David Bowie

gigatos | diciembre 30, 2021

Resumen

David Bowie (IPA: ˈdeɪ.vɪd ˈboʊ.i), seudónimo de David Robert Jones (Londres, 8 de enero de 1947 – Nueva York, 10 de enero de 2016), fue un cantautor, multiinstrumentista y actor británico.Está considerado uno de los artistas musicales más influyentes del siglo XX.

La pasión de Bowie por la música le llevó a aprender a tocar el saxofón a una edad temprana. Tras formar grupos, se lanzó en solitario a principios de los años 70, abarcando cinco décadas de música rock y ganándose la reputación de perfeccionar el género del glam rock.

Sus colaboraciones con Tony Visconti y Brian Eno, veteranos del glam rock de principios de los 70, fueron importantes y fructíferas, y estableció con ellos una sólida y profunda amistad que duró varios años.

Aunque no es su actividad principal, Bowie también se dedicó a la pintura y al cine, trabajando como actor con directores como Martin Scorsese, David Lynch y Christopher Nolan. Entre las películas que ha protagonizado se encuentran El hombre que cayó a la tierra, Furyo, Miriam despierta a medianoche, Principiantes absolutos, Laberinto, Basquiat, El prestigio y My West.

Con unos 150 millones de discos vendidos en vida, David Bowie es uno de los artistas más vendidos del mundo y en 2007 fue nombrado el cuarto cantante más rico del mundo por la revista Forbes.

En 2008, ocupó el puesto 23 en la lista de los 100 mejores cantantes de Rolling Stone, que señaló Life on Mars, Space Oddity, Fame y Heroes como sus mejores canciones. Además, cinco de sus discos están incluidos en la lista de los 500 mejores álbumes de Rolling Stone.

En 2019 Bowie fue nombrado «el mayor artista del siglo XX» a través de una encuesta realizada por la BBC Two.

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Infancia y adolescencia (1947-1961)

David Robert Jones nació en Brixton, un barrio del sur de Londres, el 8 de enero de 1947. Su madre, Margaret Mary Burns, conocida como «Peggy», era cajera de cine, mientras que su padre, Haywood Stenton Jones, era un ex militar que acababa de regresar del frente y que más tarde se convirtió en director de la prisión de Bromley. A la edad de seis años, él y su familia se mudaron de su casa en el 42 de Stansfield Road a una nueva casa en Bromley, otro suburbio del sur de Londres, donde pronto se interesó por la música de Estados Unidos: «Cuando era muy joven, vi a mi prima bailando Hound Dog de Elvis», contó más tarde, «y nunca la había visto levantarse y contonearse así con ninguna otra canción». El poder de esa música realmente me golpeó. David empezó a escuchar discos de Fats Domino y Little Richard cuando aún estaba en el colegio y cultivó un creciente interés por el rhythm and blues, el skiffle y el rock »n» roll, así como por otras formas de arte. Cuando un profesor le preguntó qué quería ser de mayor, dijo que quería ser el Elvis británico.

Un papel clave en su desarrollo musical lo desempeñó su hermanastro Terry Burns, nacido en 1937 de una relación anterior con su madre. «Terry fue el principio de todo para mí», dijo David años más tarde, «leía mucho a los escritores beat y escuchaba a músicos de jazz como John Coltrane y Eric Dolphy… mientras yo aún estaba en la escuela, él iba al centro todos los sábados por la noche a escuchar jazz en diferentes clubes… se dejaba crecer el pelo y, a su manera, era un rebelde… todo esto tuvo una gran influencia en mí». y recluido en el pabellón psiquiátrico del Hospital Cane Hill de Londres desde los años setenta hasta 1985, cuando se quitó la vida arrojándose frente a un tren, Terry inspiraría al cantante de diversas maneras, como demuestran el álbum de 1970 The Man Who Sold the World y temas como The Bewlay Brothers, de 1971, y Jump They Say, de 1993.

En 1958, David comenzó a cantar como corista en la iglesia de St. Mary con sus amigos George Underwood y Geoffrey MacCormack, y al año siguiente recibió su primer saxofón como regalo de su madre. Aconsejado por Terry, empezó a recibir clases del saxofonista de jazz Ronnie Ross: «Para mí, el saxofón representaba la Generación Beat de la Costa Oeste, ese periodo de la cultura americana que tanto me fascinaba. Ese instrumento se convirtió en un emblema para mí, un símbolo de libertad. A lo largo de su carrera, aprendería a tocar muchos instrumentos, mostrando más habilidad con la guitarra rítmica que con la principal.

Otra experiencia formativa en la educación musical de David fue un breve paso por la tienda de discos de Bromley, durante el cual quedó fascinado por la música de James Brown, Ray Charles y Jackie Wilson, entonces poco conocidos en Europa. En 1960 se unió a un grupo de estudiantes de la Bromley Technical High School interesados en el arte, y su talento creativo fue alentado por el progresista profesor Owen Frampton, padre del guitarrista Peter Frampton, con el que colaboraría más tarde. Dos años después surgió la oportunidad de unirse a George Underwood en una de las bandas de la escuela y comenzó la aventura artística de David.

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Los años anteriores a Deram (1962-1966)

¡A mediados de 1962, David y Underwood unieron fuerzas con algunos estudiantes que habían formado un grupo llamado The Kon-rads, que había sido fundado por los alumnos del Bromley Technical High School Neville Wills y Dave Crook a principios de 1962; Underwood se ofreció a cantar para ellos y, en junio, llevó a David a cantar A Picture of You de Joe Brown y a ayudar con las voces en una versión de Hey! Bebé de Bruce Channel. David comenzó a utilizar su saxo tenor y los Kon-rads tuvieron un renacimiento. El primer concierto documentado se celebró el 16 de junio en una fiesta escolar. «Los Kon-rad hicieron versiones de todas las canciones que llegaron a las listas de éxitos», relató David 30 años después. «Éramos una de las mejores bandas de versiones de la zona y trabajábamos mucho».

A finales de año, Underwood dejó la banda y fue sustituido por un nuevo cantante, Roger Ferris, mientras que David Crook fue reemplazado en la batería por Dave Hadfield. Las filas de la banda se incrementaron con la llegada de Rocky Shahan al bajo, el guitarrista Alan Dodds y las coristas Christine y Stella Patton. «Originalmente entré como saxofonista», dijo David, «pero luego nuestro cantante Roger Ferris fue golpeado por unos grasientos en el Civic de Orpington, así que me dediqué a cantar». Los Kon-rad tocaban en clubes juveniles, salones parroquiales e incluso tenían un uniforme de pana marrón. David comenzó a experimentar con su actitud escénica y a introducir nuevas ideas para hacer la banda más «atractiva», cambió el nombre a Dave Jay, inspirado en el grupo beat Peter Jay and the Jaywalkers, y también comenzó a componer sus propias canciones, algunas de las cuales se añadieron al repertorio de la banda, que incluía temas como In the Mood, China Doll y Sweet Little Sixteen. Fue durante este período que Underwood, durante una discusión en la escuela por una chica llamada Carol Goldsmith, le dio un puñetazo en el ojo izquierdo y el anillo en su dedo le causó midriasis traumática crónica. El resultado fue una dilatación permanente de la pupila, que caracterizaría sus ojos para siempre y le dejaría una percepción alterada de la profundidad y la luz («cuando conduzco no veo los coches que vienen hacia mí, sólo los veo más grandes», diría en 1999). El resultado más evidente de ese golpe fue que la pupila de su ojo izquierdo quedó permanentemente dilatada. En contra de la creencia popular, el iris no cambió de color, aunque debido a la paralización de la pupila, se puede tener la impresión de que el ojo izquierdo es verdoso, mientras que el derecho ha permanecido azul.

En agosto de 1963, el director de Decca Records, Eric Easton, invitó a los Kon-rad a una audición tras verlos en un concierto en Orpington. El 30 de agosto, en los estudios de Decca en West Hampstead, el grupo decidió interpretar I Never Dreamed, una canción que David había escrito basándose en las noticias de un accidente de avión. Además de escribir la letra de la canción, David, de 16 años, apareció como corista y tocó el saxofón en lo que se considera su primera grabación de estudio conocida. Sin embargo, la audición no tuvo éxito y contribuyó a su salida de los Kon-rad. Al poco tiempo, los Kon-rads se volvieron demasiado limitantes para David: «Quería dedicarme al rhythm and blues», contó más tarde, «pero no estaban de acuerdo. Querían ceñirse al Top 20. Así que me fui.

Tras dejar la Bromley Technical High School, David empezó a trabajar como aprendiz de ilustrador para la agencia de publicidad estadounidense J. Walter Thompson. «Era un visualizador junior», decía en 1993, «era un título importante, pero en realidad sólo hacía collages. Y nunca tuve la oportunidad de demostrar mi valía porque la agencia estaba repleta de talentos. Un aspecto positivo del trabajo fue conocer a Ian, otro fan de John Lee Hooker: «Encontré un disco de John Lee Hooker y otro de Bob Dylan en una tienda del Soho. Compré dos copias de ambos y, como Ian me había presentado a John, le regalé el disco de Dylan. Descubrí a estos dos artistas en un día. Fue algo mágico. «La influencia de la música del bluesman americano queda patente en el nombre del trío que David formaría después de los Kon-rads con George Underwood a la guitarra y la armónica y el batería Viv Andrews, The Hooker Brothers (aunque a veces llevaban otros nombres como The Bow Street Runners y Dave»s Reds & Blues). La banda tocaba versiones y consiguió algunos conciertos en el Bromel Club de Peter Melkin y en el Ravensbourne College of Art, pero duró poco y después de unos cuantos conciertos Andrews lo dejó. David y Underwood sentaron las bases del trío con el que harían su primer disco, los King Bees, un 45 llamado Liza Jane. El nombre del grupo se inspiró en una canción del bluesman Slim Harpo, I»m a King Bee. Los otros miembros, además de David y Underwood, eran Roger Bluck, Dave «Frank» Howard y Bob Allen, a la guitarra, el bajo y la batería respectivamente. «Ni siquiera recuerdo cómo se llamaban», confesaría en 1993, «eran del norte de Londres y eran casi profesionales». Bastante aterrador». Sin embargo, él y Underwood, tal y como confió Underwood, pronto tomaron el control de la banda: «Impusimos nuestros propios gustos a los demás».

En la primavera de 1964, David se puso en contacto con el mánager Leslie Conn, que les consiguió una audición con Decca y la oportunidad de grabar el single, así como un concierto en el Marquee Club y apariciones en los programas de televisión de la BBC Juke Box Jury y The Beat Room. Conn consiguió inicialmente que las King Bees actuaran en la fiesta de aniversario de la boda de Bloom en el Soho. «Todo fue bastante incómodo», relató David años después. Tuvieron tiempo de tocar Got My Mojo Working y Hoochie Coochie Man antes de que Bloom gritara: «¡Sácalos! Están arruinando mi fiesta». La audición con Decca resultó más satisfactoria y poco después les permitió grabar finalmente a Liza Jane. Así, el 5 de junio de 1964, se publicó el primer 45 oficial de Bowie, aunque acreditado a Davie Jones con los King Bees, y el cantante dejó su trabajo en la agencia de publicidad. Para promocionar el single, Conn consiguió que la banda hiciera una serie de apariciones en varios locales de Londres. David tuvo la oportunidad de hacer su primera aparición en el Marquee Club, y en los programas de la BBC Juke Box Jury (6 de junio) y The Beat Room (27 de junio). Sin embargo, la falta de éxito de Liza Jane, que vendió muy pocos de los 3500 ejemplares impresos, supuso el fin de su etapa en el grupo.

En agosto se unió a los Manish Boys, que ya llevaban cuatro años en activo y estaban considerados como la vanguardia del llamado Medway beat, y a finales de año concedió su primera entrevista en televisión. Ya en activo desde hace cuatro años, Johnny Flux, Paul Rodríguez, Woolf Byrne, Johnny Watson, Mick White y Bob Solly se mostraron poco entusiastas con la llegada de David, como el propio Solly declaró a la revista mensual británica Record Collector en 2000: «Al principio no queríamos, pero Conn dijo: «Tiene un contrato discográfico, acaba de sacar un disco y puede ser una ventaja para vosotros»». David asumió una posición de dominio y orientó al grupo hacia el rhythm and blues. El 18 de agosto, el Chatham Standard anunciaba: «otra noticia de los chicos es que ahora acompañan a la estrella de Decca Davie Jones, cuya banda, los King Bees, lo abandonaron». Al día siguiente, David tocó por primera vez con los Manish Boys en Eel-Pie Island, un famoso local de jazz de Twickenham.

El 6 de octubre, la banda realizó su primera grabación en los Regent Sound Studios, donde grabaron versiones de Hello Stranger de Barbara Lewis, Duke of Earl de Gene Chandler y Love is Strange de Mickey & Sylvia. Aunque el primer tema fue considerado para un lanzamiento de 45rpm, ninguno de los temas fue lanzado. Un mes más tarde, Bowie concedió su primera entrevista importante en televisión, pero no tenía mucho que ver con su música. Ahora luciendo una abundante cabellera rubia, en un intento de ganar publicidad afirmó haber fundado una asociación llamada Liga Internacional para la Protección del Pelo de los Animales, y fue como «presidente» que se encontró entrevistado por el novelista Leslie Thomas en la edición del 2 de noviembre del Evening News and Star (el titular era «¿Quién está detrás del flequillo?»). El 1 de diciembre la banda comenzó una gira de seis fechas en la que actuaron como banda de acompañamiento de Gene Pitney, los Kinks, Marianne Faithfull y Gerry and the Pacemakers. A excepción de Liza Jane y Last Night (escrita por los Manish Boys y utilizada como apertura), el sonido de sus actuaciones se basaba principalmente en el blues y el soul americanos, desde James Brown, Ray Charles y los Yardbirds.

