Ακίρα Κουροσάβα

gigatos | 26 Δεκεμβρίου, 2021

Σύνοψη

Ο Ακίρα Κουροσάβα (黒澤明, Σύγχρονη ορθογραφία (新字体): 黒沢明 Κουροσάβα Ακίρα, * 23 Μαρτίου 1910 στο Ōμορι της επαρχίας Εμπάρα († 6 Σεπτεμβρίου 1998 στη Σεταγκάγια, ό.π.) ήταν Ιάπωνας σκηνοθέτης.Με ένα έργο που περιλαμβάνει 30 ταινίες σε διάστημα 57 ετών, θεωρείται ένας από τους σημαντικότερους σκηνοθέτες όλων των εποχών.

Μετά από μια σύντομη περίοδο ως ζωγράφος, ο Κουροσάβα μπήκε στην ιαπωνική κινηματογραφική βιομηχανία το 1938, όπου εργάστηκε αρχικά ως σεναριογράφος και βοηθός σκηνοθέτη πριν ξεκινήσει την καριέρα του ως σκηνοθέτης το 1943 με την ταινία δράσης Judo Saga – The Legend of Great Judo.

Μετά από κάποιες μικρές τοπικές επιτυχίες κατά τη διάρκεια του Β” Παγκοσμίου Πολέμου, ο Κουροσάβα δημοσίευσε το 1948 το δράμα Άγγελος των Χαμένων μαζί με το κινηματογραφικό στούντιο Tōhō. Η ταινία σημείωσε μεγάλη εμπορική και κριτική επιτυχία και ενίσχυσε τη θέση του ως ένας από τους πιο γνωστούς σκηνοθέτες της Ιαπωνίας. Για έναν από τους πρωταγωνιστικούς ρόλους προσέλαβε τον άγνωστο τότε νεαρό ηθοποιό Toshirō Mifune, ο οποίος απέκτησε επίσης μεγάλη τοπική φήμη εν μία νυκτί και στη συνέχεια συνεργάστηκε με τον Κουροσάβα σε δεκαέξι ακόμη ταινίες.

Η ταινία “Ρασομόν – Το άλσος της ηδονής”, που δημοσιεύτηκε το 1950, κέρδισε αναπάντεχα τον Χρυσό Λέοντα στο Διεθνές Φεστιβάλ Κινηματογράφου της Βενετίας και έκανε έτσι τον Κουροσάβα διεθνώς διάσημο. Η κριτική και εμπορική επιτυχία της ταινίας έφερε για πρώτη φορά την προσοχή της Δύσης στα προϊόντα της ιαπωνικής κινηματογραφικής βιομηχανίας και θεωρείται καθοριστική για την αυξανόμενη διεθνή δημοτικότητα του ιαπωνικού κινηματογράφου.

Στη δεκαετία του 1950 και στις αρχές της δεκαετίας του 1960, ο Κουροσάβα έβγαζε νέες ταινίες σχεδόν κάθε χρόνο, συμπεριλαμβανομένων πολλών κλασικών ταινιών όπως το Ikiru (1952), Οι επτά σαμουράι (1954), Yojimbo – Ο σωματοφύλακας (1961), Μεταξύ ουρανού και κόλασης (1963) και Κόκκινη γενειάδα (1965). Από τη δεκαετία του 1970 και μετά, ο Κουροσάβα υπέφερε όλο και περισσότερο από κρίσεις κατάθλιψης, γι” αυτό και η παραγωγικότητά του μειώθηκε απότομα. Η δημοτικότητα των έργων του παρέμεινε, ωστόσο, και πολλές από τις μεταγενέστερες ταινίες του, όπως οι Uzala the Kirghiz (1975), Kagemusha – The Warrior”s Shadow (1980), Ran (1985) και Madadayo (1993), θεωρούνται γενικά κλασικές ταινίες της ιστορίας του κινηματογράφου και έχουν κερδίσει πολλά βραβεία, συμπεριλαμβανομένου του Όσκαρ.

Το 1990, ο Κουροσάβα τιμήθηκε με το τιμητικό Όσκαρ για το έργο της ζωής του και ανακηρύχθηκε μετά θάνατον “Ασιάτης του αιώνα” στην κατηγορία “Τέχνη, Λογοτεχνία και Πολιτισμός” από το CNN. Πολλά χρόνια μετά το θάνατό του, πολυάριθμες αναδρομικές εκθέσεις, μελέτες και βιογραφίες για τον ίδιο και την καριέρα του συνεχίζουν να εμφανίζονται σε οπτική και ακουστική μορφή.

Διαβάστε επίσης, μάχες – Μάχη του Μαραθώνα

Παιδική ηλικία και ξεκίνημα στην κινηματογραφική βιομηχανία (1910-1945)

Ο Ακίρα Κουροσάβα γεννήθηκε στις 23 Μαρτίου 1910 στην περιοχή Ōμορι του Τόκιο, το μικρότερο από οκτώ παιδιά. Ο πατέρας του Isamu (1864-1948), μέλος μιας οικογένειας σαμουράι από το νομό Akita, ήταν διευθυντής ενός γυμνασίου, ενώ η μητέρα του Shima (1870-1952) ανήκε σε μια οικογένεια εμπόρων με έδρα την Osaka. Ένας από τους αδελφούς του πέθανε σε νεαρή ηλικία, ενώ τα δύο μεγαλύτερα αδέλφια του είχαν ήδη δημιουργήσει τις δικές τους οικογένειες, αφήνοντάς τον με τρεις αδελφές και δύο αδελφούς.

Ο Κουροσάβα περιγράφει τη μητέρα του ως πολύ ευγενικό άτομο, αλλά τον πατέρα του ως πολύ αυστηρό. Έδωσε λιγότερη έμφαση στην καλλιτεχνική εκπαίδευση των γιων του από ό,τι στην παραδοσιακή, σπαρτιάτικη στρατιωτική εκπαίδευση. Είχε επίσης αδυναμία στις δυτικές παραδόσεις, ιδίως στα θεατρικά έργα και τις ταινίες της Δύσης, τις οποίες θεωρούσε ότι είχαν μεγάλη εκπαιδευτική αξία. Εξαιτίας αυτού, ο Κουροσάβα ανέπτυξε μια γοητεία για τη δυτική ψυχαγωγία σε νεαρή ηλικία, η οποία αργότερα θα είχε μεγάλη επιρροή στις ταινίες του. Ο νεαρός Ακίρα ενδιαφερόταν για την τέχνη και τη ζωγραφική, και ένας δάσκαλος στο δημοτικό σχολείο λέγεται ότι αναγνώρισε και ενθάρρυνε αυτό το ενδιαφέρον. Το αθλητικό-στρατιωτικό στοιχείο της σχολικής του εκπαίδευσης, ωστόσο, το οποίο συνίστατο σε μεγάλο βαθμό στην εκπαίδευση του Κέντο, παρέμεινε ξένο προς αυτόν. Ο πατέρας του, “αν και άκαμπτος στρατιωτικός”, σύμφωνα με τον Κουροσάβα, υποστήριξε αυτή την καλλιτεχνική φλέβα.

Μια άλλη σημαντική επιρροή στο μετέπειτα έργο του Κουροσάβα ήταν ο μεγαλύτερος αδελφός του, ο Χάιγκο. Μετά τον μεγάλο σεισμό του Καντό το 1923, ανάγκασε τον Ακίρα, 13 ετών τότε, να τον συνοδεύσει στην περιοχή της καταστροφής για να τον αντιμετωπίσει με τους φόβους του και να δει από κοντά την καταστροφή. Το γεγονός αυτό αποτέλεσε τη βάση για τη μετέπειτα καριέρα του Κουροσάβα, ο οποίος συχνά επεξεργαζόταν καλλιτεχνικά τους δικούς του φόβους, τραύματα και προβλήματα στις ταινίες του.

Μετά το γυμνάσιο, ο Κουροσάβα πήγε στη Σχολή Δυτικής Ζωγραφικής Doshusha το 1927. Έβγαζε τα προς το ζην με εικονογραφήσεις και ζωγραφική κάθε είδους, αλλά μάλλον ανεπιτυχώς. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου συνδέθηκε στενά με τον αδελφό του Heigo, ο οποίος όλο και περισσότερο αποχωριζόταν από την οικογένειά του και έκανε επιτυχημένη καριέρα ως benshi στον χώρο του βωβού κινηματογράφου. Μέσω των επαφών του στην κινηματογραφική βιομηχανία, ο Χάιγκο ενέπνευσε τον νεαρό Ακίρα με όλες τις μορφές ψυχαγωγίας, όπως παλιές ιστορίες σαμουράι, τοπική λογοτεχνία, τσίρκο και το μέσο του κινηματογράφου. Με την αυξανόμενη δημοτικότητα των ομιλούντων ταινιών, ο Heigo έμεινε άνεργος στις αρχές της δεκαετίας του 1930 και στη συνέχεια έπεσε σε σοβαρή κατάθλιψη, η οποία κατέληξε τραγικά στην αυτοκτονία του το 1933. Σύμφωνα με τον Κουροσάβα, δεν μπόρεσε ποτέ να ξεπεράσει πλήρως την αυτοκτονία του αδελφού του. Το γεγονός αυτό επηρέασε αργότερα πολλά από τα έργα του, πολλά από τα οποία ήταν αφιερωμένα στον Heigo.

Το 1935, το νεοσύστατο κινηματογραφικό στούντιο Photo Chemical Laboratories (εν συντομία P.C.L.), γνωστό αργότερα ως Tōhō, αναζητούσε υποψήφιους για τη θέση του βοηθού σκηνοθέτη. Παρά τις αμφιβολίες για τις ικανότητές του, ο Κουροσάβα έγραψε την απαιτούμενη εργασία με θέμα “Ποια είναι τα θεμελιώδη ελαττώματα του ιαπωνικού κινηματογράφου και πώς μπορούν να ξεπεραστούν”. Χωρίς καμία ελπίδα να μπει στην τελική λίστα, ο Κουροσάβα έγραψε ένα πολύ κυνικό δοκίμιο με το βασικό μήνυμα ότι τα θεμελιώδη ελαττώματα δεν μπορούσαν να ξεπεραστούν ούτε με τον ορισμό. Ο σκηνοθέτης και συνεργάτης του P.C.L. Kajirō Yamamoto, ο οποίος αργότερα θα γινόταν μέντορας του Kurosawa, ήταν, αντίθετα με τις προσδοκίες, πολύ ενθουσιασμένος με το δοκίμιο και το χαρακτήρισε “χαρισματικό”. Ο Κουροσάβα επιλέχθηκε και, με την υποστήριξη του Γιαμαμότο, του επετράπη να αναλάβει τη θέση του βοηθού σκηνοθέτη από τον Φεβρουάριο του 1936.

Κατά τη διάρκεια της πενταετούς θητείας του ως βοηθός σκηνοθέτη, ο Κουροσάβα συνεργάστηκε με αρκετούς Ιάπωνες σκηνοθέτες, αλλά ο σημαντικότερος παρέμεινε ο Γιαμαμότο, με τον οποίο συνεργάστηκε δεκαεπτά φορές. Παρά την έλλειψη εμπειρίας του Κουροσάβα, ο Γιαμαμότο τον προήγαγε σε ανώτερο βοηθό στο πλατό της ταινίας μετά από μόλις ένα χρόνο, επεκτείνοντας τις αρμοδιότητές του από την κατασκευή σκηνικών στην αναθεώρηση του σεναρίου, τον φωτισμό, τη μεταγλώττιση, την παραγωγή ήχου κ.ά. Αυτή η εξέλιξη θεωρείται καθοριστική για την καριέρα του. Αυτή η εξέλιξη θεωρείται καθοριστική για τη μετέπειτα νοοτροπία του να αναλαμβάνει ο ίδιος το μεγαλύτερο μέρος της παραγωγής των ταινιών του, συμπεριλαμβανομένου του σεναρίου, της κάμερας, του μοντάζ και της σκηνοθεσίας.

Με τη συμβουλή του μέντορά του, ο Κουροσάβα άρχισε να γράφει τα δικά του σενάρια παράλληλα με τη δουλειά του ως βοηθός σκηνοθέτη και να τα πουλάει σε άλλους Ιάπωνες σκηνοθέτες. Μέσα σε πολύ σύντομο χρονικό διάστημα, έγινε γνωστός ως σεναριογράφος και η επιτυχία αυτή τον παρακίνησε να συνεχίσει να γράφει ο ίδιος όλα τα σενάριά του στη μετέπειτα καριέρα του. Ακόμη και στη δεκαετία του 1960, όταν ήταν ήδη διεθνώς επιτυχημένος, ο Κουροσάβα συνέχισε να γράφει σποραδικά σενάρια για άλλους σκηνοθέτες.

Προς το τέλος του 1942, περίπου ένα χρόνο μετά την επίθεση στο Περλ Χάρμπορ, ο Ιάπωνας συγγραφέας Tsuneo Tomita δημοσίευσε τη νουβέλα του Sanshiro Sugata, μια ιστορία τζούντο εμπνευσμένη από το μυθιστόρημα Musashi. Ο Κουροσάβα, του οποίου το ενδιαφέρον είχε κεντρίσει η διαφήμιση του βιβλίου, αγόρασε τη νουβέλα την ημέρα που εκδόθηκε, τη διάβασε την ίδια μέρα και λίγο αργότερα προσέγγισε τον Τομίτα για μια κινηματογραφική μεταφορά, την οποία και ενέκρινε. Το ένστικτό του για την ανερχόμενη δημοτικότητα του έργου αποδείχθηκε σωστό, καθώς λίγες μόνο ημέρες αργότερα πολλά ακόμη ιαπωνικά κινηματογραφικά στούντιο θέλησαν να αγοράσουν τα δικαιώματα της νουβέλας.

Τα γυρίσματα της διασκευής ξεκίνησαν στη Γιοκοχάμα τον Δεκέμβριο του 1942 και κύλησαν ομαλά ως επί το πλείστον, αλλά η απόκτηση άδειας δημοσίευσης από τις ιαπωνικές αρχές λογοκρισίας ήταν προβληματική. Περιέγραψαν την ταινία ως “δυσάρεστα βρετανοαμερικανική” και αντιπαραγωγική για τον πόλεμο του Ειρηνικού- μόνο η παρέμβαση του γνωστού σκηνοθέτη Ozu Yasujirō κατάφερε να αλλάξει τη γνώμη των αρχών. Η ταινία κυκλοφόρησε τελικά στους ιαπωνικούς κινηματογράφους στις 25 Μαρτίου 1943 με τίτλο Judo Saga – The Legend of Great Judo και σημείωσε τοπική επιτυχία τόσο από κριτικής όσο και από εμπορικής άποψης. Παρόλα αυτά, όταν η ταινία επανακυκλοφόρησε το 1946, οι αρχές λογοκρισίας αποφάσισαν να την περικόψουν κατά 17 λεπτά για να αφαιρέσουν “αντισυνταγματικό υλικό”. Το χαμένο περιεχόμενο θεωρείται ακόμη και σήμερα χαμένο.

Το επόμενο έργο του Κουροσάβα, η προπαγανδιστική ταινία Most Beautiful, αποτελεί εξαίρεση στη φιλμογραφία του. Ο Κουροσάβα, ο οποίος σε αντίθεση με πολλές άλλες γνωστές προσωπικότητες της εποχής του ήταν μάλλον πολιτικά συγκρατημένος, ασχολήθηκε με τις εργάτριες εργοστασίων κατά τη διάρκεια του Β” Παγκοσμίου Πολέμου στην ταινία με έντονα υποκειμενικά χρωματισμένο τρόπο και δείχνει επίσης ξεκάθαρα πατριωτικά χαρακτηριστικά. Η προέλευση αυτού του γεγονότος είναι άγνωστη, αλλά η πιο διαδεδομένη θεωρία θεωρεί καθοριστική την τεταμένη σχέση του Κουροσάβα με την ιαπωνική αρχή λογοκρισίας και την υπηρεσία συνταγματικής προστασίας και ερμηνεύει την αλλαγή στο ύφος και το περιεχόμενο ως κατευναστική χειρονομία. Η διαδικασία παραγωγής της ταινίας αποτελεί επίσης μια ιδιαιτερότητα, καθώς ο Κουροσάβα απαίτησε από τους ηθοποιούς του να ζουν σε ένα κτίριο εργοστασίου κατά τη διάρκεια της παραγωγής της ταινίας, να τρώνε μόνο στην καντίνα και να απευθύνονται ο ένας στον άλλον μόνο με τα φανταστικά τους ονόματα. Αυτή η ασυνήθιστη παραγωγή έρχεται σε αντίθεση με τη συνηθισμένη πορεία της πρώτης του δουλειάς και σηματοδοτεί την αρχή της συνήθειάς του να χρησιμοποιεί παρόμοια δραστικά μέσα σε μελλοντικές ταινίες για να τις κάνει να φαίνονται πιο αυθεντικές.

Πολλοί από τους ηθοποιούς εξοργίστηκαν από την τελειοθηρική συμπεριφορά του Κουροσάβα και γι” αυτό επέλεξαν τη Γιόκο Γιαγκούτσι, την πρωταγωνίστρια της ταινίας, για να συζητήσουν μαζί του. Παραδόξως, οι συζητήσεις μεταξύ των δύο δεν προκάλεσαν διχόνοια, αντίθετα ερωτεύτηκαν και παντρεύτηκαν ένα χρόνο αργότερα, στις 21 Μαΐου 1945. Το ζευγάρι απέκτησε δύο παιδιά, ένα αγόρι ονόματι Χισάο και ένα κορίτσι ονόματι Καζούκο, και παρέμεινε μαζί μέχρι το θάνατο του Γιαγκούτσι το 1985.

Λίγο πριν από το γάμο του, ο Κουροσάβα δέχτηκε πιέσεις από το κινηματογραφικό του στούντιο να γυρίσει μια συνέχεια της πρώτης του ταινίας. Ο Κουροσάβα αρχικά απέρριψε σθεναρά την ιδέα, αλλά μετά από μια μακρά συζήτηση ενέδωσε και κυκλοφόρησε την ταινία Sugata Sanshiro sequel τον Μάιο του 1945. Η ταινία σημείωσε επιτυχία στο box office, αλλά θεωρείται από τους θεατές και τον ίδιο τον σκηνοθέτη ως η πιο αδύναμη ταινία του.

