Λουίζ Μπουρζουά
gigatos | 12 Φεβρουαρίου, 2022
Σύνοψη
Η Louise Joséphine Bourgeois (25 Δεκεμβρίου 1911 – 31 Μαΐου 2010) ήταν γαλλοαμερικανίδα καλλιτέχνης. Αν και είναι περισσότερο γνωστή για τα γλυπτά μεγάλης κλίμακας και τις εγκαταστάσεις της, η Bourgeois ήταν επίσης παραγωγική ζωγράφος και χαράκτης. Εξερεύνησε μια ποικιλία θεμάτων κατά τη διάρκεια της μακράς καριέρας της, όπως η νοικοκυροσύνη και η οικογένεια, η σεξουαλικότητα και το σώμα, καθώς και ο θάνατος και το ασυνείδητο. Τα θέματα αυτά συνδέονται με γεγονότα από την παιδική της ηλικία, τα οποία θεωρούσε ως θεραπευτική διαδικασία. Παρόλο που η Bourgeois εξέθεσε με τους αφηρημένους εξπρεσιονιστές και το έργο της έχει πολλά κοινά με τον υπερρεαλισμό και τη φεμινιστική τέχνη, δεν συνδέθηκε επίσημα με κάποιο συγκεκριμένο καλλιτεχνικό κίνημα.
Διαβάστε επίσης, ιστορία – Συμμαχία της Δήλου
Πρώιμη ζωή
Ο Bourgeois γεννήθηκε στις 25 Δεκεμβρίου 1911 στο Παρίσι της Γαλλίας. Ήταν το μεσαίο παιδί από τα τρία που γεννήθηκαν από τους γονείς Joséphine Fauriaux και Louis Bourgeois. Οι γονείς της είχαν μια γκαλερί που ασχολείτο κυρίως με ταπισερί αντίκες. Λίγα χρόνια μετά τη γέννησή της, η οικογένειά της μετακόμισε από το Παρίσι και δημιούργησε ένα εργαστήριο αποκατάστασης ταπισερί κάτω από το διαμέρισμά τους στο Choisy-le-Roi, για το οποίο η Bourgeois συμπλήρωνε τα σχέδια όπου είχαν φθαρεί. Το κάτω μέρος των ταπισερί ήταν πάντα κατεστραμμένο, γεγονός που συνήθως οφειλόταν στα πόδια των χαρακτήρων και στις πατούσες των ζώων.
Το 1930, η Bourgeois μπήκε στη Σορβόννη για να σπουδάσει μαθηματικά και γεωμετρία, μαθήματα που εκτιμούσε για τη σταθερότητά τους, λέγοντας ότι “απέκτησα ψυχική ηρεμία, μόνο μέσω της μελέτης κανόνων που κανείς δεν μπορούσε να αλλάξει”.
Η μητέρα της πέθανε το 1932, ενώ η Bourgeois σπούδαζε μαθηματικά. Ο θάνατος της μητέρας της την ενέπνευσε να εγκαταλείψει τα μαθηματικά και να αρχίσει να σπουδάζει τέχνη. Συνέχισε να σπουδάζει τέχνη συμμετέχοντας σε τάξεις όπου χρειάζονταν μεταφραστές για τους αγγλόφωνους φοιτητές, ειδικά επειδή οι μεταφραστές δεν χρεώνονταν δίδακτρα. Σε μια τέτοια τάξη, ο Fernand Léger είδε τη δουλειά της και της είπε ότι ήταν γλύπτρια και όχι ζωγράφος. Η Μπουρζουά έπιασε δουλειά ως διδάσκουσα, καθοδηγώντας ξεναγήσεις στο Μουσείο του Λούβρου.
Ο Bourgeois αποφοίτησε από τη Σορβόννη το 1935. Άρχισε να σπουδάζει τέχνη στο Παρίσι, αρχικά στην École des Beaux-Arts και στην École du Louvre, και μετά το 1932 στις ανεξάρτητες ακαδημίες του Montparnasse και της Μονμάρτης, όπως Académie Colarossi, Académie Ranson, Académie Julian, Académie de la Grande Chaumière και με τους André Lhote, Fernand Léger, Paul Colin και Cassandre. Ο Bourgeois είχε την επιθυμία για εμπειρία από πρώτο χέρι και επισκεπτόταν συχνά τα εργαστήρια στο Παρίσι, μαθαίνοντας τεχνικές από τους καλλιτέχνες και βοηθώντας σε εκθέσεις.
Το 1938, άνοιξε τη δική της γκαλερί σε έναν χώρο δίπλα στην γκαλερί ταπισερί του πατέρα της, όπου παρουσίαζε έργα καλλιτεχνών όπως ο Eugène Delacroix, ο Henri Matisse και η Suzanne Valadon, και όπου γνώρισε τον Αμερικανό καθηγητή τέχνης Robert Goldwater ως πελάτη. Παντρεύτηκαν και μετακόμισαν στις Ηνωμένες Πολιτείες (όπου δίδαξε στο Πανεπιστήμιο της Νέας Υόρκης). Απέκτησαν τρεις γιους, εκ των οποίων ο ένας ήταν υιοθετημένος. Ο γάμος τους διήρκεσε μέχρι το θάνατο του Goldwater το 1973.
