Jeff Koons
gigatos | Januar 1, 2022
Zusammenfassung
Jeffrey Lynn Koons (geboren am 21. Januar 1955) ist ein amerikanischer Künstler, der für seine Arbeiten zur Populärkultur und seine Skulpturen bekannt ist, die alltägliche Gegenstände darstellen, darunter Ballontiere aus Edelstahl mit hochglanzpolierten Oberflächen. Er lebt und arbeitet sowohl in New York City als auch in seiner Heimatstadt York, Pennsylvania. Seine Werke wurden für beträchtliche Summen verkauft, darunter mindestens zwei Auktionsrekorde für ein Werk eines lebenden Künstlers: 58,4 Millionen US-Dollar für Balloon Dog (Orange) im Jahr 2013 und 91,1 Millionen US-Dollar für Rabbit im Jahr 2019.
Die Kritiker sind in ihrer Meinung über Koons sehr gespalten. Einige betrachten sein Werk als bahnbrechend und von großer kunsthistorischer Bedeutung. Andere tun sein Werk als kitschig, krass und auf zynischer Selbstvermarktung beruhend ab. Koons hat erklärt, dass es keine versteckten Bedeutungen und Kritiken in seinen Werken gibt.
Koons wurde in York, Pennsylvania, als Sohn von Henry und Gloria Koons geboren. Sein Vater war ein Möbelhändler und Innenarchitekt. Seine Mutter war eine Näherin. Als er neun Jahre alt war, stellte sein Vater Gemälde alter Meister, die Koons kopierte und signierte, in das Schaufenster seines Geschäfts, um Besucher anzulocken. Als Kind ging er nach der Schule von Tür zu Tür und verkaufte Geschenkpapier und Süßigkeiten, um sich ein Taschengeld zu verdienen. Als Teenager verehrte er Salvador Dalí so sehr, dass er ihn im St. Regis Hotel in New York City besuchte.
Koons studierte Malerei am Maryland Institute College of Art in Baltimore und an der School of the Art Institute of Chicago. Während seines Studiums am Art Institute lernte Koons den Künstler Ed Paschke kennen, der einen großen Einfluss auf ihn ausübte und für den Koons in den späten 1970er Jahren als Studioassistent arbeitete. Er lebte in Lakeview und später im Stadtteil Pilsen an der Halsted Street und der 19th Street.
Nach dem College zog Koons 1977 nach New York und arbeitete in der Mitgliederverwaltung des Museum of Modern Art, während er sich als Künstler etablierte. In dieser Zeit färbte er sich die Haare rot und trug oft einen Bleistiftschnurrbart nach Salvador Dalí. 1980 erhielt er eine Lizenz für den Verkauf von Investmentfonds und Aktien und begann als Rohstoffmakler an der Wall Street bei First Investors Corporation zu arbeiten. Nach einem Sommer bei seinen Eltern in Sarasota, Florida, wo er kurzzeitig als politischer Werber arbeitete, kehrte Koons nach New York zurück und fand eine neue Karriere als Rohstoffmakler, zunächst bei Clayton Brokerage Company und dann bei Smith Barney.
Jeff Koons wurde Mitte der 1980er Jahre als Teil einer Generation von Künstlern bekannt, die die Bedeutung der Kunst in einer mediengesättigten Ära erforschten. In den 1980er Jahren erlangte er Anerkennung und richtete sich in einem Loft in SoHo an der Ecke Houston Street und Broadway in New York ein fabrikähnliches Studio ein. Dort arbeiteten über 30 Assistenten, von denen jeder für einen anderen Aspekt der Produktion seiner Werke zuständig war – ähnlich wie in Andy Warhols Factory. Koons Arbeiten werden mit einer Methode hergestellt, die als Art Fabrication bekannt ist. Bis 2019 hatte Koons eine 1.500 m2 große Atelierfabrik in der Nähe der alten Hudson Rail Yards in Chelsea und beschäftigte 90 bis 120 Mitarbeiter. Koons verwendete ein System, bei dem die Farben nach Nummern sortiert wurden, so dass jeder seiner Assistenten seine Leinwände und Skulpturen so ausführen konnte, als wären sie „von einer einzigen Hand“ gemacht worden.
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Frühe Werke und aufblasbare Objekte
Zwischen 1977 und 1979 schuf Koons vier separate Kunstwerke, die er später als Early Works bezeichnete. Ab 1978 arbeitete er an seiner Serie Inflatables, die aus aufblasbaren Blumen und einem Kaninchen in verschiedenen Größen und Farben besteht, die zusammen mit Spiegeln aufgestellt sind.
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Die Serien Pre-New, The New und Equilibrium
Seit 1979 produziert Koons Arbeiten innerhalb von Serien. Seine frühen Arbeiten sind konzeptionelle Skulpturen, wie z. B. The Pre-New, eine Serie von Haushaltsgegenständen, die an Beleuchtungskörpern befestigt sind, was zu seltsamen neuen Konfigurationen führt. Ein weiteres Beispiel ist The New, eine Serie von Staubsaugern, die er in beleuchtete Plexiglasboxen montieren ließ, wobei er oft Markennamen wählte, die den Künstler ansprachen, wie z. B. den legendären Hoover. Koons stellte diese Stücke erstmals 1980 im Schaufenster des New Museum in New York aus. Er wählte eine begrenzte Anzahl von Staubsaugern aus und ordnete sie in entsprechenden Schränken an, wobei er die Vertikalität der aufrecht stehenden Staubsauger den gedrungenen Zylindern der „Shelton WetDry drum“-Reiniger gegenüberstellte. Im Museum waren die Geräte wie in einem Ausstellungsraum ausgestellt und um einen zentralen roten Leuchtkasten herum angeordnet, auf dem lediglich der Schriftzug „The New“ zu lesen war, als würde er ein neues Konzept oder eine neue Marke ankündigen.
Ein weiteres Beispiel für das Frühwerk von Koons ist die Serie The Equilibrium (1983), die aus ein bis drei in destilliertem Wasser schwimmenden Basketbällen besteht, ein Projekt, das der Künstler mit Hilfe des Physik-Nobelpreisträgers Richard Feynman erforscht hatte. Die Total Equilibrium Tanks sind vollständig mit destilliertem Wasser und einer kleinen Menge gewöhnlichen Salzes gefüllt, damit die Hohlkugeln in der Mitte der Flüssigkeit in der Schwebe bleiben. Bei einer zweiten Version, den 5050 Tanks, ist nur die Hälfte des Tanks mit destilliertem Wasser gefüllt, so dass die Kugeln halb im und halb außerhalb des Wassers schwimmen. Darüber hinaus konzipierte und fertigte Koons fünf Unikate für die Serie Encased (1983-199398), Skulpturen, die aus gestapelten Sportbällen (vier Reihen mit je sechs Basketbällen und eine Reihe mit sechs Fußbällen) mit ihrer Originalverpackung aus Karton in einer Glasvitrine bestehen. Zur Serie Equilibrium gehören auch Plakate mit Basketballstars aus der Nike-Werbung und 10 Bronzeobjekte, die Lebensrettungsgeräte darstellen.
