 1848 dramatisch, als er als Mitglied der Jury des Salons zugelassen wurde. Im Jahr 1867 wurde er zum Offizier des Salons befördert.

Da Corot auf langfristige Beziehungen zu Frauen verzichtet, bleibt er seinen Eltern auch in seinen Fünfzigern sehr nahe. Ein Zeitgenosse sagte über ihn: „Corot ist ein prinzipientreuer, unbewusst christlicher Mann, der seine ganze Freiheit seiner Mutter überlässt… er muss sie immer wieder anflehen, um die Erlaubnis zu bekommen, auszugehen… jeden zweiten Freitag zum Abendessen.“ Abgesehen von seinen häufigen Reisen blieb Corot bis zum Tod seiner Eltern eng an seine Familie gebunden, bis er endlich die Freiheit erlangte, nach Belieben zu gehen. Diese Freiheit erlaubte es ihm, Schüler für informelle Sitzungen aufzunehmen, darunter den jüdischen Künstler Édouard Brandon und den späteren Impressionisten Camille Pissarro, der kurzzeitig zu ihnen gehörte. Corots Tatkraft und seine scharfsinnigen Ratschläge beeindruckten seine Schüler. Charles Daubigny sagte: „Er ist ein perfekter alter Mann, dieser Vater Corot. Er ist insgesamt ein wunderbarer Mann, der seine sehr guten Ratschläge mit Witzen vermischt.“ Ein anderer Schüler sagte über Corot: „Die Zeitungen hatten Corot so entstellt, indem sie ihm Theokrit und Vergil in die Hand drückten, dass ich ganz überrascht war, dass er weder Griechisch noch Latein kann… Sein Empfang ist sehr offen, sehr frei, sehr amüsant: er spricht oder hört einem zu, während er auf einem oder zwei Füßen hüpft; er singt Opernfetzen mit einer sehr wahren Stimme“, aber er hat eine „schlaue, bissige Seite, die sorgfältig hinter seiner guten Natur verborgen ist.“

Mitte der 1850er Jahre erhält Corots zunehmend impressionistischer Stil die Anerkennung, die ihm seinen Platz in der französischen Kunst sichert. „M. Corot zeichnet sich … durch die Wiedergabe der Vegetation in ihren frischen Anfängen aus; er gibt die Erstlinge der neuen Welt auf wunderbare Weise wieder. Ab den 1850er Jahren malte Corot viele Landschaftssouvenirs und Paysages, verträumte, imaginäre Gemälde von erinnerten Orten früherer Besuche, die er mit leicht und locker getupften Strichen malte.

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Spätere Jahre

In den 1860er Jahren mischte Corot immer noch bäuerliche Figuren mit mythologischen, vermischte Neoklassizismus mit Realismus, was einen Kritiker dazu veranlasste, zu beklagen: „Wenn M. Corot ein für alle Mal die Nymphen seiner Wälder töten und sie durch Bauern ersetzen würde, würde ich ihn über alle Maßen mögen.“ In der Tat nahmen in seinem späteren Leben die menschlichen Figuren zu und die Nymphen ab, aber selbst die menschlichen Figuren waren oft in idyllische Träume eingebettet.

