Έντβαρτ Μουνκ
gigatos | 24 Μαΐου, 2022
Σύνοψη
Ο Edvard Munch (12 Δεκεμβρίου 1863 – 23 Ιανουαρίου 1944) ήταν Νορβηγός ζωγράφος. Το γνωστότερο έργο του, Η Κραυγή (1893), έχει γίνει εμβληματική εικόνα του κόσμου της τέχνης.
Η παιδική του ηλικία επισκιάστηκε από ασθένειες, πένθος και τον φόβο ότι θα κληρονομούσε μια ψυχική πάθηση που υπήρχε στην οικογένεια. Σπουδάζοντας στη Βασιλική Σχολή Τέχνης και Σχεδιασμού στην Κριστιάνια (σημερινό Όσλο), ο Μουνκ άρχισε να ζει μια μποέμικη ζωή υπό την επιρροή του μηδενιστή Χανς Γέγκερ, ο οποίος τον παρότρυνε να ζωγραφίζει τη συναισθηματική και ψυχολογική του κατάσταση (“ζωγραφική της ψυχής”). Από αυτό προέκυψε το ιδιαίτερο στυλ του.
Τα ταξίδια έφεραν νέες επιρροές και διεξόδους. Στο Παρίσι, έμαθε πολλά από τον Paul Gauguin, τον Vincent van Gogh και τον Henri de Toulouse-Lautrec, ιδίως από τη χρήση του χρώματος. Στο Βερολίνο, γνώρισε τον Σουηδό δραματουργό August Strindberg, τον οποίο ζωγράφισε, καθώς ξεκίνησε μια μεγάλη σειρά πινάκων που αργότερα θα ονόμαζε “Η ζωφόρος της ζωής”, απεικονίζοντας μια σειρά από βαθιά συναισθανόμενα θέματα, όπως ο έρωτας, το άγχος, η ζήλια και η προδοσία, εμποτισμένα με ατμόσφαιρα.
Το Scream σχεδιάστηκε στην Κριστιάνια. Σύμφωνα με τον Μουνκ, περπατούσε στο ηλιοβασίλεμα, όταν “άκουσε την τεράστια, απέραντη κραυγή της φύσης”. Το αγωνιώδες πρόσωπο του πίνακα ταυτίζεται ευρέως με την αγωνία του σύγχρονου ανθρώπου. Μεταξύ 1893 και 1910, δημιούργησε δύο ζωγραφικές εκδοχές και δύο σε παστέλ, καθώς και μια σειρά από χαρακτικά. Ένα από τα παστέλ θα μπορούσε τελικά να αποφέρει την τέταρτη υψηλότερη ονομαστική τιμή που καταβλήθηκε για πίνακα σε δημοπρασία.
Καθώς η φήμη και ο πλούτος του αυξάνονταν, η συναισθηματική του κατάσταση παρέμενε ανασφαλής. Σκέφτηκε για λίγο να παντρευτεί, αλλά δεν μπορούσε να δεσμευτεί. Ένας ψυχικός κλονισμός το 1908 τον ανάγκασε να εγκαταλείψει το βαρύ ποτό και τον χαροποίησε η αυξανόμενη αποδοχή του από τους κατοίκους της Κριστιάνια και η έκθεσή του στα μουσεία της πόλης. Τα τελευταία του χρόνια τα πέρασε δουλεύοντας ήσυχα και ιδιωτικά. Αν και τα έργα του απαγορεύτηκαν στην κατεχόμενη από τους Ναζί Ευρώπη, τα περισσότερα από αυτά επέζησαν του Β” Παγκοσμίου Πολέμου, εξασφαλίζοντάς του μια κληρονομιά.
Διαβάστε επίσης, βιογραφίες – Λιούις Κάρολ
Παιδική ηλικία
Ο Έντβαρτ Μουνκ γεννήθηκε σε ένα αγροτόσπιτο στο χωριό Ådalsbruk στο Løten της Νορβηγίας, από τη Laura Catherine Bjølstad και τον Christian Munch, γιο ενός ιερέα. Ο Christian ήταν γιατρός και ιατρικός αξιωματικός που παντρεύτηκε τη Laura, μια γυναίκα με τα μισά του χρόνια, το 1861. Ο Edvard είχε μια μεγαλύτερη αδελφή, την Johanne Sophie, και τρία μικρότερα αδέλφια: Peter Andreas, Laura Catherine και Inger Marie. Η Λάουρα ήταν καλλιτεχνικά ταλαντούχα και ίσως ενθάρρυνε τον Έντβαρντ και τη Σόφι. Ο Έντβαρντ είχε συγγένεια με τον ζωγράφο Γιάκομπ Μουνκ και τον ιστορικό Πίτερ Αντρέας Μουνκ.
Η οικογένεια μετακόμισε στην Christiania (που μετονομάστηκε σε Kristiania το 1877, και σήμερα Όσλο) το 1864, όταν ο Christian Munch διορίστηκε ιατρικός αξιωματικός στο φρούριο Akershus. Η μητέρα του Edvard πέθανε από φυματίωση το 1868, όπως και η αγαπημένη αδελφή του Munch, Johanne Sophie, το 1877. Μετά τον θάνατο της μητέρας τους, τα αδέλφια Μουνκ ανατράφηκαν από τον πατέρα τους και τη θεία τους Κάρεν. Συχνά άρρωστος για μεγάλο μέρος του χειμώνα και χωρίς να πηγαίνει σχολείο, ο Έντβαρντ ζωγράφιζε για να απασχολείται. Τον δίδασκαν οι συμμαθητές του στο σχολείο και η θεία του. Ο Christian Munch δίδασκε επίσης τον γιο του στην ιστορία και τη λογοτεχνία και διασκέδαζε τα παιδιά με ζωντανές ιστορίες φαντασμάτων και τις ιστορίες του Αμερικανού συγγραφέα Edgar Allan Poe.
Όπως θυμόταν ο Έντβαρντ, η θετική συμπεριφορά του Κρίστιαν προς τα παιδιά του επισκιάστηκε από τον νοσηρό πιετισμό του. Ο Μουνκ έγραψε: “Ο πατέρας μου ήταν ιδιοσυγκρασιακά νευρικός και εμμονικά θρησκευόμενος – σε σημείο ψυχονευρώσεως. Από αυτόν κληρονόμησα τους σπόρους της τρέλας. Οι άγγελοι του φόβου, της θλίψης και του θανάτου στάθηκαν στο πλευρό μου από την ημέρα που γεννήθηκα”. Ο Κρίστιαν επέπληττε τα παιδιά του λέγοντάς τους ότι η μητέρα τους κοιτάζει από τον ουρανό και θρηνεί για την κακή τους συμπεριφορά. Το καταπιεστικό θρησκευτικό περιβάλλον, η κακή υγεία του Έντβαρντ και οι ζωντανές ιστορίες φαντασμάτων βοήθησαν να εμπνευστούν τα μακάβρια οράματα και τους εφιάλτες του- το αγόρι ένιωθε ότι ο θάνατος πλησίαζε συνεχώς πάνω του. Μία από τις μικρότερες αδελφές του Μουνκ, η Λάουρα, διαγνώστηκε με ψυχική ασθένεια σε νεαρή ηλικία. Από τα πέντε αδέλφια, μόνο ο Αντρέας παντρεύτηκε, αλλά πέθανε λίγους μήνες μετά το γάμο. Ο Μουνκ θα έγραφε αργότερα: “Κληρονόμησα δύο από τους πιο τρομακτικούς εχθρούς της ανθρωπότητας – την κληρονομιά της κατανάλωσης και της παραφροσύνης”.
