Stuart Davis (Maler)
gigatos | Januar 25, 2022
Zusammenfassung
Stuart Davis (geboren am 7. Dezember 1892 in Philadelphia, gestorben am 24. Juni 1964 in New York City) war ein amerikanischer Maler und Grafiker der Moderne, der vor allem für seine in leuchtenden Farben gehaltenen Studien des amerikanischen Alltagslebens bekannt ist. Er wurde berühmt, weil er die Sprache der Jazzmusik auf die moderne Malerei übertrug.
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Jugend und Bildung
Stuart Davis war der Sohn von Edward Wyatt Davis und der Bildhauerin Helen Stuart Davis. Beide Elternteile studierten an der Pennsylvania Academy of the Fine Arts. Die Mutter stellte ihre Werke in Philadelphia und New York aus. Der Vater war Leiter der Kunstabteilung der Philadelphia Press, wo er seine Freunde John French Sloan, William Glackens, George Luks und Everett Shinn als Illustratoren beschäftigte. Im Jahr 1901 zog die Familie Davis nach East Orange, New Jersey. 1909 brach Davis die High School ab und studierte die nächsten drei Jahre an der New Yorker Kunstschule von Robert Henri (Gründer der Gruppe Die Acht). Obwohl er in einem realistischen Stil malte, lehnte er den akademischen Idealismus ab und forderte seine Schüler auf, das städtische Leben zu beobachten und zu studieren, wie sie es auf den Straßen, in Konzertsälen, Kneipen und anderswo beobachteten. Davis“ Wertschätzung für zeitgenössische und abstrakte Kunst ergab sich gerade aus seinem Interesse an den Werken der zukünftigen Mitglieder der Ashcan School.
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Die Errungenschaften der Moderne adaptieren
Im Jahr 1913 stellte Davis fünf Aquarelle auf der Armory Show aus, einer internationalen Ausstellung moderner Kunst, die sein Interesse an der Kunst der Moderne weckte. Die Ausstellung wurde von französischen Künstlern dominiert, deren Kunst den größten Einfluss auf die amerikanische Kunst hatte. Mit Werken von Künstlern wie: Henri Matisse, Georges Braque, Marcel Duchamp und Pablo Picasso Fauvismus und Kubismus waren stark vertreten. Davis konnte sehen, wie europäische Avantgarde-Künstler wie Henri Matisse und Paul Gauguin ihre innovativen Ideen über moderne Formen umsetzten. Sie verwendeten Farben, die nichts mit der Realität zu tun hatten. Davis machte sich mit dem Kubismus vertraut, der die Formen einer Fragmentierung unterzog, den Raum verflachte und Wörter aus Zeitungsüberschriften oder Produktetiketten als kompositorische Elemente in seinen Gemälden verwendete. In den folgenden Jahren bemühte sich Davis, die Errungenschaften des Modernismus, die er auf der Armory Show erfahren hatte, zu übernehmen, insbesondere was die Farbe, die Form, die Behandlung der Oberfläche und die Komposition des Werks betraf. Er war sich bewusst, dass die Erfahrungen, die er in der Zusammenarbeit mit Robert Henri gesammelt hatte, nicht mehr ausreichten.