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Statuarische Serie
In den 1970er Jahren begann Koons, Skulpturen aus aufblasbarem Spielzeug zu schaffen. Er nahm ein fertiges aufblasbares Kaninchen und goss es in hochglanzpolierten Edelstahl. Das Ergebnis ist Rabbit (1986), eines seiner berühmtesten Kunstwerke. Ursprünglich Teil der Privatsammlung von Ileana Sonnabend, befindet sich Rabbit heute im Besitz des Museum of Contemporary Art, Chicago. Eine Kopie der Skulptur befindet sich im Besitz von Eli Broad.
Seitdem hat das Kaninchen wieder seine ursprüngliche, weiche Form angenommen und ist mit einer Höhe von über 50 Fuß um ein Vielfaches größer und in die Luft gegangen. Am 13. Oktober 2009 wurde das riesige metallische, monochrome Kaninchen, das während der Macy“s Thanksgiving Day Parade 2007 verwendet wurde, im Rahmen der Nuit Blanche im Eaton Centre in Toronto ausgestellt. In den anderen Objekten der Serie kombiniert Koons Gegenstände, die er in Souvenirläden gefunden hat, mit barocken Motiven und spielt so mit der Unterscheidung zwischen niedriger und hoher Kunst.
Am 15. Mai 2019 stellte Koons mit dem Verkauf von „Rabbit“ den Rekord für das teuerste verkaufte Werk eines lebenden Künstlers auf. „Rabbit“ wurde im Auktionshaus Christie“s für 80 Millionen US-Dollar verkauft, was – einschließlich der Auktionsgebühren – zu einem Endpreis von 91.075.000 US-Dollar führte.
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Reihe Luxus und Degradierung und Kiepenkerl
Die Serie Luxury and Degradation, die erstmals 1986 in Koons“ gleichnamigen Ausstellungen in der kurzlebigen International With Monument Gallery, New York, und in der Daniel Weinberg Gallery, Los Angeles, gezeigt wurde, ist eine Gruppe von Werken, die sich thematisch um Alkohol drehen. Zu dieser Gruppe gehörten ein Reisecocktailschrank aus Edelstahl, eine Kristallkaraffe von Baccarat und andere handgefertigte Darstellungen alkoholbezogener Utensilien sowie nachgedruckte und gerahmte Anzeigen für Getränke wie Gordon“s Gin („I Could Go for Something Gordon“s“), Hennessy („Hennessy, The Civilized Way to Lay Down the Law“), Bacardi („Aquí. … el gran sabor del ron Bacardi“), Dewars („The Empire State of Scotch“), Martell („I Assume You Drink Martell“) und Frangelico („Stay in Tonight“ und „Find a Quiet Table“) in verführerisch intensivierten Farben auf Leinwand. Koons machte sich diese Werbungen zu eigen und wertete sie auf, indem er sie zu Kunstwerken rekontextualisierte. Sie „liefern eine Kritik an der traditionellen Werbung, die Baudrillards zynische Sicht auf die obszöne Promiskuität der Konsumzeichen unterstützt“. Ein weiteres Werk, Jim Beam – J.B. Turner Engine (1986), basiert auf einer von Jim Beam entworfenen Gedenkflasche in Form einer Lokomotive, die Koons sich jedoch aneignete und in glänzendem Edelstahl gießen ließ. Das in Stahl gegossene Zugmodell mit dem Titel Jim Beam – Baggage Car (1986) enthält sogar Jim Beam Bourbon. Mit der Serie Luxury and Degradation griff Koons in die Sphäre des Sozialen ein. Er schuf eine künstliche und glänzende Oberfläche, die einen proletarischen Luxus darstellte. Er wurde als Verführung durch Simulation interpretiert, da es sich um gefälschten Luxus handelte. Als Produzent dieser Täuschung erlangte er eine Art Führungsrolle, wie er selbst kommentierte.
Für die Kiepenkerl-Statue wurde das gleiche Material aus Edelstahl verwendet. Nachdem sie in den 1950er Jahren wieder aufgebaut worden war, wurde die Figur des fahrenden Händlers 1987 anlässlich der zehnjährigen Ausstellung Skulptur Projekte von Jeff Koons ersetzt. Auf einem zentralen Platz in Münster stehend, behielt die Statue eine gewisse kulturelle Kraft als nostalgisches Symbol der Vergangenheit. Während des Produktionsprozesses wollte die Gießerei, in der das Werk hergestellt wurde, die Keramikschale zu früh abschlagen, was dazu führte, dass das Werk verbogen und verformt wurde. Koons beschloss, einen Spezialisten hinzuzuziehen und das Werk einer „radikalen plastischen Operation“ zu unterziehen. Nach dieser Erfahrung fühlte er sich befreit: „Ich war nun frei, mit Objekten zu arbeiten, die nicht unbedingt schon existierten. Ich konnte Modelle schaffen.“
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Serie Banalität
Anschließend ging Koons zur Serie Banality über. Für dieses Projekt beauftragte er Werkstätten in Deutschland und Italien, die eine lange Tradition in der Bearbeitung von Keramik, Porzellan und Holz hatten. Die Serie gipfelte 1988 in Michael Jackson und Bubbles, einer Serie von drei lebensgroßen, mit Blattgold überzogenen Porzellanfiguren des sitzenden Sängers, der mit Bubbles, seinem Schimpansen, kuschelt. Drei Jahre später wurde eine dieser Skulpturen bei Sotheby“s New York für 5,6 Millionen US-Dollar verkauft. Zwei dieser Skulpturen befinden sich heute im San Francisco Museum of Modern Art und im Broad Contemporary Art Museum (BCAM) in der Innenstadt von Los Angeles. Die Statue war 2004 Teil einer Retrospektive im Astrup Fearnley Museum of Modern Art in Oslo, die ein Jahr später an das Helsinki City Art Museum weitergereicht wurde. Sie war auch in seiner zweiten Retrospektive im Museum of Contemporary Art in Chicago im Jahr 2008 zu sehen. Derzeit befindet sich die Statue wieder im neu eröffneten Astrup Fearnley Museum of Modern Art auf dem Tjuvholmen in Oslo. In jüngster Zeit wurde sein Werk Christus und das Lamm (1988) als Anerkennung und Kritik an der spirituellen und meditativen Kraft des Rokoko analysiert.
In Erwartung einer nicht gerade großzügigen Reaktion der Kritiker auf seine Ausstellung der Banality-Serie von 1988, bei der alle seine neuen Objekte in einer Auflage von drei Exemplaren hergestellt wurden, was gleichzeitige, identische Ausstellungen in Galerien in New York, Köln und Chicago ermöglichte, entwickelte Koons die Serie Art Magazine Ads (1988-89). Die Anzeigen, die in Artforum, Art in America, Flash Art und Art News erschienen, waren als Werbung für seine eigenen Galerieausstellungen gedacht. Koons gab auch Signature Plate heraus, eine Ausgabe für die Zeitschrift Parkett, mit einem farbigen fotografischen Abziehbild auf einem Porzellanteller mit vergoldetem Rand. Die Kunstjournalistin Arifa Akbar berichtete für The Independent, dass Koons „in einer Zeit, in der Künstler nicht als “Stars“ angesehen wurden, große Anstrengungen unternahm, um seine öffentliche Persona zu kultivieren, indem er einen Imageberater engagierte“. Mit Fotografien von Matt Chedgey schaltete Koons „Anzeigen in internationalen Kunstmagazinen, die ihn inmitten der Insignien des Erfolgs zeigten“ und gab Interviews, in denen er „in der dritten Person von sich selbst sprach“.
