Μαρκ Σαγκάλ

gigatos | 16 Ιανουαρίου, 2022

Σύνοψη

Ο Marc Chagall (6 Ιουλίου 1887 – 28 Μαρτίου 1985) ήταν Ρωσο-Γάλλος καλλιτέχνης. Ως πρώιμος μοντερνιστής, συνδέθηκε με πολλά σημαντικά καλλιτεχνικά στυλ και δημιούργησε έργα σε ένα ευρύ φάσμα καλλιτεχνικών μορφών, όπως ζωγραφική, σχέδια, εικονογραφήσεις βιβλίων, βιτρό, σκηνικά, κεραμικά, ταπισερί και εκτυπώσεις καλών τεχνών.

Γεννήθηκε στη σημερινή Λευκορωσία, που τότε ανήκε στη Ρωσική Αυτοκρατορία, και είχε λευκορωσική εβραϊκή καταγωγή. Πριν από τον Πρώτο Παγκόσμιο Πόλεμο, ταξίδευε μεταξύ Αγίας Πετρούπολης, Παρισιού και Βερολίνου. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου δημιούργησε το δικό του μείγμα και το δικό του στυλ μοντέρνας τέχνης, βασισμένο στην ιδέα του για την Ανατολική Ευρώπη και την εβραϊκή λαϊκή κουλτούρα. Πέρασε τα χρόνια του πολέμου στη Σοβιετική Λευκορωσία, έγινε ένας από τους πιο διακεκριμένους καλλιτέχνες της χώρας και μέλος της μοντερνιστικής πρωτοπορίας, ιδρύοντας το Vitebsk Arts College πριν φύγει ξανά για το Παρίσι το 1923.

Ο κριτικός τέχνης Robert Hughes αναφέρθηκε στον Chagall ως “την πεμπτουσία του εβραίου καλλιτέχνη του εικοστού αιώνα” (αν και ο Chagall έβλεπε το έργο του ως “όχι το όνειρο ενός λαού αλλά όλης της ανθρωπότητας”). Σύμφωνα με τον ιστορικό τέχνης Michael J. Lewis, ο Chagall θεωρήθηκε “ο τελευταίος επιζών της πρώτης γενιάς των Ευρωπαίων μοντερνιστών”. Για δεκαετίες, “ήταν επίσης σεβαστός ως ο κατεξοχήν Εβραίος καλλιτέχνης στον κόσμο”. Χρησιμοποιώντας το μέσο του βιτρό, δημιούργησε παράθυρα για τους καθεδρικούς ναούς της Ρεμς και του Μετς, παράθυρα για τον ΟΗΕ και το Ινστιτούτο Τέχνης του Σικάγο και τα παράθυρα της Ιερουσαλήμ στο Ισραήλ. Έκανε επίσης πίνακες μεγάλης κλίμακας, συμπεριλαμβανομένου μέρους της οροφής της Όπερας του Παρισιού.

Είχε δύο βασικές φήμες, γράφει ο Lewis: ως πρωτοπόρος του μοντερνισμού και ως σημαντικός Εβραίος καλλιτέχνης. Έζησε τη “χρυσή εποχή” του μοντερνισμού στο Παρίσι, όπου “συνδύασε τις μορφές τέχνης του κυβισμού, του συμβολισμού και του φωβισμού, και η επιρροή του φωβισμού γέννησε τον υπερρεαλισμό”. Ωστόσο, σε όλες αυτές τις φάσεις του ύφους του “παρέμεινε με τον πιο εμφατικό τρόπο ένας Εβραίος καλλιτέχνης, του οποίου το έργο ήταν μια μακρά ονειρική ονειροπόληση της ζωής στο χωριό του, το Βίτεμπσκ”. “Όταν ο Matisse πεθάνει”, παρατήρησε ο Pablo Picasso τη δεκαετία του 1950, “ο Chagall θα είναι ο μόνος ζωγράφος που θα έχει απομείνει και θα καταλαβαίνει τι είναι πραγματικά το χρώμα”.

Διαβάστε επίσης, βιογραφίες – Πητ Μοντριάν

Πρώιμη ζωή

Ο Μαρκ Σαγκάλ γεννήθηκε το 1887 ως Moishe Shagal σε μια λιθουανική εβραϊκή οικογένεια Χασιδικών στη Liozna, κοντά στην πόλη Vitebsk (Λευκορωσία, τότε μέρος της Ρωσικής Αυτοκρατορίας). Την εποχή της γέννησής του, ο πληθυσμός του Βίτεμπσκ ήταν περίπου 66.000 κάτοικοι. Ο μισός πληθυσμός ήταν Εβραίοι. Μια γραφική πόλη με εκκλησίες και συναγωγές, ονομάστηκε “ρωσικό Τολέδο”, από την κοσμοπολίτικη πόλη της πρώην Ισπανικής Αυτοκρατορίας. Καθώς η πόλη ήταν χτισμένη κυρίως από ξύλο, ελάχιστα από αυτά επέζησαν από τα χρόνια της κατοχής και της καταστροφής κατά τη διάρκεια του Β” Παγκοσμίου Πολέμου.

Ο Chagall ήταν το μεγαλύτερο από εννέα παιδιά. Το οικογενειακό όνομα, Σαγκάλ, είναι παραλλαγή του ονόματος Σεγκάλ, το οποίο σε μια εβραϊκή κοινότητα έφερε συνήθως μια λεβιτική οικογένεια. Ο πατέρας του, Khatskl (Zachar) Shagal, εργαζόταν σε έναν έμπορο ρέγγας, και η μητέρα του, Feige-Ite, πουλούσε είδη παντοπωλείου από το σπίτι τους. Ο πατέρας του εργαζόταν σκληρά, κουβαλούσε βαριά βαρέλια, αλλά κέρδιζε μόνο 20 ρούβλια κάθε μήνα (ο μέσος μισθός σε όλη τη Ρωσική Αυτοκρατορία ήταν 13 ρούβλια το μήνα). Ο Chagall θα συμπεριλάμβανε αργότερα μοτίβα ψαριών “από σεβασμό προς τον πατέρα του”, γράφει ο βιογράφος του Chagall, Jacob Baal-Teshuva. Ο Chagall έγραψε για αυτά τα πρώτα χρόνια:

Μέρα με τη μέρα, χειμώνα και καλοκαίρι, στις έξι το πρωί, ο πατέρας μου σηκωνόταν και πήγαινε στη συναγωγή. Εκεί έκανε τη συνηθισμένη του προσευχή για κάποιον νεκρό. Επιστρέφοντας ετοίμαζε το σαμοβάρι, έπινε λίγο τσάι και έπιανε δουλειά. Μια κολασμένη δουλειά, η δουλειά ενός σκλάβου- γαλέρας. Γιατί να προσπαθήσει να το κρύψει; Πώς να το πεις; Καμιά λέξη δεν θα διευκολύνει την τύχη του πατέρα μου… Πάντα υπήρχε άφθονο βούτυρο και τυρί στο τραπέζι μας. Το βουτυρωμένο ψωμί, σαν αιώνιο σύμβολο, δεν έφυγε ποτέ από τα παιδικά μου χέρια.

Μια από τις κύριες πηγές εισοδήματος του εβραϊκού πληθυσμού της πόλης ήταν η κατασκευή ενδυμάτων που πωλούνταν σε όλη τη Ρωσική Αυτοκρατορία. Κατασκεύαζαν επίσης έπιπλα και διάφορα γεωργικά εργαλεία. Από τα τέλη του 18ου αιώνα έως τον Πρώτο Παγκόσμιο Πόλεμο, η αυτοκρατορική ρωσική κυβέρνηση περιόρισε τους Εβραίους να ζουν εντός του Παλαιού Οικισμού, ο οποίος περιλάμβανε τη σημερινή Ουκρανία, τη Λευκορωσία, την Πολωνία, τη Λιθουανία και τη Λετονία, που αντιστοιχούσε σχεδόν ακριβώς στην επικράτεια της Πολωνο-Λιθουανικής Κοινοπολιτείας που είχε πρόσφατα καταληφθεί από την αυτοκρατορική Ρωσία. Αυτό προκάλεσε τη δημιουργία εβραϊκών χωριών αγοράς (shtetls) σε όλη τη σημερινή Ανατολική Ευρώπη, με τις δικές τους αγορές, σχολεία, νοσοκομεία και άλλα κοινοτικά ιδρύματα: 14

Ο Chagall έγραψε όταν ήταν παιδί: “Ένιωθα σε κάθε βήμα ότι ήμουν Εβραίος – οι άνθρωποι με έκαναν να το νιώσω”. Κατά τη διάρκεια ενός πογκρόμ, ο Chagall έγραψε ότι: “Οι λάμπες του δρόμου είναι σβηστές. Αισθάνομαι πανικόβλητος, ειδικά μπροστά στις βιτρίνες των κρεοπωλείων. Εκεί μπορείς να δεις μοσχάρια που είναι ακόμα ζωντανά να κείτονται δίπλα στα τσεκούρια και τα μαχαίρια των χασάπηδων”. Όταν τον ρώτησαν κάποιοι πογκρόμνικοι “Εβραίος ή όχι;”, ο Σαγκάλ θυμάται ότι σκέφτηκε: “Οι τσέπες μου είναι άδειες, τα δάχτυλά μου ευαίσθητα, τα πόδια μου αδύναμα και ζητούν αίμα. Ο θάνατός μου θα ήταν μάταιος. Ήθελα τόσο πολύ να ζήσω”. Ο Chagall αρνήθηκε ότι ήταν Εβραίος, με αποτέλεσμα οι πογκρόμνικς να φωνάξουν “Εντάξει! Φύγετε!”

Τα περισσότερα από όσα είναι γνωστά για την πρώιμη ζωή του Chagall προέρχονται από την αυτοβιογραφία του, Η ζωή μου. Σε αυτήν περιγράφει τη μεγάλη επιρροή που άσκησε η κουλτούρα του χασιδικού ιουδαϊσμού στη ζωή του ως καλλιτέχνη. Ο Chagall διηγήθηκε πώς συνειδητοποίησε ότι οι εβραϊκές παραδόσεις στις οποίες είχε μεγαλώσει εξαφανίζονταν γρήγορα και ότι έπρεπε να τις καταγράψει. Το ίδιο το Βίτεμπσκ υπήρξε κέντρο αυτής της κουλτούρας που χρονολογείται από τη δεκαετία του 1730 με τις διδασκαλίες του να προέρχονται από την Καμπάλα. Η μελετήτρια του Chagall Susan Tumarkin Goodman περιγράφει τους δεσμούς και τις πηγές της τέχνης του με την πρώιμη πατρίδα του:

Η τέχνη του Σαγκάλ μπορεί να κατανοηθεί ως απάντηση σε μια κατάσταση που σημάδεψε για πολύ καιρό την ιστορία των Ρώσων Εβραίων. Αν και ήταν πολιτιστικοί καινοτόμοι που συνέβαλαν σημαντικά στην ευρύτερη κοινωνία, οι Εβραίοι θεωρούνταν παρείσακτοι σε μια συχνά εχθρική κοινωνία… Ο ίδιος ο Chagall γεννήθηκε από μια οικογένεια με έντονη θρησκευτική ζωή- οι γονείς του ήταν παρατηρητικοί Χασιδικοί Εβραίοι που έβρισκαν πνευματική ικανοποίηση σε μια ζωή που καθοριζόταν από την πίστη τους και οργανωνόταν με την προσευχή.: 14

Ο Chagall ήταν φίλος με τον Sholom Dovber Schneersohn και αργότερα με τον Menachem M. Schneerson.

Διαβάστε επίσης, βιογραφίες – Μάρκος Τύλλιος Κικέρων

Καλλιτεχνική εκπαίδευση

Στη Ρωσική Αυτοκρατορία εκείνη την εποχή, τα εβραϊκά παιδιά δεν επιτρεπόταν να φοιτήσουν σε κανονικά σχολεία ή πανεπιστήμια. Η μετακίνησή τους εντός της πόλης ήταν επίσης περιορισμένη. Ως εκ τούτου, ο Chagall έλαβε την πρωτοβάθμια εκπαίδευσή του στο τοπικό εβραϊκό θρησκευτικό σχολείο, όπου σπούδασε εβραϊκά και τη Βίβλο. Στην ηλικία των 13 ετών, η μητέρα του προσπάθησε να τον εγγράψει σε κανονικό γυμνάσιο και ο ίδιος θυμάται: “Αλλά σε αυτό το σχολείο δεν παίρνουν Εβραίους. Χωρίς δισταγμό, η θαρραλέα μητέρα μου πλησιάζει έναν καθηγητή”. Πρόσφερε στον διευθυντή 50 ρούβλια για να τον αφήσει να φοιτήσει, πράγμα που δέχτηκε.

Ένα σημείο καμπής στην καλλιτεχνική του ζωή ήρθε όταν παρατήρησε για πρώτη φορά έναν συμφοιτητή του να ζωγραφίζει. Ο Baal-Teshuva γράφει ότι για τον νεαρό Chagall, το να βλέπει κάποιον να ζωγραφίζει “ήταν σαν ένα όραμα, μια αποκάλυψη σε ασπρόμαυρο χρώμα”. Ο Chagall θα έλεγε αργότερα ότι στο σπίτι της οικογένειάς του δεν υπήρχε κανενός είδους τέχνη και η έννοια ήταν εντελώς ξένη γι” αυτόν. Όταν ο Chagall ρώτησε τον συμμαθητή του πώς έμαθε να ζωγραφίζει, ο φίλος του απάντησε: “Πήγαινε και βρες ένα βιβλίο στη βιβλιοθήκη, ηλίθιε, διάλεξε όποια εικόνα σου αρέσει και απλά αντέγραψέ την”. Σύντομα άρχισε να αντιγράφει εικόνες από βιβλία και βρήκε την εμπειρία τόσο ικανοποιητική που στη συνέχεια αποφάσισε ότι ήθελε να γίνει καλλιτέχνης.

Τελικά εκμυστηρεύτηκε στη μητέρα του: “Θέλω να γίνω ζωγράφος”, αν και εκείνη δεν μπορούσε ακόμη να καταλάβει το ξαφνικό ενδιαφέρον του για την τέχνη ή γιατί θα επέλεγε ένα επάγγελμα που “φαινόταν τόσο μη πρακτικό”, γράφει ο Goodman. Ο νεαρός Chagall εξήγησε: “Υπάρχει ένα μέρος στην πόλη- αν με δεχτούν και αν ολοκληρώσω τα μαθήματα, θα βγω κανονικός καλλιτέχνης. Θα ήμουν τόσο ευτυχισμένος!” Ήταν το 1906, και είχε προσέξει το στούντιο του Yehuda (Yuri) Pen, ενός ρεαλιστή καλλιτέχνη που διατηρούσε επίσης μια μικρή σχολή ζωγραφικής στο Vitebsk, στην οποία συμμετείχαν οι μελλοντικοί καλλιτέχνες El Lissitzky και Ossip Zadkine. Λόγω του νεαρού της ηλικίας του Chagall και της έλλειψης εισοδήματος, ο Pen προσφέρθηκε να τον διδάξει δωρεάν. Ωστόσο, μετά από λίγους μήνες στη σχολή, ο Chagall συνειδητοποίησε ότι η ακαδημαϊκή ζωγραφική πορτραίτων δεν ανταποκρινόταν στις επιθυμίες του.

