Henri Matisse
gigatos | diciembre 14, 2021
Resumen
Henri Matisse , nombre completo: Henri Émile Benoît Matisse († 3 de noviembre de 1954 en Cimiez, actual barrio de Niza), fue un pintor, artista gráfico, dibujante y escultor francés.
Junto con Pablo Picasso, es uno de los artistas más importantes del modernismo clásico. Junto con André Derain, se le considera el pionero y principal representante del fauvismo, que propagó una ruptura con el impresionismo y representó el primer movimiento artístico del siglo XX.
La obra de Matisse se caracteriza por un amplio uso del color y de líneas llenas de tensión. En sus cuadros, el colorido, la composición lúdica y la ligereza de sus temas pictóricos son el resultado de largos estudios.
Con sus siluetas (gouaches découpées) creadas en la década de 1940 -un ejemplo es el libro de artista Jazz-, Matisse, gravemente enfermo, creó una obra tardía que pone fin a sus esfuerzos de reducción y que, con su colorido y ornamentación, se considera el punto culminante de su carrera artística. El artista consideraba que la Capilla del Rosario de Vence, que proyectó y decoró y que se inauguró en 1951, era su obra maestra.
Sus innovaciones estilísticas influyeron en el arte moderno. Los expresionistas abstractos de Estados Unidos, por ejemplo, se refirieron repetidamente a su obra.
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Infancia y educación (1869-1898)
Henri Matisse, hijo de Émile Matisse y de su esposa Héloïse, de soltera Gérard, nació en la granja de sus abuelos en Le Cateau-Cambrésis. Sus padres tenían una farmacia y una tienda de semillas en Bohain-en-Vermandois; Matisse creció allí. En 1872 nace su hermano Émile Auguste. Su padre quería que su hijo mayor se hiciera cargo del negocio de sus padres. Sin embargo, Henri decidió estudiar derecho en París de 1882 a 1887, tras asistir a la escuela de gramática humanista Henri Martin de Saint-Quentin, lo que hizo durante dos años.
En 1889, durante una breve estancia como asistente legal en Saint-Quentin, Matisse recibió clases de dibujo en la École Quentin de la Cour en horario de mañana. En 1890, comenzó a pintar después de una apendicectomía, cuyas consecuencias lo confinaron a la cama durante un año. Abandonó su carrera de abogado en 1891, regresó a París e ingresó en la Académie Julian, donde enseñaba, entre otros, el pintor de salón William Adolphe Bouguereau. Matisse quería prepararse para el examen de ingreso en la École des Beaux-Arts. Sin embargo, no ha pasado.
Matisse también asistió a la École des Arts décoratifs (Escuela de Artes Decorativas), donde conoció a Albert Marquet, con quien mantuvo una larga amistad. En 1895, tras aprobar el examen de ingreso en la École des Beaux-Arts, ambos se convierten en alumnos del pintor simbolista Gustave Moreau, en cuya clase ya habían sido aceptados como alumnos invitados en 1893. Matisse fue padre de una hija, Marguerite († 1982), en 1894; su madre era Camille (Caroline) Joblaud, una mujer a la que empleó como modelo y que fue su amante.
Durante una estancia en Bretaña en 1896, Matisse conoció la paleta de colores impresionista a través de su compañero de viaje, el pintor Émile Auguste Wéry (1868-1935), que era su vecino parisino del Quai Saint-Michel 19. Durante este periodo comenzó a copiar obras clásicas del Louvre y expuso por primera vez cinco cuadros en el Salón de la Société nationale des beaux-arts. En 1897 y 1898 visitó al pintor John Peter Russell en Belle-Île, una isla de la costa de Bretaña. Russell le introdujo en el estilo de pintura impresionista y le hizo conocer la obra de Vincent van Gogh. El estilo pictórico de Matisse cambió fundamentalmente, y más tarde declaró: «Russell fue mi maestro, y Russell me explicó la teoría del color».
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Matrimonio (1898)
El 10 de enero de 1898, Henri Matisse se casa con Amélie Noellie Parayre. Siguiendo el consejo de Camille Pissarro, viaja a Londres para estudiar las obras de Turner. Al mismo tiempo, pasó allí su luna de miel con Amélie, que la pareja, volviendo brevemente a París, continuó a partir del 9 de febrero en Ajaccio, en Córcega. El matrimonio tuvo dos hijos, Jean Gérard (1899-1976) y Pierre (1900-1989).
Marguerite fue acogida en la familia; Matisse quería mucho a su hija y a menudo la retrataba. Más tarde se casó con el crítico de arte y filósofo Georges Duthuit; poco antes de su muerte, ella y su hijo Claude Duthuit editaron el catálogo razonado de los grabados de su padre.
A la muerte del maestro Gustave Moreau, Matisse abandonó la École des Beaux-Arts en 1899 por diferencias con el sucesor de Moreau, Fernand Cormon. Tras estudiar de nuevo brevemente en la Académie Julian, tomó cursos con Eugène Carrière, que era amigo del escultor Auguste Rodin. Matisse conoció aquí a sus posteriores compañeros André Derain y su amigo Maurice de Vlaminck. Pinta con Albert Marquet en el Jardín de Luxemburgo y asiste a clases de escultura por las tardes. Ese mismo año compró a Vollard el cuadro Las tres bañistas de Paul Cézanne. A pesar de los graves problemas económicos, conservó la obra, que tuvo una gran influencia en su pensamiento y en su trabajo creativo, hasta 1936, año en el que regaló el cuadro al Museo de Bellas Artes del Petit Palais de París.
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Años de crisis (1900-1905)
Matisse asistió a clases nocturnas en la Académie Rodin en 1900 y trabajó bajo la dirección del escultor Antoine Bourdelle, con poco éxito inicial. Debido a la falta de ingresos -el negocio de modista de su mujer no generaba suficientes ingresos para mantenerse y los niños tenían que quedarse a menudo con sus abuelos-, cayó en una grave crisis financiera y aceptó un trabajo como pintor decorativo. Junto con Albert Marquet, Matisse pintó guirnaldas y marcos para la decoración de la Exposición Universal de 1900, que se celebró en el Grand Palais de París. El trabajo era agotador, así que regresó a Bohain exhausto para recuperarse. En aquellos días, Matisse estaba tan desanimado que pensó en dejar de pintar.
