Philip Guston
gigatos | enero 1, 2022
Resumen
Philip Guston (nacido Phillip Goldstein (27 de junio de 1913 – 7 de junio de 1980), fue un pintor, grabador, muralista y dibujante estadounidense de origen canadiense. Al principio de sus cinco décadas de carrera, el muralista David Siquieros lo describió como uno de «los pintores más prometedores de Estados Unidos o México», en referencia a su fresco antifascista La lucha contra el terror, que «incluye las figuras encapuchadas que se convirtieron en un símbolo de intolerancia para el artista durante toda su vida». «Guston trabajó en varios modos artísticos, desde la figuración inspirada en el Renacimiento hasta la abstracción formalmente lograda», y actualmente se le considera uno de los «pintores estadounidenses más importantes, poderosos e influyentes de los últimos 100 años». También representó con frecuencia el racismo, el antisemitismo, el fascismo y la identidad estadounidense, así como, especialmente en su obra posterior más caricaturesca y burlona, la banalidad del mal. En 2013, el cuadro To Fellini de Guston estableció un récord en una subasta de Christie»s cuando se vendió por 25,8 millones de dólares.
Figura fundacional del movimiento de la Escuela de Nueva York de mediados de siglo, que estableció a Nueva York como el nuevo centro del mundo del arte global, la obra de Guston apareció en el famoso Ninth Street Show y en la revista de arte de vanguardia It is. A Magazine for Abstract Art. En la década de 1960, Guston había renunciado al expresionismo abstracto y ayudó a ser pionero en una forma modificada de arte representativo conocida como neoexpresionismo. Calificando el arte abstracto americano de «mentira» y «farsa», pasó a pintar en un estilo oscuro y figurativo, incluyendo dibujos satíricos de Richard Nixon» durante la guerra de Vietnam, así como varios cuadros de encapuchados del Ku Klux Klan, que Guston explicó de esta manera: «Son autorretratos… Me percibo a mí mismo detrás de la capucha… La idea del mal me fascinaba… Casi intentaba imaginar que vivía con el Klan». Las pinturas de las figuras del Ku Klux Klan iban a formar parte de una retrospectiva internacional patrocinada por la National Gallery of Art; la Tate Modern; el Museo de Bellas Artes de Houston; y el Museo de Bellas Artes de Boston en 2020, pero a finales de septiembre, los museos pospusieron conjuntamente la exposición hasta 2024 «hasta un momento en el que pensemos que el poderoso mensaje de justicia social y racial que está en el centro de la obra de Philip Guston pueda interpretarse más claramente».
El anuncio dio lugar a una carta abierta, publicada en línea por el Brooklyn Rail, y firmada por más de 2.000 artistas. En ella se critica el aplazamiento y la falta de valor de los museos para exponer o intentar interpretar la obra de Guston, así como la propia «historia de prejuicios» de los museos. Califica los temas del KKK de Guston como un catalizador oportuno para un «ajuste de cuentas» con la supremacía blanca cultural e institucional, y argumenta que por eso la exposición debe realizarse sin demora. El 28 de octubre de 2020, los museos anunciaron las fechas de la exposición a partir de 2022.
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Primeros años
Hijo de padres judíos que escaparon de la persecución emigrando a Canadá desde Odessa, Guston nació en Montreal en 1913 y se trasladó a Los Ángeles en 1919. La familia estaba al tanto de las actividades regulares del Ku Klux Klan contra los judíos y los negros, que tenían lugar en toda California. En 1923, posiblemente debido a la persecución o a la dificultad para conseguir ingresos, su padre se ahorcó en el cobertizo, y el joven encontró el cadáver.
El interés de Guston por el dibujo llevó a su madre a inscribirle en un curso por correspondencia de la Cleveland School of Cartooning. En 1927, a la edad de 14 años, Guston comenzó a pintar y se matriculó en la Escuela Superior de Artes Manuales de Los Ángeles, donde conoció a Jackson Pollock, que se convirtió en su amigo de toda la vida. Ambos estudiaron con Frederick John de St. Vrain Schwankovsky y conocieron el arte moderno europeo, la filosofía oriental, la teosofía y la literatura mística. Más tarde, ambos publicaron un artículo en el que se oponían a que el instituto diera más importancia a los deportes que al arte, lo que provocó su expulsión, aunque Pollock acabó regresando y graduándose.
Aparte de su educación secundaria y de una beca de un año en el Otis Art Institute de Los Ángeles, que le dejó insatisfecho, Guston siguió siendo un artista en gran medida autodidacta, influenciado, entre otros, por el pintor italiano Giorgio de Chirico, a quien Guston reconoció repetidamente a lo largo de su carrera. Murió en 1980 a la edad de 66 años, de un ataque al corazón, en Woodstock, Nueva York.