La carrera discográfica de los Manish Boys dio un giro a principios de 1965 cuando el productor estadounidense Shel Talmy, conocido por haber arreglado y producido el álbum You Really Got Me de The Kinks y, un poco más tarde, el álbum de debut de The Who, se fijó en ellos. Como resultado, el 5 de marzo, la banda lanzó el 45 rpm I Pity the Fool en Parlophone, que también contó con el entonces desconocido tornero Jimmy Page. Sin embargo, la grabación y la mezcla del single no contaron con la aprobación de los demás miembros y el resultado final disgustó a la mayoría del grupo. ¡Cuando Leslie Conn les consiguió un espacio en la televisión de la BBC el 8 de marzo para los Gadzooks! Todo pasa, David se vio envuelto en la segunda campaña publicitaria con su longitud de pelo. El Daily Mirror publicó un artículo titulado «La guerra por el pelo de David» y al día siguiente el Daily Mail informó de que el grupo había sido expulsado del programa y que David había dicho «No me cortaría el pelo ni aunque me lo pidiera el Primer Ministro, y menos aún para la BBC». El día de la emisión, el Evening News publicó una foto de la cantante pop más publicitada de la semana cortándose el pelo para aparecer en el programa.

I Pity the Fool no se benefició ni de la aparición en televisión ni de la publicidad que la acompañó, y David se separó del grupo tras una discusión sobre la aparición de su nombre en el single (la canción se había atribuido simplemente a los Manish Boys a pesar de que inicialmente se había acordado que apareciera como obra de Davie Jones y los Manish Boys). A pesar del fracaso de I Pity the Fool, el productor Shel Talmy consiguió un contrato con Parlophone. En abril, David dirigía el Tercio Inferior. La banda, que procedía de Margate y se había formado en 1963, necesitaba nuevos miembros después de que tres de sus integrantes se marcharan, y David hizo una audición en La Discotheque del Soho con Steve Marriott, que se marchó inmediatamente para formar Small Faces. Durante estos días, Bowie también hizo audiciones (principalmente en el Marquee Club) para otros grupos, entre ellos High Numbers, que pronto estallarían como The Who. El 17 de mayo de 1965, una actuación en el Grand Hotel de Littlestone dio lugar al nacimiento oficial de Davy Jones and the Lower Third, que incluía a Denis »Tea-Cup» Taylor a la guitarra, Graham »Death» Rivens al bajo y Les Mighall a la batería (posteriormente sustituido por Phil Lancaster). «Creo que quería que fuera una banda de rhythm and blues», dijo Bowie en 1983. «Hacíamos muchos temas de John Lee Hooker e intentábamos adaptar su material al big beat, sin mucho éxito. Pero estaba de moda en aquella época: todo el mundo elegía un músico de blues… el nuestro era Hooker».

El 20 de agosto, el grupo lanzó el single You»ve Got a Habit of Leaving, grabado en los estudios IBC durante una sesión en la que, además de la cara B Baby Loves That Way, se grabaron otras dos maquetas (disponibles en la colección Early On de 1991): Te seguiré y Me alegro de no tener a nadie. El mismo día del lanzamiento del single, Lower Third abrió para The Who en el Bournemouth Pavilion y David conoció a Pete Townshend por primera vez, otra gran fuente de inspiración para el cantante inglés. Poco después dejó a Leslie Conn por su primer representante a tiempo completo, Ralph Horton. Este 45 también resultó ser un fracaso y David dejó a Leslie Conn por su primer manager a tiempo completo, Ralph Horton, cuya primera decisión fue supervisar la transformación de los cuatro adolescentes de pelo largo: ataviados con los últimos pantalones de moda y corbatas de flores de Carnaby Street, les obligó a cortarse el pelo al estilo mod y fomentó el uso de laca. Esto último molestó a algunos miembros del grupo, pero no a David, que ya estaba encaprichado con la imagen dandi de los mods y su nuevo portavoz, The Who. Horton consiguió para Lower Third una serie de conciertos en verano y la banda empezó a comportarse como el grupo de Roger Daltrey y Pete Townshend, destrozando sus instrumentos al final de sus actuaciones. «Se nos conocía como la segunda banda más ruidosa de Londres», relató Denis Taylor años después. El 31 de agosto, Lower Third grabó una maqueta con dos temas, Baby That»s a Promise y Silly Boy Blue, que seguían mostrando la influencia de grupos como los Kinks y Small Faces, así como del r&b de Motown.

En esta época, el cantante adoptó oficialmente el nombre artístico de «David Bowie», para evitar la confusión con Davy Jones de los Monkees. Más tarde contó que eligió el nombre en referencia a los cuchillos de caza del mismo nombre: «Quería algo que expresara el deseo de cortar las mentiras y todo eso». Al parecer, la inspiración le llegó a David después de ver la película de 1960 La batalla del Álamo, en la que el fabricante de cuchillos Jim Bowie era interpretado por Richard Widmark.

Ralph Horton no resultó ser la mejor compra de Lower Third en cuanto a capacidad y habilidad financiera, hasta el punto de que fue él, consciente de sus propias limitaciones, quien se puso en contacto con Kenneth Pitt, mánager de Manfred Mann (y de Bob Dylan cuando hizo una gira por el Reino Unido) y le pidió que ayudara a Lower Third. Pitt se negó, pero aconsejó a David que se cambiara el nombre para evitar que le confundieran con el Davy Jones que se estaba haciendo famoso con los Monkees. Unos días más tarde, el 17 de septiembre de 1965, David anunció al resto de la banda que a partir de entonces sería conocido como David Bowie. Poco después, Bowie y Lower Third consiguieron un contrato con Pye Records, que pronto produciría su primer disco con el productor Tony Hath.

El 2 de noviembre, el grupo fracasó en una audición para un programa de televisión de la BBC en el que interpretaron una versión rockera de Chim Chim Cheree (una canción de la película Mary Poppins), Out of Sight (una versión de James Brown) y Baby That»s a Promise. Un tipo cockney, no particularmente original, un cantante sin personalidad que canta las notas equivocadas y fuera de tono», fue uno de los duros comentarios del comité sobre Bowie.

1965 terminó con la grabación de tres canciones en los estudios Pye de Marble Arch: Now You»ve Met The London Boys (reelaborada y publicada un año después como The London Boys), y las que serían las caras A y B del nuevo 45: Can»t Help Thinking About Me y And I Say To Myself. El día de Nochevieja, el grupo tocó con Arthur Brown en París y se quedó un par de días. El lanzamiento del single era inminente, pero el trato preferente de David durante la campaña publicitaria fue decisivo para crear una ruptura entre él y el resto del grupo. Todo llegó a un punto crítico el 29 de enero de 1966 en el Bromel Club de Bromley, cuando el Lower Third se negó a tocar después de que Horton les dijera que no les pagarían esa noche. La ruptura de la banda dejó a Bowie con un único single que promocionar y sin banda que le acompañara. A pesar de algunas críticas alentadoras, el disco (su primero en Estados Unidos) fue un fracaso como sus predecesores, pero generó el suficiente interés como para que Bowie obtuviera su primera entrevista en Melody Maker el 26 de febrero, y una aparición en el programa Ready Steady Go! de ITV, donde interpretó la canción con una nueva banda, The Buzz, el 4 de marzo.

David Bowie y los Buzz, es decir, John Hutchinson (guitarra), Derek Fearnley (bajo), John Eager (batería) y Derek Boyes (teclados), habían dado la primera de una serie de actuaciones en directo en la Universidad de Leicester el 10 de febrero de 1966. Sobre su encuentro con Bowie, Hutchinson dijo años después: «Le conocí después de pasar un año tocando rhythm and blues con los Apaches en Gotemburgo en 1965. Me presenté a una audición muy profesional en el Marquee Club de Wardour Street, Londres, un sábado por la mañana y me fue bien. Creo que David me eligió porque llevaba ropa sueca, una chaqueta de ante, vaqueros y zuecos azules, nadie en Inglaterra había visto algo así hasta entonces y creo que Bowie quedó impresionado. Además, fui el mejor de los guitarristas que se presentaron a la audición».

Tres días después de la aparición en televisión en el programa Ready, Steady, Go! la banda grabó Do Anything You Say, que sería editado como un 45 el 1 de abril y acreditado sólo a David, evitando así los malentendidos presentes en las bandas anteriores. «Desde el primer día», dijo el batería John Eager, «nos dimos cuenta de que en realidad éramos David y su banda de acompañamiento». Ralph Horton volvió a ponerse en contacto con Kenneth Pitt, y mientras tanto la banda comenzó una serie de conciertos en el Marquee Club, llamados «Bowie Showboat», que se celebrarían los domingos por la tarde hasta el 12 de junio. Tras asistir al segundo de estos conciertos, Pitt se convirtió oficialmente en el mánager de Bowie y Horton asumió el papel de asistente y organizador de los conciertos.

El 15 de junio, John Hutchinson decidió abandonar el Buzz por falta de pago, y durante las siguientes semanas Bowie se vio obligado a dar un par de conciertos sin guitarrista antes de fichar al antiguo Anteeeks Billy Gray. Sin embargo, el productor Tony Hatch decidió excluir a lo que quedaba de la banda de la grabación del nuevo single I Dig Everything, cuyo lanzamiento estaba previsto para el mes siguiente, y utilizar algunos músicos de sesión. El 45 salió a la venta el 19 de agosto, y resultó ser otro fracaso comercial a pesar de algunas críticas alentadoras en la prensa especializada, por lo que en septiembre Tony Hatch y Pye liberaron a Bowie de su contrato. El nuevo mánager consiguió interesar a Deram Records y al productor Mike Vernon, con quien pronto grabaría su álbum debut titulado simplemente David Bowie.

Pero las cosas no iban bien con el Buzz, principalmente por la nueva dirección narrativa en la que se movían las canciones de Bowie. El grupo dejó de existir el 2 de diciembre después de un concierto en Shrewsbury, el mismo día en que salió a la venta Rubber Band, aunque Boyes, Fearnley y Eager siguieron participando en la grabación de David Bowie (y de otros temas no relacionados con el álbum, como The Laughing Gnome) hasta febrero de 1967.

A finales de año, durante las sesiones del álbum, David también escribió una canción para el actor y cantante inglés Paul Nicholas, a la que también contribuyó con coros. El que se convertiría en el tercer single de Oscar (el nombre artístico utilizado por Nicholas) en junio de 1967 se titula Over the Wall We Go y trata en broma de convictos fugados y policías incompetentes.

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Space Oddity y primeros éxitos (1967-1969)

Cada vez más orientado hacia una carrera en solitario, se unió brevemente a varias bandas en 1967 y, con Riot Squad, grabó Little Toy Soldier, una canción sadomasoquista con claras referencias a Venus in Furs de la Velvet Underground. Sin embargo, la vena decadente de Lou Reed da paso a una atmósfera de music-hall enriquecida por gritos, toses, crujidos de muelles, explosiones y otros ruidos realizados por el ingeniero de sonido y futuro productor de Space Oddity, Gus Dudgeon.

El siguiente mes de abril vio el lanzamiento de un nuevo single, The Laughing Gnome, descrito por Roy Carr y Charles Shaar Murray de New Musical Express como «posiblemente el ejemplo más vergonzoso de la iuvenalia de Bowie», y por el biógrafo David Buckley como «totalmente estúpido, aunque perversamente pegadizo». A pesar del escaso éxito del single, su primer álbum, David Bowie, se publicó en junio de 1967. Mientras tanto, se grabaron otros temas para Deram, pero ésta se negó a publicarlos, también debido a las escasas ventas del álbum. El actor y mimo Lindsay Kemp dijo más tarde: «Lo escuché hasta que lo agoté». En otoño de ese mismo año se grabaron Let Me Sleep Beside You y Karma Man. Tampoco fueron editados por Deram, pero el primero de los dos fue el inicio de una de las colaboraciones clave de Bowie, con Tony Visconti, a quien había conocido en los estudios de su editor David Platz.

Fue en esta época cuando comenzó su experiencia cinematográfica, con su participación en el cortometraje de Michael Armstrong, The Image; hablando de él de nuevo en 1983, Bowie lo describió como «material vanguardista underground en blanco y negro, realizado por un tal …. Quería hacer una película sobre un pintor que dibuja el retrato de un adolescente, pero el retrato cobra vida y, básicamente, resulta ser el cadáver de alguien. Realmente no recuerdo la trama… era terrible».

