Ρόι Λίχτενσταϊν
gigatos | 12 Φεβρουαρίου, 2022
Σύνοψη
Ο Roy Fox Lichtenstein (27 Οκτωβρίου 1923 – 29 Σεπτεμβρίου 1997) ήταν Αμερικανός ποπ καλλιτέχνης. Κατά τη διάρκεια της δεκαετίας του 1960, μαζί με τους Andy Warhol, Jasper Johns και James Rosenquist μεταξύ άλλων, έγινε ηγετική μορφή του νέου καλλιτεχνικού κινήματος. Το έργο του καθόρισε την προϋπόθεση της ποπ αρτ μέσω της παρωδίας. Εμπνευσμένος από τα κόμικς, ο Λιχτενστάιν παρήγαγε ακριβείς συνθέσεις που τεκμηρίωναν ενώ παρωδούσαν, συχνά με γλαφυρό τρόπο. Το έργο του επηρεάστηκε από τη δημοφιλή διαφήμιση και το στυλ των κόμικς. Τα έργα του θεωρήθηκαν “διασπαστικά”. Ο ίδιος περιέγραψε την ποπ αρτ ως “όχι “αμερικανική” ζωγραφική αλλά στην πραγματικότητα βιομηχανική ζωγραφική”. Οι πίνακές του εκτέθηκαν στην γκαλερί Leo Castelli στη Νέα Υόρκη.
Το Whaam! και το Drowning Girl θεωρούνται γενικά τα πιο διάσημα έργα του Lichtenstein. Το Drowning Girl, το Whaam! και το Look Mickey θεωρούνται ως τα έργα με τη μεγαλύτερη επιρροή. Το ακριβότερο έργο του είναι το Masterpiece, το οποίο πωλήθηκε για 165 εκατομμύρια δολάρια τον Ιανουάριο του 2017.
Ο Λιχτενστάιν γεννήθηκε σε μια γερμανοεβραϊκή οικογένεια της ανώτερης μεσαίας τάξης στη Νέα Υόρκη. Ο πατέρας του, Μίλτον, ήταν μεσίτης ακινήτων και η μητέρα του, Μπεατρίς (Βέρνερ), νοικοκυρά. Μεγάλωσε στο Upper West Side της Νέας Υόρκης και φοίτησε σε δημόσιο σχολείο μέχρι την ηλικία των δώδεκα ετών. Στη συνέχεια φοίτησε στο σχολείο Dwight School της Νέας Υόρκης, από το οποίο αποφοίτησε το 1940. Ο Λίχτενσταϊν άρχισε να ενδιαφέρεται για την τέχνη και το ντιζάιν ως χόμπι, μέσω του σχολείου. Ήταν φανατικός οπαδός της τζαζ, παρακολουθώντας συχνά συναυλίες στο Apollo Theater στο Χάρλεμ. Ζωγράφιζε συχνά πορτρέτα των μουσικών που έπαιζαν τα όργανά τους. Την τελευταία χρονιά του λυκείου του, το 1939, ο Λιχτενστάιν γράφτηκε σε θερινά μαθήματα στο Art Students League της Νέας Υόρκης, όπου εργάστηκε υπό την καθοδήγηση του Reginald Marsh.
Στη συνέχεια, ο Λιχτενστάιν έφυγε από τη Νέα Υόρκη για να σπουδάσει στο Ohio State University, το οποίο προσέφερε μαθήματα στούντιο και πτυχίο στις καλές τέχνες. Οι σπουδές του διακόπηκαν από την τριετή θητεία του στον στρατό κατά τη διάρκεια και μετά τον Β” Παγκόσμιο Πόλεμο, μεταξύ 1943 και 1946. Αφού συμμετείχε σε προγράμματα εκπαίδευσης για γλώσσες, μηχανική και εκπαίδευση πιλότων, τα οποία ακυρώθηκαν, υπηρέτησε ως νοσοκόμος, σχεδιαστής και καλλιτέχνης.
Ο Λιχτενστάιν επέστρεψε στην πατρίδα του για να επισκεφθεί τον ετοιμοθάνατο πατέρα του και απολύθηκε από τον στρατό με δικαίωμα στο G.I. Bill. Επέστρεψε για σπουδές στο Οχάιο υπό την επίβλεψη ενός από τους καθηγητές του, του Hoyt L. Sherman, ο οποίος θεωρείται ευρέως ότι είχε σημαντική επίδραση στο μελλοντικό του έργο (ο Lichtenstein θα ονομάσει αργότερα ένα νέο στούντιο που χρηματοδότησε στο OSU ως Hoyt L. Sherman Studio Art Center).
Ο Λίχτενσταϊν μπήκε στο μεταπτυχιακό πρόγραμμα του Ohio State και προσλήφθηκε ως καθηγητής τέχνης, μια θέση την οποία κατείχε κατά διαστήματα για τα επόμενα δέκα χρόνια. Το 1949 ο Λίχτενσταϊν έλαβε μεταπτυχιακό δίπλωμα Καλών Τεχνών από το Πολιτειακό Πανεπιστήμιο του Οχάιο.
Το 1951, ο Λιχτενστάιν είχε την πρώτη του ατομική έκθεση στην γκαλερί Carlebach στη Νέα Υόρκη.Την ίδια χρονιά μετακόμισε στο Κλίβελαντ, όπου παρέμεινε για έξι χρόνια, αν και συχνά ταξίδευε πίσω στη Νέα Υόρκη. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου αναλάμβανε διάφορες δουλειές, από σχεδιαστή μέχρι διακοσμητή παραθύρων, ανάμεσα σε περιόδους ζωγραφικής. Το έργο του αυτή την περίοδο κυμαινόταν μεταξύ κυβισμού και εξπρεσιονισμού. Το 1954 γεννήθηκε ο πρώτος του γιος, ο David Hoyt Lichtenstein, που σήμερα είναι τραγουδοποιός. Ο δεύτερος γιος του, ο Μίτσελ Λιχτενστάιν, γεννήθηκε το 1956.
Το 1957, επέστρεψε στην πολιτεία της Νέας Υόρκης και άρχισε να διδάσκει ξανά. Εκείνη την εποχή υιοθέτησε το στυλ του αφηρημένου εξπρεσιονισμού, καθώς είχε μεταστραφεί αργά σε αυτό το στυλ ζωγραφικής. Ο Λιχτενστάιν άρχισε να διδάσκει στο Πολιτειακό Πανεπιστήμιο της Νέας Υόρκης στο Oswego το 1958. Περίπου εκείνη την εποχή, άρχισε να ενσωματώνει στα αφηρημένα έργα του κρυφές εικόνες χαρακτήρων κινουμένων σχεδίων, όπως ο Μίκυ Μάους και ο Μπαγκς Μπάνι.