Cuando Matisse superó su crisis, buscó coleccionistas de arte y oportunidades de exposición. En febrero de 1902, participó en una exposición conjunta de la recién fundada Galería B. Weill. En abril y junio de ese año, Berthe Weill fue la primera galería en vender obras suyas. La primera exposición individual de su obra tuvo lugar en 1904 en casa del marchante de arte francés Ambroise Vollard. En el verano de ese mismo año, Matisse viaja a Saint-Tropez a instancias de Paul Signac y comienza a pintar cuadros de estilo neoimpresionista.
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La aparición del fauvismo (1905)
Matisse pasó el verano de 1905 con André Derain y a veces con Maurice de Vlaminck en Collioure, un pueblo pesquero del Mediterráneo. Esta estancia se convirtió en un importante punto de inflexión en su obra. Así, durante este periodo, en colaboración con Derain, cristalizó un estilo que pasó a la historia del arte con el nombre de fauvismo. El movimiento recibió su nombre cuando el pequeño grupo de pintores afines, formado por Matisse, André Derain y Maurice de Vlaminck, mostró sus cuadros por primera vez en una exposición en el Salón de Otoño de París en otoño de 1905, lo que provocó la indignación del público y de los críticos de arte.
El crítico Louis Vauxcelles llamó a los artistas «Fauves» («Las fieras»). Su comentario «Donatello chez les fauves» se publicó en la revista Gil Blas el 17 de octubre de 1905 y entró en el uso común. El centro de la crítica fue el cuadro de Matisse «Femme au chapeau» (Mujer con sombrero), de colores muy vivos. Leo Stein, hermano de Gertrude Stein, compró el cuadro por 500 francos. Este «éxito escandaloso» hizo subir el valor de mercado de Matisse. Los Stein también estaban entre sus mecenas en el futuro. El grupo fauvista volvió a disolverse ya en 1907.
Hoy en día, el Chemin du Fauvisme de Collioure conmemora la aparición del fauvismo en esa localidad: reproducciones de los cuadros de Matisse y Derain creados allí se exponen en un recorrido circular en 19 puntos del pueblo.
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Conocimiento de Picasso (1906)
El 20 de marzo de 1906, Matisse expuso su nueva obra, Lebensfreude (Alegría de vivir), en el Salón de los Independientes (Paul Signac, vicepresidente de los Independientes, se sumó a las críticas y se resintió del rechazo de Matisse al postimpresionismo, puesto de manifiesto en el cuadro. Leo Stein, sin embargo, lo consideraba «el cuadro más importante de nuestro tiempo» y lo adquirió para el salón que dirigía junto a su hermana Gertrude.
Ese mismo año, Matisse conoció a Pablo Picasso; su primer encuentro tuvo lugar en el salón de los Stein, donde Matisse era visitante habitual desde hacía un año. A partir de ese momento, Matisse y Picasso compartieron una amistad basada en la rivalidad creativa y el respeto mutuo. Las amigas americanas de Gertrude Stein de Baltimore, Clarabel y Etta Cone, también se convirtieron en mecenas y coleccionistas de Matisse y Picasso. La Colección Cone se expone actualmente en el Museo de Arte de Baltimore.
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Viaje a Argelia (1906)
En mayo de 1906, Matisse viaja a Argelia y visita el oasis de Biskra. No pintó durante el viaje; sólo después de su regreso creó el cuadro Desnudo azul (Memoria de Biskra) y, tras completar el cuadro, una escultura Desnudo recostado I (Aurora), que tiene una postura similar. Del viaje de dos semanas se trajo objetos cotidianos, como cerámicas y telas, que a menudo utilizaba como motivos para sus cuadros. Matisse tomó de la cerámica oriental el color puro, aplicado de forma plana, la reducción del dibujo a una línea arabesca y la disposición bidimensional del espacio pictórico. Las alfombras orientales aparecen en sus cuadros como en ningún otro pintor modernista. Un ejemplo es el bodegón Alfombras orientales, que pintó tras su regreso.
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La Academia Matisse (1908-1911)
A instancias y con el apoyo de sus admiradores, Michael, Sarah, Gertrude y Leo Stein, así como de Hans Purrmann, Marg y Oskar Moll y otros, fundó una escuela privada de pintura, a la que se dio su nombre: «Académie Matisse». Enseñó allí desde enero de 1908 hasta 1911 y llegó a tener 100 alumnos de Alemania y del extranjero. Purrmann era responsable de la organización y la administración.
Al principio, las clases se impartían en las salas del Couvent des Oiseaux, en la calle Sèvres. Desde 1905, Matisse ya había alquilado otra sala de estudio en este convento vacío, además de su estudio original en el Quai St.-Michel. Cuando se decidió fundar la academia privada, Stein alquiló otra habitación en el Couvent para impartir clases. Sin embargo, el complejo conventual tuvo que ser desalojado al cabo de pocas semanas. Por ello, la escuela se trasladó al Couvent de Sacré-Cœur, en el Boulevard des Invalides, en la esquina de la Rue de Babylon.
Su carácter no comercial diferenció a la Académie Matisse de otros estudios de maestros comparables. Matisse concedía gran importancia a una educación clásica básica para los jóvenes artistas. Una vez a la semana, la visita a un museo formaba parte del plan de estudios. El trabajo a partir de un modelo sólo llegó tras el esfuerzo de copiar. Para la época, la proporción de mujeres entre los alumnos era sorprendentemente alta. Entre los 18 alumnos alemanes, por ejemplo Friedrich Ahlers-Hestermann, Franz Nölken y Walter Alfred Rosam, había ocho mujeres artistas, entre ellas Mathilde Vollmoeller y Gretchen Wohlwill. Olga Markowa Meerson, nacida en Rusia y antigua compañera de estudios de Wassily Kandinsky en Múnich, fue también una de sus alumnas.
Matisse realizó su primer viaje a Alemania con Hans Purrmann en 1908. Allí conoció al grupo de artistas Brücke. Se le invitó a unirse al grupo como «Übervater de su rebelión» – en vano. Ese mismo año, su primera exposición en Estados Unidos tuvo lugar en la Galería 291 de Alfred Stieglitz. Su ensayo artístico-teórico Notes d»un Peintre (Notas de un pintor) apareció en la Grande Revue el 25 de diciembre de 1908.
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Traslado a Issy-les-Moulineaux (1909)
El mecenas ruso Sergei Shchukin conoció la obra de Matisse y le encargó dos grandes cuadros: La danza y la música. Superados los años de crisis, la posición económicamente consolidada permitió a Matisse abandonar la residencia del Quai Saint-Michel de París en 1909 y trasladarse a Issy-les-Moulineaux, donde compró una casa e hizo construir su estudio en la propiedad. Durante mucho tiempo, los miembros de la familia posaron para él gratuitamente y se acomodaron a sus deseos con comprensión. Se guiaban por las necesidades del artista; por ejemplo, los niños debían guardar silencio durante las comidas para no perturbar la concentración de su padre.
