Robert Rauschenberg
gigatos | Januar 2, 2022
Zusammenfassung
Milton Ernest „Robert“ Rauschenberg (22. Oktober 1925 – 12. Mai 2008) war ein amerikanischer Maler und Grafiker, dessen frühe Werke die Pop-Art-Bewegung vorwegnahmen. Rauschenberg ist bekannt für seine Combines (1954-1964), eine Gruppe von Kunstwerken, die alltägliche Gegenstände als Kunstmaterialien verwenden und die Grenzen zwischen Malerei und Skulptur verwischen. Rauschenberg war sowohl Maler als auch Bildhauer, aber er arbeitete auch mit Fotografie, Druckgrafik, Papierherstellung und Performance.
Während seiner fast 60-jährigen künstlerischen Laufbahn erhielt Rauschenberg zahlreiche Auszeichnungen. Zu den bedeutendsten zählen der Internationale Große Preis für Malerei auf der 32. Biennale von Venedig 1964 und die Nationale Kunstmedaille 1993.
Rauschenberg lebte und arbeitete bis zu seinem Tod am 12. Mai 2008 in New York City und auf Captiva Island, Florida.
Rauschenberg wurde als Milton Ernest Rauschenberg in Port Arthur, Texas, als Sohn von Dora Carolina (geb. Matson) und Ernest R. Rauschenberg geboren. Sein Vater war deutscher und Cherokee-Abstammung, seine Mutter niederländischer Abstammung. Sein Vater arbeitete für Gulf States Utilities, ein Strom- und Gasversorgungsunternehmen. Seine Eltern waren fundamentalistische Christen. Er hatte eine jüngere Schwester namens Janet Begneaud.
Mit 18 Jahren wurde Rauschenberg an der University of Texas in Austin zugelassen, wo er ein Studium der Pharmakologie aufnahm, das er jedoch nach kurzer Zeit wegen der Schwierigkeit der Lehrveranstaltungen abbrach – er wusste zu diesem Zeitpunkt nicht, dass er Legastheniker war – und weil er nicht bereit war, im Biologieunterricht einen Frosch zu sezieren. Im Jahr 1944 wurde er zur US-Marine eingezogen. In Kalifornien stationiert, diente er bis zu seiner Entlassung 1945 oder 1946 als neuropsychiatrischer Techniker in einem Marinekrankenhaus.
Anschließend studierte Rauschenberg am Kansas City Art Institute und an der Académie Julian in Paris, Frankreich, wo er seine Kommilitonin Susan Weil kennenlernte. Im Jahr 1948 schrieb sich Rauschenberg zusammen mit Weil am Black Mountain College in North Carolina ein.
In Black Mountain suchte Rauschenberg Josef Albers auf, einen Gründer des Bauhauses in Deutschland, über den er im August 1948 in einer Ausgabe des Time Magazine gelesen hatte. Er hoffte, dass die strengen Lehrmethoden von Albers seine gewohnte Schlampigkeit eindämmen würden. Albers“ vorbereitende Designkurse beruhten auf einer strengen Disziplin, die kein „unbeeinflusstes Experimentieren“ zuließ.
Rauschenberg wurde, in seinen eigenen Worten, „Albers“ Trottel, das herausragende Beispiel dafür, wovon er nicht sprach“. Obwohl Rauschenberg Albers als seinen wichtigsten Lehrer betrachtete, fand er in John Cage, einem etablierten Komponisten der Avantgarde-Musik, eine kompatiblere Sensibilität. Wie Rauschenberg hatte sich auch Cage von den disziplinierenden Lehren seines Lehrers Arnold Schönberg abgewandt und einen experimentelleren Zugang zur Musik gewählt. Cage bot Rauschenberg in den frühen Jahren seiner Karriere die dringend benötigte Unterstützung und Ermutigung, und die beiden blieben über Jahrzehnte hinweg Freunde und künstlerische Mitarbeiter.
Von 1949 bis 1952 studierte Rauschenberg bei Vaclav Vytlacil und Morris Kantor an der Art Students League in New York, wo er seine Künstlerkollegen Knox Martin und Cy Twombly kennenlernte.