Η Bourgeois εγκαταστάθηκε στη Νέα Υόρκη με τον σύζυγό της το 1938. Συνέχισε την εκπαίδευσή της στο Art Students League της Νέας Υόρκης, όπου σπούδασε ζωγραφική υπό τον Vaclav Vytlacil, ενώ παράλληλα παρήγαγε γλυπτά και χαρακτικά. “Ο πρώτος πίνακας είχε ένα πλέγμα: το πλέγμα είναι ένα πολύ ειρηνικό πράγμα επειδή τίποτα δεν μπορεί να πάει στραβά … όλα είναι ολοκληρωμένα. Δεν υπάρχει χώρος για άγχος … όλα έχουν τη θέση τους, όλα είναι ευπρόσδεκτα”.
Η Bourgeois ενσωμάτωσε αυτές τις αυτοβιογραφικές αναφορές στο γλυπτό της Quarantania I, που εκτίθεται στον Κήπο Γλυπτικής Cullen στο Μουσείο Καλών Τεχνών του Χιούστον.
Διαβάστε επίσης, βιογραφίες – Κλοντ Αντριέν Ελβέτιος
Μεσαία χρόνια
Για τον Μπουρζουά, οι αρχές της δεκαετίας του 1940 αντιπροσώπευαν τις δυσκολίες της μετάβασης σε μια νέα χώρα και τον αγώνα να εισέλθει στον εκθεσιακό κόσμο της Νέας Υόρκης. Τα έργα της κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου κατασκευάζονταν από απορρίμματα από μάντρες και παρασυρόμενα ξύλα, τα οποία χρησιμοποιούσε για να σμιλεύει όρθια ξύλινα γλυπτά. Οι ακαθαρσίες του ξύλου καμουφλάρονταν στη συνέχεια με χρώμα, ενώ στη συνέχεια χρησιμοποιούσε καρφιά για να επινοήσει τρύπες και γρατζουνιές στην προσπάθεια να αποδώσει κάποιο συναίσθημα. Η “Sleeping Figure” είναι ένα τέτοιο παράδειγμα που απεικονίζει μια πολεμική φιγούρα η οποία αδυνατεί να αντιμετωπίσει τον πραγματικό κόσμο λόγω ευαλωτότητας. Καθ” όλη τη διάρκεια της ζωής της, το έργο της Bourgeois δημιουργήθηκε από την αναδρομή στο δικό της ταραγμένο παρελθόν, καθώς έβρισκε έμπνευση και προσωρινή κάθαρση από τα παιδικά της χρόνια και την κακοποίηση που υπέστη από τον πατέρα της. Σιγά σιγά ανέπτυξε περισσότερη καλλιτεχνική αυτοπεποίθηση, αν και τα μεσαία της χρόνια είναι πιο αδιαφανή, γεγονός που ίσως οφείλεται στο ότι έλαβε πολύ λίγη προσοχή από τον κόσμο της τέχνης, παρά το γεγονός ότι είχε την πρώτη της ατομική έκθεση το 1945. Το 1951, ο πατέρας της πέθανε και η ίδια έγινε Αμερικανίδα υπήκοος.
Το 1954, ο Bourgeois προσχώρησε στην Ομάδα Αμερικανών Αφηρημένων Καλλιτεχνών, μαζί με αρκετούς συγχρόνους του, μεταξύ των οποίων ο Barnett Newman και ο Ad Reinhardt. Εκείνη την εποχή έγινε επίσης φίλη με τους καλλιτέχνες Willem de Kooning, Mark Rothko και Jackson Pollock.Ως μέλος της Αμερικανικής Ομάδας Αφηρημένων Καλλιτεχνών, η Bourgeois έκανε τη μετάβαση από το ξύλο και τις όρθιες κατασκευές στο μάρμαρο, τον γύψο και τον μπρούντζο, καθώς διερευνούσε προβληματισμούς όπως ο φόβος, η ευπάθεια και η απώλεια ελέγχου. Αυτή η μετάβαση αποτέλεσε σημείο καμπής. Αναφερόταν στην τέχνη της ως μια σειρά ή αλληλουχία στενά συνδεδεμένη με ημέρες και συνθήκες, περιγράφοντας το πρώιμο έργο της ως τον φόβο της πτώσης που αργότερα μετατράπηκε σε τέχνη της πτώσης και την τελική εξέλιξη ως τέχνη του να μένεις εκεί. Οι συγκρούσεις της στην πραγματική ζωή της έδωσαν τη δυνατότητα να αυθεντικοποιήσει τις εμπειρίες και τους αγώνες της μέσω μιας μοναδικής μορφής τέχνης. Το 1958, η Bourgeois και ο σύζυγός της μετακόμισαν σε ένα σπίτι σε σειρά στη West 20th Street, στο Chelsea του Manhattan, όπου έζησε και εργάστηκε για το υπόλοιπο της ζωής της.
