Ζαν Ντυμπυφέ
gigatos | 25 Μαΐου, 2022
Σύνοψη
Ο Jean Dubuffet, που γεννήθηκε στις 31 Ιουλίου 1901 στη Χάβρη και πέθανε στις 12 Μαΐου 1985 στο Παρίσι 6e, ήταν Γάλλος ζωγράφος, γλύπτης και εικαστικός καλλιτέχνης, ο πρώτος θεωρητικός μιας τεχνοτροπίας στην οποία έδωσε το όνομα “art brut”, παραγωγές περιθωριακών ανθρώπων ή ψυχασθενών: πίνακες, γλυπτά, καλλιγραφίες, από τις οποίες παραδέχεται ότι εμπνεύστηκε σε μεγάλο βαθμό.
Στις 20 Οκτωβρίου 1944, η πρώτη “εξαιρετική έκθεση” στο απελευθερωμένο Παρίσι ήταν έργα του στην γκαλερί René Drouin, όταν ήταν ακόμη άγνωστος ζωγράφος, προκαλώντας πραγματικό σκάνδαλο. Ήταν επίσης ο συγγραφέας σφοδρής κριτικής της κυρίαρχης κουλτούρας, ιδίως στο δοκίμιό του Ασφυκτική κουλτούρα (1968), το οποίο προκάλεσε πολεμική στον κόσμο της τέχνης. Με την ευκαιρία της πρώτης έκθεσης της συλλογής του Art Brut, την οποία οργάνωσε το 1949, έγραψε μια πραγματεία με τίτλο L”Art brut préféré aux arts culturels.
Ο πιο αμφιλεγόμενος και θαυμαστός Γάλλος καλλιτέχνης της μεταπολεμικής περιόδου, που προωθήθηκε επίσημα στο προσκήνιο της καλλιτεχνικής σκηνής με την αναδρομική έκθεση 400 πινάκων, γκουάς, σχεδίων και γλυπτών που πραγματοποιήθηκε στο Musée des Arts Décoratifs στο Παρίσι από τις 16 Δεκεμβρίου 1960 έως τις 25 Φεβρουαρίου 1961, δημιούργησε το γεγονός της αρχής του έτους. Έγινε πηγή έμπνευσης για πολλούς καλλιτέχνες, οπαδούς της “άλλης τέχνης”, μιας παραλλαγής της art brut, όπως ο Antoni Tàpies, καθώς και οπαδούς της καλλιτεχνικής διαμαρτυρίας, όπως η ισπανική ομάδα Equipo Crónica.
Το έργο του αποτελείται από πίνακες ζωγραφικής, συναρμολογήσεις που συχνά κακώς αποκαλούνται κολάζ, γλυπτά και μνημεία, τα πιο εντυπωσιακά από τα οποία αποτελούν μέρος μιας ομάδας, το L”Hourloupe (1962-1974), καθώς και αρχιτεκτονική: το Κλειστό της Φαλμπάλα και η βίλα της Φαλμπάλα. Έχει φιλοξενηθεί σε αναδρομικές εκθέσεις στο Palazzo Grassi της Βενετίας και στο Μουσείο Solomon R. Guggenheim.
Η προσωπική του συλλογή, η Collection de l”Art Brut, η οποία από το 1945 συγκέντρωνε καλλιτέχνες που είχαν ανακαλυφθεί σε φυλακές, άσυλα και περιθωριοποιημένους ανθρώπους κάθε είδους, και η οποία ήταν τότε ιδιοκτησία της Compagnie de l”Art Brut που ιδρύθηκε το 1948, θα έπρεπε να παραμείνει στο Παρίσι. Όμως η αναβλητικότητα της γαλλικής διοίκησης οδήγησε τον Dubuffet να δεχτεί την προσφορά της πόλης της Λωζάνης στην Ελβετία, όπου η συλλογή εγκαταστάθηκε στο Château de Beaulieu και δωρήθηκε οριστικά.
Θεωρούνταν αφιλόξενος, διαδικαστικός και ακατάδεκτος και συχνά διαπληκτιζόταν με τους γύρω του. Πριν από το θάνατο του Dubuffet το 1985, ο Jean-Louis Prat δυσκολεύτηκε πολύ να οργανώσει την αναδρομική έκθεση 150 έργων του καλλιτέχνη, η οποία τελικά πραγματοποιήθηκε από τις 6 Ιουλίου έως τις 6 Οκτωβρίου στο Ίδρυμα Maeght.
Από την άλλη πλευρά, ήταν γενναιόδωρος, όπως μαρτυρούν οι φίλοι του Alexandre Vialatte, Alphonse Chave και Philippe Dereux, και οι πολυάριθμες δωρεές που έκανε κατά τη διάρκεια της ζωής του, συμπεριλαμβανομένης μιας σειράς 21 πινάκων ζωγραφικής, 7 γλυπτών και 132 σχεδίων από την προσωπική του συλλογή στο Musée des Arts Décoratifs στο Παρίσι.
Διαβάστε επίσης, βιογραφίες – Ε.Ε. Κάμινγκς
Ο άνθρωπος που αναζητά
Γιος του Charles-Alexandre Dubuffet και της Jeanne-Léonie Paillette, πλούσιων εμπόρων κρασιού, ο Jean Dubuffet ανήκει στην καλή αστική τάξη της Χάβρης. Εισήχθη στο Lycée du Havre, όπου έκανε όλες τις δευτεροβάθμιες σπουδές του. Μεταξύ των μαθητών του λυκείου ήταν οι Armand Salacrou, Georges Limbour και Raymond Queneau. Ο Dubuffet δεν ήταν παθιασμένος με τις σπουδές του. Προτίμησε το σχέδιο και γράφτηκε στην Ecole des Beaux-Arts της Χάβρης στο δεύτερο έτος του γυμνασίου, όπου οι πρώην μαθητές του ήταν οι Georges Braque, Raoul Dufy και Othon Friesz. Το καλοκαίρι του 1917, παρακολούθησε μαθήματα με την Ελέν Γκινεπιέ, στο Σαιν Μορέ (Yonne), η οποία δίδασκε τη μέθοδό της για ελεύθερο σχέδιο σε μεγάλη κλίμακα, γνωστή ως μέθοδος Helguy, και στην οποία φοιτούσε ο Γκαστόν Σαϊσάκ.
Αφού πέρασε το απολυτήριό του, γράφτηκε στην Académie Julian στο Παρίσι. Όταν διαπίστωσε ότι προτιμούσε να μαθαίνει μόνος του, εγκατέλειψε την ακαδημία και δημιούργησε στούντιο στην οδό Chaussée-d”Antin 37, σε ένα βοηθητικό κτίριο της οικογενειακής επιχείρησης. Η Suzanne Valadon και ο Élie Lascaux τον σύστησαν στους Max Jacob, Charles-Albert Cingria και Roger Vitrac. Αν και γνώρισε τους Fernand Léger, André Masson και Juan Gris, ο Dubuffet επέλεξε να ζήσει ως ερημίτης, σπουδάζοντας γλώσσες. Δοκίμασε επίσης τη λογοτεχνία και τη μουσική και διασκορπίστηκε.
“Έψαχνα για την “είσοδο”. Αλλά δεν το ένιωθα σωστά- είχα την εντύπωση ότι δεν ήμουν προσαρμοσμένος στην ανθρώπινη κατάστασή μου, είχα στο βάθος ένα είδος αγωνίας ότι όλα αυτά δεν είχαν μεγάλο βάρος.
Ταξίδεψε στην Ιταλία και την Ελβετία, αναζητώντας το δρόμο του. Είναι πεπεισμένος ότι η δυτική τέχνη πεθαίνει κάτω από τον πολλαπλασιασμό των περισσότερο ή λιγότερο ακαδημαϊκών αναφορών: “Η μεταπολεμική ζωγραφική είναι στην πραγματικότητα μια αντίδραση ενάντια στην τόλμη των αρχών του αιώνα”. Αποφασίζει να αφοσιωθεί στο εμπόριο και, μετά από ένα επαγγελματικό ταξίδι στο Μπουένος Άιρες, επιστρέφει στη Χάβρη όπου εργάζεται στην επιχείρηση του πατέρα του. Παντρεύτηκε την Paulette Bret (1906-1999) το 1927 και αποφάσισε να εγκατασταθεί στο Bercy, όπου ίδρυσε μια επιχείρηση χονδρικής πώλησης κρασιού. Αλλά μετά από ένα ταξίδι στην Ολλανδία το 1931, η προτίμησή του για τη ζωγραφική επέστρεψε και νοίκιασε ένα στούντιο στην rue du Val-de-Grâce, όπου δούλευε τακτικά. Από το 1934 και μετά, έθεσε την επιχείρησή του υπό διαχείριση και αφοσιώθηκε σε νέους καλλιτεχνικούς πειραματισμούς. Αναζητούσε μια νέα μορφή έκφρασης. Άρχισε να φτιάχνει μαριονέτες και μάσκες από αποτυπώματα προσώπου. Εγκατέστησε το εργαστήριό του στην οδό Lhomond 34 και σκοπεύει να γίνει κουκλοπαίχτης.
Στην πραγματικότητα, ο Dubuffet ήταν αυτοδίδακτος, γεγονός που εξηγεί την περιέργειά του για τις ανακαλύψεις των “μη πολιτιστικών” καλλιτεχνών, για την “τέχνη των ανόητων”, και την εξέγερσή του κατά της μουσειακής τέχνης, η οποία του απέφερε πολλές εχθρότητες που γεννήθηκαν από πολλές μάχες.
“Η ιδέα ότι μερικά φτωχά γεγονότα και μερικά φτωχά έργα από περασμένες εποχές που έχουν διασωθεί είναι απαραίτητα τα καλύτερα και σημαντικότερα εκείνων των εποχών είναι αφελής. Η διατήρησή τους προκύπτει μόνο από το γεγονός ότι ένα μικρό εκκλησίασμα τις επέλεξε και τις χειροκρότησε, εξαλείφοντας όλες τις άλλες.