Tras una actuación del nuevo single Love You Till Tuesday en el programa de televisión holandés Fanclub y una actuación en el Stage Ball de Londres, bailando para la organización benéfica British Heart Foundation, donde cantó con la Orquesta de Bill Savill, el 18 de diciembre de 1967 realizó una «sesión de la BBC» para el programa de radio Top Gear de John Peel, en la que Bowie estuvo acompañado por la orquesta de dieciséis músicos de Arthur Greenslade. A continuación, el 28 de diciembre, en la Oxford Playhouse, finalizó una primera función de Pierrot in Turquoise, basada en un triángulo amoroso entre Pierrot, Columbine y Arlequín. El papel de Nube, interpretado por Bowie, era el de una especie de narrador-personaje, cuyos constantes cambios se empeñaban en engañar y confundir al desventurado protagonista. Durante el espectáculo interpretó When I Live My Dream y Sell Me a Coat, junto con tres composiciones especialmente escritas (Threepenny Pierrot, Columbine y The Mirror), todo ello acompañado al piano por Michael Garrett. El periódico local Oxford Mail escribió: «David Bowie ha compuesto algunas canciones fascinantes, que canta con una espléndida voz de ensueño», mientras que consideró que el espectáculo en su conjunto «sólo consigue insinuar las verdades universales que Marcel Marceau consigue expresar».

El 27 de febrero de 1968 Bowie viajó a Hamburgo para grabar tres canciones para el programa 4-3-2-1 Musik Für Junge Leute de la ZDF. A su regreso, grabó In the Heat of the Morning y London Bye Ta-Ta con Visconti, pero la negativa de Deram a publicarlos hizo que el cantante dejara el sello definitivamente.

En primavera, las representaciones de Pierrot in Turquoise en el Mercury Theatre y el Intimate Theater de Londres continuaron con cierto éxito. A continuación, Bowie grabó una segunda sesión de canciones en la BBC, seguida de un concierto en el Middle Earth Club de Covent Garden, como telonero de T. Rex, y en el Royal Festival Hall. En ambas apariciones interpretó la breve pieza de mimo Jetsun and the Eagle, que dio lugar a Wild Eyed Boy de Freecloud, inspirada en el clérigo y poeta tibetano Milarepa e interpretada con música de fondo que incluía Silly Boy Blue.

Tras una fugaz aparición en The Pistol Shot, un drama de la BBC basado en la vida del poeta ruso Pushkin, Bowie se fue a vivir con su pareja Hermione al sur de Kensington, en Londres, y comenzó a planear un espectáculo unipersonal específicamente para el circuito de cabaret, elaborando un repertorio que alternaba entre sus propias canciones (When I»m Five, Love You Till Tuesday, The Laughing Gnome, When I Live My Dream, Even a Fool Learns to Love) y versiones de los Beatles como Yellow Submarine y All You Need Is Love; Celebró dos audiciones en verano para representar su espectáculo, pero ambas no tuvieron éxito. A continuación, formó el trío acústico Turquoise con Hermione y el ex guitarrista de Misunderstood Tony Hill, con un repertorio que incluía algunas de sus composiciones más extrañas, como la inédita Ching-a-Ling y una selección de versiones que representaban la primera incursión de Bowie en la obra de Jacques Brel.

El primer concierto real de Bowie fue el 14 de septiembre en el Roundhouse de Londres; tras unas pocas fechas, el guitarrista Tony Hill se marchó y fue sustituido por John Hutchinson. Rebautizado como Feathers, el grupo debutó el 17 de noviembre en el Country Club de Haverstock Hill. Además de las canciones, el trío se turnó para recitar poesía mientras Bowie interpretaba su pieza de mimo The Mask.

Mientras que los dos grupos Slender Plenty y The Beatstalkers estrenaron la canción que Bowie había escrito el año anterior, Silver Tree Top School for Boys, los últimos compromisos del año fueron ambos para la televisión alemana: la segunda aparición en el programa 4-3-2-1 Musik Für Junge Leute y la aparición en el programa Für Jeden Etwas Musik, donde Bowie representó una pieza de mimo y cantó una canción.

Otro encuentro importante para Bowie tuvo lugar a principios de 1969, con la estadounidense Mary Angela Barnett, de 19 años, que cuatro meses más tarde se convertiría en su compañera y luego en su esposa en marzo de 1970; pero el encuentro con Barnett estuvo relacionado principalmente con el conocimiento común de Calvin Mark Lee, director europeo de la división A&R de Mercury Records en Nueva York, a quien Bowie había conocido ya en 1967, en la reunión con el director general Simon Hayes. Según los biógrafos Peter y Leni Gillman, también parece que Calvin Mark Lee mantuvo con el cantante una relación que iba más allá de la mera amistad, y puede que éste fuera el «trío» al que Bowie se refirió muchos años después cuando declaró provocativamente en una entrevista que conoció a su futura esposa cuando «ambos salíamos con el mismo hombre».

El 22 de enero, Bowie grabó un anuncio para el helado Lyons Maid»s Luv, dirigido por Ridley Scott, y cuatro días después comenzó a rodar el vídeo del álbum Love You Till Tuesday. Durante este periodo, él y John Hutchinson dieron su primera actuación en directo del año en la Universidad de Sussex. También participó en algunas fechas de la gira del Tyrannosaurus Rex, realizando secuencias de mimo, e intentó sin éxito una audición para el musical Hair en el Teatro Shaftesbury de Londres.

En los mismos días, Bowie y Hutchinson abandonaron la mímica y la poesía y se concentraron en sonidos folclóricos más sofisticados, basados en guitarras acústicas gemelas y armonías vocales. Grabaron una maqueta acústica de diez piezas, que constituyó la base del nuevo álbum.

Antes del verano, el cantante y su nueva pareja, la periodista del Sunday Times Mary Finnigan, crearon un club de folk en el pub Three Tuns de Beckenham y empezaron a celebrar reuniones semanales a las que asistían cada vez más intelectuales, poetas, estudiantes de cine y otras personas creativas. Esta nueva realidad se llamó Crecimiento.

El 14 de junio, Bowie y Visconti fueron los invitados de los Strawbs en el programa Colour Me Pop de la BBC, y unos días más tarde comenzó la grabación del nuevo LP en los estudios Trident del Soho, donde el ingeniero de sonido Dudgeon supervisó los dos temas que componían el primer 45 del álbum, Space Oddity y Wild Eyed Boy de Freecloud. Estas sesiones fueron una oportunidad para que Bowie tocara con nuevos músicos que luego volverían a trabajar con él: el bajista Herbie Flowers, que también tocaría en el álbum de 1974 Diamond Dogs, y Rick Wakeman, que había trabajado en el álbum de 1971 Hunky Dory, y el propio Visconti.

Apenas tres semanas después de la grabación y a tiempo para el primer alunizaje del Apolo 11, el 45 de Space Oddity salió a la venta el 11 de julio de 1969 en dos versiones diferentes, tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos, con una buena acogida en la prensa especializada.

A finales de mes viajó con Pitt a La Valeta para el Festival de la Canción de Malta, donde Bowie interpretó When I Live My Dream y la inédita No-One; Someone, mientras que unos días más tarde tuvo lugar su primera actuación en Italia, en Monsummano Terme, para el International Record Award, donde ganó su primer premio por When I Live My Dream.

La grabación continuó durante todo el verano y Visconti reclutó a otros músicos para la ocasión, incluido el guitarrista de Rats, Mick Ronson, que hizo su debut oficial con el cantante británico tocando un breve solo de guitarra en la sección central de Wild Eyed Boy de Freecloud. A mediados de agosto se celebró un festival gratuito organizado por Growth, el taller de arte de Bowie, en el Beckenham Recreation Ground, donde también actuaron los Strawbs. Asistieron unas 3.000 personas, y el evento quedó inmortalizado en la canción Memory of a Free Festival, aunque parece que el estado de ánimo de Bowie ese día no concuerda con los sentimientos nostálgicos expresados en la canción, quizá por la muerte de su padre, que había fallecido unos días antes de neumonía. Sin embargo, el festival de Beckenham supuso la salida de Bowie del movimiento hippie, asqueado por la mediocridad e indolencia de muchos de sus adeptos, y el último acto del taller artístico Growth, al que acudieron esencialmente espectadores apáticos en lugar de los colaboradores activos que pretendía.

A finales de agosto, tras grabar una versión de Space Oddity para el programa de televisión holandés Doebidoe, consiguió que Pitt firmara un contrato con Mercury Records para un nuevo disco que sería distribuido en el Reino Unido por su filial Philips. La elección del productor recayó inicialmente en George Martin, pero se eligió a Tony Visconti.

Tras una actuación en directo en los Library Gardens de Bromley, en octubre grabó su primera aparición en el programa Top of the Pops de la BBC, donde interpretó Space Oddity, que para entonces había alcanzado el número 5 en las listas del Reino Unido y fue su primer éxito real. A esto le siguió una grabación en la BBC con Junior»s Eyes para el Dave Lee Travis Show. Al mismo tiempo, Bowie y Barnett se trasladaron a Beckenham a un edificio de Haddon Hall, que en años posteriores se convirtió en el estudio de grabación no oficial, así como en un estudio fotográfico y zona común para el entorno del cantante. Durante este periodo, interpretó la exitosa canción Space Oddity en varias ocasiones, incluyendo el programa Hits à gogo de la televisión suiza y el programa 4-3-2-1 Musik für Junge Leute de la ZDF.

Esto coincidió con el lanzamiento de su segundo álbum, que se publicó en el Reino Unido como David Bowie, el mismo título que su primer LP, y en Estados Unidos como Man of WordsMan of Music; sólo en 1972 fue reeditado por RCA como Space Oddity, con el que se conoció para siempre. El vinilo ganó el título del disco más caro jamás vendido en Discogs en 2016. Bowie, que interpretó varios temas del nuevo LP, alternándolos con versiones, no había tenido aún mucha experiencia en directo, y las pocas que tenía se limitaban principalmente al rhythm and blues amplificado, por lo que no estaba preparado para la fría acogida que tuvo su nuevo estilo acústico: «No me di cuenta de cómo era el público en ese momento. Había un renacimiento mod que se había convertido en el movimiento skinhead. Me encontraron insoportable.

Durante este periodo, tras cortarse el pelo al estilo militar debido a su participación unos meses antes en la película Los soldados vírgenes, en la que interpretaba el papel de un soldado, se presentó con una desordenada permanente rizada, que seguiría luciendo hasta principios de los setenta.

A finales de 1969 asistió a un concierto de gran éxito en el Royal Festival Hall, aunque la ausencia de periodistas impidió que el evento fuera cubierto por la prensa nacional. Entre los pocos que reseñaron el concierto estuvo Tony Palmer, del Observer, que lo describió como «abrasador» y dijo que Space Oddity era «espectacularmente bueno», aunque otras interpretaciones como An Occasional Dream fueron descritas por él como «sombrías, monótonas y llenas de autocompasión».

1969 terminó con la grabación de Ragazzo solo, ragazza sola, la versión italiana de Space Oddity, aunque con una letra que no guarda relación con la original, y Hole in the Ground, que se interpretó en el concierto benéfico Save Rave »69. A pesar de que el segundo álbum fue un fracaso comercial, vendiendo poco más de 5.000 copias en el Reino Unido en marzo de 1970, Bowie fue elegido mejor artista nuevo en una encuesta de los lectores de Music Now!, mientras que Penny Valentine de Disc and Music Echo nombró a Space Oddity álbum del año.

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La metamorfosis: del «folk» al «glam rock» (1970-1971)

Sus primeros compromisos en 1970 fueron la grabación de The Looking Glass Murders, una adaptación televisiva de Pierrot in Turquoise, que se rodó en el Gateway Theatre de Edimburgo, y la grabación de The Prettiest Star, con Marc Bolan como guitarra solista. Las carreras de las dos futuras estrellas, ambas producidas por Visconti, se cruzaron varias veces durante la década de 1970. Mientras tanto, en un concierto en el Marquee Club hubo una reunión con Mick Ronson, que se convirtió en el guitarrista a tiempo completo de Bowie, uniéndose a Visconti y al batería de Junior»s Eyes, John Cambridge. El nuevo grupo se llamaba Hype, abreviatura de hipócrita, una ironía de Bowie sobre la hipocresía que rodeaba al mundo de la música alternativa. «Elegí deliberadamente ese nombre porque quería algo que sonara un poco fuerte, para que ahora nadie pueda decir que fue engañado», decía Bowie a Melody Maker. El nuevo cuarteto debutó en las sesiones de la BBC en febrero siguiente. Poco después, los Hype debutaron en concierto en el Roundhouse de Londres, donde, tras meses de experimentos personales con el vestuario y el maquillaje, se produjo la metamorfosis: Bowie obligó al grupo a llevar los extravagantes trajes cosidos por la mujer y la novia de Visconti. Cada miembro asumió también la identidad de un personaje de cómic y Bowie, con medias de lúrex multicolor, botas altas y una capa azul, se convirtió en «Rainbowman». El concierto está considerado como el nacimiento del glam rock, pero la acogida del público fue fría; incluso los miembros del Hype parecían escépticos, excepto Bowie, que parecía no tener dudas: »después de ese concierto lo dejé, no probé otras cosas porque sabía que era bueno», contaba en el New Musical Express unos años después, »sabía lo que quería hacer y estaba seguro de que muchos otros también lo harían». Pero yo habría sido el primero.