Διαβάστε επίσης, βιογραφίες – Ίμρε Νάγκυ
Άνοδος στο προσκήνιο
Το 1960 άρχισε να διδάσκει στο Πανεπιστήμιο Rutgers, όπου επηρεάστηκε σημαντικά από τον Allan Kaprow, ο οποίος ήταν επίσης καθηγητής στο πανεπιστήμιο. Αυτό το περιβάλλον βοήθησε στην αναζωπύρωση του ενδιαφέροντός του για τις πρωτοποπικές εικόνες. 1961, ο Λίχτενσταϊν ξεκίνησε τους πρώτους του ποπ πίνακες χρησιμοποιώντας εικόνες καρτούν και τεχνικές που προέρχονταν από την εμφάνιση της εμπορικής εκτύπωσης. Αυτή η φάση θα συνεχιστεί μέχρι το 1965 και περιελάμβανε τη χρήση διαφημιστικών εικόνων που υποδηλώνουν καταναλωτισμό και νοικοκυριό. το πρώτο του έργο που παρουσίασε τη χρήση σκληροπυρηνικών φιγούρων και κουκκίδων Ben-Day σε μεγάλη κλίμακα ήταν το Look Mickey (1961, Εθνική Πινακοθήκη Τέχνης, Ουάσινγκτον). Το έργο αυτό προήλθε από την πρόκληση ενός από τους γιους του, ο οποίος έδειξε ένα κόμικς του Μίκυ Μάους και είπε: “Πάω στοίχημα ότι δεν μπορείς να ζωγραφίσεις τόσο καλά όσο αυτό, ε, μπαμπά;”. Την ίδια χρονιά δημιούργησε άλλα έξι έργα με αναγνωρίσιμους χαρακτήρες από περιτυλίγματα τσίχλας και κινούμενα σχέδια.
Το 1961, ο Leo Castelli άρχισε να εκθέτει έργα του Lichtenstein στην γκαλερί του στη Νέα Υόρκη. Ο Λιχτενστάιν πραγματοποίησε την πρώτη του ατομική έκθεση στη γκαλερί Castelli το 1962- ολόκληρη η συλλογή αγοράστηκε από σημαντικούς συλλέκτες πριν καν ανοίξει η έκθεση. Μια ομάδα πινάκων που δημιουργήθηκε μεταξύ 1961 και 1962 επικεντρώθηκε σε μοναχικά οικιακά αντικείμενα, όπως αθλητικά παπούτσια, χοτ ντογκ και μπάλες του γκολφ. Τον Σεπτέμβριο του 1963 πήρε άδεια απουσίας από τη θέση του καθηγητή στο Douglass College του Rutgers.
Τα έργα του ήταν εμπνευσμένα από κόμικς με πολεμικές και ρομαντικές ιστορίες “Εκείνη την εποχή”, αφηγήθηκε αργότερα ο Λιχτενστάιν, “με ενδιέφερε οτιδήποτε θα μπορούσα να χρησιμοποιήσω ως θέμα που ήταν συναισθηματικά ισχυρό – συνήθως έρωτας, πόλεμος, ή κάτι που ήταν ιδιαίτερα φορτισμένο και συναισθηματικό θέμα για να είναι αντίθετο με τις απομακρυσμένες και σκόπιμες τεχνικές ζωγραφικής”.
Διαβάστε επίσης, βιογραφίες – Λεοπόλδος Γ΄ του Βελγίου
Περίοδος του υψηλότερου προφίλ του Λιχτενστάιν
Εκείνη την εποχή ο Λιχτενστάιν άρχισε να αποκτά φήμη όχι μόνο στην Αμερική αλλά και παγκοσμίως. Μετακόμισε πίσω στη Νέα Υόρκη για να βρεθεί στο κέντρο της καλλιτεχνικής σκηνής και παραιτήθηκε από το Πανεπιστήμιο Rutgers το 1964 για να επικεντρωθεί στη ζωγραφική του. Ο Λιχτενστάιν χρησιμοποίησε λάδι και Magna (πρώιμο ακρυλικό) χρώμα στα πιο γνωστά του έργα, όπως το Drowning Girl (1963), το οποίο οικειοποιήθηκε από την κύρια ιστορία του Secret Hearts No. 83 της DC Comics. (Το Drowning Girl κρέμεται τώρα στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης της Νέας Υόρκης.) Το Drowning Girl διαθέτει επίσης πυκνά περιγράμματα, έντονα χρώματα και κουκκίδες Ben-Day, σαν να δημιουργήθηκε από φωτογραφική αναπαραγωγή. Για το δικό του έργο ο Λιχτενστάιν θα έλεγε ότι οι αφηρημένοι εξπρεσιονιστές “έβαζαν τα πράγματα στον καμβά και ανταποκρίνονταν σε αυτό που είχαν κάνει, στις θέσεις των χρωμάτων και στα μεγέθη. Το δικό μου στυλ μοιάζει εντελώς διαφορετικό, αλλά η φύση του να βάζεις γραμμές είναι λίγο πολύ η ίδια- το δικό μου απλά δεν βγαίνει να μοιάζει καλλιγραφικό, όπως του Pollock ή του Kline”.