Αποθαρρυμένος, ο Dubuffet επανέλαβε την εμπορική του δραστηριότητα το 1937. Χώρισε την Paulette το 1935. Το 1937 παντρεύτηκε την Émilie Carlu, η οποία γεννήθηκε στις 23 Νοεμβρίου 1902 στο Tubersent και πέθανε το 1988 στο Cucq, δύο χρόνια μετά την επανέναρξη της εμπορικής του δραστηριότητας, το 1939, και την ίδια χρονιά κινητοποιήθηκε στο Υπουργείο Αεροπορίας στο Παρίσι. Σύντομα όμως στάλθηκε στο Rochefort για απειθαρχία. Κατά τη στιγμή της εξόδου, κατέφυγε στο Σερέ, όπου αποστρατεύτηκε. Συνέχισε την επιχειρηματική του δραστηριότητα στο Παρίσι το 1940. Το 1942, όμως, αποφάσισε για τρίτη φορά να αφοσιωθεί αποκλειστικά στη ζωγραφική. Ο Dubuffet ήταν ένας “σχεδόν παράνομος” ζωγράφος, σύμφωνα με τον Gaëtan Picon.
Δημιούργησε αρκετούς πίνακες, από τους οποίους ο πρώτος πραγματικά σημαντικός ήταν το Les Gardes du corps, ένα λάδι σε καμβά (113 × 89 cm, ιδιωτική συλλογή), που θεωρείται η αφετηρία του έργου. Στο τέλος εκείνης της χρονιάς, ο φίλος του Georges Limbour, ο οποίος αγόρασε το Les Gardes du corps, τον έβγαλε από την “παρανομία” του συστήνοντάς τον στον Jean Paulhan. Ο Dubuffet, ο οποίος μόλις μετακόμισε σε ένα νέο εργαστήριο στη διεύθυνση 114 bis, rue de Vaugirard, έχει ήδη δημιουργήσει έναν αριθμό πινάκων, κυρίως γκουάς: Les Musiciennes (65 × 47 cm). Μέσω του Jean Paulhan, συμμετέχει στην έκθεση “Le Nu dans l”art contemporain” (Το γυμνό στη σύγχρονη τέχνη) στη Galerie Drouin, με το έργο Femme assise aux persiennes (Μάιος 1943), λάδι σε καμβά (73 × 68 cm), και στην ίδια γκαλερί, τον Ιούλιο, παρουσιάζει τα έργα Vingt et un paysages και Paysage herbeux et terreux.
Οι Σωματοφύλακες σηματοδοτούν μια απότομη ρήξη στη ζωγραφική του καλλιτέχνη, απομακρυνόμενοι από το ενδιαφέρον για την ομοιότητα των προηγούμενων πινάκων του. Το έργο αυτό θεωρείται από τον Gaëtan Picon ως “πνεύματα που στέκονται στο κατώφλι του έργου για να αναγγείλουν το πνεύμα του, υψηλές σημαίες σημαδεμένες με το σήμα του”.
Το άλλο εξαιρετικό έργο είναι το Métro (Μάρτιος 1943), ένα λάδι σε καμβά (162 × 180 cm), που δείχνει άνδρες και γυναίκες στριμωγμένους σαν ρέγγες, με τεράστιες μύτες και αστεία καπέλα. Ο Dubuffet επέλεξε ακατέργαστα χρώματα που εφαρμόστηκαν γρήγορα στον καμβά. “Ο καλλιτέχνης, ο οποίος είχε πάντα τη φιλοδοξία να ζωγραφίσει τον άνδρα με το κοστούμι, σχεδιάζει να φτιάξει ένα μικρό άλμπουμ με αυτό το θέμα, αποτελούμενο από λιθογραφίες, το κείμενο του οποίου θα γράψει ο Jean Paulhan. Με αυτό το θέμα, θα κάνει μια σειρά από λάδια και γκουάς, απομονώνοντας μερικές φορές δύο χαρακτήρες. Ένα άλλο θέμα έμπνευσής του ήταν το πλήθος, το οποίο ξεκίνησε με το έργο La Rue (Μάρτιος 1943), ένα λάδι σε καμβά (92 × 73 cm), το οποίο εκτέθηκε στην γκαλερί Drouin το 1944 και τον Ιανουάριο του 1950 στην γκαλερί Pierre Matisse στη Νέα Υόρκη. Αργότερα επανέλαβε αυτό το θέμα με νέο ύφος με το έργο Rue passagère (1961), λάδι σε καμβά (129,3 × 161,7 cm).
Η πρώτη ατομική έκθεση του Dubuffet στην γκαλερί René Drouin, που βρισκόταν τότε στην Place Vendôme 17, περιελάμβανε 55 λάδια και 24 λιθογραφίες με ημερομηνία τον Οκτώβριο του 1944.
Τα έργα του Dubuffet που εκτέθηκαν μεταξύ 1944 και 1947 στην Galerie Drouin ήταν πολύχρωμα, “βάρβαρα” και παραληρηματικά, με τα οποία κάποιοι λάτρεις της τέχνης ερωτεύτηκαν, ενώ η πλειοψηφία του κοινού έκραξε την πρόκληση και την απάτη. Οι επόμενες εκθέσεις: “Mirobolus, Macadame et Cie”, “Hautes Pâtes”, έτυχαν της ίδιας αμφιλεγόμενης υποδοχής. Ο Dubuffet απαντά στους επικριτές:
“Είναι αλήθεια ότι ο τρόπος σχεδίασης είναι, σε αυτούς τους πίνακες που εκτίθενται, εντελώς απαλλαγμένος από οποιαδήποτε συμφωνημένη δεξιότητα, όπως συνηθίζει κανείς να βρίσκει σε πίνακες φτιαγμένους από επαγγελματίες ζωγράφους, και τέτοιος που δεν χρειάζονται ειδικές σπουδές ή συγγενή χαρίσματα για την εκτέλεση τέτοιων πινάκων. Είναι αλήθεια ότι τα ίχνη δεν εκτελέστηκαν με προσοχή και σχολαστικότητα, αλλά δίνουν την εντύπωση αμέλειας. Τέλος, είναι αλήθεια ότι πολλοί άνθρωποι θα νιώσουν αρχικά ένα αίσθημα τρόμου και αποστροφής όταν δουν αυτούς τους πίνακες.
Ο καλλιτέχνης, ο οποίος έχει στέρεες γνώσεις τέχνης (σπούδασε στο Beaux-Arts της Χάβρης), παραμένει ακλόνητος στην αντιπολιτιστική του δέσμευση. Σε αυτές τις εκθέσεις, παρουσιάζει έργα που παίζουν με την αδεξιότητα, την κακοτεχνία, την πρώτη ύλη όπου βρίσκεται η προέλευση της τέχνης. Τα έργα αυτά θυμίζουν παιδικές ζωγραφιές, αλλά και, για τον Dubuffet, τη σημασία των έργων των ψυχικά ασθενών, των οποίων είναι μεγάλος συλλέκτης και από τα οποία παραδέχεται ότι έχει εμπνευστεί. Η έκθεση “Hautes Pâtes” παρουσιάζει έργα με σκούρα, λασπώδη χρώματα ή με παχύρρευστη πάστα.
“Είναι αλήθεια ότι τα χρώματα σε αυτούς τους πίνακες δεν είναι τα φωτεινά, συγκρουόμενα χρώματα που είναι σήμερα στη μόδα, αλλά διατηρούνται σε μονοχρωματικά μητρώα και σύνθετες και, κατά κάποιον τρόπο, ανείπωτες τονικές κλίμακες.
Για να πούμε την αλήθεια, ο Dubuffet δεν προσπαθεί να ευχαριστήσει. Δεν προσπάθησε καν να πουλήσει, αφού η οικογενειακή περιουσία τον είχε απαλλάξει από κάθε υλική ανάγκη. Έψαχνε και έψαχνε, αναζητώντας ένα νέο πλαστικό μονοπάτι που λίγοι σπάνιοι μυημένοι εκτιμούσαν ιδιαίτερα. Ο Francis Ponge, ο Paulhan, ο Limbour και σύντομα άλλοι, όπως ο André Breton, θα υποστηρίξουν την προσέγγισή του. Στο μεταξύ, όμως, στις 20 Οκτωβρίου 1945, “η πρώτη αξιόλογη έκθεση στο απελευθερωμένο Παρίσι στην Galerie Drouin ήταν αυτή ενός άγνωστου καλλιτέχνη, του Dubuffet, η σκόπιμη αδεξιότητα του οποίου προκάλεσε ένα σκάνδαλο που όμοιό του δεν είχε παρατηρηθεί για πολύ καιρό. Η γκαλερί έλαβε ανώνυμες επιστολές, το βιβλίο επισκεπτών καλύφθηκε με προσβολές.
Διαβάστε επίσης, βιογραφίες – Λουί Παστέρ
Εξέλιξη του ζωγράφου
Μόνο με αυτή τη μορφή ο καλλιτέχνης αντιλαμβάνεται τη δημιουργία. Ο Dubuffet απορρίπτει την ιδέα του δώρου, της κλίσης-προνομίου και των συνεπειών της. Αναμφίβολα το δώρο αντικαθίσταται από το “έργο”, για το οποίο δίνει έναν ιδιαίτερο ορισμό. Αλλά πάνω απ” όλα είναι το γεγονός ότι ένας καλλιτέχνης μπορεί να έχει ένα “ευτυχισμένο χέρι” που φαίνεται να είναι σημαντικό γι” αυτόν:
“Ένας ζωγράφος που πασπαλίζει με συνοπτικές διαδικασίες έναν ανοιχτό τόνο πάνω σε έναν προηγούμενο σκούρο τόνο, ή το αντίστροφο, και με τέτοιο τρόπο ώστε οι ιδιοτροπίες του πινέλου να φέρνουν στο παιχνίδι το από κάτω, θα επιτύχει, αλλά υπό την προϋπόθεση ότι έχει ένα ευτυχισμένο χέρι, ένα μαγεμένο χέρι, ένα πολύ πιο αποτελεσματικό αποτέλεσμα από έναν άλλο ζωγράφο που εξαντλεί τον εαυτό του συνδυάζοντας επί εβδομάδες γειτονικές αποχρώσεις που έχουν συμφωνηθεί με κόπο.