Η στρατιωτική αμοιβή του Christian Munch ήταν πολύ χαμηλή και οι προσπάθειές του να αναπτύξει μια ιδιωτική πρακτική απέτυχαν, διατηρώντας την οικογένειά του σε μια ευγενική αλλά μόνιμη φτώχεια. Μετακινούνταν συχνά από το ένα φτηνό διαμέρισμα στο άλλο. Τα πρώιμα σχέδια και οι ακουαρέλες του Μουνκ απεικόνιζαν αυτούς τους εσωτερικούς χώρους, καθώς και μεμονωμένα αντικείμενα, όπως μπουκάλια φαρμάκων και εργαλεία ζωγραφικής, καθώς και ορισμένα τοπία. Στην εφηβεία του, η τέχνη κυριάρχησε στα ενδιαφέροντα του Μουνκ. Στα δεκατρία του, ο Μουνκ είχε την πρώτη του επαφή με άλλους καλλιτέχνες στη νεοσύστατη Ένωση Τέχνης, όπου θαύμασε το έργο της νορβηγικής σχολής τοπίου. Επέστρεψε για να αντιγράψει τους πίνακες και σύντομα άρχισε να ζωγραφίζει με λάδι.
Διαβάστε επίσης, βιογραφίες – Αλμπέρ Καμύ
Μελέτες και επιρροές
Το 1879, ο Μουνκ γράφτηκε σε ένα τεχνικό κολέγιο για να σπουδάσει μηχανικός, όπου διακρίθηκε στη φυσική, τη χημεία και τα μαθηματικά. Έμαθε να σχεδιάζει με κλίμακα και προοπτική, αλλά οι συχνές ασθένειες διέκοπταν τις σπουδές του. Την επόμενη χρονιά, προς μεγάλη απογοήτευση του πατέρα του, ο Μουνκ εγκατέλειψε το κολέγιο αποφασισμένος να γίνει ζωγράφος. Ο πατέρας του θεωρούσε την τέχνη ως “ανίερο επάγγελμα” και οι γείτονές του αντέδρασαν πικρά και του έστελναν ανώνυμες επιστολές. Σε αντίθεση με τον λυσσαλέο πιετισμό του πατέρα του, ο Μουνκ υιοθέτησε μια καιροσκοπική στάση απέναντι στην τέχνη. Έγραψε τον στόχο του στο ημερολόγιό του: “Στην τέχνη μου προσπαθώ να εξηγήσω τη ζωή και το νόημά της στον εαυτό μου”.
Το 1881, ο Μουνκ γράφτηκε στη Βασιλική Σχολή Τέχνης και Σχεδίου της Κριστιάνια, ένας από τους ιδρυτές της οποίας ήταν ο μακρινός συγγενής του Γιάκομπ Μουνκ. Καθηγητές του ήταν ο γλύπτης Julius Middelthun και ο νατουραλιστής ζωγράφος Christian Krohg. Εκείνη τη χρονιά, ο Μουνκ απέδειξε τη γρήγορη απορρόφηση της εκπαίδευσης του στη φιγούρα στην ακαδημία στα πρώτα του πορτρέτα, μεταξύ των οποίων ένα του πατέρα του και η πρώτη του αυτοπροσωπογραφία. Το 1883, ο Μουνκ πήρε μέρος στην πρώτη του δημόσια έκθεση και μοιράστηκε ένα στούντιο με άλλους σπουδαστές. Το ολόσωμο πορτρέτο του Karl Jensen-Hjell, ενός διαβόητου μποέμ που κυκλοφορούσε στην πόλη, απέσπασε την απορριπτική απάντηση ενός κριτικού: “Είναι ιμπρεσιονισμός που φτάνει στα άκρα. Είναι μια παρωδία της τέχνης”. Οι πίνακες γυμνών του Μουνκ από αυτή την περίοδο σώζονται μόνο σε σκίτσα, εκτός από το έργο Standing Nude (1887). Μπορεί να κατασχέθηκαν από τον πατέρα του.
Από νεαρή ηλικία ο Μουνκ επηρεάστηκε από ιμπρεσιονιστές όπως ο Édouard Manet και αργότερα από καλλιτέχνες του μεταϊμπρεσιονισμού, όπως ο Vincent van Gogh και ο Paul Gauguin. Κατά τη διάρκεια αυτών των πρώτων χρόνων, πειραματίστηκε με πολλά στυλ, συμπεριλαμβανομένου του νατουραλισμού και του ιμπρεσιονισμού. Ορισμένα πρώιμα έργα του θυμίζουν τον Μανέ. Πολλές από αυτές τις προσπάθειες του έφεραν δυσμενείς κριτικές από τον Τύπο και του απέφεραν συνεχείς επιπλήξεις από τον πατέρα του, ο οποίος ωστόσο του παρείχε μικρά ποσά για τα έξοδα διαβίωσης. Κάποια στιγμή, ωστόσο, ο πατέρας του Μουνκ, ίσως επηρεασμένος από την αρνητική γνώμη του ξαδέλφου του Μουνκ, Έντβαρντ Ντίρικς (καθιερωμένου, παραδοσιακού ζωγράφου), κατέστρεψε τουλάχιστον έναν πίνακα (πιθανότατα ένα γυμνό) και αρνήθηκε να προκαταβάλει άλλα χρήματα για προμήθειες τέχνης.
Ο Μουνκ δέχτηκε επίσης την οργή του πατέρα του για τη σχέση του με τον Χανς Γέγκερ, τον τοπικό μηδενιστή που ζούσε σύμφωνα με τον κώδικα “το πάθος για καταστροφή είναι επίσης ένα δημιουργικό πάθος” και ο οποίος υποστήριζε την αυτοκτονία ως τον απόλυτο τρόπο για την ελευθερία. Ο Μουνκ μπήκε κάτω από την κακόβουλη, αντι-καθεστωτική του γοητεία. “Οι ιδέες μου αναπτύχθηκαν υπό την επιρροή των μποέμ ή μάλλον υπό την επιρροή του Hans Jæger. Πολλοί άνθρωποι ισχυρίστηκαν λανθασμένα ότι οι ιδέες μου διαμορφώθηκαν υπό την επιρροή του Στρίντμπεργκ και των Γερμανών … αλλά αυτό είναι λάθος. Είχαν ήδη διαμορφωθεί από τότε”. Εκείνη την εποχή, σε αντίθεση με πολλούς άλλους μποέμ, ο Μουνκ εξακολουθούσε να σέβεται τις γυναίκες, καθώς και να είναι συγκρατημένος και καλομαθημένος, αλλά άρχισε να υποκύπτει στις κραιπάλες και τους καβγάδες του κύκλου του. Τον αναστάτωσε η σεξουαλική επανάσταση που γινόταν εκείνη την εποχή και οι ανεξάρτητες γυναίκες γύρω του. Αργότερα έγινε κυνικός όσον αφορά τα σεξουαλικά ζητήματα, κάτι που εκφράστηκε όχι μόνο στη συμπεριφορά και την τέχνη του, αλλά και στα γραπτά του, με παράδειγμα ένα μεγάλο ποίημα με τίτλο Η πόλη του ελεύθερου έρωτα. Εξαρτώμενος ακόμα από την οικογένειά του για πολλά από τα γεύματά του, η σχέση του Μουνκ με τον πατέρα του παρέμεινε τεταμένη λόγω των ανησυχιών για την μποέμικη ζωή του.
Μετά από πολυάριθμα πειράματα, ο Μουνκ κατέληξε στο συμπέρασμα ότι το ιμπρεσιονιστικό ιδίωμα δεν επέτρεπε επαρκή έκφραση. Το βρήκε επιφανειακό και πολύ συγγενικό με τον επιστημονικό πειραματισμό. Ένιωσε την ανάγκη να εμβαθύνει και να εξερευνήσει καταστάσεις που ξεχειλίζουν από συναισθηματικό περιεχόμενο και εκφραστική ενέργεια. Με την εντολή του Jæger να “γράψει τη ζωή του”, δηλαδή να εξερευνήσει ο Μουνκ τη δική του συναισθηματική και ψυχολογική κατάσταση, ο νεαρός καλλιτέχνης ξεκίνησε μια περίοδο προβληματισμού και αυτοεξέτασης, καταγράφοντας τις σκέψεις του στο “ημερολόγιο της ψυχής” του. Αυτή η βαθύτερη προοπτική τον βοήθησε να προχωρήσει σε μια νέα θεώρηση της τέχνης του. Έγραψε ότι ο πίνακάς του Το άρρωστο παιδί (1886), βασισμένος στο θάνατο της αδελφής του, ήταν η πρώτη του “ζωγραφική της ψυχής”, η πρώτη του ρήξη με τον ιμπρεσιονισμό. Ο πίνακας έτυχε αρνητικής ανταπόκρισης από τους κριτικούς και από την οικογένειά του και προκάλεσε άλλο ένα “βίαιο ξέσπασμα ηθικής αγανάκτησης” από την κοινότητα.