Διαβάστε επίσης, μυθολογία – Θησέας

Καλλιτεχνική έμπνευση

Ο Γκούντμαν σημειώνει ότι κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου στην αυτοκρατορική Ρωσία, οι Εβραίοι είχαν δύο βασικές εναλλακτικές λύσεις για να ενταχθούν στον κόσμο της τέχνης: Η μία ήταν να “κρύψουν ή να αρνηθούν τις εβραϊκές τους ρίζες”. Η άλλη εναλλακτική λύση -αυτή που επέλεξε ο Σαγκάλ- ήταν “να αγαπά και να εκφράζει δημόσια τις εβραϊκές του ρίζες” ενσωματώνοντάς τες στην τέχνη του. Για τον Chagall, αυτό ήταν επίσης το μέσο “αυτοεπιβεβαίωσης και έκφρασης αρχών”: 14

Ο βιογράφος του Chagall Franz Meyer εξηγεί ότι με τις συνδέσεις μεταξύ της τέχνης του και της πρώιμης ζωής του “το χασιδικό πνεύμα εξακολουθεί να είναι η βάση και η πηγή τροφής για την τέχνη του”. Ο Lewis προσθέτει: “Όσο κοσμοπολίτης καλλιτέχνης κι αν έγινε αργότερα, η αποθήκη των οπτικών του εικόνων δεν θα επεκτεινόταν ποτέ πέρα από το τοπίο της παιδικής του ηλικίας, με τους χιονισμένους δρόμους, τα ξύλινα σπίτια και τους πανταχού παρόντες βιολιστές… σκηνές της παιδικής ηλικίας που έχουν μείνει τόσο ανεξίτηλα στο μυαλό και να τις επενδύουν με μια συναισθηματική φόρτιση τόσο έντονη που θα μπορούσε να εκφορτιστεί μόνο πλάγια μέσα από μια εμμονική επανάληψη των ίδιων κρυπτικών συμβόλων και ιδεογραμμάτων… “

Χρόνια αργότερα, σε ηλικία 57 ετών, ενώ ζούσε στις Ηνωμένες Πολιτείες, ο Σαγκάλ το επιβεβαίωσε αυτό όταν δημοσίευσε μια ανοιχτή επιστολή με τίτλο “Στην πόλη μου, το Βιτέμπσκ”:

Γιατί; Γιατί σε άφησα πριν από πολλά χρόνια; … Σκέφτηκες, το αγόρι αναζητά κάτι, αναζητά μια τέτοια ιδιαίτερη λεπτότητα, αυτό το χρώμα που κατεβαίνει σαν αστέρια από τον ουρανό και προσγειώνεται, φωτεινό και διάφανο, σαν χιόνι στις στέγες μας. Πού το βρήκε; Πώς θα μπορούσε να έρθει σε ένα αγόρι σαν κι αυτόν; Δεν ξέρω γιατί δεν μπορούσε να το βρει μαζί μας, στην πόλη – στην πατρίδα του. Ίσως το αγόρι να είναι “τρελό”, αλλά “τρελό” για χάρη της τέχνης. …Σκέφτηκες: “Βλέπω, είμαι χαραγμένος στην καρδιά του αγοριού, αλλά αυτός εξακολουθεί να “πετάει”, εξακολουθεί να πασχίζει να απογειωθεί, έχει “αέρα” στο κεφάλι του”. … Δεν έζησα μαζί σου, αλλά δεν είχα ούτε έναν πίνακα που να μην αναπνέει από το πνεύμα και τον προβληματισμό σου.

Διαβάστε επίσης, βιογραφίες – Πρίγκιπας Ανδρέας της Ελλάδας και της Δανίας

Ρωσική Αυτοκρατορία (1906-1910)

Το 1906 μετακόμισε στην Αγία Πετρούπολη, που ήταν τότε η πρωτεύουσα της Ρωσικής Αυτοκρατορίας και το κέντρο της καλλιτεχνικής ζωής της χώρας με τις διάσημες σχολές τέχνης. Δεδομένου ότι οι Εβραίοι δεν επιτρεπόταν να εισέλθουν στην πόλη χωρίς εσωτερικό διαβατήριο, κατάφερε να πάρει ένα προσωρινό διαβατήριο από έναν φίλο του. Εγγράφηκε σε μια φημισμένη σχολή τέχνης και σπούδασε εκεί για δύο χρόνια. Μέχρι το 1907 είχε αρχίσει να ζωγραφίζει νατουραλιστικές αυτοπροσωπογραφίες και τοπία. Ο Σαγκάλ ήταν ενεργό μέλος της παράτυπης μασονικής στοάς, της Μεγάλης Ανατολής των Λαών της Ρωσίας. Ανήκε στη στοά “Vitebsk”.

Μεταξύ 1908 και 1910, ο Chagall ήταν μαθητής του Léon Bakst στη Σχολή Σχεδίου και Ζωγραφικής Zvantseva. Ενώ βρισκόταν στην Αγία Πετρούπολη, ανακάλυψε το πειραματικό θέατρο και το έργο καλλιτεχνών όπως ο Paul Gauguin. Ο Μπακστ, επίσης Εβραίος, ήταν σχεδιαστής διακοσμητικής τέχνης και ήταν διάσημος ως σχεδιαστής σκηνικών και κοστουμιών για τα Μπαλέτα των Ρώσων και βοήθησε τον Σαγκάλ λειτουργώντας ως πρότυπο για την εβραϊκή επιτυχία. Ο Bakst μετακόμισε στο Παρίσι ένα χρόνο αργότερα. Ο ιστορικός τέχνης Raymond Cogniat γράφει ότι αφού έζησε και μελέτησε την τέχνη μόνος του για τέσσερα χρόνια, “ο Σαγκάλ εισήλθε στο ρεύμα της σύγχρονης τέχνης. … Η μαθητεία του είχε τελειώσει, η Ρωσία είχε παίξει έναν αξιομνημόνευτο αρχικό ρόλο στη ζωή του”: 30

Ο Chagall έμεινε στην Αγία Πετρούπολη μέχρι το 1910, επισκεπτόμενος συχνά το Vitebsk, όπου γνώρισε την Bella Rosenfeld. Στο βιβλίο Η ζωή μου, ο Chagall περιγράφει την πρώτη του συνάντηση μαζί της: “Η σιωπή της είναι δική μου, τα μάτια της δικά μου. Είναι σαν να ξέρει τα πάντα για την παιδική μου ηλικία, το παρόν μου, το μέλλον μου, σαν να μπορεί να δει μέσα από μένα”: 22 Η Bella έγραψε αργότερα, για τη συνάντησή του: “Όταν έριχνες μια ματιά στα μάτια του, ήταν τόσο μπλε σαν να είχαν πέσει κατευθείαν από τον ουρανό. Ήταν παράξενα μάτια … μακριά, αμυγδαλωτά … και το καθένα έμοιαζε να ταξιδεύει μόνο του, σαν ένα μικρό καραβάκι”.

Διαβάστε επίσης, ιστορία – Κώδικας του Χαμουραμπί

Γαλλία (1910-1914)

Το 1910, ο Chagall μετακόμισε στο Παρίσι για να αναπτύξει το καλλιτεχνικό του στυλ. Ο ιστορικός τέχνης και επιμελητής James Sweeney σημειώνει ότι όταν ο Chagall έφτασε για πρώτη φορά στο Παρίσι, ο κυβισμός ήταν η κυρίαρχη μορφή τέχνης και η γαλλική τέχνη κυριαρχούνταν ακόμη από την “υλιστική προοπτική του 19ου αιώνα”. Αλλά ο Chagall έφτασε από τη Ρωσία με “ένα ώριμο χρωματικό χάρισμα, μια φρέσκια, ξεδιάντροπη απάντηση στο συναίσθημα, μια αίσθηση για την απλή ποίηση και μια αίσθηση του χιούμορ”, προσθέτει. Αυτές οι αντιλήψεις ήταν ξένες για το Παρίσι εκείνη την εποχή, με αποτέλεσμα η πρώτη του αναγνώριση να μην προέλθει από άλλους ζωγράφους αλλά από ποιητές όπως ο Μπλεζ Σεντράρ και ο Γκιγιόμ Απολλιναίρ. 7 Ο ιστορικός τέχνης Ζαν Λεϊμαρί παρατηρεί ότι ο Σαγκάλ άρχισε να σκέφτεται την τέχνη ως “αναδυόμενη από το εσωτερικό ον προς τα έξω, από το ορατό αντικείμενο στην ψυχική έκχυση”, κάτι που ήταν το αντίθετο του κυβιστικού τρόπου δημιουργίας.

Ως εκ τούτου, ανέπτυξε φιλίες με τον Guillaume Apollinaire και άλλους καλλιτέχνες της πρωτοπορίας, όπως ο Robert Delaunay και ο Fernand Léger. Ο Baal-Teshuva γράφει ότι “το όνειρο του Chagall για το Παρίσι, την πόλη του φωτός και κυρίως της ελευθερίας, είχε γίνει πραγματικότητα”: 33 Οι πρώτες μέρες του ήταν δύσκολες για τον 23χρονο Chagall, ο οποίος ήταν μόνος στη μεγάλη πόλη και δεν μιλούσε γαλλικά. Κάποιες μέρες “αισθανόταν ότι ήθελε να φύγει πίσω στη Ρωσία, καθώς ονειρευόταν ενώ ζωγράφιζε, για τον πλούτο της σλαβικής λαογραφίας, τις χασιδικές εμπειρίες του, την οικογένειά του και κυρίως την Μπέλα”.

Στο Παρίσι, γράφτηκε στην Académie de La Palette, μια πρωτοποριακή σχολή τέχνης όπου δίδασκαν οι ζωγράφοι Jean Metzinger, André Dunoyer de Segonzac και Henri Le Fauconnier, ενώ βρήκε δουλειά και σε μια άλλη ακαδημία. Περνούσε τις ελεύθερες ώρες του επισκεπτόμενος γκαλερί και σαλόνια, ιδίως το Λούβρο- καλλιτέχνες που θαύμαζε ήταν ο Ρέμπραντ, οι αδελφοί Le Nain, ο Chardin, ο van Gogh, ο Renoir, ο Pissarro, ο Matisse, ο Gauguin, ο Courbet, ο Millet, ο Manet, ο Monet, ο Delacroix και άλλοι. Στο Παρίσι έμαθε την τεχνική του γκουάς, την οποία χρησιμοποίησε για να ζωγραφίσει σκηνές από τη Λευκορωσία. Επισκέφθηκε επίσης τη Μονμάρτη και τη Λατινική συνοικία “και ήταν ευτυχισμένος αναπνέοντας απλώς τον παριζιάνικο αέρα.” Ο Baal-Teshuva περιγράφει αυτή τη νέα φάση στην καλλιτεχνική ανάπτυξη του Chagall:

Ο Chagall ήταν ενθουσιασμένος, μεθυσμένος, καθώς περπατούσε στους δρόμους και στις όχθες του Σηκουάνα. Τα πάντα στη γαλλική πρωτεύουσα τον ενθουσίαζαν: τα μαγαζιά, η μυρωδιά του φρέσκου ψωμιού το πρωί, οι αγορές με τα φρέσκα φρούτα και λαχανικά, οι φαρδιές λεωφόροι, τα καφέ και τα εστιατόρια, και πάνω απ” όλα ο Πύργος του Άιφελ. ένας άλλος εντελώς νέος κόσμος που του άνοιξε ήταν το καλειδοσκόπιο των χρωμάτων και των μορφών στα έργα των Γάλλων καλλιτεχνών. Ο Σαγκάλ εξέτασε με ενθουσιασμό τις πολλές και διαφορετικές τάσεις τους, αναγκασμένος να επανεξετάσει τη θέση του ως καλλιτέχνης και να αποφασίσει ποια δημιουργική οδό ήθελε να ακολουθήσει: 33

Κατά τη διάρκεια της παραμονής του στο Παρίσι, ο Σαγκάλ θυμόταν συνεχώς την πατρίδα του στο Βιτέμπσκ, καθώς το Παρίσι φιλοξενούσε επίσης πολλούς ζωγράφους, συγγραφείς, ποιητές, συνθέτες, χορευτές και άλλους εμιγκρέδες από τη Ρωσική Αυτοκρατορία. Ωστόσο, “νύχτα με τη νύχτα ζωγράφιζε μέχρι την αυγή”, μόνο τότε πήγαινε για ύπνο για λίγες ώρες, και αντιστεκόταν στους πολλούς πειρασμούς της μεγάλης πόλης τη νύχτα: 44 “Η πατρίδα μου υπάρχει μόνο στην ψυχή μου”, είχε πει κάποτε.: viii Συνέχισε να ζωγραφίζει εβραϊκά μοτίβα και θέματα από τις αναμνήσεις του από το Βίτεμπσκ, αν και συμπεριέλαβε παριζιάνικες σκηνές – ιδιαίτερα τον Πύργο του Άιφελ, μαζί με πορτρέτα. Πολλά από τα έργα του ήταν επικαιροποιημένες εκδοχές των πινάκων που είχε φιλοτεχνήσει στη Ρωσία, μεταφερμένες σε φωβιστικά ή κυβιστικά κλειδιά.

Ο Chagall ανέπτυξε ένα ολόκληρο ρεπερτόριο ιδιόρρυθμων μοτίβων: φιγούρες-φαντάσματα που αιωρούνται στον ουρανό, … ο γιγάντιος βιολιστής που χορεύει πάνω σε μικροσκοπικά κουκλόσπιτα, τα ζώα και οι διαφανείς μήτρες και, μέσα σε αυτές, μικροσκοπικοί απόγονοι που κοιμούνται ανάποδα. Η πλειονότητα των σκηνών της ζωής του στο Βιτέμπσκ ζωγραφίστηκε ενώ ζούσε στο Παρίσι και “κατά μία έννοια ήταν όνειρα”, σημειώνει ο Lewis. Ο “υποδόριος τόνος της νοσταλγίας και της απώλειας”, με μια αποστασιοποιημένη και αφηρημένη εμφάνιση, έκανε τον Απολλιναίρ να “εντυπωσιαστεί από αυτή την ποιότητα”, αποκαλώντας τα “surnaturel!”. Το “ζωώδες” του

Ο Sweeney γράφει ότι “Αυτή είναι η συμβολή του Chagall στη σύγχρονη τέχνη: η αναζωπύρωση μιας ποίησης της αναπαράστασης, αποφεύγοντας την πραγματολογική εικονογράφηση από τη μια πλευρά και τη μη εικονιστική αφαίρεση από την άλλη”. Ο André Breton είπε ότι “με αυτόν και μόνο, η μεταφορά έκανε τη θριαμβευτική επιστροφή της στη σύγχρονη ζωγραφική”: 7

Διαβάστε επίσης, ιστορία – Ισπανική Αρμάδα

Ρωσία και Σοβιετική Λευκορωσία (1914-1922)

Επειδή του έλειπε η αρραβωνιαστικιά του, η Bella, που βρισκόταν ακόμη στο Vitebsk – “Τη σκεφτόταν μέρα και νύχτα”, γράφει ο Baal-Teshuva – και φοβόταν μήπως τη χάσει, ο Chagall αποφάσισε να δεχτεί την πρόσκληση ενός γνωστού εμπόρου τέχνης στο Βερολίνο να εκθέσει το έργο του, με την πρόθεσή του να συνεχίσει στη Λευκορωσία, να παντρευτεί τη Bella και στη συνέχεια να επιστρέψει μαζί της στο Παρίσι. Ο Σαγκάλ πήρε μαζί του 40 καμβάδες και 160 γκουάς, ακουαρέλες και σχέδια για να τα εκθέσει. Η έκθεση, που πραγματοποιήθηκε στην γκαλερί Sturm του Χέρβαρτ Γουόλντεν, είχε τεράστια επιτυχία: “Οι Γερμανοί κριτικοί τραγούδησαν θετικά τους επαίνους του”.

Μετά την έκθεση, συνέχισε να πηγαίνει στο Βίτεμπσκ, όπου σκόπευε να μείνει μόνο όσο χρειαζόταν για να παντρευτεί τη Μπέλα. Ωστόσο, μετά από λίγες εβδομάδες, ξεκίνησε ο Πρώτος Παγκόσμιος Πόλεμος, κλείνοντας τα ρωσικά σύνορα για αόριστο χρονικό διάστημα. Ένα χρόνο αργότερα παντρεύτηκε την Bella Rosenfeld και απέκτησαν το πρώτο τους παιδί, την Ida. Πριν από τον γάμο, ο Chagall δυσκολεύτηκε να πείσει τους γονείς της Bella ότι θα ήταν ο κατάλληλος σύζυγος για την κόρη τους. Ανησυχούσαν για το γεγονός ότι θα παντρευόταν έναν ζωγράφο από φτωχή οικογένεια και αναρωτιόντουσαν πώς θα την συντηρούσε. Το να γίνει ένας επιτυχημένος καλλιτέχνης έγινε πλέον στόχος και έμπνευση. Σύμφωνα με τον Lewis, “οι ευφορικοί πίνακες αυτής της περιόδου, που δείχνουν το νεαρό ζευγάρι να αιωρείται σαν μπαλόνι πάνω από το Vitebsk -τα ξύλινα κτίριά του με όψεις κατά τον τρόπο Delaunay- είναι οι πιο ανάλαφροι της καριέρας του”. Οι γαμήλιες εικόνες του ήταν επίσης ένα θέμα στο οποίο θα επέστρεφε τα επόμενα χρόνια, καθώς σκεφτόταν αυτή την περίοδο της ζωής του: 75

Το 1915, ο Chagall άρχισε να εκθέτει το έργο του στη Μόσχα, εκθέτοντας αρχικά τα έργα του σε ένα γνωστό σαλόνι και το 1916 εκθέτει πίνακες στην Αγία Πετρούπολη. Παρουσίασε και πάλι την τέχνη του σε μια έκθεση της Μόσχας με πρωτοποριακούς καλλιτέχνες. Αυτή η έκθεση έφερε αναγνώριση και ένας αριθμός πλούσιων συλλεκτών άρχισε να αγοράζει την τέχνη του. Άρχισε επίσης να εικονογραφεί με σχέδια με μελάνι ορισμένα βιβλία στα γίντις. Το 1917 εικονογράφησε το βιβλίο του I. L. Peretz The Magician (Ο μάγος). Ο Σαγκάλ ήταν 30 ετών και είχε αρχίσει να γίνεται γνωστός.: 77

Η Οκτωβριανή Επανάσταση του 1917 ήταν μια επικίνδυνη περίοδος για τον Σαγκάλ, αν και προσέφερε και ευκαιρίες. Ο Chagall έγραψε ότι άρχισε να φοβάται τις μπολσεβίκικες διαταγές που ήταν καρφιτσωμένες στους φράχτες, γράφοντας: “Τα εργοστάσια σταματούσαν. Οι ορίζοντες άνοιξαν. Ο χώρος και το κενό. Όχι άλλο ψωμί. Τα μαύρα γράμματα στις πρωινές αφίσες με έκαναν να αισθάνομαι άρρωστος στην καρδιά”. Ο Σαγκάλ συχνά πεινούσε για μέρες, ενώ αργότερα θυμόταν να βλέπει “μια νύφη, τους ζητιάνους και τους φτωχούς άθλιους που βαρύνονταν με δέματα”, οδηγώντας τον στο συμπέρασμα ότι το νέο καθεστώς είχε γυρίσει τη Ρωσική Αυτοκρατορία “ανάποδα, όπως γυρίζω εγώ τις εικόνες μου”. Μέχρι τότε ήταν ένας από τους πιο διακεκριμένους καλλιτέχνες της αυτοκρατορικής Ρωσίας και μέλος της μοντερνιστικής πρωτοπορίας, η οποία απολάμβανε ιδιαίτερα προνόμια και κύρος ως “αισθητικός βραχίονας της επανάστασης”. Του προσφέρθηκε μια αξιοσημείωτη θέση ως κομισάριος των εικαστικών τεχνών της χώρας, αλλά προτίμησε κάτι λιγότερο πολιτικό και αντ” αυτού δέχτηκε μια θέση ως κομισάριος των τεχνών του Βιτέμπσκ. Αυτό είχε ως αποτέλεσμα να ιδρύσει το κολλέγιο τεχνών του Βίτεμπσκ, το οποίο, προσθέτει ο Λιούις, έγινε η “πιο διακεκριμένη σχολή τέχνης στη Σοβιετική Ένωση”.