Από το 1947 έως το 1949, ο Dubuffet πραγματοποίησε τρία ταξίδια στη Σαχάρα, κυρίως στην El Goléa, προσελκύεται από μια “καθαρή πλάκα” που χρειαζόταν ο καλλιτέχνης για να ολοκληρώσει την “αποκατάστασή” του. Γιατί παρά τις προσπάθειές του να απελευθερωθεί από κάθε επιρροή, ο Dubuffet προσέκρουε σε ορισμένα όρια, κυρίως στο σφοδρό σκάνδαλο που προκάλεσαν οι εκθέσεις του. Στην έρημο βρήκε το “τίποτα” πάνω στο οποίο θα μπορούσε να χτίσει. Από την περίοδο αυτή προέρχεται το Marabout, Arabe, chameau entravé (Καμπουριασμένη καμήλα, πατημασιές στην άμμο, σχέδιο με πένα και μελάνι (16 × 14,5 cm).
Από το τρίτο του ταξίδι ζωγράφισε τοπία: Paysage blanc (Τοπίο με τρεις φιγούρες) (Paysage pêle-mêle (1949), λάδι σε καμβά (116 × 89 cm). Δημιούργησε επίσης τρία τετράδια σκίτσων “αξιοθαύμαστης επιδεξιότητας”: El Goléa I, II και III, μερικά από τα οποία δώρισε στο MoMa: Arabe, marabout και Traces dans le sable (1948), μελάνι σε χαρτί, El Goléa II (20 × 16,2).
Στο Prospectus aux amateurs de tous genres, ο καλλιτέχνης μιλάει για αυτά τα “μαγικά υλικά που μοιάζουν να έχουν δική τους θέληση και πολύ μεγαλύτερη δύναμη από τις συντονισμένες προθέσεις του καλλιτέχνη”. Ολόκληρη η προσπάθεια του καλλιτέχνη κατευθύνεται προς την αποκατάσταση. Διότι δεν μπορεί να αρνηθεί, σε ηλικία σαράντα ετών, ότι έχει λάβει αυτή την προετοιμασία. Πρέπει να πολεμήσει τη Δύση και τις αξίες του 20ού αιώνα. Στις αρχές της δεκαετίας του 1960, σε μια επιστολή του προς τον Ιταλό κριτικό τέχνης Renato Barilli, αρνήθηκε να συγχέεται με τους ζωγράφους του υλικού που απλώς ακολούθησαν το έργο του από το 1950 και μετά, των οποίων το σοκ στη Νέα Υόρκη και το Παρίσι ήταν πολύ μεγάλο. Ο ίδιος εγκατέλειψε αυτή την κατεύθυνση που, από τη δική του σκοπιά, είχε αρχίσει να γίνεται συμβατική.
Το 1947, ο καλλιτέχνης διοργάνωσε μια έκθεση με τα πορτρέτα των φίλων του που φιλοτέχνησε μεταξύ 1945 και 1947: Portraits by Dubuffet, μια σειρά από πορτρέτα καλλιτεχνών όπως οι Francis Ponge, Jean Paulhan, Georges Limbour, Paul Léautaud, Jean Fautrier, Henri Michaux, Antonin Artaud, André Dhôtel, Charles-Albert Cingria, Henri Calet, Jules Supervielle και πολλοί άλλοι, σε ένα ύφος που ο André Pieyre de Mandiargues περιέγραψε ως “βάρβαρη τρυφερότητα”:
“Παρουσιάζοντας τους φίλους του με μια βάρβαρη τρυφερότητα, τους κολλάει στον τοίχο! Γραμμένες σαν από καρφί στο καπνισμένο γύψο, είναι τα καλύτερα πορτρέτα της σύγχρονης εποχής”.
Από το 1945 και μετά φιλοτέχνησε πολυάριθμα πορτρέτα του Jean Paulhan, με τον οποίο αντάλλαξε ογκώδη αλληλογραφία από το 1945 έως το 1968, η οποία υπολογίζεται από το Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης σε 27.
Ο Dubuffet θεωρεί ότι ένα πορτρέτο δεν χρειάζεται να παρουσιάζει πολλά χαρακτηριστικά του εικονιζόμενου προσώπου. Τους αντιμετώπισε σε ένα πνεύμα ομοιώματος του προσώπου, χωρίς να χρειάζεται να ωθήσει την ακρίβεια των χαρακτηριστικών πολύ μακριά. Χρησιμοποιεί ακόμη και μια διαδικασία για να αποτρέψει την ομοιότητα.
Μεταξύ 1950 και 1951, οι καινοτομίες στις τεχνικές του ζωγράφου ήταν ελάχιστες, με εξαίρεση τους “πίνακες με γαλάκτωμα”. Το κύριο έργο του είναι μια σειρά από τοπία, Paysage grotesque violâtre, (Μάρτιος 1949), γκουάς (20 × 26 cm), Musée des Arts Décoratifs, Παρίσι, και κυρίως η σειρά των Corps de dames, όπου το κεφάλι είναι μόνο μια μικροσκοπική προεξοχή, ενώ το σώμα είναι δυσανάλογα διογκωμένο. Το θέμα αντιμετωπίζεται με διαφορετικά υλικά, σε σχέδια με ινδικό μελάνι, στυλό και καλαμούς (1950, 27 × 31 cm), Fondation Beyeler Basel. Αλλά και σε ακουαρέλα και λάδι σε καμβά: Corps de dame, pièce de boucherie (1950), λάδι σε καμβά (116 × 89 cm), Fondation Beyeler, με τα πόδια του να είναι ακραία μειωμένα. Υπάρχουν επίσης μερικές νεκρές φύσεις, οι πίνακες, σαν να μπήκε ο Dubuffet στον πειρασμό να αναμείξει το ανθρώπινο με το πράγμα: Le Métafisyx (1950), λάδι σε καμβά (116 × 89,5 cm) είναι και πάλι μια παραλλαγή του σώματος μιας κυρίας, της οποίας τη μορφή διατηρεί.
Από το 1951 και μετά, στο Παρίσι και στη Νέα Υόρκη, όπου έζησε από τον Νοέμβριο του 1951 έως τον Απρίλιο του 1952, ο Dubuffet δούλεψε πάνω σε πίνακες σε βαριά τοιχοποιία, σε παχύρρευστη πάστα με ανάγλυφα. Πρόκειται για τη σειρά Sols et terrains, Paysages mentaux.
“Είχα την εντύπωση ότι ορισμένοι από αυτούς τους πίνακες είχαν ως αποτέλεσμα αναπαραστάσεις που μπορούν να εντυπωσιάσουν το μυαλό ως μεταφορά της λειτουργίας του νοητικού μηχανισμού. Αυτός είναι ο λόγος που τα ονόμασα Νοητικά Τοπία. Σε πολλούς από τους πίνακες αυτής της ομάδας, στη συνέχεια ταλαντεύτηκα συνεχώς μεταξύ του συγκεκριμένου τοπίου και του νοητικού τοπίου, άλλοτε προσεγγίζοντας το ένα, άλλοτε το άλλο.
Το 1951, το ίδιο έτος, ο Dubuffet δημοσίευσε ένα βιβλίο για τη ζωγραφική του Alfonso Ossorio, με τον οποίο είχε γίνει πολύ φιλικός και τον οποίο θαύμαζε επειδή η ζωγραφική του ήταν μια “λεπτή μηχανή για τη μεταφορά της φιλοσοφίας”. Μέχρι το 1953, παρέμεινε σε αυτό το θέμα του “ψυχικού” με τα έργα Sols et terrains, Terres radieuses, με “pâtes battues”, χρώματα που χρησιμοποιούνται σε παχύρρευστες πάστες από τις οποίες οι νέοι Αμερικανοί καλλιτέχνες θα αντλούσαν έμπνευση. Ο άνθρωπος τον οποίο ο René Huyghe περιέγραψε ως τον “Doctor Knock της ζωγραφικής”, αυτή η ζωγραφική που ο Henri Jeanson περιέγραψε ως “cacaisme” στο Le Canard enchaîné, επέφερε μια τεχνική ανανέωση που έμελλε να δημιουργήσει προηγούμενο.Οι Pâtes battues αποτελούν μια σειρά από περίπου πενήντα πίνακες, λίγοι από τους οποίους παραμένουν στην πρωτόγονη κατάστασή τους, επειδή ο Dubuffet συνειδητοποίησε ότι με το να παίρνει και να ολοκληρώνει τα έργα του, επιτυγχάνει συγκεκριμένα αποτελέσματα.
“Η τεχνική συνίστατο στο ελαφρύ χάιδεμα της ζωγραφικής αφού είχε στεγνώσει, με ένα πλατύ επίπεδο πινέλο, με τόνους, χρυσό, μπιστρό, που έδεναν τα πάντα μεταξύ τους. Το πινέλο που τρίβεται έτσι ελαφρά πιάνει μόνο τα ανάγλυφα, ενώ αφήνει τα χρώματα της προηγούμενης ζωγραφικής να συγχωνευτούν λίγο. Δεν ήταν μόνο μία φορά που χρειάστηκε να περάσω με το πλατύ πινέλο μου πάνω από τον πίνακα, αλλά πολλές φορές. Από όλα αυτά προέκυψε μια λεπτή χρυσή πούδρα, σαν σε σκιά, τροφοδοτούμενη από μέσα από ένα παράξενο φως.