Μόνο ο φίλος του Christian Krohg τον υπερασπίστηκε:
Ζωγραφίζει, ή μάλλον βλέπει, τα πράγματα με έναν τρόπο διαφορετικό από αυτόν των άλλων καλλιτεχνών. Βλέπει μόνο το ουσιώδες, και αυτό, φυσικά, είναι το μόνο που ζωγραφίζει. Για τον λόγο αυτό οι πίνακες του Munch είναι κατά κανόνα “μη πλήρεις”, όπως οι άνθρωποι ανακαλύπτουν με τόση χαρά για τον εαυτό τους. Ω, ναι, είναι πλήρεις. Το πλήρες έργο του. Η τέχνη είναι ολοκληρωμένη όταν ο καλλιτέχνης έχει πει πραγματικά όλα όσα είχε στο μυαλό του, και αυτό ακριβώς είναι το πλεονέκτημα που έχει ο Μουνκ έναντι των ζωγράφων της άλλης γενιάς, ότι ξέρει πραγματικά πώς να μας δείξει αυτό που ένιωσε και αυτό που τον έχει συνεπάρει, και σε αυτό υποτάσσει όλα τα άλλα.
Ο Μουνκ συνέχισε να χρησιμοποιεί διάφορες τεχνικές πινελιάς και χρωματικές παλέτες καθ” όλη τη διάρκεια της δεκαετίας του 1880 και στις αρχές της δεκαετίας του 1890, καθώς πάλευε να καθορίσει το στυλ του. Το ιδίωμά του συνέχισε να κινείται μεταξύ νατουραλιστικού, όπως στο Πορτρέτο του Hans Jæger, και ιμπρεσιονιστικού, όπως στο Rue Lafayette. Το έργο του Inger On the Beach (1889), το οποίο προκάλεσε άλλη μια θύελλα σύγχυσης και διαμάχης, υποδηλώνει τις απλουστευμένες μορφές, τα βαριά περιγράμματα, τις έντονες αντιθέσεις και το συναισθηματικό περιεχόμενο του ώριμου ύφους του που θα ακολουθούσε. Άρχισε να υπολογίζει προσεκτικά τις συνθέσεις του για να δημιουργήσει ένταση και συναίσθημα. Αν και στιλιστικά επηρεασμένος από τους μεταϊμπρεσιονιστές, αυτό που εξελίχθηκε ήταν ένα θέμα που είχε συμβολιστικό περιεχόμενο, απεικονίζοντας μια κατάσταση του νου και όχι μια εξωτερική πραγματικότητα. Το 1889, ο Μουνκ παρουσίασε την πρώτη του ατομική έκθεση με όλα σχεδόν τα έργα του μέχρι σήμερα. Η αναγνώριση που έλαβε οδήγησε σε μια διετή κρατική υποτροφία για σπουδές στο Παρίσι υπό τον Γάλλο ζωγράφο Léon Bonnat.
Ο Μουνκ φαίνεται να ήταν ένας πρώιμος επικριτής της φωτογραφίας ως μορφή τέχνης και σημείωσε ότι “δεν θα ανταγωνιστεί ποτέ το πινέλο και την παλέτα, μέχρις ότου οι φωτογραφίες μπορούν να τραβηχτούν στον Παράδεισο ή στην Κόλαση!”.
Η μικρότερη αδελφή του Μουνκ, η Λάουρα, ήταν το θέμα του εσωτερικού του έργου “Μελαγχολία” του 1899: Laura. Η Amanda O”Neill λέει για το έργο: “Σε αυτή τη θερμή κλειστοφοβική σκηνή ο Μουνκ δεν απεικονίζει μόνο την τραγωδία της Λάουρα, αλλά και τον δικό του φόβο για την τρέλα που μπορεί να κληρονόμησε”.
Διαβάστε επίσης, βιογραφίες – Ζαν-Μπατίστ Καμίλ Κορό
Παρίσι
Ο Μουνκ έφτασε στο Παρίσι κατά τη διάρκεια των εορταστικών εκδηλώσεων της Παγκόσμιας Έκθεσης (1889) και έμενε στο δωμάτιο δύο Νορβηγών καλλιτεχνών. Ο πίνακάς του Morning (1884) εκτέθηκε στο νορβηγικό περίπτερο. Περνούσε τα πρωινά του στο πολυάσχολο εργαστήριο του Bonnat (το οποίο περιελάμβανε γυναικεία μοντέλα) και τα απογεύματα στην έκθεση, στις γκαλερί και στα μουσεία (όπου οι μαθητές έπρεπε να κάνουν αντίγραφα ως μέσο εκμάθησης της τεχνικής και της παρατήρησης). Ο Μουνκ κατέγραψε ελάχιστο ενθουσιασμό για τα μαθήματα ζωγραφικής του Μποννά – “Με κουράζει και με βαριέται- είναι μουδιαστικό”- αλλά απολάμβανε τα σχόλια του δασκάλου κατά τη διάρκεια των εκδρομών στα μουσεία.
Ο Μουνκ ενθουσιάστηκε από την τεράστια έκθεση μοντέρνας ευρωπαϊκής τέχνης, συμπεριλαμβανομένων των έργων τριών καλλιτεχνών που θα αποδείκνυαν ότι άσκησαν επιρροή: Paul Gauguin, Vincent van Gogh, και Henri de Toulouse-Lautrec – όλοι τους αξιοσημείωτοι για τον τρόπο που χρησιμοποιούσαν το χρώμα για να μεταφέρουν συναισθήματα. Ο Μουνκ εμπνεύστηκε ιδιαίτερα από την “αντίδραση του Γκογκέν κατά του ρεαλισμού” και το πιστεύω του ότι “η τέχνη είναι ανθρώπινο έργο και όχι απομίμηση της Φύσης”, πεποίθηση που είχε δηλώσει νωρίτερα ο Γουίστλερ. Όπως είπε αργότερα ένας από τους φίλους του στο Βερολίνο για τον Μουνκ, “δεν χρειάζεται να πάει στην Ταϊτή για να δει και να βιώσει το πρωτόγονο της ανθρώπινης φύσης. Κουβαλάει τη δική του Ταϊτή μέσα του”. Επηρεασμένος από τον Γκογκέν, καθώς και από τις χαρακτικές του Γερμανού καλλιτέχνη Μαξ Κλίνγκερ, ο Μουνκ πειραματίστηκε με τις εκτυπώσεις ως μέσο για τη δημιουργία γραφικών εκδοχών των έργων του. Το 1896 δημιούργησε τις πρώτες του ξυλογραφίες – ένα μέσο που αποδείχθηκε ιδανικό για τις συμβολικές εικόνες του Μουνκ. Μαζί με τον σύγχρονό του Nikolai Astrup, ο Munch θεωρείται καινοτόμος του μέσου της ξυλογραφίας στη Νορβηγία.
Τον Δεκέμβριο του 1889 ο πατέρας του πέθανε, αφήνοντας την οικογένεια του Μουνκ άπορη. Επέστρεψε στην πατρίδα του και κανόνισε ένα μεγάλο δάνειο από έναν πλούσιο Νορβηγό συλλέκτη, όταν οι πλούσιοι συγγενείς του απέτυχαν να βοηθήσουν, και ανέλαβε από τότε την οικονομική ευθύνη για την οικογένειά του. Ο θάνατος του Κρίστιαν τον κατέθλιψε και βασανίστηκε από αυτοκτονικές σκέψεις: “Ζω με τους νεκρούς – τη μητέρα μου, την αδελφή μου, τον παππού μου, τον πατέρα μου… Σκοτώσου και τότε όλα τελειώνουν. Γιατί να ζήσω;” Οι πίνακες του Μουνκ του επόμενου έτους περιλάμβαναν σκίτσα από ταβέρνες και μια σειρά από φωτεινά αστικά τοπία στα οποία πειραματίστηκε με το σημειακό στυλ του Ζορζ Σεουρά.