Λόγω της διαμάχης γύρω από την πρώτη του ταινία και του, όπως είπε, αδικαιολόγητα υψηλού προϋπολογισμού για τη συνέχειά της, ο Κουροσάβα αποφάσισε για το επόμενο έργο του να δημιουργήσει μια ταινία που θα ήταν λιγότερο δαπανηρή και πιο φιλική προς τη λογοκρισία από τις προηγούμενες. Τα γυρίσματα της ταινίας The Men Who Stepped on the Tiger”s Tail, βασισμένης στο δράμα Kanjinchō του Κακούμπι και με πρωταγωνιστή τον διάσημο ηθοποιό Enomoto Ken”ichi, ολοκληρώθηκαν τον Σεπτέμβριο του 1945. Ταυτόχρονα, η Ιαπωνία παραδόθηκε και άρχισε η περίοδος κατοχής στην Ιαπωνία, οπότε η ταινία έπρεπε να ελεγχθεί από τις νέες, αμερικανικές αρχές λογοκρισίας, οι οποίες την έκριναν “πολύ φεουδαρχική” και την έβαλαν στο ευρετήριο. Κατά ειρωνικό τρόπο, ωστόσο, η ταινία θα είχε υποστεί την ίδια μοίρα αν η Ιαπωνία δεν είχε παραδοθεί, καθώς παλιά έγγραφα των ιαπωνικών αρχών αποκαλύπτουν ότι ήθελαν να την βάλουν στο ευρετήριο επειδή ήταν “υπερβολικά δυτική και με δημοκρατικές αξίες”. Μόλις επτά χρόνια αργότερα, το 1952, η ταινία κυκλοφόρησε μαζί με το νέο του έργο Ikiru – Once Really Alive.

Διαβάστε επίσης, σημαντικά-γεγονότα – Διάσκεψη της Γιάλτας

Μεταπολεμική περίοδος μέχρι το Red Beard

Εμπνευσμένος από τις δημοκρατικές αξίες της δυτικής κατοχής, ο Κουροσάβα σκόπευε στο εξής να παράγει ταινίες που ήταν περισσότερο προσανατολισμένες στην ατομικιστική κοσμοθεωρία. Η πρώτη από αυτές τις ταινίες θα ήταν το No Regrets for My Youth το 1946, μια κριτική της πολιτικής καταπίεσης από το ιαπωνικό καθεστώς κατά τη διάρκεια του Β” Παγκοσμίου Πολέμου. Τον παρακίνησε ιδιαίτερα το “περιστατικό Takigawa”, καθώς και ο κατάσκοπος του πολέμου Hotsumi Ozaki, αλλά και οι δικές του εμπειρίες με την εγχώρια λογοκρισία. Η πρωταγωνίστρια είναι – ασυνήθιστα για τον σκηνοθέτη – μια γυναίκα, η Yukie (την οποία υποδύεται η Setsuko Hara), η οποία μεγαλώνει σε μια πλούσια οικογένεια και αμφισβητεί τα δικά της ιδανικά μέσα από τις κρίσεις των γύρω της. Το αρχικό σενάριο χρειάστηκε να ξαναγραφτεί αρκετές φορές και έτυχε διχαστικής υποδοχής από τους κριτικούς της εποχής του λόγω της αμφιλεγόμενης θεματολογίας του και επειδή ο πρωταγωνιστής είναι γυναίκα. Παρ” όλα αυτά, η ταινία σημείωσε μεγάλη εμπορική και θεαματική επιτυχία, ενώ παραλλαγές του τίτλου της ταινίας καθιερώθηκαν ως μεταπολεμικές ατάκες.

Η ερωτική ιστορία Μια όμορφη Κυριακή έκανε πρεμιέρα τον Ιούλιο του 1947 και αφηγείται την ιστορία ενός νεαρού ζευγαριού που πρόκειται να απολαύσει τις πρώτες του κοινές διακοπές εν μέσω της καταστροφής της Ιαπωνίας. Η ταινία είναι έντονα επηρεασμένη από τους David Wark Griffith, Frank Capra και Friedrich Wilhelm Murnau, και οι τρεις από τους οποίους ήταν από τους αγαπημένους σκηνοθέτες του Kurosawa, και αποτελεί ένα ιδιαίτερο χαρακτηριστικό της φιλμογραφίας του με το επανειλημμένο σπάσιμο του τέταρτου τοίχου. Την ίδια χρονιά κυκλοφόρησε η ταινία Path of Snow, σε σκηνοθεσία Senkichi Taniguchi, για την οποία ο Κουροσάβα είχε γράψει το σενάριο. Η ταινία είναι ξεχωριστή για το γεγονός ότι παρουσίασε το ντεμπούτο του ανερχόμενου νεαρού ηθοποιού Toshirō Mifune, ο οποίος ήταν τόσο πειστικός που ο Κουροσάβα του προσέφερε συμβόλαιο με το Tōhō παρά τον σκεπτικισμό των άλλων κριτών για το κάστινγκ. Ο Mifune εμφανίστηκε σε δεκαέξι από τις μεταγενέστερες ταινίες του Κουροσάβα, στις περισσότερες περιπτώσεις στον πρωταγωνιστικό ρόλο.

Ο Άγγελος του Χαμένου θεωρείται από πολλούς, συμπεριλαμβανομένου και του ίδιου, ως το πρώτο μεγάλο έργο του Κουροσάβα- ήταν η αρχή της σειράς των αγαπημένων ταινιών των κριτικών και του κοινού που εμφανιζόταν σχεδόν κάθε χρόνο. Αν και το σενάριο ξαναγράφτηκε αρκετές φορές λόγω της επιρροής της αμερικανικής λογοκρισίας, ο Κουροσάβα δήλωσε αργότερα ότι η ταινία ήταν η πρώτη στην οποία μπόρεσε να εκφραστεί ελεύθερα. Η ιστορία ακολουθεί έναν γιατρό και αλκοολικό που προσπαθεί να σώσει έναν γιάκουζα με φυματίωση και καθιέρωσε τη συνεργασία μεταξύ του Κουροσάβα και του Τοσίρο Μιφούνε. Παρόλο που ο Mifune δεν προσλήφθηκε για τον πρωταγωνιστικό ρόλο, τον οποίο είχε αναλάβει ο Takashi Shimura, ένας παλιός συνάδελφος του Kurosawa, η ερμηνεία του ως γκάνγκστερ ενθουσίασε τόσο πολύ όσους βρίσκονταν στο πλατό της ταινίας, ώστε ο Kurosawa άλλαξε για λίγο τη δραματουργία της ταινίας, μετατοπίζοντας περισσότερο το βάρος από τον Shimura σε αυτόν. Το Angel of the Lost έκανε πρεμιέρα στο Τόκιο τον Απρίλιο του 1948 και έγινε δεκτό με ευφορία από κριτικούς και θεατές. Μεταξύ άλλων, το Kinema Junpo, το παλαιότερο και γνωστότερο κινηματογραφικό περιοδικό της Ιαπωνίας, το ονόμασε ταινία της χρονιάς.

Παρακινούμενος από την επιτυχία της ταινίας, ο Κουροσάβα ίδρυσε το κινηματογραφικό στούντιο Eiga Geijutsu Kyōkai (γερμανικά: Filmkunst-Verbund) με τον παραγωγό Sōjirō Motoki και τους σκηνοθέτες Kajiro Yamamoto, Mikio Naruse και Senkichi Taniguchi. Για να εγκαινιάσει το στούντιο, ο Κουροσάβα κυκλοφόρησε τον Μάρτιο του 1949 την ταινία Η σιωπηλή μονομαχία, τη μοναδική του διασκευή θεατρικού έργου. Ο Toshirō Mifune προσλήφθηκε για τον πρωταγωνιστικό ρόλο ενός επίδοξου γιατρού που παλεύει με τις συνέπειες της ασθένειας της σύφιλης. Η πρόθεση του Κουροσάβα εδώ ήταν να ξεπεράσει την κρίση του Μιφούνε, ο οποίος είχε τυποποιηθεί ως γκάνγκστερ από άλλους σκηνοθέτες λόγω της ερμηνείας του στον Άγγελο των Χαμένων, αλλά ήθελε να λάμψει και σε άλλους ρόλους. Παρά τον πολύ σύντομο χρόνο που εργάστηκε πάνω στην ταινία – ο ίδιος ο Κουροσάβα την έβλεπε περισσότερο ως ένα μικρό παράλληλο έργο παρά ως μια πραγματικά μεγάλης κλίμακας δουλειά – έλαβε καλές κριτικές και ήταν επίσης πειστική στο box office. Ακόμη και εκ των υστέρων, η ταινία εξακολουθεί να λαμβάνει καλές κριτικές, αν και πολλοί κριτικοί την κατατάσσουν στις λιγότερο σημαντικές ταινίες της φιλμογραφίας του Κουροσάβα.

Η δεύτερη ταινία του την ίδια χρονιά, A Stray Dog, αποτελεί την πρώτη από τις συνολικά τρεις ταινίες νουάρ του Κουροσάβα. Η αστυνομική ταινία περιγράφει μεταφορικά το κλίμα της Ιαπωνίας κατά τη μεταπολεμική περίοδο μέσα από την ιστορία ενός νεαρού αστυνομικού, τον οποίο υποδύεται ο Mifune, ο οποίος αναζητά το κλεμμένο όπλο του. Όπως και στις περισσότερες ταινίες του, η σκηνοθεσία, το καστ και το σενάριο είναι όλα του Κουροσάβα, ο οποίος σε αυτή την περίπτωση πήρε υφολογικά στοιχεία από τον συγγραφέα αστυνομικών ιστοριών Ζορζ Σιμενόν. Σε μια εμβληματική, χωρίς λόγια, οκτάλεπτη σεκάνς, ο αστυνομικός ψάχνει στους δρόμους για το όπλο του. Η σκηνή μιμήθηκαν αργότερα πολλοί σκηνοθέτες, όπως ο Francis Ford Coppola και ο Andrei Tarkovsky. Ένα άλλο ιδιαίτερο χαρακτηριστικό της ταινίας είναι οι εικόνες του κατεστραμμένου Τόκιο, οι οποίες δείχνουν πραγματικό υλικό του φίλου του σκηνοθέτη Ishirō Honda, ο οποίος αργότερα θα έκανε την επανάστασή του με τον Godzilla. Η ταινία σημείωσε παρόμοια κριτική και εμπορική επιτυχία με τον Άγγελο του Χαμένου και θεωρείται επίσης ο θεμελιωτής της μετέπειτα δημοφιλούς διεθνώς αστυνομικής ταινίας buddy cop, καθώς και της ιαπωνικής αστυνομικής ταινίας γενικότερα.

Η ταινία Σκάνδαλο, που δημοσιεύτηκε το 1950 από την Shōchiku, είναι μια κριτική του αναδυόμενου ιαπωνικού τύπου των σκανδαλοθηρικών εφημερίδων, ιδίως της περιφρόνησης της ιδιωτικής ζωής, και είναι σε μεγάλο βαθμό εμπνευσμένη από τις εμπειρίες του ίδιου του σκηνοθέτη. Εναλλάσσοντας τις συνομιλίες στο δικαστήριο με μακροσκελείς, φιλοσοφικούς μονολόγους για την ελευθερία της έκφρασης και την κοινωνική ευθύνη, το τελικό προϊόν της ταινίας έγινε άκρως πειραματικό, προς μεγάλη δυσαρέσκεια του Κουροσάβα, ο οποίος αργότερα το χαρακτήρισε ημιτελές και μη εστιασμένο. Παρ” όλα αυτά, η ταινία, όπως και οι προηγούμενες, σημείωσε τοπική επιτυχία με κάθε τρόπο. Ωστόσο, το δεύτερο έργο του την ίδια χρονιά, το Rashomon – The Pleasure Grove, ήταν αυτό που θα έκανε τον ίδιο και τον ιαπωνικό κινηματογράφο μια διεθνή δύναμη.

Μετά την ολοκλήρωση του Σκανδάλου, το κινηματογραφικό στούντιο Kadokawa Daiei ζήτησε από τον Κουροσάβα να συνεργαστεί. Εμπνευσμένος από το διήγημα “Στο άλσος” του γνωστού συγγραφέα Akutagawa Ryūnosuke, το οποίο περιγράφει τον βιασμό μιας γυναίκας σαμουράι από διάφορες οπτικές γωνίες, ο Κουροσάβα άρχισε να εργάζεται στα μέσα του έτους πάνω στο συνοδευτικό σενάριο, το οποίο ολοκληρώθηκε τον Ιούνιο του 1950 μετά από αρκετές επανεκδόσεις. Σε αντίθεση με τις προηγούμενες ταινίες του που χρηματοδοτήθηκαν από την Toho, ο Κουροσάβα υπολόγισε σχετικά χαμηλό προϋπολογισμό για το έργο. Η Kadokawa Daiei ενθουσιάστηκε ανάλογα και άρχισε το casting λίγο αργότερα.

Τα γυρίσματα του Rashomon – Το δάσος της ηδονής ξεκίνησαν στις 7 Ιουλίου 1950 και ολοκληρώθηκαν στις 17 Αυγούστου του ίδιου έτους. Το πρωτογενές δάσος στη Νάρα χρησίμευσε ως σκηνικό. Το post-production ολοκληρώθηκε σε μία εβδομάδα μετά από επιπλοκές που προκλήθηκαν από πυρκαγιά στο στούντιο, έτσι ώστε η ταινία να μπορέσει να κάνει πρεμιέρα στο Imperial Theatre του Τόκιο στις 25 Αυγούστου 1950- η ευρεία εθνική προβολή πραγματοποιήθηκε μία ημέρα αργότερα. Η ταινία, όπως και οι περισσότερες ταινίες του Κουροσάβα μέχρι τότε, σημείωσε τοπική επιτυχία στους κριτικούς και στο εμπόριο, αλλά παρέμενε άγνωστη διεθνώς.

Λόγω της εμπορικής επιτυχίας του Rashomon και της καλλιτεχνικής του ελευθερίας να μην δεσμεύεται από ένα μόνο στούντιο παραγωγής, ο Κουροσάβα πραγματοποίησε την επιθυμία του για την επόμενη ταινία του και διασκεύασε τον Ηλίθιο, το ομώνυμο μυθιστόρημα του αγαπημένου του συγγραφέα Φιοντόρ Μιχαήλοβιτς Ντοστογιέφσκι. Αν και άλλαξε τον τόπο δράσης από τη Ρωσία στο Χοκάιντο της Ιαπωνίας, η διασκευή είναι πολύ πιστή στο πρωτότυπο, γεγονός που την καθιστά εξαίρεση στη φιλμογραφία του σκηνοθέτη, ο οποίος συνήθως έπαιρνε μόνο την πρόχειρη υπόθεση όταν διασκευάζει γνωστά έργα. Η πρώτη εκδοχή της ταινίας είχε διάρκεια περίπου τεσσεράμισι ώρες, προς μεγάλη δυσαρέσκεια του στούντιο παραγωγής Shōchiku, το οποίο έκρινε ότι η ταινία ήταν πολύ μεγάλη για τον τυπικό θεατή και την έκοψε από 265 σε 166 λεπτά. Η χειρονομία αυτή δημιούργησε μια μακροχρόνια έχθρα μεταξύ του Σοτσίκου και του Κουροσάβα, ο οποίος, σύμφωνα με ορισμένες πηγές, απαίτησε ακόμη και να μην εκδοθεί η ταινία στη συντομευμένη της μορφή και ενέκρινε την κυκλοφορία της μόνο κατόπιν αιτήματος της ηθοποιού Σετσούκο Χάρα. Η συμφιλίωση των δύο μερών δεν πραγματοποιήθηκε παρά σαράντα χρόνια αργότερα και οδήγησε στην τρίτη και τελευταία συνεργασία τους, Rhapsody in August. Σύμφωνα με τον Βρετανό σκηνοθέτη και στενό έμπιστο του Alex Cox, ο Κουροσάβα έψαξε ανεπιτυχώς στα αρχεία του στούντιο για την αρχική εκδοχή της ταινίας, η οποία θεωρείται ακόμη και σήμερα χαμένη.

Η μονταρισμένη εκδοχή κυκλοφόρησε για πρώτη φορά στις 23 Μαΐου 1951 με ανάμεικτες κριτικές και εξακολουθεί να θεωρείται από τους κριτικούς ως μία από τις πιο αδύναμες ταινίες του σκηνοθέτη, ιδίως λόγω της δυσνόητης πλοκής, η οποία φαίνεται ασύνδετη λόγω του ριζοσπαστικού μοντάζ του Σοτσίκου και πρέπει να εξηγείται από κάρτες τίτλων. Παρ” όλα αυτά, η ταινία ήταν πειστική στο box office, όχι μόνο λόγω της νεοαποκτηθείσας δημοτικότητας του Κουροσάβα, αλλά και λόγω της συμμετοχής της Σετσούκο Χάρα.

Ταυτόχρονα, χάρη στις προσπάθειες της Ιταλίδας εκπροσώπου του κινηματογράφου Giuliana Stramigioli, το Rashomon – The Pleasure Grove ήταν υποψήφιο στο διάσημο Διεθνές Φεστιβάλ Κινηματογράφου της Βενετίας, όπου έγινε δεκτό στη βραχεία λίστα. Κόντρα σε κάθε προσδοκία, η ταινία κέρδισε το κορυφαίο βραβείο, τον Χρυσό Λέοντα, στις 10 Σεπτεμβρίου 1951, εκπλήσσοντας όχι μόνο τον Κουροσάβα και το στούντιό του, αλλά και το διεθνές κινηματογραφικό τοπίο, το οποίο μέχρι τότε αγνοούσε εντελώς τα προϊόντα από την Ιαπωνία για δεκαετίες.