Την επόμενη χρονιά, ο Dubuffet ξεκίνησε τα τρισδιάστατα αντικείμενα, “γλυπτά” φτιαγμένα από λίγο από κάθε υλικό, θραύσματα φυσικών στοιχείων, και τα οποία μοιάζουν περισσότερο με συναρμολογήσεις που παρουσίασε τον Οκτώβριο-Νοέμβριο στην γκαλερί Rive-Gauche, όπως το L”Âme du Morvan (1954), ξύλο αμπέλου και βλαστοί τοποθετημένοι πάνω σε σκωρία με πίσσα, σχοινί, σύρμα, καρφιά και συνδετήρες (46,5 × 38,9 × 32,4 cm), Μουσείο Hirshhorn και Κήπος Γλυπτικής. Πρόκειται για τα Petites statues de la vie précaire (Μικρά αγάλματα της επισφαλούς ζωής), που δημιουργήθηκαν μετά από μια σειρά συναρμολογήσεων με φτερά πεταλούδας, στη συνέχεια μια σειρά συναρμολογήσεων από κομμένα κομμάτια χαρτιού, στη συνέχεια αγαλματικές συναρμολογήσεις που πλησιάζουν την art brut με ταπεινά υλικά. Πρόκειται για μικρά ειδώλια, όπως Le Duc, Le Dépenaillé, κατασκευασμένα από σφουγγάρια, κάρβουνο, κλίνκερ, ρίζες, πέτρα, πέτρα Volvic, filasse, σκωρία, σε ένα είδος αποκατάστασης των υλικών που έχουν αποδοθεί.
Το καλοκαίρι του 1954, η σύζυγός του αρρώστησε και αναγκάστηκε να κάνει θεραπεία στο Durtol στο Puy-de-Dôme. Ο Jean νοίκιασε ένα σπίτι εκεί και κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, αφιερώθηκε σε τοπία και σε μια σειρά από πολύ χιουμοριστικές αγελάδες, όπως η “Αγελάδα με τη λεπτή μύτη”, η οποία φυλάσσεται στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης της Νέας Υόρκης. Τον επόμενο χρόνο, το ζευγάρι μετακόμισε στη Vence.
Διαβάστε επίσης, μυθολογία – Οδυσσέας
Η περίοδος Vence
Ο ίδιος ο ζωγράφος περιγράφει τη μετακόμισή του στη Βενς: “Στα τέλη Ιανουαρίου 1955, οι γιατροί συνέστησαν στη γυναίκα μου να ζήσει στη Βενς και έτσι μετακόμισα εκεί μαζί της. Δυσκολεύτηκα να βρω κατάλληλους χώρους για την εργασία μου. Στην αρχή είχα μόνο ένα μικρό, στενόχωρο στούντιο, αλλά οργάνωσα ένα σχέδιο για τη συναρμολόγηση εκτυπώσεων με ινδικό μελάνι. Αυτή ήταν μια περίοδος προκαταρκτικής έρευνας για τον Dubuffet, η οποία οδήγησε σε μια δεύτερη σειρά Petit travaux d”ailes de papillons (Μικρά έργα από φτερά πεταλούδας), ακολουθούμενη από τα Personnages monolithes (Μονολιθικές μορφές) και Empreintes de sols (Εκτυπώσεις δαπέδου), με τα οποία ο καλλιτέχνης έκανε συναρμολογήσεις κόβοντας πάνελ ζωγραφισμένα εκ των προτέρων. Ή κρατά αυτούς τους πίνακες όταν του αρέσουν, πράγμα που οδηγεί σε πίνακες όπως η σειρά Routes et Chaussées, στην οποία περιλαμβάνεται το Sol du chemin très usagé, le jardin de pierres à Vence, λάδι σε καμβά (89 × 116 cm).
Μετά από δύο χρόνια, η έρευνα του Dubuffet οδήγησε σε άλλες σειρές “εδαφών” τις οποίες ταξινόμησε κάτω από τους τίτλους: “Τοπογραφίες”, “Κειμενολογίες”, “Ματεριολογίες”, “Aires et sites”, τα αποτελέσματα των οποίων θα εξέπλητταν για άλλη μια φορά το κοινό.
“Από όλες τις έρευνες που διεξήγαγε ο Jean Dubuffet, η σειρά Texturologies και Matériologies είναι αυτή που προκάλεσε τη μεγαλύτερη περιφρόνηση και γελοιοποίηση. Ίσως γιατί σηματοδοτεί το τελικό (και ίσως το πιο ολοκληρωμένο) σημείο των πειραμάτων του πάνω στο βλέμμα και στα πράγματα. Ο Dubuffet είχε επιτέλους δημιουργήσει αυτό που πάντα ήθελε: ονειρικές μηχανές με ασαφή φύλλα σκόνης. Με τις Texturologies, έφτασε στα ύψη της πιο άνυδρης, αλλά και της πιο ποιητικής αφαίρεσης. Αντίθετα, με τις Ματεριολογίες, αποκάλυψε τις ενοχλητικές αρετές της στοιχειώδους συγκεκριμενοποίησης.
– Daniel Cordier.
Ο Dubuffet μιλάει για “petit point drawing” όταν περιγράφει τα έργα του από το 1958 έως το 1959, τα οποία είναι “κειμενογραφικές εκτυπώσεις” σε χαρτί, “που επιτυγχάνονται ως επί το πλείστον με μαύρη λαδομπογιά, λαμβάνοντας μερικές φορές τη μορφή λεπτών δικτύων διασταυρούμενων γραμμών”.
Πιο συγκεκριμένα, η σειρά Texturology αποτελεί συνέχεια της έρευνας “Sols et terrains” που ξεκίνησε στις αρχές της δεκαετίας του 1950. Πρόκειται για πίνακες ζωγραφικής με λάδι σε καμβά που δίνουν την αίσθηση ενός αστρικού υλικού, όπως το Chaussée urbaine mouillée (1957), λάδι σε καμβά (80 × 100 cm), ή το Texturologie XVIII (Fromagée) (1958), λάδι σε καμβά (81 × 100 cm).
Οι Matériologies είναι έργα φτιαγμένα με τα πιο περίτεχνα υλικά. Ορισμένα είναι κατασκευασμένα από τσαλακωμένο και βαμμένο ασημένιο χαρτί, κολλημένα και συναρμολογημένα σε πάνελ isorel. Άλλα είναι φτιαγμένα από παχιά τρίμματα χαρτιού-μασέ, εφαρμοσμένα σε πάνελ Isorel ή συρματόπλεγμα, και μερικά από αυτά περιλαμβάνουν χαρτί-μασέ μασημένο σε πλαστική πάστα: Joies de la terre, 1959, χαρτί-μασέ βαμμένο στη μάζα σε ανοιχτούς τόνους σέπια (130 × 162 cm), Vie minérale ardente (1959), ασημένιο χαρτί (54 × 65 cm), Messe de terre (1959), χαρτί-μασέ σε Isorel (150 × 195 cm).
Τα έργα αυτής της περιόδου εκτέθηκαν στο Παρίσι στο Musée des Arts Décoratifs το 1961, μαζί με άλλα έργα από τις προηγούμενες περιόδους του. Με την ευκαιρία αυτή, ο Dubuffet ήταν για άλλη μια φορά “ο μόνος καλλιτέχνης μέσω του οποίου εξακολουθεί να φτάνει το σκάνδαλο”. Μπροστά στην αναδρομική έκθεση, η οποία περιελάμβανε τετρακόσιους πίνακες γκουάς, σχέδια, γλυπτά και συναρμολογήσεις, το κοινό και ορισμένοι κριτικοί αναρωτιόντουσαν ακόμη: τσαρλατάνος ή ιδιοφυΐα; Ο Dubuffet ήταν εξήντα ετών εκείνη την εποχή, η έρευνά του προχωρούσε σε κύκλους θαυμαστής δημιουργικής δύναμης. Κάποιοι θέλουν να δουν τον Dubuffet ως έναν δεύτερο Πικάσο, καθώς οι δύο καλλιτέχνες έχουν κοινό χαρακτηριστικό τη συνεχή ανανέωση των εκφραστικών τους μέσων.
Μέχρι το 1960 και τα επόμενα χρόνια, στη Βενς, η παραγωγή του Jean θα είναι άφθονη, θα βρούμε μικρά αγάλματα από τσαλακωμένο ασημένιο χαρτί ή από χαρτί-μασέ που χρωματίζονται στη μάζα με μελάνια και μερικές φορές ξαναβαφτίζονται με λάδι, καθώς και συναρμολογήσεις φυσικών στοιχείων. Το 1960, ο Daniel Cordier έγινε αντιπρόσωπός του στην Ευρώπη και τις Ηνωμένες Πολιτείες. Ο Dubuffet μετακόμισε σε ένα νέο σπίτι στη Vence, το Le Vortex. Ζούσε πλέον μεταξύ της Βενς και του Παρισιού. Κατά την περίοδο της Vence, γνώρισε τον Philippe Dereux, με τον οποίο ανέπτυξε ισχυρή φιλία και για τον οποίο δημιούργησε μια μεγάλη υδατογραφία πεταλούδας σε ανάμνηση των “μικρών πτερυγίων πεταλούδας”.
Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, ο Dubuffet ανέπτυξε επίσης μια ισχυρή φιλία με τον Alphonse Chave, τον οποίο έβλεπε σχεδόν καθημερινά για δέκα χρόνια. Το 1995, η γκαλερί Chave διοργάνωσε μια αναδρομική έκθεση, συγκεντρώνοντας επιστολές του καλλιτέχνη προς τον Philippe Dereux, κείμενα του Dereux και του πολύ στενού του φίλου Alexandre Vialatte, ιδίως την αναπαραγωγή ενός άρθρου που γράφτηκε για την εφημερίδα La Montagne το 1959, στο οποίο ο Vialatte δήλωνε: “Η παραγωγή του Jean Dubuffet είναι μυστηριώδης. Μια σημαντική αλλά δαπανηρή βιβλιογραφία την περιγράφει, την εξυμνεί, την αριθμεί. Ολόκληρο το έργο του είναι ένα είδος αντι-οράματος: μια αφήγηση γεμάτη ορθογραφικά λάθη- σκόπιμα και εσκεμμένα λάθη- δεν το λέει, το μουρμουρίζει, .