Παρά το γεγονός ότι απέρριπτε την ιδέα ότι η τέχνη της ήταν φεμινιστική, το θέμα της Bourgeois ήταν το θηλυκό. Έργα όπως τα Femme Maison (1946-1947), Torso self-portrait (1963-1964), Arch of Hysteria (1993), απεικονίζουν το γυναικείο σώμα. Στα τέλη της δεκαετίας του 1960, οι εικόνες της έγιναν πιο ξεκάθαρα σεξουαλικές, καθώς εξερευνούσε τη σχέση μεταξύ ανδρών και γυναικών και τις συναισθηματικές επιπτώσεις της ταραγμένης παιδικής της ηλικίας. Γλυπτά με σεξουαλικό περιεχόμενο, όπως το Janus Fleuri, (1968), δείχνουν ότι δεν φοβόταν να χρησιμοποιήσει τη γυναικεία μορφή με νέους τρόπους. Έχει αναφερθεί ότι είπε: “Η δουλειά μου ασχολείται με προβλήματα που είναι προγενέστερα του φύλου”, έγραψε. “Για παράδειγμα, η ζήλια δεν είναι αρσενική ή θηλυκή”. Με την άνοδο του φεμινισμού, το έργο της βρήκε ευρύτερο κοινό. Παρά τον ισχυρισμό αυτό, το 1976 το Femme Maison εμφανίστηκε στο εξώφυλλο του βιβλίου της Lucy Lippard From the Center: Feminist Essays on Women”s Art και έγινε σύμβολο του φεμινιστικού καλλιτεχνικού κινήματος.
Διαβάστε επίσης, ιστορία – Σουαβική Ένωση
Μεταγενέστερη ζωή
Το 1973, ο Bourgeois άρχισε να διδάσκει στο Pratt Institute, στο Cooper Union, στο Brooklyn College και στο New York Studio School of Drawing, Painting and Sculpture. Από το 1974 έως το 1977, η Bourgeois εργάστηκε στο School of Visual Arts της Νέας Υόρκης, όπου δίδαξε χαρακτική και γλυπτική. Δίδαξε επίσης για πολλά χρόνια στα δημόσια σχολεία στο Great Neck του Long Island.
Στις αρχές της δεκαετίας του 1970, η Bourgeois διοργάνωνε συγκεντρώσεις με την ονομασία “Sunday, bloody Sundays” στο σπίτι της στο Chelsea. Αυτά τα σαλόνια γέμιζαν με νέους καλλιτέχνες και φοιτητές, των οποίων το έργο θα κριτικάριζε η Bourgeois. Η αμείλικτη κριτική της Bourgeois και η στεγνή αίσθηση του χιούμορ της οδήγησαν στην ονομασία αυτών των συναντήσεων. Η Bourgeois ενέπνευσε πολλούς νέους φοιτητές να κάνουν τέχνη που είχε φεμινιστικό χαρακτήρα. Ωστόσο, ο μακροχρόνιος φίλος και βοηθός της Louise, Jerry Gorovoy, έχει δηλώσει ότι η Louise θεωρούσε το δικό της έργο “προ-φύλο”.
Η Bourgeois ευθυγραμμίστηκε με ακτιβίστριες και έγινε μέλος της ομάδας Fight Censorship Group, μιας φεμινιστικής συλλογικότητας κατά της λογοκρισίας που ιδρύθηκε από τη συνάδελφό της καλλιτέχνιδα Anita Steckel. Στη δεκαετία του 1970, η ομάδα υπερασπίστηκε τη χρήση σεξουαλικών εικόνων σε έργα τέχνης. Η Steckel υποστήριξε: “Αν το πέος σε στύση δεν είναι αρκετά υγιές για να μπει σε μουσεία, δεν θα πρέπει να θεωρείται αρκετά υγιές για να μπει σε γυναίκες”.
Το 1978 η Bourgeois ανέλαβε από τη Γενική Διοίκηση Υπηρεσιών να δημιουργήσει το Facets of the Sun, το πρώτο της δημόσιο γλυπτό. Το έργο εγκαταστάθηκε έξω από ένα ομοσπονδιακό κτίριο στο Μάντσεστερ του Νιου Χάμσαϊρ.Η Bourgeois έλαβε την πρώτη της αναδρομική έκθεση το 1982, από το Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης της Νέας Υόρκης. Μέχρι τότε, ήταν μια περιφερειακή φιγούρα της τέχνης, της οποίας το έργο περισσότερο θαυμαζόταν παρά καταξιωνόταν. Σε συνέντευξή της στο Artforum, που συνέπεσε χρονικά με τα εγκαίνια της αναδρομικής της έκθεσης, αποκάλυψε ότι οι εικόνες στα γλυπτά της ήταν εξ ολοκλήρου αυτοβιογραφικές. Μοιράστηκε με τον κόσμο ότι αναβίωσε εμμονικά μέσω της τέχνης της το τραύμα της ανακάλυψης, ως παιδί, ότι η Αγγλίδα γκουβερνάντα της ήταν επίσης ερωμένη του πατέρα της.