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Serie „Made in Heaven
1989 baten das Whitney Museum und sein Gastkurator Marvin Heiferman Koons, ein Kunstwerk über die Medien auf einer Plakatwand für die Ausstellung „Image World“ zu schaffen: Kunst und Medienkultur“. Die Plakatwand war als Werbung für einen noch nicht gedrehten Film mit dem Titel Made in Heaven gedacht. Koons stellte seine damalige Ehefrau Ilona Staller („Cicciolina“) als Modell für das Shooting ein, das die Grundlage für die daraus resultierende Arbeit für das Whitney, Made in Heaven (1990-91), bildete. Die Serie von riesigen, körnigen Fotografien, die auf Leinwand, Glasarbeiten und Skulpturen gedruckt wurden, zeigte Koons und Staller in sehr expliziten sexuellen Positionen und sorgte für beträchtliche Kontroversen, darunter Arbeiten mit Titeln wie Dirty Ejaculation und Ilonaʼs Asshole. Die Gemälde der Serie beziehen sich auf die Kunst des Barock und des Rokoko – unter anderem auf Gian Lorenzo Bernini, Jean-Honoré Fragonard und François Boucher – und greifen auch auf die bahnbrechenden Werke von Malern der frühen Moderne wie Gustave Courbet und Édouard Manet zurück.
Die Serie wurde erstmals 1990 auf der Biennale von Venedig gezeigt. Berichten zufolge zerstörte Koons einen Großteil des Werks, als Staller ihren Sohn Ludwig mit nach Italien nahm. Anlässlich des 20-jährigen Jubiläums von Made in Heaven haben Luxembourg & Dayan eine Neuauflage der Serie herausgegeben. Auch das Whitney Museum stellte in seiner Retrospektive 2014 einige der Fotografien auf Leinwand aus.
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Welpe
Koons gehörte nicht zu den 44 amerikanischen Künstlern, die ausgewählt wurden, um seine Werke auf der Documenta 9 im Jahr 1992 auszustellen, sondern wurde von drei Kunsthändlern beauftragt, ein Werk für das nahe gelegene Schloss Arolsen in Bad Arolsen, Deutschland, zu schaffen. Das Ergebnis war Puppy, eine 13 m hohe Formschnitt-Skulptur eines West Highland White Terrier-Welpen, die mit einer Vielzahl von Blumen (u. a. Ringelblumen, Begonien, Impatiens, Petunien und Lobelien) auf einer transparenten, farbbeschichteten Chrom-Edelstahl-Unterkonstruktion ausgeführt wurde. Die sich selbst reinigenden Blumen wuchsen für den Zeitraum, in dem das Werk ausgestellt war. Die Größe und der Standort von Puppy – der Innenhof eines Barockschlosses – sprachen für ein Massenpublikum. Nach dem Ausbruch, der auf seine Serie Made in Heaven folgte, beschloss Koons, „ein Bild zu schaffen, das den Menschen Wärme und Liebe vermittelt“. 1995 wurde die Skulptur in Zusammenarbeit mit dem Museum of Contemporary Art, Kaldor Public Art Projects und dem Sydney Festival demontiert und im Museum of Contemporary Art am Hafen von Sydney auf einem neuen, dauerhaften Gestell aus Edelstahl mit einem internen Bewässerungssystem wieder aufgestellt. Während der Arolsen Puppy 20.000 Pflanzen enthielt, waren es bei der Version in Sydney rund 60.000.
Die Skulptur wurde 1997 von der Solomon R. Guggenheim Foundation erworben und auf der Terrasse vor dem Guggenheim Museum Bilbao aufgestellt. Vor der Einweihung im Museum versuchte ein als Gärtner getarntes Trio der Euskadi Ta Askatasuna (ETA), mit Sprengstoff gefüllte Blumentöpfe in der Nähe der Skulptur zu platzieren, wurde jedoch von dem baskischen Polizisten Jose María Aguirre vereitelt, der daraufhin von ETA-Mitgliedern erschossen wurde. Heute trägt der Platz, auf dem die Statue steht, den Namen von Aguirre. Im Sommer 2000 wurde die Statue für eine vorübergehende Ausstellung im Rockefeller Center nach New York City gebracht.
Der Medienmogul Peter Brant und seine Frau, das Fotomodell Stephanie Seymour, beauftragten Koons mit der Anfertigung eines Duplikats der Bilbao-Statue Puppy (1993) für ihr Anwesen in Connecticut, das Brant Foundation Art Study Center. Im Jahr 1998 wurde eine Miniaturversion von Puppy als weiß glasierte Porzellanvase in einer Auflage von 3000 Stück veröffentlicht.
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Reihe „Celebration
Koons“ Celebration sollte die sehnlichst erhoffte Rückkehr Ludwigs aus Rom ehren. Das Werk, das aus einer Reihe von großformatigen Skulpturen und Gemälden mit Ballonhunden, Valentinsherzen, Diamanten und Ostereiern besteht, wurde 1994 konzipiert. Einige der Werke sind noch in der Herstellung begriffen. Jede der 20 verschiedenen Skulpturen der Serie gibt es in fünf unterschiedlich gefärbten „Unikaten“, darunter das vom Künstler geknackte Ei (blau), das 2008 den Charles Wollaston Award für das herausragendste Werk der Sommerausstellung der Royal Academy erhielt. Die Diamond-Stücke wurden zwischen 1994 und 2005 aus glänzendem Edelstahl mit einer Breite von sieben Fuß geschaffen. Sein späteres Werk Tulips (1995-2004), das in einer Auflage von fünf Exemplaren entstand, besteht aus einem Strauß mehrfarbiger Ballonblumen, die auf gigantische Ausmaße aufgeblasen wurden (mehr als 2 m hoch und 5 m breit). 1995 begann Koons schließlich mit der Arbeit an Balloon Flower.
Koons drängte darauf, die Serie rechtzeitig für eine Ausstellung im Solomon R. Guggenheim Museum in New York im Jahr 1996 fertig zu stellen, aber die Ausstellung wurde schließlich aufgrund von Produktionsverzögerungen und Kostenüberschreitungen abgesagt. Als die Finanzierung von „Celebration“ auslief, wurde das Personal entlassen, so dass nur noch zwei Personen übrig blieben: Gary McCraw, Koons“ Atelierleiter, der seit 1990 für ihn tätig war, und Justine Wheeler, eine Künstlerin aus Südafrika, die 1995 gekommen war und schließlich die Leitung des Skulpturenbetriebs übernahm. Der Künstler überzeugte seine Hauptsammler Dakis Joannou, Peter Brant und Eli Broad sowie die Händler Jeffrey Deitch, Anthony d“Offay und Max Hetzler davon, viel Geld in die kostspielige Herstellung der Celebration-Serie bei der in Südkalifornien ansässigen Firma Carlson & Company (einschließlich der Serien Balloon Dog und Moon) und später bei Arnold, einem in Frankfurt ansässigen Unternehmen, zu investieren. Die Händler finanzierten das Projekt zum Teil durch den Verkauf von Werken an Sammler, bevor sie angefertigt wurden. Im Jahr 1999 wurde seine 1988 entstandene Skulptur „Pink Panther“ für 1,8 Millionen US-Dollar versteigert, und er kehrte zur Galerie Sonnabend zurück. Ileana Sonnabend und Antonio Homem, ihr Galeriedirektor und Adoptivsohn, wussten um Koons“ grenzenlose Bedürfnisse und Ansprüche und hießen ihn dennoch willkommen. Wahrscheinlich ahnten sie (zu Recht, wie sich herausstellte), dass er auf einen glorreichen zweiten Akt zusteuerte – etwas, das bisher nur ihm in seiner Generation der übermäßig publizierten Künstler gelungen ist. Koons beschränkt sich jedoch nicht mehr auf eine einzige Galerie. Larry Gagosian, der Koloss unter den New Yorker Händlern, erklärte sich bereit, die Fertigstellung aller unvollendeten „Celebration“-Arbeiten zu finanzieren und erhielt im Gegenzug die Exklusivrechte für deren Verkauf.