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Trabajo
Un activista precoz, en 1932, Guston, de 18 años, realizó un mural en interiores con el artista Reuben Kadish en un esfuerzo del Club John Reed de Los Ángeles, afiliado al comunismo, para recaudar fondos en apoyo de los acusados en el juicio de los Scottsboro Boys, nueve adolescentes negros falsamente acusados de una violación en Alabama y condenados a muerte». El mural fue entonces desfigurado por las fuerzas policiales locales, organizadas en violentos escuadrones rojos anticomunistas. El fallo judicial posterior no consideró que la policía de Los Ángeles tuviera culpa alguna, aunque se produjeron daños irreversibles en muchas obras de arte.
En 1934, Philip Goldstein (como se conocía entonces a Guston) y el artista Reuben Kadish se unieron al poeta y amigo Jules Langsner en un viaje a México, donde recibieron el encargo de pintar un mural de 93 m2 en una pared del antiguo palacio de verano del emperador Maximiliano en la capital del estado, Morelia. Realizaron la impresionante obra La lucha contra el terror, cuyos temas antifascistas estaban claramente influenciados por la obra de David Siqueiros. Una reseña de dos páginas en la revista Time citaba la descripción que Siqueiros hizo de ellos: «los pintores más prometedores de Estados Unidos o México». En México también conoció y pasó tiempo con Frida Kahlo y su marido Diego Rivera.
En 1934-35, Guston y Kadish también completaron un mural que permanece hasta hoy en el City of Hope Medical Center, un hospital para tuberculosos de la época, situado en Duarte, California.
En septiembre de 1935, con 22 años, se trasladó a Nueva York, donde trabajó como artista en el programa WPA durante la Gran Depresión. En 1937 se casó con la artista y poeta Musa McKim, a quien conoció en Otis, y colaboraron en varios murales de la WPA. Durante este periodo, su obra incluía fuertes referencias a pintores renacentistas como Piero della Francesca, Paolo Uccello, Masaccio y Giotto. También recibió la influencia de los regionalistas estadounidenses y de los pintores murales mexicanos. En 1938 pintó un mural de correos en la oficina de correos estadounidense de Commerce, Georgia, titulado Early Mail Service and the Construction of Railroads, y en 1944 realizó un mural para el edificio de la Seguridad Social en Washington, D.C.
En la década de 1950, Guston alcanzó el éxito y la fama como expresionista abstracto de primera generación, aunque él prefería el término Escuela de Nueva York. Durante este periodo, sus cuadros solían consistir en bloques y masas de trazos gestuales y marcas de color que flotaban en el plano del cuadro, como se aprecia en su cuadro Zona, 1953-1954. Estas obras, con marcas a menudo agrupadas hacia el centro de la composición, recuerdan las composiciones de «más y menos» de Piet Mondrian o los últimos lienzos de Nymphea de Monet.
Guston utilizaba una paleta relativamente limitada que favorecía el blanco y negro, los grises, los azules y los rojos. Una paleta que seguiría siendo evidente en su obra posterior, a pesar de los intentos de Guston por ampliar su paleta y reintroducir la abstracción en su obra, ya avanzada su vida, como demuestran algunas de sus obras sin título de 1980, que tienen más azules y amarillos.
En 1967, Guston se trasladó a Woodstock, Nueva York. Cada vez estaba más frustrado con la abstracción y empezó a pintar de nuevo de forma representativa, pero de manera personal y caricaturesca. «Decepcionó a muchos cuando volvió a la figuración con aplomo, pintando misteriosas imágenes en las que tazas, cabezas, caballetes y otras visiones de aspecto caricaturesco se representaban sobre fondos beige vacíos. La gente susurraba a sus espaldas: «Está loco, y esto no es arte», dijo el comisario Michael Auping. «Podría haber arruinado su reputación, y algunos dijeron que lo hizo». La primera exposición de estas nuevas pinturas figurativas se celebró en 1970 en la Galería Marlborough de Nueva York. Recibió críticas mordaces de la mayor parte de la clase artística. Cabe destacar que el crítico de arte del New York Times, Hilton Kramer, ridiculizó el nuevo estilo de Guston en un artículo titulado «A Mandarin Pretending to Be a Stumblebum», refiriéndose a «mandarín» en el sentido de figura influyente y a «stumblebum» como persona torpe. Calificó el acto de cambiar de estilo como una «ilusión» y un «artificio». La reacción inicial de Robert Hughes, crítico de la revista Time, que luego cambió de opinión, se plasmó en una crítica mordaz titulada «Ku Klux Komix».
Según la biografía de Musa Mayer sobre su padre en Night Studio, el pintor Willem de Kooning fue uno de los pocos que comprendió al instante la importancia de estos cuadros, diciéndole a Guston en su momento que eran «sobre la libertad». Cerezas III, de 1976, conservado en la colección del Museo de Arte de Honolulú, es un ejemplo de sus pinturas representativas de estilo tardío. Aunque las cerezas son un tema mundano, sus tallos puntiagudos pueden ser una metáfora de la crudeza y brutalidad de la vida moderna.
