Ζαν-Φρανσουά Μιλέ
gigatos | 18 Ιανουαρίου, 2022
Σύνοψη
Ο Jean-François Millet (20 Ιανουαρίου 1875) ήταν Γάλλος ρεαλιστής ζωγράφος που γεννήθηκε σε αγροτική οικογένεια. Εκπαιδεύτηκε με έναν τοπικό ζωγράφο στο Χερβούργο και στη συνέχεια σπούδασε στο Παρίσι το 1837 με τον Delaroche. Επηρεασμένος από τον Ντομιέ, δούλεψε σε ένα ποιμενικό στυλ με σοσιαλιστικές πινελιές, το οποίο ανέπτυξε περαιτέρω στο χωριό Μπαρμπιζόν, στο δάσος του Φοντενεμπλώ, όπου εγκαταστάθηκε το 1849 μαζί με τον Θεόδωρο Ρουσσώ, τον Ναρσίς Ντίαζ και άλλους. Τα μέλη αυτής της ομάδας, γνωστής ως Σχολή της Μπαρμπιζόν και επηρεασμένα από τον Κορό, τους Ολλανδούς τοπιογράφους του 17ου αιώνα και τον Κόνσταμπλ, ήταν οι πρόδρομοι του ιμπρεσιονισμού. Διακρίθηκε για τις σκηνές του με τους αγρότες, στις οποίες προσπάθησε να εκφράσει την αθωότητα του αγρότη σε αντίθεση με τον εξευτελισμό που συνοδεύει τον πολίτη που είναι βυθισμένος στη βιομηχανική κοινωνία. Εντάσσεται στο ρεαλιστικό και στο νατουραλιστικό κίνημα. Πέθανε στο Barbizon το 1875.
Διαβάστε επίσης, σημαντικά-γεγονότα – Μινωική έκρηξη
Νεολαία
Ο Millet ήταν ο πρωτότοκος γιος του Jean-Louis-Nicolas και της Aimée-Henriette-Adélaïde Henry Millet, μελών της αγροτικής κοινότητας του χωριού Gruchy, της κοινότητας Gréville-Hague, στη Νορμανδία. Υπό την καθοδήγηση δύο ιερέων του χωριού, ο Millet έμαθε λατινικά και σύγχρονους συγγραφείς, προτού σταλεί στο Cherbourg το 1833 για να σπουδάσει με έναν ζωγράφο πορτραίτων, τον Paul Dumouchel. Μέχρι το 1835 σπούδαζε κανονικά με τον Lucien-Théophile Langlois, μαθητή του βαρόνου Gros, στο Χερβούργο. Ο Langlois και άλλοι τον στήριξαν οικονομικά, ώστε να μπορέσει να μετακομίσει στο Παρίσι το 1837, όπου σπούδασε στην École des Beaux-Arts με τον Paul Delaroche. Το 1839 ολοκλήρωσε τη μαθητεία του και το πρώτο έργο που υπέβαλε στο Σαλόνι απορρίφθηκε.