Von 1911 bis 1916 arbeitete Davis als Illustrator und Cartoonist für die Zeitschrift The Masses und experimentierte weiter mit verschiedenen Stilen, darunter Postimpressionismus, Fauvismus und Kubismus. Viele seiner Gemälde aus den Jahren 1916-1919, wie Gloucester Street (Museum of Fine Arts, Boston), Garage (1917, Sammlung Earl Davis) und Gas Station (1917, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden), zeichnen sich durch kräftige Farben und einen flüssigen, energischen Pinselstrich aus. Nach zwei Sommern, die er in Provincetown, Massachusetts, verbrachte, interessierte sich Davis für die Küste Neuenglands und verbrachte bis 1934 regelmäßig die Sommersaison in Gloucester. Inspiriert von den Gemälden von Cézanne, Gauguin, Matisse und van Gogh, malte er farbenfrohe Landschaften und Hafenszenen. 1921 schuf er einige der abstraktesten Werke seiner Karriere, darunter Gemälde, die vom Dadaismus inspirierte Zigarettenschachteln, Etiketten, Glühbirnen, Mundwasserflaschen, Salzstreuer und Schneebesen zum Thema hatten. Ihr Beispiel ist das Gemälde Lucky Strike (1921, Museum of Modern Art), das eine präzise gemalte Zigarettenschachtel im Stil der kubistischen Collage zeigt, mit sich überlagernden Farben, dunkel gegen hell, mit vertikalen und horizontalen Formen. Im Jahr 1922 wurde Davis Mitglied der Modern Artists of America. Als etablierter moderner Künstler verschaffte er sich Zugang zu den Kreisen der New Yorker Avantgarde. Im Laufe der Jahre schloss er Freundschaft mit abstrakten Malern wie Charles Demuth, Arshile Gorky, John D. Graham und dem Dichter William Carlos Williams.
In den Jahren 1927 und 1928 arbeitete er an der bekannten Schneebesen-Serie, einer persönlichen Erkundung der kubistischen Form und des Raums, für die er Gegenstände wie einen Schneebesen, einen elektrischen Ventilator und Gummihandschuhe verwendete. Die Serie erscheint als eine Art Katharsis, mit der er versucht, sein Werk von den letzten Resten des Illusionismus zu befreien. Er malte die oben genannten Requisiten, die Elemente des Stillebens sind, so oft, bis sie vor seinen Augen und in seinem Kopf nicht mehr existierten, abgesehen von den Verbindungen zwischen Farbe, Linie und Form. In diesen und einigen anderen Werken aus der gleichen Zeit erreicht er einen Grad an vereinfachter Abstraktion, der alles übertrifft, was er in den nächsten zehn Jahren zu schaffen gedenkt. Er etablierte in seinen Gemälden auch bestimmte Gestaltungsmotive, die er später in anderen Werken weiterentwickelte.
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Abreise nach Paris
Nach einem erfolgreichen Debüt in der Valentine Gallery ermutigte ihn seine Förderin Gertrude Vanderbilt Whitney, nach Paris zu gehen. Mit ihrer finanziellen Unterstützung reiste er zusammen mit seiner Freundin Bessie Chosak dorthin. In Paris richtete er ein Atelier im Viertel Montparnasse ein. Während seines vierzehnmonatigen Aufenthalts malte er Straßenlandschaften mit leuchtenden Farben und typisch französischen Details wie Balustraden, Fensterläden, Mansarden und Cafés. Im Jahr 1929 heiratete er Bessie Chosak.
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Rückkehr in die Vereinigten Staaten
Im Jahr 1929 kehrte Davis in die Vereinigten Staaten zurück. Im selben Jahr starb sein Mentor Robert Henri. In den 1930er Jahren wurde Amerika von der Großen Depression erfasst. Als Präsident Franklin Delano Roosevelt 1933 ein Bundesprogramm zur Förderung der Künste ankündigte, gehörte Davis zu den ersten, die sich daran beteiligten. Zwischen 1933 und 1939 realisierte er mehrere Wandgemälde im Rahmen des Public Works of Art Program, des Federal Art Project und der Works Progress Administration. Dank der finanziellen Unterstützung durch die Regierung konnte er seine Auseinandersetzung mit dem Formalismus und amerikanischen Themen fortsetzen. Um die Interessen der Künstler zu fördern und sie vor Krieg und Faschismus zu schützen, wurde er