Tras participar en la exposición Manet y los postimpresionistas en Londres, organizada por Roger Fry en 1910, las esculturas de Matisse se expusieron por primera vez en la Galería 291 de Alfred Stieglitz en Nueva York en 1912. Un año más tarde, en 1913, algunos de sus cuadros participaron en la importante exposición Armory Show de Nueva York, que, sin embargo, suscitó críticas cáusticas del público conservador estadounidense. El tesorero del Armory Show, Walter Pach, representó la obra de Matisse en Estados Unidos de 1914 a 1926.
En torno a 1912, algunas de las composiciones de Matisse fueron consideradas paracubistas por muchos críticos. Matisse y Picasso intercambiaron ideas con frecuencia en esos años. Matisse comentó: «Nos dimos mucho en estos encuentros». En esas conversaciones, Picasso jugaba al advocatus diaboli, queriendo cuestionar constantemente algo de la pintura de Matisse que, de hecho, estaba muy presente en su mente.
Además de sus estancias en Sevilla (19101911) y Tánger (19111912 y 19121913), y de un viaje a Moscú (1911), Matisse permaneció en Berlín en el verano de 1914.
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Años de guerra (1914-1918)
Al comienzo de la Primera Guerra Mundial, en agosto de 1914, Matisse se encontraba en París. Se inscribió en el servicio militar, pero su solicitud fue rechazada. Después de que la casa de la familia fuera destruida en un ataque alemán, Matisse no recibió más noticias de su madre ni de su hermano, que, como los demás hombres del pueblo, había sido tomado como prisionero de guerra por las fuerzas militares alemanas. Poco antes de la batalla del Marne, abandonó París y se dirigió con Marquet a Collioure. Los horrores de aquella época hicieron que fauvistas y cubistas, hasta entonces divididos por conflictos artísticos, se acercaran de nuevo, por lo que Juan Gris se quedó con el maestro de los hijos de Matisse. La influencia cubista de este último reforzó la inclinación de Matisse por la simplificación geométrica. Los hijos Jean y Pierre tuvieron que hacer el servicio militar a partir del verano de 1917.
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En Niza (1916-1954)
En 1916, Matisse se alojó en Menton, en la Costa Azul, por recomendación médica, ya que padecía una bronquitis, y en 1916-1917 alquiló una habitación en el Hôtel Beau-Rivage de Niza. Esta ciudad se convertiría en su domicilio durante los siguientes años. Después de vivir en el Hôtel Méditerranée, se instaló en un piso de dos plantas en la plaza Charles-Félix de Niza en la década de 1920. De mayo a septiembre, vuelve regularmente a Issy-les-Moulineaux para trabajar en su estudio.
En 1918, la exposición Matisse – Picasso tuvo lugar en la Galerie Guillaume, lo que en cierto modo demostró el protagonismo de estos pintores en el arte contemporáneo. Matisse muestra algunos de sus cuadros a Renoir, a quien visita a menudo durante este periodo; también se relaciona con Bonnard en Antibes.
En 1920 se estrenó en París el ballet Le Chant du Rossignol, de Djagilev, para el que Matisse había diseñado el vestuario y la escenografía. Volvió a dedicarse a trabajar en esculturas, que había descuidado en los años anteriores. En 1927, su hijo Pierre Matisse, que se había convertido en galerista, le organizó una exposición en su galería de Nueva York; ese mismo año recibió el premio de pintura de la Exposición Internacional Carnegie de Pittsburgh.
Matisse realizó muchos viajes de relax, por ejemplo a Étretat en 1921, a Italia en 1925 y a Tahití vía Nueva York y San Francisco en 1930.
En su viaje de regreso, en septiembre de 1930, visitó a su importante coleccionista Albert C. Barnes en Merion (Estados Unidos), quien le pidió un mural sobre el tema de la danza para su museo privado. Obras de Georges Seurat, Cézanne, Auguste Renoir ya llenaban las paredes. Matisse aceptó el reto y pudo completar la obra en 1932. En 1933 nació en Nueva York su nieto Paul Matisse.
Para la ingente tarea del mural de Barnes, Matisse había contratado como ayudante a la emigrante rusa de 22 años Lydia Delectorskaya (1910-1998), que también se sentaba para él. Entonces su esposa Amélie le planteó la alternativa: «Yo o ella». Lydia Delectorskaya fue despedida, pero Amélie le exigió el divorcio y le dejó tras 31 años de matrimonio. Matisse se puso muy enfermo y volvió a contratar a Delectorskaya. Tras una estancia en París al estallar la Segunda Guerra Mundial, regresó a Niza.
En los años siguientes, creó proyectos para tapices e ilustraciones de libros. Grabó escenas de La Odisea como ilustraciones para el Ulises de James Joyce. En noviembre de 1931, el Museo de Arte Moderno dio a Matisse la oportunidad de realizar su primera gran exposición individual en Estados Unidos, en Nueva York. Precedida por una gran exposición en la Galería Thannhauser de Berlín a finales del verano de 1930, los años 1930 a 1931 hicieron madurar muchos de los proyectos personales de Matisse y consolidaron su ya creciente reputación internacional. En octubre se publica el primer libro ilustrado por Matisse, la edición de Skira de la Poésie de Stéphane Mallarmé.
En 1937, Léonide Massine pidió a Matisse que diseñara los decorados y el vestuario de Rouge et noir, un ballet con música de Shostakovich y coreografía de Massine. Un año después, se trasladó a Cimiez, al antiguo Hotel Régina, con vistas a Niza.
En 1941, Matisse tuvo que someterse a una grave operación intestinal en Lyon. Estuvo en el hospital durante casi tres meses, y luego en un hotel durante dos meses con gripe. Sufrió un cáncer de duodeno y dos embolias pulmonares posteriores.
Regresó a Cimiez en mayo. La operación y la posterior enfermedad le afectaron gravemente, de modo que sólo pudo mantenerse erguido durante un tiempo limitado. Durante su convalecencia, volvió a trabajar, pintando y dibujando en la cama, incluyendo las ilustraciones para la edición de Fabiani de la Pasiphaé de Henry de Montherlant y la edición de Skira de Florilège des amours de Ronsard.