Rauschenberg heiratete Susan Weil im Sommer 1950 im Haus der Familie Weil in Outer Island, Connecticut. Ihr einziges Kind, Christopher, wurde am 16. Juli 1951 geboren. Die beiden trennten sich im Juni 1952 und ließen sich 1953 scheiden. Danach unterhielt Rauschenberg romantische Beziehungen u. a. mit den Künstlerkollegen Cy Twombly und Jasper Johns. Sein Partner in den letzten 25 Jahren seines Lebens war der Künstler Darryl Pottorf,
In den 1970er Jahren zog er nach NoHo in Manhattan in New York City.
Rauschenberg kaufte das Beach House, sein erstes Anwesen auf Captiva Island, am 26. Juli 1968. Zu seinem ständigen Wohnsitz wurde das Haus jedoch erst im Herbst 1970.
Rauschenberg starb am 12. Mai 2008 auf Captiva Island, Florida, an Herzversagen.
Rauschenbergs Ansatz wurde manchmal als „neodadaistisch“ bezeichnet, eine Bezeichnung, die er mit dem Maler Jasper Johns teilte. Rauschenberg erklärte bekanntlich, dass „die Malerei sich sowohl auf die Kunst als auch auf das Leben bezieht“ und er „in der Lücke zwischen den beiden“ arbeiten wollte. Wie viele seiner dadaistischen Vorgänger stellte Rauschenberg die Unterscheidung zwischen Kunstobjekten und Alltagsgegenständen in Frage, und seine Verwendung von Readymade-Materialien griff die intellektuellen Fragen auf, die Marcel Duchamps Fountain (1917) aufgeworfen hatte. Duchamps dadaistischer Einfluss ist auch in Jasper Johns“ Gemälden von Zielscheiben, Ziffern und Flaggen zu beobachten, die vertraute kulturelle Symbole sind: „Dinge, die der Geist bereits kennt“.
Am Black Mountain College experimentierte Rauschenberg mit einer Vielzahl von künstlerischen Medien, darunter Druckgrafik, Zeichnung, Fotografie, Malerei, Skulptur und Theater, wobei seine Werke oft eine Kombination dieser Medien darstellten. In Black Mountain schuf er seine Night Blooming Paintings (1951), indem er Kieselsteine und Schotter in schwarzes Pigment auf Leinwand presste.
Vom Herbst 1952 bis zum Frühjahr 1953 reiste Rauschenberg mit seinem Künstlerkollegen und Partner Cy Twombly nach Italien und Nordafrika. Dort schuf er Collagen und kleine Skulpturen, darunter die Scatole Personali und Feticci Personali, aus gefundenen Materialien. Er stellte sie in Galerien in Rom und Florenz aus. Zu Rauschenbergs Überraschung verkauften sich einige der Werke; viele, die nicht verkauft wurden, warf er auf Anraten eines Kunstkritikers, der seine Ausstellung besprach, in den Fluss Arno.
Nach seiner Rückkehr nach New York City im Jahr 1953 begann Rauschenberg, Skulpturen aus vorgefundenen Materialien aus seiner Nachbarschaft in Lower Manhattan zu schaffen, z. B. aus Altmetall, Holz und Bindfäden. In den 1950er Jahren verdiente Rauschenberg seinen Lebensunterhalt mit der Gestaltung von Schaufensterdekorationen für Tiffany & Co. und Bonwit Teller, zunächst gemeinsam mit Susan Weil und später in Zusammenarbeit mit Jasper Johns unter dem Pseudonym Matson Jones.
In einem berühmt gewordenen Vorfall aus dem Jahr 1953 bat Rauschenberg den Maler des Abstrakten Expressionismus Willem de Kooning um eine Zeichnung mit dem ausdrücklichen Ziel, sie als künstlerisches Statement auszulöschen. Dieses konzeptionelle Werk mit dem Titel Erased de Kooning Drawing wurde mit dem Einverständnis des älteren Künstlers ausgeführt.
1961 verfolgte Rauschenberg einen ähnlichen konzeptionellen Ansatz, indem er eine Idee als Kunstwerk selbst präsentierte. Er wurde eingeladen, an einer Ausstellung in der Galerie Iris Clert in Paris teilzunehmen, bei der Künstler Porträts von Clert, der Galeristin, präsentieren sollten. Rauschenbergs Beitrag bestand aus einem Telegramm, in dem er erklärte: „Dies ist ein Porträt von Iris Clert, wenn ich das sage.“
1962 begann Rauschenberg, nicht nur gefundene Gegenstände, sondern auch gefundene Bilder in seine Gemälde einzubeziehen. Nach einem Besuch in Andy Warhols Atelier in jenem Jahr begann Rauschenberg mit dem Siebdruckverfahren, das normalerweise kommerziellen Reproduktionsmitteln vorbehalten ist, um Fotografien auf die Leinwand zu übertragen. Die zwischen 1962 und 1964 entstandenen Siebdrucke veranlassten die Kritiker, Rauschenbergs Werk der Pop Art zuzuordnen.