Mitglied der Artists Union und des American Artists“ Congress. Im Jahr 1934 wurde er zum Präsidenten des Künstlerverbandes The Artists Union gewählt. Von 1935 bis 1936 war er Herausgeber der Zeitschrift Art Front. Er versuchte jedoch, seine soziale Arbeit nicht mit seiner künstlerischen Tätigkeit zu verbinden. In den 1930er Jahren setzten Davis“ große Gemälde das Zusammenspiel von klar definierten, fragmentierten Objekten mit geometrisch-abstrakten Strukturen fort. Gleichzeitig führt der Künstler zahlreiche Experimente mit der vollständigen Abstraktion durch, insbesondere in Strichzeichnungen und Gemälden. Seine Farben wurden immer leuchtender, und in vielen Werken verstärkte er den Eindruck von Tempo, Bewegung, Heiterkeit und Rhythmus durch eine zunehmende Verflechtung kleinerer, unregelmäßigerer und kontrastreicher farbiger Formen. Die Gemälde der frühen 1930er Jahre enthielten geordnete, klar identifizierbare Objekte: eine Zapfsäule, Gebäude, Möbel, Hüte, Autos und Schilder, eingebettet in lebendige Stadtlandschaften. In den Werken der späten 1930er Jahre werden die Gegenstände entmaterialisiert und in Formen mit farbigen Konturen verwandelt. Dies war der Beginn von fünfundzwanzig Jahren reifer abstrakter Malerei in der Karriere des Künstlers. Eine gewisse Ausnahme bildet das großformatige (14 × 46 m), nur als Skizze erhaltene Wandgemälde Geschichte der Kommunikation von 1939, dessen erkennbares Sujet wohl durch die Umstände des Auftrags bedingt war.
In den frühen 1940er Jahren entstehen jedoch auch mehr oder weniger figurative Gemälde wie New York Under Gaslight von 1941, während Davis gleichzeitig eine Reihe brillanter abstrakter Landschaften malt: Hot Stillscape in Six Colours (1940), Arboretum by Flashbulb (1942), Ursine Park (1942) und Ultramarine (1943). Bezeichnenderweise verzichten sie auf naturalistische visuelle Illusionen, obwohl sie starke Assoziationen zur Landschaft beibehalten. Wiederholte, zerklüftete Formen schaffen ein gebrochenes Gesamtmuster. Die verwendeten Farben sind eindeutig rot, grün und blau, mit deutlichen schwarz-weißen Unterbrechungen. In den späten 1940er Jahren schuf Davis eine Reihe kleiner, experimenteller Gemälde, denen er die Titel Pad (eher Jazz Sense) und Max gab, zusammen mit fortlaufenden Nummern, um sie zu unterscheiden. Sie sind frei von jeglichen Elementen, die sie mit dem Figurativen in Verbindung bringen, mit Ausnahme des Wortes „Pad“, und sind Ausdruck abstrakter Experimente, von rein geometrischen bis hin zu stark expressionistischen Formen. Ihr Beispiel ist The Mellow Pad, an dem der Künstler zwischen 1945 und 1951 mit Unterbrechungen arbeitete und das ein Versuch war, die oben erwähnten abstrakten Skizzen zu einer monumentaleren Komposition zu entwickeln.
Parallel zu seiner Tätigkeit als Maler war Davis auch als Pädagoge aktiv: 1932 unterrichtete er an der Art Students League of New York, 1940 wurde er Dozent an der New School for Social Research und 1950 an der Yale University.
Davis malte bis zu seinem Tod intensiv weiter. In zahlreichen kleinen Gemälden in Öl oder Gouache experimentierte er mit neuen Ideen oder überprüfte ältere Motive auf mögliche Weiterentwicklungen, wie z.B. Combination Concrete II (1958) oder The Paris Bit (1959), ein nostalgisches Pastiche mit Pariser Reminiszenzen. In seinem Atelier hinterließ er mehrere unvollendete Gemälde und Zeichnungen, die seine kreativen Methoden und die unerschöpfliche Fruchtbarkeit seiner Phantasie dokumentieren. Er hinterließ auch viele Notizbücher mit Beobachtungen und Aufzeichnungen seiner Ideen im Hinblick auf ihre spätere Entwicklung. Davis ist fast der einzige amerikanische Maler des 20. Jahrhunderts, dessen Werk alle Stilwechsel, Bewegungen und Moden überdauert hat. Selbst in den 1950er Jahren, als der abstrakte Expressionismus die amerikanische Szene beherrschte, hatte der Künstler weiterhin Respekt und Bewunderung für die experimentellsten neuen Künstler.