Poco después Bowie volvió a Escocia, como invitado en el programa Cairngorm Ski Night de Grampian TV; acompañado por una gran orquesta de televisión, interpretó London Bye Ta-Ta e hizo un número de baile con Angela y Lindsay Kemp.Mientras tanto Visconti y Ronson montaron un estudio de grabación en Haddon Hall, donde se produjo gran parte del material de este periodo. El hermanastro de Bowie, Terry Burns, que era residente voluntario en el Hospital Cane Hill, visitaba con frecuencia el estudio, y estas visitas tuvieron una gran influencia en algunas de las composiciones que entraron en el nuevo álbum.

Entonces salió a la venta el 45 rpm The Prettiest Star, una auténtica declaración de amor a Barnett, que recibió una considerable atención por parte de las revistas musicales británicas, ya que se publicó después del éxito de Space Oddity. Sin embargo, la buena acogida de la prensa no encontró respuesta comercial y el single no vendió más de 800 copias. Para el mercado americano, Mercury Records prefirió centrarse en una nueva grabación, más concisa y enérgica, de Memory of a Free Festival, pero resultó ser un fracaso.

El 20 de marzo de 1970, David Bowie y Angela Barnett se casaron en el Ayuntamiento de Bromley, en una ceremonia informal a la que asistieron algunos amigos y la madre de Bowie. Cinco días después, The Hype grabó otra sesión en la BBC para el programa de Andy Ferris, luego se separó y la banda dio su último concierto en el Star Hotel de Croydon. Durante este tiempo, Angela se esforzó por ayudar a David, por ejemplo, en el enlace con los promotores y las relaciones públicas en general, en la reserva de locales para que su marido actuara, en el control de la iluminación y el sonido de los conciertos, etc. También contribuiría a la nueva imagen andrógina de su marido aconsejándole, entre otras cosas, sobre su elección de vestuario, peinados y oratoria.

Bowie siguió actuando en directo como artista en solitario, sobre todo interpretando temas de Space Oddity, pero también adelantando temas que acabarían en álbumes posteriores. También grabó el tema inédito Tired of my life, que al parecer Bowie escribió cuando tenía 16 años, y publicó The World of David Bowie, la primera colección oficial de temas de su álbum de debut y algunos temas inéditos. Las sesiones de grabación de El hombre que vendió el mundo comenzaron en los estudios Trident del 18 de abril al 22 de mayo. Cambridge fue sustituido en la batería por Mick «Woody» Woodmansey, antiguo compañero de Ronson en los Rats, mientras que Visconti pasó la mayor parte de las sesiones tratando de estimular al recién casado, luchando contra su aparente apatía por el proyecto. La banda pasó a ser de cinco con la llegada del teclista Ralph Mace, un ejecutivo de Philips Records que se había convertido en la referencia de Bowie en el sello a principios de año, durante la grabación de The Prettiest Star.

Una vez terminadas las grabaciones, el trabajo de Bowie se ralentizó y, descontento con el rumbo que Pitt pretendía dar a su obra, acudió con el joven asesor legal Tony Defries a casa del mánager, quien accedió a liberarle de cualquier obligación profesional. Los dos se separaron amistosamente y Defries se convirtió en el representante a tiempo completo del artista. Pitt siguió siendo una de las figuras más influyentes de la primera época del cantante británico, realizando importantes inversiones personales, aunque mucho menos que los fondos que puso a su disposición el colega de Defries, Laurence Myers, con quien acababa de crear el Gem Music Group; su último compromiso con Pitt fue en la ceremonia de entrega de los premios Ivor Novello el 10 de mayo en el Talk Of the Town de Londres, donde Bowie cantó Space Oddity y ganó un premio. La canción se interpretó en un gran arreglo orquestal arreglado por Paul Buckmaster y dirigido por Les Reed, y la actuación se transmitió por satélite en Europa y Estados Unidos, pero en el Reino Unido sólo se tocó en la radio.

Mientras tanto, el éxito del año anterior con el mismo tema estaba decayendo, así que en octubre Defries negoció una oferta con Chrysalis Records, asegurando un acuerdo y un adelanto de 5.000 libras, mientras Bowie canalizaba sus energías en un período de escritura intensiva. El hombre que vendió el mundo se estrenó en Estados Unidos el 4 de noviembre de 1970 y fue bien recibido por la crítica a pesar de las escasas ventas. El toque de guitarra hard rock de Ronson supuso un cambio notable respecto a las atmósferas predominantemente folk y acústicas del álbum anterior. Las letras eran más complejas y menos directas que antes, y los temas más profundos se trasladarían a las obras posteriores de Bowie: ambigüedad sexual, personalidades divididas, aislamiento, locura, falsos gurús, totalitarismo. Bowie no tardó en pensar en su próximo álbum. ¡Bob Grace, director general de Chrysalis, alquiló los estudios londinenses de Radio Luxemburgo, donde la cantante comenzó a grabar nuevo material, incluido el tema Oh! Cosas bonitas.

Al año siguiente, se publicó el nuevo 45, Holy Holy, a pesar de un retraso de seis meses en la grabación debido a las negociaciones contractuales. Unos días más tarde, el tema fue interpretado en el programa Six-O-One: Newsday de Granada TV, pero no fue un éxito. 1971 fue un momento crucial en la carrera de Bowie, en el que Defries fue decisivo para realizar y promover las ideas nacidas del genio del cantante; el mánager estaba revolucionando radicalmente toda la organización que había marcado su carrera hasta entonces, y le convenció de que rompiera su relación con Tony Visconti, culpable de mantener relaciones con Marc Bolan, que ahora competía con Bowie como la prima donna del glam rock. Visconti se marchó y se concentró en producir a Marc Bolan y T. Rex, manteniendo el nombre Hype y contratando al cantante de Rats, Benny Marshall, para que se uniera a Ronson y Woodmansey. Volvería a trabajar con Bowie en 1974, cuando las relaciones entre el cantante y Defries se estaban deteriorando.

En febrero, Bowie se embarcó en su primer viaje a Estados Unidos para la breve gira promocional de El hombre que vendió el mundo. Aunque su matrimonio con Angela le había dado la tarjeta de residencia, Bowie no podía actuar debido a los acuerdos sindicales con la Federación Americana de Músicos, y la promoción se limitaba a apariciones personales y entrevistas en Washington, Nueva York, Chicago, Filadelfia, San Francisco y Los Ángeles. En una de estas entrevistas anunció a John Mendelsohn, de Rolling Stone, que quería «introducir la mímica en un entorno occidental tradicional, para captar la atención del público con una serie de movimientos muy estilizados y muy japoneses». En la misma ocasión también declaró que la música rock «debería vestirse de prostituta, como una parodia de sí misma, debería ser una especie de payaso, de Pierrot. La música es la máscara que oculta el mensaje. La música es el Pierrot y yo, el artista, soy el mensaje».

Tras este breve paréntesis americano, Bowie volvió a los estudios Trident para completar el nuevo álbum Hunky Dory, produciendo nuevos temas como Changes y Life on Mars? Entre los músicos contratados inicialmente se encontraban algunos estudiantes de Dulwich que se habían hecho llamar Runk, entre ellos el guitarrista Mark Carr Pritchard, que estaba en Arnold Corns, el bajista Polak de Somogyl y el baterista Ralph St. Laurent Broadbent. Otros músicos con los que había trabajado en los meses anteriores también fueron considerados para las siguientes grabaciones, entre ellos el batería de Space Oddity, Terry Cox, y Tony Hill, a quien Bowie conocía desde 1968.

The Man Who Sold the World se publicó en el Reino Unido casi un año después de que terminaran las grabaciones, pero, a pesar de las críticas favorables, al igual que en el extranjero, las ventas fueron desastrosas. El contrato de Bowie con Mercury estaba a punto de expirar, pero la compañía lo renovaría por otro álbum. Al mes siguiente, el representante de la compañía discográfica Robin McBride llegó a Londres desde Chicago para ofrecerle un nuevo contrato de tres años. Defries le contestó que si Mercury aceptaba la opción de renovar para un nuevo disco, le darían «la mayor mierda que jamás hayan tenido», informándole de que bajo ninguna circunstancia Bowie grabaría otra nota con Mercury, que accedió a rescindir el contrato.

Bowie estaba preparando material para el nuevo álbum a un ritmo vertiginoso y llamó a Ronson y Woodmansey; Ronson estuvo de acuerdo y trajo al bajista Trevor Bolder para sustituir a Visconti. La alineación de las futuras Arañas de Marte comenzó a emerger.

La banda se trasladó a Haddon Hall para ensayar nuevas composiciones, y Bowie decidió utilizar la próxima sesión de la BBC del 3 de junio como escaparate para su nuevo círculo de músicos, entre los que se encontraban sus amigos Dana Gillespie, George Underwood y Geoffrey Alexander, para interpretar algunas canciones nuevas, entre ellas Kooks, compuesta para su hijo Zowie. El 23 de junio, Bowie asistió al Glastonbury Fayre, que contó con las actuaciones de Hawkwind, Traffic, Joan Baez y Pink Floyd, entre otros. ¡La lista de canciones de la noche anterior se había alargado demasiado, y el concierto de Bowie se había cancelado porque las autoridades habían insistido en que el evento terminara a las 10.30 de la noche; impertérrito, Bowie comenzó a tocar a las 5 de la mañana con algunos inconvenientes que interrumpieron Oh! You Pretty Things y continuó con seis temas más, entre ellos Memory of a Free Festival.

La grabación de Hunky Dory continuó en los estudios Trident durante todo el verano y en agosto Defries voló a Nueva York con 500 copias promocionales de un vinilo llamado BOWPROMO 1A11B1, con canciones de Dana Gillespie en una cara y algunas grabaciones nuevas de Bowie en la otra, incluyendo Andy Warhol, Queen Bitch y el inédito Bombers. Al cabo de unos días, el gerente volvió con un contrato con RCA.

Durante las etapas finales de Hunky Dory apareció otro elemento crucial en la futura carrera de Bowie. En el verano de 1971, el Roundhouse de Londres puso en escena la producción estadounidense Pork, la adaptación de Andy Warhol de una colección de conversaciones grabadas en los círculos turbios de Nueva York, con el travesti Wayne County, la desinhibida Geri Miller y Cherry Vanilla, con Tony Zanetta interpretando al propio Warhol. Para el público británico, las escenas de masturbación, homosexualidad, drogas y aborto de Pork eran una afrenta inaceptable al buen gusto. El espectáculo recibió una inmensa publicidad gratuita gracias a los comentarios indignados de la prensa, y para Bowie, el contacto con la rareza de Warhol supuso un nuevo punto de inflexión. Este acontecimiento y su encuentro con el artista estadounidense al mes siguiente le ayudaron a fusionar la música y la actuación, cambiando su aspecto y utilizando los medios de comunicación para crear su nueva imagen de estrella del rock. Su papel en el escenario ya no se limitaba al de un cantante-músico con un buen uso de los movimientos corporales, sino al de un actor-músico.

Atraído por su descaro, su tórrida sexualidad, su estilo callejero neoyorquino y sus conexiones con Warhol, Bowie se apresuró a presentar el nuevo reparto a Defries a su regreso de Estados Unidos. Cuando Defries dejó el Gem Music Group en 1972 y creó MainMan Management, su propia empresa para manejar la enorme cantidad de negocios que Bowie podría hacer, algunos de los jugadores clave de Pork fueron contratados y tuvieron papeles prominentes en la empresa.

Con Hunky Dory terminado, Bowie regresó a Estados Unidos con Angela, Defries y Ronson para firmar un nuevo contrato con RCA. Al igual que en su anterior viaje, Bowie no pudo actuar, pero su estancia le permitió conocer personalmente a Warhol, y tocó la canción que le dedicó. Según reveló Bowie en 1997, Warhol no reaccionó positivamente: «Creo que pensó que estaba siendo humillado por la canción o algo así, y esa no era realmente mi intención, era un homenaje irónico. Se lo tomó muy mal pero le gustaron mis zapatos…. Yo llevaba un par que me había regalado Marc Bolan, de un amarillo canario brillante, con tacón y punta redondeada, porque Warhol también tenía la costumbre de diseñar zapatos, así que teníamos algo de qué hablar. En esos mismos días se produjeron otros dos encuentros importantes: Dennis Katz, de RCA, le presentó a Lou Reed en un restaurante y esa misma noche, en una fiesta en Max»s Kansas City, conoció a Iggy Pop, un encuentro que resultaría fundamental para la carrera de ambos.

A su regreso a Europa, los compromisos en vivo y en estudio de Bowie continuaron, con las grabaciones de The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars que comenzaron el 9 de septiembre con una versión de It Ain»t Easy del cantautor estadounidense Ron Davies. El 21 de septiembre, hubo otra sesión de la BBC para Sounds of the 70s con »Whispering» Bob Harris, en la que Bowie y Ronson tocaron el Amsterdam de Brel. Cuatro días después tuvo lugar la primera actuación en directo con los futuros Spiders from Mars, con la incorporación de Tom Parker al piano, en el Friars Club de Aylesbury.

El 8 de noviembre comenzó la primera sesión real, en la que se produjeron muchos de los temas del nuevo álbum. Entre ellas, nuevas versiones de Moonage Daydream y Hang On to Yourself, las famosas Ziggy Stardust y Lady Stardust, estas dos últimas ya grabadas en una maqueta acústica en los estudios de Radio Luxembourg unos meses antes. Entre los temas descartados estaban Shadow Man, Sweet Head, Velvet Goldmine, una nueva versión de Holy Holy y una interpretación retitulada Round and Round de Around and Around de Chuck Berry.