Διαβάστε επίσης, ιστορία – Περσικοί Πόλεμοι
Παρίσι
Το 1837, μια υποτροφία επέτρεψε στον Millet να μετακομίσει στο Παρίσι, όπου φοίτησε στην École des Beaux-Arts. Εκεί τελειοποίησε τις γνώσεις του στο εργαστήριο του ζωγράφου της ιστορίας Paul Delaroche. Αργότερα έγινε φίλος με τον Constant Troyon, τον Narcisse Diaz, τον Charles Jacque και τον Théodore Rousseau, καλλιτέχνες που, όπως και ο Millet, θα συνδέονταν με τη σχολή της Μπαρμπιζόν- όλοι τους τον βοήθησαν και έπαιξαν καθοριστικό ρόλο στην απόφασή του να εγκαταλείψει οριστικά αυτή τη “ζοφερή και χαοτική” πόλη, σύμφωνα με τα δικά του λόγια, η οποία δεν του άρεσε ποτέ- εκτός από τα αγροτικά έθιμα και τον τραχύ χαρακτήρα της, δεν συμφωνούσε με τον παρισινό τρόπο ζωής και επέστρεψε στο Χερβούργο για να ξεκινήσει μια καριέρα ως ζωγράφος πορτραίτων. Μετά το 1840 απομακρύνθηκε από το επίσημο ύφος της ζωγραφικής και βρέθηκε υπό την επιρροή του Ονορέ Ντομιέ, του οποίου η σχεδίαση των μορφών θα επηρέαζε τις μεταγενέστερες απεικονίσεις του Μιλλέ σε θέματα αγροτών, από τον οποίο έμαθε την αίσθηση της αντίθεσης του φωτός και της σκιάς, καθώς και την κατασκευή του ανθρώπινου σώματος, με απλότητα των όγκων- και του Αλφρέντ Σενσιέ, ενός κυβερνητικού γραφειοκράτη που θα γινόταν ισόβιος υποστηρικτής και, με τον καιρό, βιογράφος του καλλιτέχνη. Το 1847 σημείωσε την πρώτη του επιτυχία στο Σαλόνι, με τον πίνακα Οιδίπους κατεβαίνοντας από το δέντρο, και το 1848 η κυβέρνηση αγόρασε τον Μάγο του.
Το γνωστό του ξεκίνημα ήταν το El aventador (“The Winnower”, 1848). Στη δεκαετία του 1850 παρατηρεί τους εργάτες γης στα δημοκρατικά χρόνια της Δεύτερης Δημοκρατίας και το έργο του είναι μελαγχολικό στη σοβαρότητά του και, κυρίως, στην κοινωνική του καταγγελία (Mujeres cargando leña, 1851), ακόμη και σε μεταγενέστερα έργα όπως το El Hombre de la azada (Ο άνθρωπος με το σκαπτικό, 1859-1862). Αυτή η έμφαση στην επισήμανση του “συναισθηματικού αισθητισμού των παραιτηθέντων εργατών της γης” οδήγησε σε συχνές απορρίψεις των έργων του, τα οποία θα πρέπει να επανεξεταστούν σύμφωνα με τον Novonty, και να γίνει προσπάθεια να διατηρηθεί μια σωστή ισορροπία στην αξιολόγηση της τέχνης του.
Το 1841 παντρεύτηκε την Pauline-Virginie Ono και μετακόμισαν στο Παρίσι. Αφού απορρίφθηκε στο Σαλόνι του 1843 και η Pauline πέθανε από φυματίωση, ο Millet επέστρεψε στο Χερβούργο. Το 1845 ο Millet μετακόμισε στη Χάβρη με την Catherine Lemaire, την οποία θα παντρευόταν με πολιτικό γάμο το 1853- θα αποκτούσαν εννέα παιδιά και θα παρέμεναν μαζί για το υπόλοιπο της ζωής του Millet. Στη Χάβρη ζωγράφισε πορτρέτα και μικρά έργα του είδους για αρκετούς μήνες πριν επιστρέψει στο Παρίσι.
Η Αιχμαλωσία των Εβραίων στη Βαβυλώνα, το πιο φιλόδοξο έργο του Μιλλέ μέχρι σήμερα, εκτέθηκε στο Σαλόνι του 1848, αλλά χλευάστηκε τόσο από τους κριτικούς όσο και από το κοινό. Ο πίνακας τελικά εξαφανίστηκε λίγο αργότερα, γεγονός που έκανε τους ιστορικούς να πιστεύουν ότι ο Millet τον κατέστρεψε. Το 1984, επιστήμονες στο Μουσείο Καλών Τεχνών της Βοστώνης εξέτασαν με ακτίνες Χ τον πίνακα του Millet “Η νεαρή βοσκοπούλα” του 1870 για μικροαλλαγές και ανακάλυψαν ότι ήταν βαμμένος: Η αιχμαλωσία των Εβραίων στη Βαβυλώνα. Σήμερα πιστεύεται ότι ο Millet επαναχρησιμοποίησε τον καμβά όταν τα υλικά λιγόστεψαν λόγω του γαλλοπρωσικού πολέμου.