Αντί να προσπαθήσει να αναπαραγάγει τα θέματά του, το έργο του Λιχτενστάιν ασχολήθηκε με τον τρόπο με τον οποίο τα μέσα μαζικής ενημέρωσης τα απεικονίζουν. Ωστόσο, ποτέ δεν έπαιρνε τον εαυτό του πολύ στα σοβαρά, λέγοντας: “Ο Λιχτενστάιν δεν θα έπαιρνε ποτέ τον εαυτό του στα σοβαρά: “Νομίζω ότι η δουλειά μου διαφέρει από τα κόμικς – αλλά δεν θα την αποκαλούσα μεταμόρφωση- δεν νομίζω ότι ό,τι κι αν εννοείται με αυτό είναι σημαντικό για την τέχνη”. Όταν το έργο του Λιχτενστάιν εκτέθηκε για πρώτη φορά, πολλοί κριτικοί τέχνης της εποχής αμφισβήτησαν την πρωτοτυπία του. Το έργο του επικρίθηκε δριμύτατα ως χυδαίο και κενό. Ο τίτλος ενός άρθρου του περιοδικού Life το 1964 αναρωτιόταν: “Είναι ο χειρότερος καλλιτέχνης στις ΗΠΑ;”. Ο Λίχτενσταϊν απάντησε σε τέτοιους ισχυρισμούς δίνοντας απαντήσεις όπως οι ακόλουθες: “Όσο πιο κοντά είναι το έργο μου στο πρωτότυπο, τόσο πιο απειλητικό και επικριτικό είναι το περιεχόμενό του. Ωστόσο, το έργο μου είναι εντελώς μετασχηματισμένο, καθώς ο σκοπός και η αντίληψή μου είναι εντελώς διαφορετικές. Νομίζω ότι οι πίνακές μου είναι κριτικά μετασχηματισμένοι, αλλά θα ήταν δύσκολο να το αποδείξω με οποιαδήποτε λογική επιχειρηματολογία”. Συζητούσε για τη βίωση αυτής της βαριάς κριτικής σε μια συνέντευξη που παραχώρησε στην April Bernard και τη Mimi Thompson το 1986. Υποδηλώνοντας ότι κατά καιρούς ήταν δύσκολο να δέχεται κριτική, ο Λίχτενσταϊν είπε: “Δεν αμφιβάλλω όταν ζωγραφίζω στην πραγματικότητα, η κριτική είναι που σε κάνει να αναρωτιέσαι, το κάνει”.
Η πιο διάσημη εικόνα του είναι αναμφισβήτητα το Whaam! (1963, Tate Modern, Λονδίνο), ένα από τα πρώτα γνωστά παραδείγματα ποπ αρτ, προσαρμοσμένο από ένα πάνελ κόμικς που σχεδίασε ο Irv Novick σε ένα τεύχος του 1962 της DC Comics “All-American Men of War”. Ο πίνακας απεικονίζει ένα μαχητικό αεροσκάφος να εκτοξεύει έναν πύραυλο σε ένα εχθρικό αεροπλάνο, με μια ερυθροκίτρινη έκρηξη. Το ύφος καρτούν ενισχύεται από τη χρήση της ονοματοποιημένης γραφής “Whaam!” και της πλαισιωμένης λεζάντας “I pressed the fire control … and ahead of me rakets blazed through the sky …”. Αυτό το δίπτυχο είναι μεγάλης κλίμακας, με διαστάσεις 1,7 x 4,0 m (5 ft 7 in x 13 ft 4 in). Το Whaam ακολουθεί τη θεματολογία με βάση τα κόμικς ορισμένων από τους προηγούμενους πίνακές του και αποτελεί μέρος ενός συνόλου έργων με θέμα τον πόλεμο που δημιουργήθηκαν μεταξύ 1962 και 1964. Είναι ένας από τους δύο αξιοσημείωτους μεγάλους πίνακές του με θέμα τον πόλεμο. Αγοράστηκε από την Tate Gallery το 1966, αφού είχε εκτεθεί στην Leo Castelli Gallery το 1963, και (τώρα στην Tate Modern) παραμένει έκτοτε στη συλλογή της. Το 1968, ο επιχειρηματίας Karl Ströher από το Darmstadt απέκτησε αρκετά μεγάλα έργα του Lichtenstein, όπως τα Nurse (1964), Compositions I (1964), We rose up slowly (1964) και Yellow and Green Brushstrokes (1966). Αφού ήταν δανεισμένος στο Hessiches Landesmuseum Darmstadt για αρκετά χρόνια, ο ιδρυτής του Museum für Moderne Kunst Frankfurt, Peter Iden, κατάφερε να αποκτήσει το 1981 συνολικά 87 έργα, κυρίως αμερικανικής Pop Art και Minimal Art, για το υπό κατασκευή μουσείο μέχρι το 1991.
Ο Λιχτενστάιν άρχισε να πειραματίζεται με τη γλυπτική γύρω στο 1964, επιδεικνύοντας ένα ταλέντο στη μορφή που ερχόταν σε αντίθεση με την επίμονη επιπεδότητα των πινάκων του. Για τα έργα Head of Girl (1964) και Head with Red Shadow (1965), συνεργάστηκε με έναν κεραμίστα που φιλοτέχνησε τη μορφή του κεφαλιού από πηλό. Στη συνέχεια, ο Lichtenstein εφάρμοσε ένα βερνίκι για να δημιουργήσει το ίδιο είδος γραφικών μοτίβων που χρησιμοποιούσε στους πίνακές του- η εφαρμογή μαύρων γραμμών και κουκκίδων Ben-Day σε τρισδιάστατα αντικείμενα είχε ως αποτέλεσμα την ισοπέδωση της μορφής.
Τα περισσότερα από τα πιο γνωστά έργα του Λιχτενστάιν είναι σχετικά κοντινά, αλλά όχι ακριβή, αντίγραφα πινάκων κόμικς, ένα θέμα που εγκατέλειψε σε μεγάλο βαθμό το 1965, αν και κατά καιρούς θα ενσωμάτωνε κόμικς στο έργο του με διαφορετικούς τρόπους στις επόμενες δεκαετίες. Αυτά τα πάνελ είχαν αρχικά σχεδιαστεί από καλλιτέχνες κόμικς όπως ο Jack Kirby και οι καλλιτέχνες της DC Comics Russ Heath, Tony Abruzzo, Irv Novick και Jerry Grandenetti, οι οποίοι σπάνια έλαβαν οποιαδήποτε αναγνώριση. Ο Jack Cowart, εκτελεστικός διευθυντής του Ιδρύματος Lichtenstein, αμφισβητεί την άποψη ότι ο Lichtenstein ήταν αντιγραφέας, λέγοντας: “Το έργο του Roy ήταν ένα θαύμα των γραφικών τύπων και της κωδικοποίησης του συναισθήματος που είχαν επεξεργαστεί άλλοι. Οι πίνακες άλλαζαν σε κλίμακα, χρώμα, επεξεργασία και στις επιπτώσεις τους. Δεν υπάρχει ακριβές αντίγραφο.” Έχουν επικρίνει τη χρήση εικόνων και έργων τέχνης κόμικς από τον Λιχτενστάιν, ιδίως στο βαθμό που η χρήση αυτή έχει θεωρηθεί ως έγκριση μιας συγκαταβατικής άποψης για τα κόμικς από το κυρίαρχο ρεύμα της τέχνης- ο σκιτσογράφος Αρτ Σπίγκελμαν σχολίασε ότι “ο Λιχτενστάιν δεν έκανε τίποτα περισσότερο ή λιγότερο για τα κόμικς από ό,τι έκανε ο Άντι Γουόρχολ για τη σούπα”.