Διαβάστε επίσης, βιογραφίες – Πωλ Σινιάκ
Βερολίνο
Μέχρι το 1892, ο Μουνκ διαμόρφωσε τη χαρακτηριστική και πρωτότυπη συνθετική αισθητική του, όπως φαίνεται στη Μελαγχολία (1891), στην οποία το χρώμα είναι το στοιχείο με τα σύμβολα. Θεωρούμενος από τον καλλιτέχνη και δημοσιογράφο Christian Krohg ως ο πρώτος συμβολιστικός πίνακας Νορβηγού καλλιτέχνη, η Μελαγχολία εκτέθηκε το 1891 στη Φθινοπωρινή Έκθεση του Όσλο. Το 1892, ο Adelsteen Normann, εκ μέρους της Ένωσης Καλλιτεχνών του Βερολίνου, προσκάλεσε τον Μουνκ να εκθέσει στην έκθεση του Νοεμβρίου, την πρώτη ατομική έκθεση της εταιρείας. Ωστόσο, οι πίνακές του προκάλεσαν πικρή διαμάχη (που ονομάστηκε “Η υπόθεση Μουνκ”), και μετά από μία εβδομάδα η έκθεση έκλεισε. Ο Μουνκ ήταν ευχαριστημένος από τη “μεγάλη αναταραχή” και έγραψε σε μια επιστολή του: “Ποτέ δεν πέρασα τόσο διασκεδαστικά – είναι απίστευτο ότι κάτι τόσο αθώο όπως η ζωγραφική θα μπορούσε να προκαλέσει τέτοια αναστάτωση”.
Στο Βερολίνο, ο Μουνκ συνδέθηκε με έναν διεθνή κύκλο συγγραφέων, καλλιτεχνών και κριτικών, μεταξύ των οποίων και ο Σουηδός δραματουργός και κορυφαίος διανοούμενος Αύγουστος Στρίντμπεργκ, τον οποίο ζωγράφισε το 1892. Γνώρισε επίσης τον Δανό συγγραφέα και ζωγράφο Holger Drachmann, τον οποίο ζωγράφισε το 1898. Ο Drachmann ήταν 17 χρόνια μεγαλύτερος του Munch και παρέα του στο Zum schwarzen Ferkel το 1893-94. Το 1894 ο Drachmann έγραψε για τον Munch: “Αγωνίζεται σκληρά. Καλή τύχη στους αγώνες σου, μοναχικέ Νορβηγέ”.
Κατά τη διάρκεια των τεσσάρων χρόνων του στο Βερολίνο, ο Μουνκ σχεδίασε τις περισσότερες από τις ιδέες που θα αποτελούσαν το μείζον έργο του, Το διάζωμα της ζωής, το οποίο αρχικά σχεδιάστηκε για εικονογράφηση βιβλίων αλλά αργότερα εκφράστηκε σε πίνακες. Πούλησε ελάχιστα, αλλά απέκτησε κάποια έσοδα από την επιβολή τελών εισόδου για την προβολή των αμφιλεγόμενων πινάκων του. Ήδη, ο Μουνκ έδειχνε απροθυμία να αποχωριστεί τους πίνακές του, τους οποίους αποκαλούσε “παιδιά του”.
Άλλοι πίνακές του, συμπεριλαμβανομένων σκηνών καζίνο, παρουσιάζουν μια απλοποίηση της μορφής και της λεπτομέρειας που χαρακτηρίζει το πρώιμο ώριμο ύφος του. Ο Μουνκ άρχισε επίσης να προτιμά έναν ρηχό εικαστικό χώρο και ένα ελάχιστο φόντο για τις μετωπικές μορφές του. Δεδομένου ότι οι πόζες επιλέγονταν για να παράγουν τις πιο πειστικές εικόνες καταστάσεων του νου και ψυχολογικών καταστάσεων, όπως στις Στάχτες, οι μορφές προσδίδουν μια μνημειακή, στατική ποιότητα. Οι φιγούρες του Μουνκ μοιάζουν να παίζουν ρόλους σε μια θεατρική σκηνή (αφού κάθε χαρακτήρας ενσαρκώνει μια μόνο ψυχολογική διάσταση, όπως στην Κραυγή, οι άνδρες και οι γυναίκες του Μουνκ άρχισαν να εμφανίζονται περισσότερο συμβολικοί παρά ρεαλιστικοί. Έγραφε: “Δεν θα έπρεπε πλέον να ζωγραφίζονται εσωτερικοί χώροι, άνθρωποι που διαβάζουν και γυναίκες που πλέκουν: θα υπήρχαν ζωντανοί άνθρωποι, που αναπνέουν και αισθάνονται, που υποφέρουν και αγαπούν”.
Διαβάστε επίσης, βιογραφίες – Ελ Σιντ
Η Κραυγή
Η Κραυγή υπάρχει σε τέσσερις εκδοχές: δύο παστέλ (1893 και 1895) και δύο πίνακες ζωγραφικής (1893 και 1910). Υπάρχουν επίσης αρκετές λιθογραφίες της Κραυγής (1895 και αργότερα).
Το παστέλ του 1895 πωλήθηκε σε δημοπρασία στις 2 Μαΐου 2012 έναντι 119.922.500 δολαρίων ΗΠΑ, συμπεριλαμβανομένης της προμήθειας. Είναι η πιο πολύχρωμη από τις εκδοχές και διακρίνεται για την προς τα κάτω στραμμένη στάση μιας από τις μορφές του φόντου. Είναι επίσης η μόνη εκδοχή που δεν ανήκει σε νορβηγικό μουσείο.
Η έκδοση του 1893 εκλάπη από την Εθνική Πινακοθήκη του Όσλο το 1994 και ανακτήθηκε. Ο πίνακας του 1910 εκλάπη το 2004 από το Μουσείο Μουνκ στο Όσλο, αλλά ανακτήθηκε το 2006 με περιορισμένες ζημιές.
Η Κραυγή είναι το πιο διάσημο έργο του Μουνκ και ένας από τους πιο αναγνωρίσιμους πίνακες σε όλη την τέχνη. Έχει ερμηνευτεί ευρέως ότι αναπαριστά το παγκόσμιο άγχος του σύγχρονου ανθρώπου. Ζωγραφισμένο με πλατιές λωρίδες φανταχτερού χρώματος και εξαιρετικά απλουστευμένες μορφές, και χρησιμοποιώντας μια υψηλή οπτική γωνία, ανάγει την αγωνιώδη φιγούρα σε ένα ντυμένο κρανίο στη δίνη μιας συναισθηματικής κρίσης.
Με αυτόν τον πίνακα, ο Μουνκ πέτυχε τον δηλωμένο στόχο του “τη μελέτη της ψυχής, δηλαδή τη μελέτη του ίδιου μου του εαυτού”. Ο Μουνκ έγραψε για το πώς προέκυψε ο πίνακας: “Περπατούσα στο δρόμο με δύο φίλους όταν ο ήλιος έδυσε- ξαφνικά, ο ουρανός έγινε κόκκινος σαν αίμα. Σταμάτησα και ακούμπησα στον φράχτη, νιώθοντας απερίγραπτα κουρασμένος. Γλώσσες φωτιάς και αίματος απλώνονταν πάνω από το γαλανόμαυρο φιόρδ. Οι φίλοι μου συνέχισαν να περπατούν, ενώ εγώ έμεινα πίσω, τρέμοντας από φόβο. Τότε άκουσα την τεράστια, απέραντη κραυγή της φύσης”. Αργότερα περιέγραψε την προσωπική του αγωνία πίσω από τον πίνακα: “Για αρκετά χρόνια ήμουν σχεδόν τρελός… Ξέρετε τον πίνακά μου “Η Κραυγή”; Είχα φτάσει στα όριά μου – η φύση ούρλιαζε στο αίμα μου… Μετά από αυτό εγκατέλειψα την ελπίδα να μπορέσω ποτέ να αγαπήσω ξανά”.