Αφού η Kadokawa Daiei πούλησε την ταινία με υπότιτλους σε διάφορους κινηματογράφους στην περιοχή του Λος Άντζελες για μικρό χρονικό διάστημα, η RKO Pictures εξασφάλισε τα δικαιώματα του Rashomon στις ΗΠΑ. Η αγορά θεωρήθηκε μεγάλο ρίσκο εκείνη την εποχή, καθώς η μόνη ιαπωνική ταινία που είχε κυκλοφορήσει προηγουμένως στις ΗΠΑ, η Γυναίκα σαν τριαντάφυλλο του Mikio Naruse, είχε αποτύχει σε κριτικούς και κοινό. Ωστόσο, η δράση απέδωσε στο τέλος. Το “Rashomon” γνώρισε τεράστια επιτυχία, όχι μόνο λόγω των ευφορικών κριτικών και της διαφήμισης από τον Ed Sullivan, μεταξύ άλλων, και εδραίωσε το όνομα του Κουροσάβα στις τάξεις των πιο διάσημων σκηνοθετών της εποχής, μαζί με μεγάλα ονόματα όπως ο Alfred Hitchcock και ο Billy Wilder. Για παράδειγμα, το Rashomon, το οποίο κυκλοφόρησε μόνο ως εγχώρια παραγωγή σε επιλεγμένους κινηματογράφους στην Ιαπωνία το 1950, είχε ήδη κυκλοφορήσει παγκοσμίως στα μέσα του 1952 ως η πρώτη ασιατική ταινία.

Η επιτυχία της ταινίας βοήθησε την ιαπωνική κινηματογραφική βιομηχανία να αποκτήσει μεγάλη προσοχή και δημοτικότητα στη δυτική αγορά, η οποία συνεχίζεται μέχρι σήμερα, αντικαθιστώντας τον ιταλικό νεορεαλισμό, ο οποίος απολάμβανε μεγάλη δημοτικότητα για μεγάλο χρονικό διάστημα μέσω σκηνοθετών όπως ο Ρομπέρτο Ροσελίνι, ο Φεντερίκο Φελίνι και ο Βιτόριο Ντε Σίκα. Στους Ιάπωνες σκηνοθέτες που βραβεύτηκαν στη συνέχεια με κινηματογραφικά βραβεία και κυκλοφόρησαν εμπορικά στη Δύση ως αποτέλεσμα του μετασεισμού του Rashomon περιλαμβάνονται οι Mizoguchi Kenji και Ozu Yasujirō. Πολλά χρόνια αργότερα, η δυτική αγορά ήταν ακόμα ανοιχτή στη νέα γενιά των Ιαπώνων σκηνοθετών, όπως οι Kon Ichikawa, Masaki Kobayashi, Nagisa Ōshima, Shōhei Imamura, Jūzō Itami, Takeshi Kitano και Takashi Miike.

Με τη διεθνή του επιτυχία, ο Κουροσάβα αισθάνθηκε καλλιτεχνικά αλλά και οικονομικά ελεύθερος, έτσι ώστε με την επόμενη ταινία του να εκπληρώσει την επιθυμία του να γυρίσει ένα ακόμη δράμα. Το αποτέλεσμα ήταν το Ikiru – Once Really Alive, μια ταινία για έναν γραφειοκράτη ονόματι Watanabe που πάσχει από καρκίνο του στομάχου και αναζητά το νόημα πριν από το θάνατό του. Παρά το ζοφερό θέμα, το σενάριο πραγματεύεται τόσο τη γραφειοκρατική θέση του πρωταγωνιστή όσο και την πολιτιστική αποικιοποίηση της Ιαπωνίας από τις ΗΠΑ με μια σατιρική προσέγγιση που συχνά συγκρίθηκε με τον Μπέρτολτ Μπρεχτ από τις σύγχρονες κριτικές. Το Ikiru έκανε την πρεμιέρα του στις 9 Οκτωβρίου του 1952 και οι πωλήσεις εισιτηρίων και οι κριτικές ήταν ευφορικές, όχι μόνο λόγω του σατιρικού του τόνου, ο οποίος έγινε αντιληπτός από το ευρύ κοινό ως μια αναζωογονητική γενική αναθεώρηση του κατά τα άλλα κυρίως καμπυλωτικού δραματικού είδους. Ακόμη και σήμερα, το Ikiru εξακολουθεί να περιλαμβάνεται σε πολλές λίστες ως μία από τις καλύτερες ταινίες όλων των εποχών.

Τον Δεκέμβριο του ίδιου έτους, ο Κουροσάβα έκλεισε δωμάτιο σε ένα απομακρυσμένο πανδοχείο για 45 ημέρες προκειμένου να δουλέψει απομονωμένος πάνω στο σενάριο μιας νέας ταινίας: Οι επτά σαμουράι. Το σύνολο ήταν η πρώτη του ταινία σαμουράι, το είδος που έμελλε να φέρει επανάσταση με αυτό και πολλά από τα μεταγενέστερα έργα του. Η ιστορία ενός φτωχού χωριού της περιόδου Σενγκόκου που προσλαμβάνει μια ομάδα σαμουράι για να προστατευτεί από τους ληστές αναπαρήχθη σε επικό ύφος: Με μεγάλο καστ, λεπτομερείς σκηνές δράσης και διάρκεια περίπου τρεισήμισι ωρών.

Η προπαραγωγή διήρκεσε περίπου τρεις μήνες, οι πρόβες άλλους τρεις. Τα γυρίσματα, ωστόσο, θεωρούνται ιδιαίτερα υπερβολικά, καθώς διήρκεσαν 148 ημέρες (σχεδόν πέντε μήνες) σε διάστημα περίπου ενός έτους. Τα γυρίσματα συνοδεύτηκαν από πολυάριθμες επιπλοκές, μεταξύ των οποίων ο Κουροσάβα υπολόγισε λάθος τον προϋπολογισμό της ταινίας και χρειάστηκε να βρει χρήματα με διάφορους τρόπους για να πληρώσει το τεράστιο κόστος. Αυτό το άγχος του προκάλεσε επίσης προβλήματα υγείας, τα οποία είχαν επίσης αντιπαραγωγικές επιπτώσεις στην παραγωγή. Η ταινία προβλήθηκε τελικά τον Απρίλιο του 1954, μισό χρόνο μετά την προγραμματισμένη προβολή και με προϋπολογισμό τριπλάσιο από τον αρχικά προγραμματισμένο, καθιστώντας την την πιο ακριβή ιαπωνική ταινία όλων των εποχών μέχρι τότε. Όπως και τα δύο προηγούμενα έργα του Κουροσάβα, το έπος υμνήθηκε στα ουράνια από τους κριτικούς και έγινε γρήγορα μια απαράμιλλη διεθνής εισπρακτική επιτυχία. Η φήμη της ταινίας συνέχισε να αυξάνεται με την πάροδο του χρόνου και σήμερα θεωρείται μία από τις καλύτερες ταινίες όλων των εποχών. Το 1979, για παράδειγμα, διάφοροι Ιάπωνες σκηνοθέτες την ψήφισαν ως την καλύτερη ιαπωνική ταινία όλων των εποχών, το περιοδικό Sight & Sound του Βρετανικού Ινστιτούτου Κινηματογράφου την κατέταξε στη 17η θέση των καλύτερων ταινιών όλων των εποχών, και η βάση δεδομένων ταινιών στο Διαδίκτυο την κατατάσσει σήμερα στη δέκατη πέμπτη θέση.

Το 1954, οι πυρηνικές δοκιμές προκάλεσαν ραδιενεργό νέφος σε μεγάλα τμήματα της Ιαπωνίας- ειδικότερα, η ραδιενέργεια του πληρώματος του ιαπωνικού αλιευτικού Happy Dragon V έγινε πρωτοσέλιδο και προκάλεσε αναταραχή στον ιαπωνικό πληθυσμό. Μαστιζόμενος από κρίσεις πανικού και παράνοιας, ο Κουροσάβα κυκλοφόρησε τη συμβολή του τον Νοέμβριο του 1955 με τη μορφή της ταινίας Ισορροπία μιας ζωής, μιας ημι-αυτοβιογραφικής ιστορίας για έναν ηλικιωμένο εργοστασιάρχη που, φοβούμενος μια πυρηνική επίθεση, θέλει αποφασιστικά να μεταφέρει κάθε μέλος της οικογένειάς του (συγγενείς εξ αίματος και εκτός γάμου) σε μια υποτιθέμενα ασφαλή φάρμα στη Βραζιλία. Για μεγάλα χρονικά διαστήματα, η παραγωγή ήταν πολύ λιγότερο συγκρουσιακή από εκείνη των προηγούμενων ταινιών του, μέχρι το θάνατο του συνθέτη και στενού φίλου του Fumio Hayasaka από φυματίωση λίγες ημέρες πριν από το τέλος των γυρισμάτων. Η μουσική επένδυση της ταινίας ολοκληρώθηκε από τον Masaru Satō, ο οποίος θα συνέθετε επίσης τη μουσική για τις επόμενες οκτώ ταινίες του Κουροσάβα. Το “Balance of a Life” σημείωσε κριτική και οικονομική επιτυχία, αλλά απέχει πολύ από τη φήμη του προκατόχου του. Με την πάροδο των χρόνων, η ταινία κέρδισε ωστόσο σε δημοτικότητα και θεωρείται πλέον από πολλούς διάσημους κριτικούς ως μία από τις καλύτερες ψυχαναλυτικές απεικονίσεις της ανθρώπινης αγωνίας σε κινηματογραφική μορφή.

Το επόμενο έργο του Κουροσάβα, Το κάστρο στο δάσος με τον ιστό της αράχνης, μια πρόχειρη διασκευή του Μάκβεθ του Ουίλιαμ Σαίξπηρ, παρουσίασε μια φιλόδοξη αναδιαμόρφωση του αγγλικού έργου σε ιαπωνικό πλαίσιο. Για παράδειγμα, ο σκηνοθέτης έδωσε εντολή στην πρωταγωνίστριά του Yamada Isuzu να δει το έργο ως κινηματογραφική αναπαράσταση της ιαπωνικής λογοτεχνίας και όχι της ευρωπαϊκής. Για να δώσει στην ταινία τη μοναδική ατμόσφαιρα της αρχαίας ιαπωνικής λογοτεχνίας, καθώς και έναν φόρο τιμής στην ιαπωνική θεατρική τέχνη γενικότερα, ο Κουροσάβα απαίτησε από τους ηθοποιούς του να μάθουν και να χρησιμοποιήσουν χειρονομίες και έμφαση από το παραδοσιακό θέατρο Νο. Το τελικό προϊόν κυκλοφόρησε στην Ιαπωνία στις 15 Ιανουαρίου 1957 και διεθνώς την επόμενη ημέρα με πολύ καλές κριτικές και νέα οικονομική επιτυχία. Μέχρι σήμερα, το “Κάστρο στο δάσος με τον ιστό της αράχνης” συγκαταλέγεται στις καλύτερες ταινίες του Κουροσάβα και, παρά τις δημιουργικές ελευθερίες που πήρε από το πρωτότυπο, θεωρείται μια από τις πιο δημοφιλείς διασκευές του Σαίξπηρ.

Ακολούθησε άλλη μια χαλαρή διασκευή ενός κλασικού ευρωπαϊκού θεατρικού έργου με το Nachtasyl, βασισμένο στο ομώνυμο θεατρικό έργο του Μαξίμ Γκόρκι. Η ιστορία ενός παντρεμένου ζευγαριού που νοικιάζει κρεβάτια σε αγνώστους κατά την περίοδο Έντο και στη συνέχεια εμπλέκεται σε απρόβλεπτες καταστάσεις διαδραματίζεται τον Μάιο και τον Ιούνιο του 1957, που αντιστοιχεί στην εποχή των γυρισμάτων. Σε αντίθεση με το Κάστρο στο Δάσος με τον ιστό της αράχνης, μια δαπανηρή και πολύ φιλόδοξη ταινία, το Νυχτερινό Άσυλο γυρίστηκε σε δύο μόνο περιορισμένα κινηματογραφικά σκηνικά, με σκοπό να μπορέσει να αναδείξει τον συναισθηματικό εγκλωβισμό των χαρακτήρων. Σε αντίθεση με την πρώτη ερμηνεία της ρωσικής λογοτεχνίας από τον Κουροσάβα, Ο ηλίθιος, η προσπάθεια αυτή κρίθηκε επιτυχής από θεατές και κριτικούς. Το Nachtasyl θεωρείται συχνά ένα από τα πιο υποτιμημένα έργα του σκηνοθέτη μέχρι σήμερα.

Η ατμόσφαιρα των τριών ταινιών που ακολούθησαν τους Επτά Σαμουράι έγινε όλο και πιο απαισιόδοξη και ζοφερή, ιδίως μέσω της κριτικής εξέτασης του ερωτήματος αν η λύτρωση μπορεί πραγματικά να επιτευχθεί μέσω της προσωπικής ευθύνης. Αν το Balance of a Life ήταν ήδη πολύ ζοφερό, στις δύο επόμενες ταινίες κυριαρχούσε αυτή η μηδενιστική φιλοσοφία. Ο ίδιος ο Κουροσάβα το παρατήρησε αυτό και έτσι αποφάσισε συνειδητά να κάνει την επόμενη ταινία του ελαφρύτερη και πιο διασκεδαστική, ενώ ταυτόχρονα δοκίμασε τις δυνάμεις του στο νέο φορμά ευρείας οθόνης, το οποίο προσέλκυε όλο και μεγαλύτερη προσοχή, ειδικά στην Ιαπωνία. Το αποτέλεσμα, Το κρυφό φρούριο, είναι μια κωμική ταινία περιπέτειας για μια μεσαιωνική πριγκίπισσα, τον πιστό στρατηγό της και δύο χωρικούς που αντιμετωπίζουν επικίνδυνες καταστάσεις για να φτάσουν στην περιοχή της πατρίδας τους. Το “Κρυμμένο Φρούριο” κυκλοφόρησε τον Δεκέμβριο του 1958 και σημείωσε τεράστια εμπορική επιτυχία, ενώ κατάφερε επίσης να ενθουσιάσει τους κριτικούς, τόσο σε τοπικό όσο και σε διεθνές επίπεδο. Σήμερα, το έργο θεωρείται ένα από τα ελαφρύτερα του Κουροσάβα, αλλά εξακολουθεί να απολαμβάνει μεγάλη δημοτικότητα και να συμπεριλαμβάνεται τακτικά σε λίστες με τους καλύτερους σκηνοθέτες. Ο Αμερικανός σκηνοθέτης Τζορτζ Λούκας ονόμασε αργότερα την ταινία ως τη μεγαλύτερη έμπνευση για τη διαστημική του όπερα Star Wars και εν μέρει υιοθέτησε ολόκληρες σκηνές ως φόρο τιμής στο έργο του Κουροσάβα.

Ξεκινώντας με το Rashomon, τα έργα του Κουροσάβα άρχισαν να γίνονται όλο και πιο φιλόδοξα- αντίστοιχα, ο προϋπολογισμός αυξανόταν σταθερά. Από περίσκεψη, μετά την κυκλοφορία του “Κρυμμένου Φρουρίου”, η Toho έκανε την πρόταση να ενεργήσει ως χορηγός για μια νέα εταιρεία που σκηνοθετούσε ο Κουροσάβα. Αυτό θα είχε το πλεονέκτημα για την Toho ότι μια εμπορική αποτυχία δεν θα συνεπαγόταν τόσο μεγάλες πιθανές απώλειες, ενώ ο Κουροσάβα θα ήταν πιο ελεύθερος από ποτέ να ελέγχει την παραγωγή και την κυκλοφορία των έργων του. Ο Κουροσάβα ενθουσιάστηκε με την ιδέα και ίδρυσε την Kurosawa Production Company τον Απρίλιο του 1959, με την Toho ως επενδυτή.

Παρά τον υψηλό κίνδυνο απώλειας, ο Κουροσάβα επέλεξε να εγκαινιάσει το στούντιό του με την πιο ξεκάθαρη κριτική του στην οικονομική και πολιτική ελίτ της Ιαπωνίας. Το The Wicked Sleep Well είναι ένα φιλμ νουάρ για έναν άνδρα που διεισδύει στην ιεραρχία μιας διεφθαρμένης ιαπωνικής εταιρείας για να βρει τους υπεύθυνους για το θάνατο του πατέρα του. Το θέμα αποδείχθηκε ειρωνικά επίκαιρο: παράλληλα με την παραγωγή της ταινίας, πλήθος κόσμου διαδήλωνε στους δρόμους της Ιαπωνίας κατά της Συνθήκης Αμοιβαίας Συνεργασίας και Ασφάλειας μεταξύ Ιαπωνίας και Ηνωμένων Πολιτειών, μια συμφωνία που πολλοί νέοι Ιάπωνες θεωρούσαν ότι αποτελούσε τεράστια απειλή για το δημοκρατικό πολίτευμα της χώρας, ιδίως με τη σαφή μετατόπιση της εξουσίας σε μεγάλες εταιρείες και πολιτικούς. Η ταινία κυκλοφόρησε, σε αντίθεση με τις απαισιόδοξες προσδοκίες του Κουροσάβα, τον Σεπτέμβριο του 1960 και απέσπασε θετικές κριτικές από κοινό και κριτικούς. Ειδικότερα, η 25λεπτη εναρκτήρια σεκάνς αναφέρεται συχνά ως μία από τις πιο δυνατές στην ιστορία του κινηματογράφου.

Λόγω της επιτυχίας του Yojimbo, η Toho ζήτησε από τον Κουροσάβα να ετοιμάσει μια συνέχεια. Ενθουσιασμένος με την ιδέα, έψαξε στα αρχεία του για τα πεταμένα σενάριά του, βρήκε αυτό που έψαχνε και έγραψε ξανά ένα από αυτά για την υποσχόμενη συνέχεια. Το Sanjuro, που πήρε το όνομά του από τον ομώνυμο χαρακτήρα, είναι πολύ πιο ανάλαφρο σε σχέση με τον προκάτοχό του, παρά τη σοβαρή ιστορία για μια φατρία σαμουράι με εσωτερικές συγκρούσεις και αγώνες εξουσίας. Είναι επίσης ασυνήθιστα χιουμοριστικό, αμφισβητώντας τους κανόνες και τις αξίες που διδάσκονται στο παραδοσιακό jidai-geki μέσα από την ειρωνεία και την αποτυχία των αντίστοιχων πρωταγωνιστών. Η ταινία κυκλοφόρησε την Πρωτοχρονιά του 1962 και σημείωσε ακόμη μεγαλύτερη επιτυχία από τον ήδη ευφορικό από κριτικής και οικονομικής άποψης προκάτοχό της. Ακόμα και σήμερα, όπως και το Yojimbo, η ταινία καταγράφεται τακτικά ως μία από τις καλύτερες του Κουροσάβα.