Τα έργα του Λιχτενστάιν που βασίζονταν σε μεγεθυμένα πάνελ από κόμικς προκάλεσαν μια ευρεία συζήτηση σχετικά με την αξία τους ως τέχνη. Ο ίδιος ο Λιχτενστάιν παραδέχτηκε: “Ονομαστικά αντιγράφω, αλλά στην πραγματικότητα επαναδιατυπώνω το αντιγραμμένο πράγμα με άλλους όρους. Με τον τρόπο αυτό, το πρωτότυπο αποκτά μια εντελώς διαφορετική υφή. Δεν είναι παχιές ή λεπτές πινελιές, είναι κουκκίδες και επίπεδα χρώματα και αδιάλλακτες γραμμές”. Ο Eddie Campbell έγραψε στο blog του ότι “ο Lichtenstein πήρε μια μικροσκοπική εικόνα, μικρότερη από την παλάμη του χεριού, τυπωμένη με τετράχρωμα μελάνια σε χαρτί εφημερίδας και τη μεγέθυνε στο συμβατικό μέγεθος στο οποίο φτιάχνεται και εκτίθεται η “τέχνη” και την τελείωσε με μπογιά σε καμβά”. Όσον αφορά τον Λίχτενσταϊν, ο Μπιλ Γκρίφιθ είπε κάποτε: “Υπάρχει η υψηλή τέχνη και υπάρχει η χαμηλή τέχνη. Και μετά υπάρχει η υψηλή τέχνη που μπορεί να πάρει τη χαμηλή τέχνη, να τη φέρει σε ένα πλαίσιο υψηλής τέχνης, να την οικειοποιηθεί και να την αναγάγει σε κάτι άλλο”.
Παρόλο που το έργο του Λιχτενστάιν που βασίζεται σε κόμικς κέρδισε κάποια αποδοχή, εξακολουθούν να εκφράζονται ανησυχίες από κριτικούς που λένε ότι ο Λιχτενστάιν δεν αναγνώρισε, δεν πλήρωσε δικαιώματα ή δεν ζήτησε άδεια από τους αρχικούς καλλιτέχνες ή τους κατόχους πνευματικών δικαιωμάτων. Σε μια συνέντευξη για ένα ντοκιμαντέρ του BBC Four το 2013, ο Alastair Sooke ρώτησε τον καλλιτέχνη κόμικς Dave Gibbons αν θεωρούσε τον Lichtenstein λογοτέχνη. Ο Γκίμπονς απάντησε: “Θα έλεγα “αντιγραφέας”. Στη μουσική, για παράδειγμα, δεν μπορείς απλά να σφυρίξεις τη μελωδία κάποιου άλλου ή να ερμηνεύσεις τη μελωδία κάποιου άλλου, όσο άσχημα κι αν είναι, χωρίς με κάποιον τρόπο να αναφέρεις και να πληρώσεις τον αρχικό καλλιτέχνη. Δηλαδή, αυτό είναι το ”WHAAM! του Roy Lichtenstein, μετά τον Irv Novick””. Ο ίδιος ο Sooke υποστηρίζει ότι “ο Lichtenstein μεταμόρφωσε το έργο τέχνης του Novick με διάφορους ανεπαίσθητους αλλά κρίσιμους τρόπους”.
Ο ιδρυτής του περιοδικού, λέκτορας του City University London και διδάκτορας του University College London, Ernesto Priego, σημειώνει ότι η αποτυχία του Λιχτενστάιν να αναφέρει τους αρχικούς δημιουργούς των κόμικς του αντανακλά την απόφαση των National Periodical Publications, του προκατόχου της DC Comics, να παραλείπουν κάθε αναφορά στους συγγραφείς και τους καλλιτέχνες τους:
Εκτός από την ενσωμάτωση της πολιτισμικής προκατάληψης κατά των κόμικς ως μέσων τέχνης, παραδείγματα όπως η οικειοποίηση του λεξιλογίου των κόμικς από τον Λιχτενστάιν υπογραμμίζουν τη σημασία της συνεκτίμησης της μορφής της έκδοσης όταν ορίζονται τα κόμικς, καθώς και την πολιτική οικονομία που συνεπάγονται συγκεκριμένοι τύποι ιστορικών εκδόσεων, στην προκειμένη περίπτωση το αμερικανικό mainstream κόμικς. Σε ποιο βαθμό η National Periodical Publications (μετέπειτα DC) ήταν υπεύθυνη για την απόρριψη του ρόλου των Kanigher και Novick ως αυτοτελών καλλιτεχνών, μη παραχωρώντας τους πλήρη συγγραφική αναγνώριση στην ίδια την έκδοση;”
Επιπλέον, ο Campbell σημειώνει ότι υπήρχε μια εποχή που οι καλλιτέχνες των κόμικς συχνά αρνούνταν την απόδοση της δουλειάς τους.
Σε έναν απολογισμό που δημοσιεύθηκε το 1998, ο Novick είπε ότι είχε γνωρίσει τον Lichtenstein στο στρατό το 1947 και, ως ανώτερός του αξιωματικός, είχε απαντήσει στα δακρύβρεχτα παράπονα του Lichtenstein για τα ταπεινά καθήκοντα που του είχαν ανατεθεί, προτείνοντάς του μια καλύτερη δουλειά. Ο Jean-Paul Gabilliet αμφισβήτησε αυτή τη διήγηση, λέγοντας ότι ο Lichtenstein είχε εγκαταλείψει το στρατό ένα χρόνο πριν από την εποχή που ο Novick λέει ότι έλαβε χώρα το περιστατικό. Ο Bart Beaty, σημειώνοντας ότι ο Lichtenstein είχε οικειοποιηθεί τον Novick για έργα όπως το Whaam! και το Okay Hot-Shot, Okay!, λέει ότι η ιστορία του Novick “φαίνεται να είναι μια προσπάθεια να μειώσει προσωπικά” τον πιο διάσημο καλλιτέχνη.
Το 1966, ο Λίχτενσταϊν προχώρησε από τις πολυδιαφημισμένες εικόνες του στις αρχές της δεκαετίας του 1960 και ξεκίνησε τη σειρά Modern Paintings, που περιλαμβάνει πάνω από 60 πίνακες και συνοδευτικά σχέδια. Χρησιμοποιώντας τις χαρακτηριστικές του κουκκίδες Ben-Day και γεωμετρικά σχήματα και γραμμές, απέδωσε αταίριαστες, προκλητικές εικόνες από οικείες αρχιτεκτονικές δομές, μοτίβα δανεισμένα από την Art Déco και άλλα διακριτικά υποβλητικά, συχνά διαδοχικά, μοτίβα. Η σειρά Modern Sculpture του 1967-8 έκανε αναφορά σε μοτίβα από την αρχιτεκτονική Art Déco.