Διαβάστε επίσης, ιστορία – Μεσολιθική περίοδος
Dubuffet νέος τρόπος
Από το 1962, τον Dubuffet ακολούθησαν άλλοι ζωγράφοι, κυρίως ο Antoni Tàpies, ο οποίος ήρθε στην “άλλη τέχνη”, όπως την όρισε ο Michel Tapié στο ομώνυμο δοκίμιό του L”Art autre incluant les trouvailles de Dubuffet. Επίσης, το 1962, κατά τη διάρκεια του καλοκαιριού, έμεινε στο Le Touquet-Paris-Plage, στη νέα του βίλα-εργοστάσιο Le Mirivis, allée des Chevreuils, όπου, μεταξύ 15 και 25 Ιουλίου, δημιούργησε μια σειρά σχεδίων με κόκκινα και μπλε στυλό, τα οποία, μαζί με ονόματα και κείμενα σε μια φανταστική ορολογία, έγιναν ένα μικρό βιβλίο που έδωσε τον τίτλο του στον κύκλο L”Hourloupe (1962-1974). Το καλοκαίρι του 1963, εξακολουθώντας να βρίσκεται στο Le Touquet-Paris-Plage, ζωγράφισε τα μεγάλα τοπία του Pas-de-Calais, όπως το La route d”Étaples. Αργότερα, το 1971, ενέπνευσε τους Ισπανούς διαμαρτυρόμενους της Equipo Crónica, ένα από τα έργα της οποίας είναι ο πίνακας Celui-là ne m”échappera pas, ο οποίος δείχνει την CRS να αρπάζει αδίστακτα έναν χαρακτήρα τύπου Hourloupe. Στη δεκαετία του 1970, ο Dubuffet δημιούργησε επίσης τα “Praticables et costumes” για την παράσταση Coucou Bazar.
Για τον εορτασμό της τεσσαρακοστής επετείου του Coucou Bazar, το Musée des Arts Décoratifs στο Παρίσι εκθέτει τα κοψίματα και τα κοστούμια του Coucou Bazar από τις 24 έως την 1η Οκτωβρίου 2013.
Ο “νέος Dubuffet” χαρακτηρίζεται επίσης από συνεχή ανανέωση. Από το L”Hourloupe και έπειτα, θα μετατρέψει τα σχέδια με τις διαγραμμίσεις σε πίνακες συναρμολόγησης με κοψίματα. Ο ζωγράφος ξεκαθαρίζει ότι αυτές οι συναρμολογήσεις δεν είναι “κολάζ όπως αυτά των κινημάτων Νταντά, Σουρεαλισμού και Κυβισμού, τα οποία αποτελούνταν από την παράθεση στοιχείων αντικειμένων που δεν είχαν κατασκευαστεί από τους ίδιους τους καλλιτέχνες και προορίζονταν για άλλη χρήση εκτός της καλλιτεχνικής. Το αποτέλεσμα ήταν ακριβώς το αποτέλεσμα του εντελώς μη καλλιτεχνικού χαρακτήρα αυτών των αντικειμένων και της έκπληξης που προκάλεσε η χρήση τους σε ένα έργο τέχνης. Οι συναρμολογήσεις μου έγιναν με ένα εντελώς διαφορετικό πνεύμα, καθώς ήταν πίνακες που αποτελούνταν από κομμάτια που είχαν ληφθεί από πίνακες που είχα φτιάξει προηγουμένως για αυτόν τον σκοπό. Ο Dubuffet έγινε επίσης γλύπτης και δημιούργησε μνημεία ή αρχιτεκτονικές που ήταν “κατοικήσιμα γλυπτά”.
Το 1964, ο Dubuffet παρουσίασε την πρόσφατη δουλειά του στο Palazzo Grassi κατά τη διάρκεια της Μπιενάλε της Βενετίας. Απομακρύνθηκε από τις Matériologies και τις μελέτες εδάφους για να δουλέψει πάνω στο θέμα του αστικού ιστού, του πλήθους, όλα μπερδεμένα σε έντονα χρώματα και στροφές όπως : Ο θρύλος του δρόμου. Τα έργα αυτής της σειράς, τα οποία περιλαμβάνουν καμβάδες, χρωματιστά μελάνια, γλυπτά και συναρμολογήσεις, ομαδοποιούνται με το όνομα L”Hourloupe, μια λέξη που αποτελείται από τις λέξεις “loup” και “entourloupe” σύμφωνα με τους Jean Louis Ferrier και Yann Le Pichon. Διάφορες ερμηνείες δίνονται σύμφωνα με τις βιογραφίες σχετικά με τη γέννηση αυτού του στυλ και την προέλευση του ονόματος που του δόθηκε. Το κείμενο του Ιδρύματος Dubuffet το εξηγεί ως εξής: “Η λέξη “Hourloupe” ήταν ο τίτλος ενός μικρού βιβλίου που εκδόθηκε πρόσφατα και στο οποίο εμφανίζονταν αναπαραγωγές σχεδίων με κόκκινο και μπλε στυλό, μαζί με ένα κείμενο σε ορολογία. Το συνέδεσα, με τον συνειρμό, με το “hurler”, το “hululer”, το “loup”, το “Riquet à la Houppe” και τον τίτλο Le Horla του βιβλίου του Maupassant που εμπνέεται από την πνευματική απόσπαση της προσοχής.
Ο Gaëtan Picon το βλέπει ως συνέχεια των Matériologies και Paris-Circus, μέρος των οποίων είναι το Légende de rue, με το Paris-Circus να είναι το σύνολο των πινάκων για το πλήθος και την πόλη.
“Ενώ απαντάει στο τηλέφωνο, ο Jean αφήνει το κόκκινο στυλό του να τρέξει πάνω στο χαρτί, εξ ου και τα ημι-αυτόματα σχέδια που διαγράφει με κόκκινο και μπλε χρώμα. Κόβοντας αυτές τις φιγούρες, τις τοποθετεί στη συνέχεια σε μαύρο φόντο και σχεδιάζει ένα μικρό βιβλίο με 26 σελίδες αργκό κειμένου, όπου κάθε σελίδα διακοσμείται από ένα σχέδιο με στυλό”.
Στη συνέχεια, ο Dubuffet χρησιμοποίησε λωρίδες για να ενώσει τις φιγούρες του. Αυτά είναι σχέδια χορού: Principe dansant de l”Hourloupe (1963), λάδι σε καμβά (Caballero (1965), βινύλιο σε χαρτί καμβά (99 × 68,5 cm). Από το 1965-1966 και μετά, άρχισε να κάνει ζωγραφικές αποκοπές και μεταφορές βινυλικών χρωμάτων πάνω σε πλαστικοποιημένη ρητίνη, με αποτέλεσμα να δημιουργηθούν τόμοι στους οποίους έδωσε την ονομασία “μνημειακές ζωγραφιές”. Ένα σύνολο ζωγραφικών γλυπτών που εκτέθηκαν από τον Δεκέμβριο του 1968 έως τον Φεβρουάριο του 1969 στην γκαλερί Jeanne Bucher, η οποία εξέδωσε κατάλογο. Αυτά τα ζωγραφισμένα γλυπτά συγκεντρώθηκαν αργότερα από τον Max Loreau υπό τον τίτλο “Sculptures peintes” στον κατάλογο των έργων του Jean Dubuffet, τόμος 23, με κείμενα των Gaëtan Picon και Jean Dubuffet.
Σύμφωνα με τον Gaëtan Picon, το L”Hourloupe “βρίσκεται σε αδιαπέραστη απόσταση από την art brut. Ο Dubuffet αμφιβάλλει ότι αυτό είναι προς όφελός του, σαν να μετανιώνει για τόσες παρακάμψεις και τόση έρευνα, σαν να έπρεπε να είχε ξεκινήσει από εκεί, σαν να προτιμούσε το L”Hourloupe να είναι μια αρχή και όχι ένα τέλος.
Το Coucou bazar, που παρουσιάστηκε για πρώτη φορά κατά τη διάρκεια μιας αναδρομικής έκθεσης των έργων του στο Μουσείο Solomon R. Guggenheim από τον Μάιο έως τον Ιούλιο του 1973, είναι ένα “κινούμενο ταμπλό” που περιλαμβάνει ένα σύνολο από “praticables” για τα οποία ο καλλιτέχνης έκανε μεγάλη έρευνα με βάση τα γλυπτά του από το L”Hourloupe, αλλά και τα “κοστούμια των hourloupes”. Είναι ένα μπαλέτο από γλυπτά, πίνακες ζωγραφικής, καπελωμένα κοστούμια. Η μουσική είναι του İlhan Mimaroğluu, Τούρκου συνθέτη ηλεκτρονικής μουσικής, ενώ η χορογραφία είναι του Jean McFaddin. Ο Dubuffet εφευρίσκει ένα είδος commedia dell”arte, του οποίου οι ηθοποιοί είναι τα δικά του γλυπτά, με το στυλ του. Είναι σαν ένα είδος Grand Guignol όπου κάθε στοιχείο κινείται πολύ αργά. Οι χορευτές, κρυμμένοι στις σανίδες του δαπέδου, εκτελούν ένα είδος μακάβριου χορού για μια πεθαμένη κοινωνία. Κάπου μεταξύ μιας τελετής θυσίας και του θεάτρου Νο, αυτή η εμψύχωση γιγαντιαίων γλυπτών είναι, σύμφωνα με τον δημιουργό της, “μια αναζωογόνηση των στατικών τεχνών”, για τις οποίες ο Dubuffet λέει ότι “η ζωγραφική μπορεί να είναι μια λεπτή μηχανή για τη μετάδοση της φιλοσοφίας”.
Από το 1966 και μετά, ο Dubuffet προχώρησε σε δημιουργίες όγκου. Στην αρχή, επρόκειτο για αντικείμενα: καρέκλες, τηλέφωνα, έπιπλα με συρτάρια, τραπέζια. Στη συνέχεια, κτίρια: La Tour aux figures (χαρακτηρισμένο ως ιστορικό μνημείο), Castelet l”Hourloupe, Château bleu, Jardin d”hiver. Για τις φιγούρες του Tour aux, ο Dubuffet λέει: “Παραδόξως ανεγερμένο ως ένα βαρύ και ογκώδες μνημείο, είναι οι ονειρικές διαδρομές της σκέψης που μεταφράζουν αυτά τα γραφικά.