Hunky Dory salió a la venta el 17 de diciembre de 1971, momento en el que Bowie estaba a medio camino de la grabación de su siguiente álbum y trabajando en otro cambio de imagen y estilo. El nuevo trabajo supuso una vuelta a un sonido más folk dominado por el piano de Rick Wakeman y los arreglos operísticos de Mick Ronson, y sobre todo mostró la capacidad compositiva de Bowie, pero a pesar de las elogiosas críticas de la prensa especializada y del lanzamiento del single Changes, la campaña de promoción fue inadecuada y las ventas escasas. En Estados Unidos se detuvo en el número 93 del Billboard 200 y en el Reino Unido tuvo que esperar hasta el lanzamiento de Ziggy Stardust para entrar en la lista. Hunky Dory siguió siendo considerado su primer álbum auténticamente «clásico» a lo largo de los años.

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La era de Ziggy Stardust (1972-1973)

El verdadero avance llegó en 1972, con el álbum The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, en el que le acompañaba la banda homónima The Spiders from Mars y que contenía la mayoría de sus clásicos, que seguían repitiéndose en cada uno de sus conciertos incluso treinta años después: desde Starman a Moonage Daydream, Rock »n» Roll Suicide a Ziggy Stardust y Space Oddity, versión que Bowie interpretó en su primer videoclip, rodado en los estudios RCA de Nueva York, ese mismo año.

Entre 1972 y 1973, realizó una gira en la que el verdadero Bowie y el personaje de Ziggy Stardust se difuminaron. Vestido con mallas de colores ajustadas, trajes extravagantes y el pelo teñido de rojo brillante, Bowie dio el pistoletazo de salida al primer espectáculo de Ziggy en el íntimo entorno del Toby Jug Pub de Tolworth el 10 de febrero de 1972. El espectáculo, presentado posteriormente a un público más numeroso, catapultó finalmente a Bowie a la atención de los medios de comunicación británicos durante los seis meses siguientes de gira, lo que le granjeó una enorme popularidad y una creciente aclamación por parte del público y la crítica. Hordas de chicos y chicas acudían a sus conciertos, impresionados por el glam rock melódico y contundente y la actitud sexualmente liberada del efebo Ziggy. The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, que combina los elementos de hard rock de The Man Who Sold the World con el enfoque más pop y experimental de Hunky Dory, se publicó en junio de 1972. Llegó al número cinco en el Reino Unido y se mantuvo en las listas durante unos dos años, impulsando también a Hunky Dory, que llevaba seis meses en las listas. Este éxito se debió en gran medida a la aparición de Bowie en Top of the Pops, donde interpretó el single (del nuevo álbum) Starman, que también alcanzó el número diez. En pocas semanas, el single John, I»m Only Dancing, que no está en el álbum, y All the Young Dudes, una canción escrita y producida para Mott the Hoople, también se publicaron y se convirtieron en éxitos en el Reino Unido. La gira de Ziggy Stardust continuó en los Estados Unidos de América.

Durante este período, Bowie contribuyó como productor y músico, junto con Ronson, al mayor éxito comercial de la carrera de Lou Reed, el álbum Transformer, considerado un hito del glam rock.

Su siguiente trabajo de estudio fue el álbum Aladdin Sane, que se convirtió en el primer álbum de Bowie en las listas del Reino Unido. Descrito por el propio Bowie como «Ziggy Goes to America», para enfatizar la americanización del sonido glam del año anterior, el álbum contenía canciones escritas durante el viaje a través de los Estados Unidos para las primeras fechas de la gira Ziggy, que continuó hasta Japón. De Aladdin Sane se extrajeron dos singles de éxito que alcanzaron los primeros puestos de las listas británicas: The Jean Genie y Drive-In Saturday.

El título era un juego de palabras que reflejaba la doble personalidad de Bowie en aquella época: por un lado, el Aladino sobrenaturalmente sano (Aladdin Sane) y, por otro, el muchacho loco (A lad insane). Famous se convirtió en la imagen icónica de la portada del álbum, una foto de medio cuerpo de Bowie maquillado como Aladdin Sane, con un rayo rojo en la cara, una de las representaciones más reconocibles y emblemáticas del artista a lo largo de las décadas.

La afición de Bowie por la actuación y la teatralidad le llevó a sumergirse totalmente en su andrógino alter ego musical. En retrospectiva, el músico dijo: «En el escenario era un robot y fuera de él tenía emociones. Probablemente por eso preferí disfrazarme de Ziggy antes que de David. Con el éxito llegaron las dificultades personales: interpretar el mismo papel una y otra vez hizo que a Bowie le resultara cada vez más difícil separar sus personajes de su verdadera personalidad; «Ziggy», dijo Bowie, «no me dejaba durante años». Ese fue el punto en el que todo fue demasiado lejos. Toda mi personalidad se vio afectada. Se volvió muy peligroso. Empecé a cuestionar seriamente mi cordura.

Los últimos conciertos de Ziggy, que incluían canciones tanto de Ziggy Stardust como de Aladdin Sane, eran totalmente teatrales e incluían estudiados momentos de patetismo en el escenario que se alternaban con gestos desconcertantes, con Bowie simulando una felación con la guitarra de Ronson. Terminó este periodo con el dramático anuncio de que se retiraba como Ziggy en un concierto en el Hammersmith Odeon de Londres el 3 de julio de 1973, en la cima de su éxito.

Después de disolver Spiders from Mars, Bowie intentó alejarse definitivamente del personaje de Ziggy. Como reflejo del éxito del momento, todos los álbumes de su catálogo anterior también se vendían bien: The Man Who Sold the World se reeditó en 1972 junto con Space Oddity. El tema Life on Mars? se publicó como sencillo en junio de 1973 y alcanzó el número tres en las listas del Reino Unido. Pin Ups, una colección de versiones de las canciones favoritas de Bowie de los años sesenta, se publicó en octubre y alcanzó el número uno en las listas del Reino Unido. En 1973 había seis álbumes de Bowie en las listas del Reino Unido, y el éxito comercial, al menos en su país, estaba bien encaminado.

Hacia finales de año, Bowie mantuvo una breve pero intensa relación con Amanda Lear, a la que descubrió al verla en la portada del álbum For Your Pleasure de Roxy Music. Fue el propio Bowie quien la convenció de que abandonara el modelaje para hacer carrera como cantante, financiando incluso clases de canto y baile.

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Funk, »plastic soul» y Diamond Dogs (1974-1975)

En marzo de 1974, Bowie se embarcó en el transatlántico SS France y llegó a Estados Unidos el 1 de abril, instalándose inicialmente en Nueva York.

El álbum Diamond Dogs del mismo año fue el resultado de dos ideas diferentes: un musical abortado basado en el futuro apocalíptico descrito en la novela 1984 de George Orwell, y las primeras influencias del soul y el funk que empezaron a colarse en la música de Bowie.

Con éxitos como Rebel Rebel y Diamond Dogs, el álbum llegó al número uno en el Reino Unido y al número cinco en Estados Unidos. Para promocionar el álbum, Bowie se embarcó en la espectacular gira Diamond Dogs, con la que se presentó en las principales ciudades de Norteamérica entre junio y diciembre de 1974. La gira, muy teatral, coincidió con la creciente adicción a la cocaína de Bowie, que le causó numerosos problemas físicos por su debilitamiento. En abril de 1975, Bowie se trasladó a una casa en las colinas de Los Ángeles, en California, donde pasó uno de los períodos más oscuros de su vida, obsesionado por su pasión por el ocultismo y debilitado por el abuso de las drogas. Sin embargo, este periodo oscuro contribuyó en parte al nacimiento de su siguiente personaje.

El propio Bowie, dado su precario estado de salud, comentó su siguiente álbum en directo, David Live, diciendo irónicamente que debería haberse titulado «David Bowie está vivo y bien, pero vive sólo en teoría». Sin embargo, David Live consolidó el estatus de Bowie como estrella del rock, alcanzando el número dos en el Reino Unido y el número ocho en Estados Unidos. Tras una pausa en Filadelfia, donde Bowie grabó nuevo material, la gira continuó con más énfasis en la música soul, la última gran pasión de Bowie.

El resultado de las sesiones de Filadelfia fue el álbum Young Americans, publicado en 1975, en el que Bowie se despojó por fin de su colorido personaje de héroe del glam rock y se lanzó de cabeza a la música negra estadounidense. El biógrafo Christopher Sandford escribió: «A lo largo de los años, muchos músicos británicos habían intentado volverse «negros» imitando la música negra estadounidense, pero pocos lo habían conseguido tan bien como Bowie.

El sonido distintivo y artificioso del álbum, que Bowie describió como «alma de plástico», supuso un cambio radical en su estilo musical. El sencillo Fame, coescrito con John Lennon y Carlos Alomar, se extrajo de Young Americans y le valió a Bowie un puesto número uno durante dos semanas en las listas de éxitos de Estados Unidos. El álbum marcó una fase importante en la evolución musical de Bowie, ya que fue el primero de sus álbumes en alejarse del rock y acercarse a sonidos más funky y soul, creando una especie de «R&B blanco».

Cuando Bowie se enteró de estos detalles, MainMan estaba endeudado, muchas facturas tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos habían quedado impagadas y los gastos habían aumentado, junto con las inversiones erróneas de Defries. Bowie se sintió traicionado y explotado; su primera reacción fue recortar los exorbitantes gastos de los conciertos y adoptar un vestuario y una ambientación más sobrios, rebautizando la gira como Philly Dogs Tour. El 29 de enero de 1975 se presentó en las oficinas de la RCA y anunció su salida de MainMan, obteniendo un adelanto para el próximo Young Americans. Al día siguiente llegó a MainMan la carta de rescisión del contrato.

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Los años del «Duque Blanco» y la trilogía de Berlín (1976-1979)

A la publicación del siguiente álbum, Station to Station, en enero de 1976, le siguió en febrero una gira de tres meses y medio por Europa y Estados Unidos para promocionar el álbum y las espectaculares actuaciones del nuevo personaje de Bowie, el delgado Duque Blanco.

Este nuevo alter ego marcó uno de los muchos puntos de inflexión artística de su carrera, ya alejada del clamor del glam rock multicolor de unos años antes. El «Duque Blanco» se hacía pasar por un personaje aristocrático con vestimenta sobria y elegante, hipotéticas simpatías de derechas y un fuerte enamoramiento del ocultismo. Aunque muchos de estos elementos no eran más que trucos escénicos del polifacético artista, el nombre de «Duque Blanco» entró en el imaginario colectivo del público y pronto se convirtió en su apodo más común durante el resto de su carrera.

Entre los temas más destacados de este periodo se encuentran el tema que da título al álbum, influenciado por el sonido de los grupos alemanes de krautrock, las baladas Word on a Wing y Wild Is the Wind, una versión de una canción que hizo famosa Nina Simone, y los temas funky TVC 15 y Stay. La banda que acompañaba a Bowie en el escenario incluía al guitarrista Carlos Alomar, al bajista George Murray y al batería Dennis Davis, que estaría con Bowie hasta el final de la década. La gira fue un gran éxito, pero también generó polémica política, como en una fecha en Estocolmo, donde Bowie fue acusado de hacer la siguiente declaración: «Gran Bretaña se beneficiaría del advenimiento de un líder fascista», y poco después la policía fronteriza lo detuvo en la frontera polaco-rusa por poseer recuerdos nazis.

El controvertido asunto culminó en lo que se conoció como el «incidente de la estación Victoria» en Londres en mayo siguiente. En la tarde del 2 de mayo de 1976, a su regreso a Gran Bretaña tras dos años de ausencia, Bowie salió de la estación agitando su brazo izquierdo ante una multitud de admiradores, lo que fue confundido con un saludo nazi, fotografiado y publicado en el New Musical Express. Bowie afirmó que el fotógrafo simplemente había «congelado» su gesto del brazo en el aire como parte de un saludo normal. La mayor parte de la prensa británica ignoró el incidente, pero los tabloides especularon sobre las supuestas tendencias nazis de Bowie, alimentando la historia con citas recicladas de años anteriores, como la entrevista de Bowie con Cameron Crowe en la que dijo que «Adolf Hitler fue una de las primeras verdaderas estrellas del rock», o citando la canción Somebody Up There Likes Me del álbum Young Americans, en la que hablaba del regreso de Hitler. Posteriormente, Bowie se disculpó públicamente por estas actitudes ambiguas, achacándolas a su adicción a la cocaína y a su excesiva identificación con el personaje del «Duque Blanco»: «Estaba fuera de mí, estaba totalmente loco. Me interesaba más la mitología que todo el tema de Hitler y el totalitarismo.

Fue también durante este periodo cuando Bowie tuvo su primera experiencia cinematográfica real, al protagonizar la película de ciencia ficción El hombre que cayó a la Tierra, de Nicolas Roeg, que lo eligió tras verlo en el documental Cracked Actor sobre la gira Diamond Dogs del año anterior. Para la ocasión, David también comenzó a componer algunas piezas instrumentales que habrían sido la banda sonora de la película pero que, en cambio, pasaron a formar parte de sus posteriores grabaciones.

