Max Beckmann
gigatos | Januar 3, 2022
Zusammenfassung
Max Carl Friedrich Beckmann (12. Februar 1884 – 27. Dezember 1950) war ein deutscher Maler, Zeichner, Grafiker, Bildhauer und Schriftsteller. Obwohl er als expressionistischer Künstler eingestuft wird, lehnte er sowohl den Begriff als auch die Bewegung ab. In den 1920er Jahren wurde er mit der Neuen Sachlichkeit in Verbindung gebracht, einer Ausprägung des Expressionismus, die sich gegen dessen introvertierte Emotionalität wandte. Selbst wenn er sich mit leichten Themen wie Zirkusartisten beschäftigte, war in Beckmanns Werken oft ein Unterton von Stimmungsschwankungen oder Unbehagen zu spüren. In den 1930er Jahren, zeitgleich mit dem Aufkommen des Nationalsozialismus in Deutschland, wurde sein Werk in seiner erschreckenden Bildsprache und seinen verzerrten Formen expliziter und verband brutalen Realismus mit Sozialkritik.
Max Beckmann wurde in eine bürgerliche Familie im sächsischen Leipzig geboren. Schon in seiner Jugend setzte er sich mit den alten Meistern auseinander. Die traumatischen Erfahrungen des Ersten Weltkriegs, an dem er als freiwilliger Sanitäter teilnahm, führten zu einem dramatischen Wandel seines Stils von akademisch korrekten Darstellungen hin zu einer Verzerrung von Figur und Raum, die sein verändertes Selbst- und Menschenbild widerspiegelte.
Er ist bekannt für seine Selbstporträts, die er zeitlebens malte und die in ihrer Anzahl und Intensität nur von Rembrandt und Picasso übertroffen werden. Der philosophisch und literarisch bewanderte Beckmann beschäftigte sich auf der Suche nach dem „Selbst“ auch mit Mystik und Theosophie. Als wahrer Maler und Denker versuchte er, die verborgene spirituelle Dimension in seinen Motiven zu finden (Beckmanns Briefe an eine Malerin aus dem Jahr 1948 geben Aufschluss über seine Einstellung zur Kunst).
In der Weimarer Republik genoss Beckmann große Erfolge und offizielle Ehrungen. Im Jahr 1925 wurde er ausgewählt, eine Meisterklasse an der Städelschule in Frankfurt zu leiten. Zu seinen berühmtesten Schülern zählten Theo Garve, Leo Maillet und Marie-Louise von Motesiczky. 1927 erhielt er den Ehrenpreis des Kaiserreichs für deutsche Kunst und die Goldmedaille der Stadt Düsseldorf; die Nationalgalerie in Berlin erwarb sein Gemälde Die Rinde und 1928 sein Selbstbildnis im Smoking. Zu Beginn der 1930er Jahre zeigen eine Reihe bedeutender Ausstellungen, darunter große Retrospektiven in der Städtischen Kunsthalle Mannheim (1928) sowie in Basel und Zürich (1930), und zahlreiche Publikationen die hohe Wertschätzung Beckmanns.
Sein Schicksal änderte sich mit der Machtergreifung Adolf Hitlers, dessen Abneigung gegen die moderne Kunst schnell zu deren staatlicher Unterdrückung führte. 1933 bezeichnete die NS-Regierung Beckmann als „Kulturbolschewisten“ und entließ ihn aus seinem Lehrauftrag an der Kunsthochschule in Frankfurt. Im Jahr 1937 beschlagnahmte die Regierung mehr als 500 seiner Werke aus deutschen Museen und stellte einige davon in der berüchtigten Ausstellung Entartete Kunst in München aus. Am Tag nach Hitlers Rundfunkrede über die „Entartete Kunst“ im Jahr 1937 verließ Beckmann mit seiner zweiten Frau Quappi Deutschland und ging in die Niederlande.
Zehn Jahre lang lebte Beckmann im selbstgewählten Exil in Amsterdam und scheiterte mit seinen verzweifelten Versuchen, ein Visum für die Vereinigten Staaten zu erhalten. Im Jahr 1944 versuchten die Deutschen, ihn zur Armee einzuziehen, obwohl der sechzigjährige Künstler einen Herzinfarkt erlitten hatte. Die Werke, die in seinem Amsterdamer Atelier entstanden, waren noch kraftvoller und intensiver als die seiner Frankfurter Meisterjahre. Darunter befinden sich mehrere große Triptychen, die eine Zusammenfassung von Beckmanns Kunst darstellen.