Im Jahr 2006 präsentierte Koons Hanging Heart, ein drei Meter hohes, hochglanzpoliertes Stahlherz, das zu einer Serie von fünf verschiedenfarbigen Exemplaren gehört, die Teil seiner Celebration-Serie sind. Große Skulpturen aus dieser Serie wurden 2008 im Metropolitan Museum of Art in New York ausgestellt. Spätere Ergänzungen der Serie sind der Ballonschwan (2004-2011), ein 3,5 Meter hoher Vogel aus Edelstahl, der Ballonhase (2005-2010) und der Ballonaffe, bei denen Kinderpartygeschenke zu faszinierenden Monumentalformen umgestaltet werden.
Die Serie umfasst neben den Skulpturen auch sechzehn
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Easyfun und Easyfun-Ethereal
Im Auftrag des Deutsche Guggenheim schuf Koons 1999 die ersten sieben Gemälde der neuen Serie Easyfun, die aus Gemälden und an der Wand montierten Skulpturen besteht. Im Jahr 2001 begann Koons mit der Gemäldeserie Easyfun-Ethereal, in der er Bikinis, Lebensmittel und Landschaften, die unter seiner Aufsicht von Assistenten gemalt wurden, zu Collagen zusammenfügte. Die Serie wurde schließlich auf vierundzwanzig Gemälde erweitert.
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Split-Rocker
Im Jahr 2000 entwarf Koons Split-Rocker, seine zweite Blumenskulptur aus Edelstahl, Erde, geotextilem Gewebe und einem internen Bewässerungssystem, die erstmals im Palais des Papes in Avignon, Frankreich, gezeigt wurde. Wie Puppy ist auch sie mit rund 27.000 lebenden Blumen bedeckt, darunter Petunien, Begonien, Impatiens, Geranien und Ringelblumen. Der 150 Tonnen schwere und über 37 Fuß hohe Split-Rocker besteht aus zwei Hälften: die eine basiert auf dem Spielzeugpony eines von Koons“ Söhnen, die andere auf einem Spielzeugdinosaurier. Zusammen bilden sie den Kopf einer riesigen Kinderwippe. Koons produzierte nur zwei Auflagen der Skulptur. Seit 2014 ist eine davon in seinem Besitz, die andere ist in Glenstone in Maryland ausgestellt. Im Sommer 2014 wurde Split-Rocker anlässlich der Eröffnung von Koons“ Retrospektive im Whitney Museum of American Art für mehrere Monate am Rockefeller Plaza in New York City aufgestellt.
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Popeye und Hulk Elvis Serie
Gemälde und Skulpturen aus der Popeye-Serie, die Koons 2002 begann, zeigen die Cartoon-Figuren Popeye und Olive Oyl. Eines dieser Werke ist die Nachbildung einer Popeye-Figur aus PVC, die für den Massenmarkt bestimmt ist, aus rostfreiem Stahl. Der Künstler wird auch wieder aufblasbare Tiere verwenden, diesmal in Kombination mit Leitern, Mülleimern und Zäunen. Um diese Skulpturen zu schaffen, werden die Spielzeuge, nachdem sie die richtige Form gefunden haben, mit einer Schicht überzogen. Dann wird ein Abdruck gemacht und an die Gießerei geschickt, um in Aluminium gegossen zu werden. Zurück im Atelier werden die Skulpturen bemalt, um das glänzende Aussehen der Original-Schlauchboote zu erreichen. Für diese surrealistischen Installationen, vor allem für Acrobat, ließ sich Koons von dem Chicagoer Imagisten H.C. Westermann inspirieren. Die Popeye-Skulptur wurde von dem Milliardär Steve Wynn für 28 Millionen Dollar erworben und steht vor dem Eingang des Encore Boston Harbor Hotels und Casinos von Wynn.
Hulk Elvis ist eine Werkreihe von Jeff Koons, die zwischen 2004 und 2014 entstand. Die Werke reichen von präzisionsgefertigten Bronzeskulpturen – inspiriert von einer aufblasbaren Figur des beliebten Comic-Helden, die in drei Dimensionen extrudiert wurde – bis hin zu großformatigen Ölgemälden. Der Titel der Werkserie verbindet den beliebten Comic-Helden Hulk mit der Pop-Ikone Elvis. Das dreifache Bild der Hulk-Figur erinnert an Andy Warhols Siebdruck Triple Elvis (1963), sowohl was die Vervielfältigung als auch die Körperhaltung der Hulk-Figur betrifft.
Dem Künstler zufolge stellt die Hulk-Elvis-Serie mit ihrem starken, heroischen Bild des Hulk „ein Werk mit sehr viel Testosteron“ dar. Koons sieht die Serie auch als „eine Brücke zwischen Ost und West“, da eine Parallele zwischen dem Comic-Helden Hulk und asiatischen Schutzgöttern gezogen werden könnte.
Die dreidimensionalen Werke Hulk (Friends) und Hulks (Bell) (beide 2004-2012) zeigen scheinbar aufblasbare Incredible Hulks, die in Wirklichkeit jeweils fast eine Tonne wiegen und aus Bronze und Holz gefertigt sind. Die Skulptur Hulk (Organ) (2004-2014) enthält ein voll funktionsfähiges Musikinstrument, dessen potenziell tiefe Klänge zum kraftvollen und maskulinen Erscheinungsbild der Figur passen.
Die Bilder der Serie sind Collagen, die aus mehreren Photoshop-Ebenen bestehen. Die Bilder reichen von abstrakten Landschaften bis zu Elementen der amerikanischen Ikonografie (Züge, Pferde, Kutschen) und umfassen Figuren wie den Hulk oder einen aufblasbaren Plastikaffen. Die Landschaftsbilder haben oft explizite oder implizite sexuelle Inhalte. So verweist beispielsweise eine wiederkehrende grobe Strichzeichnung einer Vulva auf Courbets L“Origine du Monde (1866).
Die Hulk-Elvis-Serie wurde bereits an zahlreichen internationalen Kunstorten ausgestellt, darunter die Gagosian Gallery in London (2007), die Gagosian Gallery in Hongkong, China (2014) und die Österreichische Galerie Belvedere in Wien, Österreich (2015).
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Reihe Antike
In Anlehnung an die antike römische Marmorstatue Callipygian Venus wurde Metallic Venus (2010-2012) aus hochchromhaltigem Edelstahl mit transparenter Farbbeschichtung und lebenden blühenden Pflanzen hergestellt.