Διαβάστε επίσης, ιστορία – Αμέριγκο Βεσπούτσι
Σχολή Barbizon
Όρος που χρησιμοποιείται για να αναφερθεί σε μια ομάδα ζωγράφων που, γύρω στο 1818, συγκεντρώθηκαν στο ομώνυμο γαλλικό χωριό και τα περίχωρά του κοντά στο δάσος του Φοντενεμπλώ. Είναι επίσης γνωστή ως Σχολή του Φοντενεμπλό και η παραγωγή της θεωρείται το πιο έντονο κίνημα τοπίου στη Γαλλία του 19ου αιώνα. Ζωγράφισε με αξιοσημείωτη ακρίβεια μια υπαίθρια ζωγραφική, κάτω από τη σχολαστική παρατήρηση του φυσικού περιβάλλοντος και απέρριψε την ακαδημαϊκή και νεοκλασική σύνθεση. Χαλαρά ζωγραφισμένα, είναι ως επί το πλείστον τοπία με πεδιάδες, δέντρα και δάση. Οι πιο αντιπροσωπευτικοί ζωγράφοι ήταν ο Jean-Camille Corot, αν και οργανωτής, ηγέτης της ομάδας και θεωρητικός ήταν ο Theodore Rousseau. Άλλες ηγετικές φυσιογνωμίες είναι ο Jules Dupré, το έργο του οποίου χαρακτηρίζεται από τη ζοφερή χρήση του φωτός, και ο Jean Francois Millet, ένας πραγματικός ανακαινιστής λόγω της ιδιαίτερης θεματολογίας του, η οποία εξυψώνει τον κόσμο των αγροτών και των αγροτικών εργατών.
Το 1849 ο Millet ζωγράφισε το έργο “Θεριστές”, μια κρατική παραγγελία. Στο Σαλόνι της ίδιας χρονιάς εξέθεσε την “Ποιμενίδα καθισμένη στην άκρη του δάσους”, μια πολύ μικρή ελαιογραφία που σηματοδότησε την απομάκρυνσή του από τα προηγούμενα εξιδανικευμένα ποιμενικά θέματα υπέρ μιας πιο ρεαλιστικής και προσωπικής προσέγγισης. Τον Ιούνιο του 1849 έφτασε στο Μπαρμπιζόν, μαζί με την Αικατερίνη και τα παιδιά της, εντασσόμενος στον κύκλο της σχολής που πήρε το όνομά της από την πόλη αυτή.
Το 1850 ο Millet κατέληξε σε συμφωνία με τον Sensier, ο οποίος παρείχε στον καλλιτέχνη υλικά και χρήματα σε αντάλλαγμα για σχέδια και πίνακες, ενώ ο Millet διατηρούσε το δικαίωμα να συνεχίσει να πουλά έργα σε άλλους αγοραστές. Στο Σαλόνι εκείνης της χρονιάς εξέθεσε τα Λαμπραντόρ και τον Σπορέα, το πρώτο του μεγάλο αριστούργημα και το πρώτο από την εμβληματική τριάδα πινάκων που θα περιελάμβανε τους Συλλέκτες και τον Άγγελο.
Από το 1850 έως το 1853 ο Μιλλέ δούλεψε πάνω στους Θεριστές σε ανάπαυση (Ρουθ και Βοόζ), έναν πίνακα που θα θεωρούσε τον πιο σημαντικό και πάνω στον οποίο δούλεψε περισσότερο. Σχεδιασμένο για να ανταγωνιστεί τους ήρωές του Μιχαήλ Άγγελο και Πουσέν, ήταν επίσης ο πίνακας που σηματοδότησε τη μετάβασή του από την απεικόνιση συμβολικών εικόνων της αγροτικής ζωής σε εκείνες των σύγχρονων κοινωνικών συνθηκών. Ήταν ο μόνος πίνακας στον οποίο έδωσε ημερομηνία και ήταν το πρώτο έργο που έλαβε επίσημη αναγνώριση, ένα μετάλλιο δεύτερης κατηγορίας στο Σαλόνι του 1853.