En su estudio al pie de la Montaña del Bao, en la Villa Le Rêve, a dos kilómetros de la plaza principal del pueblo provenzal de Vence, al que se trasladó tras un bombardeo de Cimiez en 1943, Matisse comenzó a trabajar en sus composiciones de corte y pegado para su libro Jazz. En 1944, su esposa divorciada es detenida y su hija Marguerite deportada por participar en la Résistance y condenada a seis meses de prisión. Le Rêve siguió siendo su residencia hasta 1948, cuando regresó a Niza al Hotel Régina.
A principios del verano de 1945, Matisse viaja a París, donde se exponen 37 obras en una retrospectiva en el Salón de Otoño. Ese mismo año, expuso con Picasso en el Victoria and Albert Museum de Londres. En 1946, Matisse recibe la primera visita de Picasso y de su compañera Françoise Gilot en Vence; los dos artistas se reúnen varias veces más hasta 1954.
En 1947, Matisse fue elevado al rango de Comandante de la Legión de Honor. Ese mismo año, comenzó los bocetos para una capilla de las dominicas, la Capilla del Rosario de Vence, que le ocuparía casi exclusivamente durante los años siguientes. El proyecto fue el resultado de una estrecha amistad entre Matisse y la hermana Jacques-Marie, alias Monique Bourgeois. Él la había contratado como enfermera y modelo en 1941; en 1946 ingresó en un convento de dominicas en Vence y recibió el nombre de Jacques-Marie. Cuando se volvieron a encontrar allí, ella le pidió consejo sobre la construcción de una capilla para el convento. En diciembre de 1949 se colocó la primera piedra de la capilla y el 25 de junio de 1951 fue consagrada por el obispo de Niza. Ese mismo año, Matisse recibe el primer premio de pintura en la Bienal de Venecia.
Con motivo de sus obras expuestas en EE.UU. en 1951, el historiador de arte estadounidense Alfred H. Barr publicó Matisse: su arte y su público, que sigue siendo un libro importante sobre el artista hasta la fecha. En 1952, el Museo Henri Matisse abrió sus puertas en su ciudad natal, Le Cateau-Cambrésis. Un año más tarde, se celebraron exposiciones de los papiers découpés en París y de sus esculturas en Londres. En 1954, fue elegido miembro honorario de la Academia Americana de las Artes y las Letras.
Matisse trabajó en los últimos días de su vida en la Rosa Rockefeller, que sería su última obra, una vidriera para la Union Church de Pocantico Hills, encargada por la familia Nelson Rockefeller en memoria de Abby Aldrich Rockefeller. Además de la obra de Matisse, la iglesia también contiene ventanas de Marc Chagall.
Matisse murió de un ataque al corazón en Niza el 3 de noviembre de 1954. Su tumba -la piedra conmemorativa está dedicada a él y a su antigua esposa- está situada en el punto más alto del cementerio de Cimiez; es un regalo de la ciudad de Niza.
El 5 de enero de 1963 se fundó en Niza otro museo, el Museo Matisse. El propio artista donó el cuadro Naturaleza muerta con granada (1947), cuatro dibujos de los años 194142, la silueta La bailarina criolla (1950) y dos serigrafías, Oceanía – El mar y Oceanía – El cielo, ambas de 1947, antes de la fundación del museo, el 21 de octubre de 1953. Otras donaciones de los herederos se sucedieron entre 1960 y 1978.
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La concepción de la imagen de Matisse
En el mundo pictórico de Matisse, el color adquiere un carácter autónomo por su uso bidimensional, decorativo y ornamental, omitiendo sus aspectos de diseño espacial. En este caso, el color no está subordinado ni al color local ni a la descripción de las estructuras superficiales. Más bien, Matisse lo utiliza como medio para reproducir las sensaciones de color que provoca en el pintor la impresión del motivo. En su camino por el fauvismo, creó un mundo pictórico en el que no se da más importancia al objeto que al espacio interior, es decir, al espacio entre los objetos. Ninguna de estas formas es superior o está subordinada a otra en la realización de la «expresión» como elemento de diseño. Según este punto de vista, la «expresión» sólo puede realizarse mediante la disposición y la conexión de las formas de color -el color y la forma son uno- entre sí. A través de este punto de vista, la observación de la naturaleza (objeto) no sólo se convierte en la ocasión para las sensaciones de color (sujeto), sino que también se eleva a un correctivo dentro del proceso creativo en su interacción recíproca. En este sentido, Matisse se veía a sí mismo ligado a la tradición. Así, Matisse -al igual que Picasso- nunca dio el paso hacia la abstracción completa, ya que de este modo, como él mismo subrayaba, la abstracción sólo era imitada.
Otra característica de la composición pictórica de Matisse es que linealiza los objetos. Las relaciones espaciales entre los objetos retroceden al fondo, se disuelven, pero sin negar completamente sus referencias espaciales. Así, subrayó que a través de la igualdad de formas -objeto y espacio interior-, así como de la autonomía del color, era necesaria una linealización de los elementos pictóricos y viceversa.
La creciente necesidad de originalidad e individualidad en aquella época, por un lado, y la aversión a lo que sus oponentes consideraban las opiniones «degeneradas» de las academias aún establecidas, por otro, llevaron a muchos pintores a querer tomar su propia posición. Así, aunque Matisse encontró en Cézanne la figura del spiritus rector, no pretendía continuar la obra de Cézanne.
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Los primeros trabajos hasta 1900
Matisse decidió tarde seguir una carrera artística. Comenzó a tomar clases de arte cuando tenía 20 años y era asistente legal en St. Sus primeros cuadros correspondían al naturalismo burgués que la escuela francesa había adoptado de la holandesa. Un cuadro muy conocido de esta época es La mujer que lee, de 1894, que se encuentra en el Museo Nacional de Arte Moderno de París. En sus temas pictóricos, las mujeres dominarían su arte desde su obra temprana hasta su obra tardía en la década de 1950, representada en las distintas fases de Matisse. En 1895 le siguió un bodegón con autorretrato en colores marrones y verdes similares, con un parecido estético al bodegón de Cézanne, veinte años mayor que él, pero sin su sofisticación. Los cuadros más conocidos de 1897 son El juego de mesa y la obra junto al mar, Belle Île; en esta última hay aproximaciones a Tormenta en Belle Île, de Claude Monet, de 1896, que refleja las influencias impresionistas de Monet y John Peter Russell en Bretaña.