Im Mittelpunkt jeder Szene der Gemälde aus der Antike (2009-2013) steht eine berühmte antike oder klassische Skulptur, die akribisch in Ölfarbe wiedergegeben und auf die gleiche Größe wie die Skulpturen skaliert wurde. Die ebenso detaillierten Hintergründe enthalten eine arkadische Vision. In Ballerinas (2010-2014) zeigt Koons Tänzerfiguren, die von dekorativem Porzellan abgeleitet sind, in der imposanten Größe der klassischen Skulptur.
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Jüngste Arbeiten
Für die Saison 20072008 in der Wiener Staatsoper gestaltete Jeff Koons das großformatige Bild (176 m²) Geisha als Teil der Ausstellungsreihe „Safety Curtain“, die von museum in progress konzipiert wurde. Koons arbeitete mit der amerikanischen Pop-Performerin Lady Gaga an ihrem 2013 erschienenen Studioalbum Artpop zusammen und gestaltete das Cover mit einer von ihm angefertigten Skulptur von Lady Gaga. Im September 2014 veröffentlichte die halbjährlich erscheinende Kunst- und Kulturzeitschrift GARAGE Magazine Jeff Koons“ erstes digitales Kunstwerk für die Titelseite ihrer Printausgabe. Bei dem Werk mit dem Titel Lady Bug handelt es sich um eine Augmented-Reality-Skulptur, die nur auf mobilen Geräten über eine App des GARAGE Magazins betrachtet werden kann, die es dem Betrachter ermöglicht, das Werk aus verschiedenen Blickwinkeln zu erkunden, als stünde er auf ihm.
Im Jahr 2012 kaufte Koons Advanced Stone Technologies, einen Ableger der Steinabteilung des gemeinnützigen Johnson Atelier Technical Institute of Sculpture. Er verlegte die Hightech-Steinwerkstatt von New Jersey in eine größere, 5.600 m2 große Halle in Morrisville, Bucks County, Pennsylvania. Die Einrichtung dient ausschließlich der Herstellung von Koons“ Werken aus Stein.
Im Jahr 2013 schuf Koons die Skulptur Gazing Ball (Farnese Hercules), die vom Herkules von Farnese inspiriert wurde. Die Skulptur besteht aus weißem Gips und kann als Fortschreibung des Kolorismus in der Betrachtung der antiken Welt interpretiert werden.
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Andere Projekte
1999 gab Koons ein Lied über sich selbst in Auftrag, das auf dem Album Stars Forever von Momus erschien.
Eine Zeichnung, die seinen Tulpenballons ähnelt, wurde auf der Titelseite der Internetsuchmaschine Google platziert. Die Zeichnung begrüßte alle, die am 30. April 2008 und am 1. Mai 2008 die Hauptseite von Google besuchten.
2006 trat Koons in Artstar auf, einer Fernsehserie, die in der New Yorker Kunstwelt spielt. 2008 hatte er eine kleine Rolle in dem Film Milk, in dem er den Staatsabgeordneten Art Agnos spielte.
Im September 2012 beauftragte der New Yorker Gouverneur Andrew Cuomo Koons mit der Überprüfung der Entwürfe für eine neue Tappan-Zee-Brücke.
Ende 2016 stellte Koons Pläne für einen Tulpenstrauß vor, eine 11 Meter hohe Gedenkskulptur in Paris nach dem Vorbild der Freiheitsstatue, die an die Opfer der Anschläge vom November 2015 erinnern soll.
Koons fungierte 2009 als Kurator einer Ed Paschke-Ausstellung in der Gagosian Gallery in New York. Außerdem kuratierte er 2010 eine Ausstellung mit Werken aus der Privatsammlung des griechischen Milliardärs Dakis Joannou im New Museum in New York City. Die Ausstellung, Skin Fruit: Selections from the Dakis Joannou Collection“ löste eine Debatte über Vetternwirtschaft in der Kunstwelt aus, da Koons von Joannou in großem Umfang gesammelt wird und zuvor das Äußere von Joannous Yacht Guilty gestaltet hatte.
Koons war der Künstler, der mit der Gestaltung des siebzehnten BMW „Art Cars“ beauftragt wurde. Sein Kunstwerk wurde auf einem rennsporttauglichen E92 BMW M3 angebracht und am 2. Juni 2010 im Centre Pompidou in Paris der Öffentlichkeit vorgestellt. Mit Unterstützung von BMW Motorsport nahm das Auto dann an den 24 Stunden von Le Mans 2010 in Frankreich teil.
1989 arbeiteten Koons und sein Künstlerkollege Martin Kippenberger gemeinsam an einer Ausgabe der Kunstzeitschrift Parkett; im Jahr darauf gestaltete Koons ein Ausstellungsplakat für Kippenberger.
2013 arbeitete Koons mit der amerikanischen Sängerin, Songwriterin und Performance-Künstlerin Lady Gaga für ihr drittes Studioalbum ARTPOP zusammen. Das Albumcover zeigt eine von Koons geschaffene Nacktskulptur von Gaga hinter einer blauen Kugelskulptur und Stücke anderer Kunstwerke im Hintergrund, wie die von Sandro Botticelli gemalte Geburt der Venus, die Gagas Image durch die neue Ära hindurch inspirierte, auch in ihrem Musikvideo zu „Applause“ und der Aufführung des Songs bei den MTV Video Music Awards 2013. Das Bild des Covers wurde Stück für Stück in einer Social-Marketing-Kampagne enthüllt, bei der ihre Fans den Twitter-Hashtag „
Im April 2017 arbeitete Jeff Koons mit dem französischen Luxusmodehaus Louis Vuitton für die „Masters Collection“ zusammen und entwarf eine Reihe von Handtaschen und Rucksäcken mit Reproduktionen seiner Lieblingsmeisterwerke der Alten Meister, wie Leonardo da Vinci, Tizian, Vincent van Gogh, Peter Paul Rubens und Jean-Honoré Fragonard. Später in diesem Jahr präsentierte er eine weitere Handvoll Taschen und Accessoires mit Reproduktionen von Werken von Claude Monet, J. M. W. Turner, Édouard Manet, Paul Gauguin und François Boucher. Die Preise reichen von 585 Dollar für einen Schlüsselanhänger bis zu 4.000 Dollar für die große Tragetasche.
Koons hat auch einige schöne weinbezogene Auftragsarbeiten angefertigt. Im Dezember 2012 gab Chateau Mouton Rothschild bekannt, dass Koons das Etikett seines Jahrgangs 2010 gestaltet hat – eine Tradition, die 1946 begründet wurde. Zu den anderen Künstlern, die Etiketten entworfen haben, gehören unter anderem Pablo Picasso, Francis Bacon, Salvador Dalí und Joan Miró. Im August 2013 brachte Dom Pérignon seinen Jahrgang 2004 heraus, mit einer von Koons gestalteten Sonderedition und einer maßgefertigten Kiste namens „Balloon Venus“. Der empfohlene Verkaufspreis liegt bei 15.000 €.
Vom 15. Februar bis zum 6. März 2008 stellte Koons der Hereditary Disease Foundation eine private Führung durch sein Atelier zur Verfügung, die auf Charitybuzz versteigert wurde. Ein Teil des Erlöses seiner limitierten Tulpen-Designs 2010 für Kiehl“s Crème de Corps ging an das Koons Family Institute, eine Initiative des International Centre for Missing & Exploited Children. Seit Beginn seiner Zusammenarbeit mit dem International Centre hat Koons über 4,3 Millionen US-Dollar an das Institut gespendet, das den Namen seiner Familie trägt.