Το 2003, συγκρίνοντας τον πίνακα με άλλα σπουδαία έργα, η ιστορικός τέχνης Martha Tedeschi qrote:
Η Μητέρα του Γουίστλερ, το American Gothic του Γουντ, η Μόνα Λίζα του Λεονάρντο ντα Βίντσι και η Κραυγή του Έντβαρτ Μουνκ έχουν πετύχει κάτι που οι περισσότεροι πίνακες -ανεξάρτητα από την ιστορική σημασία, την ομορφιά ή τη χρηματική τους αξία- δεν έχουν πετύχει: επικοινωνούν ένα συγκεκριμένο νόημα σχεδόν αμέσως σε κάθε θεατή. Αυτά τα λίγα έργα έχουν κάνει με επιτυχία τη μετάβαση από την ελίτ σφαίρα του επισκέπτη του μουσείου στον τεράστιο χώρο της λαϊκής κουλτούρας.
Διαβάστε επίσης, πολιτισμοί – Μυκηναϊκός πολιτισμός
Η ζωφόρος της ζωής-Ένα ποίημα για τη ζωή, την αγάπη και το θάνατο
Τον Δεκέμβριο του 1893, στο Unter den Linden του Βερολίνου πραγματοποιήθηκε έκθεση του έργου του Μουνκ, όπου παρουσιάστηκαν, μεταξύ άλλων, έξι πίνακες με τίτλο “Σπουδή για μια σειρά”: Αγάπη. Έτσι ξεκίνησε ένας κύκλος που αργότερα ονόμασε “Η ζωφόρος της ζωής-Ένα ποίημα για τη ζωή, τον έρωτα και τον θάνατο”. Τα μοτίβα του Frieze of Life, όπως η Καταιγίδα και το Σεληνόφως, είναι εμποτισμένα με ατμόσφαιρα. Άλλα μοτίβα φωτίζουν τη νυχτερινή πλευρά του έρωτα, όπως το Rose and Amelie και το Vampire. Στο Death in the Sickroom, το θέμα είναι ο θάνατος της αδελφής του Sophie, τον οποίο επεξεργάστηκε εκ νέου σε πολλές μελλοντικές παραλλαγές. Το δραματικό επίκεντρο του πίνακα, που απεικονίζει ολόκληρη την οικογένειά του, διασκορπίζεται στις ξεχωριστές και αποσυνδεδεμένες φιγούρες της θλίψης. Το 1894, διεύρυνε το φάσμα των μοτίβων προσθέτοντας το Άγχος, τις Στάχτες, την Παναγία και τις Γυναίκες σε τρία στάδια (από την αθωότητα στα γηρατειά).
Γύρω στις αρχές του 20ού αιώνα, ο Μουνκ εργάστηκε για να ολοκληρώσει τη “ζωφόρο”. Ζωγράφισε μια σειρά από πίνακες, αρκετοί από αυτούς σε μεγαλύτερο μέγεθος και σε κάποιο βαθμό με την αισθητική της Art Nouveau της εποχής. Κατασκεύασε ένα ξύλινο πλαίσιο με σκαλιστά ανάγλυφα για τον μεγάλο πίνακα Μεταβολισμός (1898), που αρχικά ονομαζόταν Αδάμ και Εύα. Το έργο αυτό αποκαλύπτει την ενασχόληση του Μουνκ με την “πτώση του ανθρώπου” και την απαισιόδοξη φιλοσοφία του για τον έρωτα. Μοτίβα όπως ο Άδειος Σταυρός και ο Γολγοθάς (και τα δύο γύρω στο 1900) αντανακλούν έναν μεταφυσικό προσανατολισμό και αντανακλούν επίσης την πιετιστική ανατροφή του Μουνκ. Ολόκληρη η ζωφόρος παρουσιάστηκε για πρώτη φορά στην έκθεση των αποσχιστών στο Βερολίνο το 1902.
Τα θέματα της “ζωφόρου της ζωής” επαναλαμβάνονται σε όλο το έργο του Μουνκ, αλλά ο ίδιος επικεντρώθηκε ιδιαίτερα σε αυτά στα μέσα της δεκαετίας του 1890. Σε σκίτσα, πίνακες, παστέλ και χαρακτικά, αναζήτησε το βάθος των συναισθημάτων του για να εξετάσει τα κύρια μοτίβα του: τα στάδια της ζωής, τη μοιραία γυναίκα, την απελπισία του έρωτα, το άγχος, την απιστία, τη ζήλια, τη σεξουαλική ταπείνωση και τον χωρισμό στη ζωή και τον θάνατο. Τα θέματα αυτά εκφράζονται σε πίνακες όπως Το άρρωστο παιδί (1893-94), Στάχτες (1894) και Η γέφυρα. Ο τελευταίος παρουσιάζει άτονες φιγούρες με πρόσωπα χωρίς χαρακτηριστικά ή κρυμμένα, πάνω από τα οποία ξεπροβάλλουν οι απειλητικές μορφές βαριών δέντρων και μελαγχολικών σπιτιών. Ο Μουνκ απεικόνιζε τις γυναίκες είτε ως εύθραυστες, αθώες πάσχουσες (βλ. Εφηβεία και Έρωτας και πόνος) είτε ως αιτία μεγάλης λαχτάρας, ζήλιας και απελπισίας (βλ. Χωρισμός, Ζήλια και Στάχτες).
Ο Μουνκ χρησιμοποιεί συχνά σκιές και χρωματικούς δακτυλίους γύρω από τις μορφές του για να τονίσει μια αύρα φόβου, απειλής, άγχους ή σεξουαλικής έντασης. Αυτοί οι πίνακες έχουν ερμηνευτεί ως αντανάκλαση των σεξουαλικών ανησυχιών του καλλιτέχνη, αν και θα μπορούσε επίσης να υποστηριχθεί ότι αντιπροσωπεύουν την ταραχώδη σχέση του με την ίδια την αγάπη και τη γενική απαισιοδοξία του όσον αφορά την ανθρώπινη ύπαρξη. Πολλά από αυτά τα σκίτσα και τους πίνακες έγιναν σε διάφορες εκδοχές, όπως το Madonna, τα χέρια και η εφηβεία, και επίσης μεταγράφηκαν ως ξυλογραφίες και λιθογραφίες. Ο Μουνκ δεν ήθελε να αποχωριστεί τους πίνακές του, επειδή θεωρούσε το έργο του ως ενιαίο σώμα έκφρασης. Έτσι, για να κεφαλαιοποιήσει την παραγωγή του και να βγάλει κάποιο εισόδημα, στράφηκε στις γραφικές τέχνες για να αναπαραγάγει πολλούς από τους πίνακές του, συμπεριλαμβανομένων εκείνων αυτής της σειράς. Ο Μουνκ παραδέχτηκε τους προσωπικούς στόχους του έργου του, αλλά προσέφερε την τέχνη του και σε έναν ευρύτερο σκοπό: “Η τέχνη μου είναι στην πραγματικότητα μια εκούσια εξομολόγηση και μια προσπάθεια να εξηγήσω στον εαυτό μου τη σχέση μου με τη ζωή – είναι, επομένως, στην πραγματικότητα ένα είδος εγωισμού, αλλά ελπίζω διαρκώς ότι μέσω αυτού μπορώ να βοηθήσω άλλους να αποκτήσουν σαφήνεια”.
Αν και προσέλκυσε έντονα αρνητικές αντιδράσεις, στη δεκαετία του 1890 ο Μουνκ άρχισε να λαμβάνει κάποια κατανόηση των καλλιτεχνικών του στόχων, όπως έγραψε ένας κριτικός: “Με ανελέητη περιφρόνηση για τη μορφή, τη σαφήνεια, την κομψότητα, την ολότητα και τον ρεαλισμό, ζωγραφίζει με διαισθητική δύναμη ταλέντου τα πιο λεπτά οράματα της ψυχής”. Ένας από τους μεγάλους υποστηρικτές του στο Βερολίνο ήταν ο Walther Rathenau, μετέπειτα υπουργός Εξωτερικών της Γερμανίας, ο οποίος συνέβαλε σημαντικά στην επιτυχία του.