En 1976, Bowie se trasladó a Suiza y compró una gran villa en Blonay, en las colinas cercanas a Montreaux, en el lago Leman, donde su consumo de cocaína aumentó y amenazó seriamente su salud. Decidido a desintoxicarse y a distraerse del estrés del ambiente musical, Bowie comenzó a pintar, produciendo varias obras posmodernistas. También tomó la costumbre de llevar un cuaderno de bocetos durante las giras para dibujar cuando se sentía inspirado y empezó a fotografiar todo lo que le llamaba la atención. Su interés por la pintura creció hasta tal punto que visitó las principales exposiciones europeas y también muchas galerías de arte en Ginebra, el Brücke-Museum de Berlín y se convirtió, en palabras de su biógrafo Christopher Sandford, en «un prolífico productor y coleccionista de arte contemporáneo»; sus cuadros se mostraron en muchas exposiciones individuales y algunos fueron adquiridos por museos del Reino Unido y Estados Unidos. A través de su sitio web Bowieart.com, también se dedicó a promover y fomentar la visibilidad de las obras de jóvenes artistas.

Antes de finalizar 1976, el interés de Bowie por la escena artística alemana le llevó a trasladarse a Berlín Occidental para desintoxicarse y revitalizar su carrera. Aquí comenzó una fructífera colaboración con Brian Eno y compartió un piso en Schöneberg con Iggy Pop y Corinne Schwab, su asistente personal en Los Ángeles, a quien había confiado la mayor parte de los aspectos organizativos y de gestión.

Schwab fue objeto de grandes celos por parte de Angie, la esposa de Bowie, que tras pasar unos días en Berlín se trasladó de nuevo a Estados Unidos. Bowie le dedicó la canción Be My Wife del álbum Low, invitándola en vano a quedarse con él en esta nueva aventura. El matrimonio estaba en crisis desde 1973, con su pasión sexual disminuyendo y con frecuentes aventuras extramatrimoniales. Angie afirmaría más tarde que ya no quería ver a su marido tras la repetición de incidentes pro-nazis como el de la estación Victoria. Bowie afirmó que se veían ocasionalmente y que llevaban vidas separadas desde 1974. A esto le siguió la separación definitiva y el divorcio en 1980.

David comenzó a centrarse en el minimalismo y la música ambiental, que caracterizaría los álbumes de la llamada «Trilogía de Berlín». Durante este periodo también ayudó a revivir la carrera de Iggy Pop, produciendo y coescribiendo su primer álbum en solitario The Idiot y el posterior Lust for Life. En la gira de Iggy Pop por Europa y Estados Unidos en marzo y abril de 1977, Bowie fue el teclista.

El álbum Low de 1977 estaba parcialmente influenciado por el krautrock de Kraftwerk y Neu! y marcó un paso adelante para Bowie como compositor y artista conceptual, alejándose del pop y el rock sencillos para producir una música ambiciosa y más abstracta, en la que las letras eran esporádicas y no esenciales. A pesar de las críticas negativas iniciales por su aparente complejidad y falta de comercialización, Low alcanzó el número dos en las listas de éxitos del Reino Unido y produjo el exitoso sencillo Sound and Vision, que también alcanzó el número tres en las listas del Reino Unido. En retrospectiva, se convertiría en un álbum de culto y llevaría a compositores vanguardistas como Philip Glass a describirlo como «una obra de genio de belleza incomparable». El propio Glass compuso una sinfonía entera basada en la música y la atmósfera del álbum, la Low Symphony de 1992.

Siguiendo el enfoque minimalista de Low, el 23 de septiembre de 1977 se publicó «Heroes», que incluía la famosa canción del mismo nombre coescrita con Brian Eno; este álbum fusionaba el pop y el rock y ampliaba los límites del género, y fue el único de los tres álbumes de la Trilogía de Berlín que se grabó íntegramente en Berlín. Al igual que Low, Heroes estaba impregnado del zeitgeist de la Guerra Fría, estigmatizado por el muro que dividía la ciudad en dos. Fue otro gran éxito, alcanzando el número tres en las listas del Reino Unido. El tema principal, que sólo alcanzó el número 24 en la lista de singles del Reino Unido en aquel momento, se convirtió en el tema más famoso e icónico de toda la carrera de Bowie, y ha perdurado a lo largo de los años como su canción emblemática.Hacia finales de año, Bowie interpretó el tema tanto en el programa de televisión de Marc Bolan como en el especial de televisión de Navidad de Bing Crosby, con quien interpretó una versión de Peace on EarthLittle Drummer Boy. El dúo fue un éxito mundial en 1982, alcanzando el número tres en el Reino Unido.

Tras completar Low y Heroes, Bowie promocionó los dos álbumes, pasando la mayor parte de 1978 en una gira a la que asistieron un millón de personas en 70 conciertos en 12 países. La gira dio lugar al álbum en directo Stage, publicado ese mismo año. También en 1978 se estrenó la película Just a Gigolo, con Bowie en el papel principal. La película fue mal recibida por el público y mal valorada por la crítica.

El último capítulo de la trilogía fue el álbum Lodger, de 1979, que a su vez mostraba un acercamiento a la música minimalista, ambiental y compleja de los dos discos anteriores, pero con un retorno parcial al rock convencional basado en la percusión y las guitarras. El resultado fue una compleja mezcla de elementos de new wave y world music, con algunas influencias multiétnicas; algunos temas se compusieron utilizando los aforismos de las estrategias oblicuas de Brian Eno y Peter Schmidt: Boys Keep Swinging nació así, animando a los músicos a «golpear» sus instrumentos, mientras que Move On utilizó la progresión de acordes de All the Young Dudes tocada al revés, y Red Money utilizó la pista instrumental básica de Sister Midnight, una canción compuesta previamente con Iggy Pop. El álbum se grabó íntegramente en el estudio privado de Bowie en Suiza y marcó una ruptura temporal en la relación de colaboración de Bowie con Brian Eno, que volverían a trabajar juntos en la década de 1990. Lodger alcanzó el número cuatro en el Reino Unido y el número 20 en Estados Unidos, y los singles Boys Keep Swinging y DJ se extrajeron del álbum. Aunque en un principio se percibió como un final menor de la Trilogía de Berlín, Lodger se revalorizaría con el paso de los años, entre otras cosas por los decepcionantes resultados de los álbumes de Bowie en la década de 1980.

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Éxito comercial y de masas (1980-1989)

En la década de 1980, Bowie se dedicó en cuerpo y alma al cine y al teatro, y aumentó el número de escenarios y la escala de sus giras, mientras que su producción discográfica se basaba en un pop refinado y genérico, con álbumes que contenían algunos éxitos más comerciales aptos para ser reproducidos masivamente en la radio. El éxito de estos singles se vio alimentado por los evocadores vídeos que los acompañaban, un fenómeno videográfico que Bowie ya conocía y que explotó al máximo, como el artista polifacético que siempre ha sido.El álbum de 1980 Scary Monsters (and Super Creeps) fue un gran éxito, alcanzando el número uno en el Reino Unido, con colaboraciones a la guitarra de Robert Fripp, Pete Townshend y Tom Verlaine. Produjo el éxito en las listas de éxitos Ashes to Ashes, que dio a conocer internacionalmente el movimiento del Nuevo Romanticismo, cuando Bowie reclutó extras para el videoclip, entre ellos Steve Strange de Visage, en el club nocturno Blitz de Londres. En el vídeo, Bowie aparece vestido como un espeluznante Pierrot, uno de sus disfraces más famosos. En septiembre de 1980, Bowie debutó en Broadway en la obra El hombre elefante, interpretando al deforme John Merrick, sin ningún tipo de maquillaje, con críticas elogiosas.

Ese mismo año apareció en la película alemana Christiane F. – La banda sonora de la película, compuesta exclusivamente por sus canciones de Station to Station, Low, Heroes y Lodger, se publicó unos meses después con buena acogida. En 1981, Bowie colaboró con Queen en su álbum Hot Space, haciendo un dúo con Freddie Mercury en el tema Under Pressure. El tema tuvo un gran éxito y se convirtió en el tercer número uno de Bowie en el Reino Unido. En 1982 protagonizó la adaptación televisiva de la BBC de la obra Baal, de Bertolt Brecht. Cinco de los temas de la obra, grabados en Berlín, se publicaron en un EP del mismo nombre. El exitoso álbum Let»s Dance de 1983, coproducido con Nile Rodgers de Chic, fue disco de platino a ambos lados del Atlántico. Al lanzamiento de Let»s Dance le siguió la gira Serious Moonlight Tour, en la que participaron el guitarrista Earl Slick y los coristas Frank y George Simms. La gira mundial duró seis meses y fue un gran éxito, aunque algunos críticos señalaron que la música de Bowie se había vuelto demasiado «comercializada». Durante la gira actuó con un nuevo aspecto de pelo oxidado y físico bronceado, ofreciendo un dance-rock accesible con temas inquietantes y letras desafiantes.

También en 1983 Bowie protagonizó la película Furyo, también conocida por su título original Merry Christmas Mr. Lawrence, dirigida por Nagisa Ōshima y basada en la novela The Seed and the Sower de Laurens van der Post. Su actuación fue alabada por la crítica y la película fue bien recibida por el público. En 1984 se publicó Tonight, otro álbum orientado al baile y muy comercial, que alcanzó el número uno en el Reino Unido, con la participación de Tina Turner e Iggy Pop. Entre las versiones del álbum se encuentra una versión muy criticada del clásico de 1966 de los Beach Boys, God Only Knows. Sin embargo, el éxito Blue Jean, que aparecería en el cortometraje musical Jazzin» for Blue Jean, ganó el premio Grammy al mejor vídeo musical de formato corto.

En 1985, Bowie actuó en el Live Aid en el antiguo estadio de Wembley, en Londres. El evento contó con un vídeo especialmente realizado de Bowie haciendo un dúo con Mick Jagger en la canción Dancing in the Street, que posteriormente alcanzó el número uno en las listas de éxitos. Más tarde protagonizó Absolute Beginners y Labyrinth, películas estrenadas en 1986, para las que también escribió la banda sonora. El single Absolute Beginners alcanzó el número dos en el Reino Unido y el número uno en la lista europea Eurochart Hot 100 Singles. En 1987, lanzó el álbum Never Let Me Down, que fue juzgado por la crítica como un esfuerzo aburrido y comercial, pero que le fue bien en las listas, ayudado por una nueva gira mundial, la masturbatoria y teatral Glass Spider Tour.

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El breve período con Tin Machine (1989-1990)

En 1989, fue cantante, guitarrista y saxofonista del grupo de rock Tin Machine, formado con Reeves Gabrels y los hermanos Tony y Hunt Sales, con quienes ya había colaborado en los años 70 en el álbum Lust for Life de Iggy Pop; también tocó los teclados en la gira documentada por el álbum en directo Tv Eye (1978).

Aunque había una democracia absoluta dentro de Tin Machine, la naturaleza de liderazgo de Bowie pronto comenzó a dominar la dinámica de la banda, tanto como compositor como líder. En 1989, el álbum de debut de la banda, Tin Machine, fue bien recibido por el público y la crítica, aunque el exceso de politización de las letras causó cierta preocupación. El álbum alcanzó el número tres en las listas del Reino Unido y la primera gira mundial del grupo fue un éxito. Sin embargo, tras una serie de singles infructuosos y un desencuentro con EMI, Bowie abandonó la discográfica y la banda se disolvió tras publicar un segundo álbum de estudio y un álbum en directo, ambos mal recibidos por el público y la crítica. Antes de la publicación del segundo álbum de la banda, Bowie ya había vuelto a la actividad en solitario con la gira Sound+Vision Tour de 1990, que le mantuvo ocupado durante siete meses, recorriendo el mundo con sus antiguos éxitos, tras la publicación de la caja Sound and Vision, con gran éxito y enormes beneficios. Se planeó un tercer álbum de estudio de Tin Machine, pero Bowie prefirió volver a la actividad en solitario tras conocer a Nile Rodgers (el productor de Let»s Dance). Con Rodgers grabó Real Cool World, la canción que da título a la banda sonora de la película Cool World, que se publicó como sencillo en el verano de 1992.

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Electrónica, nuevos experimentos y vuelta al pasado (1990-1999)

En 1990 se trasladó definitivamente a Nueva York, a un piso en el 160 de Central Park South, en la novena planta de la Essex House, con vistas a Central Park, y se dedicó a la experimentación, diseñando nuevos álbumes, todos ellos muy diferentes entre sí, que se publicaron a principios de los noventa. Volvió a trabajar con Nile Rodgers y Brian Eno, explorando los géneros y tendencias musicales de la época, como el hip hop, el jungle y el drum and bass. También en Nueva York, fundó Isolar Enterprises, una empresa para gestionar su catálogo de canciones, derechos de autor, propiedades y todas las actividades de la oficina de prensa.

En abril de 1992, apareció en el concierto de homenaje a Freddie Mercury, donde interpretó Heroes, All the Young Dudes y, junto con Annie Lennox, Under Pressure. El 6 de junio de 1992 se casó con Iman Mohamed Abdulmajid en una ceremonia privada en la Iglesia Episcopal de Santiago de Compostela.