Αποκόμισε για τη σχολή του μερικούς από τους σημαντικότερους καλλιτέχνες της χώρας, όπως ο El Lissitzky και ο Kazimir Malevich. Πρόσθεσε επίσης τον πρώτο του δάσκαλο, τον Yehuda Pen. Ο Chagall προσπάθησε να δημιουργήσει μια ατμόσφαιρα συλλογικότητας ανεξάρτητων καλλιτεχνών, ο καθένας με το δικό του μοναδικό στυλ. Ωστόσο, αυτό σύντομα θα αποδεικνυόταν δύσκολο, καθώς μερικά από τα βασικά μέλη της σχολής προτιμούσαν μια σουπρεματιστική τέχνη τετραγώνων και κύκλων και αποδοκίμαζαν την προσπάθεια του Chagall να δημιουργήσει έναν “αστικό ατομικισμό”. Ο Chagall παραιτήθηκε τότε από κομισάριος και μετακόμισε στη Μόσχα.

Στη Μόσχα του προσφέρθηκε δουλειά ως σκηνογράφος στο νεοσύστατο Κρατικό Εβραϊκό Θέατρο Δωματίου. Το θέατρο επρόκειτο να ξεκινήσει τη λειτουργία του στις αρχές του 1921 με μια σειρά θεατρικών έργων του Sholem Aleichem. Για τα εγκαίνιά του δημιούργησε μια σειρά από μεγάλες τοιχογραφίες φόντου χρησιμοποιώντας τεχνικές που έμαθε από τον Bakst, τον πρώιμο δάσκαλό του. Μία από τις κύριες τοιχογραφίες είχε ύψος 2,7 μέτρα και μήκος 7,3 μέτρα και περιελάμβανε εικόνες διαφόρων ζωντανών θεμάτων, όπως χορευτές, βιολιστές, ακροβάτες και ζώα φάρμας. Ένας κριτικός της εποχής την αποκάλεσε “εβραϊκή τζαζ με χρώματα”. Ο Chagall το δημιούργησε ως μια “αποθήκη συμβόλων και συσκευών”, σημειώνει ο Lewis. Οι τοιχογραφίες “αποτέλεσαν ορόσημο” στην ιστορία του θεάτρου και ήταν πρόδρομοι των μεταγενέστερων έργων του μεγάλης κλίμακας, συμπεριλαμβανομένων των τοιχογραφιών για τη Μητροπολιτική Όπερα της Νέας Υόρκης και την Όπερα του Παρισιού: 87

Ο Πρώτος Παγκόσμιος Πόλεμος έληξε το 1918, αλλά ο ρωσικός εμφύλιος πόλεμος συνεχίστηκε και η πείνα εξαπλώθηκε. Οι Chagall θεώρησαν απαραίτητο να μετακομίσουν σε μια μικρότερη, λιγότερο ακριβή πόλη κοντά στη Μόσχα, αν και ο Chagall έπρεπε πλέον να μετακινείται καθημερινά στη Μόσχα, χρησιμοποιώντας πολυσύχναστα τρένα. Το 1921, εργάστηκε ως δάσκαλος τέχνης μαζί με τον φίλο του γλύπτη Isaac Itkind σε ένα καταφύγιο εβραϊκών αγοριών στο προάστιο Malakhovka, το οποίο φιλοξενούσε νεαρούς πρόσφυγες που είχαν μείνει ορφανοί από τα πογκρόμ: 270. Ενώ βρισκόταν εκεί, δημιούργησε μια σειρά εικονογραφήσεων για τον γίντις ποιητικό κύκλο Grief που έγραψε ο David Hofstein, ο οποίος ήταν ένας άλλος δάσκαλος στο καταφύγιο Malakhovka: 273.

Αφού πέρασε τα χρόνια μεταξύ 1921 και 1922 ζώντας σε πρωτόγονες συνθήκες, αποφάσισε να επιστρέψει στη Γαλλία για να μπορέσει να αναπτύξει την τέχνη του σε μια πιο άνετη χώρα. Πολλοί άλλοι καλλιτέχνες, συγγραφείς και μουσικοί σχεδίαζαν επίσης να μετακομίσουν στη Δύση. Έκανε αίτηση για βίζα εξόδου και ενώ περίμενε την αβέβαιη έγκρισή της, έγραψε την αυτοβιογραφία του, Η ζωή μου: 121

Διαβάστε επίσης, βιογραφίες – Ουιλιάμ-Αντόλφ Μπουγκερώ

Γαλλία (1923-1941)

Το 1923, ο Chagall έφυγε από τη Μόσχα για να επιστρέψει στη Γαλλία. Στο δρόμο του σταμάτησε στο Βερολίνο για να ανακτήσει τους πολλούς πίνακες που είχε αφήσει εκεί σε έκθεση δέκα χρόνια νωρίτερα, πριν από την έναρξη του πολέμου, αλλά δεν μπόρεσε να βρει ή να ανακτήσει κανέναν από αυτούς. Παρ” όλα αυτά, αφού επέστρεψε στο Παρίσι, “ανακάλυψε και πάλι την ελεύθερη επέκταση και την εκπλήρωση που ήταν τόσο ουσιαστικές γι” αυτόν”, γράφει ο Lewis. Με όλα τα πρώιμα έργα του να έχουν πλέον χαθεί, άρχισε να προσπαθεί να ζωγραφίσει από τις αναμνήσεις των πρώτων χρόνων του στο Βίτεμπσκ με σκίτσα και ελαιογραφίες.

Συνδέθηκε επιχειρηματικά με τον Γάλλο έμπορο τέχνης Ambroise Vollard. Αυτό τον ενέπνευσε να αρχίσει να δημιουργεί χαρακτικά για μια σειρά εικονογραφημένων βιβλίων, μεταξύ των οποίων οι Νεκρές ψυχές του Γκόγκολ, η Βίβλος και οι Μύθοι του Λα Φοντέν. Αυτές οι εικονογραφήσεις θα αποτελούσαν τελικά τις καλύτερες χαρακτικές του προσπάθειες. Το 1924, ταξίδεψε στη Βρετάνη και ζωγράφισε το έργο La fenêtre sur l”Île-de-Bréhat. Το 1926 είχε την πρώτη του έκθεση στις Ηνωμένες Πολιτείες στην γκαλερί Reinhardt της Νέας Υόρκης, η οποία περιελάμβανε περίπου 100 έργα, αν και ο ίδιος δεν ταξίδεψε στα εγκαίνια. Αντ” αυτού έμεινε στη Γαλλία, “ζωγραφίζοντας αδιάκοπα”, σημειώνει ο Baal-Teshuva. Μόλις το 1927 ο Chagall έγινε γνωστός στον γαλλικό κόσμο της τέχνης, όταν ο κριτικός τέχνης και ιστορικός Maurice Raynal του απένειμε μια θέση στο βιβλίο του “Μοντέρνοι Γάλλοι Ζωγράφοι”. Ωστόσο, ο Raynal εξακολουθούσε να μην μπορεί να περιγράψει με ακρίβεια τον Chagall στους αναγνώστες του:

Ο Chagall αναρωτιέται για τη ζωή υπό το πρίσμα μιας εκλεπτυσμένης, ανήσυχης, παιδικής ευαισθησίας, μιας ελαφρώς ρομαντικής ιδιοσυγκρασίας… ένα μείγμα θλίψης και ευθυμίας που χαρακτηρίζει μια σοβαρή άποψη για τη ζωή. Η φαντασία του, η ιδιοσυγκρασία του, αναμφίβολα απαγορεύουν μια λατινική αυστηρότητα της σύνθεσης..: 314

Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου ταξίδεψε σε όλη τη Γαλλία και την Κυανή Ακτή, όπου απόλαυσε τα τοπία, την πολύχρωμη βλάστηση, τη γαλάζια Μεσόγειο Θάλασσα και τον ήπιο καιρό. Έκανε επανειλημμένα ταξίδια στην ύπαιθρο, παίρνοντας μαζί του το τετράδιο με τα σκίτσα του. 9 Επισκέφθηκε επίσης κοντινές χώρες και αργότερα έγραψε για τις εντυπώσεις που του άφησαν κάποια από αυτά τα ταξίδια:

Θα ήθελα να υπενθυμίσω πόσο ωφέλιμα ήταν για μένα τα ταξίδια μου εκτός Γαλλίας από καλλιτεχνική άποψη – στην Ολλανδία ή στην Ισπανία, στην Ιταλία, στην Αίγυπτο, στην Παλαιστίνη ή απλώς στη νότια Γαλλία. Εκεί, στο νότο, για πρώτη φορά στη ζωή μου, είδα αυτή την πλούσια πρασινάδα, που όμοια της δεν είχα δει ποτέ στη χώρα μου. Στην Ολλανδία νόμιζα ότι ανακάλυψα εκείνο το οικείο και παλλόμενο φως, σαν το φως ανάμεσα στο απόγευμα και το σούρουπο. Στην Ιταλία βρήκα αυτή την ηρεμία των μουσείων που το φως του ήλιου ζωντάνευε. Στην Ισπανία ήμουν ευτυχής που βρήκα την έμπνευση ενός μυστικιστικού, αν και μερικές φορές σκληρού, παρελθόντος, που βρήκα το τραγούδι του ουρανού και των ανθρώπων της. Και στην Ανατολή βρήκα απροσδόκητα τη Βίβλο και ένα μέρος της ίδιας μου της ύπαρξης: 77

Αφού επέστρεψε στο Παρίσι από ένα από τα ταξίδια του, ο Vollard ανέθεσε στον Chagall να εικονογραφήσει την Παλαιά Διαθήκη. Αν και θα μπορούσε να ολοκληρώσει το έργο στη Γαλλία, χρησιμοποίησε την ανάθεση ως δικαιολογία για να ταξιδέψει στο Ισραήλ και να γνωρίσει από κοντά τους Αγίους Τόπους. Το 1931 ο Marc Chagall και η οικογένειά του ταξίδεψαν στο Τελ Αβίβ μετά από πρόσκληση του Meir Dizengoff. Ο Dizengoff είχε προηγουμένως ενθαρρύνει τον Chagall να επισκεφθεί το Τελ Αβίβ σε σχέση με το σχέδιο του Dizengoff να χτίσει ένα Εβραϊκό Μουσείο Τέχνης στη νέα πόλη. Ο Chagall και η οικογένειά του προσκλήθηκαν να μείνουν στο σπίτι του Dizengoff στο Τελ Αβίβ, το οποίο αργότερα έγινε το Independence Hall του κράτους του Ισραήλ.

Ο Σαγκάλ κατέληξε να μείνει στους Αγίους Τόπους για δύο μήνες. Ο Σαγκάλ αισθάνθηκε σαν στο σπίτι του στο Ισραήλ, όπου πολλοί άνθρωποι μιλούσαν γίντις και ρωσικά. Σύμφωνα με τον Jacob Baal-Teshuva, “εντυπωσιάστηκε από το πρωτοποριακό πνεύμα των ανθρώπων στα κιμπούτζιμ και συγκινήθηκε βαθιά από το Τείχος των Δακρύων και τους άλλους ιερούς τόπους”: 133

Ο Chagall είπε αργότερα σε έναν φίλο του ότι το Ισραήλ του έδωσε “την πιο ζωντανή εντύπωση που είχε λάβει ποτέ”. Ο Wullschlager σημειώνει, ωστόσο, ότι ενώ ο Ντελακρουά και ο Ματίς είχαν βρει έμπνευση στον εξωτισμό της Βόρειας Αφρικής, εκείνος ως Εβραίος στο Ισραήλ είχε διαφορετική προοπτική. “Αυτό που πραγματικά έψαχνε εκεί δεν ήταν εξωτερικό ερέθισμα αλλά μια εσωτερική εξουσιοδότηση από τη γη των προγόνων του, για να βυθιστεί στο έργο του πάνω στις εικονογραφήσεις της Βίβλου”..: 343 Ο Σαγκάλ δήλωσε ότι “Στην Ανατολή βρήκα τη Βίβλο και μέρος της ίδιας μου της ύπαρξης”.

Ως αποτέλεσμα, βυθίστηκε “στην ιστορία των Εβραίων, τις δοκιμασίες, τις προφητείες και τις καταστροφές τους”, σημειώνει ο Wullschlager. Προσθέτει ότι η έναρξη της ανάθεσης ήταν ένα “εξαιρετικό ρίσκο” για τον Chagall, καθώς είχε γίνει τελικά γνωστός ως κορυφαίος σύγχρονος ζωγράφος, αλλά τώρα θα έβαζε τέλος στα μοντερνιστικά του θέματα και θα εμβαθύνει σε “ένα αρχαίο παρελθόν”: 350 Μεταξύ του 1931 και του 1934 εργάστηκε “εμμονικά” πάνω στη “Βίβλο”, πηγαίνοντας μάλιστα στο Άμστερνταμ για να μελετήσει προσεκτικά τους βιβλικούς πίνακες του Ρέμπραντ και του Ελ Γκρέκο, για να δει τα άκρα της θρησκευτικής ζωγραφικής. Περπάτησε στους δρόμους της εβραϊκής συνοικίας της πόλης για να νιώσει ξανά την παλαιότερη ατμόσφαιρα. Είπε στον Φραντς Μάγιερ:

Δεν είδα τη Βίβλο, την ονειρεύτηκα. Από μικρή ηλικία, η Βίβλος με γοήτευσε. Μου φαινόταν πάντα και μου φαίνεται ακόμη και σήμερα η μεγαλύτερη πηγή ποίησης όλων των εποχών: 350

Ο Chagall έβλεπε την Παλαιά Διαθήκη ως μια “ανθρώπινη ιστορία, … όχι με τη δημιουργία του σύμπαντος αλλά με τη δημιουργία του ανθρώπου, και οι μορφές των αγγέλων του ομοιοκαταληκτούν ή συνδυάζονται με ανθρώπινες μορφές”, γράφει ο Wullschlager. Επισημαίνει ότι σε μια από τις πρώτες εικόνες του από τη Βίβλο, “Ο Αβραάμ και οι τρεις άγγελοι”, οι άγγελοι κάθονται και συνομιλούν πάνω από ένα ποτήρι κρασί “σαν να έχουν μόλις περάσει για δείπνο”: 350

Επέστρεψε στη Γαλλία και τον επόμενο χρόνο είχε ολοκληρώσει 32 από τις συνολικά 105 πλάκες. Μέχρι το 1939, με την έναρξη του Β” Παγκοσμίου Πολέμου, είχε ολοκληρώσει 66. Ωστόσο, ο Vollard πέθανε την ίδια χρονιά. Όταν η σειρά ολοκληρώθηκε το 1956, εκδόθηκε από την Edition Tériade. Η Baal-Teshuva γράφει ότι “οι εικονογραφήσεις ήταν εκπληκτικές και έτυχαν μεγάλης αποδοχής. Για άλλη μια φορά ο Chagall είχε αποδείξει ότι ήταν ένας από τους σημαντικότερους γραφίστες του 20ού αιώνα”: 135 Η Leymarie έχει περιγράψει αυτά τα σχέδια του Chagall ως “μνημειώδη” και,