Το 1989, η Bourgeois δημιούργησε μια χαρακτική με ξηρή πινελιά, Mud Lane, του σπιτιού που διατηρούσε στο Stapleton του Staten Island, το οποίο αντιμετώπιζε ως ένα γλυπτικό περιβάλλον και όχι ως ζωτικό χώρο.
Ο Bourgeois είχε άλλη μια αναδρομική έκθεση το 1989 στην Documenta 9 στο Κάσελ της Γερμανίας. Το 1993, όταν η Βασιλική Ακαδημία Τεχνών διοργάνωσε τη συνολική έρευνα για την αμερικανική τέχνη του 20ού αιώνα, οι διοργανωτές δεν θεώρησαν ότι το έργο του Bourgeois ήταν σημαντικό για να συμπεριληφθεί στην έρευνα. Ωστόσο, η έρευνα αυτή επικρίθηκε για πολλές παραλείψεις, με έναν κριτικό να γράφει ότι “ολόκληρα τμήματα της καλύτερης αμερικανικής τέχνης έχουν εξαφανιστεί” και να επισημαίνει ότι συμπεριλήφθηκαν πολύ λίγες γυναίκες. Το 2000 τα έργα της επιλέχθηκαν για να παρουσιαστούν στα εγκαίνια της Tate Modern στο Λονδίνο, ενώ το 2001 παρουσιάστηκε στο Μουσείο Ερμιτάζ.
Το 2010, τον τελευταίο χρόνο της ζωής της, η Bourgeois χρησιμοποίησε την τέχνη της για να μιλήσει για την ισότητα των Λεσβιών, των Ομοφυλόφιλων, των Αμφιφυλόφιλων και των Τρανσέξουαλ (ΛΟΑΤ). Δημιούργησε το έργο I Do, το οποίο απεικονίζει δύο λουλούδια που φυτρώνουν από ένα στέλεχος, για να ωφελήσει τη μη κερδοσκοπική οργάνωση Freedom to Marry. Η Bourgeois έχει δηλώσει: “Όλοι πρέπει να έχουν το δικαίωμα να παντρεύονται. Το να δεσμεύεσαι να αγαπάς κάποιον για πάντα είναι κάτι πολύ όμορφο”. Ο Bourgeois είχε ιστορικό ακτιβισμού υπέρ της ισότητας των ΛΟΑΤ, έχοντας δημιουργήσει έργα τέχνης για την ακτιβιστική οργάνωση ACT UP για το AIDS το 1993.
Διαβάστε επίσης, ιστορία – Πρώτος Πόλεμος των Μπόερς
Θάνατος
Ο Bourgeois πέθανε από καρδιακή ανεπάρκεια στις 31 Μαΐου 2010, στο Beth Israel Medical Center στο Μανχάταν. Η Wendy Williams, διευθύνουσα σύμβουλος του Louise Bourgeois Studio, ανακοίνωσε τον θάνατό της. Είχε συνεχίσει να δημιουργεί έργα τέχνης μέχρι το θάνατό της, ενώ τα τελευταία της έργα ολοκληρώθηκαν την προηγούμενη εβδομάδα.
Οι New York Times ανέφεραν ότι το έργο της “μοιράζεται ένα σύνολο επαναλαμβανόμενων θεμάτων, με επίκεντρο το ανθρώπινο σώμα και την ανάγκη του για φροντίδα και προστασία σε έναν τρομακτικό κόσμο”.
Ο σύζυγός της, Robert Goldwater, πέθανε το 1973. Επιβίωσε από δύο γιους, τον Alain Bourgeois και τον Jean-Louis Bourgeois. Ο πρώτος γιος της, Michel, πέθανε το 1990.
Διαβάστε επίσης, πολιτισμοί – Γραμμική Α
Femme Maison
Το Femme Maison (1946-47) είναι μια σειρά πινάκων στην οποία ο Bourgeois εξερευνά τη σχέση της γυναίκας με το σπίτι. Στα έργα αυτά, τα κεφάλια των γυναικών έχουν αντικατασταθεί από σπίτια, απομονώνοντας τα σώματά τους από τον έξω κόσμο και διατηρώντας το μυαλό τους οικείο. Το θέμα αυτό συμβαδίζει με την απανθρωποποίηση της σύγχρονης τέχνης.
Διαβάστε επίσης, βιογραφίες – Ιωάννα της Λωρραίνης
Καταστροφή του Πατέρα
Το Destruction of the Father (1974) είναι μια βιογραφική και ψυχολογική διερεύνηση της εξουσίας του πατέρα και των απογόνων του. Το έργο είναι μια εγκατάσταση σε σαρκικούς τόνους σε ένα μαλακό και μητρικό δωμάτιο. Φτιαγμένο από γύψο, λάτεξ, ξύλο, ύφασμα και κόκκινο φως, το Destruction of the Father ήταν το πρώτο έργο στο οποίο χρησιμοποίησε μαλακά υλικά σε μεγάλη κλίμακα. Μπαίνοντας στην εγκατάσταση, ο θεατής βρίσκεται στα επακόλουθα ενός εγκλήματος. Σε μια στυλιζαρισμένη τραπεζαρία (με τη διπλή επίδραση ενός υπνοδωματίου), τα αφηρημένα παιδιά ενός αυταρχικού πατέρα που μοιάζουν με σταγόνες, έχουν επαναστατήσει, τον έχουν δολοφονήσει και τον έχουν φάει.