El álbum, producido por Nile Rodgers, alcanzó los primeros puestos de las listas británicas, con dos sencillos en el Top 40 y uno en el Top 10, Jump They Say, dedicado a su hermanastro Terry. Posteriormente, Bowie exploró nuevas tendencias musicales ambientales con The Buddha of Suburbia, la banda sonora de la miniserie de televisión del mismo nombre; el álbum recibió buenas críticas pero fue un fracaso comercial, llegando al número 87 en el Reino Unido.

La colaboración con Brian Eno dio como resultado 1.Outside, un álbum conceptual para el que creó un nuevo alter ego, el detective Nathan Adler, y otros a los que se les encomendó la tarea de interpretar los temas, desarrollando así la narrativa de la historia. Denostado y alabado a partes iguales, pero revalorizado en los últimos años de forma muy positiva, el álbum fue bien recibido tanto en América como en Europa y también produjo algunos de los singles más exitosos de la época, como la canción Hallo Spaceboy, posteriormente interpretada con los Pet Shop Boys. El álbum iba a formar parte de una trilogía, pero el proyecto se archivó al finalizar la gira Outside en julio de 1996.

El 17 de enero de 1996, Bowie fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll, una inducción que fue seguida por una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, que colocó en febrero de 1997. En diciembre de 1996, Bowie se convirtió en la primera estrella del rock que cotizaba en bolsa, ofreciendo a los inversores bonos colocados en Wall Street. Los Bonos Bowie tenían una validez de diez años, estaban respaldados principalmente por los ingresos de 287 canciones de sus 25 álbumes grabados antes de 1990, tenían un valor total de 55 millones de dólares y fueron adquiridos en su totalidad por la compañía de seguros Prudential de Nueva York. Esto convirtió a Bowie en uno de los cantantes más ricos del mundo y pronto le siguieron artistas de la talla de Elton John, James Brown, Ashford & Simpson y The Isley Brothers.

Al mismo tiempo, Bowie se dio cuenta del potencial de la web y, además de su propio sitio web www.davidbowie.com, en la primavera de 1996 lanzó BowieNet, el primer portal temático creado por un cantante, a través del cual era posible conectarse a la web pero también descargar legalmente su música. BowieNet fue posteriormente nominado al premio Wired de 1999 como mejor sitio de entretenimiento del año y permaneció activo hasta 2012.

En 1997, salió a la venta el nuevo álbum Earthling, que incluía nuevos experimentos de música selvática y drum and bass; tuvo más éxito entre el público que entre la crítica, y produjo el éxito Little Wonder, con el que también apareció como invitado en el 47º Festival de Sanremo. En 1999, para su nuevo álbum «hours…», Bowie volvió a cambiar de look, abandonando el pelo corto y castaño por un look «big hair» similar al de sus primeros tiempos. El álbum, que incluye el exitoso single Thursday»s Child, ha sido descrito por Rolling Stone como una síntesis de la carrera de Bowie, en la que sus fans pueden encontrar rastros de álbumes anteriores como Hunky Dory, Ziggy Stardust, Aladdin Sane, Heroes y Low.

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Heathen, la realidad y la jubilación (2000-2013)

En el año 2000, se llevaron a cabo las sesiones para el álbum Toy, que se suponía que iba a ser una recopilación de nuevas versiones de algunas de las primeras canciones de Bowie con la adición de tres nuevas canciones, pero que quedó inesperadamente sin publicar.El 15 de agosto de ese año, nació la hija de David e Iman, Alexandria Zahra »Lexie» Jones.

En octubre de 2001, Bowie abrió el Concierto para la Ciudad de Nueva York, un evento benéfico para las víctimas de los ataques terroristas del 11 de septiembre de 2001, con una interpretación minimalista de America de Simon & Garfunkel, seguida del clásico Heroes.

¡También en 2001, interpretó una versión de Nature Boy en la banda sonora de la película Moulin Rouge!

La colaboración de Bowie con Tony Visconti continuó en 2002 con la producción de Heathen, un álbum de temas inéditos, seguido de una larga gira por Estados Unidos y Europa en 2002 que partió del Meltdown Festival de Londres, del que Bowie fue comisario ese año, invitando a grandes artistas como Philip Glass, Television y The Dandy Warhols.

Al año siguiente, publicó el álbum Reality y realizó una gira con gran éxito, pero ésta se vio interrumpida de forma dramática el 25 de junio de 2004 cuando, tras un concierto en el Hurricane Festival de Scheeßel, Bowie fue trasladado de urgencia a Hamburgo debido a una grave obstrucción de la arteria coronaria, cuyos síntomas se habían sentido días antes. Tras la operación de angioplastia coronaria, Bowie regresó a Nueva York, pero las once fechas restantes de la gira fueron canceladas.

En los años siguientes, Bowie se mantuvo alejado de los escenarios, salvo en unas pocas apariciones, pero grabó algunas piezas para el cine, como su antiguo éxito Changes a dúo con Butterfly Boucher para la película de animación Shrek 2 de 2004, y escribió (She Can) Do That de 2005 con Brian Transeau para la película Stealth.

Volvió a actuar en directo el 8 de septiembre de 2005 con Arcade Fire, para el evento televisivo estadounidense Fashion Rocks, y se unió de nuevo a la banda canadiense una semana después para el CMJ Music Marathon. Unos meses después, cantó en un tema del álbum Return to Cookie Mountain de TV on the Radio,

El 8 de febrero de 2006 recibió el Premio Grammy a la Trayectoria, y tras anunciar en abril que se alejaría de los escenarios durante un año, hizo una aparición sorpresa en el concierto de David Gilmour en el Royal Albert Hall de Londres el 29 de mayo. Algunas de las canciones del evento se grabaron para el DVD Remember That Night: Live at the Royal Albert Hall.

Su último concierto en directo fue en noviembre de 2006 con Alicia Keys para un espectáculo benéfico en el Black Ball de Nueva York. Ese mismo año, apareció como actor en la película de Christopher Nolan The Prestige en el papel de Nikola Tesla.

En 2007, grabó un anuncio con Snoop Dogg para la emisora estadounidense XM Satellite Radio y colaboró con Lou Reed en el álbum No Balance Palace de la banda de rock danesa Kashmir. Sin embargo, sus esfuerzos artísticos continuaron y ese mismo año Bowie fue elegido director artístico del High Line Festival de Manhattan, y colaboró en el álbum de Scarlett Johansson Anywhere I Lay My Head, que incluye versiones de Tom Waits. Con motivo del 40º aniversario del alunizaje del Apolo 11, EMI publicó en 2009 los temas de la grabación original de Space Oddity en un concurso al que se invitó al público a grabar una remezcla.

En enero de 2010 se publicó el doble álbum en directo A Reality Tour, que contiene material grabado durante la última gira de 2003 y 2004.

El 21 de enero de 2009, algunos blogs informaron de que Bowie se encontraba en Berlín grabando un nuevo álbum, pero pronto se desmintió en la web oficial del artista.

En marzo de 2011, el álbum inédito Toy, que había sido cancelado en 2001, estuvo disponible para su descarga en Internet. Contiene algunos de los temas utilizados para Heathen y la mayoría de las caras B de los singles del mismo álbum.

En 2012, Louis Vuitton le contrató como nuevo portavoz de su campaña americana de 2013.

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El regreso con El día siguiente (2013-2015)

Tras diez años de ausencia (incluyendo un par de años en los que Visconti trabajó en secreto en nuevos temas), Bowie anunció su nuevo álbum, The Next Day, el 8 de enero de 2013, día en que cumplía 66 años, precedido ese mismo día por el single y el vídeo de Tony Oursler para Where Are We Now? y seguido por The Stars (Are Out Tonight), que se publicó el 25 de febrero. El álbum salió a la venta el 12 de marzo siguiente con gran éxito comercial y de crítica, y encabezó las listas de éxitos en todo el mundo. El 5 de noviembre salió a la venta The Next Day Extra, una versión especial del álbum que también contenía un DVD con videoclips de Where are we now?, The Stars are out Tonight, The Next Day y Valentine»s Day y cuatro canciones inéditas, además de la edición estándar.

En otoño de 2014 Bowie publicó una nueva antología, Nothing Has Changed; se editó en varios formatos y contenía un tema inédito, Sue (In the Season of Crime), que también se publicó como single. El álbum fue un gran éxito, sobre todo en Europa y especialmente en el Reino Unido, donde Bowie siempre ha tenido un núcleo duro de fans. Llegó al número nueve en las listas del Reino Unido y al cabo de unos meses ganó un disco de oro por vender más de 100.000 copias.

En octubre de 2015, John Giddins, un veterano organizador de conciertos en Londres, reveló que Bowie ya no actuaría en directo y no emprendería más giras, ni siquiera para promocionar The Next Day.

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El último álbum Blackstar y la muerte (2015-2016)

El 19 de noviembre de 2015, Bowie lanzó su nuevo single Blackstar, el primer extracto del álbum del mismo nombre, y posteriormente Lazarus, también acompañado de un vídeo musical difundido online tres días antes de su muerte. Bajo el mismo título, el 12 de diciembre se estrenó el musical del mismo nombre escrito y producido para Broadway por Robert Fox, a cuyo estreno teatral asistió Bowie, haciendo su última aparición pública.

El 8 de enero de 2016, cuando cumplió 69 años, se publicó el álbum de estudio Blackstar (estilizado como ★).

Dos días después, en la noche del 10 al 11 de enero, el cantante falleció repentinamente a los 69 años de edad, en un lugar desconocido, pero presumiblemente en una clínica oncológica de Nueva York, donde se supone que se le practicó la eutanasia debido al empeoramiento irreparable de un tumor de hígado, contra el que llevaba luchando en secreto unos 18 meses. La noticia fue anunciada en su perfil oficial de Facebook, mientras que en los días siguientes el amigo y productor de Bowie, Robert Fox, reveló que le había confiado que quería emprender un nuevo tratamiento experimental contra el cáncer. También dijo que sólo unos pocos amigos y familiares sabían de su enfermedad, pero que otros tantos implicados en la grabación del álbum desconocían el diagnóstico hasta la muerte de Bowie.

Según el productor Tony Visconti en una entrevista con RS America, Bowie se inspiró en el álbum To Pimp a Butterfly del rapero Kendrick Lamar y recibió la influencia de grupos como Death Grips y Boards of Canada. Visconti también habría declarado la verdadera naturaleza de la mayoría de las letras inéditas de Blackstar, que hacen referencia a la enfermedad de Bowie y a su inminente muerte, lo que lleva al público a considerar todo el proyecto como su testamento espiritual, un último adiós a su público.

El 12 de enero de 2016, Blackstar debutó en el primer puesto de la Lista Oficial de Álbumes del Reino Unido, vendiendo más de 146 000 copias y recibiendo la certificación de oro en poco menos de un día después de su lanzamiento. El álbum se situó rápidamente en los primeros puestos de las listas de ventas de todo el mundo, alcanzando el número uno en 35 países, entre ellos Australia, Bélgica, Francia, Alemania, Irlanda, Países Bajos, Suecia, Dinamarca, Canadá, Finlandia, Argentina, Italia y Estados Unidos, donde debutó en el número uno de la lista Billboard Albums Chart con 130.000 copias vendidas en su primera semana, la cifra de ventas más alta de Bowie en tan poco tiempo. El catálogo de todos los vídeos de Bowie recibió más de 51 millones de visitas en 24 horas en Vevo el 11 de enero, superando el récord que tenía Adele el día del lanzamiento de Hello. Unos días más tarde, Amazon.com reveló que se habían agotado todas las ediciones, tanto en vinilo como en CD, y que nunca se había producido un número de ventas tan elevado en tan poco tiempo.

Muchas personalidades del mundo de la música se sumaron al duelo: el 13 de enero, durante su concierto en Los Ángeles, Elton John interrumpió su lista de canciones para rendir homenaje a la estrella del rock. El 12 de enero, Madonna también le rindió homenaje con una versión de Rebel Rebel durante la etapa de Houston de su gira Rebel Heart Tour.

Mick Jagger recordó en nombre de los Rolling Stones en Twitter lo que Bowie fue para él y para la banda: un «hombre maravilloso y amable»:

El día de su muerte, Facebook, Instagram y Twitter registraron rápidamente un enorme flujo de información y mensajes. Millones de fans, así como muchos miembros de la escena musical, del espectáculo y de la política (como David Cameron, Ariana Grande, Brian May, Bryan Adams, Bruce Springsteen, J.K. Rowling, U2, Kanye West, Paul McCartney, Martin Scorsese, Barack Obama) expresaron su dolor por la muerte del cantante, dejando en la red dedicatorias, mensajes de condolencia a su familia, fotografías y vídeos.

El 14 de enero, varios de los principales periódicos estadounidenses informaron de que los restos de Bowie fueron incinerados el 12 de enero en Nueva Jersey según sus instrucciones, sin ningún ritual de sufragio y sin la presencia de familiares y amigos. En un comunicado en Facebook, la familia, los hijos y los amigos cercanos de Bowie agradecieron posteriormente a sus fans su solidaridad y afecto y dijeron que organizarían su propio servicio conmemorativo privado.