Rauschenberg hatte in seinen Kunstwerken seit der Herstellung seiner frühen Combines Mitte der 1950er Jahre mit Technologie experimentiert, wobei er manchmal funktionierende Radios, Uhren und elektrische Ventilatoren als skulpturale Materialien verwendete. Später vertiefte er sein Interesse an der Technik in der Zusammenarbeit mit dem Bell Laboratories-Forscher Billy Klüver. Gemeinsam realisierten sie einige von Rauschenbergs ehrgeizigsten technologiebasierten Experimenten, wie etwa Soundings (1968), eine Lichtinstallation, die auf Umgebungsgeräusche reagierte. 1966 riefen Klüver und Rauschenberg offiziell Experiments in Art and Technology (E.A.T.) ins Leben, eine gemeinnützige Organisation, die die Zusammenarbeit zwischen Künstlern und Ingenieuren fördern sollte.
1969 lud die NASA Rauschenberg ein, den Start von Apollo 11 mitzuerleben. Als Reaktion auf dieses bahnbrechende Ereignis schuf Rauschenberg seine Lithografieserie Stoned Moon. Dabei kombinierte er Diagramme und andere Bilder aus den Archiven der NASA mit seinen eigenen Zeichnungen und handschriftlichen Texten.
Ab 1970 arbeitete Rauschenberg von seinem Haus und Studio in Captiva, Florida, aus. Die ersten Werke, die er in seinem neuen Atelier schuf, waren Cardboards (1971-72) und Early Egyptians (1973-74), für die er Materialien aus der Umgebung wie Pappe und Sand verwendete. Hatte Rauschenberg in seinen früheren Arbeiten häufig urbane Bilder und Materialien in den Vordergrund gestellt, so bevorzugte er nun die Wirkung von Naturfasern, die in Stoffen und Papier vorkommen. Für Hoarfrost bedruckte er Textilien mit seiner Solvent-Transfer-Technik (bei letzterem wurden große Flächen von collagierten Stoffen auf Holzplatten aufgebracht). Für seine Serie Jammer (1975-76) verwendete Rauschenberg farbenfrohe Stoffe, die von seiner Reise nach Ahmedabad, Indien, einer für ihre Textilien berühmten Stadt, inspiriert waren. Die bilderlose Einfachheit der Jammer-Serie steht in auffälligem Kontrast zu den bildreichen Hoarfrosts und der Rauheit seiner frühesten, in New York City entstandenen Werke.
Internationale Reisen wurden nach 1975 zu einem zentralen Bestandteil von Rauschenbergs künstlerischem Prozess. Im Jahr 1984 kündigte Rauschenberg bei den Vereinten Nationen den Beginn seines Rauschenberg Overseas Culture Interchange (ROCI) an. Das ROCI-Projekt, das fast vollständig vom Künstler selbst finanziert wurde, bestand aus einer siebenjährigen Tournee durch zehn Länder der Welt. In jedem Land machte Rauschenberg Fotos und schuf Kunstwerke, die von den besuchten Kulturen inspiriert waren. Die so entstandenen Werke wurden in jedem Land in einer lokalen Ausstellung gezeigt. Oft stiftete Rauschenberg ein Kunstwerk an eine lokale Kultureinrichtung.