Παρά την τεράστια επιτυχία των δύο τελευταίων του ταινιών σαμουράι, ο Κουροσάβα ήταν έτοιμος να γυρίσει ένα ακόμη φιλμ νουάρ με θέμα την απαγωγή – το έγκλημα που φοβόταν περισσότερο ο Κουροσάβα. Η ταινία Between Heaven and Hell γυρίστηκε το δεύτερο εξάμηνο του 1962 και κυκλοφόρησε διεθνώς τον Μάρτιο του 1963. Ήταν η τρίτη κατά σειρά ταινία που έσπασε το ρεκόρ εισπράξεων του Κουροσάβα και έγινε η πιο επιτυχημένη ταινία ολόκληρης της χρονιάς. Η ταινία γνώρισε επίσης τεράστια επιτυχία στους κριτικούς, οι οποίοι σταμάτησαν για λίγο αφού η ταινία κατηγορήθηκε για ένα κύμα μαζικών απαγωγών στην Ιαπωνία. Ακόμη και ο Κουροσάβα δέχτηκε απειλές κατά της κόρης του Καζούκο. Το σκάνδαλο καταλάγιασε μετά από λίγο καιρό και σήμερα η ταινία καταγράφεται ομόφωνα ως μία από τις καλύτερες παραγωγές του Κουροσάβα. Έμελλε να είναι η τελευταία από τις τρεις ταινίες νουάρ του σκηνοθέτη.

Λίγο αργότερα, ξεκίνησε να εργάζεται πάνω στο νέο του έργο, το Red Beard. Επηρεασμένη κατά τόπους από το μυθιστόρημα του Ντοστογιέφσκι Ταπεινωμένοι και προσβεβλημένοι, η ταινία εποχής διαδραματίζεται σε μια κλινική του 19ου αιώνα και θεωρείται το σαφέστερο κινηματογραφικό μανιφέστο του Κουροσάβα για την ανθρωπιστική θεώρηση του ανθρώπου. Ένας εγωιστής και υλιστής νεαρός γιατρός ονόματι Γιασουμότο αισθάνεται υποχρεωμένος να εργαστεί ως ειδικευόμενος σε μια κλινική υπό την αυστηρή καθοδήγηση του γιατρού Νίντε, γνωστού ως Redbeard. Αφού αρχικά αντιστέκεται στον Κόκκινο Γάιδαρο, σύντομα αρχίζει να θαυμάζει το θάρρος του και στη συνέχεια αναθεωρεί τη γνώμη του για τους ασθενείς της κλινικής, τους οποίους προηγουμένως απεχθανόταν.

Ο Yūzō Kayama, ο ηθοποιός που υποδυόταν τον Yasumoto, ήταν ένας πολύ δημοφιλής μουσικός στην Ιαπωνία- ως εκ τούτου, η Toho καθώς και ο Kurosawa θεώρησαν ότι η εμφάνισή του αποτελούσε εγγύηση για την προσδοκώμενη οικονομική επιτυχία της ταινίας. Τα γυρίσματα ήταν τα μεγαλύτερα στην καριέρα του Κουροσάβα και διήρκεσαν ένα χρόνο εντατικής εργασίας, παρά τους πέντε μήνες προπαραγωγής. Την άνοιξη του 1965, η ταινία ανακηρύχθηκε επίσημα ολοκληρωμένη, αλλά το άγχος αποδείχθηκε κακό για την ήδη κλονισμένη υγεία του Κουροσάβα και ορισμένων από τους συντελεστές. Το Red Beard έκανε παγκόσμια πρεμιέρα τον Απρίλιο του 1965 και έγινε μια από τις πιο επιτυχημένες ταινίες της χρονιάς. Παραμένει μέχρι σήμερα μια από τις πιο αναγνωρισμένες παραγωγές του Κουροσάβα, αν και μεμονωμένες φωνές, ειδικά στη Δύση, δεν έβλεπαν τη δέσμευση του Κουροσάβα για πολιτική και κοινωνική αλλαγή.

Κατά κάποιον τρόπο, η ταινία σηματοδοτεί το τέλος μιας εποχής. Ο ίδιος ο Κουροσάβα το σημείωνε αυτό- σε μια συνέντευξη με τον κριτικό κινηματογράφου Ντόναλντ Ρίτσι, για παράδειγμα, μας είπε ότι με το Κόκκινο μούσι είχε κλείσει ένας κύκλος για τον ίδιο και ότι οι μελλοντικές του ταινίες και οι μέθοδοι παραγωγής θα ήταν διαφορετικές από τις προηγούμενες. Η πρόβλεψή του αποδείχθηκε σωστή. Από τις αρχές της δεκαετίας του 1960, τα τηλεοπτικά προγράμματα αντικατέστησαν όλο και περισσότερο τις κινηματογραφικές παραγωγές και όσο περισσότερο μειώνονταν τα έσοδα των κινηματογραφικών στούντιο, τόσο περισσότερο μειωνόταν η προθυμία τους να αναλάβουν κινδύνους, ιδίως σε σχέση με το οικονομικό ρίσκο που αντιπροσώπευαν οι ακριβές παραγωγές και οι τολμηρές ιδέες του Κουροσάβα.

Ο Red Beard σημείωσε επίσης περίπου τα μισά της καριέρας του χρονολογικά. Στα προηγούμενα 29 χρόνια στην κινηματογραφική βιομηχανία (συμπεριλαμβανομένων των πέντε ετών ως βοηθός σκηνοθέτη), είχε δημιουργήσει 23 ταινίες, ενώ στα επόμενα 28 χρόνια θα δημιουργούσε μόνο επτά ακόμη. Ομοίως, το Red Beard σηματοδότησε την τελευταία συνεργασία με τον Toshiro Mifune. Οι λόγοι γι” αυτό δεν δημοσιοποιήθηκαν ποτέ, ακόμη και μετά από επανειλημμένα αιτήματα.

Διαβάστε επίσης, βιογραφίες – Λιούις Κάρολ

Η δεύτερη εποχή (1966-1998)

Μετά τη λήξη του συμβολαίου του Κουροσάβα με την Toho το 1966, ο 56χρονος τότε σκηνοθέτης σκέφτηκε μια δραστική αλλαγή κατεύθυνσης. Με την ολοένα αυξανόμενη κυριαρχία της τηλεόρασης και τις πολυάριθμες προσφορές συμβολαίων από το εξωτερικό, άρχισε να συμπαθεί όλο και περισσότερο την ιδέα να εργαστεί εκτός Ιαπωνίας.

Για το πρώτο του ξένο έργο, ο Κουροσάβα επέλεξε μια ιστορία βασισμένη σε ένα άρθρο του περιοδικού Life. Το θρίλερ δράσης, που θα γυριζόταν στα αγγλικά με τίτλο Runaway Train, θα ήταν η πρώτη έγχρωμη ταινία του. Ωστόσο, το γλωσσικό εμπόδιο αποδείχθηκε σημαντικό πρόβλημα και η αγγλική έκδοση του σεναρίου δεν ήταν καν έτοιμη για την προγραμματισμένη έναρξη των γυρισμάτων το φθινόπωρο του 1966. Τα γυρίσματα, που απαιτούσαν χιόνι, αναβλήθηκαν τελικά για ένα χρόνο και εγκαταλείφθηκαν εντελώς το 1968. Μόλις δύο δεκαετίες αργότερα ο Αντρέι Κοντσαλόφσκι γύρισε την ταινία ως Runaway Train, βασιζόμενος σε μεγάλο βαθμό στο σενάριο του Κουροσάβα.

Από τότε ο Κουροσάβα έχει εμπλακεί σε ένα πολύ πιο φιλόδοξο χολιγουντιανό σχέδιο. Tora! Tora! Το Tora!, παραγωγής 20th Century Fox και Kurosawa Productions, σχεδιάστηκε ως ένα πορτρέτο της επίθεσης στο Περλ Χάρμπορ από την οπτική γωνία των Ηνωμένων Πολιτειών και της Ιαπωνίας. Ο Κουροσάβα επρόκειτο να γυρίσει το ιαπωνικό μέρος και ένας αρχικά αδιευκρίνιστος αγγλόφωνος σκηνοθέτης την αμερικανική πλευρά. Μετά από μήνες εντατικής και φιλόδοξης δουλειάς εκ μέρους του Κουροσάβα, το έργο άρχισε να καταρρέει. Για το αγγλόφωνο μισό της ταινίας δεν προσλήφθηκε ο διάσημος David Lean, όπως είχε υποσχεθεί στον Kurosawa, αλλά ο πολύ λιγότερο γνωστός Richard Fleischer. Επιπλέον, ο προϋπολογισμός μειώθηκε και το ιαπωνικό μέρος της ταινίας δεν έπρεπε να ξεπερνά τα 90 λεπτά – ένα σημαντικό πρόβλημα, καθώς ο Κουροσάβα είχε αναλάβει να γυρίσει ένα έπος και είχε αφιερώσει αρκετούς μήνες εργασίας σε ένα σενάριο διάρκειας τεσσεράμισι ωρών. Μετά από αρκετές συζητήσεις και μια σύντομη παρέμβαση του παραγωγού ταινιών Darryl F. Zanuck, ένα λίγο-πολύ τελικό προϊόν συμφωνήθηκε τελικά τον Μάιο του 1968.

Τα γυρίσματα ξεκίνησαν στις αρχές Δεκεμβρίου, αλλά ο Κουροσάβα εργάστηκε ως σκηνοθέτης μόνο για τρεις εβδομάδες. Είχε προβλήματα στη συνεργασία του με ένα συνεργείο που του ήταν εντελώς άγνωστο και οι μέθοδοι εργασίας του ενόχλησαν επίσης τους Αμερικανούς παραγωγούς, οι οποίοι τελικά κατέληξαν στο συμπέρασμα ότι ο Κουροσάβα ήταν ψυχικά άρρωστος. Μετά από μια σύντομη συζήτηση, αποφάσισε να εξεταστεί στο Πανεπιστήμιο Kyōto από τον νευροψυχολόγο Dr. Murakami, ο οποίος του διέγνωσε νευρασθένεια, αναφέροντας: “Πάσχει από διαταραχές ύπνου που προκαλούνται από το άγχος και τη μανιακή διέγερση που προκαλεί η προαναφερθείσα κλινική εικόνα. Είναι απαραίτητο να ξεκουραστεί και να λάβει ιατρική περίθαλψη για τους επόμενους δύο μήνες”. Γύρω στα Χριστούγεννα του 1968, οι παραγωγοί της ταινίας ανακοίνωσαν ότι ο Κουροσάβα εγκατέλειψε την παραγωγή της ταινίας λόγω κόπωσης. Στην πραγματικότητα, είχε απολυθεί με συνοπτικές διαδικασίες και τελικά αντικαταστάθηκε από δύο Ιάπωνες σκηνοθέτες, τον Kinji Fukasaku και τον Toshio Masuda.

Tora! Tora! Το Tora! κυκλοφόρησε τελικά τον Σεπτέμβριο του 1970 με χλιαρές κριτικές – ένα αποτέλεσμα που, σύμφωνα με τον Donald Richie, αντιπροσώπευε μια “σχεδόν απόλυτη τραγωδία” στην καριέρα του Κουροσάβα. “Ο ίδιος (ο Κουροσάβα) σπατάλησε χρόνια από τη ζωή του σε ένα υλικοτεχνικά αποσπασματικό έργο, στο οποίο τελικά δεν επρόκειτο να συνεισφέρει τίποτα”. Το περιστατικό προκάλεσε μια σειρά από αρνητικά γεγονότα: Το όνομα του Κουροσάβα αφαιρέθηκε από τους τίτλους τέλους, παρόλο που το σενάριο για τις ιαπωνικές σκηνές προερχόταν από τον ίδιο, και ο ίδιος ενεπλάκη σε μια διαμάχη με τον επί χρόνια συνεργάτη και φίλο του Ριούζο Κικουσίμα, η οποία δεν διευθετήθηκε μέχρι το θάνατό του. Σύμφωνα με τον Κουροσάβα, το έργο αποκάλυψε επίσης τη διαφθορά στην ίδια του την εταιρεία, κάτι που ειρωνικά είχε αντιμετωπίσει καλά στο The Wicked Sleep. Επιπλέον, αισθάνθηκε υποχρεωμένος να αμφισβητήσει για πρώτη φορά την υγεία του. Όπως αποκάλυψε αργότερα ο Κουροσάβα σε μια συνέντευξή του, ήταν σίγουρος ότι σε αυτό το σημείο δεν ήθελε πλέον να γυρίζει ταινίες, πόσο μάλλον να συνεισφέρει στην κινηματογραφική βιομηχανία με οποιονδήποτε άλλο τρόπο.

Μέσα από την πανωλεθρία με το Tora! Tora! Ο Κουροσάβα ήξερε ότι η φήμη του κινδύνευε αν δεν ξαναβρισκε τον εαυτό του. Οι Keisuke Kinoshita, Masaki Kobayashi και Kon Ichikawa, σκηνοθέτες οι ίδιοι και μακροχρόνιοι φίλοι του Κουροσάβα, τον βοήθησαν και ίδρυσαν μαζί του μια νέα εταιρεία παραγωγής τον Ιούλιο του 1969: Yonki no kai (“The Four Knights Club”). Παρόλο που το επίσημο σχέδιο ήταν κάθε σκηνοθέτης να χρησιμοποιήσει την πλατφόρμα για τις δικές του κυκλοφορίες, πολλές αναδρομές συμφωνούν ότι το πραγματικό κίνητρο ήταν να βοηθηθεί ο Κουροσάβα να ολοκληρώσει το έργο του προκειμένου να επανενταχθεί στην κινηματογραφική βιομηχανία.

Αφού εργάστηκε για λίγο σε μια ταινία εποχής με τίτλο Dora-heita, η οποία αποδείχθηκε πολύ ακριβή, ο Κουροσάβα αποφάσισε να γυρίσει την πειραματική ταινία Dodeskaden για φτωχούς και άπορους ανθρώπους. Η ταινία γυρίστηκε πολύ γρήγορα για τα δεδομένα του Κουροσάβα, σε μόλις εννέα εβδομάδες, όχι μόνο επειδή ήθελε να αποδείξει ότι μπορούσε να παράγει σπουδαίες ταινίες με μικρό προϋπολογισμό, ακόμη και μετά από μακρά απουσία. Για την πρώτη έγχρωμη ταινία του, ο Κουροσάβα εγκατέλειψε την παλιά του εστίαση στο δυναμικό μοντάζ και τις σύνθετες συνθέσεις εικόνων και επικεντρώθηκε περισσότερο στη δημιουργία εντυπωσιακών, σχεδόν σουρεαλιστικών χρωματικών παλετών με στόχο να εκθέσει το τοξικό περιβάλλον των χαρακτήρων του. Η ταινία έκανε το ντεμπούτο της στην Ιαπωνία τον Οκτώβριο του 1970 και προκάλεσε επιφυλακτικές αντιδράσεις από το κοινό που βρήκε την ταινία υπερβολικά απαισιόδοξη και σουρεαλιστική. Η ταινία ήταν οικονομικά ζημιογόνος και οδήγησε στη διάλυση του Yonki no kai. Μετά από λίγο καιρό, η υποδοχή της ταινίας έγινε πολύ πιο θετική -μεταξύ άλλων, προτάθηκε για “Καλύτερη ξενόγλωσση ταινία” στα Όσκαρ του 1972- αλλά αυτό δεν άλλαξε την ψυχική κατάσταση του σκηνοθέτη, ο οποίος έπεσε σε βαθιά κατάθλιψη μετά την αποτυχία του.

Μη μπορώντας να παράγει άλλες ταινίες λόγω των υπερβολικών δαπανών και υποφέροντας σοβαρά από προβλήματα υγείας, ο Κουροσάβα έπιασε πάτο στις 22 Δεκεμβρίου 1971 κόβοντας τους καρπούς και το λαιμό του. Η απόπειρα αυτοκτονίας απέβη ανεπιτυχής και ο σκηνοθέτης συνήλθε σχετικά γρήγορα, αλλά αποφάσισε για δεύτερη φορά ότι δεν ήθελε πλέον να συνεισφέρει στην κινηματογραφική βιομηχανία.

Στις αρχές του 1973, το πιο διάσημο ρωσικό κινηματογραφικό στούντιο Mosfilm προσέγγισε τον Κουροσάβα και του ζήτησε συνεργασία. Παρά τον αρχικό σκεπτικισμό, ο Κουροσάβα αποδέχτηκε την πρόταση να εκπληρώσει το παλιό του όνειρο να κινηματογραφήσει τη ζωή του κυνηγού Ντερσού Ουσάλα. Τα θεμέλια γι” αυτό τέθηκαν στα γραπτά του Ρώσου εξερευνητή Βλαντιμίρ Κλαβντίγιεβιτς Αρσένιεφ (1872-1930). Ο Κουροσάβα είχε το σχέδιο από τα μέσα της δεκαετίας του 1930, αλλά δεν είχε βρει κανέναν που να ενδιαφέρεται για το έργο μέχρι τότε. Τον Δεκέμβριο του 1973, ο 63χρονος σκηνοθέτης εγκαταστάθηκε στη Σοβιετική Ένωση, όπου έμελλε να ζήσει για ενάμιση ακόμη χρόνο. Τα γυρίσματα ξεκίνησαν τον Μάιο του 1974 στη Σιβηρία και αποδείχθηκαν δύσκολα λόγω των σκληρών συνθηκών της φύσης εκεί, γι” αυτό και η ταινία δεν ολοκληρώθηκε πριν από τον Απρίλιο του 1975. Η ταινία Uzala the Kirghiz, όπως θα ονομαζόταν τελικά η ταινία, έκανε παγκόσμια πρεμιέρα στις 2 Αυγούστου 1975 και σημείωσε τεράστια επιτυχία σε κριτικούς και θεατές. Η ταινία όχι μόνο έγινε μια από τις πιο επιτυχημένες ταινίες της χρονιάς διεθνώς, μαζί με ονόματα όπως τα Σαγόνια του Καρχαρία και το Ένας πεταλούδα πάνω από τη φωλιά του κούκου, αλλά αποδείχθηκε επίσης επιτυχημένη σε διάφορες τελετές απονομής βραβείων. Μεταξύ άλλων, τιμήθηκε με Όσκαρ το 1976. Μέχρι σήμερα, το Uzala the Kirghiz θεωρείται μια από τις καλύτερες ταινίες του Κουροσάβα.