Διαβάστε επίσης, ιστορία – Δεύτερος Πόλεμος των Μπόερς
Παρίσι, Βερολίνο και Κριστιάνια
Το 1896, ο Μουνκ μετακόμισε στο Παρίσι, όπου επικεντρώθηκε στις γραφικές αναπαραστάσεις των θεμάτων του “Ζωφόρος της ζωής”. Ανέπτυξε περαιτέρω την τεχνική της ξυλογραφίας και της λιθογραφίας. Η Αυτοπροσωπογραφία του Μουνκ με σκελετωμένο χέρι (1895) είναι φτιαγμένη με τη μέθοδο της χαρακτικής με βελόνα και μελάνι που χρησιμοποιούσε και ο Paul Klee. Ο Μουνκ δημιούργησε επίσης πολύχρωμες εκδόσεις του έργου Το άρρωστο παιδί, που αφορά τη φυματίωση, το οποίο πούλησε καλά, καθώς και πολλά γυμνά και πολλαπλές εκδόσεις του έργου Φιλί (1892). Τον Μάιο του 1896, ο Siegfried Bing διοργάνωσε μια έκθεση με έργα του Munch μέσα στο Maison de l”Art Nouveau του Bing. Στην έκθεση παρουσιάστηκαν εξήντα έργα, μεταξύ των οποίων το Φιλί, η Κραυγή, η Παναγία, το Άρρωστο Παιδί, ο Θάλαμος του Θανάτου και η Επόμενη Μέρα. Η έκθεση του Bing βοήθησε να γνωρίσει ο Μουνκ το γαλλικό κοινό. Παρόλα αυτά, πολλοί από τους Παριζιάνους κριτικούς εξακολουθούσαν να θεωρούν το έργο του Μουνκ “βίαιο και βάναυσο”, παρόλο που οι εκθέσεις του έτυχαν σοβαρής προσοχής και καλής προσέλευσης. Η οικονομική του κατάσταση βελτιώθηκε σημαντικά και το 1897 ο Μουνκ αγόρασε για τον εαυτό του ένα εξοχικό σπίτι με θέα τα φιόρδ της Κριστιάνια, μια μικρή ψαροκαλύβα που χτίστηκε στα τέλη του 18ου αιώνα, στη μικρή πόλη Åsgårdstrand της Νορβηγίας. Το σπίτι αυτό το ονόμασε “Ευτυχισμένο σπίτι” και επέστρεφε εδώ σχεδόν κάθε καλοκαίρι για τα επόμενα 20 χρόνια. Ήταν αυτό το μέρος που του έλειπε όταν βρισκόταν στο εξωτερικό και όταν ένιωθε κατάθλιψη και εξάντληση. “Το να περπατάς στο Åsgårdstrand είναι σαν να περπατάς ανάμεσα στους πίνακές μου – εμπνέομαι τόσο πολύ για να ζωγραφίσω όταν βρίσκομαι εδώ”.
Το 1897 ο Μουνκ επέστρεψε στην Κριστιάνια, όπου επίσης έτυχε απρόθυμης αποδοχής – ένας κριτικός έγραψε: “Ένας ικανοποιητικός αριθμός από αυτούς τους πίνακες έχει εκτεθεί στο παρελθόν. Κατά τη γνώμη μου αυτοί βελτιώνονται με τη γνωριμία”. Το 1899, ο Μουνκ άρχισε μια στενή σχέση με την Tulla Larsen, μια “απελευθερωμένη” γυναίκα της ανώτερης τάξης. Ταξίδεψαν μαζί στην Ιταλία και επιστρέφοντας, ο Μουνκ ξεκίνησε μια άλλη γόνιμη περίοδο στην τέχνη του, η οποία περιελάμβανε τοπία και τον τελευταίο πίνακα της σειράς “Η ζωφόρος της ζωής”, Ο χορός της ζωής (1899). Η Λάρσεν επιθυμούσε διακαώς να παντρευτεί και ο Μουνκ την παρακάλεσε. Το ποτό και η κακή υγεία του ενίσχυαν τους φόβους του, καθώς έγραφε σε τρίτο πρόσωπο: “Από τότε που ήταν παιδί μισούσε τον γάμο. Το άρρωστο και νευρικό του σπίτι του είχε δώσει την αίσθηση ότι δεν είχε δικαίωμα να παντρευτεί”. Ο Μουνκ παραλίγο να ενδώσει στην Τούλα, αλλά το έσκασε από κοντά της το 1900, απομακρυνόμενος και από τη σημαντική περιουσία της, και μετακόμισε στο Βερολίνο. Το έργο του Κορίτσια στην προβλήτα, που δημιουργήθηκε σε δεκαοκτώ διαφορετικές εκδοχές, κατέδειξε το θέμα της γυναικείας νιότης χωρίς αρνητικούς συνειρμούς. Το 1902, εξέθεσε τα έργα του θεματικά στην αίθουσα της Secession του Βερολίνου, προκαλώντας “ένα συμφωνικό αποτέλεσμα – προκάλεσε μεγάλη αναστάτωση – πολύ ανταγωνισμό και πολλή επιδοκιμασία”. Οι κριτικοί του Βερολίνου είχαν αρχίσει να εκτιμούν το έργο του Μουνκ, παρόλο που το κοινό εξακολουθούσε να βρίσκει το έργο του ξένο και παράξενο.
Η καλή κάλυψη από τον Τύπο κέρδισε την προσοχή του Μουνκ από τους σημαντικούς προστάτες Άλμπερτ Κόλμαν και Μαξ Λίντε. Ο ίδιος περιέγραψε την τροπή των γεγονότων στο ημερολόγιό του: “Μετά από είκοσι χρόνια αγώνα και δυστυχίας οι δυνάμεις του καλού έρχονται επιτέλους να με βοηθήσουν στη Γερμανία – και μια φωτεινή πόρτα ανοίγεται για μένα”. Ωστόσο, παρά τη θετική αυτή αλλαγή, η αυτοκαταστροφική και αλλοπρόσαλλη συμπεριφορά του Μουνκ τον ενέπλεξε αρχικά σε έναν βίαιο καβγά με έναν άλλο καλλιτέχνη και στη συνέχεια σε έναν τυχαίο πυροβολισμό παρουσία της Τούλα Λάρσεν, η οποία είχε επιστρέψει για μια σύντομη συμφιλίωση, με αποτέλεσμα να τραυματιστούν δύο δάχτυλά του. Ο Μουνκ αργότερα πριόνισε στη μέση μια αυτοπροσωπογραφία που απεικόνιζε τον ίδιο και τη Λάρσεν ως συνέπεια του πυροβολισμού και των επακόλουθων γεγονότων. Τελικά τον εγκατέλειψε και παντρεύτηκε έναν νεότερο συνάδελφο του Μουνκ. Ο Μουνκ το εξέλαβε αυτό ως προδοσία και ασχολήθηκε για αρκετό καιρό με την ταπείνωση, διοχετεύοντας μέρος της πικρίας σε νέους πίνακες. Οι πίνακές του Νεκρή φύση (Η δολοφόνος) και Ο θάνατος του Μαράτ Ι, που έγιναν το 1906-07, αναφέρονται σαφώς στο περιστατικό με τους πυροβολισμούς και τις συναισθηματικές επιπτώσεις που είχαν μετά από αυτούς.
Το 1903-04, ο Μουνκ εξέθεσε στο Παρίσι, όπου οι επερχόμενοι Φωβιστές, διάσημοι για τα τολμηρά ψεύτικα χρώματά τους, πιθανότατα είδαν τα έργα του και μπορεί να εμπνεύστηκαν από αυτά. Όταν οι Φωβικοί διοργάνωσαν τη δική τους έκθεση το 1906, ο Μουνκ προσκλήθηκε και εξέθεσε τα έργα του μαζί με τα δικά τους. Αφού μελέτησε τη γλυπτική του Ροντέν, ο Μουνκ μπορεί να πειραματίστηκε με την πλαστελίνη ως βοήθημα στο σχεδιασμό, αλλά παρήγαγε ελάχιστα γλυπτά. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, ο Μουνκ έλαβε πολλές παραγγελίες για πορτραίτα και χαρακτικά, γεγονός που βελτίωσε τη συνήθως επισφαλή οικονομική του κατάσταση. Το 1906, ζωγράφισε την οθόνη για ένα έργο του Ίψεν στο μικρό θέατρο Kammerspiele που βρισκόταν στο Deutsches Theater του Βερολίνου, στο οποίο ήταν κρεμασμένη η ζωφόρος της ζωής. Ο διευθυντής του θεάτρου Μαξ Ράινχαρντ το πούλησε αργότερα- σήμερα βρίσκεται στην Εθνική Γκαλερί του Βερολίνου. Μετά από μια προηγούμενη περίοδο τοπίων, το 1907 έστρεψε την προσοχή του και πάλι σε ανθρώπινες μορφές και καταστάσεις.