… λέγοντας στο αιχμάλωτο ακροατήριο πόσο σπουδαίος είναι, όλα τα υπέροχα πράγματα που έκανε, όλους τους κακούς ανθρώπους που κατέστρεψε σήμερα. Αλλά αυτό συνεχίζεται μέρα με τη μέρα. Υπάρχει τραγωδία στον αέρα. Μια φορά πάρα πολύ συχνά έχει πει τα δικά του. Είναι αφόρητα κυρίαρχος, αν και πιθανώς δεν το συνειδητοποιεί ο ίδιος. Ένα είδος δυσαρέσκειας μεγαλώνει και μια μέρα ο αδελφός μου και εγώ αποφασίσαμε, “ήρθε η ώρα!”. Τον αρπάξαμε, τον βάλαμε στο τραπέζι και με τα μαχαίρια μας τον τεμαχίσαμε. Τον διαλύσαμε και τον διαμελίσαμε, του κόψαμε το πέος. Και έγινε φαγητό. Τον φάγαμε … τον ρευστοποιήσαμε με τον ίδιο τρόπο που ρευστοποίησε τα παιδιά.
Διαβάστε επίσης, βιογραφίες – Μάρλον Μπράντο
Ο εξορκισμός στην τέχνη
Το 1982, το Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης της Νέας Υόρκης παρουσίασε το έργο της άγνωστης καλλιτέχνιδας Louise Bourgeois. Ήταν 70 ετών και καλλιτέχνης μεικτής τεχνικής που δούλευε σε χαρτί, με μέταλλο, μάρμαρο και σκελετικά οστά ζώων. Τα οικογενειακά τραύματα της παιδικής της ηλικίας “εξέθρεψαν έναν εξορκισμό στην τέχνη” και προσπάθησε απεγνωσμένα να εξαγνίσει την αναταραχή της με το έργο της. Ένιωθε ότι μπορούσε να έρθει σε επαφή με θέματα της γυναικείας ταυτότητας, του σώματος, της κατακερματισμένης οικογένειας, πολύ πριν ο κόσμος της τέχνης και η κοινωνία τα θεωρήσουν εκφρασμένα θέματα στην τέχνη. Αυτός ήταν ο τρόπος της Bourgeous να βρει το κέντρο της και να σταθεροποιήσει τη συναισθηματική της αναταραχή. Οι New York Times έγραφαν τότε ότι “το έργο της είναι φορτισμένο με τρυφερότητα και βία, αποδοχή και πρόκληση, αμφιθυμία και πεποίθηση”.
Διαβάστε επίσης, μάχες – Ερρίκος Β΄ της Αγγλίας
Κύτταρα
Στα ογδόντα της, η Bourgeois δημιούργησε δύο σειρές κλειστών έργων εγκατάστασης, τις οποίες ονόμασε Κύτταρα. Πολλά από αυτά είναι μικρά περιβλήματα στα οποία ο θεατής καλείται να κοιτάξει προς τα μέσα σε διατάξεις συμβολικών αντικειμένων- άλλα είναι μικρά δωμάτια στα οποία ο θεατής καλείται να εισέλθει. Στα έργα των κελιών, η Bourgeois χρησιμοποιεί παλαιότερες γλυπτικές μορφές, αντικείμενα που βρέθηκαν καθώς και προσωπικά αντικείμενα που είχαν έντονη προσωπική συναισθηματική φόρτιση για την καλλιτέχνιδα.
Τα κύτταρα περικλείουν ψυχολογικές και διανοητικές καταστάσεις, κυρίως συναισθήματα φόβου και πόνου. Ο Bourgeois δήλωσε ότι τα κύτταρα αντιπροσωπεύουν “διαφορετικούς τύπους πόνου- σωματικό, συναισθηματικό και ψυχολογικό, νοητικό και διανοητικό … Κάθε Κύτταρο ασχολείται με έναν φόβο. Ο φόβος είναι πόνος … Κάθε Κύτταρο ασχολείται με την ευχαρίστηση του ηδονοβλεψία, τη συγκίνηση του να κοιτάς και να σε κοιτάζουν”.