La obra principal del artista puede dividirse en los cinco periodos siguientes:
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Período fauve (1900-1908)
En 1900, Matisse comenzó a pintar en un estilo que, en retrospectiva, se denominó «protofauve». No quería ver sus formas disueltas en la luz, sino concebidas como un todo completo, por lo que se alejó del impresionismo «ortodoxo». Fue a las obras divisionistas de Seurat, junto a las de Paul Cézanne, a las que dedicó su atención. Georges Seurat y los neoimpresionistas crearon sus obras según la doctrina teórica basada en la teoría del color de Eugène Chevreul. Además de Seurat, fueron Vincent van Gogh y Paul Gauguin quienes potenciaron el sentido del color de Matisse, que quería superar la imitación de la naturaleza. La composición de figuras de Matisse Lujo, silencio y deseo (190405), por ejemplo, fue creada según las reglas divisionistas. Un poco más tarde, se dio cuenta de que la concepción divisionista del cuadro no era adecuada para dar solidez a las obras pictóricas y reflejar las sensaciones cromáticas del pintor, por lo que se apartó de la dirección impresionista, como había hecho Cézanne años antes.
El resultado de su trabajo durante su fase fauvista representó una solución en forma de un esquema de color bidimensional que se oponía al «fundido» de las pinturas impresionistas. Ejemplos de ello son Ventana abierta en Collioure y Mujer con sombrero, ambas de 1905, que provocaron la indignación en la exposición del Salón y dieron lugar al término «fauvismo». En su cuadro La franja verde. Retrato de Madame Matisse, también de 1905, el verde es una constante. La franja sobre el rostro, que parece poco natural a primera vista, no está colocada arbitrariamente, sino que sirve de frontera entre las zonas de luz y de sombra. Matisse demostró que la autonomía del color junto con su aplicación bidimensional obligaba a linealizar los objetos entre sí, con lo que sus relaciones espaciales pasaban a un segundo plano. Las obras de los años siguientes representan principalmente variaciones de esta idea fundamental.
Según su propia declaración, la obra de su vida comenzó con el cuadro La alegría de vivir, que expuso en el Salón de los Independientes en 1906, donde provocó feroces críticas. Tras su viaje a Argelia en 1906, pintó Desnudo azul (Recuerdo de Biskra), las palmeras del fondo reflejan el viaje. El desnudo femenino pesa mucho en el suelo y proyecta una sombra. La figura dominante y el entorno plano reflejan la opinión de Matisse: «Es precisamente la figura y no el bodegón o el paisaje lo que más me interesa. Es en ella donde mejor puedo expresar, podría decirse, el sentimiento religioso hacia la vida que siempre es mío.»
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Período experimental (1908-1917)
El periodo experimental de Matisse, durante el cual fue muy productivo, se divide en dos fases: De 1908 a 1910, predominan las formas orgánicas fluidas y arabescas, mientras que la segunda fase, de 1911 a 1917, marcada por la implicación de Matisse con el cubismo, está dominada por las formas geométricas. Matisse nunca supeditó su pintura a un estilo uniforme, sino que cambió con frecuencia de posición, pasando de periodos decorativos a otros más realistas.
En 1909, el mecenas ruso Sergei Ivanovich Shchukin encargó dos grandes obras, La Danse (La Danza) y La Musique (La Música), para decorar la escalera de su residencia en Moscú. Se crearon dos versiones de La Danza en diferentes tonos de color. Matisse se inspiró en la danza redonda provenzal Farandole. Los cuadros, cada uno de los cuales consta de cinco cuerpos frente a un fondo fuertemente coloreado, transmiten alegría de vivir; el estilo decorativo se combina con la figura humana. Su monumentalidad se debe a la simplificación de los medios pictóricos: se aplican pocos colores en grandes áreas homogéneas, el dibujo se convierte en una línea pura que forma las formas. La danza es una de las obras más famosas de Matisse. La simplificación de las formas determina también el cuadro Ramo de flores y plato de cerámica (1911). Henri Matisse resumió sus impresiones sobre los iconos rusos y los objetos de esmalte en una entrevista para el periódico Utro Rossii (Утро России) el 27 de octubre de 1911, durante su estancia en Moscú:
Durante la Primera Guerra Mundial, su escala de colores se volvió más oscura, la reducción a formas geométricas al estilo del cubismo alcanzó su clímax en 1914 con el cuadro Vista de Notre Dame y continuó hasta 1918. El color negro jugó un papel importante durante los años de la guerra, un ejemplo es la ventana de la puerta de Collioure, 1914.
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Periodo de Niza (1917-1929)
Matisse se dedicó, entre otras cosas, a pintar odaliscas en diversas posiciones. Los retratos, los interiores iluminados, las naturalezas muertas y los paisajes fueron también el centro de su interés representativo. Sus obras tenían más rasgos naturalistas que nunca. Al hacer realidad su imaginación, Matisse demostró así su creencia en la pintura como «fuente de alegría sin límites».
El amor por el color y el detalle es evidente en el a menudo extraordinario «fondo ornamental». El cuadro Figura decorativa delante de un fondo ornamental (192526) presenta especialmente los atributos emblemáticos de su pintura: una mujer, flores y telas de colores en el fondo. Es una de las obras más importantes del «periodo de Niza». Su modelo en esta época era Henriette Darricarrère. En Niza, decoró su estudio con trozos de tela, alfombras y cortinas. La tela cubierta de flores aparece en otras obras, por ejemplo en Dos odaliscas (192728) y Odalisca con sillón (1928).
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Período de renovada simplicidad (1929-1940)
Al periodo de Niza le siguió un periodo de renovada simplicidad. Las aspiraciones artísticas de Matisse se centraban en la armonía entre el máximo desarrollo del color y una progresiva abstracción de la forma representativa.
En 1929 viajó a Estados Unidos y fue miembro del jurado del 29º Carnegie International. Un año después viajó a Tahití, Nueva York y Baltimore (Maryland), así como a Merion (Pensilvania). Albert C. Barnes, de Merion, un importante coleccionista de arte moderno que ya poseía la mayor colección de Matisse de Estados Unidos, encargó al artista un gran mural para la galería de arte de su casa. Matisse eligió un tema de danza que ya se había apoderado de él desde su etapa fauvista. El mural El baile existe en dos versiones debido a un error en las medidas; se instaló en mayo de 1933 y actualmente se exhibe en la Fundación Barnes. En su sencillez, la composición representa a mujeres que bailan en un movimiento muy fuerte sobre un fondo abstracto, casi geométrico. Durante los trabajos preparatorios para el mural, Matisse utilizó un nuevo proceso ensamblando la composición a partir de trozos de papel coloreado recortados. A partir de 1940, las siluetas se convirtieron en el medio de expresión preferido de Matisse, técnica que conservó hasta el final de su vida.