Τα γλυπτά και οι εγκαταστάσεις είναι “μνημειακά έργα ζωγραφικής”: L”Aléatoire (Borne au Logos V) (1966), πολυεστέρας (100 × 50 × 50 cm). Αυτή η μετάβαση στον όγκο είναι το αποφασιστικό άβαταρ του έργου του, με επεκτάσεις σε χρωματιστό πολυεστέρα. Πάντα ήθελε να “βγει από την εικόνα” και εγκατέλειψε το λάδι για χρώματα βινυλίου και μαρκαδόρους. Έμαθε να χειρίζεται την πολυστερίνη, τον πολυεστέρα, την εποξική, το ψεκασμένο σκυρόδεμα και τα χρώματα πολυουρεθάνης.
Το 1967, ο Dubuffet ξεκίνησε την κατασκευή του Λογολογικού Γραφείου, το οποίο αργότερα εγκαταστάθηκε στη Villa Falbala, η οποία χτίστηκε για να τον στεγάσει. Το Closerie Falbala, διατηρητέο κτίριο, και η Villa Falbala αποτελούν ένα σύνολο που ο Dubuffet έχτισε και επέκτεινε από το 1970 και μετά. Την επόμενη χρονιά κατασκεύασε το μοντέλο του Κήπου του Σμάλτου, το οποίο ολοκληρώθηκε το 1974. Εν τω μεταξύ, στο Périgny-sur-Yerres, ο καλλιτέχνης διεύρυνε το χώρο του και έχτισε νέα εργαστήρια, όπου εργάστηκε για τη δημιουργία της Ομάδας των Τεσσάρων Δέντρων, παραγγελία του τραπεζίτη David Rockefeller της τράπεζας Chase Manhattan στη Νέα Υόρκη, για να διακοσμήσει την πλατεία Chase Manhattan Plaza. Αυτά τα εποξειδικά γλυπτά εγκαινιάστηκαν το 1972.
Την ίδια περίοδο, μεταξύ 1968 και 1970, εργάστηκε στον Χειμερινό Κήπο, ένα κατοικήσιμο γλυπτό που φυλάσσεται στο Centre national d”art et de culture Georges-Pompidou, το οπτικό υλικό και την περιγραφή του οποίου μπορείτε να βρείτε στην ανακοίνωση του Virtual Pompidou Centre.
Το 1974, η Régie Renault του ανέθεσε τη δημιουργία μιας καλοκαιρινής έκθεσης, οι εργασίες της οποίας ξεκίνησαν το 1975 στα κτίρια της Renault στην Boulogne-Billancourt. Το επεισόδιο αυτό έμελλε να είναι θυελλώδες, όπως συνοψίζει η εφημερίδα Libération. Αφού οι εργασίες διακόπηκαν με εντολή του νέου προέδρου της Régie, ο Jean Dubuffet ξεκίνησε μια δίκη που οδήγησε σε έφεση στο Ανώτατο Ακυρωτικό Δικαστήριο, η οποία έληξε το 1983 σύμφωνα με τη Libération και το 1981 σύμφωνα με το Collectif de l”exposition de Carcassonne. Ο Jean δεν συνέχισε το έργο του Salon d”automne. Είχε και άλλες παραγγελίες, ιδίως το Manoir d”Essor για το Μουσείο της Λουιζιάνα στο Humlebæk της Δανίας, το οποίο ολοκλήρωσε το 1982.
Το 1983, ο Dubuffet εγκαινίασε το Μνημείο του Φαντάσματος στο Χιούστον του Τέξας, το οποίο είχε χτίσει το 1977 στο Discovery Green του Χιούστον του Τέξας. Το 1984 εγκαινίασε το περίφημο Μνημείο του Μόνιμου Κτήνους στο Σικάγο (Ιλινόις), για το οποίο είχε σχεδιάσει το μοντέλο το 1969. Στα τέλη του 1984, ο Dubuffet αποφάσισε να σταματήσει να ζωγραφίζει και το 1985 έγραψε το βιβλίο του Biographie au pas de course.
Ο Jean Dubuffet πέθανε στις 12 Μαΐου 1985 στο 6ο διαμέρισμα του Παρισιού και θάφτηκε, μαζί με τη σύζυγό του, στο νεκροταφείο Tubersent.
Στο πλαίσιο του ιδρύματος που ίδρυσε τον Νοέμβριο του 1974, ο Jean Dubuffet αγόρασε ένα οικόπεδο στο Périgny-sur-Yerres (Val-de-Marne), όπου βρίσκεται το στούντιο του Marino di Teana. Πολλά από τα έργα του Dubuffet φυλάσσονται στο Périgny υπό την αιγίδα του ιδρύματος, συμπεριλαμβανομένου του μοντέλου του έργου που προοριζόταν για τη Renault Boulogne-Billancourt. Η έδρα του ιδρύματος είναι στο Périgny, αλλά βρίσκεται επίσης στο Παρίσι, στην οδό Sèvres 137, όπου προσφέρει άφθονη τεκμηρίωση.
Διαβάστε επίσης, βιογραφίες – Μάρκος Αιμίλιος Λέπιδος
Η συλλογή του Jean Dubuffet
Το 1922, ο Jean Dubuffet είχε ήδη ενδιαφερθεί για το έργο του Dr. Hans Prinzhorn, ο οποίος είχε συλλέξει τα έργα των ψυχικά ασθενών του, δημιουργώντας ένα Μουσείο Παθολογικής Τέχνης στη Χαϊδελβέργη. Είχε επίσης ανακαλύψει την έκθεση του ψυχιάτρου Walter Morgenthaler, επικεφαλής ιατρού της κλινικής Waldau κοντά στη Βέρνη. Το 1923, ο Dubuffet έκανε τη στρατιωτική του θητεία στη μετεωρολογική υπηρεσία του Πύργου του Άιφελ ή, σύμφωνα με τους βιογράφους του, στον μετεωρολογικό λόχο του Fort de Saint-Cyr. Γνώρισε τα εικονογραφημένα σημειωματάρια της Clémentine R. (Clémentine Ripoche), μιας παράφρονα οραματίστριας που σχεδίαζε και ερμήνευε τη διαμόρφωση των σύννεφων. Την ίδια χρονιά ιδρύεται στη Λιέγη η Διεθνής Πνευματιστική Ομοσπονδία. Ο Dubuffet ενδιαφέρεται επίσης για ορισμένα έργα από τη συλλογή της Χαϊδελβέργης που εκτέθηκαν στην Kunsthalle του Μανχάιμ. Το 1923 ήταν επίσης η χρονιά του εγκλεισμού του Louis Soutter, το έργο του οποίου ο Dubuffet δεν θα ανακάλυπτε μέχρι το 1945.
Στις 28 Αυγούστου 1945, ο Dubuffet ονόμασε “art brut” μια τέχνη που συνέλεγε εδώ και αρκετά χρόνια, μια τέχνη που περιελάμβανε τόσο την τέχνη των “τρελών” όσο και εκείνη των περιθωριακών ανθρώπων κάθε είδους: φυλακισμένων, ερημιτών, μυστικιστών, αναρχικών ή επαναστατών. Χάρη στους φίλους του Jean Paulhan και Raymond Queneau, ανακάλυψε τις δημιουργίες αυτοδίδακτων ή ψυχωτικών ενηλίκων. Και ήταν ο Paul Budry, ο οποίος είχε περάσει τα παιδικά του χρόνια στο Vevey, που τον έφερε σε επαφή με τον ελβετικό ιατρικό κύκλο. Στη συνέχεια, ο Dubuffet πραγματοποίησε μαζί με τον Paulhan το πρώτο του ερευνητικό ταξίδι τριών εβδομάδων σε ελβετικά ψυχιατρικά νοσοκομεία. Κατά τη διάρκεια ενός δεύτερου ταξιδιού στην Ελβετία, και αφού έχει ανταλλάξει πολλές επιστολές μαζί του, ο Dubuffet συναντά τον ψυχίατρο Georges de Morsier από τη Γενεύη, του οποίου η ασθενής Marguerite Burnat-Provins ενδιαφέρει τον ζωγράφο για την έρευνά του σχετικά με την Art Brut. Τον Σεπτέμβριο του ίδιου έτους, επισκέπτεται τον Αντονέν Αρτώ, ο οποίος ήταν τότε έγκλειστος στο Ροντέζ. Ο γιατρός Ferdière τον συμβουλεύει να επισκεφθεί το άσυλο του Saint-Alban-sur-Limagnole, όπου ο Auguste Forestier είναι έγκλειστος. Επισκέφθηκε άλλα ψυχιατρικά νοσοκομεία και φυλακές, συνάντησε συγγραφείς, καλλιτέχνες, εκδότες, καθώς και επιμελητές μουσείων και γιατρούς, ιδίως το Le cabinet du professeur Ladame.
Το πρώτο Fascicule de l”art brut με τίτλο Les Barbus Müller, et Autres pièces de la statuaire provinciale, γραμμένο εξ ολοκλήρου από τον Jean Dubuffet, τυπώνεται από το βιβλιοπωλείο Gallimard, αλλά δεν εκδίδεται. Ανατυπώθηκε και εκδόθηκε στη Γενεύη το 1979 από το Μουσείο Barbier-Mueller.
Διαβάστε επίσης, μάχες – Πολιορκία του Παρισιού (1870-71)
Η Compagnie de l”art brut και η συλλογή art brut
Το 1945, ο Dubuffet δημοσίευσε τα Prospectus aux amateurs de tous genres και Notes aux fins lettrés, στα οποία γνωστοποιούσε ότι δεν ήταν εύκολο να καινοτομήσεις πίσω από τον Kandinsky, τον Klee, τον Matisse ή τον Picasso. Ως εκ τούτου, προτείνει να εξερευνήσει άγνωστες περιοχές. Ξεκινώντας από το άμορφο, “ζωντανεύοντας επιφάνειες, αναπαριστώντας εκτροπές στη χορωδία του έργου τέχνης, υπολογίζοντας με την τύχη”.