…γεμάτα θεϊκή έμπνευση, που ανατρέχουν στο θρυλικό πεπρωμένο και την επική ιστορία του Ισραήλ από τη Γένεση στους Προφήτες, μέσω των Πατριαρχών και των Ηρώων. Κάθε εικόνα γίνεται ένα με το γεγονός, ενημερώνοντας το κείμενο με μια πανηγυρική οικειότητα άγνωστη από την εποχή του Ρέμπραντ.: ix

Λίγο καιρό αφότου ο Σαγκάλ άρχισε να εργάζεται πάνω στη Βίβλο, ο Αδόλφος Χίτλερ απέκτησε την εξουσία στη Γερμανία. Εισήχθησαν αντισημιτικοί νόμοι και ιδρύθηκε το πρώτο στρατόπεδο συγκέντρωσης στο Νταχάου. Ο Wullschlager περιγράφει τις πρώτες επιπτώσεις στην τέχνη:

Οι Ναζί ξεκίνησαν την εκστρατεία τους κατά της μοντερνιστικής τέχνης αμέσως μόλις κατέλαβαν την εξουσία. Η εξπρεσιονιστική, κυβιστική, αφηρημένη και υπερρεαλιστική τέχνη -οτιδήποτε διανοητικό, εβραϊκό, ξένο, σοσιαλιστικής έμπνευσης ή δύσκολο να κατανοηθεί- τέθηκε στο στόχαστρο, από τον Πικάσο και τον Ματίς μέχρι τον Σεζάν και τον βαν Γκογκ- στη θέση της υμνήθηκε ο παραδοσιακός γερμανικός ρεαλισμός, προσιτός και ανοιχτός σε πατριωτικές ερμηνείες..: 374

Από το 1937 περίπου είκοσι χιλιάδες έργα από γερμανικά μουσεία κατασχέθηκαν ως “εκφυλισμένα” από μια επιτροπή υπό τη διεύθυνση του Γιόζεφ Γκέμπελς: 375 Παρόλο που ο γερμανικός Τύπος κάποτε “λιποθυμούσε γι” αυτόν”, οι νέες γερμανικές αρχές γελοιοποιούσαν πλέον την τέχνη του Σαγκάλ, περιγράφοντάς την ως “πράσινους, μωβ και κόκκινους Εβραίους που ξεπηδούν από τη γη, παίζουν βιολιά, πετούν στον αέρα… αντιπροσωπεύοντας : 376

Μετά την εισβολή της Γερμανίας στη Γαλλία, οι Chagalls παρέμειναν αφελώς στη Γαλλία του Βισύ, αγνοώντας ότι οι Γάλλοι Εβραίοι, με τη βοήθεια της κυβέρνησης του Βισύ, συγκεντρώνονταν και στέλνονταν σε γερμανικά στρατόπεδα συγκέντρωσης, από τα οποία ελάχιστοι θα επέστρεφαν. Η κυβέρνηση των δωσίλογων του Βισύ, υπό τη διεύθυνση του στρατάρχη Philippe Pétain, αμέσως μετά την ανάληψη της εξουσίας συγκρότησε μια επιτροπή για τον “επαναπροσδιορισμό της γαλλικής ιθαγένειας” με στόχο την αφαίρεση της γαλλικής ιθαγένειας από τους “ανεπιθύμητους”, συμπεριλαμβανομένων των πολιτογραφημένων πολιτών. Ο Σαγκάλ ήταν τόσο απορροφημένος με την τέχνη του, που μόλις τον Οκτώβριο του 1940, αφού η κυβέρνηση του Βισύ, κατ” εντολή των ναζιστικών δυνάμεων κατοχής, άρχισε να εγκρίνει αντισημιτικούς νόμους, άρχισε να καταλαβαίνει τι συνέβαινε. Μαθαίνοντας ότι οι Εβραίοι απομακρύνονταν από δημόσιες και ακαδημαϊκές θέσεις, οι Chagalls “ξύπνησαν επιτέλους για τον κίνδυνο που αντιμετώπιζαν”. Αλλά ο Wullschlager σημειώνει ότι “μέχρι τότε είχαν παγιδευτεί”: 382 Το μόνο τους καταφύγιο θα μπορούσε να είναι η Αμερική, αλλά “δεν μπορούσαν να αντέξουν οικονομικά το πέρασμα στη Νέα Υόρκη” ή τη μεγάλη εγγύηση που έπρεπε να δώσει κάθε μετανάστης κατά την είσοδό του για να διασφαλίσει ότι δεν θα γινόταν οικονομικό βάρος για τη χώρα.

Σύμφωνα με τον Wullschlager, “η ταχύτητα με την οποία κατέρρευσε η Γαλλία εξέπληξε τους πάντες: συνθηκολόγησε ακόμη πιο γρήγορα από ό,τι είχε κάνει η Πολωνία” ένα χρόνο νωρίτερα. Κύματα σοκ διέσχισαν τον Ατλαντικό… καθώς το Παρίσι είχε μέχρι τότε ταυτιστεί με τον πολιτισμό σε όλο τον μη ναζιστικό κόσμο”: 388 Ωστόσο, η προσκόλληση των Σαγκάλ στη Γαλλία “τους τύφλωσε απέναντι στον επείγοντα χαρακτήρα της κατάστασης”: 389 Πολλοί άλλοι γνωστοί Ρώσοι και Εβραίοι καλλιτέχνες προσπάθησαν τελικά να διαφύγουν: μεταξύ αυτών ήταν ο Chaïm Soutine, ο Max Ernst, ο Max Beckmann, ο Ludwig Fulda, ο συγγραφέας Victor Serge και ο βραβευμένος συγγραφέας Vladimir Nabokov, ο οποίος αν και δεν ήταν ο ίδιος Εβραίος, ήταν παντρεμένος με Εβραία: 1181 Ο Ρώσος συγγραφέας Victor Serge περιέγραψε πολλούς από τους ανθρώπους που ζούσαν προσωρινά στη Μασσαλία και περίμεναν να μεταναστεύσουν στην Αμερική:

Εδώ είναι ένα σοκάκι ζητιάνων που συγκεντρώνει τα απομεινάρια των επαναστάσεων, των δημοκρατιών και των συντριμμένων διανοιών… Στις τάξεις μας υπάρχουν αρκετοί γιατροί, ψυχολόγοι, μηχανικοί, παιδαγωγοί, ποιητές, ζωγράφοι, συγγραφείς, μουσικοί, οικονομολόγοι και δημόσιοι άνθρωποι για να ζωογονήσουν μια ολόκληρη μεγάλη χώρα: 392

Μετά από παρότρυνση της κόρης τους Ida, η οποία “αντιλήφθηκε την ανάγκη να δράσει γρήγορα”: 388 και με τη βοήθεια του Alfred Barr του Μουσείου Μοντέρνας Τέχνης της Νέας Υόρκης, ο Chagall σώθηκε με την προσθήκη του ονόματός του στον κατάλογο των διακεκριμένων καλλιτεχνών των οποίων η ζωή κινδύνευε και τους οποίους οι Ηνωμένες Πολιτείες θα έπρεπε να προσπαθήσουν να απεγκλωβίσουν. Ο Varian Fry, ο Αμερικανός δημοσιογράφος, και ο Hiram Bingham IV, ο Αμερικανός υποπρόξενος στη Μασσαλία, διεξήγαγαν μια επιχείρηση διάσωσης για τη λαθραία μεταφορά καλλιτεχνών και διανοουμένων από την Ευρώπη στις ΗΠΑ, παρέχοντάς τους πλαστές βίζες για τις ΗΠΑ. Τον Απρίλιο του 1941, ο Σαγκάλ και η σύζυγός του στερήθηκαν τη γαλλική υπηκοότητα. Οι Σαγκάλ έμειναν σε ένα ξενοδοχείο στη Μασσαλία, όπου συνελήφθησαν μαζί με άλλους Εβραίους. Ο Varian Fry κατάφερε να πιέσει τη γαλλική αστυνομία να τον απελευθερώσει, απειλώντας την με σκάνδαλο. Ο Chagall ήταν ένας από τους περισσότερους από 2.000 που διασώθηκαν από αυτή την επιχείρηση. Έφυγε από τη Γαλλία τον Μάιο του 1941, “όταν ήταν σχεδόν πολύ αργά”, προσθέτει ο Lewis. Ο Πικάσο και ο Ματίς κλήθηκαν επίσης να έρθουν στην Αμερική, αλλά αποφάσισαν να παραμείνουν στη Γαλλία. Ο Σαγκάλ και η Μπέλα έφτασαν στη Νέα Υόρκη στις 23 Ιουνίου 1941, την επομένη της εισβολής της Γερμανίας στη Σοβιετική Ένωση: 150 Η Ida και ο σύζυγός της Michel ακολούθησαν με το περιβόητο προσφυγικό πλοίο SS Navemar με μια μεγάλη βαλίτσα με έργα του Chagall. Μια τυχαία μεταπολεμική συνάντηση σε ένα γαλλικό καφέ μεταξύ της Ida και του αναλυτή των μυστικών υπηρεσιών Konrad Kellen οδήγησε τον Kellen να μεταφέρει περισσότερους πίνακες κατά την επιστροφή του στις Ηνωμένες Πολιτείες.

Διαβάστε επίσης, βιογραφίες – Λιούις Κάρολ

Ηνωμένες Πολιτείες (1941-1948)

Πριν ακόμη φτάσει στις Ηνωμένες Πολιτείες το 1941, ο Chagall είχε λάβει το τρίτο βραβείο Carnegie Prize το 1939 για το έργο “Les Fiancés”. Αφού βρέθηκε στην Αμερική ανακάλυψε ότι είχε ήδη αποκτήσει “διεθνές κύρος”, γράφει ο Cogniat, αν και αισθανόταν ακατάλληλος για τον νέο αυτό ρόλο σε μια ξένη χώρα της οποίας τη γλώσσα δεν μιλούσε ακόμη. Έγινε διάσημος κυρίως παρά τη θέλησή του, νιώθοντας χαμένος στο ξένο περιβάλλον.: 57

Μετά από λίγο άρχισε να εγκαθίσταται στη Νέα Υόρκη, η οποία ήταν γεμάτη από συγγραφείς, ζωγράφους και συνθέτες που, όπως και ο ίδιος, είχαν φύγει από την Ευρώπη κατά τη διάρκεια των ναζιστικών εισβολών. Έμενε στην 4 East 74th Street. Περνούσε το χρόνο του επισκεπτόμενος γκαλερί και μουσεία και έγινε φίλος με άλλους καλλιτέχνες, όπως ο Piet Mondrian και ο André Breton: 155

Ο Baal-Teshuva γράφει ότι ο Chagall “αγαπούσε” να πηγαίνει στα τμήματα της Νέας Υόρκης όπου ζούσαν Εβραίοι, ιδίως στο Lower East Side. Εκεί ένιωθε σαν στο σπίτι του, απολαμβάνοντας τα εβραϊκά φαγητά και έχοντας τη δυνατότητα να διαβάζει τον τύπο στα γίντις, που έγινε η κύρια πηγή πληροφόρησής του, καθώς δεν μιλούσε ακόμη αγγλικά.

Οι σύγχρονοι καλλιτέχνες δεν κατανοούσαν ακόμη ούτε και συμπαθούσαν την τέχνη του Chagall. Σύμφωνα με τον Baal-Teshuva, “δεν είχαν πολλά κοινά με έναν λαογραφικό παραμυθά ρωσοεβραϊκής καταγωγής με ροπή προς τον μυστικισμό”. Η Σχολή του Παρισιού, η οποία αναφερόταν ως “παριζιάνικος υπερρεαλισμός”, σήμαινε ελάχιστα γι” αυτούς..: 155 Οι στάσεις αυτές θα άρχιζαν να αλλάζουν, ωστόσο, όταν ο Pierre Matisse, γιος του αναγνωρισμένου Γάλλου καλλιτέχνη Henri Matisse, έγινε αντιπρόσωπός του και διαχειρίστηκε εκθέσεις του Chagall στη Νέα Υόρκη και το Σικάγο το 1941. Μια από τις πρώτες εκθέσεις περιελάμβανε 21 αριστουργήματά του από το 1910 έως το 1941. Ο κριτικός τέχνης Henry McBride έγραψε για την έκθεση αυτή στην εφημερίδα New York Sun:

Ο Chagall είναι ο πιο τσιγγάνος που υπάρχει… αυτές οι εικόνες κάνουν περισσότερα για τη φήμη του από οτιδήποτε άλλο έχουμε δει στο παρελθόν… Τα χρώματά του λάμπουν από ποίηση… το έργο του είναι αυθεντικά ρωσικό σαν το τραγούδι ενός βαρκάρη του Βόλγα…

Ο χορογράφος Léonide Massine του Θεάτρου Μπαλέτου της Νέας Υόρκης του πρότεινε να σχεδιάσει τα σκηνικά και τα κοστούμια για το νέο του μπαλέτο Aleko. Αυτό το μπαλέτο θα σκηνοθετούσε τους στίχους της στιχουργικής αφήγησης του Αλεξάντερ Πούσκιν Οι Τσιγγάνοι με τη μουσική του Τσαϊκόφσκι. Το μπαλέτο είχε αρχικά προγραμματιστεί για ντεμπούτο στη Νέα Υόρκη, αλλά ως μέτρο εξοικονόμησης κόστους μεταφέρθηκε στο Μεξικό, όπου το εργατικό κόστος ήταν φθηνότερο από ό,τι στη Νέα Υόρκη. Ενώ ο Chagall είχε κάνει σκηνικά έργα και στο παρελθόν, ενώ βρισκόταν στη Ρωσία, αυτό ήταν το πρώτο του μπαλέτο και θα του έδινε την ευκαιρία να επισκεφθεί το Μεξικό. Εκεί άρχισε γρήγορα να εκτιμά τους “πρωτόγονους τρόπους και την πολύχρωμη τέχνη των Μεξικανών”, σημειώνει ο Cogniat. Βρήκε “κάτι που σχετίζεται πολύ στενά με τη δική του φύση”, και έκανε όλες τις χρωματικές λεπτομέρειες για τα σκηνικά ενώ βρισκόταν εκεί. Τελικά, δημιούργησε τέσσερα μεγάλα σκηνικά και έβαλε Μεξικανές μοδίστρες να ράψουν τα κοστούμια του μπαλέτου.

Όταν το μπαλέτο έκανε πρεμιέρα στο Palacio de Bellas Artes της Πόλης του Μεξικού στις 8 Σεπτεμβρίου 1942, θεωρήθηκε “αξιοσημείωτη επιτυχία”. Στο κοινό βρίσκονταν και άλλοι διάσημοι τοιχογράφοι που ήρθαν να δουν το έργο του Chagall, όπως ο Diego Rivera και ο José Clemente Orozco. Σύμφωνα με τον Baal-Teshuva, όταν τελείωσε το τελευταίο μέτρο της μουσικής, “υπήρξε ένα θυελλώδες χειροκρότημα και 19 κλήσεις για την αυλαία, με τον ίδιο τον Chagall να καλείται ξανά και ξανά στη σκηνή”. Η παραγωγή μεταφέρθηκε στη συνέχεια στη Νέα Υόρκη, όπου παρουσιάστηκε τέσσερις εβδομάδες αργότερα στη Μητροπολιτική Όπερα και η ανταπόκριση επαναλήφθηκε, “και πάλι ο Chagall ήταν ο ήρωας της βραδιάς”: 158 Ο κριτικός τέχνης Edwin Denby έγραψε για την πρεμιέρα στη New York Herald Tribune ότι το έργο του Chagall:

έχει μετατραπεί σε μια δραματοποιημένη έκθεση γιγαντιαίων πινάκων… Ξεπερνά οτιδήποτε έχει κάνει ο Σαγκάλ σε κλίμακα καβαλέτου και είναι μια εμπειρία που κόβει την ανάσα, από αυτές που δύσκολα περιμένει κανείς στο θέατρο.