Seit einer Fensterinstallation im New Museum of Contemporary Art in New York im Jahr 1980 wurde Koons“ Werk in Einzel- und Gruppenausstellungen international ausgestellt. Im Jahr 1986 nahm er an einer Gruppenausstellung mit Peter Halley, Ashley Bickerton, Ross Minoru Laing und Meyer Vaisman in der Sonnabend Gallery in New York teil. Im Jahr 1997 organisierte die Pariser Galerie Jerome de Noirmont seine erste Einzelausstellung in Europa. Seine Serie Made in Heaven wurde erstmals 1990 auf der Biennale in Venedig gezeigt.
Als junger Künstler nahm Koons an zahlreichen von Richard Milazzo kuratierten Ausstellungen teil, darunter The New Capital in White Columns (1984), Paravision in der Postmasters Gallery (1985), Cult and Decorum in der Tibor De Nagy Gallery (1986), Time After Time in der Diane Brown Gallery (1986), Spiritual America in der CEPA (1986) und Art at the End of the Social in The Rooseum, Malmö, Schweden (1988). Diese Ausstellungen fanden neben anderen namhaften Künstlern wie Ross Bleckner, Joel Otterson und Kevin Larmon statt.
Zu seinen musealen Einzelausstellungen zählen das Museum of Contemporary Art in Chicago (1988), das Walker Art Center in Minneapolis (1993), das Deutsche Guggenheim in Berlin (2000), das Kunsthaus Bregenz (2001), das Museo archeologico nazionale di Napoli (2003) und eine Retrospektive im Astrup Fearnley Museum of Modern Art in Oslo (2004), die 2005 an das Helsinki City Art Museum weitergereicht wurde. Im Jahr 2008 wurde die Celebration-Serie in der Neuen Nationalgalerie, Berlin, und auf dem Dach des Metropolitan Museum of Art gezeigt.
Die Ausstellung von 17 Koons-Skulpturen im Schloss von Versailles im Jahr 2008, die als seine erste Retrospektive in Frankreich gilt, war auch die erste ehrgeizige Ausstellung eines zeitgenössischen amerikanischen Künstlers, die vom Schloss organisiert wurde. Die New York Times berichtete, dass „mehrere Dutzend Menschen vor den Toren des Schlosses demonstrierten“, und zwar im Rahmen eines Protestes, der von einer wenig bekannten, rechtsgerichteten Gruppe organisiert wurde, die sich für die Reinheit der französischen Kunst einsetzt. Es wurde auch kritisiert, dass neunzig Prozent der 2,8 Millionen US-Dollar, die die Ausstellung finanzierten, von privaten Mäzenen stammten, hauptsächlich von François Pinault.
Die Retrospektive von Koons im Museum of Contemporary Art, Chicago, die vom 31. Mai bis 21. September 2008 stattfand und über die in der Presse ausführlich berichtet wurde, brach mit 86 584 Besuchern den Besucherrekord des Museums. Die Ausstellung umfasste zahlreiche Werke aus der Sammlung des MCA sowie neue Gemälde und Skulpturen des Künstlers. Die retrospektive Ausstellung spiegelt das Engagement des MCA für das Werk von Koons wider, das 1988 die erste amerikanische Überblicksausstellung des Künstlers präsentierte. Für die letzte Ausstellung in seinem Marcel-Breuer-Gebäude plant das Whitney Museum eine Koons-Retrospektive in Zusammenarbeit mit dem Museum of Contemporary Art in Los Angeles und dem Centre Pompidou in Paris.
Im Juli 2009 hatte Koons seine erste große Einzelausstellung in London in der Serpentine Gallery. Unter dem Titel Jeff Koons: Popeye Series“ zeigte er Modelle von Kinderspielzeug aus Aluminiumguss und „dichte, realistische Gemälde von Popeye, der seine Dose Spinat in der Hand hält oder seine Pfeife raucht, während über seinem Kopf ein roter Hummer auftaucht“.
Im Mai 2012 hatte Koons seine erste große Einzelausstellung in der Schweiz, im Beyeler Museum in Basel, mit dem Titel Jeff Koons. Gezeigt werden Werke aus drei Serien: The New, Banality und Celebration sowie die Blumenskulptur Split-Rocker.
Ebenfalls 2012 wurde Jeff Koons. The Painter in der Schirn Kunsthalle Frankfurt stand vor allem die Entwicklung des Künstlers als Maler im Mittelpunkt, während in der Schau Jeff Koons. The Sculptor im Frankfurter Liebieghaus traten die Skulpturen von Jeff Koons in einen Dialog mit dem historischen Gebäude und einer fünf Jahrtausende umspannenden Skulpturensammlung. Beide Ausstellungen zusammen bilden die bisher größte Werkschau von Koons.
Der Künstler genoss 2014 eine Retrospektive im Whitney Museum of American Art in New York. Scott Indrisek, der für ARTINFO.com schrieb, beschrieb sie als „frech, ziemlich unterhaltsam und so verdaulich wie eine Packung M&Ms“.
2019 fand im Ashmolean Museum in Oxford, Vereinigtes Königreich, eine Ausstellung mit dem Titel Jeff Koons at the Ashmolean statt.
Koons erhielt im Jahr 2000 den BZ-Kulturpreis der Stadt Berlin und 2001 die Skowhegan-Medaille für Bildhauerei. Im Jahr 2002 wurde er zum Chevalier der französischen Ehrenlegion ernannt und 2007 zum Officier befördert. Im Jahr 2008 erhielt er einen Ehrendoktortitel von der School of the Art Institute of Chicago. 2008 wurde er mit dem Wollaston Award der Royal Academy of Arts in London ausgezeichnet. Im Jahr 2013 erhielt er die Medal of Arts des US-Außenministeriums. 2014 erhielt Koons den Golden Plate Award der American Academy of Achievement, überreicht von Award Council-Mitglied Wayne Thiebaud während des International Achievement Summit in San Francisco. 2017 nahm er den jährlichen Honorary Membership Award for Outstanding Contribution to Visual Culture von der Edgar Wind Society, University of Oxford, entgegen.
Koons ist in Amerika und Europa weit verbreitet, wo einige Sammler seine Werke in großem Umfang erwerben. Eli Broad besitzt 24 Werke, und Dakis Joannou besitzt etwa 38 Werke aus allen Phasen der Karriere des Künstlers.
Koons wurde von Händlern wie Mary Boone (1979-1980), Sonnabend Gallery (1986-2021), Galerie Max Hetzler, Jérôme de Noirmont und Gagosian Gallery vertreten. Das Exklusivrecht für den Erstverkauf der „Celebration“-Serie lag lange Zeit bei der Gagosian Gallery, die viele Jahre lang sein wichtigster Händler war. Seit 2021 vertritt die Pace Gallery Koons weltweit exklusiv.