In seinem späteren Leben war Corots Atelier voll von Schülern, Modellen, Freunden, Sammlern und Händlern, die unter dem toleranten Blick des Meisters ein- und ausgingen, was ihn zu der Bemerkung veranlasste: „Wie kommt es, dass zehn von euch um mich herum sind und keiner von euch daran denkt, meine Pfeife wieder anzuzünden? Die Händler stürzten sich auf seine Werke und seine Preise lagen oft über 4.000 Francs pro Bild. Mit seinem Erfolg im Rücken gab Corot großzügig sein Geld und seine Zeit. Er wurde zu einem älteren Mitglied der Künstlergemeinschaft und nutzte seinen Einfluss, um Aufträge für andere Künstler zu erhalten. Im Jahr 1871 spendete er 2000 Pfund für die Armen von Paris, das von den Preußen belagert wurde. (siehe: Deutsch-Französischer Krieg) Während der eigentlichen Pariser Kommune war er zusammen mit Alfred Robaut in Arras. 1872 kaufte er ein Haus in Auvers als Geschenk für Honoré Daumier, der zu diesem Zeitpunkt blind, mittellos und obdachlos war. Im Jahr 1875 schenkte er der Witwe von Millet 10.000 Francs für den Unterhalt ihrer Kinder. Seine Wohltätigkeit war fast sprichwörtlich. Außerdem unterstützte er finanziell den Unterhalt einer Kindertagesstätte in der Rue Vandrezanne in Paris. In seinem späteren Leben blieb er ein bescheidener und bescheidener Mann, unpolitisch und glücklich mit seinem Glück im Leben, und hielt an der Überzeugung fest, dass „die Menschen sich nicht mit Stolz aufplustern sollten, ob sie nun Kaiser sind, die ihrem Reich diese oder jene Provinz hinzufügen, oder Maler, die sich einen Ruf erwerben.“

Trotz des großen Erfolges und der Wertschätzung durch Künstler, Sammler und großzügige Kritiker sahen ihn seine zahlreichen Freunde als offiziell vernachlässigt an und überreichten ihm 1874, kurz vor seinem Tod, eine Goldmedaille. Er starb im Alter von 78 Jahren in Paris an einem Magenleiden und wurde auf dem Friedhof Père Lachaise beigesetzt.

Eine Reihe von Nachfolgern bezeichnete sich als Corots Schüler. Die bekanntesten sind Camille Pissarro, Eugène Boudin, Berthe Morisot, Stanislas Lépine, Antoine Chintreuil, François-Louis Français, Charles Le Roux und Alexandre Defaux.

Corot ist eine Schlüsselfigur der Landschaftsmalerei. Sein Werk verweist gleichzeitig auf die neoklassizistische Tradition und nimmt die Pleinair-Innovationen des Impressionismus vorweg. Claude Monet rief 1897 über ihn aus: „Es gibt hier nur einen Meister – Corot. Wir sind nichts im Vergleich zu ihm, nichts“. Seine Beiträge zur Figurenmalerei sind kaum weniger bedeutend; Degas zog seine Figuren seinen Landschaften vor, und die klassischen Figuren Picassos sind eine unverhohlene Hommage an Corots Einfluss.

Die Historiker haben sein Werk in verschiedene Perioden eingeteilt, aber die Trennungspunkte sind oft vage, da er ein Bild oft erst Jahre nach seinem Beginn vollendete. In seiner frühen Periode malte er traditionell und „straff“ – mit minutiöser Genauigkeit, klaren Umrissen, dünner Pinselführung und mit absoluter Definition der Objekte durchgehend, mit einer monochromen Untermalung oder Ebauche. Nach seinem 50. Lebensjahr änderte sich seine Arbeitsweise hin zu einem breiteren Ton und einer Annäherung an die poetische Kraft, die durch einen dickeren Farbauftrag vermittelt wird, und etwa 20 Jahre später, ab 1865, wurde seine Malweise lyrischer, mit einem impressionistischeren Touch. Teilweise kann diese Entwicklung des Ausdrucks als Übergang von den Pleinairbildern seiner Jugend, die von warmem natürlichem Licht durchdrungen sind, zu den im Atelier gemalten Landschaften seiner späten Reife, die in gleichmäßige Silbertöne gehüllt sind, gesehen werden. In seinen letzten zehn Lebensjahren wurde er in den Pariser Künstlerkreisen zum „Père (Vater) Corot“, wo er mit persönlicher Zuneigung betrachtet und als einer der fünf oder sechs größten Landschaftsmaler anerkannt wurde, die die Welt gesehen hatte, zusammen mit Meindert Hobbema, Claude Lorrain, J.M.W. Turner und John Constable. In seinem langen und produktiven Leben malte er über 3.000 Gemälde.