Αν και λάμβανε συνεχώς προτάσεις για την τηλεόραση, ο Κουροσάβα δεν έδειξε ποτέ σοβαρό ενδιαφέρον για την υποκριτική εκτός του κινηματογράφου. Μέχρι το θάνατό του, ο δηλωμένος λάτρης του ουίσκι έκανε μια εξαίρεση μόνο για μια σειρά διαφημίσεων για τον ιαπωνικό κατασκευαστή Suntory την άνοιξη του 1976. Παρόλο που ο ψυχικά άρρωστος σκηνοθέτης βασανιζόταν μόνιμα από τον φόβο ότι δεν θα μπορέσει ποτέ ξανά να γυρίσει ταινίες μετά την απόπειρα αυτοκτονίας του, έγραφε μονίμως περαιτέρω σενάρια, πίνακες και σκίτσα που ήθελε να καταγράψει για τις επόμενες γενιές, ακόμη και αν δεν θα γυρίζονταν ποτέ.

Το 1977, ο Αμερικανός σκηνοθέτης Τζορτζ Λούκας κυκλοφόρησε με μεγάλη επιτυχία τον Πόλεμο των Άστρων, μια διασκευή της ταινίας Το κρυφό φρούριο του Κουροσάβα. Ο Λούκας, όπως και πολλοί άλλοι σκηνοθέτες του Νέου Χόλιγουντ, εκτιμούσε τον Κουροσάβα και σοκαρίστηκε όταν έμαθε ότι δεν μπορούσε να χρηματοδοτήσει τις ταινίες του. Οι δύο τους συναντήθηκαν στο Σαν Φρανσίσκο τον Ιούλιο του 1978 για να συζητήσουν τη χρηματοδότηση μιας νέας ταινίας του Κουροσάβα: Kagemusha – Η σκιά του πολεμιστή, η επική ιστορία ενός κλέφτη που προσλαμβάνεται για να κάνει τον Ιάπωνα πολέμαρχο. Ο Λούκας ενθουσιάστηκε τόσο πολύ με το σενάριο και τους πίνακες που χρησιμοποίησε τις νέες του επαφές για να πείσει την 20th Century Fox να αναλάβει την παραγωγή της ταινίας. Το στούντιο συμφώνησε παρά το ταραχώδες παρελθόν με τον Ιάπωνα σκηνοθέτη και προσέλαβε ως συμπαραγωγό τον Francis Ford Coppola, έναν άλλο θαυμαστή του Kurosawa.

Η παραγωγή ξεκίνησε τον επόμενο Απρίλιο, τα γυρίσματα διήρκεσαν από τον Ιούνιο του 1979 έως τον Μάρτιο του 1980 και διακόπηκαν κατά καιρούς από διάφορες επιπλοκές, συμπεριλαμβανομένης μιας αυτοσχέδιας δεύτερης διανομής, αφού ο αρχικός πρωταγωνιστής Shintarō Katsu αντικαταστάθηκε από τον Tatsuya Nakadai λόγω διαφωνιών. Η ταινία ολοκληρώθηκε με μερικές εβδομάδες καθυστέρηση, αλλά κατάφερε να κάνει πρεμιέρα στο Τόκιο τον Απρίλιο του 1980, την προγραμματισμένη ημερομηνία. Γρήγορα έγινε διεθνής επιτυχία – και κέρδισε τον Χρυσό Φοίνικα στο Διεθνές Φεστιβάλ Κινηματογράφου των Καννών το 1980 – και, προς μεγάλη χαρά του Κουροσάβα, έγινε επιτυχημένη και στην Ιαπωνία. Ο Κουροσάβα χρησιμοποίησε το υπόλοιπο της χρονιάς εντατικά για την προώθηση της ταινίας στην Ευρώπη και την Αμερική, καθώς και για τελετές απονομής βραβείων και μια έκθεση τέχνης με σχέδια του έπους.

Η μεγάλη επιτυχία του Kagemusha επέτρεψε στον Κουροσάβα να χρηματοδοτήσει το έργο των ονείρων του Ran, μια ιστορική ταινία ασύλληπτου μεγέθους. Η ταινία περιγράφει την πτώση του Hidetora Ichimonji, ενός Daimyō της περιόδου Sengoku, ο οποίος αποφασίζει να παραιτηθεί για χάρη των γιων του. Η αυτοκρατορία του καταρρέει κάτω από τις ίντριγκες και τους αγώνες των γιων του- στην πορεία ο Χιντετόρα πέφτει θύμα τρέλας. Με προϋπολογισμό 12 εκατομμυρίων δολαρίων, το Ran ήταν η πιο ακριβή ιαπωνική ταινία μέχρι σήμερα, γι” αυτό και ο Κουροσάβα έλαβε εκ νέου οικονομική βοήθεια, αυτή τη φορά από τον Γάλλο παραγωγό Serge Silberman, ο οποίος είχε γίνει ιδιαίτερα γνωστός από τη συνεργασία του με τον Luis Buñuel. Τα γυρίσματα ξεκίνησαν τον Δεκέμβριο του 1983 και διήρκεσαν λίγο περισσότερο από ένα χρόνο.

Τον Ιανουάριο του 1985, η μεταπαραγωγή του Ran διακόπηκε λόγω της ασθένειας της συζύγου του Κουροσάβα, Γιόκο, η οποία πέθανε την 1η Φεβρουαρίου του ίδιου έτους. Εν μέσω της θλίψης του, ο Κουροσάβα εργάστηκε σχολαστικά για να ολοκληρώσει την ταινία, ώστε το Ran να μπορέσει να γιορτάσει την πρεμιέρα του στο Διεθνές Φεστιβάλ Κινηματογράφου του Τόκιο στις 31 Μαΐου 1985. Η ταινία κυκλοφόρησε παγκοσμίως την επόμενη ημέρα. Είχε μέτρια επιτυχία στην Ιαπωνία και μεγάλη επιτυχία στο εξωτερικό, ιδίως στην Αμερική και την Ευρώπη. Τον Σεπτέμβριο και τον Οκτώβριο του ίδιου έτους, ο Κουροσάβα ταξίδεψε σε όλο τον κόσμο για να προωθήσει την ταινία του, όπως είχε κάνει και για το Kagemusha.

Ο Ran κέρδισε πλήθος βραβείων σε όλο τον κόσμο, μεταξύ άλλων και στην Ιαπωνία. Ο κινηματογραφικός κόσμος εξεπλάγη, λοιπόν, όταν η Ιαπωνία δεν υπέβαλε την ταινία Ran για την κατηγορία Καλύτερης Ξενόγλωσσης Ταινίας στα βραβεία Όσκαρ του 1986 και προτίμησε μια άλλη ταινία. Η Ακαδημία ανακοίνωσε λίγο αργότερα ότι η ταινία Ran αποκλείστηκε επίσημα από το διαγωνιστικό τμήμα, καθώς δεν ήταν σαφές αν θεωρούνταν ιαπωνική ταινία, γαλλική ταινία ή και τα δύο ταυτόχρονα. Πολλές προσωπικότητες της βιομηχανίας του Χόλιγουντ, ιδίως ο σημαίνων σκηνοθέτης Sidney Lumet, εξοργίστηκαν από την αμφισβητούμενη απόφαση. Στη συνέχεια, ο Lumet ξεκίνησε με επιτυχία μια εκστρατεία για να βραβευτεί ο Κουροσάβα στην κατηγορία “Καλύτερης Σκηνοθεσίας”. Η Ran κέρδισε επίσης το Όσκαρ “Καλύτερου Σχεδιασμού Κοστουμιών”.

Το Kagemusha και το Ran συγκαταλέγονται συνήθως στα σημαντικότερα έργα του Κουροσάβα. Ο ίδιος ο Ιάπωνας σκηνοθέτης χαρακτήρισε το Ran ως την καλύτερη ταινία του μετά την κυκλοφορία του, σπάζοντας τη συνήθειά του να μην προτιμά καμία από τις ταινίες του.

Για την επόμενη ταινία του, ο Κουροσάβα επέλεξε ένα πολύ συγκεκριμένο θέμα, διαφορετικό από όλα τα προηγούμενα έργα του. Αν και κάποιες από τις ταινίες του περιείχαν ήδη σύντομες ονειρικές σκηνές (για παράδειγμα ο Άγγελος του Χαμένου και το Kagemusha), το Όνειρα του Ακίρα Κουροσάβα βασίζεται εξ ολοκλήρου σε πραγματικά όνειρα του σκηνοθέτη από διάφορα στάδια της ζωής του. Η ταινία είναι πολύ πολύχρωμη και δεν περιέχει σχεδόν καθόλου διάλογο, αλλά αφηγείται τις ιστορίες της κυρίως μέσω εικόνων. Αν και ο προϋπολογισμός της ταινίας ήταν πολύ μικρότερος από αυτόν του Ran, τα ιαπωνικά κινηματογραφικά στούντιο αρνήθηκαν να την χρηματοδοτήσουν πλήρως, οπότε ο Στίβεν Σπίλμπεργκ, άλλος ένας γνωστός θαυμαστής του Κουροσάβα, ζήτησε βοήθεια από την Warner Bros. Entertainment, η οποία λίγο αργότερα εξασφάλισε τα διεθνή δικαιώματα της ταινίας. Αυτό διευκόλυνε τον γιο του Κουροσάβα, Χισάο, συμπαραγωγό της ταινίας, να βρει συμβιβασμό με τα ιαπωνικά κινηματογραφικά στούντιο. Τα γυρίσματα της ταινίας διήρκεσαν περίπου οκτώ μήνες μέχρι να μπορέσει το Όνειρα του Ακίρα Κουροσάβα να γιορτάσει την πρεμιέρα του στις Κάννες τον Μάιο του 1990. Η ταινία έτυχε καλής υποδοχής από τους κριτικούς και ήταν μια οικονομική επιτυχία, αν και όχι στην κλίμακα του Ran ή του Kagemusha. Παρόλο που το Όνειρα του Ακίρα Κουροσάβα δεν θεωρείται ένα από τα μεγαλύτερα επιτεύγματα του σκηνοθέτη, εξακολουθεί να έχει ένα ορισμένο cult status μεταξύ των θεατών σήμερα. Στα τέλη του 1990, ο Κουροσάβα δέχτηκε το τιμητικό Όσκαρ για το έργο της ζωής του.

Το επόμενο έργο του, Ραψωδία τον Αύγουστο, ήταν και πάλι μια συμβατική ιστορία. Η ταινία πραγματεύεται τις συνέπειες των ατομικών βομβών που έπεσαν στη Χιροσίμα και το Ναγκασάκι στο τέλος του Β” Παγκοσμίου Πολέμου. Για πρώτη φορά μετά το Dodeskaden, η παραγωγή έγινε εξ ολοκλήρου στην Ιαπωνία, ενώ για πρώτη φορά εμφανίζεται και ένας Αμερικανός σταρ, ο Richard Gere στον ρόλο του ανιψιού του πρωταγωνιστή. Τα γυρίσματα ξεκίνησαν τον Ιανουάριο του 1991 και η ταινία κυκλοφόρησε διεθνώς στις 25 Μαΐου. Παρόλο που ήταν μια οικονομική επιτυχία, η ταινία έτυχε σε μεγάλο βαθμό αρνητικής υποδοχής, ιδίως στις ΗΠΑ, οι οποίες κατηγόρησαν τον Ιάπωνα σκηνοθέτη για αντιαμερικανικές απόψεις. Ο ίδιος ο Κουροσάβα αρνήθηκε τις κατηγορίες.

Το Madadayo επρόκειτο να είναι η τελευταία ταινία του γηραιού σκηνοθέτη. Ακολουθεί τη ζωή του Ιάπωνα καθηγητή Γερμανικών Uchida Hyakken κατά τη διάρκεια του Β” Παγκοσμίου Πολέμου και μετά. Μεγάλο μέρος της αφήγησης της ταινίας περιορίζεται σε ένα πάρτι γενεθλίων με τους μαθητές του, στους οποίους εξηγεί την απροθυμία του να πεθάνει – ένα θέμα που γινόταν όλο και πιο επίκαιρο για τον 81χρονο σκηνοθέτη. Η ταινία γυρίστηκε από τον Φεβρουάριο έως τον Σεπτέμβριο του 1992- κυκλοφόρησε στις 17 Απριλίου 1993. Το Madadayo αποδείχθηκε μεγάλη επιτυχία και κέρδισε διάφορα βραβεία διεθνώς καθώς και στην Ιαπωνία, μεταξύ των οποίων τέσσερις κατηγορίες του ιαπωνικού βραβείου της Ακαδημίας, του σημαντικότερου κινηματογραφικού βραβείου της Ιαπωνίας. Το 1994 έλαβε το βραβείο του Κιότο.

Ακόμα και μετά το Madadayo, ο Κουροσάβα δεν έγινε λιγότερο παραγωγικός, γράφοντας τα σενάρια για τις ταινίες The Sea Comes (1993) και After the Rain (1995), μεταξύ άλλων. Λίγο πριν ολοκληρώσει το τελευταίο σενάριο, γλίστρησε και έσπασε την πλάτη του. Το περιστατικό άφησε τον σκηνοθέτη παραπληγικό και του στέρησε έτσι τη δυνατότητα να γυρίσει άλλη ταινία. Η επιθυμία του να πεθάνει στα γυρίσματα της ταινίας του δεν πραγματοποιήθηκε.

Μετά το ατύχημα, η υγεία του Κουροσάβα επιδεινώθηκε πάρα πολύ. Παρόλο που το μυαλό του δεν επηρεαζόταν, το σώμα του παρέδιδε ολοένα και περισσότερο και τους τελευταίους έξι μήνες της ζωής του ήταν σε μεγάλο βαθμό κατάκοιτος. Ο Κουροσάβα πέθανε τελικά στις 6 Σεπτεμβρίου 1998 σε ηλικία 88 ετών από τις συνέπειες ενός εγκεφαλικού επεισοδίου. Ο τόπος ανάπαυσής του βρίσκεται στο νεκροταφείο του βουδιστικού ναού An”yō-in στην Καμακούρα. Και τα δύο σενάρια που άφησε πίσω του έγιναν ταινίες προς τιμήν του, το 1999 το The Sea Comes του Takashi Koizumi και το 2002 το After the Rain του Kei Kumai. Ο εγγονός του, Takayuki Kato, έπαιξε ως βοηθητικός ηθοποιός και στις δύο ταινίες.

Ο Ακίρα Κουροσάβα άφησε μια ποικίλη και με διεθνή επιρροή κληρονομιά στις επόμενες γενιές σκηνοθετών. Αυτό κυμαινόταν από τις μεθόδους εργασίας του μέχρι το ύφος του και την επιλεκτική επιλογή ορισμένων θεμάτων και φιλοσοφιών. Οι μέθοδοι εργασίας του Κουροσάβα περιλάμβαναν εκτεταμένη συμμετοχή σε πολλές πτυχές της κινηματογραφικής παραγωγής. Μεταξύ άλλων, ήταν γνωστός ως ένας χαρισματικός αλλά τελειομανής σεναριογράφος, ο οποίος επεξεργαζόταν ή και αναθεωρούσε το σενάριό του αρκετές φορές.

Ως εκπαιδευμένος ζωγράφος, ο Κουροσάβα έδινε εξίσου μεγάλη σημασία στην αισθητική των ταινιών του. Για το σκοπό αυτό, ήλεγχε επίσης την κάμερα και ήταν διαβόητος για την επαναληπτική λήψη ή τη σύντομη αντικατάσταση ορισμένων πλάνων μόνο για λόγους κινηματογραφικής απόδοσης. Ο Κουροσάβα ανέλαβε επίσης το post-production, συμπεριλαμβανομένου του μοντάζ ταινιών και ήχου, για τις περισσότερες από τις ταινίες του. Η παράλληλη εκτέλεση της εργασίας του ως μοντέρ παράλληλα με τη σκηνοθεσία είναι ασυνήθιστη μέχρι σήμερα.

Ο Κουροσάβα δούλεψε με τους ίδιους ηθοποιούς στις περισσότερες ταινίες. Η έμπιστη ομάδα του πήρε αργότερα το παρατσούκλι “Kurosawa-gumi” (μεταφράζεται: “ομάδα Κουροσάβα”).

Διαβάστε επίσης, βιογραφίες – Μάρλον Μπράντο

Μέθοδοι εργασίας

Ο Κουροσάβα τόνισε με πάθος ότι για εκείνον το σενάριο ήταν το θεμέλιο μιας καλής ταινίας. Έφτασε στο σημείο να ισχυριστεί ότι ένας μέτριος σκηνοθέτης μπορεί μερικές φορές να κάνει μια αξιοπρεπή ταινία από ένα καλό σενάριο, αλλά κανένας καλός σκηνοθέτης δεν μπορεί ποτέ να κάνει μια αξιοπρεπή ταινία από ένα κακό σενάριο. Ως εκ τούτου, ο Κουροσάβα φρόντιζε σε μεγάλο βαθμό ο ίδιος τα σενάριά του και στη συνέχεια τα παρέδιδε για προτάσεις βελτίωσης σε μια ομάδα έμπιστων φίλων, κυρίως στους πέντε επαγγελματίες σεναριογράφους Eijirō Hisaita, Ryuzo Kikushima, Shinobu Hashimoto, Hideo Oguni και Masato Ide. Ωστόσο, ο ίδιος ο σκηνοθέτης είχε πάντα τον τελικό λόγο για την τελική έκδοση.