Μετά την επιστροφή του Σαγκάλ στη Νέα Υόρκη το 1943, τα τρέχοντα γεγονότα άρχισαν να τον ενδιαφέρουν περισσότερο, και αυτό αντιπροσωπεύτηκε από την τέχνη του, όπου ζωγράφισε θέματα όπως η Σταύρωση και σκηνές πολέμου. Έμαθε ότι οι Γερμανοί είχαν καταστρέψει την πόλη όπου μεγάλωσε, το Βίτεμπσκ, και στεναχωρήθηκε πολύ: 159 Έμαθε επίσης για τα ναζιστικά στρατόπεδα συγκέντρωσης. Κατά τη διάρκεια μιας ομιλίας τον Φεβρουάριο του 1944, περιέγραψε μερικά από τα συναισθήματά του:

Εν τω μεταξύ, ο εχθρός αστειεύεται, λέγοντας ότι είμαστε ένα “ηλίθιο έθνος”. Σκέφτηκε ότι όταν θα άρχιζε να σφάζει τους Εβραίους, όλοι μας μέσα στη θλίψη μας θα σηκώναμε ξαφνικά τη μεγαλύτερη προφητική κραυγή, και θα μας συνόδευαν οι χριστιανοί ανθρωπιστές. Αλλά, μετά από δύο χιλιάδες χρόνια “χριστιανισμού” στον κόσμο – πείτε ό,τι θέλετε – αλλά, με ελάχιστες εξαιρέσεις, οι καρδιές τους σιωπούν… Βλέπω τους καλλιτέχνες στα χριστιανικά έθνη να κάθονται ακίνητοι – ποιος τους άκουσε να μιλούν; Δεν ανησυχούν για τους εαυτούς τους, και η εβραϊκή μας ζωή δεν τους αφορά.” 89

Στην ίδια ομιλία απέδωσε τα εύσημα στη Σοβιετική Ρωσία που έκανε τα περισσότερα για τη διάσωση των Εβραίων:

Οι Εβραίοι θα της είναι πάντα ευγνώμονες. Ποια άλλη μεγάλη χώρα έσωσε ενάμισι εκατομμύριο Εβραίους από τα χέρια του Χίτλερ και μοιράστηκε το τελευταίο κομμάτι ψωμί της; Ποια χώρα κατήργησε τον αντισημιτισμό; Ποια άλλη χώρα αφιέρωσε τουλάχιστον ένα κομμάτι γης ως αυτόνομη περιοχή για τους Εβραίους που θέλουν να ζήσουν εκεί; Όλα αυτά, και πολλά άλλα, βαραίνουν βαριά στη ζυγαριά της ιστορίας.: 89

Στις 2 Σεπτεμβρίου 1944, η Bella πέθανε ξαφνικά από λοίμωξη από ιό, η οποία δεν αντιμετωπίστηκε λόγω της έλλειψης φαρμάκων εν καιρώ πολέμου. Ως αποτέλεσμα, σταμάτησε κάθε εργασία για πολλούς μήνες, και όταν ξανάρχισε να ζωγραφίζει, οι πρώτες του εικόνες αφορούσαν τη διατήρηση της μνήμης της Bella. Ο Wullschlager γράφει για την επίδραση στον Chagall: “Καθώς οι ειδήσεις έπεφταν βροχή μέχρι το 1945 για το συνεχιζόμενο Ολοκαύτωμα στα ναζιστικά στρατόπεδα συγκέντρωσης, η Bella πήρε τη θέση της στο μυαλό του Chagall μαζί με τα εκατομμύρια των Εβραίων θυμάτων”. Σκέφτηκε ακόμη και την πιθανότητα ότι “η εξορία τους από την Ευρώπη είχε εξασθενήσει τη θέλησή της για ζωή”: 419

Αφού έζησε ένα χρόνο με την κόρη του Ida και τον σύζυγό της Michel Gordey, άρχισε ένα ειδύλλιο με τη Virginia Haggard, κόρη του διπλωμάτη Sir Godfrey Digby Napier Haggard και ανιψιά του συγγραφέα Sir Henry Rider Haggard- η σχέση τους διήρκεσε επτά χρόνια. Απέκτησαν μαζί ένα παιδί, τον David McNeil, που γεννήθηκε στις 22 Ιουνίου 1946. Η Haggard θυμήθηκε τα “επτά χρόνια της αφθονίας” με τον Chagall στο βιβλίο της, My Life with Chagall (Robert Hale, 1986).

Λίγους μήνες αφότου οι Σύμμαχοι κατάφεραν να απελευθερώσουν το Παρίσι από τη ναζιστική κατοχή, με τη βοήθεια των συμμαχικών στρατευμάτων, ο Σαγκάλ δημοσίευσε μια επιστολή σε ένα παρισινό εβδομαδιαίο περιοδικό με τίτλο “Προς τους καλλιτέχνες του Παρισιού”:

Τα τελευταία χρόνια αισθανόμουν δυστυχής που δεν μπορούσα να είμαι μαζί σας, τους φίλους μου. Ο εχθρός μου με ανάγκασε να πάρω το δρόμο της εξορίας. Σε αυτόν τον τραγικό δρόμο, έχασα τη σύζυγό μου, τη σύντροφο της ζωής μου, τη γυναίκα που ήταν η έμπνευσή μου. Θέλω να πω στους φίλους μου στη Γαλλία ότι με συνοδεύει σε αυτόν τον χαιρετισμό, εκείνη που αγάπησε τόσο πιστά τη Γαλλία και τη γαλλική τέχνη. Η τελευταία της χαρά ήταν η απελευθέρωση του Παρισιού… Τώρα, όταν το Παρίσι απελευθερωθεί, όταν η τέχνη της Γαλλίας αναστηθεί, ολόκληρος ο κόσμος θα είναι επίσης, μια για πάντα, ελεύθερος από τους σατανικούς εχθρούς που ήθελαν να εξοντώσουν όχι μόνο το σώμα αλλά και την ψυχή – την ψυχή, χωρίς την οποία δεν υπάρχει ζωή, δεν υπάρχει καλλιτεχνική δημιουργία..: 101

Μέχρι το 1946, το έργο του είχε αρχίσει να αναγνωρίζεται ευρύτερα. Το Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης της Νέας Υόρκης είχε μια μεγάλη έκθεση που αντιπροσώπευε 40 χρόνια του έργου του, η οποία έδωσε στους επισκέπτες μια από τις πρώτες πλήρεις εντυπώσεις για τη μεταβαλλόμενη φύση της τέχνης του με την πάροδο των χρόνων. Ο πόλεμος είχε τελειώσει και άρχισε να κάνει σχέδια για την επιστροφή του στο Παρίσι. Σύμφωνα με τον Cogniat, “διαπίστωσε ότι ήταν ακόμη πιο βαθιά προσκολλημένος από πριν, όχι μόνο στην ατμόσφαιρα του Παρισιού, αλλά και στην ίδια την πόλη, στα σπίτια και τις απόψεις της”. Ο Chagall συνόψισε τα χρόνια που ζούσε στην Αμερική:

Έζησα εδώ στην Αμερική κατά τη διάρκεια του απάνθρωπου πολέμου στον οποίο η ανθρωπότητα εγκατέλειψε τον εαυτό της… Είδα το ρυθμό της ζωής. Είδα την Αμερική να πολεμά με τους Συμμάχους… τον πλούτο που μοίρασε για να ανακουφίσει τους ανθρώπους που υπέστησαν τις συνέπειες του πολέμου… Μου αρέσει η Αμερική και οι Αμερικανοί… οι άνθρωποι εκεί είναι ειλικρινείς. Είναι μια νέα χώρα με τα προτερήματα και τα ελαττώματα της νεότητας. Είναι χαρά μου να αγαπώ τέτοιους ανθρώπους… Πάνω απ” όλα εντυπωσιάζομαι από το μεγαλείο αυτής της χώρας και την ελευθερία που δίνει..: 170

Επέστρεψε οριστικά το φθινόπωρο του 1947, όπου παρακολούθησε τα εγκαίνια της έκθεσης των έργων του στο Musée National d”Art Moderne.

Διαβάστε επίσης, ιστορία – Σφαγή του Βασί

Γαλλία (1948-1985)

Αφού επέστρεψε στη Γαλλία, ταξίδεψε σε όλη την Ευρώπη και επέλεξε να ζήσει στην Κυανή Ακτή, η οποία εκείνη την εποχή είχε γίνει ένα είδος “καλλιτεχνικού κέντρου”. Ο Matisse έζησε κοντά στο Saint-Paul-de-Vence, περίπου επτά μίλια δυτικά της Νίκαιας, ενώ ο Picasso έζησε στο Vallauris. Παρόλο που ζούσαν κοντά και μερικές φορές δούλευαν μαζί, υπήρχε καλλιτεχνική αντιπαλότητα μεταξύ τους, καθώς το έργο τους ήταν τόσο έντονα διαφορετικό, και ποτέ δεν έγιναν μακροχρόνιοι φίλοι. Σύμφωνα με την ερωμένη του Πικάσο, Φρανσουάζ Ζιλό, ο Πικάσο εξακολουθούσε να σέβεται πολύ τον Σαγκάλ και κάποτε της είπε,

Όταν ο Ματίς πεθάνει, ο Σαγκάλ θα είναι ο μόνος ζωγράφος που θα έχει απομείνει για να καταλάβει τι είναι το χρώμα… Οι καμβάδες του είναι πραγματικά ζωγραφισμένοι, όχι απλά πεταμένοι μαζί. Κάποια από τα τελευταία πράγματα που έχει κάνει στη Βενς με πείθουν ότι μετά τον Ρενουάρ δεν έχει υπάρξει κανείς που να έχει την αίσθηση του φωτός που έχει ο Σαγκάλ”.

Τον Απρίλιο του 1952, η Virginia Haggard εγκατέλειψε τον Chagall για τον φωτογράφο Charles Leirens- η ίδια έγινε επαγγελματίας φωτογράφος.

Η κόρη του Chagall Ida παντρεύτηκε τον ιστορικό τέχνης Franz Meyer τον Ιανουάριο του 1952, και νιώθοντας ότι ο πατέρας της έχανε τη συντροφιά μιας γυναίκας στο σπίτι του, τον σύστησε στη Valentina (Vava) Brodsky, μια γυναίκα με παρόμοιο Ρωσοεβραϊκό υπόβαθρο, η οποία είχε μια επιτυχημένη επιχείρηση κομμωτηρίων στο Λονδίνο. Έγινε γραμματέας του και μετά από λίγους μήνες συμφώνησε να μείνει μόνο αν ο Chagall την παντρευόταν. Ο γάμος πραγματοποιήθηκε τον Ιούλιο του 1952: 183 -αν και έξι χρόνια αργότερα, όταν υπήρξε σύγκρουση μεταξύ της Ida και της Vava, “ο Marc και η Vava χώρισαν και ξαναπαντρεύτηκαν αμέσως με μια συμφωνία πιο ευνοϊκή για τη Vava” (Jean-Paul Crespelle, συγγραφέας του Chagall, l”Amour le Reve et la Vie, όπως αναφέρεται στο Haggard: My Life with Chagall).

Το 1954, προσλήφθηκε ως διακοσμητής για την παραγωγή του Robert Helpmann της όπερας Le Coq d”Or του Rimsky-Korsakov στη Βασιλική Όπερα του Covent Garden, αλλά αποσύρθηκε. Ο Αυστραλός σχεδιαστής Loudon Sainthill επιστρατεύτηκε στη θέση του σε σύντομο χρονικό διάστημα.

Στα επόμενα χρόνια κατάφερε να παράγει όχι μόνο πίνακες ζωγραφικής και γραφικές τέχνες, αλλά και πολυάριθμα γλυπτά και κεραμικά, όπως πλακάκια τοίχου, ζωγραφισμένα βάζα, πιάτα και κανάτες. Άρχισε επίσης να εργάζεται σε μεγαλύτερες μορφές, παράγοντας μεγάλες τοιχογραφίες, βιτρό, ψηφιδωτά και ταπισερί.

Το 1963, ο Chagall ανέλαβε να ζωγραφίσει τη νέα οροφή της Όπερας του Παρισιού (Palais Garnier), ένα μεγαλοπρεπές κτίριο του 19ου αιώνα και εθνικό μνημείο. Ο André Malraux, Υπουργός Πολιτισμού της Γαλλίας, ήθελε κάτι μοναδικό και αποφάσισε ότι ο Chagall θα ήταν ο ιδανικός καλλιτέχνης. Ωστόσο, αυτή η επιλογή του καλλιτέχνη προκάλεσε αντιδράσεις: ορισμένοι αντιδρούσαν στο να διακοσμήσει ένας Ρωσοεβραίος ένα γαλλικό εθνικό μνημείο- άλλοι δεν ήθελαν να ζωγραφίσει την οροφή του ιστορικού κτιρίου ένας μοντέρνος καλλιτέχνης. Ορισμένα περιοδικά έγραψαν συγκαταβατικά άρθρα για τον Chagall και τον Malraux, για τα οποία ο Chagall σχολίασε σε έναν συγγραφέα:

Πραγματικά μου την είχαν στημένη… Είναι εκπληκτικός ο τρόπος που οι Γάλλοι δυσανασχετούν με τους ξένους. Ζεις εδώ το μεγαλύτερο μέρος της ζωής σου. Γίνεσαι πολιτογραφημένος Γάλλος πολίτης… δουλεύεις για το τίποτα διακοσμώντας τους καθεδρικούς τους ναούς, και ακόμα σε περιφρονούν. Δεν είσαι ένας από αυτούς..: 196

Παρ” όλα αυτά, ο Σαγκάλ συνέχισε το έργο, το οποίο χρειάστηκε ένα χρόνο για να ολοκληρώσει ο 77χρονος καλλιτέχνης. Ο τελικός καμβάς ήταν σχεδόν 2.400 τετραγωνικά πόδια (220 τετραγωνικά μέτρα) και απαιτούσε 440 κιλά μπογιάς. Είχε πέντε τμήματα τα οποία κολλήθηκαν σε πάνελ από πολυεστέρα και ανυψώθηκαν στην οροφή των 21 μέτρων (70 πόδια). Οι εικόνες που ζωγράφισε ο Σαγκάλ στον καμβά απέτισαν φόρο τιμής στους συνθέτες Μότσαρτ, Βάγκνερ, Μουσόργκσκι, Μπερλιόζ και Ραβέλ, καθώς και σε διάσημους ηθοποιούς και χορευτές: 199

Παρουσιάστηκε στο κοινό στις 23 Σεπτεμβρίου 1964 παρουσία του Μαλρό και 2.100 προσκεκλημένων. Ο ανταποκριτής των New York Times στο Παρίσι έγραψε: “Για πρώτη φορά οι καλύτερες θέσεις ήταν στον πιο ψηλό κύκλο:: 199 Baal-Teshuva γράφει:

Αρχικά, ο μεγάλος κρυστάλλινος πολυέλαιος που κρεμόταν από το κέντρο της οροφής ήταν άφωτος… ολόκληρο το corps de ballet ανέβηκε στη σκηνή, και στη συνέχεια, προς τιμήν του Σαγκάλ, η ορχήστρα της όπερας έπαιξε το φινάλε της “Συμφωνίας του Δία” του Μότσαρτ, του αγαπημένου συνθέτη του Σαγκάλ. Κατά τη διάρκεια των τελευταίων μέτρων της μουσικής, ο πολυέλαιος άναψε, ζωντανεύοντας τον πίνακα οροφής του καλλιτέχνη σε όλο του το μεγαλείο, αποσπώντας το ενθουσιώδες χειροκρότημα του κοινού: 199

Μετά την αποκάλυψη του νέου ανώτατου ορίου, “ακόμη και οι πιο σκληροί αντίπαλοι της επιτροπής φάνηκε να σιωπούν”, γράφει ο Baal-Teshuva. “Ομόφωνα, ο Τύπος δήλωσε ότι το νέο έργο του Σαγκάλ αποτελεί μεγάλη συμβολή στον γαλλικό πολιτισμό”. Ο Malraux δήλωσε αργότερα: “Ποιος άλλος εν ζωή καλλιτέχνης θα μπορούσε να ζωγραφίσει την οροφή της Όπερας του Παρισιού με τον τρόπο που το έκανε ο Chagall;… Είναι πάνω απ” όλα ένας από τους μεγάλους χρωματογράφους της εποχής μας… πολλοί από τους καμβάδες του και η οροφή της Όπερας αποτελούν μεγαλειώδεις εικόνες που συγκαταλέγονται στην καλύτερη ποίηση της εποχής μας, όπως ακριβώς ο Τιτσιάνος παρήγαγε την καλύτερη ποίηση της εποχής του”: 199 Στην ομιλία του Chagall προς το κοινό εξήγησε το νόημα του έργου:

Εκεί πάνω, στον πίνακά μου, ήθελα να αντανακλάσω, όπως ένας καθρέφτης σε ένα μπουκέτο, τα όνειρα και τις δημιουργίες των τραγουδιστών και των μουσικών, να θυμίσω την κίνηση του πολύχρωμα ντυμένου κοινού από κάτω και να τιμήσω τους μεγάλους συνθέτες της όπερας και του μπαλέτου… Τώρα προσφέρω αυτό το έργο ως δώρο ευγνωμοσύνης στη Γαλλία και στην École de Paris, χωρίς την οποία δεν θα υπήρχε χρώμα και ελευθερία. 151

Διαβάστε επίσης, βιογραφίες – Έντγκαρ Άλλαν Πόε

Χρώμα

Σύμφωνα με τον Cogniat, σε όλα τα έργα του Chagall σε όλα τα στάδια της ζωής του, τα χρώματα ήταν αυτά που προσέλκυαν και αιχμαλώτιζαν την προσοχή του θεατή. Κατά τα προηγούμενα χρόνια η γκάμα του περιοριζόταν από την έμφαση που έδινε στη φόρμα και οι εικόνες του δεν έδιναν ποτέ την εντύπωση ζωγραφικών σχεδίων. Ο ίδιος προσθέτει: “Τα χρώματα είναι ένα ζωντανό, αναπόσπαστο μέρος της εικόνας και ποτέ δεν είναι παθητικά επίπεδα ή κοινότυπα σαν μια εκ των υστέρων σκέψη. Σμιλεύουν και ζωντανεύουν τον όγκο των σχημάτων… επιδίδονται σε πτήσεις φαντασίας και εφευρετικότητας που προσθέτουν νέες προοπτικές και διαβαθμισμένους, αναμεμειγμένους τόνους… Τα χρώματά του δεν προσπαθούν καν να μιμηθούν τη φύση, αλλά μάλλον να υποδηλώσουν κινήσεις, επίπεδα και ρυθμούς”.