Ο Millet, όπως και ο Théodore Rousseau, είχε μια βαθιά αίσθηση της φύσης: την ερμήνευσε (αντί να την αντανακλά απλώς) κατανοώντας τις φωνές της γης, των δέντρων ή των μονοπατιών. Ο Μιλλέ ισχυρίστηκε ότι ένιωθε στη φύση περισσότερα από όσα του έδιναν οι αισθήσεις. Ο ενίοτε συναισθηματικός τόνος των έργων του (Ο άγγελος και Ο θάνατος και ο ξυλοκόπος) τον απομακρύνει κάπως από τον άλλο μεγάλο ρεαλιστή, τον Κουρμπέ, ο οποίος ήταν πιο σκληρός και επαναστατικός.
Ο συγγραφέας θα προσπαθήσει να απεικονίσει τον ταπεινό και αγροτικό λαό σε μια χειρονομία θαυμασμού για τους φτωχούς ανθρώπους του αγροτικού κόσμου, σαγηνεύοντας τους δημοκρατικούς και εξοργίζοντας την αστική τάξη, αντιμετωπίζοντας αυτό ως κεντρικό θέμα στο έργο του.
Ο καθαριστής
Μπροστά σε έναν δραματικό εσωτερικό χώρο, η φιγούρα του ξεσκονιστή που κοσκινίζει το σιτάρι με τα πόδια του να πατάνε φαρδιά τσόκαρα και παλιά πανιά που μοιάζουν με κουρέλια, δεμένα με ένα κομμάτι σπάγκο πάνω από το παντελόνι του για να μην φθείρονται, υποφέρει ως μια αποκαλυπτική εικόνα, αν και, όπως πάντα στον Millet, υποτάσσεται στη φτώχεια και στον σκληρό καθημερινό αγώνα για επιβίωση του ταπεινού αγροτικού μισθωτού εργάτη.
Πρόκειται για έναν από τους πιο γνωστούς πίνακες του Millet, τους Συλλέκτες (1857). Περπατώντας στα χωράφια γύρω από το Barbizon, ένα επαναλαμβανόμενο θέμα εμφανίστηκε στο μολύβι και το πινέλο του Millet για επτά χρόνια – το μάζεμα, το μακραίωνο δικαίωμα των φτωχών γυναικών και παιδιών να μεταφέρουν τα σιτηρά που έμειναν στα χωράφια μετά τη συγκομιδή. Διαπίστωσε ότι πρόκειται για ένα διαχρονικό θέμα που συνδέεται με ιστορίες από την Παλαιά Διαθήκη. Το 1857, παρουσίασε στο Σαλόνι τον πίνακα “Οι συλλέκτες”, σε ένα χλιαρό, ακόμη και εχθρικό, κοινό.
(Παλαιότερες εκδοχές περιλαμβάνουν μια κάθετη σύνθεση που ζωγραφίστηκε το 1854, μια χαρακτική του 1855-56 που προμήνυε άμεσα την οριζόντια μορφή του πίνακα που βρίσκεται τώρα στο Musée d”Orsay).
Ένα ζεστό χρυσό φως υποδηλώνει κάτι ιερό και αιώνιο σε αυτή την καθημερινή σκηνή στην οποία εκτυλίσσεται ο αγώνας για επιβίωση. Κατά τη διάρκεια των ετών των προπαρασκευαστικών του σπουδών, ο Μιλλέ αναλογίστηκε πώς να αποδώσει καλύτερα την αίσθηση της επανάληψης και της κούρασης στην καθημερινή ζωή των αγροτών. Οι γραμμές που σχεδιάζονται στην πλάτη κάθε γυναίκας οδηγούν στο έδαφος και στη συνέχεια επαναλαμβάνονται με κίνηση πανομοιότυπη με την ατελείωτη και εξαντλητική εργασία τους. Κατά μήκος του ορίζοντα, το ηλιοβασίλεμα σκιαγραφεί το αγρόκτημα με τους άφθονους σωρούς σιτηρών, σε αντίθεση με τις μακρόστενες, σκιερές φιγούρες στο προσκήνιο. Τα απλά, σκούρα φορέματα των καθαριστριών κόβουν στιβαρά σχήματα στο χρυσό πεδίο, δίνοντας σε κάθε γυναίκα μια ευγενική, μνημειώδη δύναμη.