Εκτός από το σενάριο, ο Κουροσάβα έγραφε συχνά λεπτομερείς σημειώσεις, σκίτσα και σχέδια ιδεών. Αυτό χρησίμευσε για να επεξεργαστεί το όραμά του και, κυρίως, για να εξασφαλίσει την αυθεντικότητα, η οποία ήταν πάντα προτεραιότητα για τον σκηνοθέτη. Για παράδειγμα, για τους “Επτά σαμουράι” έγραψε επτά σημειωματάρια με σχολαστικές λεπτομέρειες σχετικά με το υπόβαθρο των χαρακτήρων της ταινίας, τι τρώνε και τι φορούν, πώς περπατούν, πώς μιλούν και πώς συμπεριφέρονται στους άλλους ανθρώπους, ακόμη και πώς πρέπει να δένουν τα παπούτσια τους. Για τους 101 αγρότες της ταινίας, δημιούργησε ένα μητρώο αποτελούμενο από πάνω από 23 σχολαστικά σχεδιασμένα γενεαλογικά δέντρα και έδωσε εντολή στους ηθοποιούς του να “ζουν” πλασματικά στις οικογένειες κατά τη διάρκεια των γυρισμάτων, ακόμη και εκτός των γυρισμάτων. Χρησιμοποίησε παρόμοιες δραστικές μεθόδους σε μεγάλο αριθμό έργων του.

Αν και ήταν σταθερά καλά γυρισμένες, ο Κουροσάβα χρησιμοποίησε κανονικούς φακούς και κινηματογράφηση με βαθιά εστίαση στις πρώτες του ταινίες. Ξεκινώντας από τους Επτά Σαμουράι, η τεχνική του άλλαξε δραστικά με φακούς μακράς εστίασης και την ταυτόχρονη χρήση πολλαπλών καμερών. Ο ίδιος ο σκηνοθέτης δήλωσε ότι αυτή η τεχνική γυρισμάτων επέτρεπε μεγαλύτερη αυθεντικότητα και καλύτερες ερμηνείες από τους ηθοποιούς του, καθώς δεν ήξεραν ποτέ ποιες από τις κάμερες θα χρησιμοποιούνταν τελικά στην ταινία, πόσο μάλλον πού θα τοποθετούνταν. Η σπασμωδική εστίαση της κάμερας μετατοπίζεται έτσι στους ηθοποιούς ή στο σκηνικό στο οποίο βρίσκονται οι χαρακτήρες. Η πειραματική προσέγγιση προφανώς λειτούργησε. Μεταξύ άλλων, ένας από τους ηθοποιούς, ο Tatsuya Nakadai, δήλωσε σε συνέντευξή του ότι ο τρόπος λήψης του Κουροσάβα συνέβαλε σημαντικά στην ερμηνεία του. Αλλά και οπτικά, αυτό το στυλ γυρισμάτων είχε επίδραση στην ταινία, ιδίως στις σκηνές δράσης.

Με το Κρυφό Φρούριο, ο Κουροσάβα άρχισε να χρησιμοποιεί μια αναμορφική διαδικασία. Αυτές οι τρεις τεχνικές – τηλεφακός, πολλαπλές κάμερες και μορφή ευρείας οθόνης – χρησιμοποιήθηκαν εκτενώς στα μεταγενέστερα έργα του, ακόμη και σε σκηνές με ελάχιστη ή καθόλου δράση. Ένα παράδειγμα είναι οι εναρκτήριες σκηνές στο Between Heaven and Hell στο σπίτι των πρωταγωνιστών. Εκεί, τα μέσα χρησιμοποιούνται για να δραματοποιήσουν την ένταση σε έναν πολύ περιορισμένο χώρο, καθώς και για να ενισχύσουν τις σχέσεις των χαρακτήρων.

Σε μια σκηνή του The Castle in the Cobweb Forest, όπου ο Washizu δέχεται επίθεση με βέλη από τους δικούς του άνδρες, ο σκηνοθέτης έβαλε πραγματικούς τοξότες να ρίχνουν κούφια βέλη στον ηθοποιό του Washizu, Toshiro Mifune. Οι τελευταίοι ακολουθούσαν προσεκτικά τα σημάδια κιμωλίας στο έδαφος για να αποφύγουν τα χτυπήματα. Παρόλο που ο Mifune δεν τραυματίστηκε, αργότερα διηγήθηκε ότι ορισμένα βέλη αστόχησαν ελάχιστα. Κουβαλούσε τραύματα από την εμπειρία αυτή για πολλούς μήνες μετά. Ωστόσο, η εκκεντρική πρόθεση του Κουροσάβα να κάνει τον φόβο του Μιφούνε πιο αυθεντικό, λειτούργησε τέλεια, έτσι ώστε η σκηνή χρειάστηκε να γυριστεί μόνο μία φορά.

Για να κάνει το σκηνικό της κλινικής στο Red Beard να φαίνεται πιο βρώμικο, ο Κουροσάβα έβαλε τους βοηθούς του να αποσυναρμολογήσουν σάπια ξύλα από παλιά σκηνικά και να τα συναρμολογήσουν για τα σκηνικά. Έδωσε επίσης εντολή στο κινηματογραφικό του συνεργείο να ρίξει λίτρα παλιού τσαγιού σε όλα τα φλιτζάνια του τσαγιού για να δημιουργήσει την εντύπωση ότι είναι μπαγιάτικα.

Ο καλλιτεχνικός διευθυντής και σκηνογράφος Muraki Yoshirō έλαβε εντολή για το σχεδιασμό του τρίτου κάστρου στο Ran να φωτογραφίσει τις πέτρες ενός πραγματικού κάστρου και να τις αναπαραστήσει με ακρίβεια χρησιμοποιώντας μπλοκ από φελιζόλ. Στη συνέχεια κόλλησε τα κομμάτια φελιζόλ κομμάτι-κομμάτι για να προσομοιώσει την εμφάνιση του κάστρου. Η όλη διαδικασία έγινε υπό τις ακριβείς οδηγίες του Κουροσάβα και διήρκεσε αρκετούς μήνες. Σε μια διάσημη σκηνή της ταινίας, το κάστρο δέχεται επίθεση και πυρπολείται, οπότε τμήματα της ομάδας φοβήθηκαν ότι η θερμότητα θα έλιωνε τα μπλοκ από πολυστυρένιο. Με εντολή του Κουροσάβα, οι όγκοι καλύφθηκαν με τέσσερις στρώσεις τσιμέντου και στη συνέχεια βάφτηκαν στο χρώμα των παλαιών όγκων.

Ο Κουροσάβα συχνά σημείωνε ότι έκανε μια ταινία μόνο για να έχει υλικό που θα μπορούσε να επεξεργαστεί αργότερα. Η διαδικασία της δημιουργίας ενός τελικού προϊόντος από την πρώτη ύλη ήταν πάντα το πιο σημαντικό και συναρπαστικό κομμάτι γι” αυτόν. Ο Hiroshi Nezu, επί μακρόν υπεύθυνος παραγωγής, είπε κάποτε: “Πιστεύουμε ότι είναι ο καλύτερος σκηνοθέτης της Toho, ο καλύτερος σκηνογράφος της Ιαπωνίας και ο καλύτερος μοντέρ στον κόσμο. Μια ταινία του Κουροσάβα δημιουργείται μέσω του μοντάζ, ας πούμε”.

Ο Teruyo Nogami, ο οποίος υπηρέτησε τον Κουροσάβα ως βοηθός μοντέρ σε αρκετές ταινίες, επιβεβαίωσε την άποψη αυτή: “Το μοντάζ του Ακίρα Κουροσάβα ήταν εξαιρετικό, το αμίμητο έργο μιας ιδιοφυΐας. Κανείς δεν ήταν ίσος μαζί του”. Ισχυρίστηκε ότι ο Κουροσάβα είχε κάθε πληροφορία για κάθε πλάνο στο κεφάλι του: “Όταν ζήτησε ένα πλάνο στο μοντάζ και του έδωσα το λάθος, παρατήρησε αμέσως το λάθος. Εγώ είχα κρατήσει σημειώσεις για κάθε σκηνή, εκείνος απλά την είχε στο μυαλό του”. Σύγκρινε τις σκέψεις του με έναν υπολογιστή που μπορεί να κάνει με κομμένα τμήματα ταινιών ό,τι κάνει η τεχνολογία στις μέρες μας.

Η συνήθης μέθοδος του Κουροσάβα ήταν να μοντάρει την ταινία κομμάτι-κομμάτι παράλληλα με την παραγωγή, συνήθως καθημερινά. Αυτό αποδείχθηκε ιδιαίτερα χρήσιμο όταν άλλαξε σε πολλαπλές κάμερες.

Λόγω της εντατικής ενασχόλησης με το μοντάζ, η διαδικασία έγινε ρουτίνα στην πορεία της καριέρας του. Κατά συνέπεια, το post-production μιας τυπικής ταινίας του Κουροσάβα μπορεί να είναι εξαιρετικά σύντομο. Για παράδειγμα: Το Yojimbo έκανε πρεμιέρα στις 20 Απριλίου 1961, μόλις τέσσερις ημέρες μετά το τέλος των γυρισμάτων.

Διαβάστε επίσης, βιογραφίες – Γεώργιος Ε΄ του Ηνωμένου Βασιλείου

Στυλιστικά μέσα

Σχεδόν όλοι οι σχολιαστές σημείωσαν ένα τολμηρό, δυναμικό ύφος στο έργο του Κουροσάβα που αρχικά δεν ήταν κάτι ασυνήθιστο για το Χόλιγουντ. Ωστόσο, επεσήμαναν επίσης ότι από την αρχή ο σκηνοθέτης έδειξε μια τεχνική που διέφερε αρκετά από το απρόσκοπτο στυλ του κλασικού Χόλιγουντ. Η τεχνική αυτή περιελάμβανε, μεταξύ άλλων, μια αγχωμένη απεικόνιση της οθόνης μέσω της χρήσης πολλών, μη επαναλαμβανόμενων γωνιών κάμερας, την περιφρόνηση του παραδοσιακού άξονα δράσης 180 μοιρών γύρω από τον οποίο συνήθως κατασκευάζονται οι σκηνές του Χόλιγουντ, και τις ρευστές κινήσεις της κάμερας που συχνά εμφανίζονται στη θέση του συμβατικού μοντάζ για να κάνουν την αφήγηση πιο χωρική. Ο Κουροσάβα έκανε χρήση πολλών υφολογικών μέσων που του αποδίδονται στην καριέρα του, αν και ορισμένα εμφανίστηκαν πιο συχνά.

Στις ταινίες του της δεκαετίας του 1940 και του 1950, ο Κουροσάβα χρησιμοποιούσε συχνά το λεγόμενο jump cut, ένα είδος μοντάζ στο οποίο η κάμερα μεγεθύνει ή σμικρύνει σταδιακά, όχι με ξεθώριασμα ή με ένα πλάνο παρακολούθησης, αλλά με μια σειρά συντονισμένων jump cuts. Ένα παράδειγμα από τη συνέχεια της ταινίας Sanshiro Sugata παρουσιάζεται από τον μελετητή κινηματογράφου David Bordwell στο ιστολόγιό του. Εκεί, ο Sanshiro, ο ήρωας της ταινίας, εγκαταλείπει την ερωμένη του Sayo, κάνοντας επανειλημμένα την ίδια πράξη: Απομακρύνεται μερικά μέτρα από αυτήν, γυρίζει προς το μέρος της και εκείνη σκύβει μπροστά. Αυτό συμβαίνει τρεις φορές χωρίς η κάμερα να ακολουθεί τον ήρωα, αλλά κάθε πλάνο είναι μια ξεχωριστή, αντιπαρατιθέμενη σκηνή. Κόβοντας με γρήγορη διαδοχή, αφύσικη και ολοένα αυξανόμενη απόσταση, η ταινία τονίζει τη διάρκεια της απουσίας του Sanshiro.

Στην εναρκτήρια σεκάνς της ταινίας Οι επτά σαμουράι, το άλμα με το χείλος χρησιμοποιείται δύο φορές. Όταν οι χωρικοί συγκεντρώνονται σε έναν κύκλο, τους βλέπουμε σε μεγάλη απόσταση από ψηλά, στη συνέχεια γίνεται ένα κόψιμο και η κάμερα πλησιάζει και μετά ένα άλλο κόψιμο στο επίπεδο του εδάφους όπου μπορεί να ξεκινήσει ο διάλογος. Λίγα λεπτά αργότερα, όταν οι χωρικοί πηγαίνουν στον μύλο για να ζητήσουν τη συμβουλή του γέροντα του χωριού, βλέπουμε ένα μακρινό πλάνο του μύλου με έναν αργά περιστρεφόμενο τροχό, μετά από ένα κόψιμο μια ακόμα πιο κοντινή άποψη του περιστρεφόμενου τροχού και τέλος ένα κοντινό πλάνο. Δεδομένου ότι είχε ήδη διαπιστωθεί ότι ο γέροντας του χωριού ζει στον μύλο, οι εικόνες αυτές δημιουργούν μια μεταγενέστερη σημαντική σύνδεση μεταξύ του γέροντα του χωριού και του μύλου.

Πολλοί αναλυτές επεσήμαναν την τάση του Κουροσάβα να κόβει σε μία κίνηση. Δηλαδή, να χωρίσετε μια σκηνή που κυλάει μεταξύ δύο κινούμενων χαρακτήρων σε δύο ή περισσότερα ξεχωριστά τμήματα, αντί για ένα αδιάκοπο πλάνο. Ένα παράδειγμα μπορεί να βρεθεί και πάλι στους Επτά Σαμουράι, όταν ο όρθιος σαμουράι Shichirōji θέλει να παρηγορήσει τον χωρικό Manzo, ο οποίος κάθεται στο έδαφος, και γονατίζει για να του μιλήσει. Ο Κουροσάβα κινηματογράφησε αυτή την απλή πράξη του γονάτισμα σε δύο πλάνα αντί για ένα για να μεταφέρει την ταπεινότητα του Σιτσιρότζι πιο έντονα. Μόνο στην ίδια ταινία υπάρχουν αμέτρητα τέτοια παραδείγματα. Η Joan Mellen δήλωσε για την ειδική έκδοση της συλλογής Criterion του έπους: “Ο Κουροσάβα διακόπτει και κατακερματίζει τη δράση για να δημιουργήσει ένα συναισθηματικό αποτέλεσμα”.

Μια μορφή κινηματογραφικής στίξης που συνδέεται ιδιαίτερα συχνά με τον Κουροσάβα είναι η λεγόμενη μετάβαση “σκουπίσματος”. Το εφέ δημιουργείται με τη χρήση ενός οπτικού εκτυπωτή. Όταν τελειώνει μια σκηνή, μια γραμμή ή μια μπάρα εμφανίζεται να κινείται στην οθόνη, “σβήνοντας” την εικόνα, ενώ ταυτόχρονα αποκαλύπτει το πρώτο καρέ της επόμενης σκηνής. Ο Κουροσάβα χρησιμοποιούσε συχνά αυτή την τεχνική αντί της συνήθους διάλυσης ή του κανονικού κοψίματος. Ειδικά στα μεταγενέστερα έργα του, ο σκηνοθέτης χρησιμοποίησε τη μέθοδο της μετάβασης ως σήμα κατατεθέν- στην ταινία Angel of the Lost, για παράδειγμα, χρησιμοποιείται δώδεκα φορές.

Υπάρχουν πολλές θεωρίες σχετικά με το γιατί ο Κουροσάβα αγαπούσε τόσο πολύ αυτή τη συγκεκριμένη μεταβατική μέθοδο. Δεδομένου ότι το “σκούπισμα” χρησιμοποιήθηκε κυρίως στις βωβές ταινίες, αλλά έγινε όλο και πιο σπάνιο με τα ομιλούντα, ο μελετητής του κινηματογράφου James Goodwin πρότεινε ότι ήταν ένας φόρος τιμής στον αδελφό του Κουροσάβα, τον Heigo, ο οποίος είχε εργαστεί ως benshi στις βωβές ταινίες και αυτοκτόνησε λόγω της δημοτικότητας των ομιλούντων ταινιών και της συνεπαγόμενης ανεργίας του. Πέρα από αυτό, όμως, το “σκούπισμα” έχει και υφολογικούς λόγους. Για παράδειγμα, ο Goodwin ισχυρίζεται ότι το “σκούπισμα” στο Rashomon εξυπηρετεί πάντα έναν από τους τρεις σκοπούς: Για να τονιστεί η κίνηση ενός χαρακτήρα που ταξιδεύει, για να επισημανθούν αφηγηματικές αλλαγές σε δικαστικές ακολουθίες και για να σχηματιστούν χρονικές ελλείψεις μεταξύ ενεργειών (για παράδειγμα, μεταξύ των δηλώσεων δύο χαρακτήρων). Επισημαίνει επίσης ότι ο Κουροσάβα δεν χρησιμοποιεί τη μέθοδο του “σκουπίσματος” στο Nachtasyl, αλλά αντίθετα σκηνοθετεί τους ηθοποιούς και τα σκηνικά του με τρόπο που προσομοιάζει το “σκούπισμα” από καρέ σε καρέ.

Ένα παράδειγμα σατιρικής χρήσης αυτής της μεθόδου μπορεί να βρεθεί στο Ikiru – Once Really Live. Μια ομάδα γυναικών επισκέπτεται το γραφείο της τοπικής αυτοδιοίκησης για να υποβάλει αίτηση στους γραφειοκράτες να μετατρέψουν έναν χώρο απορριμμάτων σε παιδική χαρά. Στη συνέχεια, ο θεατής βλέπει μια σειρά από πλάνα από διάφορες γραφειοκράτες που χρησιμοποιούν τη μέθοδο “swipe”, οι οποίοι περνούν την ομάδα σε άλλο τμήμα. Η αναλύτρια ταινιών Nora Tennessen περιέγραψε το αποτέλεσμα της μεθόδου ως εξής: “Το σκούπισμα κάνει τη σκηνή πιο αστεία. Οι ρυθμίσεις των γραφειοκρατών είναι στοιβαγμένες σαν τραπουλόχαρτα, με τον καθένα να είναι πιο σχολαστικός από τον προηγούμενο”.