Διαβάστε επίσης, βιογραφίες – Ηφαιστίωνας
Maman
Στα τέλη της δεκαετίας του 1990, η Bourgeois άρχισε να χρησιμοποιεί την αράχνη ως κεντρική εικόνα στην τέχνη της. Η Maman, που ξεπερνά σε ύψος τα εννέα μέτρα, είναι ένα γλυπτό από ατσάλι και μάρμαρο, από το οποίο στη συνέχεια χυτεύτηκαν έξι μπρούντζινα έργα. Εμφανίστηκε για πρώτη φορά ως μέρος της παραγγελίας της Bourgeois για τη σειρά The Unilever Series στην αίθουσα Turbine Hall της Tate Modern το 2000, ενώ πρόσφατα το γλυπτό εγκαταστάθηκε στο Εθνικό Συνεδριακό Κέντρο του Κατάρ στη Ντόχα του Κατάρ. Το μεγαλύτερο γλυπτό της αράχνης με τίτλο Maman ξεπερνά τα 9,1 μ. (30 πόδια) και έχει εγκατασταθεί σε πολλές τοποθεσίες σε όλο τον κόσμο. είναι το μεγαλύτερο γλυπτό αράχνης που έχει φτιάξει ποτέ η Bourgeois. επιπλέον, το Maman παραπέμπει στη δύναμη της μητέρας της, με μεταφορές της κλώσης, της ύφανσης, της ανατροφής και της προστασίας. Η επικράτηση του μοτίβου της αράχνης στο έργο της έχει δώσει το παρατσούκλι της ως Spiderwoman.
Το Spider είναι μια ωδή στη μητέρα μου. Ήταν η καλύτερή μου φίλη. Όπως μια αράχνη, η μητέρα μου ήταν υφάντρα. Η οικογένειά μου ασχολούνταν με την αποκατάσταση ταπισερί και η μητέρα μου ήταν υπεύθυνη για το εργαστήριο. Όπως οι αράχνες, η μητέρα μου ήταν πολύ έξυπνη. Οι αράχνες είναι φιλικές παρουσίες που τρώνε κουνούπια. Γνωρίζουμε ότι τα κουνούπια μεταδίδουν ασθένειες και επομένως είναι ανεπιθύμητα. Έτσι, οι αράχνες είναι χρήσιμες και προστατευτικές, όπως ακριβώς και η μητέρα μου.
Διαβάστε επίσης, ιστορία – Χρυσή Ορδή
Maisons fragiles
Τα Maisons fragiles του Bourgeois
Διαβάστε επίσης, βιογραφίες – Φραγκίσκος Α΄ της Γαλλίας
Εκτύπωση
Η χαρακτική της Μπουρζουά άκμασε κατά την πρώιμη και την όψιμη φάση της καριέρας της: στις δεκαετίες του 1930 και 1940, όταν ήρθε για πρώτη φορά στη Νέα Υόρκη από το Παρίσι, και στη συνέχεια ξανά από τη δεκαετία του 1980, όταν το έργο της άρχισε να τυγχάνει ευρείας αναγνώρισης. Αρχικά, έκανε χαρακτικά στο σπίτι της σε μια μικρή πρέσα ή στο φημισμένο εργαστήριο Atelier 17. Την περίοδο αυτή ακολούθησε μια μακρά παύση, καθώς η Bourgeois έστρεψε την προσοχή της πλήρως στη γλυπτική. Μόλις στα εβδομήντα της χρόνια άρχισε να ξανακάνει χαρακτικά, ενθαρρυνόμενη αρχικά από εκδότες εντύπων. Έστησε το παλιό της πιεστήριο και πρόσθεσε ένα δεύτερο, ενώ παράλληλα συνεργάστηκε στενά με τυπογράφους που έρχονταν στο σπίτι της για να συνεργαστούν. Ακολούθησε μια πολύ ενεργή φάση χαρακτικής, που διήρκεσε μέχρι το θάνατο της καλλιτέχνιδας. Κατά τη διάρκεια της ζωής της, η Bourgeois δημιούργησε περίπου 1.500 τυπωμένες συνθέσεις.
Το 1990, η Bourgeois αποφάσισε να δωρίσει το πλήρες αρχείο του έντυπου έργου της στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης. Το 2013, το Μουσείο εγκαινίασε τον ηλεκτρονικό κατάλογο “Louise Bourgeois: The Complete Prints & Books”. Ο ιστότοπος εστιάζει στη δημιουργική διαδικασία της καλλιτέχνιδας και τοποθετεί τα χαρακτικά και τα εικονογραφημένα βιβλία της Bourgeois στο πλαίσιο της συνολικής της παραγωγής, συμπεριλαμβάνοντας συναφή έργα σε άλλα μέσα που πραγματεύονται τα ίδια θέματα και εικόνες.