Ab Mitte der 1980er Jahre konzentrierte sich Rauschenberg auf den Siebdruck von Bildern auf eine Vielzahl von unterschiedlich behandelten Metallen wie Stahl und verspiegeltem Aluminium. Er schuf zahlreiche Serien von sogenannten „Metallbildern“, darunter: Borealis (1988-92), Urban Bourbons (1988-1996), Phantoms (1991) und Night Shades (1991). Darüber hinaus setzte Rauschenberg in den 1990er Jahren weiterhin neue Materialien ein und arbeitete gleichzeitig mit rudimentäreren Techniken. Als Teil seiner Auseinandersetzung mit den neuesten technologischen Innovationen übertrug er in seiner späten Gemäldeserie digitale Inkjet-Fotografien auf eine Vielzahl von Bildträgern. Für seine Arcadian Retreats (1996) übertrug er die Bilder auf Nassfresko. Im Einklang mit seinem Engagement für die Umwelt verwendete Rauschenberg biologisch abbaubare Farbstoffe und Pigmente sowie Wasser anstelle von Chemikalien für den Übertragungsprozess.
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Die weißen Gemälde, die schwarzen Gemälde und die roten Gemälde
1951 schuf Rauschenberg seine White Painting-Serie in der Tradition der monochromen Malerei von Kasimir Malewitsch, der die Malerei auf ihre wesentlichsten Qualitäten reduzierte, um eine Erfahrung von ästhetischer Reinheit und Unendlichkeit zu ermöglichen. Die White Paintings wurden im Herbst 1953 in der Stable Gallery von Eleanor Ward in New York ausgestellt. Rauschenberg benutzte alltägliche weiße Hausfarbe und Farbroller, um glatte, ungeschönte Oberflächen zu schaffen, die auf den ersten Blick wie leere Leinwände wirken. John Cage bezeichnete die White Paintings jedoch nicht als inhaltslos, sondern als „Flughäfen für Licht, Schatten und Partikel“; Oberflächen, die feine atmosphärische Veränderungen im Raum widerspiegelten. Rauschenberg selbst sagte, dass sie von den Umgebungsbedingungen beeinflusst würden, „so dass man fast sagen könnte, wie viele Leute im Raum sind“. Wie die White Paintings wurden auch die schwarzen Gemälde von 1951-1953 auf mehreren Tafeln ausgeführt und waren überwiegend einfarbig. Rauschenberg trug matte und glänzende schwarze Farbe auf strukturierte Zeitungsgründe auf Leinwand auf, wobei die Zeitung gelegentlich sichtbar blieb.
1953 war Rauschenberg von den White Painting- und Black Painting-Serien zu dem gesteigerten Expressionismus seiner Red Painting-Serie übergegangen. Er betrachtete Rot als „die schwierigste Farbe“, mit der man malen kann, und nahm die Herausforderung an, indem er Schichten von rotem Pigment direkt auf Leinwandgründe wie gemusterten Stoff, Zeitungspapier, Holz und Nägel tropfte, klebte und drückte. Die komplexen Materialoberflächen der Red Paintings waren Vorläufer von Rauschenbergs bekannter Combine-Serie (1954-1964).
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Kombiniert
Rauschenberg sammelte weggeworfene Gegenstände auf den Straßen von New York City und brachte sie in sein Atelier zurück, wo er sie in seine Arbeit integrierte. Er behauptete, er „wollte etwas anderes als das, was ich selbst herstellen konnte, und ich wollte die Überraschung, die Kollektivität und die Großzügigkeit, Überraschungen zu finden, nutzen. So wurde das Objekt selbst durch seinen Kontext verändert und dadurch zu etwas Neuem.“
Rauschenbergs Bemerkung über die Kluft zwischen Kunst und Leben bildet den Ausgangspunkt für das Verständnis seiner Beiträge als Künstler. Er sah die potenzielle Schönheit in fast allem; er sagte einmal: „Mir tun die Leute wirklich leid, die Dinge wie Seifenschalen, Spiegel oder Colaflaschen für hässlich halten, denn sie sind den ganzen Tag von solchen Dingen umgeben, und das muss sie unglücklich machen.“ Seine Combine-Serie verlieh alltäglichen Gegenständen eine neue Bedeutung, indem er sie neben traditionellen Malmaterialien in den Kontext der bildenden Kunst stellte. Die Combines hoben die Grenzen zwischen Kunst und Skulptur auf, so dass beide in einem einzigen Kunstwerk präsent waren. Obwohl sich „Combines“ technisch gesehen auf Rauschenbergs Werk von 1954 bis 1964 bezieht, verwendete Rauschenberg während seiner gesamten künstlerischen Laufbahn weiterhin Alltagsgegenstände wie Kleidung, Zeitungen, städtischen Müll und Karton.