Διαβάστε επίσης, βιογραφίες – Πεισίστρατος
Μεταγενέστερο έργο
Στις αρχές της δεκαετίας του 1960, ο Λιχτενστάιν αναπαρήγαγε αριστουργήματα των Σεζάν, Μοντριάν και Πικάσο, πριν ξεκινήσει τη σειρά Brushstrokes το 1965. Ο Λιχτενστάιν συνέχισε να επανεξετάζει αυτό το θέμα αργότερα στην καριέρα του με έργα όπως το Bedroom at Arles, το οποίο προήλθε από το Bedroom in Arles του Βίνσεντ βαν Γκογκ.
Το 1970, το Μουσείο Τέχνης της Κομητείας του Λος Άντζελες ανέθεσε στον Λιχτενστάιν (στο πλαίσιο του προγράμματος Τέχνη και Τεχνολογία που αναπτύχθηκε μεταξύ 1967 και 1971) να γυρίσει μια ταινία. Με τη βοήθεια των Universal Film Studios, ο καλλιτέχνης συνέλαβε και παρήγαγε το Three Landscapes, μια ταινία με θαλάσσια τοπία, που σχετιζόταν άμεσα με μια σειρά κολάζ με θέματα τοπίου που δημιούργησε μεταξύ 1964 και 1966. Παρόλο που ο Λιχτενστάιν είχε προγραμματίσει την παραγωγή 15 ταινιών μικρού μήκους, η εγκατάσταση τριών οθονών -που έγινε με τον ανεξάρτητο κινηματογραφιστή Joel Freedman, με έδρα τη Νέα Υόρκη- αποδείχθηκε το μοναδικό εγχείρημα του καλλιτέχνη στο μέσο.
Επίσης, το 1970, ο Λιχτενστάιν αγόρασε ένα πρώην αμαξοστάσιο στο Σαουθάμπτον του Λονγκ Άιλαντ, έχτισε ένα στούντιο στο ακίνητο και πέρασε το υπόλοιπο της δεκαετίας του 1970 σε σχετική απομόνωση. Στις δεκαετίες του 1970 και του 1980, το ύφος του άρχισε να χαλαρώνει και να επεκτείνεται σε ό,τι είχε κάνει προηγουμένως. Το 1969 ο Λιχτενστάιν ξεκίνησε μια σειρά από πίνακες με καθρέφτες. Το 1970, ενώ συνέχιζε τη σειρά Mirrors, άρχισε να εργάζεται πάνω στο θέμα των θωρακίων. Τα Entablatures αποτελούνταν από μια πρώτη σειρά πινάκων από το 1971 έως το 1972, ακολουθούμενη από μια δεύτερη σειρά το 1974-76 και τη δημοσίευση μιας σειράς ανάγλυφων εκτυπώσεων το 1976. Δημιούργησε μια σειρά από “Artists Studios” που ενσωμάτωσε στοιχεία της προηγούμενης δουλειάς του. Ένα αξιοσημείωτο παράδειγμα είναι το Artist”s Studio, Look Mickey (1973, Walker Art Center, Minneapolis) το οποίο ενσωματώνει πέντε άλλα προηγούμενα έργα, προσαρμοσμένα στη σκηνή.
Κατά τη διάρκεια ενός ταξιδιού στο Λος Άντζελες το 1978, ο Λιχτενστάιν γοητεύτηκε από τη συλλογή του δικηγόρου Ρόμπερτ Ρίφκιντ με γερμανικές εξπρεσιονιστικές εκτυπώσεις και εικονογραφημένα βιβλία. Άρχισε να παράγει έργα που δανείζονταν στιλιστικά στοιχεία που βρίσκονταν σε εξπρεσιονιστικούς πίνακες. Το The White Tree (1980) θυμίζει τα λυρικά τοπία του Der Blaue Reiter, ενώ ο Dr. Waldmann (1980) θυμίζει τον Dr. Mayer-Hermann (1926) του Otto Dix. Μικρά σχέδια με έγχρωμο μολύβι χρησιμοποιήθηκαν ως πρότυπα για ξυλογραφίες, ένα μέσο που προτιμούσαν οι Emil Nolde και Max Pechstein, καθώς και οι Dix και Ernst Ludwig Kirchner. Επίσης, στα τέλη της δεκαετίας του 1970, το ύφος του Lichtenstein αντικαταστάθηκε από πιο σουρεαλιστικά έργα όπως το Pow Wow (1979, Ludwig Forum für Internationale Kunst, Aachen). Μια σημαντική σειρά υπερρεαλιστικών-ποπ έργων ζωγραφικής από το 1979 έως το 1981 βασίζεται σε θέματα των ιθαγενών της Αμερικής. Τα έργα αυτά κυμαίνονται από το Amerind Figure (1981), ένα στυλιζαρισμένο γλυπτό σε φυσικό μέγεθος που θυμίζει έναν ρευματοποιημένο στύλο τοτέμ από μαύρο πατιναρισμένο μπρούντζο, μέχρι το μνημειώδες μάλλινο ταπισερί Amerind Landscape (1979). Τα “ινδιάνικα” έργα πήραν τα θέματά τους, όπως και τα άλλα μέρη της σουρεαλιστικής σειράς, από τη σύγχρονη τέχνη και άλλες πηγές, συμπεριλαμβανομένων βιβλίων για το σχεδιασμό των αμερικανών ινδιάνων από τη μικρή βιβλιοθήκη του Λιχτενστάιν.