Διαβάστε επίσης, μυθολογία – Ιανός – Ο θεός με τα 2 πρόσωπα
Θέματα
Ένα θέμα του έργου του Bourgeois είναι το παιδικό τραύμα και τα κρυμμένα συναισθήματα. Αφού η μητέρα της Louise αρρώστησε από γρίπη, ο πατέρας της Louise άρχισε να έχει σχέσεις με άλλες γυναίκες, κυρίως με τη Sadie, την καθηγήτρια Αγγλικών της Louise. Έφερνε ερωμένες στο σπίτι και ήταν άπιστος μπροστά σε όλη την οικογένειά του. Η Λουίζ ήταν εξαιρετικά προσεκτική και ενήμερη για την κατάσταση. Αυτή ήταν η αρχή της ενασχόλησης της καλλιτέχνιδας με τα διπλά πρότυπα που σχετίζονται με το φύλο και τη σεξουαλικότητα, η οποία εκφράστηκε σε μεγάλο μέρος του έργου της. Θυμάται τον πατέρα της να λέει επανειλημμένα “σ” αγαπώ” στη μητέρα της, παρά την απιστία. “Εκείνος ήταν ο λύκος και εκείνη ο λογικός λαγός, που τον συγχωρούσε και τον αποδεχόταν όπως ήταν”. Το έργο της Cell: You Better Grow Up του 1993, μέρος της σειράς Cell, μιλάει άμεσα για τα παιδικά τραύματα της Louise και την ανασφάλεια που την περιέβαλλε. Το έργο Give or Take του 2002 ορίζεται από κρυφό συναίσθημα, αντιπροσωπεύοντας το έντονο δίλημμα που αντιμετωπίζουν οι άνθρωποι σε όλη τους τη ζωή, καθώς προσπαθούν να ισορροπήσουν τις ενέργειες του να δίνουν και να παίρνουν. Αυτό το δίλημμα δεν αντιπροσωπεύεται μόνο από το σχήμα του γλυπτού, αλλά και από τη βαρύτητα του υλικού από το οποίο είναι κατασκευασμένο το έργο.
Η μητρότητα είναι ένα άλλο επαναλαμβανόμενο θέμα στο έργο της Bourgeois. Ήταν η μητέρα της που ενθάρρυνε την Bourgeois να ζωγραφίζει και που την ενέπλεξε στην επιχείρηση ταπισερί. Η Bourgeois θεωρούσε τη μητέρα της διανοούμενη και μεθοδική- το συνεχές μοτίβο της αράχνης στο έργο της αντιπροσωπεύει συχνά τη μητέρα της. Η έννοια της αράχνης που γυρίζει και υφαίνει τον ιστό της αποτελεί άμεση αναφορά στην επιχείρηση ταπισερί των γονέων της και μπορεί επίσης να θεωρηθεί ως μεταφορά για τη μητέρα της, η οποία επισκευάζει πράγματα.
Η Bourgeois έχει εξερευνήσει την έννοια της θηλυκότητας μέσω της αμφισβήτησης των πατριαρχικών προτύπων και της δημιουργίας έργων τέχνης για τη μητρότητα αντί να παρουσιάζει τις γυναίκες ως μούσες ή ιδανικά. Έχει χαρακτηριστεί ως η “απρόθυμη ηρωίδα της φεμινιστικής τέχνης”. Η Louise Bourgeois είχε μια φεμινιστική προσέγγιση στο έργο της παρόμοια με συναδέλφους της καλλιτέχνες όπως η Agnes Martin και η Eva Hesse, λιγότερο καθοδηγούμενη από την πολιτική, αλλά μάλλον δημιουργούσε έργα που αντλούσαν από τις εμπειρίες τους σχετικά με το φύλο και τη σεξουαλικότητα, ασχολούμενη φυσικά με τα γυναικεία ζητήματα.
Η αρχιτεκτονική και η μνήμη αποτελούν σημαντικά στοιχεία του έργου του Bourgeois. Τα έργα του Bourgeois έχουν μια πολύ οργανική, βιολογική, αναπαραγωγική αίσθηση- τραβούν την προσοχή στο ίδιο το έργο. Η Louise περιγράφει την αρχιτεκτονική ως οπτική έκφραση της μνήμης ή τη μνήμη ως είδος αρχιτεκτονικής. Η μνήμη που εμφανίζεται σε πολλά από τα έργα της είναι μια επινοημένη μνήμη – σχετικά με τον θάνατο ή τον εξορκισμό του πατέρα της. Η επινοημένη μνήμη είναι συνυφασμένη με τις πραγματικές της αναμνήσεις, όπως το να ζει απέναντι από ένα σφαγείο και τη σχέση του πατέρα της. Για τη Louise ο πατέρας της αντιπροσώπευε τον τραυματισμό και τον πόλεμο, την αυτοπροβολή του εαυτού της και την υποτίμηση των άλλων και κυρίως έναν άνδρα που αντιπροσώπευε την προδοσία. Το έργο της Cell (Τρεις λευκές μαρμάρινες σφαίρες) του 1993 μιλάει για το φόβο και την αιχμαλωσία. Οι καθρέφτες στο εσωτερικό της παρουσιάζουν μια αλλοιωμένη και διαστρεβλωμένη πραγματικότητα.
Η σεξουαλικότητα είναι αναμφίβολα ένα από τα σημαντικότερα θέματα στο έργο της Louise Bourgeois. Η σύνδεση μεταξύ της σεξουαλικότητας και της ευθραυστότητας ή της ανασφάλειας είναι επίσης ισχυρή. Έχει υποστηριχθεί ότι αυτό πηγάζει από τις παιδικές της αναμνήσεις και τις υποθέσεις του πατέρα της. Το 1952, το έργο Spiral Woman συνδυάζει την εστίαση της Louise στη γυναικεία σεξουαλικότητα και τα βασανιστήρια. Οι μύες των ποδιών και των χεριών που λυγίζουν δείχνουν ότι η Spiral Woman εξακολουθεί να βρίσκεται πάνω από το σώμα της, παρόλο που την πνίγουν και την κρεμάνε. Το In and Out του 1995 χρησιμοποιεί ψυχρά μεταλλικά υλικά για να συνδέσει τη σεξουαλικότητα με το θυμό και ίσως ακόμη και με την αιχμαλωσία.