Seine Übergangswerke, die zur Entstehung der Combines führten, waren Charlene (1954) und Collection (19541955), in denen er Gegenstände wie Schals, Glühbirnen, Spiegel und Comicstrips collagierte. Obwohl Rauschenberg in seinen Black Paintings und Red Paintings bereits Zeitungen und gemusterte Textilien verwendet hatte, räumte er in den Combines Alltagsgegenständen den gleichen Stellenwert ein wie den traditionellen Malmaterialien. Bed (1955), das als eines der ersten Combines gilt, entstand, indem er rote Farbe über eine abgenutzte Steppdecke, ein Laken und ein Kopfkissen schmierte. Das Werk wurde wie ein traditionelles Gemälde vertikal an die Wand gehängt. Aufgrund der engen Verbindung der Materialien mit dem eigenen Leben des Künstlers wird Bed oft als Selbstporträt und direkter Abdruck von Rauschenbergs innerem Bewusstsein betrachtet. Einige Kritiker meinten, das Werk könne als Symbol für Gewalt und Vergewaltigung gelesen werden, doch Rauschenberg beschrieb Bed als „eines der freundlichsten Bilder, die ich je gemalt habe.“ Zu seinen berühmtesten Combines gehören jene, die präparierte Tiere enthalten, wie Monogram (1955-1959), das eine ausgestopfte Angoraziege enthält, und Canyon (1959), das einen ausgestopften Steinadler zeigt. Obwohl der Adler aus dem Müll geborgen wurde, zog Canyon aufgrund des Gesetzes zum Schutz von Weißkopf- und Steinadlern von 1940 den Zorn der Regierung auf sich.
Die Kritiker betrachteten die Combines ursprünglich unter dem Aspekt ihrer formalen Qualitäten: Farbe, Textur und Komposition. Die formalistische Sichtweise der 1960er Jahre wurde später von dem Kritiker Leo Steinberg widerlegt, der sagte, jedes Combine sei „eine Rezeptionsfläche, auf der Objekte verstreut sind, auf der Daten eingegeben werden“. Steinberg zufolge hatte die Horizontalität von Rauschenbergs „Flachbett-Bildebene“, wie er sie nannte, die traditionelle Vertikalität der Malerei ersetzt und ermöglichte in der Folge die einzigartigen materialgebundenen Oberflächen von Rauschenbergs Werk.
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Performance und Tanz
Rauschenberg begann sein Interesse am Tanz zu erforschen, nachdem er in den frühen 1950er Jahren nach New York gezogen war. Am Black Mountain College kam er erstmals mit Avantgarde-Tanz und Performance-Kunst in Berührung, wo er an John Cages Theatre Piece No. 1 (1952) mitwirkte, das oft als erstes Happening gilt. Er begann, Bühnenbilder, Beleuchtung und Kostüme für Merce Cunningham und Paul Taylor zu entwerfen. In den frühen 1960er Jahren war er an den radikalen Tanztheater-Experimenten in der Judson Memorial Church in Greenwich Village beteiligt und choreografierte im Mai 1963 seine erste Performance Pelican (1963) für das Judson Dance Theater. Rauschenberg war eng mit Cunningham nahestehenden Tänzern wie Carolyn Brown, Viola Farber und Steve Paxton befreundet, die alle in seinen choreografierten Werken auftraten. Rauschenbergs Vollzeitverbindung zur Merce Cunningham Dance Company endete nach deren Welttournee 1964. 1966 kreierte Rauschenberg die Performance Open Score für einen Teil von 9 Evenings: Theatre and Engineering in der 69th Regiment Armory, New York. Die Reihe war entscheidend für die Gründung von Experiments in Art and Technology (E.A.T.).
1977 arbeiteten Rauschenberg, Cunningham und Cage zum ersten Mal seit dreizehn Jahren wieder zusammen und schufen Travelogue (1977), für das Rauschenberg die Kostüme und das Bühnenbild beisteuerte. Nach 1967 choreographierte Rauschenberg keine eigenen Werke mehr, arbeitete aber für den Rest seiner künstlerischen Laufbahn weiterhin mit anderen Choreographen zusammen, darunter auch mit Trisha Brown.