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Plazo de prescripción a lo esencial (1940-1954)
La reducción de la forma a la abstracción llevó a Matisse a enfatizar el elemento dinámico. Hacia 1943, debido a su grave enfermedad, las siluetas se convirtieron en el principal medio de expresión de la obra del artista; hacia 1948 Matisse dejó de pintar por completo. Hacía que sus ayudantes pintaran hojas de papel con pintura gouache monocromática, de las que recortaba sus figuras y formas libres (gouaches découpées). Matisse llamó a esta técnica «dibujo con tijeras». Ofrecía la posibilidad de combinar la línea y el color y, por tanto, era la solución a su inquietud que buscaba desde hacía tiempo. En el dibujo, era capaz de representar una impresión en unos pocos trazos, aunque sin color. En la pintura, faltaba esta espontaneidad. Cuando las tijeras sustituyen al pincel y dibujan directamente en la pintura, se supera la oposición de color y línea. El resultado -el corte- es más nítido que la línea dibujada, por lo que tiene un carácter diferente. En 1947, se publicó una secuencia de siluetas de los años 1943 a 1944 como libro de artista bajo el título Jazz, que se había reproducido mediante la impresión de plantillas. El título alude a la espontaneidad e improvisación del estilo musical del jazz. Sobre el uso de las líneas, Matisse escribió en este libro:
Además, hay diseños para tapices como Polinesia – El cielo y Polinesia – El mar, de 1946. La decoración de una capilla, la del Rosario, (también llamada Chapelle Matisse), en Vence, inaugurada en 1951, cuyas vidrieras también había preparado en siluetas, muestra las primeras vidrieras del artista. Otro ejemplo es la serie Desnudo azul de 1952; es exclusivamente en azul y blanco y tiene un efecto escultórico en su abstracción.
Matisse creó dibujos, estudios para sus obras, en gran número. Su interés por la obra gráfica comenzó alrededor de 1900, cuando empezó a grabar al aguafuerte a modo de prueba. El catálogo razonado de grabados publicado por su hija Marguerite Duthuit y su nieto Claude Duthuit describe unas 800 obras, centrándose en los aproximadamente 300 aguafuertes y 300 litografías realizadas entre 1908 y 1948 y que datan de 1906 a 1952. También realizó 62 obras en aguatinta, 68 monotipos, 70 linograbados y, desde el primer periodo 190607, cuatro xilografías. A diferencia de Picasso, Matisse se abstuvo de experimentar con nuevos materiales y técnicas. En 1935, Matisse realizó 26 ilustraciones a toda página para la novela Ulises de James Joyce. Las ilustraciones se basan en temas de la Odisea de Homero.
Tras el estallido de la Segunda Guerra Mundial, la obra gráfica de Matisse ocupó un espacio mayor, con ilustraciones para Pasiphaé (1944) de Henry de Montherlant, Visages (1946) de Pierre Reverdy, Lettres portugaises (1946) de Mariana Alcaforado, Les Fleurs du Mal (1947) de Charles Baudelaire, La Florilège des Amours de Pierre de Ronsard (1948) y los Poèmes de Charles d»Orléans (en cambio, añadió ilustraciones en color a su famoso libro de artista Jazz de 1947, en el que escribió sus reflexiones sobre el arte y la vida.
Más de la mitad de las esculturas de Matisse fueron creadas entre 1900 y 1910, y a menudo trabajaba en series, simplificando la forma a lo largo de los años. La primera obra tridimensional del 82, Jaguar devorando una liebre, fue creada durante sus estudios de escultura a partir de 1899 y apunta no sólo a la influencia de Auguste Rodin, sino también a la de Antoine-Louis Barye, un conocido escultor francés conocido por sus esculturas de animales. Matisse modeló la escultura del Jaguar a partir de la escultura en bronce de Barye Jaguar dévorant un lièvre, en la que trabajó de 1899 a 1901. Al igual que el cuadro del mismo nombre, la escultura La sirvienta fue creada en 1900 y terminada en 1903. El italiano Bevilaqua, que ya había modelado para Rodin en sus obras Juan Bautista (1878) y Hombre que camina (1900), le sirvió de modelo. Matisse a menudo transponía motivos de sus esculturas a las pinturas o viceversa. El tamaño de sus esculturas no se correspondía con el tamaño natural, como ocurría con los escultores tradicionales, sino que se creaban en un formato más pequeño.
En 1907 comenzó a trabajar en el Desnudo recostado, que había desarrollado a partir del cuadro Lujo, silencio y deseo (1904-1905). El tema le ocupó durante 30 años. La escultura Dos Negras de 1908 se encuentra de nuevo en su Naturaleza muerta de 1910, Bronce con fruta. El cuadro de Cézanne, Las tres bañistas, adquirido en 1899, sirvió a Matisse de modelo en obras que representan el cuerpo de forma monumental, como la serie de relieves de desnudos en decúbito supino que Matisse creó entre 1909 y 1929. La inspiración para la serie Jeannette I – V, de 1910 a 1913, fue un cuadro impresionista anterior; la cabeza de Jeanette se fue alienando en las versiones. Jeanette V constituye un precursor de la abstracción física que se extendió posteriormente en el arte a partir de la década de 1930. La inspiración en el arte primitivo no se reflejó en sus pinturas, como ocurrió con Picasso, sino que sus transformaciones se limitaron en este sentido a la obra escultórica.
Casi todas sus esculturas tenían una edición de diez ejemplares, con una excepción: El pequeño torso delgado de 1929 sólo existe en tres ejemplares. Matisse utilizó la técnica de fundición en arena y a la cera perdida. La mayoría de sus obras escultóricas fueron fundidas en años posteriores, cuando un mayor número de coleccionistas se interesó por ellas. Los Desnudos de Espalda I – IV, que se encuentran entre las esculturas más importantes de Matisse, sólo se fundieron después de la muerte de Matisse a instancias de sus herederos. En la década de 1990, los herederos hicieron destruir la mayoría de los moldes originales para evitar nuevas ediciones.
Entre los cuatro grandes pintores franceses de la primera mitad del siglo XX -Matisse, Picasso, Derain y Braque- Matisse fue el primer teórico. Su escrito de 1908, Notes d»un peintre (Notas de un pintor), precedió en mucho tiempo a las declaraciones publicadas de Braque y Picasso. Aunque la primera entrevista de Braque (1908) se publicó en 1910, sus textos no salieron a la luz hasta 1917. La primera declaración teórica de Picasso, Picasso habla, se publicó en mayo de 1923.