Η σπείρα στο έργο της καταδεικνύει την επικίνδυνη αναζήτηση της επισφαλούς ισορροπίας, της μόνιμης αλλαγής χωρίς ατυχήματα, της αταξίας, του ιλίγγου, του στροβίλου. Εκεί βρίσκεται ταυτόχρονα το θετικό και το αρνητικό, το μέλλον και το παρελθόν, η διάλυση και η επιστροφή, η ελπίδα και η ματαιοδοξία, το σχέδιο και η μνήμη.
Το έργο της Louise Bourgeois τροφοδοτείται από εξομολογήσεις, αυτοπροσωπογραφίες, αναμνήσεις, φαντασιώσεις μιας ανήσυχης ύπαρξης που αναζητά μέσω της γλυπτικής της μια γαλήνη και μια τάξη που έλειπαν σε όλη την παιδική της ηλικία.
Διαβάστε επίσης, ιστορία – Πολιτισμός των Μάγια
Συνεργασία
Η συνεργασία αυτή πραγματοποιήθηκε σε διάστημα δύο ετών με τη Βρετανίδα καλλιτέχνιδα Tracey Emin. Το έργο εκτέθηκε στο Λονδίνο λίγους μήνες μετά το θάνατο του Bourgeois το 2010. Το θέμα αποτελείται από ανδρικές και γυναικείες εικόνες. Αν και φαίνονται σεξουαλικές, απεικονίζει μια μικροσκοπική γυναικεία φιγούρα να αποτίει φόρο τιμής σε μια γιγαντιαία ανδρική φιγούρα, σαν θεός. Η Louise Bourgeois έκανε τα ακουαρέλα και η Tracey Emin το σχέδιο από πάνω. Η Emin χρειάστηκε δύο χρόνια για να αποφασίσει πώς θα καταλάβει τι θα συνεισφέρει στη συνεργασία. Όταν ήξερε τι έπρεπε να κάνει, τελείωσε όλα τα σχέδια μέσα σε μια μέρα και πιστεύει ότι κάθε ένα από αυτά λειτούργησε τέλεια. Το I Lost You μιλάει για την απώλεια των παιδιών, την απώλεια της ζωής. Η Bourgeois έπρεπε να θάψει τον γιο της ως γονέας. Η εγκατάλειψη γι” αυτήν δεν είναι μόνο η απώλεια της μητέρας της αλλά και του γιου της. Παρά το ηλικιακό χάσμα μεταξύ των δύο καλλιτεχνών και τις διαφορές στο έργο τους, η συνεργασία λειτούργησε απαλά και εύκολα.
Διαβάστε επίσης, βιογραφίες – Τζορτζ Γκρος
Εκθέσεις
Σημαντικές συλλογές έργων της περιλαμβάνουν την Εθνική Πινακοθήκη της Ουάσινγκτον, το Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης της Νέας Υόρκης και το Nasher Sculpture Center, το Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης του Σαν Φρανσίσκο, την Εθνική Πινακοθήκη του Καναδά, την Tate του Λονδίνου και το Centre Pompidou στο Παρίσι. Καθ” όλη τη διάρκεια της καριέρας της, η Bourgeois γνώριζε πολλούς από τους βασικούς συλλέκτες της, όπως η Ginny Williams, η Agnes Gund, η Ydessa Hendeles και η Ursula Hauser. Άλλες ιδιωτικές συλλογές με αξιόλογα έργα της Bourgeois περιλαμβάνουν τη συλλογή Goetz στο Μόναχο.
Ο Bourgeois άρχισε να συνεργάζεται με τον γκαλερίστα Paule Anglim στο Σαν Φρανσίσκο το 1987, με τον Karsten Greve στο Παρίσι το 1990 και με την Hauser & Wirth το 1997. Η Hauser & Wirth υπήρξε η κύρια γκαλερί για την περιουσία της. Άλλες, όπως η γκαλερί Kukje στη Σεούλ και η Xavier Hufkens στις Βρυξέλλες συνεχίζουν να ασχολούνται με το έργο της.
Το 2011 ένα από τα έργα της Bourgeois, με τίτλο Spider, πωλήθηκε για 10,7 εκατομμύρια δολάρια, μια νέα τιμή ρεκόρ για την καλλιτέχνιδα σε δημοπρασία και την υψηλότερη τιμή που καταβλήθηκε για έργο γυναίκας εκείνη την εποχή. Στα τέλη του 2015, το έργο πωλήθηκε σε άλλη δημοπρασία του οίκου Christie”s για 28,2 εκατομμύρια δολάρια.
Louise Bourgeois στο Μουσείο Καλών Τεχνών του Χιούστον: https:
Πηγές