Με τον όρο “art brut”, ο Dubuffet αναφέρεται στην τέχνη που παράγεται από μη επαγγελματίες που εργάζονται εκτός των αποδεκτών αισθητικών προτύπων, που έχουν μείνει εκτός του καλλιτεχνικού περιβάλλοντος ή που έχουν υποστεί μια κοινωνική και ψυχολογική ρήξη αρκετά ισχυρή ώστε να βρεθούν εντελώς απομονωμένοι και να αρχίσουν να δημιουργούν.
Ο Dubuffet διοργάνωσε αρκετές εκθέσεις με έργα από τη συλλογή του μεταξύ 1947 και 1951. Πρώτα στο υπόγειο της Galerie Drouin, που έγινε το Foyer de l”art brut. Στη συνέχεια, το 1948, το Foyer μεταφέρθηκε σε ένα περίπτερο της Nouvelle Revue française, 17, rue de l”Université (Παρίσι). Το Foyer έγινε στη συνέχεια η Compagnie de l”art brut, της οποίας ιδρυτικά μέλη ήταν οι Jean Dubuffet, André Breton, Jean Paulhan, Charles Ratton, Henri-Pierre Roché, Michel Tapié και Edmond Bomsel, ενώ αργότερα προστέθηκε και ο Jean Revol. Επιμελητής της Συλλογής είναι ο ζωγράφος Slavko Kopač.
Ο τίτλος “Art Brut” δόθηκε για πρώτη φορά το 1949 σε μια έκθεση καλλιτεχνών που συγκέντρωσε ο Dubuffet στην Galerie Drouin. Με την ευκαιρία αυτή, ο Dubuffet έγραψε τον κατάλογο της έκθεσης, ο οποίος περιλάμβανε 200 έργα άγνωστων καλλιτεχνών από τη συλλογή του, και δημοσίευσε μια πραγματεία με τίτλο: L”Art brut préféré aux arts culturels, η οποία προκάλεσε σκάνδαλο.
“Η πραγματική τέχνη βρίσκεται πάντα εκεί που δεν την περιμένεις. Όπου κανείς δεν το σκέφτεται ή δεν λέει το όνομά του. Η τέχνη μισεί να την αναγνωρίζουν και να την χαιρετούν με το όνομά της. Τρέχει αμέσως μακριά. Ο Art είναι ένας χαρακτήρας παθιασμένα ερωτευμένος με το incognito. Μόλις εντοπιστεί, φεύγει, αφήνοντας στη θέση του έναν βραβευμένο που κουβαλάει στην πλάτη του μια μεγάλη πινακίδα με τη λέξη Τέχνη, την οποία όλοι ψεκάζουν αμέσως με σαμπάνια και την οποία οι ομιλητές μεταφέρουν από πόλη σε πόλη με ένα δαχτυλίδι στη μύτη τους.
Στον πρόλογο του βιβλίου L”Art brut του Michel Thévoz, ο Jean Dubuffet διευκρινίζει ότι η συλλογή του αποτελείται σε μεγάλο βαθμό από “μη τυποποιημένους” καλλιτέχνες, αλλά, σύμφωνα με τον ίδιο :
“Το να ορίσουμε έναν κοινό χαρακτήρα αυτών των παραγωγών -κάποιοι προσπάθησαν να το κάνουν- δεν έχει νόημα, διότι ανταποκρίνονται σε έναν άπειρο αριθμό θέσεων του νου και κλειδιών της μεταγραφής, καθένα με το δικό του καθεστώς που επινόησε ο συγγραφέας, και ο μόνος κοινός τους χαρακτήρας είναι το χάρισμα να παίρνουν άλλους δρόμους από αυτούς της εγκεκριμένης τέχνης.
Στον ίδιο πρόλογο, ο Dubuffet προειδοποιεί κατά της παρανόησης της τρέλας, κατά του γεγονότος ότι η τάση για απόκλιση από τα πολιτιστικά ή άλλα πρότυπα είναι, στα μάτια μιας κοινωνικής ηθικής, δικαιολογημένη για εγκλεισμό, κάτι που αφορά μόνο τον ψυχίατρο.
Το 1952, η εταιρεία μετακόμισε στις Ηνωμένες Πολιτείες στο East Hampton της Νέας Υόρκης, στην κομητεία Suffolk, στο Long Island, στον Alfonso Ossorio. Αποτελούνταν από περίπου χίλια σχέδια, πίνακες, αντικείμενα και γλυπτά, τα περισσότερα από τα οποία ήταν έργα ψυχικά ασθενών. Φυλασσόταν σε έξι δωμάτια στον δεύτερο όροφο του μεγάλου σπιτιού του Ossorio. Ο Ossorio και ο Dubuffet συναντήθηκαν για πρώτη φορά στο Παρίσι το 1949, όταν ο Αμερικανοφιλιππινέζος ζωγράφος βρισκόταν στο Λονδίνο. Με περιέργεια να δει έναν τόσο υποτιμημένο καλλιτέχνη, ο Ossorio ζήτησε να δει περισσότερους πίνακες του Dubuffet και δημιούργησε μια δυνατή φιλία μαζί του. Ο Ossorio, ζωγράφος και συλλέκτης, ήταν πολύ πλούσιος, γεγονός που εξηγεί την πολυτελή κατοικία στην οποία ζούσε. Ήταν πολύ γενναιόδωρος και διοργάνωσε αρκετές εκθέσεις. Αλλά ο Dubuffet τον προειδοποίησε ότι η γενναιοδωρία του θα μπορούσε να επισκιάσει το έργο του ως ζωγράφου, πράγμα που όντως συνέβη- η ζωγραφική του θα παρέμενε ελάχιστα γνωστή.
Επαναπατρίστηκε στη Γαλλία, όπου ο Dubuffet έψαχνε ένα μέρος για να την εκθέσει, και η συλλογή του εγκαταστάθηκε για πρώτη φορά το 1962 στο κτίριο 137 rue de Sèvres, το οποίο ήταν η έδρα του Fondation Dubuffet. Τον επόμενο χρόνο αποκτήθηκαν νέα κομμάτια και το 1967 η συλλογή αριθμούσε 5.000 θέματα από περίπου 200 συγγραφείς. Τα σχέδια του παράγοντα Lonné αγοράστηκαν αμέσως, καθώς και ο πρώτος πίνακας του Augustin Lesage. Τα έργα της συλλογής εκτέθηκαν την ίδια χρονιά στο Musée des Arts Décoratifs στο Παρίσι, στη σημαντικότερη έκθεση Art Brut που διοργανώθηκε ποτέ. Εκδόθηκε ένας κατάλογος και ο Dubuffet έγραψε τον πρόλογο, “Place à l”incivisme”, στον οποίο κατέληγε: “Όχι μόνο αρνούμαστε να αποδώσουμε σεβασμό μόνο στην πολιτιστική τέχνη και να θεωρήσουμε τα έργα που παρουσιάζονται εδώ λιγότερο αποδεκτά από τα δικά του, αλλά αισθανόμαστε, αντίθετα, ότι αυτά τα έργα, που είναι καρπός της μοναξιάς και μιας καθαρής δημιουργικής παρόρμησης, είναι επομένως πιο πολύτιμα από τις επαγγελματικές παραγωγές. Το 1964 εκδόθηκαν τα δύο πρώτα τεύχη της Εταιρείας, στα οποία περιγράφεται η ζωή και το έργο όλων των καλλιτεχνών της συλλογής. Το κοινό μπορεί έτσι να ανακαλύψει τον Augustin Lesage, τον φυλακισμένο της Βασιλείας (Joseph G.), τον Clément, τον ταχυδρόμο Lonné Palanc τον συγγραφέα, τον Adolf Wölfli και πολλούς άλλους. Οι εκδόσεις αυτές συνεχίστηκαν με ακανόνιστους ρυθμούς μέχρι σήμερα, με την έκδοση του τεύχους 24.
Ο Dubuffet επιθυμούσε να παραμείνει η συλλογή του στο Παρίσι. Του είχαν δοθεί πολλές υποσχέσεις, καμία από τις οποίες δεν τηρήθηκε. Αντιμέτωπος με την αναβλητικότητα της γαλλικής διοίκησης, ο Dubuffet δέχτηκε τελικά την προσφορά της πόλης της Λωζάνης, η οποία προσέφερε ιδανικές συνθήκες για τη διατήρηση αυτού του θησαυρού, στον οποίο δεν έκρυψε ποτέ ότι η τέχνη του οφείλει πολλά.
Το 1971 καταρτίστηκε επίσης ένας εξαντλητικός κατάλογος της συλλογής, στον οποίο απαριθμούνται 4.104 έργα 135 “καθαρών” καλλιτεχνών της Art Brut, την οποία ο Dubuffet έπρεπε να διαχωρίσει για ηθικούς και ιδεολογικούς λόγους από μια “βοηθητική” συλλογή (που ονομάστηκε “Neuve Invention” το 1982), στην οποία οι καλλιτέχνες ήταν πιο κοντά σε μια επαγγελματική προσέγγιση και στην οποία απαριθμούνται 2.000 άλλα έργα. Το έργο του Jean-Joseph Sanfourche, αγγίζει τον Jean Dubuffet, και για πολλά χρόνια οι δύο άνδρες διατηρούν μια επιστολική σχέση. Ο Sanfourche ένιωθε κοντά στον δάσκαλο της art brut, όπως εξήγησε το 1980.
Στις 28 Φεβρουαρίου 1976, παρουσία των δημοτικών αρχών, η εγκατάσταση εγκαινιάστηκε στη Λωζάνη στο Château de Beaulieu, ένα αρχοντικό του 18ου αιώνα. Ο Michel Thévoz ήταν ο πιστός επιμελητής της Collection de l”art brut μέχρι το 2001.