Im Jahr 1947 nahm Beckmann eine Stelle an der St. Louis School of Fine Arts der Washington University an. In den letzten drei Jahren seines Lebens lehrte er an der Washington University (zusammen mit dem deutsch-amerikanischen Maler und Grafiker Werner Drewes) und am Brooklyn Museum. Er kam auf Einladung von Perry T. Rathbone, dem Direktor des Saint Louis Art Museum, nach St. Louis. Rathbone sorgte dafür, dass die Washington University Beckmann als Kunstlehrer einstellte und damit die von Philip Guston, der sich beurlauben ließ, frei gewordene Stelle besetzte. Die erste Beckmann-Retrospektive in den Vereinigten Staaten fand 1948 im City Art Museum, Saint Louis, statt. In St. Louis wurde Morton D. May sein Mäzen und, der bereits ein begeisterter Amateurfotograf und Maler war, ein Schüler des Künstlers. Später schenkte May dem St. Louis Art Museum einen großen Teil seiner umfangreichen Sammlung von Beckmanns Werken. Durch Beckmann lernte er auch die ozeanische und afrikanische Kunst schätzen.
Nach Zwischenstationen in Denver und Chicago bezogen er und Quappi eine Wohnung in der 38 West 69th Street in Manhattan. 1949 erhielt er eine Professur an der Kunstschule des Brooklyn Museum.
Beckmann litt an Angina pectoris und starb nach Weihnachten 1950 an einem Herzanfall an der Ecke 69th Street und Central Park West in New York City, nicht weit von seinem Wohnhaus entfernt. Wie sich die Witwe des Künstlers erinnerte, war er auf dem Weg, um eines seiner Gemälde im Metropolitan Museum of Art zu sehen. Beckmann hatte eine Einzelausstellung auf der Biennale von Venedig 1950, dem Jahr seines Todes. Ebenfalls in diesem letzten Jahr 1950 malte er das Werk Falling Man, das sowohl als Reflexion über die Sterblichkeit als auch als unheimliche Vorhersage der Springer und anderer Todeskandidaten gilt, die am 11. September 2001 von den Türmen des World Trade Centers stürzten.
Im Gegensatz zu einigen seiner avantgardistischen Zeitgenossen lehnte Beckmann die ungegenständliche Malerei ab; stattdessen griff er die Tradition der figurativen Malerei auf und führte sie weiter. Er bewunderte nicht nur Cézanne und Van Gogh, sondern auch Blake, Rembrandt und Rubens sowie die nordeuropäischen Künstler des späten Mittelalters und der frühen Renaissance wie Bosch, Bruegel und Matthias Grünewald. Sein Stil und seine Kompositionsweise sind teilweise in der Bildsprache der mittelalterlichen Glasmalerei verwurzelt.
Indem er sich mit den Genres Porträt, Landschaft, Stillleben und Historienmalerei auseinandersetzte, schuf er mit seinem vielfältigen Werk eine sehr persönliche, aber authentische Version des Modernismus, die eine gesunde Achtung vor den traditionellen Formen bewahrt. Beckmann erfand das religiöse Triptychon neu und erweiterte diesen Archetypus der mittelalterlichen Malerei zu einer Allegorie der heutigen Menschheit.
Von seinen Anfängen im Fin de Siècle bis in die Zeit nach dem Zweiten Weltkrieg spiegelt Beckmann in seinem Werk eine Epoche des Umbruchs in Kunst und Geschichte wider. Viele von Beckmanns Gemälden drücken die Qualen Europas in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts aus. Jahrhunderts zum Ausdruck. Einige seiner Bilder verweisen auf den dekadenten Glamour der Kabarettkultur der Weimarer Republik, aber ab den 1930er Jahren enthalten seine Werke oft mythologisierte Verweise auf die Brutalität der Nazis. Über diese unmittelbaren Anliegen hinaus erhalten seine Themen und Symbole eine größere Bedeutung, indem sie universelle Themen wie Terror, Erlösung und die Geheimnisse von Ewigkeit und Schicksal zum Ausdruck bringen.
Sein Selbstbildnis mit Horn (1938), gemalt während seines Exils in Amsterdam, zeigt seine Verwendung von Symbolen. In vielen seiner Gemälde tauchen Musikinstrumente auf, in diesem Fall ein Horn, das der Künstler wie ein Fernrohr hält, mit dem er die ihn umgebende Dunkelheit erkunden will. Die enge Rahmung der Figur innerhalb der Grenzen der Leinwand unterstreicht ihre Gefangenschaft. Die Kunsthistorikerin Cornelia Stabenow bezeichnet das Gemälde als „das melancholischste, aber auch das rätselhafteste seiner Selbstporträts“.