In seinen späteren Jahren war Davis weiterhin künstlerisch erfolgreich. In den Jahren 1952 und 1954 erhielt er als Vertreter der Vereinigten Staaten Auszeichnungen auf der Biennale von Venedig. Darüber hinaus wurde er 1958 und 1960 mit dem Internationalen Solomon R. Guggenheim-Preis ausgezeichnet. Er starb plötzlich an einem Schlaganfall und hinterließ ein künstlerisches Vermächtnis von Gemälden und einen Ruf als einer der ersten Modernisten Amerikas. Der Kunstkritiker Brian O“Doherty beschrieb ihn in der New York Times als „einen der wenigen großen Maler, die Amerika hervorgebracht hat, der nie anachronistisch war“.
Davis begann seine künstlerische Laufbahn in der Tradition des amerikanischen Realismus, vertreten durch die Schule von Robert Henri. Später erkundet er die postimpressionistische und fauvistische Malerei und in den 1920er Jahren die europäischen Techniken der Abstraktion und des synthetischen Kubismus. Diese Erfahrungen gipfelten in der Eggbeater Series. Es ist Davis, dem die Entwicklung der amerikanischen Variante des europäischen Kubismus zugeschrieben wird. Durch die Verwendung eines eindeutig amerikanischen Slangs und Symbolismus festigten seine Gemälde die Position der Vereinigten Staaten in der Welt der zeitgenössischen Kunst. Davis war einer der ersten, der Jazz und Swing zusammen mit Malerei behandelte. Die Verwendung leuchtender, pulsierender Farben, ausdrucksstarker Linien und sich wiederholender Formen verleiht seinen Gemälden einen visuellen Rhythmus, der an die für die Jazzmusik so charakteristische Synkopierung und Improvisation erinnert. Davis führte eine neue, postkubistische Herangehensweise an die Abstraktion ein, indem er Formen über die Leinwand verstreute und kräftige Farben so manipulierte, dass der Brennpunkt, der die Aufmerksamkeit des Betrachters fokussiert, wegfällt. Diese neue Methode, bei der alle Teile des Gemäldes gleichwertig sind und der Blick des Betrachters ungerichtet umherschweifen kann, war ein wichtiger Schritt in Richtung der totalen Abstraktion, wie sie von abstrakten Expressionisten wie Jackson Pollock praktiziert wurde. Davis“ Verwandlung von Konsumgütern und Werbung in Kunstwerke war wiederum ein Vorbote der Pop Art der 1960er Jahre. Davis bleibt einer der wichtigsten amerikanischen Künstler der Zwischenkriegszeit.
Prace Stuarta Davisa znajdują się w zbiorach głównych amerykańskich muzeów sztuki, w tym: Addison Gallery of American Art, Amon Carter Museum of American Art, Art Institute of Chicago, Biblioteka Kongresu, Brooklyn Museum, Carnegie Museum of Art, Dallas Museum of Art, Fine Arts Museums of San Francisco, Harvard University Art Museums, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Hyde Collection, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Memorial Art Gallery, Museum of Fine Arts w Bostonie, Metropolitan Museum of Art, Montclair Art Museum, Museum of Fine Arts, Houston, Museum of Modern Art, Muzeum Thyssen-Bornemisza, National Gallery of Australia, National Portrait Gallery, Norton Museum of Art, Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Phillips Collection, Portland Museum of Art, Princeton University Art Museum, San Diego Museum of Art, San Francisco Museum of Modern Art, Smithsonian American Art Museum and the Renwick Gallery, Virginia Museum of Fine Arts, Walker Art Center, Whitney Museum of American Art.
Quellen