Διαβάστε επίσης, ιστορία – Μακεδονικό Μέτωπο (Α΄ Παγκόσμιος Πόλεμος)
Διάσπαση και ανάκτηση
Το φθινόπωρο του 1908, το άγχος του Μουνκ, το οποίο είχε επιδεινωθεί από την υπερβολική κατανάλωση αλκοόλ και τους καυγάδες, είχε γίνει οξύ. Όπως έγραψε αργότερα, “Η κατάστασή μου άγγιζε τα όρια της τρέλας – ήταν ένα αίσθημα επαφής”. Υποκείμενος σε παραισθήσεις και αισθήματα καταδίωξης, μπήκε στην κλινική του Daniel Jacobson. Η θεραπεία που έλαβε ο Μουνκ για τους επόμενους οκτώ μήνες περιελάμβανε δίαιτα και “ηλεκτροθεραπεία” (μια θεραπεία που ήταν τότε της μόδας για νευρικές παθήσεις, χωρίς να συγχέεται με την ηλεκτροσπασμοθεραπεία). Η παραμονή του Μουνκ στο νοσοκομείο σταθεροποίησε την προσωπικότητά του και μετά την επιστροφή του στη Νορβηγία το 1909, το έργο του έγινε πιο πολύχρωμο και λιγότερο απαισιόδοξο. Φωτίζοντας ακόμη περισσότερο τη διάθεσή του, το ευρύ κοινό της Κριστιάνια ζεστάθηκε τελικά με το έργο του και τα μουσεία άρχισαν να αγοράζουν τους πίνακές του. Ανακηρύχθηκε ιππότης του Βασιλικού Τάγματος του Αγίου Όλαβ “για τις υπηρεσίες του στην τέχνη”. Η πρώτη του αμερικανική έκθεση έγινε το 1912 στη Νέα Υόρκη.
Στο πλαίσιο της ανάρρωσής του, ο Δρ Jacobson συμβούλεψε τον Munch να συναναστρέφεται μόνο με καλούς φίλους και να αποφεύγει να πίνει δημόσια. Ο Μουνκ ακολούθησε αυτή τη συμβουλή και στην πορεία δημιούργησε αρκετά ολόσωμα πορτραίτα υψηλής ποιότητας φίλων και προστάτες – ειλικρινείς απεικονίσεις χωρίς κολακεία. Δημιούργησε επίσης τοπία και σκηνές ανθρώπων στη δουλειά και στο παιχνίδι, χρησιμοποιώντας ένα νέο αισιόδοξο στυλ – πλατιές, χαλαρές πινελιές με ζωηρά χρώματα με συχνή χρήση του λευκού χώρου και σπάνια χρήση του μαύρου – με περιστασιακές μόνο αναφορές στα νοσηρά του θέματα. Με περισσότερα έσοδα, ο Μουνκ μπόρεσε να αγοράσει αρκετά ακίνητα που του έδιναν νέες προοπτικές για την τέχνη του και ήταν επιτέλους σε θέση να προσφέρει στην οικογένειά του.
Το ξέσπασμα του Α” Παγκοσμίου Πολέμου βρήκε τον Μουνκ με διχασμένη πίστη, καθώς δήλωσε: “Όλοι οι φίλοι μου είναι Γερμανοί, αλλά εγώ αγαπώ τη Γαλλία”. Τη δεκαετία του 1930, οι Γερμανοί προστάτες του, πολλοί από αυτούς Εβραίοι, έχασαν τις περιουσίες τους και ορισμένοι τη ζωή τους κατά την άνοδο του ναζιστικού κινήματος. Ο Μουνκ βρήκε Νορβηγούς τυπογράφους για να αντικαταστήσουν τους Γερμανούς που τύπωναν το γραφικό του έργο. Με δεδομένο το κακό ιστορικό της υγείας του, το 1918 ο Μουνκ αισθάνθηκε τυχερός που επέζησε από την ισπανική γρίπη, την παγκόσμια πανδημία εκείνης της χρονιάς.
Διαβάστε επίσης, βιογραφίες – Μαρία Θηρεσία
Μεταγενέστερα χρόνια
Ο Μουνκ πέρασε το μεγαλύτερο μέρος των δύο τελευταίων δεκαετιών του στη μοναξιά στο σχεδόν αυτάρκες κτήμα του στο Ekely, στο Skøyen του Όσλο. Πολλοί από τους ύστερους πίνακές του γιορτάζουν τη ζωή στη φάρμα, συμπεριλαμβανομένων αρκετών στους οποίους χρησιμοποίησε το άλογο εργασίας του “Rousseau” ως μοντέλο. Χωρίς καμία προσπάθεια, ο Μουνκ προσέλκυσε μια σταθερή ροή γυναικείων μοντέλων, τα οποία ζωγράφισε ως θέματα πολλών γυμνών πινάκων. Πιθανότατα είχε σεξουαλικές σχέσεις με ορισμένες από αυτές. Ο Μουνκ εγκατέλειπε περιστασιακά το σπίτι του για να ζωγραφίζει τοιχογραφίες για παραγγελία, συμπεριλαμβανομένων εκείνων που έγιναν για το εργοστάσιο σοκολάτας Freia.
Μέχρι το τέλος της ζωής του, ο Μουνκ συνέχισε να ζωγραφίζει αδυσώπητες αυτοπροσωπογραφίες, προσθέτοντας στον κύκλο της αυτοεξέτασης της ζωής του και στην αμείλικτη σειρά φωτογραφιών της συναισθηματικής και σωματικής του κατάστασης. Στις δεκαετίες του 1930 και 1940, οι Ναζί χαρακτήρισαν το έργο του Μουνκ “εκφυλισμένη τέχνη” (μαζί με εκείνο των Πικάσο, Κλέε, Ματίς, Γκογκέν και πολλών άλλων σύγχρονων καλλιτεχνών) και αφαίρεσαν 82 έργα του από τα γερμανικά μουσεία. Ο Αδόλφος Χίτλερ ανακοίνωσε το 1937: “Για ό,τι μας ενδιαφέρει, αυτοί οι προϊστορικοί βάρβαροι του πολιτισμού της Λίθινης Εποχής και οι τραυματιστές της τέχνης μπορούν να επιστρέψουν στις σπηλιές των προγόνων τους και να εφαρμόσουν εκεί το πρωτόγονο διεθνές ξύσιμο τους”.
Το 1940, οι Γερμανοί εισέβαλαν στη Νορβηγία και το ναζιστικό κόμμα ανέλαβε την κυβέρνηση. Ο Μουνκ ήταν 76 ετών. Έχοντας σχεδόν ολόκληρη τη συλλογή έργων τέχνης του στον δεύτερο όροφο του σπιτιού του, ο Μουνκ ζούσε με τον φόβο της κατάσχεσης από τους Ναζί. Εβδομήντα ένας από τους πίνακες που είχαν προηγουμένως αφαιρεθεί από τους Ναζί είχαν επιστραφεί στη Νορβηγία μέσω αγοράς από συλλέκτες (οι άλλοι έντεκα δεν βρέθηκαν ποτέ), συμπεριλαμβανομένων των έργων “Η Κραυγή” και “Το άρρωστο παιδί”, και ήταν και αυτοί κρυμμένοι από τους Ναζί.
Ο Μουνκ πέθανε στο σπίτι του στο Έκελι κοντά στο Όσλο στις 23 Ιανουαρίου 1944, περίπου ένα μήνα μετά τα 80α γενέθλιά του. Η ναζιστικά ενορχηστρωμένη κηδεία του υπέδειξε στους Νορβηγούς ότι ήταν συμπαθών των Ναζί, ένα είδος οικειοποίησης του ανεξάρτητου καλλιτέχνη. Η πόλη του Όσλο αγόρασε το κτήμα Ekely από τους κληρονόμους του Μουνκ το 1946- το σπίτι του κατεδαφίστηκε τον Μάιο του 1960.