Διαβάστε επίσης, πολιτισμοί – Γραμμική Α
Η επιρροή του Dubuffet
Ο Dubuffet ήταν ο πρώτος θεωρητικός και ο σημαντικότερος συλλέκτης της art brut, αλλά επίσης, με τη δική του ώθηση, εμφανίστηκαν διάφορες παραλλαγές της περιθωριακής, αντισυμβατικής ή παιγνιώδους τέχνης, οι οποίες έχουν διαφορετικά ονόματα αλλά είναι όλες παραλλαγές της art brut.
Το 1971, ο Dubuffet γνώρισε τον Alain Bourbonnais, έναν αρχιτέκτονα, δημιουργό και κυρίως συλλέκτη με πάθος για τη λαϊκή και περιθωριακή τέχνη, ο οποίος, κατόπιν συμβουλής του Dubuffet, ονόμασε τη συλλογή του “art hors-normes”. Αυτή η συλλογή, η οποία ξεκίνησε με καλλιτέχνες που υποδείκνυε ο Dubuffet, συχνά ψυχικά ασθενείς όπως η Aloïse Corbaz, σταδιακά παρέκκλινε προς μια πιο παιχνιδιάρικη μορφή τέχνης. Ο ίδιος δημιούργησε τους Turbulents, τεράστιους άνδρες ή γυναίκες. Εγκαθιστά τη συλλογή του, περισσότερο προσανατολισμένη στην αυθόρμητη τέχνη, στο Atelier Jacob, στην οδό Jacob. Ο Michel Ragon μπήκε στην περιπέτεια, αλλά, όπως ο ίδιος περιγράφει, το Atelier Jacob έχει το ελάττωμα να είναι μια γκαλερί τέχνης. Τον πίεζα συχνά να ξεφύγει από τον κομφορμισμό και την ασάφεια μιας γκαλερί τέχνης μετατρέποντάς την σε μια βιτρίνα περιεργεσιών. Τα κατάφερε καλύτερα, αφού αποφάσισε να δημιουργήσει ένα μοναδικό σύνολο για τις συλλογές του: La Fabuloserie. Έτσι, το εργαστήριο Jacob, το οποίο ήταν πολύ ενεργό από το 1972 έως το 1982, μετακόμισε το 1983 στο Dicy στο διαμέρισμα Yonne στην περιοχή Burgundy-Franche-Comté, όπου έγινε το La Fabuloserie, ένα “μουσείο της υπαίθρου” εγκατεστημένο σε διάφορα κτίρια, παρουσιάζοντας μια άλλη μορφή art brut μάλλον προσανατολισμένη προς τη λαϊκή τέχνη. “Η πρωτοτυπία της έρευνας του Dubuffet και του Bourbonnais ήταν η ανακάλυψη αυτών των “αθώων” που βρίσκονται στο περιθώριο τόσο της ιστορίας της χειροτεχνίας όσο και της ιστορίας της τέχνης.
Επιπλέον, δύο σημαντικές εκθέσεις αποκάλυψαν στο ευρύ κοινό την art brut, τη “μη τυποποιημένη” τέχνη και τις παραλλαγές τους. Το 1978, το έργο “Les Singuliers de l”art” παρουσιάστηκε στο ARC (Animation, Recherche, Confrontation), το σύγχρονο τμήμα του Musée d”art moderne de la ville de Paris. Περιλαμβάνει πλαστικά έργα επιλεγμένα από τους Suzanne Pagé, Michel Thévoz, Michel Ragon και Alain Bourbonnais. Αλλά και οπτικοακουστικές παραγωγές που δείχνουν επίσης τους “κατοίκους του τοπίου”, τους “εργαζόμενους κήπους” και τους “οικοδόμους του φανταστικού”, αυτή η έκθεση θα δώσει το έναυσμα για τη δημιουργία του κινήματος “Art singulier”. Τον Φεβρουάριο του 1979, στο Λονδίνο, η έκθεση “Outsiders” που διοργάνωσε ο Roger Cardinal προσέφερε έργα που αποτελούσαν περαιτέρω παρακμή της Art Brut. Στην παρουσίαση του καταλόγου της έκθεσης στο Λονδίνο, ο ποιητής και γκαλερίστας Victor Musgrave τοποθετεί τον όρο outsider: “Από τότε που ο Dubuffet ονόμασε art brut (ακατέργαστη τέχνη), τον ακολούθησαν άλλοι, όπως ο Alain Bourbonnais, με ελαφρώς διαφορετικά κριτήρια. Στην παρούσα έκθεση, παρεκκλίναμε και εμείς ελαφρώς από την ακατέργαστη τέχνη, αλλά όχι πολύ, με τον Scottie Wilson και τον Henry Darger ειδικότερα. Αυτοί οι “outsiders” θα κάνουν τη σύνδεση με την αμερικανική outsider art.
Διαβάστε επίσης, βιογραφίες – Χάρολντ Β΄ της Αγγλίας
Κείμενα, εικονογραφήσεις, λιθογραφίες
Διαβάστε επίσης, ιστορία – Αταουάλπα Ίνκα
Διάφορες τεχνικές
Τα σώματα και οι φιγούρες αποτέλεσαν αντικείμενο της έρευνας του Dubuffet που θα οδηγούσε στο Corps de dames, μια ποικιλία από Nanas που συναντάμε στα πρώτα έργα της Niki de Saint Phalle. Η εγγύτητα μεταξύ των πρώτων “προσωποποιημένων” έργων της Niki και της ζωγραφικής του Dubuffet τονίστηκε πολλές φορές το 2014 κατά τη διάρκεια της έκθεσης του γαλλοαμερικανού καλλιτέχνη στο Grand Palais του Παρισιού. Η εφημερίδα Le Nouvel Observateur έγραψε τα εξής: “Στην έκθεση παρουσιάζεται επίσης για πρώτη φορά ένα μνημειώδες μεταλλικό γλυπτό, το Le Rêve de Diane, στο οποίο διακρίνεται η επιρροή του Jean Dubuffet, για τον οποίο η Νίκη έτρεφε μεγάλο θαυμασμό”. Στην πραγματικότητα, τα γυναικεία σώματα του Dubuffet είναι “καλές γυναίκες”, ενώ οι φιγούρες ή τα “πορτρέτα” των ανθρώπων είναι “καλοί άνθρωποι” κατά τον τρόπο των παιδικών σχεδίων. “Οι ψυχαναλυτές λένε ότι πρέπει να σκοτώσεις ένα παιδί για να γίνεις ενήλικας. Ο Dubuffet είναι ένας από εκείνους που γλίτωσαν από τη σφαγή ή που δεν συνθηκολόγησαν. Παραμένει ικανός να επαναδραστηριοποιεί τις παιδικές του διαθέσεις, αλλά με την τρομερή αποτελεσματικότητα ενός ενήλικα, ενάντια στα πολιτισμικά τεκμήρια”.
Πρόκειται για μια από τις πιο ενδιαφέρουσες περιόδους της ζωής του καλλιτέχνη, ο οποίος ήθελε, όπως ανακοινώνει ο Daniel Cordier στην εισαγωγή του καταλόγου, “το έργο του να είναι μια γιορτή του στοιχειώδους, του κατακριτέου, του απορριπτέου”. Περιλαμβάνει σύνολα ζωγραφικής, κινέζικα μελάνια σε χαρτί, λάδια σε καμβά, εκτυπώσεις και λιθογραφίες. Από το 1955 και μετά, ο καλλιτέχνης ταξινόμησε τα έργα του σε κατηγορίες: Texturology, Materiologie, Topographies, Routes et chaussées, τα οποία δείχνουν τα αποτυπώματα του υλικού του εδάφους και του εδάφους, που εκτελέστηκαν στη Vence. Η σειρά αυτή περιλαμβάνει επίσης το έργο Les Phénomènes (1958-1962), μια σειρά λιθογραφιών με θέμα τα εδάφη και τα εδάφη που θεωρείται από τον Michel Thévoz ως μια “λιθογραφική περιπέτεια”, στην οποία ο Dubuffet ασχολείται με την αίσθηση ότι “ξεφεύγει από τις λεκτικές κατηγορίες που, σύμφωνα με τον ίδιο, καθορίζουν τη σκέψη μας”. Η περίοδος της έρευνας για τα χαρακτικά περιλαμβάνει άλλες σειρές που εκτελέστηκαν στο Παρίσι, τη Βενς και τη Νέα Υόρκη: χαρακτικά φτερών πεταλούδας και ζώων, μεταξύ των οποίων το La Vache (1954), γκουάς σε χαρτί (32,6 × 40,2 cm), Centre Pompidou, αγορά 1983, καθώς και τοπία και πορτρέτα.
Διαβάστε επίσης, ιστορία – Aπόβαση στη Νορμανδία
Αλληλογραφία, εικονογραφημένα κείμενα (χρονολογική σειρά δημοσίευσης)
Δείτε την πλήρη βιβλιογραφία του Jean Dubuffet, συμπεριλαμβανομένων των επιστολών και των εικονογραφημένων συγγραμμάτων, στο Ίδρυμα Dubuffet.
Διαβάστε επίσης, βιογραφίες – Χουάν Γκρις
Δισκογραφία
Ο πλήρης κατάλογος όλων των προσωπικών θέσεων του Jean Dubuffet μέχρι το 2014 μπορεί να βρεθεί στην ιστοσελίδα της γκαλερί Pace Gallery στη Νέα Υόρκη, που σήμερα είναι η PaceWildenstein Gallery, η οποία διαθέτει πέντε εκθεσιακούς χώρους, εκ των οποίων τρεις στη Νέα Υόρκη, όπου ο Jean Dubuffet εκτέθηκε από το 1969: “Simulacra”, από τις 8 Νοεμβρίου έως τις 10 Δεκεμβρίου.
Διαβάστε επίσης, μάχες – Γεράρδος Μερκάτορ
Εξωτερικοί σύνδεσμοι
Πηγές