Obwohl er oft als Vorläufer des Impressionismus angesehen wird, ging Corot bei seinen Landschaften traditioneller vor, als man gemeinhin annimmt. Im Vergleich zu den späteren Impressionisten ist Corots Farbpalette zurückhaltend und wird von Braun- und Schwarztönen („verbotene Farben“ unter den Impressionisten) sowie von dunklem und silbrigem Grün dominiert. Obwohl er manchmal schnell und spontan zu sein scheint, sind seine Pinselstriche in der Regel kontrolliert und sorgfältig, und seine Kompositionen sind gut durchdacht und werden im Allgemeinen so einfach und prägnant wie möglich wiedergegeben, was die poetische Wirkung der Bilder noch verstärkt. Er sagte: „Ich bemerkte, dass alles, was beim ersten Versuch richtig gemacht wurde, wahrhaftiger und die Formen schöner waren.

Corots Herangehensweise an seine Themen war ähnlich traditionell. Obwohl er ein großer Verfechter von Pleinair-Studien war, war er im Wesentlichen ein Ateliermaler und nur wenige seiner fertigen Landschaften wurden vor dem Motiv fertiggestellt. Die meiste Zeit seines Lebens verbrachte Corot seine Sommer damit, zu reisen und Studien und Skizzen zu sammeln, während er die Winter damit verbrachte, ausgefeiltere, marktreife Werke fertigzustellen. So bezieht sich beispielsweise der Titel seiner Badenden der Borromäischen Inseln (1865-70) auf den Lago Maggiore in Italien, obwohl Corot seit 20 Jahren nicht mehr in Italien gewesen war. Seine Betonung von Bildern, die eher aus der Fantasie und der Erinnerung als aus der direkten Beobachtung stammen, entspricht dem Geschmack der Juroren des Salons, dem er angehörte.

In den 1860er Jahren interessierte sich Corot für die Fotografie, fotografierte selbst und lernte viele frühe Fotografen kennen, was zur Folge hatte, dass er seine malerische Palette noch stärker auf die monochromen Töne der Fotografie reduzierte. Dies hatte zur Folge, dass seine Bilder noch weniger dramatisch, dafür aber etwas poetischer wurden, was einige Kritiker dazu veranlasste, eine Monotonie in seinem späteren Werk festzustellen. Théophile Thoré schrieb, dass Corot „nur eine einzige Oktave hat, extrem begrenzt und in einer Molltonart; ein Musiker würde sagen. Er kennt kaum mehr als eine einzige Tageszeit, den Morgen, und eine einzige Farbe, blasses Grau“. Corot antwortete:

Was es in der Malerei zu sehen gibt, oder besser gesagt, was ich suche, ist die Form, das Ganze, der Wert der Töne… Deshalb kommt für mich die Farbe erst danach, denn ich liebe mehr als alles andere die Gesamtwirkung, die Harmonie der Töne, während die Farbe eine Art Schock auslöst, den ich nicht mag. Vielleicht ist es das Übermaß dieses Prinzips, das die Leute sagen lässt, ich hätte bleierne Töne.

Mit seiner Abneigung gegen schockierende Farben unterscheidet sich Corot deutlich von den aufstrebenden Impressionisten, die mit leuchtenden Farben experimentieren wollten.