Ήταν σε θέση να μεταφέρει εντυπωσιακές εικόνες χρησιμοποιώντας μόνο δύο ή τρία χρώματα. Ο Cogniat γράφει: “Ο Chagall είναι ασυναγώνιστος σε αυτή την ικανότητα να δίνει μια ζωντανή εντύπωση εκρηκτικής κίνησης με την απλούστερη χρήση χρωμάτων…”. Καθ” όλη τη διάρκεια της ζωής του τα χρώματά του δημιουργούσαν μια “ζωντανή ατμόσφαιρα” η οποία βασιζόταν στο “προσωπικό του όραμα”: 60

Διαβάστε επίσης, βιογραφίες – Μαρία Μοντεσσόρι

Θέμα

Η πρώιμη ζωή του Chagall του άφησε μια “ισχυρή οπτική μνήμη και μια εικαστική νοημοσύνη”, γράφει ο Goodman. Αφού έζησε στη Γαλλία και βίωσε την ατμόσφαιρα της καλλιτεχνικής ελευθερίας, “το όραμά του απογειώθηκε και δημιούργησε μια νέα πραγματικότητα, που αντλούσε από τον εσωτερικό και τον εξωτερικό του κόσμο”. Αλλά ήταν οι εικόνες και οι αναμνήσεις των πρώτων χρόνων του στη Λευκορωσία που θα συντηρούσαν την τέχνη του για περισσότερα από 70 χρόνια: 13

Σύμφωνα με τον Cogniat, υπάρχουν ορισμένα στοιχεία στην τέχνη του που παρέμειναν μόνιμα και παρατηρήθηκαν καθ” όλη τη διάρκεια της καριέρας του. Ένα από αυτά ήταν η επιλογή των θεμάτων του και ο τρόπος με τον οποίο τα απεικόνιζε. “Το πιο εμφανώς σταθερό στοιχείο είναι το χάρισμά του για την ευτυχία και η ενστικτώδης συμπόνια του, η οποία ακόμη και στα πιο σοβαρά θέματα τον αποτρέπει από τη δραματοποίηση…”: 89 Οι μουσικοί αποτέλεσαν μια σταθερά σε όλα τα στάδια του έργου του. Αφού πρωτοπαντρεύτηκε, “οι εραστές αναζήτησαν ο ένας τον άλλον, αγκαλιάστηκαν, χαϊδεύτηκαν, αιωρήθηκαν στον αέρα, συναντήθηκαν σε στεφάνια λουλουδιών, απλώθηκαν και έπεσαν σαν το μελωδικό πέρασμα των ζωντανών τους ονειρώξεων. Ακροβάτες παραμορφώνονται με τη χάρη εξωτικών λουλουδιών στην άκρη των μίσχων τους- λουλούδια και φυλλώματα αφθονούν παντού”. Ο Wullschlager εξηγεί τις πηγές για τις εικόνες αυτές:

Γι” αυτόν, οι κλόουν και οι ακροβάτες έμοιαζαν πάντα με φιγούρες σε θρησκευτικούς πίνακες… Η εξέλιξη των έργων του τσίρκου… αντανακλά μια σταδιακή θόλωση της κοσμοθεωρίας του, και οι καλλιτέχνες του τσίρκου έδωσαν τώρα τη θέση τους στον προφήτη ή τον σοφό στο έργο του – μια φιγούρα στην οποία ο Chagall έριχνε την αγωνία του καθώς η Ευρώπη σκοτείνιαζε και δεν μπορούσε πλέον να βασίζεται στην lumiére-liberté της Γαλλίας για έμπνευση: 337

Ο Chagall περιέγραψε την αγάπη του για τους ανθρώπους του τσίρκου:

Γιατί με συγκινεί τόσο πολύ το μακιγιάζ και οι γκριμάτσες τους; Μαζί τους μπορώ να κινηθώ προς νέους ορίζοντες… Ο Τσάπλιν προσπαθεί να κάνει στον κινηματογράφο αυτό που προσπαθώ να κάνω εγώ στους πίνακές μου. Είναι ίσως ο μόνος καλλιτέχνης σήμερα με τον οποίο θα μπορούσα να συνεννοηθώ χωρίς να χρειαστεί να πω ούτε μια λέξη.: 337

Οι πρώιμες φωτογραφίες του συχνά απεικόνιζαν την πόλη όπου γεννήθηκε και μεγάλωσε, το Βίτεμπσκ. Ο Cogniat σημειώνει ότι είναι ρεαλιστικές και δίνουν την εντύπωση της εμπειρίας από πρώτο χέρι, αποτυπώνοντας μια χρονική στιγμή με δράση, συχνά με μια δραματική εικόνα. Κατά τη διάρκεια των μεταγενέστερων χρόνων του, όπως για παράδειγμα στη “σειρά της Βίβλου”, τα θέματα ήταν πιο δραματικά. Κατάφερε να συνδυάσει το πραγματικό με το φανταστικό και σε συνδυασμό με τη χρήση του χρώματος οι εικόνες ήταν πάντα τουλάχιστον αποδεκτές, αν όχι ισχυρές. Ποτέ δεν προσπάθησε να παρουσιάσει την καθαρή πραγματικότητα, αλλά πάντα δημιουργούσε τις ατμόσφαιρές του μέσω της φαντασίας. “91 Σε όλες τις περιπτώσεις το πιο επίμονο θέμα του Σαγκάλ “είναι η ίδια η ζωή, στην απλότητά της ή στην κρυμμένη πολυπλοκότητά της… Παρουσιάζει για τη μελέτη μας τόπους, ανθρώπους και αντικείμενα από τη δική του ζωή”.

Αφού απορρόφησε τις τεχνικές του Φωβισμού και του Κυβισμού (υπό την επιρροή του Jean Metzinger και του Albert Gleizes), ο Chagall κατάφερε να συνδυάσει αυτές τις στιλιστικές τάσεις με το δικό του λαϊκό ύφος. Έδωσε στη ζοφερή ζωή των Χασιδικών Εβραίων τις “ρομαντικές προεκτάσεις ενός γοητευτικού κόσμου”, σημειώνει ο Goodman. Συνδυάζοντας τις πτυχές του μοντερνισμού με τη δική του “μοναδική καλλιτεχνική γλώσσα”, κατάφερε να τραβήξει την προσοχή των κριτικών και των συλλεκτών σε όλη την Ευρώπη. Γενικά, ήταν η παιδική του ηλικία που έζησε σε μια επαρχιακή πόλη της Λευκορωσίας που του έδινε μια συνεχή πηγή φανταστικών ερεθισμάτων. Ο Chagall θα γινόταν ένας από τους πολλούς Εβραίους εμιγκρέδες που αργότερα έγιναν γνωστοί καλλιτέχνες, όλοι τους ομοίως, αφού κάποτε ανήκαν στις “πολυπληθέστερες και δημιουργικότερες μειονότητες της Ρωσίας”, σημειώνει ο Goodman: 13

Ο Πρώτος Παγκόσμιος Πόλεμος, ο οποίος έληξε το 1918, είχε εκτοπίσει σχεδόν ένα εκατομμύριο Εβραίους και είχε καταστρέψει ό,τι είχε απομείνει από την επαρχιακή κουλτούρα των shtetl που είχε καθορίσει τη ζωή των περισσότερων Εβραίων της Ανατολικής Ευρώπης για αιώνες. Ο Goodman σημειώνει: “Η εξασθένιση της παραδοσιακής εβραϊκής κοινωνίας άφησε σε καλλιτέχνες όπως ο Chagall ισχυρές αναμνήσεις που δεν μπορούσαν πλέον να τροφοδοτηθούν από μια απτή πραγματικότητα. Αντ” αυτού, ο πολιτισμός αυτός έγινε μια συναισθηματική και διανοητική πηγή που υπήρχε μόνο στη μνήμη και τη φαντασία… Η εμπειρία αυτή ήταν τόσο πλούσια, που τον συντηρούσε για το υπόλοιπο της ζωής του”: 15 Ο Sweeney προσθέτει ότι “αν ζητούσατε από τον Chagall να εξηγήσει τους πίνακές του, θα απαντούσε: ”Δεν τους καταλαβαίνω καθόλου. Δεν είναι λογοτεχνία. Είναι μόνο εικαστικές ρυθμίσεις εικόνων που με έχουν κυριεύσει…”: 7

Το 1948, αφού επέστρεψε στη Γαλλία από τις ΗΠΑ μετά τον πόλεμο, είδε ιδίοις όμμασι την καταστροφή που είχε επιφέρει ο πόλεμος στην Ευρώπη και στους εβραϊκούς πληθυσμούς. Το 1951, στο πλαίσιο ενός βιβλίου μνήμης αφιερωμένου στους ογδόντα τέσσερις Εβραίους καλλιτέχνες που δολοφονήθηκαν από τους Ναζί στη Γαλλία, έγραψε ένα ποίημα με τίτλο “Για τους σφαγιασθέντες καλλιτέχνες: 1950”, το οποίο ενέπνευσε πίνακες όπως το Τραγούδι του Δαβίδ (βλ. φωτογραφία):

Βλέπω τη φωτιά, τον καπνό και τα αέρια, που ανεβαίνουν στο μπλε σύννεφο και το μετατρέπουν σε μαύρο. Βλέπω τα σκισμένα μαλλιά, τα βγαλμένα δόντια. Με κατακλύζουν με τη λυσσαλέα παλέτα μου. Στέκομαι στην έρημο μπροστά σε σωρούς από μπότες, ρούχα, στάχτη και κοπριά και μουρμουρίζω το Καντίς μου. Και καθώς στέκομαι από τους πίνακές μου, ο ζωγραφισμένος Δαβίδ κατεβαίνει προς το μέρος μου, με την άρπα στο χέρι. Θέλει να με βοηθήσει να κλάψω και να απαγγείλω κεφάλαια των Ψαλμών..: 114-115

Ο Lewis γράφει ότι ο Chagall “παραμένει ο σημαντικότερος εικαστικός καλλιτέχνης που υπήρξε μάρτυρας του κόσμου του Εβραϊσμού της Ανατολικής Ευρώπης… και έγινε ακούσια ο δημόσιος μάρτυρας ενός πολιτισμού που έχει πλέον εξαφανιστεί”. Αν και ο Ιουδαϊσμός έχει θρησκευτικές αναστολές σχετικά με την εικαστική τέχνη πολλών θρησκευτικών θεμάτων, ο Chagall κατάφερε να χρησιμοποιήσει τις φανταστικές εικόνες του ως μια μορφή οπτικής μεταφοράς σε συνδυασμό με λαϊκές εικόνες. Ο “Βιολιστής στη στέγη” του, για παράδειγμα, συνδυάζει ένα λαϊκό σκηνικό χωριού με έναν βιολιστή ως έναν τρόπο να δείξει την εβραϊκή αγάπη για τη μουσική ως σημαντική για το εβραϊκό πνεύμα.

Η μουσική έπαιξε σημαντικό ρόλο στη διαμόρφωση των θεμάτων του έργου του. Ενώ αργότερα αγάπησε τη μουσική του Μπαχ και του Μότσαρτ, κατά τη διάρκεια της νεότητάς του επηρεάστηκε κυρίως από τη μουσική της χασιδικής κοινότητας όπου μεγάλωσε. Ο ιστορικός τέχνης Franz Meyer επισημαίνει ότι ένας από τους κύριους λόγους για τον αντισυμβατικό χαρακτήρα του έργου του σχετίζεται με τον χασιδισμό που ενέπνευσε τον κόσμο των παιδικών και νεανικών του χρόνων και στην πραγματικότητα είχε αποτυπωθεί στους περισσότερους Εβραίους της Ανατολικής Ευρώπης από τον 18ο αιώνα. Γράφει: “Για τον Chagall αυτή είναι μια από τις βαθύτερες πηγές, όχι έμπνευσης, αλλά μιας συγκεκριμένης πνευματικής στάσης… το χασιδικό πνεύμα εξακολουθεί να αποτελεί τη βάση και την πηγή της τροφής της τέχνης του”: 24 Σε μια ομιλία που έδωσε ο Chagall το 1963 κατά την επίσκεψή του στην Αμερική, μίλησε για κάποιες από αυτές τις εντυπώσεις.

Ωστόσο, ο Σαγκάλ είχε μια πολύπλοκη σχέση με τον Ιουδαϊσμό. Από τη μία πλευρά, πίστευε ότι το ρωσικό εβραϊκό πολιτιστικό του υπόβαθρο ήταν ζωτικής σημασίας για την καλλιτεχνική του φαντασία. Αλλά όσο αμφίθυμος και αν ήταν για τη θρησκεία του, δεν μπορούσε να αποφύγει να αντλήσει καλλιτεχνικό υλικό από το εβραϊκό του παρελθόν. Ως ενήλικας, δεν ασκούσε το εβραϊκό δόγμα, αλλά μέσω των πινάκων και των βιτρό του, προσπαθούσε συνεχώς να υποδηλώνει ένα πιο “οικουμενικό μήνυμα”, χρησιμοποιώντας τόσο εβραϊκά όσο και χριστιανικά θέματα.

Για περίπου δύο χιλιάδες χρόνια ένα απόθεμα ενέργειας μας τροφοδοτούσε και μας στήριζε και γέμιζε τις ζωές μας, αλλά κατά τη διάρκεια του τελευταίου αιώνα άνοιξε ένα ρήγμα σε αυτό το απόθεμα και τα συστατικά του άρχισαν να αποσυντίθενται: Ο Θεός, η προοπτική, το χρώμα, η Βίβλος, το σχήμα, η γραμμή, οι παραδόσεις, οι λεγόμενες ανθρωπιστικές επιστήμες, η αγάπη, η αφοσίωση, η οικογένεια, το σχολείο, η εκπαίδευση, οι προφήτες και ο ίδιος ο Χριστός. Έχω κι εγώ, ίσως, αμφισβητήσει στην εποχή μου; Ζωγράφισα εικόνες ανάποδα, αποκεφάλισα ανθρώπους και τους τεμάχισα, σκορπίζοντας τα κομμάτια στον αέρα, όλα στο όνομα μιας άλλης προοπτικής, ενός άλλου είδους σύνθεσης εικόνας και ενός άλλου φορμαλισμού: 29

Φρόντισε επίσης να αποστασιοποιήσει το έργο του από μια ενιαία εβραϊκή εστίαση. Στα εγκαίνια του Μουσείου Chagall στη Νίκαια δήλωσε: “Η ζωγραφική μου δεν αντιπροσωπεύει το όνειρο ενός λαού αλλά ολόκληρης της ανθρωπότητας”.

Διαβάστε επίσης, ιστορία – Κλέμενς φον Μέττερνιχ

Βιτρό παράθυρα

Μια από τις σημαντικότερες συνεισφορές του Chagall στην τέχνη ήταν το έργο του με το βιτρό. Αυτό το μέσο του επέτρεψε να εκφράσει περαιτέρω την επιθυμία του να δημιουργήσει έντονα και φρέσκα χρώματα και είχε το πρόσθετο πλεονέκτημα ότι το φυσικό φως και η διάθλαση αλληλεπιδρούσαν και άλλαζαν συνεχώς: τα πάντα, από τη θέση στην οποία στεκόταν ο θεατής μέχρι τον καιρό έξω, άλλαζαν το οπτικό αποτέλεσμα (αν και αυτό δεν ισχύει για τα παράθυρα του Hadassah). Μόλις το 1956, όταν ήταν σχεδόν 70 ετών, σχεδίασε παράθυρα για την εκκλησία του Assy, το πρώτο του μεγάλο έργο. Στη συνέχεια, από το 1958 έως το 1960, δημιούργησε παράθυρα για τον καθεδρικό ναό του Metz.