En Apuntes de un pintor, Matisse aclara las principales preocupaciones de su arte: la «expresión» («Ausdruck und Aussage»), el tratamiento mental de las formas naturales, la claridad y el color. Además, en este artículo confiesa su creencia en el arte como expresión de la personalidad. Para él, no es una representación de una «imaginación» ni un mediador de ideas literarias, sino que se basa en la síntesis intuitiva de las impresiones de la naturaleza. En este escrito, un pasaje central, a menudo citado, dice:
El segundo texto teórico Notes d»un peintre sur son dessin (Notas de un pintor sobre el dibujo) apareció en Le Point en 1939. En los años posteriores a 1930, realizó muchos dibujos de línea, ejecutados a lápiz o a bolígrafo; los dibujos a pluma y tinta, como definió Matisse, «sólo surgieron después de cientos de dibujos, tras ensayos, percepciones y definiciones de la forma; entonces los dibujé con los ojos cerrados».
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Testimonios de contemporáneos
El impresionista Auguste Renoir, muchos años mayor, hizo un comentario a Henri Matisse hacia el final de la Primera Guerra Mundial, cuando éste le visitó en el sur de Francia:
En 1905, el también pintor Paul Signac, seis años mayor que él, compró el cuadro de Matisse Lujo, silencio y voluptuosidad, que se expuso en el Salón de los Independientes. Un año después, el neoimpresionista se burló de la obra de Matisse La alegría de vivir expuesta en el Salón:
Gertrude Stein, mecenas de Matisse, describió su cuadro de 1907 Desnudo azul (Memoria de Biskra) y su intención de la siguiente manera:
El estudiante y amigo de Matisse, el pintor alemán Hans Purrmann, organizó una exposición en Berlín en 1908 en la galería de Paul Cassirer. La exposición recibió críticas. En un encuentro con Max Liebermann en la galería, éste temió «la ruina de la juventud» a la vista de los cuadros y prefirió ocuparse de su perro salchicha. «Pintura de pan de jengibre» y «papel pintado» eran los tópicos de la época sobre la pintura de Matisse. Unos años antes de la muerte de Matisse, Purrmann comentó las circunstancias de su vida tardía:
Picasso expresó muy a menudo su aprecio por Matisse. Sin embargo, entre las muchas expresiones de Picasso, la que aparece a continuación es la que más claramente indica hasta qué punto Picasso reconocía la obra de Matisse:
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Relación con Picasso
Matisse era el único artista contemporáneo al que Picasso consideraba su igual. Ningún otro artista contemporáneo había significado tanto para él como Matisse, a pesar de sus orientaciones artísticas opuestas. Durante sus reuniones se produjo un animado intercambio. «Tenemos que hablar entre nosotros todo lo que podamos», le dijo Matisse a Picasso a finales de los años 40, y añadió: «Cuando uno de nosotros muera, habrá algunas cosas de las que el otro no podrá hablar con nadie más».
Picasso, que a veces también lanzaba crueles insultos, nunca permitió que nadie más criticara a Matisse. Hay muchas pruebas de ello, y uno de los mejores de los muchos testimonios proviene de Christian Zervos. Matisse y Picasso pasaron una tarde en la Coupole con otras personas. Matisse abandonó el grupo por un momento. Cuando alguien le preguntó dónde había ido, Picasso respondió que estaba sentado a salvo en su corona de laurel. La mayoría de los presentes, buscando la aprobación de Picasso, comenzaron a atacar a Matisse. Picasso se enfadó y gritó: «No voy a tolerar que digáis nada en contra de Matisse, es nuestro mejor pintor.
De este modo, ambos se rindieron homenaje mutuamente. Picasso comentó: «Básicamente, no hay nada más que Matisse». «Sólo Picasso puede salirse con la suya. Puede confundir todo. Desfigurar, mutilar, desmembrar. Siempre está, siempre permanece en la derecha», dijo Matisse. «Sólo por eso, por ejemplo, Matisse es Matisse: porque tiene el sol en el cuerpo», decía Picasso.
La respetuosa relación artística entre estos dos artistas estandarte del siglo XX, marcada por una rivalidad creativa, es destacada con detalle por Françoise Gilot en su libro Matisse y Picasso – Una amistad de artistas.
Sus opuestos se revelaron en las cuestiones fundamentales sobre el carácter del cuadro y el significado del arte. Picasso quería el cuadro disonante, Matisse el armónico. Sus opuestos emergen con nitidez en las siguientes citas: «La pintura no está para decorar pisos. Es un arma de ataque y de defensa», dijo Picasso en una entrevista de 1945 en Lettres Françaises. «Un cuadro en la pared debe ser como un ramo de flores en la habitación», comentó Matisse unos meses después en la misma revista.
Por otro lado, la obra de Cézanne es el elemento que conecta a ambos. Picasso, al igual que Matisse, había estudiado sus cuadros y más tarde le dijo al fotógrafo Brassaï: «¡Cézanne! Era el padre de todos nosotros». Matisse estudió las cartas de Cézanne, entre otras cosas, y tenía en común con él el instinto exploratorio que se esfuerza por producir una imagen totalmente «realizada» (sobre esto, véase → réalisation en Cézanne). Esta búsqueda e investigación, que recorre los escritos de Matisse como un hilo rojo, es muy pronunciada en la obra de Cézanne.
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La resistencia de Matisse a la pintura abstracta
Con una vehemencia incansable, Matisse condenó la pintura abstracta en una conversación con Marie Raymond en 1953. «Términos como no representativo o abstracto no son más que un escudo para ocultar una deficiencia». Y añade: «Escríbalo exactamente como le digo: Matisse está en contra del arte abstracto. Picasso piensa exactamente como yo: todos los que han creado una obra piensan como yo».
Cuando Marie Raymond le preguntó si su obra tardía no mostraba un cierto acercamiento a los experimentos de los abstractos, Matisse respondió que el arte siempre había sido abstracto y que si fuera más joven iniciaría una campaña contra el arte abstracto.
En otro lugar, al justificar su rechazo a la pintura abstracta, subrayó que ésta sólo imitaba la abstracción.
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Influencia en el expresionismo abstracto en Estados Unidos
Después de que Mark Rothko, representante del Expresionismo Abstracto, viera el Estudio Rojo (Das rote Atelier, 1911) de Matisse en el Museo de Arte Moderno de Nueva York a finales de la década de 1940, quedó muy impresionado por la obra del artista francés, que tuvo una gran influencia en la suya. Como contó Rothko en una ocasión, pasó «horas y horas» sentado frente al cuadro. En 1954, el año de la muerte de Matisse, Rothko pintó Homenaje a Matisse; esta obra alcanzó más de 22 millones de dólares en una subasta en noviembre de 2005.