Όταν ο Μουνκ πέθανε, τα υπόλοιπα έργα του κληροδοτήθηκαν στην πόλη του Όσλο, η οποία έχτισε το Μουσείο Μουνκ στο Tøyen (άνοιξε το 1963). Το μουσείο διαθέτει μια συλλογή περίπου 1.100 πινάκων ζωγραφικής, 4.500 σχεδίων και 18.000 χαρακτικών, την ευρύτερη συλλογή έργων του στον κόσμο. Το Μουσείο Μουνκ λειτουργεί ως η επίσημη κληρονομιά του Μουνκ- έχει δραστηριοποιηθεί ενεργά στην αντιμετώπιση παραβιάσεων πνευματικών δικαιωμάτων καθώς και στην εκκαθάριση των πνευματικών δικαιωμάτων του έργου, όπως η εμφάνιση της “Κραυγής” του Μουνκ σε διαφημιστική καμπάνια των M&M”s το 2006. Ο αντιπρόσωπος των πνευματικών δικαιωμάτων στις ΗΠΑ για το Μουσείο Μουνκ και την κληρονομιά του Έντβαρτ Μουνκ είναι η Artists Rights Society.
Η τέχνη του Μουνκ ήταν ιδιαίτερα εξατομικευμένη και ο ίδιος δίδασκε ελάχιστα. Ο “ιδιωτικός” συμβολισμός του ήταν πολύ πιο προσωπικός από αυτόν άλλων συμβολιστών ζωγράφων, όπως ο Gustave Moreau και ο James Ensor. Ο Μουνκ εξακολουθούσε να ασκεί μεγάλη επιρροή, ιδιαίτερα στους Γερμανούς εξπρεσιονιστές, οι οποίοι ακολούθησαν τη φιλοσοφία του: “Δεν πιστεύω στην τέχνη που δεν είναι το καταναγκαστικό αποτέλεσμα της παρόρμησης του ανθρώπου να ανοίξει την καρδιά του”. Πολλοί από τους πίνακές του, συμπεριλαμβανομένης της “Κραυγής”, έχουν παγκόσμια απήχηση εκτός από το άκρως προσωπικό τους νόημα.
Τα έργα του Μουνκ εκπροσωπούνται σήμερα σε πολλά μεγάλα μουσεία και γκαλερί στη Νορβηγία και στο εξωτερικό. Η καλύβα του, “το ευτυχισμένο σπίτι”, παραχωρήθηκε στον δήμο Åsgårdstrand το 1944- λειτουργεί ως μικρό Μουσείο Μουνκ. Ο απολογισμός έχει διατηρηθεί ακριβώς όπως τον άφησε ο ίδιος.
Μια εκδοχή της “Κραυγής” εκλάπη από την Εθνική Πινακοθήκη το 1994. Το 2004, μια άλλη εκδοχή της “Κραυγής”, μαζί με μια της Μαντόνα, κλάπηκε από το Μουσείο Μουνκ σε μια τολμηρή ληστεία στο φως της ημέρας. Όλα αυτά ανακτήθηκαν τελικά, αλλά οι πίνακες που κλάπηκαν στη ληστεία του 2004 υπέστησαν εκτεταμένες ζημιές. Αποκαταστάθηκαν σχολαστικά και εκτίθενται και πάλι. Τρία έργα του Μουνκ εκλάπησαν από το Hotel Refsnes Gods το 2005- ανακτήθηκαν σύντομα, αν και ένα από τα έργα υπέστη ζημιές κατά τη διάρκεια της ληστείας.
Τον Οκτώβριο του 2006, η έγχρωμη ξυλογραφία Δύο άνθρωποι. Ο μοναχικός (To mennesker. De ensomme) σημείωσε νέο ρεκόρ για τα χαρακτικά του, όταν πωλήθηκε σε δημοπρασία στο Όσλο για 8,1 εκατομμύρια κορώνες (1,27 εκατομμύρια δολάρια ΗΠΑ που αντιστοιχούν σε 1.700.000 δολάρια το 2021). Κατέστησε επίσης ρεκόρ για την υψηλότερη τιμή που καταβλήθηκε σε δημοπρασία στη Νορβηγία. Στις 3 Νοεμβρίου 2008, ο πίνακας Vampire σημείωσε νέο ρεκόρ για τους πίνακές του, όταν πωλήθηκε για 38.162.000 δολάρια ΗΠΑ (ισοδύναμο με 48.000.000 δολάρια το 2021) στον οίκο Sotheby”s στη Νέα Υόρκη.
Η εικόνα του Μουνκ εμφανίζεται στο νορβηγικό χαρτονόμισμα των 1.000 κορωνών, μαζί με εικόνες εμπνευσμένες από το έργο του.
Τον Φεβρουάριο του 2012, μια μεγάλη έκθεση Μουνκ, Edvard Munch. The Modern Eye, άνοιξε στο Schirn Kunsthalle της Φρανκφούρτης- την έκθεση εγκαινίασε η Mette-Marit, πριγκίπισσα του θρόνου της Νορβηγίας.
Τον Μάιο του 2012, η “Κραυγή” πουλήθηκε για 119,9 εκατομμύρια δολάρια (που αντιστοιχούν σε 141.500.000 δολάρια το 2021) και είναι το δεύτερο ακριβότερο έργο τέχνης που έχει πωληθεί ποτέ σε ανοιχτή δημοπρασία. (Τον Νοέμβριο του 2013 ξεπεράστηκε από το έργο Three Studies of Lucian Freud, το οποίο πωλήθηκε για 142,4 εκατομμύρια δολάρια ΗΠΑ).
Το 2013, τέσσερις από τους πίνακες του Μουνκ απεικονίστηκαν σε μια σειρά γραμματοσήμων από τα νορβηγικά ταχυδρομεία, για να τιμήσουν το 2014 την 150ή επέτειο από τη γέννησή του.
Στις 14 Νοεμβρίου 2016 μια εκδοχή του έργου Τα κορίτσια στη γέφυρα του Μουνκ πωλήθηκε έναντι 54,5 εκατομμυρίων δολαρίων ΗΠΑ (που αντιστοιχούν σε 61.500.000 δολάρια το 2021) στον οίκο Sotheby”s της Νέας Υόρκης, αποτελώντας τη δεύτερη υψηλότερη τιμή που έχει επιτευχθεί για έναν πίνακα του.
Τον Απρίλιο του 2019 το Βρετανικό Μουσείο φιλοξένησε την έκθεση Edvard Munch: Love and Angst, η οποία περιλαμβάνει 83 έργα τέχνης και περιλαμβάνει μια σπάνια πρωτότυπη εκτύπωση της “Κραυγής”.
Διαβάστε επίσης, πολιτισμοί – Αναγεννησιακός ουμανισμός
Πανεπιστημιακή Aula
Το 1911 διεξήχθη ο τελικός διαγωνισμός για τη διακόσμηση των μεγάλων τοίχων της Aula (αίθουσα συνεδριάσεων) του Πανεπιστημίου του Όσλο μεταξύ του Munch και του Emanuel Vigeland. Το επεισόδιο είναι γνωστό ως η “διαμάχη της Aula”. Το 1914 ανατέθηκε τελικά στον Μουνκ η διακόσμηση της Aula και το έργο ολοκληρώθηκε το 1916. Αυτό το σημαντικό έργο της νορβηγικής μνημειακής ζωγραφικής περιλαμβάνει 11 πίνακες που καλύπτουν 223 m2 (2.400 τετραγωνικά πόδια). Ο Ήλιος, η Ιστορία και το Alma Mater είναι τα βασικά έργα αυτής της ακολουθίας. Ο Μουνκ δήλωσε: “Ήθελα οι διακοσμήσεις να σχηματίσουν έναν πλήρη και ανεξάρτητο κόσμο ιδεών και ήθελα η οπτική τους έκφραση να είναι τόσο χαρακτηριστικά νορβηγική όσο και οικουμενικά ανθρώπινη”. Το 2014 προτάθηκε ότι οι πίνακες της Aula έχουν αξία τουλάχιστον 500 εκατομμυρίων κορωνών.
Διαβάστε επίσης, βιογραφίες – Αλεξάντερ Πόουπ
Γενικές πηγές
Πηγές