Το 1960 άρχισε να δημιουργεί βιτρό παράθυρα για τη συναγωγή του Ιατρικού Κέντρου Hadassah του Εβραϊκού Πανεπιστημίου στην Ιερουσαλήμ. Ο Leymarie γράφει ότι “προκειμένου να φωτιστεί η συναγωγή τόσο πνευματικά όσο και σωματικά”, αποφασίστηκε ότι τα δώδεκα παράθυρα, που αντιπροσώπευαν τις δώδεκα φυλές του Ισραήλ, θα γέμιζαν με βιτρό. Ο Chagall οραματιζόταν τη συναγωγή ως “ένα στέμμα που προσφέρεται στην Εβραία Βασίλισσα” και τα παράθυρα ως “κοσμήματα ημιδιαφανούς φωτιάς”, γράφει. Στη συνέχεια, ο Chagall αφιέρωσε τα επόμενα δύο χρόνια στο έργο, και με την ολοκλήρωσή του το 1961 τα παράθυρα εκτέθηκαν στο Παρίσι και στη συνέχεια στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης της Νέας Υόρκης. Τοποθετήθηκαν μόνιμα στην Ιερουσαλήμ τον Φεβρουάριο του 1962. Καθένα από τα δώδεκα παράθυρα έχει ύψος περίπου 11 πόδια και πλάτος 8 πόδια (2,4 μ.), πολύ μεγαλύτερο από οτιδήποτε άλλο είχε κάνει στο παρελθόν. Ο Cogniat τα θεωρεί ως “το μεγαλύτερο έργο του στον τομέα του βιτρό”, αν και η Virginia Haggard McNeil καταγράφει την απογοήτευση του Chagall για το γεγονός ότι επρόκειτο να φωτίζονται με τεχνητό φως και έτσι δεν θα άλλαζαν ανάλογα με τις συνθήκες του φυσικού φωτός.

Ο Γάλλος φιλόσοφος Gaston Bachelard σχολίασε ότι “ο Chagall διαβάζει τη Βίβλο και ξαφνικά τα χωρία γίνονται φως”: xii Το 1973 το Ισραήλ κυκλοφόρησε μια σειρά 12 γραμματοσήμων με εικόνες των βιτρό.

Τα παράθυρα συμβολίζουν τις δώδεκα φυλές του Ισραήλ που ευλογήθηκαν από τον Ιακώβ και τον Μωυσή στα εδάφια που κλείνουν τη Γένεση και το Δευτερονόμιο. Σε αυτά τα βιβλία, σημειώνει ο Leymarie, “ο ετοιμοθάνατος Μωυσής επανέλαβε την επίσημη πράξη του Ιακώβ και, με κάπως διαφορετική σειρά, ευλόγησε επίσης τις δώδεκα φυλές του Ισραήλ που επρόκειτο να εισέλθουν στη γη Χαναάν… Στη συναγωγή, όπου τα παράθυρα κατανέμονται με τον ίδιο τρόπο, οι φυλές σχηματίζουν μια συμβολική τιμητική φρουρά γύρω από τη σκηνή.”: xii Ο Leymarie περιγράφει τη φυσική και πνευματική σημασία των παραθύρων:

Η ουσία των παραθύρων της Ιερουσαλήμ έγκειται στο χρώμα, στη μαγική ικανότητα του Chagall να ζωντανεύει το υλικό και να το μετατρέπει σε φως. Οι λέξεις δεν έχουν τη δύναμη να περιγράψουν το χρώμα του Chagall, την πνευματικότητά του, την τραγουδιστική του ποιότητα, την εκθαμβωτική φωτεινότητά του, την όλο και πιο λεπτή ροή του και την ευαισθησία του στις κλίσεις της ψυχής και τις μετακινήσεις της φαντασίας. Είναι ταυτόχρονα σκληρό σαν κόσμημα και αφρώδες, αντηχητικό και διεισδυτικό, ακτινοβολεί φως από ένα άγνωστο εσωτερικό.: xii

Στην τελετή εγκαινίων το 1962, ο Chagall περιέγραψε τα συναισθήματά του για τα παράθυρα:

Για μένα ένα βιτρό είναι ένα διαφανές διαχωριστικό ανάμεσα στην καρδιά μου και την καρδιά του κόσμου. Το βιτρό πρέπει να είναι σοβαρό και παθιασμένο. Είναι κάτι που εξυψώνει και ενθουσιάζει. Πρέπει να ζει μέσα από την αντίληψη του φωτός. Το να διαβάζεις τη Βίβλο σημαίνει να αντιλαμβάνεσαι ένα συγκεκριμένο φως, και το παράθυρο πρέπει να το κάνει προφανές μέσα από την απλότητα και τη χάρη του… Οι σκέψεις φωλιάζουν μέσα μου εδώ και πολλά χρόνια, από την εποχή που τα πόδια μου περπάτησαν στους Αγίους Τόπους, όταν προετοιμάστηκα να δημιουργήσω χαρακτικά της Βίβλου. Με ενδυνάμωσαν και με ενθάρρυναν να φέρω το ταπεινό μου δώρο στον εβραϊκό λαό – αυτόν τον λαό που έζησε εδώ πριν από χιλιάδες χρόνια, ανάμεσα στους άλλους σημιτικούς λαούς: 145-146

Το 1964 ο Chagall δημιούργησε ένα βιτρό με τίτλο “Ειρήνη” για τον ΟΗΕ προς τιμήν του Dag Hammarskjöld, του δεύτερου γενικού γραμματέα του ΟΗΕ, ο οποίος σκοτώθηκε σε αεροπορικό δυστύχημα στην Αφρική το 1961. Το παράθυρο έχει πλάτος περίπου 4,6 μέτρα (15 πόδια) και ύψος 3,7 μέτρα (12 πόδια) και περιέχει σύμβολα της ειρήνης και της αγάπης μαζί με μουσικά σύμβολα. Το 1967 αφιέρωσε ένα βιτρό παράθυρο στον John D. Rockefeller στην Union Church του Pocantico Hills της Νέας Υόρκης.

Η εκκλησία Fraumünster στη Ζυρίχη της Ελβετίας, που ιδρύθηκε το 853, είναι γνωστή για τα πέντε μεγάλα βιτρό παράθυρα που δημιούργησε ο Chagall το 1967. Κάθε παράθυρο έχει ύψος 9,8 μέτρα και πλάτος 0,91 μέτρα. Ο ιστορικός της θρησκείας James H. Charlesworth σημειώνει ότι είναι “εκπληκτικό το πώς τα χριστιανικά σύμβολα εμφανίζονται στα έργα ενός καλλιτέχνη που προέρχεται από ένα αυστηρό και ορθόδοξο εβραϊκό υπόβαθρο”. Υποθέτει ότι ο Chagall, ως αποτέλεσμα της ρωσικής καταγωγής του, χρησιμοποιούσε συχνά ρωσικές εικόνες στους πίνακές του, με τις ερμηνείες τους σε χριστιανικά σύμβολα. Εξηγεί ότι τα θέματα που επέλεγε συνήθως προέρχονταν από βιβλικές ιστορίες και συχνά απεικόνιζαν την “υπακοή και τον πόνο του εκλεκτού λαού του Θεού”. Ένας από τους πίνακες απεικονίζει τον Μωυσή να λαμβάνει την Τορά, με ακτίνες φωτός από το κεφάλι του. Στην κορυφή ενός άλλου πίνακα απεικονίζεται η σταύρωση του Ιησού.

Το 1978 άρχισε να δημιουργεί παράθυρα για την εκκλησία του Αγίου Στεφάνου στο Μάιντς της Γερμανίας. Σήμερα, 200.000 επισκέπτες ετησίως επισκέπτονται την εκκλησία και “τουρίστες από όλο τον κόσμο προσκυνούν στο όρος του Αγίου Στεφάνου, για να δουν τα λαμπερά μπλε βιτρό παράθυρα του καλλιτέχνη Μαρκ Σαγκάλ”, αναφέρει η ιστοσελίδα της πόλης. “Ο Άγιος Στέφανος είναι η μόνη γερμανική εκκλησία για την οποία ο Chagall έχει δημιουργήσει παράθυρα”.

Η ιστοσελίδα σημειώνει επίσης: “Τα χρώματα απευθύνονται άμεσα στη ζωτική μας συνείδηση, επειδή μιλούν για αισιοδοξία, ελπίδα και χαρά στη ζωή”, λέει ο Monsignor Klaus Mayer, ο οποίος μεταδίδει το έργο του Chagall σε διαλέξεις και βιβλία. Αλληλογραφούσε με τον Chagall κατά τη διάρκεια του 1973 και κατάφερε να πείσει τον “δάσκαλο του χρώματος και του βιβλικού μηνύματος” να δημιουργήσει ένα σημάδι για την εβραϊκή-χριστιανική σύνδεση και τη διεθνή κατανόηση. Αιώνες νωρίτερα το Μάιντς ήταν “η πρωτεύουσα του ευρωπαϊκού εβραϊσμού” και περιείχε τη μεγαλύτερη εβραϊκή κοινότητα στην Ευρώπη, σημειώνει ο ιστορικός Τζον Μαν. Το 1978, σε ηλικία 91 ετών, ο Chagall δημιούργησε το πρώτο παράθυρο και ακολούθησαν άλλα οκτώ. Ο συνεργάτης του Chagall, Charles Marq, συμπλήρωσε το έργο του Chagall προσθέτοντας αρκετά βιτρό παράθυρα χρησιμοποιώντας τα χαρακτηριστικά χρώματα του Chagall.

Η εκκλησία των Αγίων Πάντων στο Tudeley είναι η μόνη εκκλησία στον κόσμο που και τα δώδεκα παράθυρά της έχουν διακοσμηθεί από τον Chagall. Τα άλλα τρία θρησκευτικά κτίρια με πλήρη σύνολα παραθύρων Chagall είναι η συναγωγή του Ιατρικού Κέντρου Hadassah, το παρεκκλήσι Le Saillant, στο Λιμουζίν, και η εκκλησία Union Church του Pocantico Hills, στη Νέα Υόρκη.

Τα παράθυρα στο Tudeley παραγγέλθηκαν από τον Sir Henry και τη Lady Rosemary d”Avigdor-Goldsmid ως φόρος τιμής στην κόρη τους Sarah, η οποία πέθανε το 1963 σε ηλικία 21 ετών σε ατύχημα με ιστιοπλοϊκό στα ανοικτά του Rye. Όταν ο Chagall έφτασε για τα εγκαίνια του ανατολικού παραθύρου το 1967 και είδε για πρώτη φορά την εκκλησία, αναφώνησε “C”est magnifique! Je les ferai tous!” (“Είναι πανέμορφο! Θα τα κάνω όλα!”) Τα επόμενα δέκα χρόνια ο Chagall σχεδίασε τα υπόλοιπα έντεκα παράθυρα, τα οποία έγιναν και πάλι σε συνεργασία με τον υαλουργό Charles Marq στο εργαστήριό του στο Reims της βόρειας Γαλλίας. Τα τελευταία παράθυρα τοποθετήθηκαν το 1985, λίγο πριν από το θάνατο του Chagall.

Στη βόρεια πλευρά του καθεδρικού ναού του Τσίτσεστερ υπάρχει ένα βιτρό που σχεδίασε και δημιούργησε ο Σαγκάλ σε ηλικία 90 ετών. Το παράθυρο, το τελευταίο έργο που του ανατέθηκε, ήταν εμπνευσμένο από τον Ψαλμό 150: “Ας δοξάσει τον Κύριο κάθε τι που έχει πνοή”, κατόπιν πρότασης του κοσμήτορα Walter Hussey. Τα αποκαλυπτήρια του παραθύρου έγιναν από τη Δούκισσα του Κεντ το 1978.

Ο Chagall επισκέφθηκε το Σικάγο στις αρχές της δεκαετίας του 1970 για να εγκαταστήσει την τοιχογραφία του “Οι τέσσερις εποχές” και εκείνη την εποχή εμπνεύστηκε τη δημιουργία μιας σειράς βιτρό για το Ινστιτούτο Τέχνης του Σικάγο. Μετά από συζητήσεις με το Ινστιτούτο Τέχνης και περαιτέρω προβληματισμό, ο Chagall έκανε τα παράθυρα έναν φόρο τιμής στην αμερικανική διακοσιοστή επέτειο, και ειδικότερα στη δέσμευση των Ηνωμένων Πολιτειών για πολιτιστική και θρησκευτική ελευθερία. Τα παράθυρα εμφανίστηκαν σε περίοπτη θέση στην ταινία του 1986 Ferris Bueller”s Day Off. Από το 2005 έως το 2010, τα παράθυρα μεταφέρθηκαν λόγω της κοντινής κατασκευής μιας νέας πτέρυγας του Ινστιτούτου Τέχνης και για τον καθαρισμό των αρχείων.

Διαβάστε επίσης, βιογραφίες – Μαξιμιλιανός Α΄ της Αγίας Ρωμαϊκής Αυτοκρατορίας

Τοιχογραφίες, θεατρικά σκηνικά και κοστούμια

Ο Σαγκάλ ασχολήθηκε για πρώτη φορά με σκηνικά σχέδια το 1914, ενώ ζούσε στη Ρωσία, υπό την έμπνευση του θεατρικού σχεδιαστή και καλλιτέχνη Léon Bakst. Ήταν κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου στο ρωσικό θέατρο που οι μέχρι πρότινος στατικές ιδέες της σκηνογραφίας, σύμφωνα με τον Cogniat, “σαρώθηκαν υπέρ μιας εντελώς αυθαίρετης αίσθησης του χώρου με διαφορετικές διαστάσεις, προοπτικές, χρώματα και ρυθμούς”: 66 Αυτές οι αλλαγές άρεσαν στον Chagall, ο οποίος πειραματιζόταν με τον κυβισμό και ήθελε έναν τρόπο να ζωντανέψει τις εικόνες του. Σχεδιάζοντας τοιχογραφίες και σκηνικά σχέδια, τα “όνειρα του Chagall ζωντάνεψαν και έγιναν ένα πραγματικό κίνημα”.

Ως αποτέλεσμα, ο Chagall έπαιξε σημαντικό ρόλο στη ρωσική καλλιτεχνική ζωή εκείνη την εποχή και “ήταν μια από τις σημαντικότερες δυνάμεις στην τρέχουσα ώθηση προς τον αντιρεαλισμό”, η οποία βοήθησε τη νέα Ρωσία να επινοήσει “εκπληκτικές” δημιουργίες. Πολλά από τα σχέδιά του έγιναν για το Εβραϊκό Θέατρο της Μόσχας, το οποίο ανέβαζε πολυάριθμα εβραϊκά έργα θεατρικών συγγραφέων όπως ο Γκόγκολ και ο Σίνγκε. Τα σκηνικά του Chagall βοήθησαν στη δημιουργία ψευδαισθητικών ατμοσφαιρών που έγιναν η ουσία των θεατρικών παραστάσεων.

Αφού έφυγε από τη Ρωσία, πέρασαν είκοσι χρόνια μέχρι να του δοθεί ξανά η ευκαιρία να σχεδιάσει θεατρικά σκηνικά. Στα χρόνια που μεσολάβησαν, οι πίνακές του εξακολουθούσαν να περιλαμβάνουν αρλεκίνους, κλόουν και ακροβάτες, οι οποίοι, όπως σημειώνει ο Cogniat, “μεταφέρουν τη συναισθηματική του προσκόλληση και τη νοσταλγία του για το θέατρο”. Η πρώτη του ανάθεση σχεδιασμού σκηνικών μετά τη Ρωσία ήταν για το μπαλέτο “Aleko” το 1942, ενώ ζούσε στην Αμερική. Το 1945 του ανατέθηκε επίσης να σχεδιάσει τα σκηνικά και τα κοστούμια για το “Firebird” του Στραβίνσκι. Τα σχέδια αυτά συνέβαλαν σημαντικά στην ενίσχυση της φήμης του στην Αμερική ως σημαντικού καλλιτέχνη και, από το 2013, εξακολουθούν να χρησιμοποιούνται από το New York City Ballet.

Ο Cogniat περιγράφει πώς τα σχέδια του Chagall “βυθίζουν τον θεατή σε μια φωτεινή, χρωματιστή παραμυθένια χώρα, όπου οι μορφές ορίζονται ομιχλώδη και οι ίδιοι οι χώροι μοιάζουν να ζωντανεύουν με ανεμοστρόβιλους ή εκρήξεις”. Η τεχνική του να χρησιμοποιεί το θεατρικό χρώμα με αυτόν τον τρόπο έφτασε στο αποκορύφωμά της όταν ο Chagall επέστρεψε στο Παρίσι και σχεδίασε τα σκηνικά για το έργο του Ravel “Δάφνις και Χλόη” το 1958.