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Provisionen
Im Laufe seiner Karriere entwarf Rauschenberg zahlreiche Plakate zur Unterstützung von Anliegen, die ihm wichtig waren. Als die Zeitschrift Life ihn 1965 beauftragte, ein modernes Inferno zu visualisieren, zögerte er nicht, seiner Wut über den Vietnamkrieg und andere zeitgenössische gesellschaftspolitische Themen wie rassistische Gewalt, Neonazismus, politische Attentate und ökologische Katastrophen Luft zu machen.
Am 30. Dezember 1979 druckte der Miami Herald 650.000 Exemplare seines Sonntagsmagazins Tropic mit einem von Rauschenberg gestalteten Cover. 1983 gewann er einen Grammy Award für die Gestaltung des Albums „Speaking in Tongues“ der Talking Heads. 1986 wurde Rauschenberg von BMW beauftragt, einen BMW 635 CSi in Originalgröße für die sechste Ausgabe des berühmten BMW Art Car Project zu bemalen. Rauschenbergs Auto war das erste im Rahmen des Projekts, das Reproduktionen von Werken aus dem Metropolitan Museum of Art, New York, sowie seine eigenen Fotografien enthielt.
1998 gab der Vatikan zu Ehren des Jubiläumsjahres 2000 ein Werk bei Rauschenberg in Auftrag, das in der Liturgischen Halle von Padre Pio in San Giovanni Rotondo, Italien, ausgestellt werden sollte. Zum Thema des Jüngsten Gerichts schuf Rauschenberg The Happy Apocalypse (1999), eine zwei Meter lange Maquette. Sie wurde schließlich vom Vatikan mit der Begründung abgelehnt, dass Rauschenbergs Darstellung von Gott als Satellitenschüssel ein unangemessener theologischer Bezug sei.
Rauschenberg hatte seine erste Einzelausstellung in der Betty Parsons Gallery im Frühjahr 1951. Während eines Italienaufenthalts im Jahr 1953 wurden Irene Brin und Gaspero del Corso auf ihn aufmerksam und organisierten seine erste europäische Ausstellung in ihrer berühmten Galerie in Rom. 1953 wurde Rauschenberg von Eleanor Ward eingeladen, an einer gemeinsamen Ausstellung mit Cy Twombly in der Stable Gallery teilzunehmen. In seiner zweiten Einzelausstellung in New York in der Charles Egan Gallery zeigte Rauschenberg 1954 seine Red Paintings (1953-1953) und Combines (1954-1964). Leo Castelli veranstaltete 1958 eine Einzelausstellung von Rauschenbergs Combines. Der einzige Verkauf war der Erwerb von Bed (1955) durch Castelli selbst, das sich heute in der Sammlung des Museum of Modern Art, New York, befindet.
Die erste Retrospektive von Rauschenbergs Karriere wurde 1963 vom Jewish Museum in New York organisiert. 1964 gewann er als einer der ersten amerikanischen Künstler den Großen Preis der Malerei auf der Biennale von Venedig (zuvor hatten Mark Tobey und James Whistler 1895 bzw. 1958 Preise für Malerei erhalten). Eine Retrospektive zur Mitte seiner Karriere wurde von der National Collection of Fine Arts (heute Smithsonian American Art Museum) in Washington, D.C., organisiert und wanderte zwischen 1976 und 1978 durch die Vereinigten Staaten.
In den 1990er Jahren fand eine Retrospektive im Solomon R. Guggenheim Museum, New York, statt (1997), die bis 1999 in Museen in Houston, Köln und Bilbao gezeigt wurde. Eine Ausstellung von Combines wurde im Metropolitan Museum of Art, New York, gezeigt (bis 2007 im Museum of Contemporary Art, Los Angeles, im Centre Georges Pompidou, Paris, und im Moderna Museet, Stockholm, zu sehen). Die erste posthume Retrospektive Rauschenbergs wurde in der Tate Modern gezeigt (bis 2017 im Museum of Modern Art, New York, und im San Francisco Museum of Modern Art).
Weitere Ausstellungen sind: Robert Rauschenberg: Jammers, Gagosian Gallery, London ( A Visual Lexicon, Leo Castelli Gallery (Rauschenberg in China, Ullens Center for Contemporary Art, Beijing (und Rauschenberg: The 14 Mile im Los Angeles County Museum of Art (2018-2019).