Οι πίνακες, τα γλυπτά και τα σχέδια του Λιχτενστάιν που αφορούν τη νεκρή φύση, τα οποία χρονολογούνται από το 1972 έως τις αρχές της δεκαετίας του 1980, καλύπτουν μια ποικιλία μοτίβων και θεμάτων, συμπεριλαμβανομένων των πιο παραδοσιακών, όπως φρούτα, λουλούδια και βάζα. Το 1983 ο Λιχτενστάιν δημιούργησε δύο αφίσες κατά του Απαρτχάιντ, με τον απλό τίτλο “Against Apartheid”. Στη σειρά Reflection, που δημιουργήθηκε μεταξύ 1988 και 1990, ο Λιχτενστάιν επαναχρησιμοποίησε δικά του μοτίβα από προηγούμενα έργα. Το Interiors (1991-1992) είναι μια σειρά έργων που απεικονίζουν κοινότυπα οικιακά περιβάλλοντα εμπνευσμένα από διαφημίσεις επίπλων που ο καλλιτέχνης βρήκε σε τηλεφωνικούς καταλόγους ή σε διαφημιστικές πινακίδες. Έχοντας αντλήσει έμπνευση από τις μονοχρωματικές εκτυπώσεις του Edgar Degas που παρουσιάστηκαν σε έκθεση του 1994 στο Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης της Νέας Υόρκης, τα μοτίβα της σειράς Landscapes in the Chinese Style σχηματίζονται με προσομοιωμένες κουκκίδες Benday και μπλοκ περιγράμματα, που αποδίδονται με σκληρό, ζωηρό χρώμα, χωρίς να έχουν αφαιρεθεί όλα τα ίχνη του χεριού. Το γυμνό είναι ένα επαναλαμβανόμενο στοιχείο στο έργο του Lichtenstein της δεκαετίας του 1990, όπως στο Collage for Nude with Red Shirt (1995).
Εκτός από πίνακες και γλυπτά, ο Λιχτενστάιν δημιούργησε επίσης πάνω από 300 εκτυπώσεις, κυρίως με μεταξοτυπία.
Διαβάστε επίσης, βιογραφίες – Καμβύσης Β΄ της Περσίας
Προμήθειες
Το 1969, ο Gunter Sachs ανέθεσε στον Lichtenstein να δημιουργήσει τα έργα Composition και Leda and the Swan, για την ποπ αρτ κρεβατοκάμαρα του συλλέκτη στο ξενοδοχείο Palace στο St. Moritz. Στα τέλη της δεκαετίας του 1970 και κατά τη διάρκεια της δεκαετίας του 1980, ο Λιχτενστάιν έλαβε σημαντικές παραγγελίες για έργα σε δημόσιους χώρους: τα γλυπτά Lamp (το ύψους 26 ποδιών Brushstrokes in Flight (το ύψους πέντε ορόφων Mural with Blue Brushstroke (και El Cap de Barcelona (1992) στη Βαρκελώνη. Το 1994, ο Λίχτενσταϊν δημιούργησε την 53 ποδιών μήκους, με σμάλτο σε μέταλλο, τοιχογραφία Times Square Mural στο σταθμό Times Square του μετρό. Το 1977, του ανατέθηκε από την BMW να ζωγραφίσει μια αγωνιστική έκδοση Group 5 της BMW 320i για την τρίτη δόση του BMW Art Car Project. Το λογότυπο της DreamWorks Records ήταν το τελευταίο έργο που ολοκλήρωσε. “Δεν έχω σκοπό να κάνω κάτι τέτοιο (εταιρικό λογότυπο) και δεν σκοπεύω να το ξανακάνω”, επιτρέπει ο Λιχτενστάιν. “Αλλά γνωρίζω τον Mo Ostin και τον David Geffen και μου φάνηκε ενδιαφέρον”.
Διαβάστε επίσης, σημαντικά-γεγονότα – Μεγάλο Άλμα προς τα Εμπρός
Αναγνώριση
Ο Λιχτενστάιν έλαβε πολυάριθμους τίτλους επίτιμου διδάκτορα, μεταξύ άλλων, από το Πανεπιστήμιο George Washington (1996), το Bard College, το Royal College of Art (1993), το Ohio State University (1987), το Southampton College (1980) και το California Institute of the Arts (1977). Διετέλεσε επίσης μέλος του διοικητικού συμβουλίου της Μουσικής Ακαδημίας του Μπρούκλιν.
Το 1949, ο Λιχτενστάιν παντρεύτηκε την Isabel Wilson, η οποία προηγουμένως ήταν παντρεμένη με τον καλλιτέχνη Michael Sarisky από το Οχάιο. Ωστόσο, οι βάναυσοι χειμώνες στα βόρεια της πολιτείας έκαναν τη ζωή του Λίχτενσταϊν και της συζύγου του δύσκολη, αφού το 1958 άρχισε να διδάσκει στο Πολιτειακό Πανεπιστήμιο της Νέας Υόρκης στο Oswego. Το ζευγάρι πούλησε το οικογενειακό σπίτι στο Χάιλαντ Παρκ του Νιου Τζέρσεϊ το 1963 και χώρισε το 1965.
Ο Λιχτενστάιν παντρεύτηκε τη δεύτερη σύζυγό του, Dorothy Herzka, το 1968. Το 1966, νοίκιασαν ένα σπίτι στο Σαουθάμπτον της Νέας Υόρκης που είχε αγοράσει ο Λάρι Ρίβερς στη γωνία από το δικό του σπίτι. Τρία χρόνια αργότερα, αγόρασαν ένα σπίτι με άμαξα του 1910 με θέα τον ωκεανό στην Gin Lane. Από το 1970 μέχρι το θάνατό του, ο Λιχτενστάιν μοιραζόταν το χρόνο του μεταξύ Μανχάταν και Σαουθάμπτον. Είχε επίσης ένα σπίτι στο νησί Captiva.
Το 1991, ο Λιχτενστάιν ξεκίνησε σχέση με την τραγουδίστρια Erica Wexler, η οποία έγινε η μούσα για τη σειρά “Γυμνά” του, συμπεριλαμβανομένης της σειράς “Γυμνά με την μπάλα της παραλίας” του 1994. Εκείνη ήταν 22 ετών και εκείνος 68 ετών. Η σχέση διήρκεσε μέχρι το 1994 και τελείωσε όταν η Wexler πήγε στην Αγγλία με τον μελλοντικό σύζυγο Andy Partridge των XTC. Σύμφωνα με τον Wexler, ο Lichtenstein και η σύζυγός του Dorothy είχαν συνεννοηθεί και οι δυο τους είχαν σημαντικούς άλλους εκτός από το γάμο τους.
Ο Λιχτενστάιν πέθανε από πνευμονία στις 29 Σεπτεμβρίου 1997 στο Ιατρικό Κέντρο του Πανεπιστημίου της Νέας Υόρκης, όπου είχε νοσηλευτεί για αρκετές εβδομάδες, τέσσερις εβδομάδες πριν από τα 74α γενέθλιά του. Επέζησε από τη δεύτερη σύζυγό του, Dorothy Herzka, και από τους γιους του, David και Mitchell, από τον πρώτο του γάμο.