Viele von Beckmanns späten Gemälden sind in amerikanischen Museen ausgestellt. Er übte einen tiefgreifenden Einfluss auf amerikanische Maler wie Philip Guston und Nathan Oliveira und sogar auf den Bostoner Expressionismus aus, die Kunstbewegung, die sich später landesweit ausbreitete und heute als Amerikanischer Figurativer Expressionismus bezeichnet wird. Sein posthumer Ruf hat vielleicht unter seinem sehr individuellen künstlerischen Weg gelitten; wie Oskar Kokoschka entzieht er sich der bequemen Kategorisierung, die Kritikern, Kunsthistorikern und Kuratoren Themen liefert. Abgesehen von einer großen Retrospektive im New Yorker Museum of Modern Art, dem Boston Museum of Fine Arts und dem Art Institute of Chicago in den Jahren 1964-65 (mit einem ausgezeichneten Katalog von Peter Selz) und der prominenten Ausstellung des Triptychons Departure im MoMA war sein Werk in den Vereinigten Staaten jahrzehntelang kaum zu sehen. Zu seinem hundertsten Geburtstag 1984 wurde in New York nur eine bescheidene Ausstellung im Kunstmuseum des Bezirks Nassau gezeigt. Das Saint Louis Art Museum besitzt die größte öffentliche Sammlung von Beckmann-Gemälden in der Welt und veranstaltete 1998 eine große Ausstellung seiner Werke.
Seit dem Ende des 20. Jahrhunderts erlangt das Werk Beckmanns zunehmend internationales Ansehen. Es gab Retrospektiven und Ausstellungen im Museum of Modern Art (1995) und im Guggenheim Museum (1996) in New York sowie in den wichtigsten Museen von Rom (1996), Valencia (1996), Madrid (1997), Zürich (1998), München (2000), Frankfurt (2006) und Amsterdam (2007). In Spanien und Italien wurde Beckmanns Werk zum ersten Mal einer breiteren Öffentlichkeit zugänglich gemacht. Eine große Beckmann-Retrospektive wurde im Centre Pompidou in Paris gezeigt (2002). 2011 widmete das Städel in Frankfurt dem Künstler einen ganzen Raum in seiner neu eingerichteten Dauerausstellung moderner Kunst.
Eine Max-Beckmann-Gesellschaft wurde zunächst von Wilhelm Hausenstein, Benno Reifenberg Das Max-Beckmann-Archiv wurde 1977 gegründet und steht unter der Schirmherrschaft der Bayerischen Staatsgemäldesammlungen.
1996 erschien bei Piper, dem deutschen Verlag Beckmanns, der dritte und letzte Band der Briefe des Künstlers, der mit seinem Witz und seiner Vision zu den stärksten Schriftstellern deutscher Sprache zählt. Auch seine Essays, Theaterstücke und vor allem seine Tagebücher sind einzigartige historische Dokumente. Eine Auswahl von Beckmanns Schriften wurde 1996 in den Vereinigten Staaten von der University of Chicago Press herausgegeben.
Im Jahr 2003 veröffentlichte der Pariser Schriftsteller und Kunsthistoriker Stephan Reimertz eine Biografie über Max Beckmann. Darin werden zum ersten Mal zahlreiche Fotos und Quellen präsentiert. Die Biografie zeigt, dass Beckmann sich mit Schriftstellern und Philosophen wie Dostojewski, Schopenhauer, Nietzsche und Richard Wagner auseinandergesetzt hat. Das Buch ist noch nicht ins Englische übersetzt worden.
Im Jahr 2015 veröffentlichte das Saint Louis Art Museum Max Beckmann at the Saint Louis Art Museum: The Paintings, von Lynette Roth. Es ist ein umfassender Blick auf die Beckmann-Gemälde im SLAM, der größten Sammlung der Welt, und stellt sowohl den Künstler als auch die Werke in einen breiteren Kontext.
Obwohl Beckmann als ein bedeutender Künstler des 20. Jahrhunderts gilt, war er nie ein bekannter Name, und seine Werke haben hauptsächlich einen Nischenmarkt deutscher und österreichischer Sammler angesprochen. 1921 unterzeichnete Beckmann einen Exklusivvertrag mit der Druckgraphikhandlung J. B. Neumann in Berlin. Im Jahr 1938 hatte er die erste von zahlreichen Ausstellungen in der Buchholz Gallery von Curt Valentin in New York. Heute werden seine großen Gemälde regelmäßig für mehr als 1 Million Dollar verkauft, und seine Selbstporträts erzielen im Allgemeinen die höchsten Preise. Im Jahr 2001 zahlte Ronald Lauder bei Sotheby“s New York 22,5 Millionen Dollar für Beckmanns Selbstporträt mit Horn (1938) und stellte es in der Neuen Galerie in New York aus. 2017 zahlte ein anonymer Bieter bei Christie“s London die Rekordsumme von 45,8 Millionen Dollar für Beckmanns „Hölle der Vögel“. Dies ist ebenfalls ein neuer Weltrekord für ein Kunstwerk des deutschen Expressionismus.
Mehrere wichtige Werke von Beckmann wurden 2012 in der Münchner Wohnung von Cornelius Gurlitt entdeckt und sind Gegenstand intensiver Ermittlungen der deutschen Polizei und von Kunsthistorikern wegen ihrer Herkunft und ihres Verkaufs während der NS-Zeit.
Quellen