Rauschenberg glaubte fest an die Macht der Kunst als Katalysator für sozialen Wandel. Der Rauschenberg Overseas Culture Interchange (ROCI) wurde 1984 ins Leben gerufen, um den internationalen Dialog zu fördern und das kulturelle Verständnis durch künstlerischen Ausdruck zu verbessern. Eine ROCI-Ausstellung wurde 1991 in der National Gallery of Art, D.C., gezeigt und bildete den Abschluss einer Tournee durch zehn Länder: Mexiko, Chile, Venezuela, China, Tibet, Japan, Kuba, U.S.S.R., Deutschland und Malaysia.
1970 rief Rauschenberg ein Programm mit dem Namen Change, Inc. ins Leben, um bildenden Künstlern je nach finanzieller Bedürftigkeit einmalige Soforthilfen von bis zu 1.000 Dollar zu gewähren. 1990 gründete Rauschenberg die Robert Rauschenberg Foundation (RRF), um das Bewusstsein für seine Anliegen wie Weltfrieden, Umwelt und humanitäre Fragen zu fördern. Im Jahr 1986 erhielt Rauschenberg den Golden Plate Award der American Academy of Achievement. 1993 wurde ihm von Präsident Bill Clinton die National Medal of Arts verliehen. Im Jahr 2000 wurde Rauschenberg mit dem amfAR Award of Excellence for Artistic Contributions to the Fight Against AIDS geehrt.
Die RRF besitzt heute zahlreiche Werke Rauschenbergs aus allen Schaffensperioden. Im Jahr 2011 präsentierte die Stiftung in Zusammenarbeit mit der Gagosian Gallery The Private Collection of Robert Rauschenberg mit einer Auswahl aus Rauschenbergs persönlicher Kunstsammlung. Die Erlöse aus dieser Ausstellung trugen zur Finanzierung der philanthropischen Aktivitäten der Stiftung bei. Ebenfalls 2011 startete die Stiftung das Projekt „Artist as Activist“ und lud den Künstler Shepard Fairey ein, sich mit einem Thema seiner Wahl zu beschäftigen. Die von ihm angefertigten Werke wurden verkauft, um Spenden für die Coalition for the Homeless zu sammeln. Die RRF unterstützt weiterhin jedes Jahr aufstrebende Künstler und Kunstorganisationen mit Stipendien und philanthropischen Kooperationen. Die RRF bietet mehrere Residenzprogramme an, die am Hauptsitz der Stiftung in New York und auf dem Anwesen des verstorbenen Künstlers in Captiva Island, Florida, stattfinden.
2013 setzte Dale Eisinger von Complex Open Score (1966) auf den siebten Platz in seiner Liste der größten Performance-Kunstwerke aller Zeiten.
2010 wurde Studio Painting (1960-61), eines von Rauschenbergs Combines, das ursprünglich auf 6 bis 9 Millionen Dollar geschätzt wurde, für 11 Millionen Dollar bei Christie“s, New York, aus der Sammlung von Michael Crichton erworben. Im Jahr 2019 verkaufte Christie“s das Siebdruckgemälde Buffalo II (1964) für 88,8 Millionen Dollar und brach damit den bisherigen Rekord des Künstlers.
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Lobbyarbeit für die Folgerechtsvergütung von Künstlern
In den frühen 1970er Jahren setzte sich Rauschenberg im US-Kongress für die Verabschiedung eines Gesetzes ein, das Künstlern beim Weiterverkauf ihrer Werke auf dem Sekundärmarkt eine Entschädigung zahlen sollte. Rauschenberg nahm seinen Kampf für die Entschädigung von Künstlern beim Weiterverkauf auf, nachdem der Taxibaron Robert Scull einen Teil seiner Sammlung von Werken des Abstrakten Expressionismus und der Pop Art für 2,2 Millionen Dollar verkauft hatte. Scull hatte ursprünglich Rauschenbergs Gemälde Thaw (Tauwetter) erworben. Etwa ein Jahrzehnt später verkaufte Scull die Werke 1973 bei einer Auktion von Sotheby Parke Bernet in New York für 85.000 $ und 90.000 $.
Rauschenbergs Lobbyarbeit wurde 1976 belohnt, als der kalifornische Gouverneur Jerry Brown den California Resale Royalty Act of 1976 unterzeichnete. Nach dem Sieg in Kalifornien setzte sich der Künstler weiterhin für eine landesweite Gesetzgebung zur Wiederverkaufsgebühr ein.
Quellen