Como consecuencia de la mala acogida de su nuevo estilo figurativo, Guston se aisló aún más en Woodstock, lejos del mundo del arte que tanto había incomprendido su arte.
En 1960, en la cima de su actividad como abstraccionista, Guston dijo: «Hay algo ridículo y mezquino en el mito que heredamos del arte abstracto. Que la pintura es autónoma, pura y para sí misma, por lo que habitualmente analizamos sus ingredientes y definimos sus límites. Pero la pintura es »impura». Es el ajuste de las «impurezas» lo que obliga a su continuidad. Somos creadores de imágenes y de imágenes». A partir de 1968, tras alejarse de la abstracción, creó un léxico de imágenes como hombres del Klan, bombillas, zapatos, cigarrillos y relojes. A finales de 2009, la galería McKee, que fue marchante de Guston durante mucho tiempo, montó una exposición que revelaba ese léxico en 49 pequeños óleos sobre tabla pintados entre 1969 y 1972 que nunca se habían expuesto públicamente.
La Fundación Guston recopiló un catálogo razonado de la obra del artista en 2013, coincidiendo con el reciente interés de los estudiosos que exploraron los períodos que pasó en Italia.
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Afiliaciones académicas
Guston fue conferenciante y profesor en varias universidades, y fue artista residente en la Escuela de Arte e Historia del Arte de la Universidad de Iowa de 1941 a 1945. A continuación, fue artista residente en la Escuela de Bellas Artes de San Luis, en la Universidad de Washington, Missouri, hasta 1947. Continuó con su labor docente en la Universidad de Nueva York y en el Instituto Pratt de Brooklyn y, de 1973 a 1978, dirigió un seminario mensual de posgrado en la Universidad de Boston.
Entre los alumnos de Guston había dos graduados de la Universidad de Iowa, los pintores Stephen Greene (1917-1999) y Fridtjof Schroder (1917-1990), así como Ken Kerslake (1930-2007), que asistió al Pratt Institute. Rosemary Zwick fue estudiante en Iowa. Entre los que asistieron a sus seminarios de posgrado en la Universidad de Boston se encuentran el pintor Gary Komarin (1951-) y la artista de nuevos medios Christina McPhee (1954-).
También fue elegido póstumamente miembro de la Academia Nacional de Diseño como Académico Asociado.
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Polémica en 2020
En el otoño de 2020, Philip Guston Now, una retrospectiva itinerante de la obra de Guston planificada desde hace tiempo, que incluía 24 de los cuadros del Ku Klux Klan, fue pospuesta hasta 2024 por las cuatro instituciones patrocinadoras de la muestra itinerante: la National Gallery of Art; la Tate Modern; el Museum of Fine Arts, Houston; y el Museum of Fine Arts, Boston. En un comunicado de prensa conjunto emitido por los museos, escribieron: «El movimiento por la justicia racial que comenzó en Estados Unidos y se irradió a países de todo el mundo, además de los desafíos de una crisis sanitaria mundial, nos han llevado a hacer una pausa», explicando que la gira internacional ya reprogramada a causa del coronavirus era mejor retrasarla «hasta un momento en el que pensemos que el poderoso mensaje de justicia social y racial… pueda ser interpretado más claramente». La respuesta del público provocó un «diluvio de críticas desde dentro del mundo del arte», así como importantes artículos en New York Magazine, New York Times, CNN, Artforum, Tablet y Wall Street Journal, entre otras publicaciones.
La respuesta más mordaz fue colectiva, y se organizó en una carta abierta, publicada en línea por el Brooklyn Rail. La carta incluía una «lista de firmantes que parece una lista de los artistas estadounidenses más consumados: viejos y jóvenes, blancos y negros, locales y expatriados, pintores y otros», entre los que se encuentran Matthew Barney, Nicole Eisenman, Charles Gaines, Ellen Gallagher, Wade Guyton, Rachel Harrison, Joan Jonas, Julie Mehretu, Adrian Piper, Pope.L, Martin Puryear, Amy Sillman, Lorna Simpson, Henry Taylor y Christopher Williams». Criticando fuertemente la falta de coraje de los museos para exponer la obra, intentar interpretarla o aceptar la propia «historia de prejuicios» de las instituciones, los firmantes describieron unánimemente la exposición como un oportuno impulso para un «ajuste de cuentas», escribiendo que por eso debe seguir adelante según lo previsto. Hasta el 3 de octubre de 2020, más de 2.000 artistas habían firmado la carta, pero los organizadores de la exposición no respondieron hasta que reprogramaron la exposición para fechas a partir de 2022.
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Cultura popular
En «Cat and Girl versus Contemporary Art», parte de la serie de webcomics Cat and Girl, la autora Dorothy Gambrell critica la dificultad y el propósito de encontrar el significado detrás del arte utilizando el icónico cuadro Head and Bottle de Guston.
En mayo de 2013, Christie»s estableció un récord de subasta para la obra To Fellini del artista, que se vendió por 25,8 millones de dólares.
Fuentes