Ο πίνακας παραγγέλθηκε από τον Thomas Gold Appleton, έναν Αμερικανό συλλέκτη έργων τέχνης που κατοικούσε στη Βοστώνη της Μασαχουσέτης, ο οποίος είχε προηγουμένως σπουδάσει με τον ζωγράφο της Μπαρμπιζόν Constant Troyon, φίλο του Millet. Ολοκληρώθηκε το καλοκαίρι του 1857. Ο Millet πρόσθεσε ένα καμπαναριό και άλλαξε τον αρχικό τίτλο του έργου, Προσευχή για τη συγκομιδή πατάτας, σε The Angelus όταν ο αγοραστής δεν το παρέλαβε το 1859. Ο πίνακας παρουσιάστηκε για πρώτη φορά στο κοινό το 1865 και άλλαξε αρκετές φορές χέρια, αυξάνοντας την αξία του μόνο σε μικρό βαθμό, καθώς ο καλλιτέχνης θεωρούνταν από ορισμένους ύποπτος για πολιτικές συμπάθειες. Με το θάνατο του Millet, μια δεκαετία αργότερα, ξέσπασε ένας πόλεμος προσφορών μεταξύ των Ηνωμένων Πολιτειών και της Γαλλίας, ο οποίος έληξε λίγα χρόνια αργότερα με τιμή 800.000 χρυσών φράγκων.
Η δυσαναλογία μεταξύ της φαινομενικής αξίας του πίνακα και της φτωχής κατάστασης της οικογένειας του Μιλλέ που επέζησε, αποτέλεσε ένα σημαντικό κίνητρο για την καθιέρωση του droit de suite, το οποίο αποσκοπούσε στην αποζημίωση των καλλιτεχνών ή των κληρονόμων τους όταν τα έργα τους μεταπωλούνταν.
Ο Άγγελος, του Jean Francois Millet, σχεδιάστηκε ως μια εξύψωση της αγροτικής εργασίας, απαλλαγμένης από την κτηνωδία του προλεταριάτου της εποχής, και ως ένας ύμνος στη συμφιλίωση ανθρώπου και φύσης. Η σύνθεση ακολουθεί ένα απλό σχήμα: σε ένα ανοιχτό τοπίο, ο ζωγράφος τοποθετεί τις δύο μορφές σε πρώτο πλάνο, δίνοντάς τους μια σχεδόν γλυπτική παρουσία που ενισχύεται από την αριστοτεχνική χρήση του φωτός που τονίζει το μοντελισμό των δύο μορφών. Το 1935, ο Σαλβαδόρ Νταλί πήρε αυτόν τον πίνακα ως παράδειγμα αυτού που ονόμασε “κριτική παρανοϊκή μέθοδο”. Σύμφωνα με την ερμηνεία του, κατανοητή στο πλαίσιο ενός υπερρεαλιστικού σχήματος, οι μορφές δεν προσεύχονται τον Άγγελο, αλλά θάβουν τον γιο τους, το σώμα του οποίου βρίσκεται στο καλάθι σε πρώτο πλάνο. Η ανάλυσή του προχώρησε ακόμη περισσότερο όταν συνέκρινε τη γυναικεία μορφή με μια αλογόνα που ετοιμάζεται να καταβροχθίσει το αρσενικό, το οποίο περιμένει υποτακτικά, κρύβοντας τη στύση του με το καπέλο του.