Όπως προκύπτει από τα απομνημονεύματα του Teruyo Nogami, ο Κουροσάβα έδινε πάντα μεγάλη προσοχή στο soundtrack των ταινιών του. Στα τέλη της δεκαετίας του 1940, έκανε την πρώτη χρήση της μετέπειτα συνήθειάς του να χρησιμοποιεί τη μουσική ως αντίστιξη στο συναισθηματικό περιεχόμενο μιας σκηνής. Στο παραδοσιακό Χόλιγουντ, η μουσική ήταν και είναι συνήθως προσαρμοσμένη στην ατμόσφαιρα μιας σκηνής- για παράδειγμα, αν μια σκηνή υποτίθεται ότι είναι θλιβερή, παίζει ένα θλιβερό μουσικό κομμάτι. Το τέχνασμα του Κουροσάβα να κάνει το ακριβώς αντίθετο από αυτό προέρχεται από μια οικογενειακή τραγωδία. Όταν ο Κουροσάβα έμαθε για το θάνατο του πατέρα του το 1948, περιπλανήθηκε άσκοπα στους δρόμους του Τόκιο. Η θλίψη του επιδεινώθηκε όταν άκουσε στο ραδιόφωνο το χαρούμενο τραγούδι The Cuckoo Waltz. Στη συνέχεια, ο καλλιτέχνης ανέθεσε στον συνθέτη του Fumio Hasayaka, με τον οποίο συνεργαζόταν εκείνη την εποχή στο Angel of the Lost, να ηχογραφήσει το τραγούδι ως ειρωνική συνοδεία στη σκηνή του θανάτου του Matsunaga, την πιο θλιβερή σκηνή σε ολόκληρη την ταινία.

Ένα άλλο παράδειγμα είναι η ταινία Ένας αδέσποτος σκύλος. Στην κορυφαία σκηνή όπου ο Μουρακάμι παλεύει με τη Γιούσα σε ένα λασπωμένο χωράφι, ακούγεται ξαφνικά ένα κομμάτι του Βόλφγκανγκ Αμαντέους Μότσαρτ, παιγμένο στο πιάνο από μια γυναίκα στο σπίτι του γείτονα. Ένας σχολιαστής σημείωσε: “Σε αντίθεση με τη σκηνή της πρωτόγονης βίας, η γαλήνη του Μότσαρτ μοιάζει κυριολεκτικά “απόκοσμη”. Η δύναμη αυτής της αρχέγονης σύγκρουσης εντείνεται από τη μουσική”. Ωστόσο, η επαναστατική χρήση του ήχου από τον Κουροσάβα δεν περιορίστηκε στη μουσική. Όπως επεσήμανε ένας κριτικός στην κριτική του για τους Επτά Σαμουράι: “Σε σκηνές φόνου και μακελειού, τα πουλιά κελαηδούν στο βάθος, όπως στην πρώτη σκηνή, όταν οι αγρότες θρηνούν για τη φαινομενικά απελπιστική μοίρα τους”.

Διαβάστε επίσης, μάχες – Η μάχη της Καρραίας

Επαναλαμβανόμενα θέματα

Πολλοί σχολιαστές σημείωσαν την τακτική εμφάνιση στις ταινίες του Κουροσάβα μιας σύνθετης σχέσης μεταξύ ενός μεγαλύτερου και ενός νεότερου άνδρα ή ενός δασκάλου και ενός μαθητή. Το θέμα αυτό ήταν αναμφίβολα αυτοβιογραφικά επηρεασμένο. Η Joan Mellen είπε σε μια αναδρομική έκθεση: “Ο Κουροσάβα σεβόταν τους δασκάλους του, ειδικά τον Kajiro Yamamoto, τον μέντορά του στην Toho. Η διδακτική εικόνα ενός ηλικιωμένου που διδάσκει έναν άπειρο θυμίζει πάντα τις στιγμές του πάθους στις ταινίες του Κουροσάβα”. Ο κριτικός Tadao Sato βλέπει την επαναλαμβανόμενη φιγούρα του “δασκάλου” ως ένα είδος υποκατάστατου πατέρα του οποίου ο ρόλος είναι να παρακολουθεί και να εγκρίνει την ηθική ανάπτυξη του νεαρού πρωταγωνιστή.

Στην πρώτη κιόλας ταινία του, Judo Sage, η αφηγηματική μορφή αλλάζει αφού ο δάσκαλος του τζούντο Yano γίνεται δάσκαλος και πνευματικός οδηγός του πρωταγωνιστή, “με τη μορφή ενός χρονικού , που εξερευνά τα στάδια της αυξανόμενης κυριαρχίας και ωριμότητας του ήρωα”. Η σχέση δασκάλου-μαθητή στις μεταπολεμικές ταινίες του -όπως ο Άγγελος του Χαμένου, Ένας αδέσποτος σκύλος, Οι επτά σαμουράι, Redbeard και Uzala the Kirghiz- περιλαμβάνει πολύ λίγες άμεσες οδηγίες, αντίθετα ο μαθητής μαθαίνει μέσα από τις δικές του εμπειρίες. Ο Stephen Prince συσχετίζει αυτή την τάση με την ιδιωτική και μη λεκτική φύση της έννοιας της φώτισης του Ζεν.

Με την Kagemusha, ωστόσο, σύμφωνα με τον Prince, η σημασία αυτής της σχέσης έχει αλλάξει προς το απαισιόδοξο. Ένας κλέφτης που επιλέγεται ως σωσίας ενός Daimyō συνεχίζει την ταυτότητά του μετά το θάνατο του τελευταίου: “Η σχέση έχει γίνει φασματική και δημιουργείται από το υπερπέραν, με τον δάσκαλο ως φανταστική παρουσία. Το τέλος του είναι ο θάνατος και όχι η ανανέωση της δέσμευσης προς τους ζωντανούς, όπως στις προηγούμενες ταινίες του”. Ωστόσο, σύμφωνα με έναν βιογράφο, μια πιο αισιόδοξη οπτική αυτού του θέματος αναδύθηκε στο Madadayo: “Οι φοιτητές διοργανώνουν μια ετήσια γιορτή για τον καθηγητή τους, στην οποία παρευρίσκονται δεκάδες απόφοιτοι, διαφόρων ηλικιών πλέον. Αυτή η εκτεταμένη ακολουθία εκφράζει, όπως μόνο ο Κουροσάβα μπορεί, τις απλές χαρές των σχέσεων μαθητών-δασκάλων, της συγγένειας και της ίδιας της ζωής”.

Οι ταινίες του Κουροσάβα ασχολούνται συχνά με τη μοίρα και τις πράξεις ηρωικών προσωπικοτήτων. Ο τυπικός ήρωας του Κουροσάβα ήταν το αποτέλεσμα της μεταπολεμικής περιόδου κατά την οποία οι φεουδαρχικές αξίες αντικαταστάθηκαν από ατομικιστικές λόγω της κατοχής της Ιαπωνίας. Ο Κουροσάβα, ο οποίος ήταν περισσότερο προσανατολισμένος προς τις δυτικές αξίες από νεαρή ηλικία, καλωσόρισε αυτή την αλλαγή και την υιοθέτησε ως καλλιτεχνική και κοινωνική ατζέντα. Όπως το περιέγραψε ο Stephen Prince, “ο Κουροσάβα καλωσόρισε το μεταβαλλόμενο πολιτικό κλίμα και προσπάθησε να το διαμορφώσει με τη δική του κινηματογραφική φωνή”. Ο Ιάπωνας κριτικός κινηματογράφου Tadao Sato συμφώνησε: “Η ήττα της Ιαπωνίας στον Β” Παγκόσμιο Πόλεμο άφησε σε πολλούς Ιάπωνες πολίτες τη διαπίστωση ότι η κυβέρνηση τους έλεγε ψέματα για χρόνια και δεν ήταν ούτε δίκαιη ούτε αξιόπιστη. Εκείνη την εποχή, ο Ακίρα Κουροσάβα έδωσε στον εκνευρισμένο πληθυσμό το μήνυμα ότι το νόημα της ζωής δεν κατευθύνεται από ένα έθνος, αλλά πρέπει να το βρει ο καθένας ξεχωριστά μέσα από τα βάσανά του”. Ο ίδιος ο σκηνοθέτης είπε σχετικά με το θέμα: “Πάντα πίστευα ότι χωρίς την καθιέρωση του εαυτού ως θετικού ιδεώδους, δεν θα μπορούσε να υπάρξει ελευθερία και δημοκρατία”.

Η πρώτη από αυτές τις ηρωικές ηρωικές φιγούρες ήταν, ασυνήθιστα για τον σκηνοθέτη, μια γυναίκα: η Yukie, την οποία υποδύεται η Setsuko Hara στο No Regrets for My Youth. Σύμφωνα με τον Prince, “η εγκατάλειψη της οικογένειάς της, το υπόβαθρο της βοήθειας σε ένα φτωχό χωριό, η επιμονή της παρά τα τεράστια εμπόδια, η αποδοχή της προσωπικής ευθύνης και του αλτρουισμού και η υπαρξιακή μοναξιά της” αποτελούν βασικά στοιχεία ενός ήρωα του Κουροσάβα. Αυτή η υπαρξιακή μοναξιά χαρακτηρίζει επίσης τη φιγούρα του Δρ Σανάντα, τον οποίο υποδύεται ο Τακάσι Σιμούρα, στον Άγγελο των Χαμένων: “Ο Κουροσάβα επιμένει ότι οι ήρωές του παραμένουν αληθινοί στον εαυτό τους και αγωνίζονται μόνοι τους ενάντια στις παραδόσεις και τα εμπόδια για έναν καλύτερο κόσμο, ακόμη και αν το αποτέλεσμα δεν είναι απολύτως σαφές γι” αυτούς. Ο διαχωρισμός από ένα διεφθαρμένο, κοινωνικά στιγματιστικό σύστημα για να ανακουφιστεί ο πόνος ενός ατόμου, όπως κάνει ο Δρ Σανάντα, είναι η έντιμη πορεία”.

Πολλοί σχολιαστές θεωρούν τους Επτά Σαμουράι ως την απόλυτη έκφραση των ηρωικών ιδεωδών του καλλιτέχνη. Η Joan Mellen περιγράφει αυτή την άποψη ως εξής: “Οι Επτά Σαμουράι είναι πάνω απ” όλα ένας φόρος τιμής στην τάξη των σαμουράι στην πιο ευγενική της μορφή. Ο σαμουράι αντιπροσωπεύει για τον Κουροσάβα το καλύτερο της ιαπωνικής παράδοσης και ακεραιότητας”. Οι Επτά φτάνουν σε ασύλληπτο μεγαλείο εξαιτίας των χαοτικών καιρών του εμφυλίου πολέμου, όχι παρά αυτόν. “Ο Κουροσάβα δεν ψάχνει πιο μακριά για τα απροσδόκητα οφέλη από την τραγωδία αυτής της ιστορικής στιγμής. Η αναταραχή αναγκάζει τους σαμουράι να αποδείξουν την ανιδιοτέλεια του δόγματος της πιστής υπηρεσίας τους, δουλεύοντας για τους κατώτερους ανθρώπους, τους αγρότες”. Αυτός ο ηρωισμός είναι μάταιος, ωστόσο, επειδή “υπήρχε ήδη μια αναδυόμενη τάξη που θα αντικαθιστούσε την αριστοκρατία των πολεμιστών”. Έτσι, το θάρρος τους είναι εντελώς ανιδιοτελές, αφού ούτως ή άλλως δεν μπορούν να σταματήσουν την εσωτερική καταστροφή της τάξης τους.

Καθώς προχωρούσε η καριέρα του, ο σκηνοθέτης φαινόταν να δυσκολεύεται όλο και περισσότερο να διατηρήσει το ηρωικό ιδεώδες. Ο Prince σημειώνει: “Το όραμα του Κουροσάβα είναι ουσιαστικά ένα τραγικό όραμα της ζωής. Έτσι, η ευαισθησία του εμποδίζει τις προσπάθειές του”. Επιπλέον, η αφήγηση των μεταγενέστερων ταινιών του υπονομεύει το ίδιο το ηρωικό ιδεώδες: “Όταν η ιστορία παρουσιάζεται ως μια τυφλή δύναμη, όπως στο Κάστρο στο δάσος με τον ιστό της αράχνης, ο ηρωισμός παύει να είναι πραγματικότητα”. Σύμφωνα με τον Prince, το όραμα του σκηνοθέτη έγινε τελικά τόσο ζοφερό και μηδενιστικό που είδε την ιστορία απλώς ως ένα αιώνια επαναλαμβανόμενο μοτίβο βίας, μέσα στο οποίο το άτομο παρουσιάζεται όχι μόνο ως μη ηρωικό αλλά και ως εντελώς αβοήθητο. (βλ. παρακάτω: “Ο κύκλος της βίας”)

Η φύση είναι ένα σημαντικό στοιχείο στις ταινίες του Κουροσάβα. Σύμφωνα με τον Prince, “η ευαισθησία του Κουροσάβα είναι έντονα εστιασμένη στις λεπτές αποχρώσεις και τις ομορφιές των εποχών και των τοπίων”. Ο σκηνοθέτης δεν απέφυγε ποτέ να χρησιμοποιήσει το κλίμα και τον καιρό ως σημαντικά στοιχεία της πλοκής, σε σημείο που να γίνουν “ενεργά μέλη του έργου”. “Η αποπνικτική ζέστη στο Ένα αδέσποτο σκυλί και η ισορροπία μιας ζωής είναι πανταχού παρούσα, υπογραμμίζοντας το θέμα ενός κόσμου που διαλύεται από την οικονομική κατάρρευση ή την πυρηνική απειλή”. Ο ίδιος ο Κουροσάβα είχε πει κάποτε: “Μου αρέσουν τα ζεστά καλοκαίρια, οι κρύοι χειμώνες, η δυνατή βροχή και το πολύ χιόνι και νομίζω ότι οι περισσότερες ταινίες μου το δείχνουν αυτό. Μου αρέσουν τα άκρα, γιατί τα νιώθω πιο ζωντανά”.

Ο άνεμος είναι επίσης ένα σημαντικό σύμβολο: “Μια επίμονη μεταφορά στα έργα του Κουροσάβα είναι αυτή του ανέμου, του ανέμου της αλλαγής, της ευτυχίας και της δυστυχίας. Η μάχη στο Yojimbo λαμβάνει χώρα στον κεντρικό δρόμο, ενώ μεγάλα σύννεφα σκόνης περιβάλλουν τους μαχητές. Οι άνεμοι που ανακατεύουν τη σκόνη έφεραν τα πυροβόλα όπλα στην πόλη μαζί με τη δυτική κουλτούρα. Τα πράγματα που θα βάλουν τέλος στην παράδοση των πολεμιστών”.

Η βροχή χρησιμοποιείται επίσης ξεχωριστά στις ταινίες του Κουροσάβα: “Η βροχή δεν αντιμετωπίζεται ποτέ ουδέτερα στις ταινίες του Κουροσάβα. Όταν εμφανίζεται, δεν είναι ποτέ με τη μορφή ενός μικρού ψιχάλου, αλλά πάντα με μια μανιασμένη νεροποντή. Η τελική μάχη στους “Επτά σαμουράι” είναι μια ακραία πνευματική και σωματική μάχη και συνοδεύεται από μια μανιασμένη βροχή, η οποία επιτρέπει στον Κουροσάβα να απεικονίσει την απόλυτη συγχώνευση των κοινωνικών ομάδων. Αλλά με τη χαρακτηριστική αμφιθυμία του Κουροσάβα, αυτό το κλιμακωτό όραμα της αταξικής ανομίας μετατρέπεται σε όραμα τρόμου. Η μάχη είναι μια δίνη βροχής και λάσπης που στροβιλίζεται. Η συγχώνευση της κοινωνικής ταυτότητας αναδύεται ως έκφραση του κολασμένου χάους”.

Ξεκινώντας από το “Κάστρο στο δάσος με τον ιστό της αράχνης”, οι ταινίες του Κουροσάβα ασχολήθηκαν επανειλημμένα με ιστορικούς κύκλους αδυσώπητης και άγριας βίας, κάτι που ο Stephen Prince περιγράφει ως “αντι-κίνηση στον ηρωικό τόνο των ταινιών του”. Σύμφωνα με τον Ντόναλντ Ρίτσι, στην ταινία “η αιτία και το αποτέλεσμα είναι ο μόνος νόμος. Η ελευθερία δεν υπάρχει”. Ο Prince ισχυρίζεται ότι τα γεγονότα “εγγράφονται σε έναν χρονικό κύκλο που επαναλαμβάνεται ξανά και ξανά”. Θεωρεί ως βάση της θέσης του ότι, σε αντίθεση με το πρωτότυπο έργο του Σαίξπηρ, ο δάσκαλος του Washizu είχε προηγουμένως σκοτώσει τον ίδιο του τον δάσκαλο για λόγους εξουσίας, πριν πεθάνει τελικά ο ίδιος από τα χέρια του Washizu. “Η εξέλιξη των γεγονότων του Μάκβεθ μεταφέρθηκε από τον Κουροσάβα με μεγαλύτερη έμφαση στα προκαθορισμένα γεγονότα και την ανθρώπινη ασημαντότητα μέσω των νόμων του κάρμα”.

Τα έπη Kagemusha και Ran του Κουροσάβα σηματοδοτούν μια δραστική καμπή στην κοσμοθεωρία του σκηνοθέτη. Για την Kagemusha, ο Prince δηλώνει ότι “ενώ κάποτε το άτομο μπορούσε να κατανοήσει με ακρίβεια και να απαιτήσει τα γεγονότα ώστε να συμμορφωθούν με τις παρορμήσεις του, τώρα ο εαυτός δεν είναι παρά ένα επιφαινόμενο μιας αδίστακτης και αιματηρής χρονικής διαδικασίας, που έχει γίνει σκόνη κάτω από το βάρος και τη δύναμη της ιστορίας”.