Neben seinen Landschaften (der späte Stil war so populär, dass es zahlreiche Fälschungen gibt) schuf Corot auch eine Reihe von wertvollen Figurenbildern. Auch wenn die Dargestellten manchmal in einer pastoralen Umgebung zu sehen sind, handelt es sich doch meist um Atelierbilder, die er nach dem lebenden Modell mit großer Genauigkeit und Subtilität zeichnet. Wie seine Landschaften zeichnen sie sich durch eine kontemplative Lyrik aus, wofür seine späten Gemälde L“Algérienne (Algerische Frau) und La Jeune Grecque (Das griechische Mädchen) schöne Beispiele sind. Corot malte etwa fünfzig Porträts, hauptsächlich von Familienmitgliedern und Freunden. Er malte auch dreizehn liegende Akte, wobei sein Les Repos (1860) in der Pose Ingres“ berühmter Le Grande Odalisque (1814) verblüffend ähnlich ist, aber Corots Frau ist stattdessen eine ländliche Bacchantin. In seinem vielleicht letzten Figurenbild, der Dame in Blau (1874), erzielt Corot eine Wirkung, die an Degas erinnert, weich und doch ausdrucksstark. In allen Fällen seiner Figurenmalerei ist die Farbe zurückhaltend und zeichnet sich durch ihre Kraft und Reinheit aus. Corot schuf auch zahlreiche Radierungen und Bleistiftskizzen. Einige der Skizzen verwenden ein System von visuellen Symbolen – Kreise, die Lichtbereiche darstellen, und Quadrate, die für Schatten stehen. Er experimentierte auch mit dem Cliché-Verre-Verfahren, einer Mischung aus Fotografie und Gravur. Ab den 1830er Jahren bemalte Corot mit Hilfe seiner Schüler auch dekorative Tafeln und Wände in den Häusern von Freunden.

Corot fasste seine Einstellung zur Kunst um 1860 zusammen: „Ich interpretiere mit meiner Kunst genauso viel wie mit meinem Auge“.

Die Werke von Corot befinden sich in Museen in Frankreich und den Niederlanden, in Großbritannien, Nordamerika und Russland.

Der starke Markt für Corots Werke und sein relativ leicht zu imitierender Stil der Spätmalerei führten zwischen 1870 und 1939 zu einer riesigen Produktion von Corot-Fälschungen. René Huyghe witzelte, dass „Corot dreitausend Gemälde gemalt hat, von denen zehntausend in Amerika verkauft wurden“. Auch wenn dies eine humorvolle Übertreibung ist, so haben sich doch Tausende von Fälschungen angesammelt, wobei allein die Sammlung Jousseaume 2.414 solcher Werke enthält. Verschlimmert wurde das Problem durch Corots laxe Haltung, die das Kopieren und Fälschen förderte. Er gestattete seinen Studenten, seine Werke zu kopieren und sie sogar für eine spätere Rückgabe auszuleihen, er korrigierte und signierte Kopien von Studenten und Sammlern und er verlieh Werke an professionelle Kopierer und Verleihfirmen. Der Corot-Katalogist Etienne Moreau-Nélaton berichtet, dass in einem Kopieratelier „der selbstgefällige Pinsel des Meisters diese Repliken mit einigen persönlichen und entscheidenden Retuschen beglaubigte. Als er nicht mehr da war, um seine „Doppelgänger“ zu vollenden, wurden sie ohne ihn weiter produziert“. Die Katalogisierung von Corots Werken in dem Versuch, die Kopien von den Originalen zu trennen, ging nach hinten los, als Fälscher die Veröffentlichungen als Leitfaden zur Erweiterung und Verfeinerung ihrer gefälschten Gemälde nutzten.

Zwei Werke von Corot spielen eine wichtige Rolle in der Handlung des französischen Films L“Heure d“été (englischer Titel Summer Hour) von 2008. Der Film wurde vom Musée d“Orsay produziert, und die beiden Werke wurden vom Museum für die Produktion des Films ausgeliehen.

Auf der Île des Sœurs in Quebec gibt es eine Straße namens Rue Corot, die nach dem Künstler benannt ist.

In Arthur Conan Doyles Roman Das Zeichen der Vier aus dem Jahr 1890 hat Thaddeus Sholto ein unbekanntes Werk von Corot ausgestellt.

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Referenzen

Quellen