Διαβάστε επίσης, βιογραφίες – Ξενοφών
Πρόσφατα έτη
Παρά τις ανάμεικτες κριτικές για τους πίνακες που εξέθεσε στο Σαλόνι, η φήμη και η επιτυχία του Millet αυξήθηκαν καθ” όλη τη διάρκεια της δεκαετίας του 1860. Στις αρχές της δεκαετίας του ανατέθηκε να ζωγραφίσει 25 έργα έναντι μηνιαίας αμοιβής για τα επόμενα τρία χρόνια, ενώ το 1865 ένας άλλος προστάτης, ο Émile Gavet, άρχισε να του παραγγέλνει έργα παστέλ για μια συλλογή που τελικά θα έφτανε τα 90 έργα. Το 1867 η Παγκόσμια Έκθεση φιλοξένησε μια μεγάλη έκθεση του έργου του, με τα έργα “The Gleaners”, “The Angelus” και “Potato Planters” μεταξύ των έργων που εκτέθηκαν. Την επόμενη χρονιά ο Frédéric Hartmann ανέθεσε το έργο Four Seasons για 25.000 φράγκα και ο Millet έγινε ιππότης της Λεγεώνας της Τιμής.
Το 1870 ο Millet εκλέγεται κριτής στο Σαλόνι. Αργότερα την ίδια χρονιά, ο ίδιος και η οικογένειά του διέφυγαν από τον γαλλοπρωσικό πόλεμο, μετακομίζοντας στο Χερβούργο και την Γκρεβίλ, και δεν επέστρεψαν στην Μπαρμπιζόν μέχρι το τέλος του 1871. Τα τελευταία του χρόνια χαρακτηρίστηκαν από οικονομική επιτυχία και αυξανόμενη επίσημη αναγνώριση, αλλά δεν μπόρεσε να ολοκληρώσει κυβερνητικές παραγγελίες λόγω της κλονισμένης υγείας του. Στις 3 Ιανουαρίου 1875 παντρεύτηκε την Catherine με θρησκευτική τελετή. Ο Millet πέθανε στις 20 Ιανουαρίου 1875.
Ο Μιλλέ αποτέλεσε σημαντική πηγή έμπνευσης για τον Βίνσεντ βαν Γκογκ, ιδιαίτερα κατά την πρώιμη περίοδο της δημιουργίας του. Ο Millet και το έργο του αναφέρονται πολλές φορές στις επιστολές του Vincent προς τον αδελφό του Theo. Τα τελευταία τοπία του Millet θα λειτουργούσαν ως σημεία αναφοράς για τους πίνακες του Claude Monet με τις ακτές της Νορμανδίας- το δομικό και συμβολικό τους περιεχόμενο επηρέασε επίσης τον Georges Seurat.
Ο Μίλετ είναι ο κύριος πρωταγωνιστής του Is He Dead? του Μαρκ Τουέιν. (1898), όπου απεικονίζεται ως ένας νεαρός καλλιτέχνης που ζει στα όρια της ζωής, προσποιούμενος τον νεκρό για να αποκτήσει φήμη και περιουσία. Οι περισσότερες λεπτομέρειες για τον Millet στο έργο είναι φανταστικές.
Ο πίνακας του Millet L”homme à la houe ενέπνευσε το διάσημο ποίημα του Edwin Markham “The Man With the Hoe” (1898).
Ο Άγγελος αναπαράχθηκε συχνά τον 19ο και τον 20ό αιώνα. Ο Σαλβαδόρ Νταλί γοητεύτηκε από αυτό το έργο και έγραψε μια ανάλυση του, Ο τραγικός μύθος του Angelus του Millet. Αντί να δει πνευματική ειρήνη στο έργο, ο Νταλί πίστευε ότι μετέφερε μηνύματα καταπιεσμένης σεξουαλικής επιθετικότητας. Ο Νταλί πίστευε επίσης ότι οι δύο μορφές προσεύχονται πάνω από τον τάφο του νεκρού παιδιού τους και όχι πάνω από τον Άγγελο. Ο Νταλί επέμενε τόσο πολύ σε αυτό το γεγονός, ώστε στο τέλος ο καμβάς υποβλήθηκε σε ακτινογραφία, επιβεβαιώνοντας τις υποψίες του: ο πίνακας περιέχει ένα γεωμετρικό σχήμα που βάφτηκε αργότερα, σαν φέρετρο. Ωστόσο, δεν είναι γνωστό αν ο Μιλλέ άλλαξε γνώμη σχετικά με το νόημα του πίνακα, συμπεριλαμβανομένου του αν το σχήμα είναι πράγματι φέρετρο.
Πηγές