Το επικό του έργο Ran που ακολούθησε είναι, σύμφωνα με τον Prince, “ένα αδυσώπητο χρονικό της πιο άθλιας πείνας για εξουσία, της προδοσίας ενός πατέρα από τους γιους του και των πανταχού παρόντων πολέμων και δολοφονιών”. Το ιστορικό σκηνικό της ταινίας χρησιμοποιείται μόνο ως “επεξηγηματικό σχόλιο για αυτό που ο Κουροσάβα αντιλαμβάνεται ως τη διαχρονικότητα της ανθρώπινης τάσης για βία και αυτοκαταστροφή”. “Η ιστορία δίνει τη θέση της στην αντίληψη της ζωής ως έναν τροχό ατελείωτου πόνου, που γυρίζει συνεχώς και επαναλαμβάνεται πάντα”, λέει ο Prince- η διαδικασία αυτή χαρακτηρίζεται συνήθως στα συμβατικά σενάρια του Χόλιγουντ ως κόλαση. Σύμφωνα με τον Prince, ο Κουροσάβα “διαπίστωσε ότι η κόλαση είναι τόσο το αναπόφευκτο αποτέλεσμα της ανθρώπινης συμπεριφοράς όσο και η κατάλληλη οπτικοποίηση της δικής του πικρίας και απογοήτευσης”.

Διαβάστε επίσης, βιογραφίες – Νικολό Μακιαβέλι

Φήμη μεταξύ των διευθυντών

Πολλοί γνωστοί σκηνοθέτες εμπνεύστηκαν από τον Κουροσάβα και σέβονταν το έργο του. Αυτοί που αναφέρονται παρακάτω αποτελούν μια επιλογή και μπορούν να χωριστούν σε τέσσερις κατηγορίες: πρώτον, αυτοί που, όπως και ο ίδιος ο Κουροσάβα, αναδείχθηκαν τη δεκαετία του 1950 και του 1960- δεύτερον, οι λεγόμενοι σκηνοθέτες του Νέου Χόλιγουντ γύρω στο 1970- τρίτον, άλλοι Ασιάτες σκηνοθέτες- και τέταρτον, σκηνοθέτες των πιο πρόσφατων χρόνων.

Ο Σουηδός σκηνοθέτης Ίνγκμαρ Μπέργκμαν χαρακτήρισε τη δική του ταινία Η άνοιξη της κόρης “άθλια απομίμηση του Κουροσάβα” και πρόσθεσε: “Εκείνη την εποχή, ο θαυμασμός μου για τον ιαπωνικό κινηματογράφο βρισκόταν στο απόγειό του. Ήμουν κι εγώ σχεδόν σαμουράι”. Στην Ιταλία, ο Φεντερίκο Φελίνι δήλωσε ότι ο Κουροσάβα είναι “το καλύτερο παράδειγμα όλων όσων πρέπει να είναι ένας κινηματογραφιστής”. Στη Γαλλία, το 1965, ο Ρομάν Πολάνσκι κατέγραψε τον Ιάπωνα καλλιτέχνη μαζί με τον Φελίνι και τον Όρσον Γουέλς ως έναν από τους τρεις αγαπημένους του σκηνοθέτες, αναφέροντας τους “Επτά σαμουράι”, “Το κάστρο στο δάσος με τον ιστό της αράχνης” και “Το κρυφό φρούριο” ως σημεία αναφοράς που απηχούν την ευφορία του. Ο πρωτοπόρος του κινηματογράφου Μπερνάρντο Μπερτολούτσι είπε γι” αυτόν σε μια συνέντευξή του: “Οι ταινίες του Κουροσάβα είναι αυτά που με ενέπνευσαν. Με τράβηξαν στο να θέλω να γίνω και εγώ σκηνοθέτης”. Ο Γερμανός σκηνοθέτης Werner Herzog, εκπρόσωπος του Νέου Γερμανικού Κινηματογράφου, συμπεριέλαβε τον Κουροσάβα στα μεγαλύτερα είδωλά του: “Όταν σκέφτομαι τους αγαπημένους μου σκηνοθέτες, μου έρχονται στο μυαλό οι Griffith, Buñuel, Kurosawa και Eisenstein”. Όταν του ζητήθηκε να απαριθμήσει τους αγαπημένους του σκηνοθέτες, ο Ρώσος πρωτοπόρος του κινηματογράφου Αντρέι Ταρκόφσκι ονόμασε τον Κουροσάβα ως τον καλύτερο και τους Επτά Σαμουράι ως μία από τις δέκα αγαπημένες του ταινίες. Για τον Αμερικανό οραματιστή του κινηματογράφου Στάνλεϊ Κιούμπρικ, ο Κουροσάβα ήταν “ένας από τους μεγαλύτερους σκηνοθέτες όλων των εποχών”. Ο στενότερος φίλος του Κιούμπρικ Anthony Frewin πρόσθεσε: “Δεν μπορώ να θυμηθώ κανέναν σκηνοθέτη για τον οποίο μιλούσε τόσο συχνά και με τόσο θαυμασμό. Αν ο Στάνλεϊ βρισκόταν σε ένα έρημο νησί και μπορούσε να πάρει μαζί του μόνο έναν περιορισμένο αριθμό ταινιών, θα υπολόγιζα τις ταινίες “Η μάχη του Αλγερίου”, “Ο Νταντόν”, “Ρασομόν”, “Οι επτά σαμουράι” και “Το κάστρο στο δάσος με τον ιστό της αράχνης”.

Οι θαυμαστές του Κουροσάβα στον κύκλο του Νέου Χόλιγουντ περιλαμβάνουν τους Ρόμπερτ Άλτμαν, Φράνσις Φορντ Κόπολα, Στίβεν Σπίλμπεργκ, Μάρτιν Σκορτσέζε, Τζορτζ Λούκας και Τζον Μίλιους. Στα πρώτα του χρόνια ως τηλεοπτικός παραγωγός, ο Robert Altman διηγήθηκε το ανέκδοτο ότι ήταν τόσο γοητευμένος από το πώς ο Kurosawa μπορούσε να κάνει διαφορετικά, όμορφα πλάνα ενώ η κάμερα ήταν στραμμένη απευθείας στον ήλιο – το Rashomon θεωρείται το πρώτο που το έκανε αυτό με επιτυχία – που το δοκίμασε απευθείας την επόμενη μέρα για τη δική του τηλεοπτική εκπομπή, αν και ανεπιτυχώς.Ο Coppola είπε για τον Kurosawa: “Ένα πράγμα που τον ξεχωρίζει από οποιονδήποτε άλλο σκηνοθέτη είναι ότι δεν έκανε μόνο ένα ή δύο ή τρία αριστουργήματα. Έκανε, λοιπόν, οκτώ αριστουργήματα.” Ο Σπίλμπεργκ και ο Σκορτσέζε αποκάλεσαν τον Κουροσάβα δάσκαλό τους και μεγάλο πρότυπο. Ο Σκορτσέζε τον αποκάλεσε “sensei”, ο ιαπωνικός όρος για τον δάσκαλο. Ο Σπίλμπεργκ δήλωσε: “Έμαθα περισσότερα από αυτόν από σχεδόν οποιονδήποτε άλλον στην κινηματογραφική βιομηχανία”, ενώ ο Σκορτσέζε πρόσθεσε: “Επιτρέψτε μου να το εξηγήσω απλά: Ο Ακίρα Κουροσάβα ήταν ο δάσκαλός μου και ο δάσκαλος τόσων άλλων σκηνοθετών σε όλο τον κόσμο”.

Ως ο πρώτος παγκοσμίου φήμης σκηνοθέτης από την Ασία, ο Ακίρα Κουροσάβα αποτέλεσε πηγή έμπνευσης για πολλούς άλλους Ασιάτες δημιουργούς. Ο Satyajit Ray, ο πιο διάσημος Ινδός σκηνοθέτης, δήλωσε για το Rashomon: “Η επίδραση που είχε η ταινία σε μένα όταν την είδα για πρώτη φορά στην Καλκούτα το 1952 ήταν ηλεκτρισμένη. Την είδα τρεις φορές μέσα στις επόμενες τρεις ημέρες και κάθε φορά αναρωτιόμουν αν υπάρχει άλλη παρόμοια ταινία στον κόσμο που να αποδεικνύει τόσο διαχρονικά τον απόλυτο έλεγχο ενός σκηνοθέτη στο πλατό”. Άλλοι γνωστοί Ασιάτες θαυμαστές του είναι ο Ιάπωνας σκηνοθέτης anime Hayao Miyazaki, ο ηθοποιός-σκηνοθέτης Takeshi Kitano, ο σκηνοθέτης John Woo από το Χονγκ Κονγκ και ο σκηνοθέτης Zhang Yimou από την ηπειρωτική Κίνα, ο οποίος αποκάλεσε τον Kurosawa “την πεμπτουσία του ασιατικού κινηματογράφου”.

Στον 21ο αιώνα, οι παραγωγές του Κουροσάβα συνεχίζουν να εμπνέουν σκηνοθέτες σε όλο τον κόσμο. Ο Alexander Payne πέρασε τα πρώτα χρόνια της καριέρας του παρακολουθώντας και επιθεωρώντας λεπτομερώς τις ταινίες του Κουροσάβα, ιδίως το Ikiru – Once Really Alive. Ο Γκιγιέρμο ντελ Τόρο αποκάλεσε τον Κουροσάβα έναν από τους “θεμελιώδεις δασκάλους” του και συμπεριέλαβε τις ταινίες Το Κάστρο στο Δάσος με τον ιστό της αράχνης, Μεταξύ Ουρανού και Κόλασης και Ραν στις καλύτερες ταινίες όλων των εποχών. Η Kathryn Bigelow εξήρε τον Kurosawa ως έναν από τους “σκηνοθέτες με τη μεγαλύτερη επιρροή” που καταφέρνει να δημιουργεί τους πιο βαθιά συναισθηματικά χαρακτήρες. Ο J.J. Abrams δήλωσε ότι άντλησε σημαντική έμπνευση από τον Kurosawa όταν γύρισε την ταινία Star Wars: The Force Awakens. Ο Alejandro González Iñárritu μίλησε σε συνέντευξή του για το πώς, στα δεκαεννιά του, τον συνεπήρε συναισθηματικά το Ikiru – Once Really Alive όσο ποτέ άλλοτε, και εξήρε τον Kurosawa ως μία από τις “πρώτες ιδιοφυΐες της αφήγησης που μπορούσαν να ανατρέψουν τη συμβατική αφήγηση των ταινιών”. Ο Spike Lee δημοσίευσε μια λίστα με 87 ταινίες που πρέπει να δει κάθε κινηματογραφόφιλος, μεταξύ των οποίων οι τρεις ταινίες του Κουροσάβα: Rashomon, Yojimbo και Ran. Η ταινία του Wes Anderson Isle of Dogs – Το ταξίδι του Ατάρι εμπνεύστηκε σε μεγάλο βαθμό από τον Kurosawa και τις εξωφρενικές κινηματογραφικές τεχνικές του.

Διαβάστε επίσης, μυθολογία – Ράγκναροκ

Μεταθανάτια σενάρια

Μετά το θάνατο του Κουροσάβα, μερικά από τα μη υλοποιημένα σενάριά του έγιναν ταινίες. Το After the Rain, σε σκηνοθεσία Takashi Koizumi, κυκλοφόρησε το 1999 ως μεταθανάτιο αφιέρωμα στον σκηνοθέτη, με τον οποίο ο Koizumi διατηρούσε στενή φιλία. Το 2002 έκανε πρεμιέρα το The Sea Comes του Kei Kumai, ενώ ένα σενάριο που γράφτηκε την εποχή του παραγωγικού συνεταιρισμού Yonki no kai και δεν υλοποιήθηκε ποτέ υπέρ των Dodeskaden υλοποιήθηκε το 2000 από το μοναδικό επιζών μέλος Kon Ichikawa με το όνομα Dora-heita. Οι αδελφοί Huayi ανακοίνωσαν το 2017 τα γυρίσματα μιας πραγματικής διασκευής από τον Κουροσάβα της ιστορίας του Έντγκαρ Άλαν Πόε “Η Μάσκα του Κόκκινου Θανάτου”. Το τελικό προϊόν αναμένεται να κυκλοφορήσει διεθνώς το 2020. Ο Patrick Frater, συντάκτης του περιοδικού Variety, έγραψε στην εφημερίδα του το 2017 ότι δύο άλλα πεταμένα σενάρια είχαν βρεθεί στα αρχεία της Toho και εξακολουθούσαν να γυρίζονται. Τα γυρίσματα της πρώτης ταινίας ξεκίνησαν το 2018 με την ονομασία Silvering Spear.

Διαβάστε επίσης, βιογραφίες – Ουμπέρτο Έκο

Εταιρεία παραγωγής Kurosawa

Τον Σεπτέμβριο του 2011 αναφέρθηκε ότι τα δικαιώματα όλων των επανεκτελέσεων ή των κινηματογραφικών διασκευών των μη υλοποιημένων σεναρίων του Ακίρα Κουροσάβα είχαν περιέλθει στην εταιρεία Splendent με έδρα το Λος Άντζελες. Ο εκπρόσωπος της Splendent δήλωσε ότι σκοπός της είναι να βοηθήσει άλλους σκηνοθέτες να γνωρίσουν σε μια νέα γενιά θεατών αυτές τις “αξέχαστες ιστορίες”.

Η Kurosawa Production Co., που ιδρύθηκε το 1959, εξακολουθεί να έχει τον έλεγχο όλων των έργων που γίνονται στο όνομα του Akira Kurosawa. Ο γιος του σκηνοθέτη, ο Hisao Kurosawa, είναι ο σημερινός επικεφαλής της εταιρείας καθώς και της θυγατρικής της Kurosawa Enterprises με έδρα τις ΗΠΑ. Μέχρι σήμερα, τα δικαιώματα του Κουροσάβα ανήκαν αποκλειστικά στην Kurosawa Production Company και στα κινηματογραφικά στούντιο στα οποία εργαζόταν, κυρίως στην Toho. Τα δικαιώματα αυτά μεταβιβάστηκαν τελικά στο πρόγραμμα Akira Kurosawa 100 και σήμερα βρίσκονται στην Splendent. Η Kurosawa Production Co. συνεργάζεται στενά με το Ίδρυμα Akira Kurosawa Foundation, το οποίο ιδρύθηκε το 2003. Ο οργανισμός διοργανώνει ετήσιο διαγωνισμό ταινιών μικρού μήκους και ρυθμίζει έργα που σχετίζονται με τον Κουροσάβα, όπως η σχεδιαζόμενη κατασκευή ενός μουσείου μνήμης.

Ένας μεγάλος αριθμός ντοκιμαντέρ μεγάλου και μικρού μήκους ασχολήθηκε με τη ζωή και το έργο του Ακίρα Κουροσάβα. Η ταινία A.K. κυκλοφόρησε το 1985, ενώ ο σκηνοθέτης ήταν ακόμα ζωντανός. Τη σκηνοθεσία ανέλαβε ο Γάλλος ντοκιμαντερίστας Chris Marker. Παρόλο που το ντοκιμαντέρ εμφανίστηκε κατά τη διάρκεια των εργασιών για το Ran, δεν ασχολείται τόσο με τη δημιουργία της ταινίας όσο με την προσωπικότητα του Κουροσάβα. Αργότερα ο Marker ονόμασε αυτή την ταινία ως την αιτία του ενδιαφέροντός του για τον πολιτισμό της Ιαπωνίας και ως έμπνευση για την πιο διάσημη ταινία του Sans Soleil – Invisible Sun. Η ταινία έκανε πρεμιέρα στο Διεθνές Φεστιβάλ Κινηματογράφου των Καννών το 1985. Μια μικρή επιλογή άλλων ντοκιμαντέρ για τον Ακίρα Κουροσάβα που έχουν αποσπάσει την προσοχή των κριτικών είναι:

Διαβάστε επίσης, βιογραφίες – Φραγκίσκος Β´ της Αγίας Ρωμαϊκής Αυτοκρατορίας

Σενάρια

Το 1965, ο Κουροσάβα εξελέγη μέλος της Αμερικανικής Ακαδημίας Τεχνών και Επιστημών.

Το 1976 τιμήθηκε ως πρόσωπο ιδιαίτερης πολιτιστικής αξίας και το 1985 με το Τάγμα Πολιτισμού.

Στις 18 Φεβρουαρίου 2011, ένας αστεροειδής πήρε το όνομα του Ακίρα Κουροσάβα: (254749) Κουροσάβα.

Τον Ιούνιο του 2013, η ταινία του Κουροσάβα Once Really Lived συμπεριλήφθηκε στο Top 250 του Internet Movie Database. Αυτό σημαίνει ότι ο Κουροσάβα, μαζί με άλλους δέκα σκηνοθέτες, είχε περισσότερες από τέσσερις ταινίες στο Top 250 του IMDb. Αυτό τον καθιστά έναν από τους σκηνοθέτες με την υψηλότερη βαθμολογία στο IMDb. Τον Ιούνιο του 2015, πρόσθεσε το The Castle in the Cobweb Forest, ενώ λίγο αργότερα ακολούθησαν το Between Heaven and Hell και το Uzala the Kirghiz. Κατέχει έτσι το ρεκόρ των οκτώ ταινιών στην πρώτη 250άδα της IMDb μαζί με τον Μάρτιν Σκορσέζε και τον Στάνλεϊ Κιούμπρικ. Άλλες ταινίες του, όπως το “Κρυφό Φρούριο”, η “Κόκκινη γενειάδα”, το “Sanjuro”, το “The Discarded Sleep Well” και το “Kagemusha – Η σκιά του πολεμιστή” έχουν υψηλή βαθμολογία στην πλατφόρμα και ενδέχεται να συμπεριληφθούν στη λίστα στο μέλλον.

Πηγές

1. Akira Kurosawa
2. Ακίρα Κουροσάβα