De hecho, a pesar de las numerosas iniciativas espontáneas en todo el mundo, no hubo ninguna conmemoración pública oficial, aparte de un gran concierto en el Carnegie Hall, que ya estaba previsto antes de su muerte, pero que se convirtió en un homenaje a su memoria. Sin embargo, la familia del cantante ha aclarado que no propuso ni organizó tal evento, y sigue manteniendo un estricto secreto sobre el incidente. Debido a la gran afluencia de público que se esperaba, los organizadores del homenaje añadieron el 1 de abril a la fecha prevista del 31 de marzo, y el doble homenaje a Bowie contó con la presencia de numerosos artistas, entre ellos: Michael Stipe, Blondie, Cyndi Lauper, Mumford & Sons, Pixies y su amigo Tony Visconti.

El 29 de enero de 2016, los periódicos informaron de los términos del testamento ológrafo de Bowie, presentado por él ante el conocido abogado Herbert E. Nass y firmado «David Robert Jones». El testamento preveía la incineración de su cuerpo y el esparcimiento de sus cenizas, siendo este último en la isla de Bali, que Bowie visitó en varias ocasiones, o en otro lugar de su elección siempre que se respetaran los rituales budistas. El testamento también dividió el patrimonio de unos 100 millones de dólares, la mitad de los cuales fueron a parar a su viuda Iman, incluyendo una participación mayoritaria en Isolar Enterprises y el gran ático del 285 de Lafayette Street, y la mitad restante, una cuarta parte para cada uno, a su hijo mayor Duncan y a su segunda hija Lexie, que también heredaron la gran propiedad de Catskills. También se beneficiaron de la herencia Corinne «Coco» Schwab, su asistente personal durante más de 30 años, que cobró 2 millones de dólares y parte de las acciones de Isolar Enterprises, y Marion Skene, su anciana niñera, que cobró 1 millón de dólares y murió en marzo de 2017.

El personal de la discográfica de Bowie también anunció que los ingresos de Blackstar recaudados durante todo el mes de enero de 2016 fueron donados íntegramente a la investigación contra el cáncer.

El 8 de enero de 2017, día en que Bowie habría cumplido 70 años, se publicó un EP titulado No Plan. A excepción de Lazarus, el EP incluye tres canciones grabadas por Bowie durante las sesiones del álbum Blackstar, pero que quedaron fuera del disco y que luego se incluyeron en la banda sonora del musical Lazarus en octubre de 2016. Se realizó un videoclip para el tema principal.

Aunque a menudo se le sitúa entre los artistas de glam rock, art rock y new wave, el estilo de David Bowie es muy difícil de clasificar.

Inicialmente, la producción musical de Bowie se basaba en sonidos nostálgicos influenciados por la generación beat con canciones folk rock acústicas, a las que seguiría la metamorfosis de los años 70, que llevó a Bowie a convertirse en uno de los primeros y más importantes exponentes del glam rock con álbumes como The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972) y Aladdin Sane (1973).

Durante la década de 1970, el estilo de Bowie cambió en innumerables ocasiones, volviéndose más intimista e inspirado en el rock progresivo, el dance rock, del que fue precursor. El eclecticismo de estos años se confirma con las más oscuras The Man Who Sold the World (1970) y Station to Station (1976), el más pop Hunky Dory (1971), Young Americans (1975) que, en un brusco cambio de estilo, se desvió hacia el género del soul con la creación del white soul, y la «Trilogía de Berlín» (compuesta por Low, Heroes y Lodger), considerada su etapa más experimental y vanguardista. En esta última época, Bowie también se vio influenciado por el krautrock y el rock experimental, interpretando las tendencias, el malestar y la agitación de la época, pero también anticipando la «nueva ola» de los años venideros.

Tras el enorme éxito pop de los años 80, bien representado por Let»s Dance de 1983, el estilo de Bowie volvió a la experimentación, primero con la formación del grupo Tin Machine de finales de los 80, en el que Bowie propuso un rock duro que ha sido descrito como «metálico». Más adelante, con incursiones experimentales en la electrónica y el industrial en el álbum 1.Outside de 1995, hasta el jungle y el techno en el álbum Earthling de 1997.

A partir de la década de 2000, el estilo musical de Bowie volvió al rock refinado, sin traicionar el sonido típicamente brit pop de sus orígenes, pero en los últimos álbumes no han faltado temas más introvertidos con un vago estilo new wave. En el último álbum, Blackstar (2016), Bowie interpreta temas casi vanguardistas, quizá por el bagaje jazzístico y experimental de la banda que ha realizado el disco.

Además de las mencionadas colaboraciones con Lou Reed, Iggy Pop y Brian Eno, Bowie colaboró con Bing Crosby en un dúo navideño cantando Peace on EarthLittle Drummer Boy para el programa de televisión Merrie Olde Christmas de 1977. Sin embargo, la canción fue guardada en los archivos por RCA, el sello discográfico de Bowie en ese momento, hasta que fue lanzada como single en 1982, antes de que Bowie dejara RCA por EMI.El disco alcanzó el número tres en las listas del Reino Unido y se convirtió en un clásico navideño con el paso de los años, tanto como canción como como vídeo.

También fue significativa su colaboración con John Lennon en una versión de Across the Universe de los Beatles y en Fame, una de las canciones más exitosas de Bowie, que se incluyó en el álbum Young Americans de 1975.

En 1981, Bowie colaboró con Queen para grabar una versión casi desconocida e inédita de la canción Cool Cat y la creación de Under Pressure, en la que hizo un dúo con el grupo de rock británico y también cantó en el concierto de homenaje a Freddie Mercury con Annie Lennox y los propios Queen huérfanos de Mercury. La canción, inicialmente llamada People on Streets, fue compuesta a partir de un «riff» del bajista John Deacon y acreditada a Queen y Bowie; posteriormente se incluyó en el álbum Hot Space de 1982.

Otras colaboraciones del «Duque Blanco» fueron las del líder de los Rolling Stones, Mick Jagger. Juntos, en 1985, en apoyo del proyecto Live Aid, realizaron una versión de la canción Dancing in the Street de Martha & the Vandellas, de la que se recuerda el videoclip. También se dice que el vínculo entre las dos estrellas del rock era más que profesional y que la famosa canción Angie, que los Stones hicieron en 1973, fue inspirada por Angela Bowie y se refería indirectamente a una orgía a cuatro bandas entre ella, David, Mick y su entonces esposa Bianca Pérez-Mora Macias. Ese mismo año, Bowie grabó Tonight with Tina Turner, la canción que da título al álbum homónimo de 1984. Ambos también harían un dúo en una fecha de la gira Private Dancer de Tina Turner en 1985.

Con NIN, Bowie abrió la gira Outside en Estados Unidos, donde interpretaron juntos las canciones del artista y del grupo. Su colaboración con Trent Reznor, el líder de la banda con el que Bowie entabló una gran amistad, dio lugar a varias remezclas, como I»m Afraid of Americans, en la que Reznor coprotagoniza el vídeo.

Otra colaboración fue con los Pet Shop Boys en 1996 en la canción Hallo Spaceboy. Aprovechando el éxito de la canción, que se publicó como single, Bowie actuó con los Pet Shop Boys en programas musicales como Top of the Pops y en los prestigiosos premios BRIT de 1996.

Tras colaborar en el debut de Placebo y llevarlos de gira como sus teloneros, Bowie colaboró con ellos en dos ocasiones: en el single Without you I»m nothing, extraído del álbum del mismo nombre, hicieron una versión a dúo, y en febrero de 1999 interpretaron juntos una versión de 20th Century Boy en los Brit Awards, que Placebo también interpretó en la película Velvet Goldmine, como miembros de la banda ficticia Malcolm & The Flaming Creatures. La estrecha relación entre la banda y Bowie quedó atestiguada por varios episodios: el homenaje que se le rindió con una versión acústica de Five Years, interpretada en 2004 durante un programa de la televisión francesa, y la conmovedora carta de despedida escrita por Brian Molko poco después de la muerte de Bowie y publicada en la web oficial de la banda.

En 1970 se casó con Mary Angela Barnett, con quien tuvo un hijo, Duncan Zowie Haywood Jones, en 1971; se divorciaron en 1980. En 1992 se casó con la modelo somalí Iman Mohamed Abdulmajid en la Iglesia de Santiago de Florencia. En 2000 tuvo una hija, Alexandria «Lexie» Zahra.

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El debate sobre la sexualidad

A finales de 1964, cuando formaba parte de los Manish Boys, el grupo hizo una prueba para la BBC para una serie de conciertos en el Star Club de Hamburgo. El cantante se aseguró el concierto jurando al organizador alemán que era gay. Más tarde, Bowie conoció a Dana Gillespie, de 14 años, que se convirtió en su novia y a la que siguió viendo hasta los años 70. En enero de 1972, se publicó una entrevista en Melody Maker en la que admitía ser gay, lo que creó un gran revuelo y se especuló que era promocional para el lanzamiento de su nuevo álbum The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars. Sin embargo, el movimiento gay británico hizo de David su símbolo. Los tabúes siempre ejercieron una fuerte atracción sobre Bowie y su inconformismo le empujó a la subcultura homosexual. A pesar de ello, los comentarios de David sobre el tema en años posteriores distaron mucho de ser clarificadores: «declaró a la revista Playboy en septiembre de 1976, para responder poco después a la pregunta de otro entrevistador en sentido contrario: «fue sólo una mentira, me pegaron esa imagen y me adapté bastante bien a ella durante unos años». Durante la gira de 1978 por Nueva Zelanda volvió a afirmar que era bisexual, pero en 1983, cuando Bowie se estaba convirtiendo en una superestrella internacional, se retractó de sus anteriores declaraciones, diciendo a la revista Time que había sido «un gran malentendido» y en Rolling Stone lo calificó como «el mayor error que he cometido». En 1987, presionado sobre el tema por Smash Hits, señaló divertido todo el asunto, permitiendo a la revista publicar: «No deberías creer todo lo que lees». En 1993, de nuevo en la revista Rolling Stone, desmintió el rumor de su bisexualidad: «Nunca me he sentido un bisexual de verdad, pero estaba magnetizado por la escena gay underground. Era como otra realidad que quería comprar. Esta fase sólo duró hasta 1974 y murió más o menos con Ziggy. Realmente, acababa de hacer mía la condición de bisexual, la ironía es que no era gay…». Sin embargo, con el tiempo, incluso esta última versión volvió a cambiar en 2002, justificando las anteriores retractaciones: cuando Blender le preguntó si seguía pensando que la declaración pública era su mayor error, tras una larga pausa contestó: «No creo que fuera un problema en Europa, pero fue mucho más difícil en América. No tenía ningún problema con que la gente supiera que era bisexual. Pero no tenía ninguna inclinación por sostener pancartas o representar a un grupo de personas.

La discografía de David Bowie consta de 25 álbumes de estudio en solitario y dos con el grupo Tin Machine, del que formaba parte. El propio Bowie, antes de su muerte, se refirió a su último trabajo como su 25º álbum en una carta a Brian Eno. También incluye cuatro bandas sonoras, cinco EP, 15 álbumes en directo, 50 recopilaciones y 113 singles. Se calcula que su producción es de unas 720 canciones, con un total de 147 millones de discos vendidos en todo el mundo.

Álbumes de estudio

Con máquina de lata

Álbumes en directo

Bandas sonoras

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Videografía

Siempre reconocido como uno de los pioneros del vídeo musical, en 1969 Bowie ya tenía suficientes promos en su haber como para montar un largometraje, incluso antes de tener su primer single de éxito. Su primer videoclip fue el de la canción Space Oddity, publicado en 1972 y dirigido por Mick Rock.

La videografía de Bowie incluye 71 videoclips promocionales que se suman a los cuatro vídeos de otros artistas en los que ha participado, 15 álbumes o recopilaciones de vídeos editados en VHS, DVD y 18 apariciones como invitado en vídeos de otros artistas.

Creaciones más recientes como The Hearts Filthy Lesson, Little Wonder y Survive han confirmado que Bowie sigue explorando los límites del vídeo musical. En el nuevo milenio, las colaboraciones con directores como Floria Sigismondi y Johan Renck y actores de Hollywood como Gary Oldman y Tilda Swinton han acercado los vídeos musicales de Bowie a ser verdaderos cortos cinematográficos.

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Tours

Aunque su primera gira oficial fue el Ziggy Stardust Tour de 1972, la actividad en directo de Bowie comenzó con los Kon-rad en 1962 y continuó con los distintos grupos que le acompañaron hasta 1971. Desde los King Bees y los Lower Third, hasta proyectos más improvisados como The Riot Squad, Turquoise y Feathers, los grupos interpretaban versiones de rock y R&B, así como las primeras composiciones originales de Bowie, que alternaba entre la interpretación y la mímica.

Desde 1972 hasta 2004, cuando realizó su última gira, Bowie realizó 16 giras que abarcaron los cinco continentes.

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Actor

Cines

Televisión

Comerciales

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Voz en off

Cines

Televisión

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Actor

En las versiones italianas de sus películas, David Bowie fue doblado por:

Documentales

Película biográfica

Desde 1970, Bowie ha cosechado 41 nominaciones y 16 premios (11 por música, 2 por cine y 3 por multimedia). Fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1996 y al año siguiente se le honró por su contribución a la industria del entretenimiento con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, frente al Hollywood Galaxy Theatre.

En 2000 Bowie rechazó el título de Comandante de la Orden del Imperio Británico y en 2003 el de Caballero de la misma orden.

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Lecturas adicionales

Fuentes

1. David Bowie
2. David Bowie