Viele von Koons“ Werken wurden privat auf Auktionen verkauft. Seine Auktionsrekorde wurden in erster Linie mit seinen Skulpturen erzielt (vor allem mit denen aus seiner Celebration-Serie), während seine Gemälde weniger beliebt sind. Im Jahr 2001 wurde eine seiner drei Michael Jackson and Bubbles-Porzellanskulpturen für 5,6 Millionen US-Dollar verkauft. Am 14. November 2007 wurde Hanging Heart (MagentaGold) aus der Sammlung von Adam Lindemann, eine von fünf Skulpturen in verschiedenen Farben, bei Sotheby“s New York für 23,6 Millionen US-Dollar verkauft und war damit das teuerste jemals versteigerte Werk eines lebenden Künstlers. Sie wurde von der Gagosian Gallery in New York gekauft, die am Vortag eine andere Koons-Skulptur, Diamond (Blue), für 11,8 Millionen US-Dollar von Christie“s London erworben hatte. Gagosian scheint beide Werke der Celebration-Serie im Auftrag des ukrainischen Stahloligarchen Victor Pinchuk gekauft zu haben. Im Juli 2008 wurde seine 3,3 Meter lange Balloon Flower (Magenta) (1995-2000) aus der Sammlung von Howard und Cindy Rachofsky ebenfalls bei Christie“s London für den Auktionsrekord von 25,7 Millionen US-Dollar verkauft. Insgesamt war Koons bis Juni 2008 mit 81,3 Millionen Euro Umsatz der meistverkaufte Künstler bei Auktionen.
Während der Rezession in den späten 2000er Jahren fielen die Kunstpreise jedoch stark, und die Auktionsverkäufe hochwertiger Werke von Koons gingen 2009 um 50 Prozent zurück. Ein violettes, hängendes Herz wurde bei einer Privatauktion für 11 Millionen US-Dollar verkauft. Die Preise für die früheren Luxury and Degradation-Serien des Künstlers scheinen sich jedoch zu halten. Der Economist berichtete, dass Thomas H. Lee, ein Private-Equity-Investor, Jim Beam J.B. Turner Train (1986) in einem von Giraud Pissarro Segalot vermittelten Paketgeschäft für mehr als 15 Millionen US-Dollar verkaufte. Im Jahr 2012 erzielte Tulips (1995-2004) bei Christie“s einen Rekordpreis für Koons: Es wurde für 33,6 Millionen US-Dollar an einen Telefonbieter verkauft und lag damit weit über der Schätzung von 25 Millionen US-Dollar. Das Ölgemälde Triple Elvis (2009) stellte 2015 bei Christie“s einen Auktionsweltrekord für ein Gemälde des Künstlers auf und erzielte 8.565.000 US-Dollar, über 5 Millionen US-Dollar mehr als der bisherige Höchstpreis. Koons“ Rabbit (1986) aus Edelstahl wurde 2019 für 91,1 Millionen Dollar versteigert und ist damit das teuerste Werk eines lebenden Künstlers auf einer Auktion.
2018 reichte der Kunstsammler und Milliardär Steven Tananbaum eine Klage gegen Koons und die Gagosian Gallery ein, weil er drei Skulpturen, Ballon-Venus, Eros und Diana, für die er 13 Millionen Dollar bezahlt hatte, nicht geliefert hatte. Kurz darauf reichte der Hollywood-Produzent Joel Silver eine ähnliche Klage gegen Gagosian und Koons ein, weil er 2014 eine Skulptur im Wert von 8 Millionen Dollar nicht geliefert hatte. Beide Klagen wurden 2019 und 2020 beigelegt.
Unter Kuratoren, Kunstsammlern und anderen in der Kunstwelt wird Koons“ Werk als Neo-Pop oder Post-Pop bezeichnet, als Teil einer Bewegung der 1980er Jahre als Reaktion auf die reduzierte Kunst des Minimalismus und des Konzeptualismus im vorangegangenen Jahrzehnt. Koons wehrt sich gegen solche Kommentare: „Ein Betrachter könnte auf den ersten Blick Ironie in meiner Arbeit sehen … aber ich sehe überhaupt keine. Ironie verursacht zu viel kritische Kontemplation“. Koons lehnt jede versteckte Bedeutung in seinem Werk ab.
Er hat eine Kontroverse ausgelöst, weil er unverschämten Kitsch in die hohe Kunstszene einbrachte und dabei mehr Wegwerf-Sujets verwendete als beispielsweise Warhols Campbell“s Soup Cans. Sein Werk Balloon Dog (1994-2000) basiert auf Luftballons, die zu einem Spielzeughund geformt wurden.
Der Theoretiker Samito Jalbuena schrieb: „Von Beginn seiner kontroversen Karriere an stellte Koons die traditionelle Vorstellung von Kunst von innen und außen auf den Kopf. Indem er sich auf banale Objekte als Modelle konzentrierte, stellte er die Standards normativer Werte in der Kunst in Frage und machte sich stattdessen die Anfälligkeit ästhetischer Hierarchien und Geschmackssysteme zu eigen.“
Koons hat polarisierte Reaktionen auf seine Arbeit erhalten. Die Kritikerin Amy Dempsey beschrieb seinen Balloon Dog als „eine ehrfurchtgebietende Präsenz… ein massives, dauerhaftes Monument“. Jerry Saltz von artnet.com kommentierte, er sei „begeistert von der technischen Virtuosität und der atemberaubenden visuellen Wucht“ von Koons“ Kunst. Koons war einer der Namen in Blake Gopniks 2011 erschienener Liste „The 10 Most Important Artists of Today“, und Gopnik argumentierte: „Selbst nach 30 Jahren wirken Koons“ Mischungen aus Hoch- und Tiefsinnigem – ein aus Luftballons geknüpfter Hund, der dann zu einem öffentlichen Monument vergrößert wurde; eine lebensgroße Büste von Michael Jackson und seinem Schimpansen aus gold-weißem Porzellan – immer noch bedeutsam.“
Mark Stevens von The New Republic bezeichnete ihn als „dekadenten Künstler, dem es an Vorstellungskraft fehlt, um mehr zu tun als seine Themen und die Tradition, in der er arbeitet, zu trivialisieren und zu kursivieren… Er ist ein weiterer von denen, die den schäbigen Reichen dienen“. Michael Kimmelman von der New York Times sah „einen letzten, erbärmlichen Atemzug der Art von selbstdarstellerischem Hype und Sensationslust, die das Schlimmste der 1980er Jahre kennzeichnete“ und nannte Koons“ Werk „künstlich“, „billig“ und „unverschämt zynisch“.
In einem Artikel, in dem er die zeitgenössische Kunstszene mit dem Showbusiness verglich, schrieb der renommierte Kritiker Robert Hughes, Koons sei
eine extreme und selbstgefällige Manifestation der Heiligkeit, die dem großen Geld anhaftet. Koons hält sich wirklich für Michelangelo und scheut sich nicht, das zu sagen. Es ist bezeichnend, dass es Sammler gibt, vor allem in Amerika, die ihm das glauben. Er hat die schleimige Gewissheit, das grobe Gerede über Transzendenz durch Kunst, wie ein aufgeblasener Baptist, der Sumpfgrundstücke in Florida verkauft. Und das Ergebnis ist, dass er aus Amerikas einzigartig verdorbener Kultur nicht mehr wegzudenken ist.
Hughes stellte das Werk von Koons knapp über das von Seward Johnson und wurde in einem Artikel der New York Times mit der Aussage zitiert, der Vergleich ihrer Karrieren sei „wie eine Debatte über die Vorzüge von Hundekot gegenüber Katzenkot“.