Los pintores expresionistas abstractos estadounidenses, como Robert Motherwell y Sam Francis, así como Frank Stella y el pintor de campos de color Ellsworth Kelly, también se vieron influidos por la obra de Matisse.
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Matisse y sus modelos
Hay muchos prejuicios sobre la vida y la obra de Matisse; por ejemplo, que tuvo aventuras con sus modelos femeninas. Hilary Spurling, biógrafa británica de Matisse, ha relegado esta suposición al ámbito de la leyenda. Escribe que de las cartas, los diarios y los informes de sus compañeros se desprende una imagen diferente: «Todos describían un sistema de austeridad y disciplina monacal, y todos habían sido llevados al límite de lo soportable por la inhumana norma de automortificación de Matisse». Spurling ha mantenido extensas conversaciones con todos los modelos que siguen vivos.
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Películas sobre Matisse
El escritor Louis Aragon conoció a Henri Matisse en el invierno de 1941, cuando huyó con Elsa Triolet de la parte ocupada de Francia a Niza para continuar su trabajo juntos en la Résistance. Se desarrolló una profunda amistad, de la que surgió el libro de Aragon sobre Matisse, Henri Matisse, roman, aunque no pudo ser completado hasta poco después de la muerte de Elsa en 1971. La obra de Aragon, con su mezcla de autobiografía y crítica de arte, además de ensayos y poemas, fue el modelo para el cineasta Richard Dindo, que ya había realizado documentales sobre Max Frisch y Arthur Rimbaud, entre otros. En la película en color de 52 minutos Aragon, le roman de Matisse, Dindo describe el regreso a los lugares donde Matisse había vivido. Un montaje acertado condensa imágenes y sonidos en una lectura cinematográfica de cuadros, libros y lugares auténticos. Producción: Lea Produktion, Zurich 2003, dirigida por Richard Dindo.
También se hicieron películas que están disponibles en forma de vídeo y que fueron emitidas por varias cadenas de televisión: Gero von Boehm filmó Henri Matisse – los años en Niza, grabación televisiva: ARD, 4 de octubre de 1988. Matisse – Picasso, una amistad improbable de Philippe Kohly de 2002 es un reportaje cinematográfico francés, grabación televisiva: 3sat, 20 de julio de 2003. Henri Matisse – eine filmische Reise, (OT: Henri Matisse – un voyage en peinture), un retrato cinematográfico, fue editado por Heinz Peter Schwerfel, AlemaniaFrancia 2005, grabación televisiva: Arte, 10 de diciembre de 2005.
En 2001 se realizó el telefilme de media hora Matisse & Picasso: A Gentle Rivalry (Matisse y Picasso: una suave rivalidad), que trata de los retratos de los dos «gigantes» del arte del siglo XX. Muestra, entre otras cosas, fotografías raramente publicadas de sus pinturas y esculturas, así como fotos y películas de los dos artistas procedentes de archivos que los muestran trabajando. Geneviève Bujold es la voz de Françoise Gilot, Robert Clary es Matisse y Miguel Ferrer es Picasso. La producción, ganadora de un Emmy Nacional, es de KERA-DallasFort WorthDenton en asociación con el Museo de Arte Kimbell, Fort Worth, Texas.
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Matisse en el mercado del arte
Las obras de Matisse suelen alcanzar los mejores precios en las subastas. Algunos ejemplos de los últimos años son el cuadro L»Espagnole (1922), que se subastó por 10,121 millones de dólares en Sotheby»s de Nueva York en 2007, y el cuadro de 1911 Les coucous, tapis bleu et rose, que alcanzó el precio récord para un cuadro de Matisse en la subasta de Christie»s de la colección de arte del diseñador de moda Yves Saint Laurent en París en febrero de 2009. El martillo cayó en 35.905.000 euros. Sin embargo, a diferencia de las obras de Picasso, sus obras no se encuentran entre los doce cuadros más caros del mundo en la actualidad. Su relieve en bronce, Nu de dos 4 état, subastado en Christie»s el 3 de noviembre de 2010, batió el récord de una obra de Matisse (en dólares): la galería Gagosian de Nueva York la compró por más de 48 millones de dólares (el equivalente a algo más de 43 millones de euros).
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Retrato de mujer descubierto en el hallazgo de arte de Schwabing
En una conferencia de prensa sobre el hallazgo de arte de Schwabing, el 5 de noviembre de 2013, se mostró un retrato de una mujer sentada atribuido a Matisse, creado alrededor de 1924, que había sido confiscado en 1942 por el Einsatzstab Reichsleiter Rosenberg de la caja fuerte del banco del marchante de arte Paul Rosenberg en Libourne. El hallazgo de arte de Schwabing es el descubrimiento de 1.280 obras de arte en el piso de Múnich de Cornelius Gurlitt el 28 de febrero de 2012. Además del retrato de Matisse, entre las obras encontradas, algunas de ellas desconocidas, hay obras de Marc Chagall, Otto Dix, Max Liebermann, Franz Marc y Pablo Picasso.
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Matisse en la vida cotidiana y la ciencia
Las obras del artista son tan populares en la actualidad que se ofrecen muchos pósteres con imágenes de sus obras, así como rompecabezas, por ejemplo el rompecabezas de 1000 piezas con la obra La Danza. El fabricante de automóviles Citroën no sólo produce un coche con el nombre de su amigo y antípoda Picasso, sino que desde 2006 también el C Matisse. El nombre de Matisse también está presente en la escena musical: En 1999, un grupo de rock griego alternativo de Atenas se autodenominó Matisse, y en Troisdorf hay un pub musical con el mismo nombre. En 1993, se crió una rosa que recibió su nombre.
En el planeta Mercurio, los cráteres llevan el nombre de personalidades conocidas fallecidas, por ejemplo, artistas, pintores, escritores y músicos. El cráter Matisse fue bautizado en 1976 en honor a Henri Matisse; tiene un diámetro medio de unos 190 kilómetros y está situado en el hemisferio sur de Mercurio. El 2 de abril de 1999, un asteroide del cinturón principal interior descubierto en 1973 recibió el nombre de Matisse: (8240) Matisse.
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Literatura secundaria
Recopilaciones biográficas
Etapas de la vida
Informes de testigos oculares
Aspectos individuales del trabajo
Impacto y acogida
Catálogo razonado
Ficción
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Biografías
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