Η ποπ αρτ συνεχίζει να επηρεάζει τον 21ο αιώνα. Ο Λιχτενστάιν και ο Άντι Γουόρχολ χρησιμοποιήθηκαν στην περιοδεία PopMart των U2 το 1997, το 1998 και σε μια έκθεση το 2007 στη Βρετανική Εθνική Πινακοθήκη Πορτραίτων.
Μεταξύ πολλών άλλων έργων τέχνης που χάθηκαν στις επιθέσεις στο Παγκόσμιο Κέντρο Εμπορίου στις 11 Σεπτεμβρίου 2001, ένας πίνακας από τη σειρά The Entablature Series του Λιχτενστάιν καταστράφηκε στην πυρκαγιά που ακολούθησε.
Το έργο του Crying Girl ήταν ένα από τα έργα τέχνης που ζωντάνεψαν στη Νύχτα στο Μουσείο: Smithsonian.
Το 1964, ο Λιχτενστάιν έγινε ο πρώτος Αμερικανός που εκθέτει στην Tate Gallery του Λονδίνου, με αφορμή την έκθεση “”54-”64: Tate: Ζωγραφική και γλυπτική μιας δεκαετίας”. Το 1967 πραγματοποιήθηκε η πρώτη μουσειακή αναδρομική του έκθεση στο Μουσείο Τέχνης της Πασαντίνα στην Καλιφόρνια. Την ίδια χρονιά, η πρώτη του ατομική έκθεση στην Ευρώπη πραγματοποιήθηκε σε μουσεία του Άμστερνταμ, του Λονδίνου, της Βέρνης και του Ανόβερου. Ο Λιχτενστάιν συμμετείχε αργότερα στις εκθέσεις documentas IV (1968) και VI in (1977). Ο Λιχτενστάιν είχε την πρώτη του αναδρομική έκθεση στο Μουσείο Guggenheim το 1969, που οργανώθηκε από την Diane Waldman. Το Guggenheim παρουσίασε μια δεύτερη αναδρομική έκθεση του Lichtenstein το 1994. Ο Λιχτενστάιν έγινε ο πρώτος εν ζωή καλλιτέχνης που πραγματοποίησε ατομική έκθεση σχεδίου στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης από τον Μάρτιο έως τον Ιούνιο του 1987. Πρόσφατες αναδρομικές έρευνες περιλαμβάνουν το 2003 το “All About Art”, Louisiana Museum of Modern Art, στη Δανία (το οποίο ταξίδεψε στη Hayward Gallery, Λονδίνο, Museo Reina Sofia, Μαδρίτη, και στο San Francisco Museum of Modern Art, μέχρι το 2005)- και το “Classic of the New”, Kunsthaus Bregenz (2005), “Roy Lichtenstein: Museo Triennale, Μιλάνο (2010, ταξίδεψε στο Μουσείο Ludwig, Κολωνία). Στα τέλη του 2010 το The Morgan Library & Museum παρουσίασε την έκθεση Roy Lichtenstein: The Black-and-White Drawings, 1961-1968. Μια άλλη μεγάλη αναδρομική έκθεση άνοιξε στο Art Institute of Chicago τον Μάιο του 2012, πριν μεταφερθεί στην National Gallery of Art στην Ουάσιγκτον, στην Tate Modern στο Λονδίνο και στο Centre Pompidou στο Παρίσι το 2013. 2013: Roy Lichtenstein, Olyvia Fine Art. 2014: Roy Lichtenstein: FLAG Art Foundation: Intimate Sculptures: Intimate Sculptures, The FLAG Art Foundation. Roy Lichtenstein: Opera Prima, Civic Gallery of Modern and Contemporary Arts, Τορίνο. 2018: Tate Liverpool, Merseyside, Ηνωμένο Βασίλειο.
Το 1996 η Εθνική Πινακοθήκη της Ουάσινγκτον έγινε το μεγαλύτερο ενιαίο αποθετήριο του έργου του καλλιτέχνη, όταν ο Λίχτενσταϊν δώρισε 154 χαρακτικά και 2 βιβλία. Το Ινστιτούτο Τέχνης του Σικάγο έχει αρκετά σημαντικά έργα του Lichtenstein στη μόνιμη συλλογή του, όπως το Brushstroke with Spatter (1966) και το Mirror No. 3 (Six Panels) (1971). Οι προσωπικές συλλογές της χήρας του Lichtenstein, Dorothy Lichtenstein, και του Ιδρύματος Roy Lichtenstein είναι εκατοντάδες. Στην Ευρώπη, το Μουσείο Ludwig της Κολωνίας διαθέτει μία από τις πιο ολοκληρωμένες συλλογές του Lichtenstein με τα έργα Takka Takka (1962), Nurse (1964), Compositions I (1964), εκτός από το Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης της Φρανκφούρτης με τα έργα We rose up slowly (1964) και Yellow and Green Brushstrokes (1966). Εκτός των Ηνωμένων Πολιτειών και της Ευρώπης, η συλλογή Kenneth Tyler της Εθνικής Πινακοθήκης της Αυστραλίας διαθέτει εκτεταμένα αποθέματα χαρακτικών του Λιχτενστάιν, τα οποία αριθμούν πάνω από 300 έργα. Συνολικά υπάρχουν περίπου 4.500 έργα που πιστεύεται ότι κυκλοφορούν.
Μετά το θάνατο του καλλιτέχνη το 1997, το 1999 ιδρύθηκε το Ίδρυμα Roy Lichtenstein. Το 2011, το διοικητικό συμβούλιο του ιδρύματος αποφάσισε ότι τα οφέλη της αυθεντικοποίησης αντισταθμίζονταν από τους κινδύνους των παρατεταμένων αγωγών.
Στα τέλη του 2006, το ίδρυμα έστειλε μια κάρτα διακοπών με μια εικόνα του Electric Cord (1961), ενός πίνακα που αγνοούνταν από το 1970, αφού είχε σταλεί στον συντηρητή τέχνης Daniel Goldreyer από την γκαλερί Leo Castelli. Η κάρτα καλούσε το κοινό να αναφέρει οποιαδήποτε πληροφορία σχετικά με την τύχη του. Το 2012, το ίδρυμα πιστοποίησε την αυθεντικότητα του έργου όταν αυτό εμφανίστηκε σε μια αποθήκη της Νέας Υόρκης.