Το 1964 ξαναζωγράφισε την οροφή της Όπερας του Παρισιού χρησιμοποιώντας 2.400 τετραγωνικά πόδια (220 m2) καμβά. Ζωγράφισε δύο μνημειώδεις τοιχογραφίες που κρέμονται στις απέναντι πλευρές της νέας Μητροπολιτικής Όπερας στο Lincoln Center της Νέας Υόρκης, η οποία εγκαινιάστηκε το 1966. Τα έργα, Οι πηγές της μουσικής και Ο θρίαμβος της μουσικής, τα οποία κρέμονται από το ανώτατο επίπεδο του μπαλκονιού και εκτείνονται μέχρι το επίπεδο του λόμπι του Grand Tier, ολοκληρώθηκαν στη Γαλλία και μεταφέρθηκαν στη Νέα Υόρκη, και καλύπτονται από ένα σύστημα πάνελ κατά τις ώρες κατά τις οποίες η όπερα δέχεται άμεσο ηλιακό φως για να αποφευχθεί το ξεθώριασμα. Σχεδίασε επίσης τα σκηνικά και τα κοστούμια για μια νέα παραγωγή του έργου Die Zauberflöte για τον θίασο, η οποία άνοιξε τον Φεβρουάριο του 1967 και χρησιμοποιήθηκε μέχρι το 1981

Διαβάστε επίσης, βιογραφίες – Τζων Λοκ

Ταπισερί

Ο Chagall σχεδίασε επίσης ταπισερί που υφάνθηκαν υπό τη διεύθυνση της Yvette Cauquil-Prince, η οποία συνεργάστηκε επίσης με τον Picasso. Αυτές οι ταπισερί είναι πολύ πιο σπάνιες από τους πίνακές του, καθώς μόνο 40 από αυτές έφτασαν ποτέ στην εμπορική αγορά. Ο Chagall σχεδίασε τρεις ταπισερί για την αίθουσα εκδηλώσεων της Κνεσέτ στο Ισραήλ, μαζί με 12 ψηφιδωτά δαπέδου και ένα ψηφιδωτό τοίχου.

Διαβάστε επίσης, ιστορία – Τσιν Σι Χουάνγκ – Πρώτος Αυτοκράτορας της Κίνας.

Κεραμική και γλυπτική

Ο Chagall άρχισε να μαθαίνει για την κεραμική και τη γλυπτική ενώ ζούσε στη νότια Γαλλία. Η κεραμική έγινε μόδα στην Κυανή Ακτή με διάφορα εργαστήρια που ξεκίνησαν στην Αντίμπ, τη Βενς και τη Βαλαωρίς. Παρακολούθησε μαθήματα μαζί με άλλους γνωστούς καλλιτέχνες, όπως ο Πικάσο και ο Fernand Léger. Στην αρχή ο Chagall ζωγράφιζε υπάρχοντα κομμάτια κεραμικής αλλά σύντομα επεκτάθηκε στο να σχεδιάζει τα δικά του, γεγονός που ξεκίνησε το έργο του ως γλύπτης ως συμπλήρωμα της ζωγραφικής του.

Αφού πειραματίστηκε με κεραμικά και πιάτα, προχώρησε σε μεγάλες κεραμικές τοιχογραφίες. Ωστόσο, δεν ήταν ποτέ ικανοποιημένος με τα όρια που του επέβαλαν τα τετράγωνα τμήματα των πλακιδίων, τα οποία, όπως σημειώνει ο Cogniat, “του επέβαλαν μια πειθαρχία που εμπόδιζε τη δημιουργία μιας πλαστικής εικόνας”: 76

Η συγγραφέας Serena Davies γράφει ότι “όταν πέθανε στη Γαλλία το 1985 – ο τελευταίος επιζών δάσκαλος του ευρωπαϊκού μοντερνισμού, ξεπερνώντας τον Joan Miró κατά δύο χρόνια – είχε βιώσει από πρώτο χέρι τις μεγάλες ελπίδες και τις συντριπτικές απογοητεύσεις της ρωσικής επανάστασης και είχε γίνει μάρτυρας του τέλους της Παλαιάς Εγκατάστασης, του σχεδόν αφανισμού του ευρωπαϊκού εβραϊσμού και του αφανισμού του Βίτεμπσκ, της γενέτειράς του, όπου μόνο 118 από τους 240.000 κατοίκους επέζησαν από τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο”.

Το τελευταίο έργο του Chagall ήταν ένα έργο τέχνης που είχε παραγγελθεί για το Ινστιτούτο Αποκατάστασης του Σικάγο. Ο πίνακας μακέτα με τίτλο Job είχε ολοκληρωθεί, αλλά ο Chagall πέθανε λίγο πριν από την ολοκλήρωση της ταπισερί. η Yvette Cauquil-Prince ύφαινε την ταπισερί υπό την επίβλεψη του Chagall και ήταν το τελευταίο άτομο που εργάστηκε με τον Chagall. Έφυγε από το σπίτι της Vava και του Marc Chagall στις 4 μ.μ. στις 28 Μαρτίου, αφού συζήτησε και ταίριαξε τα τελικά χρώματα από τη μακέτα ζωγραφικής για την ταπισερί. Πέθανε εκείνο το βράδυ.

Η σχέση του με την εβραϊκή του ταυτότητα ήταν “άλυτη και τραγική”, αναφέρει ο Davies. Θα είχε πεθάνει χωρίς εβραϊκές τελετές, αν δεν είχε εμφανιστεί ένας Εβραίος ξένος και δεν είχε πει το Καντίς, την εβραϊκή προσευχή για τους νεκρούς, πάνω από το φέρετρό του. Ο Σαγκάλ έχει ταφεί μαζί με την τελευταία του σύζυγο Βαλεντίνα “Βάβα” Μπρόντσκι Σαγκάλ, στο πολυθρησκευτικό νεκροταφείο στην παραδοσιακή πόλη των καλλιτεχνών Σεν-Πολ-ντε-Βενς, στη γαλλική περιφέρεια της Προβηγκίας.

Η βιογράφος του Chagall Jackie Wullschlager τον επαινεί ως “πρωτοπόρο της μοντέρνας τέχνης και έναν από τους μεγαλύτερους παραστατικούς ζωγράφους της… επινόησε μια οπτική γλώσσα που κατέγραψε τη συγκίνηση και τον τρόμο του εικοστού αιώνα”. Η ίδια προσθέτει: “Ο πατέρας μου είναι ο πιο διάσημος καλλιτέχνης που γνώρισα ποτέ:

Στους καμβάδες του διαβάζουμε τον θρίαμβο του μοντερνισμού, την επανάσταση της τέχνης σε μια έκφραση της εσωτερικής ζωής που … αποτελεί μια από τις σημαντικότερες παρακαταθήκες του περασμένου αιώνα. Ταυτόχρονα ο Σαγκάλ παρασύρθηκε προσωπικά από τη φρίκη της ευρωπαϊκής ιστορίας μεταξύ 1914 και 1945: παγκόσμιοι πόλεμοι, επανάσταση, εθνικές διώξεις, δολοφονίες και εξορίες εκατομμυρίων ανθρώπων. Σε μια εποχή που πολλοί μεγάλοι καλλιτέχνες κατέφυγαν από την πραγματικότητα προς την αφαίρεση, εκείνος αποστάζει τις εμπειρίες του από τον πόνο και την τραγωδία σε εικόνες ταυτόχρονα άμεσες, απλές και συμβολικές στις οποίες ο καθένας θα μπορούσε να ανταποκριθεί: 4

Οι ιστορικοί τέχνης Ingo Walther και Rainer Metzger αναφέρονται στον Chagall ως “ποιητή, ονειροπόλο και εξωτικό φαινόμενο”. Προσθέτουν ότι καθ” όλη τη διάρκεια της μακρόχρονης ζωής του ο “ρόλος του παρείσακτου και του καλλιτεχνικού εκκεντρικού” του ήρθε φυσικά, καθώς έμοιαζε να είναι ένα είδος ενδιάμεσου μεταξύ των κόσμων: “ως Εβραίος με μια αρχοντική περιφρόνηση για την αρχαία απαγόρευση της δημιουργίας εικόνων- ως Ρώσος που ξεπέρασε τη σφαίρα της οικείας αυτάρκειας- ή ως γιος φτωχών γονέων, που μεγάλωσε σε μια μεγάλη και άπορη οικογένεια”. Ωστόσο, συνέχισε να εδραιώνεται στον εκλεπτυσμένο κόσμο των “κομψών καλλιτεχνικών σαλονιών”: 7

Χάρη στη φαντασία του και τις έντονες αναμνήσεις του, ο Chagall μπόρεσε να χρησιμοποιήσει τυπικά μοτίβα και θέματα στα περισσότερα έργα του: σκηνές από χωριά, την αγροτική ζωή και προσωπικές απόψεις του μικρού κόσμου του εβραϊκού χωριού (shtetl). Οι ήρεμες φιγούρες και οι απλές χειρονομίες του βοήθησαν στην παραγωγή μιας “μνημειώδους αίσθησης αξιοπρέπειας” μεταφράζοντας τις καθημερινές εβραϊκές τελετουργίες σε ένα “διαχρονικό βασίλειο εικονικής γαλήνης”: 8 Ο Leymarie γράφει ότι ο Chagall “ξεπέρασε τα όρια του αιώνα του. Αποκάλυψε δυνατότητες ανυποψίαστες από μια τέχνη που είχε χάσει την επαφή της με τη Βίβλο, και με τον τρόπο αυτό πέτυχε μια εντελώς νέα σύνθεση του εβραϊκού πολιτισμού που αγνοούσε επί μακρόν η ζωγραφική”. Προσθέτει ότι αν και η τέχνη του Chagall δεν μπορεί να περιοριστεί στη θρησκεία, “οι πιο συγκινητικές και πρωτότυπες συνεισφορές του, αυτό που ο ίδιος αποκαλούσε “το μήνυμά του”, είναι αυτές που αντλούνται από θρησκευτικές ή, ακριβέστερα, βιβλικές πηγές”: x

Οι Walther και Metzger προσπαθούν να συνοψίσουν τη συμβολή του Chagall στην τέχνη:

Η ζωή του και η τέχνη του μαζί συνέθεταν αυτή την εικόνα ενός μοναχικού οραματιστή, ενός πολίτη του κόσμου με πολλά από τα παιδικά του στοιχεία ακόμα μέσα του, ενός ξένου χαμένου στο θαύμα – μια εικόνα που ο καλλιτέχνης έκανε τα πάντα για να καλλιεργήσει. Βαθιά θρησκευόμενος και με βαθιά αγάπη για την πατρίδα, το έργο του είναι αναμφισβήτητα η πιο επείγουσα έκκληση για ανεκτικότητα και σεβασμό σε κάθε τι διαφορετικό που θα μπορούσε να κάνει η σύγχρονη εποχή: 7

Ο Andre Malraux τον επαίνεσε. Είπε: ” είναι ο μεγαλύτερος δημιουργός εικόνων αυτού του αιώνα. Κοίταξε τον κόσμο μας με το φως της ελευθερίας και τον είδε με τα χρώματα της αγάπης”.

Διαβάστε επίσης, βιογραφίες – Τζέσε Όουενς

Αγορά τέχνης

Μια ελαιογραφία του Chagall του 1928, Les Amoureux, διαστάσεων 117,3 x 90,5 cm, που απεικονίζει την Bella Rosenfeld, την πρώτη σύζυγο του καλλιτέχνη και υιοθετημένη πατρίδα του το Παρίσι, πωλήθηκε έναντι 28,5 εκατομμυρίων δολαρίων (με αμοιβές) στον οίκο Sotheby”s της Νέας Υόρκης, στις 14 Νοεμβρίου 2017, σχεδόν διπλασιάζοντας το ρεκόρ δημοπρασίας του Chagall των 14,85 εκατομμυρίων δολαρίων που ίσχυε πριν από 27 χρόνια.

Τον Οκτώβριο του 2010, ο πίνακάς του Bestiaire et Musique, που απεικονίζει μια νύφη και έναν βιολιστή να επιπλέουν σε έναν νυχτερινό ουρανό ανάμεσα σε καλλιτέχνες τσίρκου και ζώα, “ήταν ο πρωταγωνιστής” σε μια δημοπρασία στο Χονγκ Κονγκ. Όταν πωλήθηκε για 4,1 εκατομμύρια δολάρια, έγινε ο ακριβότερος σύγχρονος δυτικός πίνακας που πωλήθηκε ποτέ στην Ασία.

Το 2013, άγνωστα μέχρι τότε έργα του Σαγκάλ ανακαλύφθηκαν στην κρύπτη με τα έργα τέχνης που έκρυβε ο γιος ενός από τους εμπόρους έργων τέχνης του Χίτλερ, του Χίλντεμπραντ Γκούρλιτ.

Τη δεκαετία του 1990, ο Daniel Jamieson έγραψε το έργο The Flying Lovers of Vitebsk, ένα έργο που αφορά τη ζωή του Chagall και της συντρόφου του Bella. Έχει αναβιώσει πολλές φορές, πιο πρόσφατα το 2020 με την Emma Rice να σκηνοθετεί μια παραγωγή που μεταδόθηκε ζωντανά από το Bristol Old Vic και στη συνέχεια διατέθηκε για προβολή κατά παραγγελία, σε συνεργασία με θέατρα σε όλο τον κόσμο. Η παραγωγή αυτή είχε τον Marc Antolin στον ρόλο του Chagall και την Audrey Brisson να υποδύεται την Bella Chagall- η παραγωγή έγινε κατά τη διάρκεια της επιδημίας COVID και απαιτούσε από όλο το συνεργείο να μπει σε καραντίνα μαζί για να καταστεί δυνατή η ζωντανή παράσταση και μετάδοση.

Κατά τη διάρκεια της ζωής του, ο Chagall έλαβε αρκετές διακρίσεις:

Chagall, ένα σύντομο ντοκιμαντέρ του 1963, παρουσιάζει τον Chagall. Κέρδισε το 1964 το βραβείο Όσκαρ καλύτερου ντοκιμαντέρ μικρού μήκους.

Λόγω της διεθνούς αναγνώρισης που απολάμβανε και της δημοτικότητας της τέχνης του, πολλές χώρες έχουν εκδώσει αναμνηστικά γραμματόσημα προς τιμήν του, στα οποία απεικονίζονται δείγματα από τα έργα του. Το 1963 η Γαλλία εξέδωσε γραμματόσημο με τον πίνακά του, Το παντρεμένο ζευγάρι στον Πύργο του Άιφελ. Το 1969, το Ισραήλ εξέδωσε γραμματόσημο που απεικόνιζε τον πίνακα του Βασιλιά Δαυίδ. Το 1973 το Ισραήλ κυκλοφόρησε μια σειρά 12 γραμματοσήμων με εικόνες από τα βιτρό παράθυρα που δημιούργησε για τη συναγωγή Hadassah Hebrew University Medical Center- κάθε παράθυρο κατασκευάστηκε για να υποδηλώνει μία από τις “Δώδεκα φυλές του Ισραήλ”.

Το 1987, ως φόρο τιμής για την αναγνώριση της εκατονταετηρίδας από τη γέννησή του στη Λευκορωσία, επτά χώρες συμμετείχαν σε ένα ειδικό πρόγραμμα και κυκλοφόρησαν γραμματόσημα προς τιμήν του. Στις χώρες που εξέδωσαν τα γραμματόσημα περιλαμβάνονταν η Αντίγκουα και Μπαρμπούντα, η Δομίνικα, η Γκάμπια, η Γκάνα, η Σιέρα Λεόνε και η Γρενάδα, οι οποίες μαζί παρήγαγαν 48 γραμματόσημα και 10 φύλλα αναμνηστικών. Αν και όλα τα γραμματόσημα απεικονίζουν τα διάφορα αριστουργήματά του, τα ονόματα των έργων τέχνης δεν αναγράφονται στα γραμματόσημα.

Υπήρξαν επίσης πολλές μεγάλες εκθέσεις του έργου του Chagall κατά τη διάρκεια της ζωής του και μετά το θάνατό του.

Κατά τη διάρκεια της τελετής λήξης των Χειμερινών Ολυμπιακών Αγώνων του 2014 στο Σότσι, ένα άρμα τύπου Chagall με σύννεφα και χορευτές πέρασε ανάποδα αιωρούμενο πάνω από 130 μασκαρεμένους χορευτές, 40 ξυλοπόδαρους και έναν βιολιστή που έπαιζε παραδοσιακή μουσική.

Πηγές

1. Marc Chagall
2. Μαρκ Σαγκάλ