Er hat jüngere Künstler wie Damien Hirst (z. B. in Hirsts Hymn, einer 5,5 m (18 Fuß) großen Version eines 0,36 m (14 Zoll) großen anatomischen Spielzeugs), Jack Daws und Mona Hatoum beeinflusst. Seine extremen Vergrößerungen alltäglicher Gegenstände wiederum verdankt er Claes Oldenburg und Coosje van Bruggen. Viele seiner Arbeiten wurden auch von Künstlern beeinflusst, die während seines Studiums am Art Institute in Chicago arbeiteten, darunter Jim Nutt, Ed Paschke und H. C. Westermann.
Im Jahr 2005 wurde er als Fellow in die American Academy of Arts and Sciences gewählt.
Koons wurde mehrfach wegen Urheberrechtsverletzungen verklagt, weil er in seinen Werken bereits existierende Bilder, also Originalwerke anderer, verwendet hat. In Rogers gegen Koons, 960 F.2d 301 (2d Cir. 1992), bestätigte das US-Berufungsgericht für den zweiten Bezirk ein Urteil gegen ihn wegen der Verwendung eines Fotos von Welpen als Grundlage für eine Skulptur, String of Puppies.
Koons verlor auch die Prozesse in United Features Syndicate, Inc. v. Koons, 817 F. Supp. 370 (S.D.N.Y. 1993), und Campbell v. Koons, No. 91 Civ. 6055, 1993 WL 97381 (S.D.N.Y. Apr. 1, 1993).
Er gewann einen Rechtsstreit, Blanch gegen Koons, Nr. 03 Civ. 8026 (LLS), S.D.N.Y., 1. November 2005 (slip op.), die im Oktober 2006 vom Zweiten Bundesberufungsgericht bestätigt wurde, in der es um die Verwendung einer fotografischen Anzeige als Ausgangsmaterial für Beine und Füße in einem Gemälde, Niagara (2000), ging. Das Gericht entschied, dass Koons die ursprüngliche Werbung hinreichend umgestaltet hatte, so dass es sich um eine angemessene Nutzung des Originalbildes handelte.
2015 sah sich Koons mit Vorwürfen konfrontiert, er habe das Foto des Fotografen Mitchel Gray aus dem Jahr 1986 für Gordon“s Gin in einem seiner Gemälde Luxury and Degradation ohne Erlaubnis oder Vergütung verwendet.
Im Jahr 2018 entschied ein französisches Gericht, dass sein Werk Fait d“Hiver aus dem Jahr 1988, das ein Schwein zeigt, das über einer auf dem Rücken liegenden Frau steht, eine Werbung für eine Bekleidungskette kopiert hatte, und befand Koons und das Centre Pompidou für schuldig, das Urheberrecht des Fotografen Franck Davidovici verletzt zu haben. Diese Entscheidung wurde im Jahr 2021 in der Berufung bestätigt. Das Ergebnis ist, dass das Werk, das Eigentum der Foundazione Prada ist, in Frankreich nicht ausgestellt werden darf und dass das Museum und der Künstler keine fotografischen Reproduktionen online zeigen dürfen (ohne eine Strafe von 600 € pro Tag). Darüber hinaus wurden das Museum und der Künstler zur gemeinsamen Zahlung von 190 000 Euro und die Buchfirma zur Zahlung von 14 000 Euro verurteilt.
Im Jahr 2019 entschied ein französisches Gericht, dass sein Werk 1988 Naked, das einen kleinen Jungen zeigt, der einem kleinen Mädchen Blumen schenkt, die beide nackt sind, das Urheberrecht eines Postkartenfotos des französischen Künstlers Jean-Francois Bauret aus dem Jahr 1975 verletzt hat.
Koons hat auch andere der Urheberrechtsverletzung beschuldigt und behauptet, eine Buchhandlung in San Francisco habe sein Urheberrecht an Balloon Dogs verletzt, indem sie Buchstützen in Form von Ballonhunden verkauft habe. Koons ließ die Klage fallen, nachdem der Anwalt des Buchladens einen Antrag auf Feststellungsklage gestellt hatte, in dem es hieß: „Wie praktisch jeder Clown bestätigen kann, besitzt niemand die Idee, einen Ballonhund zu machen, und die Form, die durch das Verdrehen eines Ballons in eine hundeähnliche Form entsteht, ist Teil der Public Domain“.
Eine Koons-Skulptur einer Ballerina ähnelt der 1974 von der ukrainischen Künstlerin Oksana Zhnykrup geschaffenen Arbeit Ballerina Lenochka.
In einer Klage aus dem Jahr 2021, die beim United States District Court for the Southern District of New York eingereicht wurde, behauptete der Künstler Michael Hayden, der 1988 für Ilona Staller eine Skulptur einer um einen Felsen gewickelten Schlange geschaffen hatte, dass Koons die Skulptur unrechtmäßig in seinen Werken verwendet habe.
Koons ist Mitglied des Verwaltungsrats des International Centre for Missing & Exploited Children (ICMEC), einer weltweiten gemeinnützigen Organisation, die gegen sexuelle Ausbeutung von Kindern, Kinderpornografie und Kindesentführung kämpft. Im Jahr 2007 gründete Koons zusammen mit seiner Frau Justine das ICMEC Koons Family Institute on International Law and Policy.
Nach dem Ende seiner ersten Ehe mit der in Ungarn geborenen italienischen Schauspielerin Ilona Staller im Jahr 1994 reiste Staller mit dem gemeinsamen zweijährigen Sohn nach Italien aus und verstieß damit gegen eine gerichtliche Verfügung der USA. Koons verbrachte fünf Jahre damit, die elterlichen Rechte einzuklagen. Der Oberste Gerichtshof Italiens entschied zu Gunsten von Staller. Koons gründete daraufhin das Koons Family Institute. Im Jahr 2008 reichte Staller Klage gegen Koons ein, weil er keinen Unterhalt für das Kind gezahlt hatte.
Während seines Studiums am Maryland Institute College of Art zeugte Koons eine Tochter, Shannon Rodgers. Das Paar gab das Kind zur Adoption frei. Rodgers nahm 1995 wieder Kontakt zu Koons auf.
1991 heiratete er die in Ungarn geborene, eingebürgerte italienische Pornodarstellerin Ilona Staller (Cicciolina), die zu dieser Zeit Mitglied des italienischen Parlaments war (1987-1992). Koons arbeitete mit Staller für die „Made in Heaven“-Gemälde und -Skulpturen in verschiedenen Medien zusammen, in der Hoffnung, einen Film zu drehen. Während Koons und Staller ein Haus in Manhattan unterhielten, lebten sie in München. Im Jahr 1992 bekamen sie einen Sohn, Ludwig. Die Ehe endete bald darauf aufgrund von Vorwürfen, Koons habe Staller körperlich und emotional misshandelt.
Koons ist derzeit mit Justine Wheeler verheiratet, einer Künstlerin und ehemaligen Angestellten, die seit 1995 in Koons“ Studio arbeitet. Das Paar hat sechs Kinder. Die Familie lebt derzeit in einem Stadthaus an der Upper East Side.
Koons spendete 50.000 Dollar an Correct the Record, ein Super PAC, das Hillary Clintons Präsidentschaftskampagne 2016 im Juni 2016 unterstützte.
Quellen