Μεταξύ 2008 και 2012, μετά το θάνατο του φωτογράφου Harry Shunk το 2006, το Ίδρυμα Lichtenstein απέκτησε τη συλλογή φωτογραφικού υλικού που τράβηξαν ο Shunk και ο János Kender, καθώς και τα πνευματικά δικαιώματα των φωτογράφων. Το 2013, το ίδρυμα δώρισε τον θησαυρό των Shunk-Kender σε πέντε ιδρύματα – το Ινστιτούτο Ερευνών Getty στο Λος Άντζελες, το Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης της Νέας Υόρκης, την Εθνική Πινακοθήκη της Ουάσινγκτον, το Κέντρο Πομπιντού στο Παρίσι και την Tate στο Λονδίνο – που θα επιτρέψει σε κάθε μουσείο να έχει πρόσβαση στο μερίδιο των άλλων.
Από τη δεκαετία του 1950, το έργο του Λιχτενστάιν έχει εκτεθεί στη Νέα Υόρκη και αλλού με τον Leo Castelli στην γκαλερί του και στην Castelli Graphics, καθώς και με την Ileana Sonnabend στην γκαλερί της στο Παρίσι, και στις γκαλερί Ferus, Pace Gallery, Gagosian Gallery, Mitchell-Innes & Nash, Mary Boone, Brooke Alexander Gallery, Carlebach, Rosa Esman, Marilyn Pearl, James Goodman, John Heller, Blum Helman, Hirschl & Adler, Phyllis Kind, Getler Pall, Condon Riley, 65 Thompson Street, Holly Solomon και Sperone Westwater Galleries μεταξύ άλλων. Η γκαλερί Leo Castelli αντιπροσώπευε αποκλειστικά τον Lichtenstein από το 1962, όταν μια ατομική έκθεση του καλλιτέχνη εξαντλήθηκε πριν ανοίξει.
Από το 1962, η γκαλερί Leo Castelli της Νέας Υόρκης διοργάνωσε τακτικές εκθέσεις με έργα του καλλιτέχνη. Η γκαλερί Gagosian εκθέτει έργα του Lichtenstein από το 1996.
Το Big Painting No. 6 (1965) έγινε το έργο του Lichtenstein με την υψηλότερη τιμή το 1970. Όπως ολόκληρη η σειρά Brushstrokes, το θέμα του πίνακα είναι η διαδικασία της αφηρημένης εξπρεσιονιστικής ζωγραφικής μέσω σαρωτικών πινελιών και σταγόνων, αλλά το αποτέλεσμα της απλοποίησης του Lichtenstein που χρησιμοποιεί ένα φόντο με κουκκίδες Ben-Day είναι μια αναπαράσταση της μηχανικής
Ο πίνακας Torpedo του Lichtenstein … Los! (1963) πωλήθηκε στον Christie”s για 5,5 εκατομμύρια δολάρια το 1989, ποσό ρεκόρ για την εποχή, καθιστώντας τον έναν από τους τρεις μόνο εν ζωή καλλιτέχνες που έχουν προσελκύσει τέτοια τεράστια ποσά. Το 2005, ο πίνακας In the Car πωλήθηκε για το τότε ρεκόρ των 16,2 εκατομμυρίων δολαρίων (10 εκατομμύρια λίρες).
Το 2010, ο πίνακας Ohhh… Alright… του 1964, ο οποίος ανήκε προηγουμένως στον Steve Martin και αργότερα στον Steve Wynn, πωλήθηκε στο ποσό ρεκόρ των 42,6 εκατομμυρίων δολαρίων ΗΠΑ (26,7 εκατομμύρια λίρες) σε δημοπρασία του οίκου Christie”s στη Νέα Υόρκη.
Βασισμένο σε ένα σχέδιο του William Overgard του 1961 για μια ιστορία κινουμένων σχεδίων του Steve Roper, το I Can See the Whole Room… and There”s Nobody in It! (1961) απεικονίζει έναν άνδρα που κοιτάζει μέσα από μια τρύπα σε μια πόρτα. Πουλήθηκε από τη συλλέκτρια Courtney Sale Ross για 43 εκατομμύρια δολάρια, διπλάσια από την εκτίμησή της, στον οίκο Christie”s στη Νέα Υόρκη το 2011- ο σύζυγος της πωλήτριας, Steve Ross, το είχε αποκτήσει σε δημοπρασία το 1988 για 2,1 εκατομμύρια δολάρια. Ο πίνακας έχει διαστάσεις τέσσερα πόδια επί τέσσερα πόδια και είναι σε γραφίτη και λάδι.
Ο κωμικός πίνακας Sleeping Girl (1964) από τη συλλογή των Beatrice και Phillip Gersh έκανε νέο ρεκόρ 44,8 εκατομμυρίων δολαρίων στον οίκο Sotheby”s το 2012.
Τον Οκτώβριο του 2012, ο πίνακάς του Electric Cord (1962) επιστράφηκε στη χήρα του Leo Castelli, Barbara Bertozzi Castelli, μετά από 42 χρόνια εξαφάνισης. Ο Castelli είχε στείλει τον πίνακα σε έναν συντηρητή έργων τέχνης για καθαρισμό τον Ιανουάριο του 1970 και δεν τον πήρε ποτέ πίσω. Πέθανε το 1999. Το 2006, το Ίδρυμα Roy Lichtenstein Foundation δημοσίευσε μια εικόνα του πίνακα στην εορταστική ευχετήρια κάρτα του και ζήτησε από την καλλιτεχνική κοινότητα να βοηθήσει στην εύρεσή του. Ο πίνακας βρέθηκε σε μια αποθήκη της Νέας Υόρκης, αφού είχε εκτεθεί στην Μπογκοτά της Κολομβίας.
Το 2013, ο πίνακας “Γυναίκα με ανθισμένο καπέλο” σημείωσε άλλο ένα ρεκόρ, 56,1 εκατομμύρια δολάρια, καθώς αγοράστηκε από τον Βρετανό κοσμηματοπώλη Laurence Graff από τον Αμερικανό επενδυτή Ronald O. Perelman.
Αυτό ξεπεράστηκε το 2015 από την πώληση του Nurse για 95,4 εκατομμύρια δολάρια σε δημοπρασία του οίκου Christie”s.
Τον Ιανουάριο του 2017, το Masterpiece πωλήθηκε έναντι 165 εκατομμυρίων δολαρίων. Τα έσοδα από την πώληση αυτή θα χρησιμοποιηθούν για τη δημιουργία ενός ταμείου για τη μεταρρύθμιση της ποινικής δικαιοσύνης.
Διαβάστε επίσης, ιστορία – Οίκος των Μεδίκων
Βιβλιογραφία
Βιογραφικά:
Έργα:
Άλλα:
Πηγές
