Roy Lichtenstein
gigatos | enero 1, 2022
Resumen
Roy Fox Lichtenstein (27 de octubre de 1923 – 29 de septiembre de 1997) fue un artista pop estadounidense. Durante la década de 1960, junto con Andy Warhol, Jasper Johns y James Rosenquist, entre otros, se convirtió en una figura destacada del nuevo movimiento artístico. Su obra definió la premisa del arte pop a través de la parodia. Inspirado en el cómic, Lichtenstein produjo composiciones precisas que documentaban a la vez que parodiaban, a menudo de forma irónica. Su obra estaba influida por la publicidad popular y el estilo del cómic. Su obra se consideraba «disruptiva». Describió el arte pop como «no una pintura »americana», sino una pintura industrial». Sus cuadros se expusieron en la Galería Leo Castelli de Nueva York.
Whaam! y Drowning Girl se consideran generalmente las obras más famosas de Lichtenstein. Drowning Girl, Whaam! y Look Mickey se consideran sus obras más influyentes. Su obra más cara es Masterpiece, que se vendió por 165 millones de dólares en enero de 2017.
Lichtenstein era judío, aunque «restaba importancia a sus raíces» y «no hablaba a menudo de ser judío». Su padre, Milton, era agente inmobiliario y su madre, Beatrice (Werner), ama de casa. Se crió en el Upper West Side de Nueva York y asistió a la escuela pública hasta los doce años. Después asistió a la Dwight School de Nueva York, donde se graduó en 1940. Lichtenstein empezó a interesarse por el arte y el diseño como afición, a través de la escuela. Era un ávido aficionado al jazz y solía asistir a los conciertos del Teatro Apollo de Harlem. A menudo dibujaba retratos de los músicos tocando sus instrumentos. En su último año de instituto, 1939, Lichtenstein se matriculó en clases de verano en la Art Students League de Nueva York, donde trabajó bajo la tutela de Reginald Marsh.
Lichtenstein dejó entonces Nueva York para estudiar en la Universidad Estatal de Ohio, que ofrecía cursos de estudio y una licenciatura en Bellas Artes. Sus estudios se vieron interrumpidos por un periodo de tres años en el ejército durante y después de la Segunda Guerra Mundial, entre 1943 y 1946. Tras participar en programas de formación en idiomas, ingeniería y pilotaje, todos ellos cancelados, sirvió como ordenanza, dibujante y artista.
Lichtenstein regresó a casa para visitar a su padre moribundo y fue licenciado del Ejército con derecho a la G.I. Bill. Volvió a estudiar en Ohio bajo la supervisión de uno de sus profesores, Hoyt L. Sherman, que se considera que tuvo un impacto significativo en su obra futura (Lichtenstein nombraría más tarde un nuevo estudio que financió en la OSU como Hoyt L. Sherman Studio Art Center).
Lichtenstein ingresó en el programa de posgrado de la Universidad Estatal de Ohio y fue contratado como profesor de arte, puesto que ocupó de forma intermitente durante los diez años siguientes. En 1949, Lichtenstein obtuvo un máster en Bellas Artes por la Universidad Estatal de Ohio.
En 1951, Lichtenstein expuso por primera vez en solitario en la Carlebach Gallery de Nueva York. Ese mismo año se trasladó a Cleveland, donde permaneció seis años, aunque viajaba con frecuencia a Nueva York. Durante este tiempo realizó trabajos tan variados como dibujante o decorador de ventanas entre los periodos de pintura. Su obra en esta época fluctúa entre el cubismo y el expresionismo. En 1954 nació su primer hijo, David Hoyt Lichtenstein, actualmente compositor. Su segundo hijo, Mitchell Lichtenstein, nació en 1956.
En 1957, se trasladó de nuevo al norte del estado de Nueva York y comenzó a dar clases de nuevo. Fue en esta época cuando adoptó el estilo del Expresionismo Abstracto, siendo un converso tardío a este estilo de pintura. En 1958, Lichtenstein comenzó a dar clases en la Universidad Estatal de Nueva York en Oswego. Por esta época, empezó a incorporar a sus obras abstractas imágenes ocultas de personajes de dibujos animados como Mickey Mouse y Bugs Bunny.
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Ascenso a la fama
En 1960 empezó a dar clases en la Universidad de Rutgers, donde recibió una gran influencia de Allan Kaprow, que también era profesor en la universidad. En 1961, Lichtenstein comenzó a pintar sus primeros cuadros pop utilizando imágenes de dibujos animados y técnicas derivadas de la apariencia de la impresión comercial. Esta fase continuaría hasta 1965, e incluía el uso de imágenes publicitarias que sugerían el consumismo y las tareas domésticas.Su primera obra en la que se utilizaron figuras de bordes duros y puntos Ben-Day a gran escala fue Look Mickey (1961, National Gallery of Art, Washington, D.C.). Esta obra surgió de un reto de uno de sus hijos, que señaló un cómic de Mickey Mouse y dijo: «Apuesto a que no puedes pintar tan bien como eso, ¿eh, papá?». Ese mismo año realizó otras seis obras con personajes reconocibles de envoltorios de chicles y dibujos animados.
En 1961, Leo Castelli empezó a exponer la obra de Lichtenstein en su galería de Nueva York. Lichtenstein realizó su primera exposición individual en la galería Castelli en 1962; toda la colección fue adquirida por influyentes coleccionistas antes incluso de que se inaugurara la muestra. Un grupo de pinturas realizadas entre 1961 y 1962 se centraban en objetos domésticos solitarios, como zapatillas de deporte, perritos calientes y pelotas de golf. En septiembre de 1963 pidió una excedencia en su puesto de profesor en el Douglass College de Rutgers.
Sus obras se inspiraban en los cómics con historias bélicas y románticas. «En aquella época», relató más tarde Lichtenstein, «me interesaba cualquier cosa que pudiera utilizar como tema que fuera emocionalmente fuerte: normalmente el amor, la guerra o algo que tuviera una gran carga emocional para que fuera opuesto a las técnicas de pintura removidas y deliberadas».
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Periodo de mayor visibilidad de Lichtenstein
Fue en esta época cuando Lichtenstein empezó a encontrar la fama no sólo en Estados Unidos, sino en todo el mundo. Se trasladó a Nueva York para estar en el centro de la escena artística y renunció a la Universidad de Rutgers en 1964 para concentrarse en su pintura. Lichtenstein utilizó óleo y pintura Magna (los primeros acrílicos) en sus obras más conocidas, como Drowning Girl (1963), que se apropió de la historia principal del número 83 de Secret Hearts de DC Comics. (Drowning Girl también presenta contornos gruesos, colores llamativos y puntos Ben-Day, como si fueran creados mediante reproducción fotográfica. De su propia obra, Lichtenstein diría que los expresionistas abstractos «ponían las cosas en el lienzo y respondían a lo que habían hecho, a las posiciones del color y a los tamaños. Mi estilo es completamente diferente, pero la naturaleza de la colocación de las líneas es más o menos la misma; sólo que las mías no parecen caligráficas, como las de Pollock o Kline».
Más que intentar reproducir sus temas, la obra de Lichtenstein aborda la forma en que los medios de comunicación los retratan. Sin embargo, nunca se tomaba a sí mismo demasiado en serio, diciendo: «Creo que mi trabajo es diferente de los cómics, pero no lo llamaría transformación; no creo que lo que se quiera decir con ello sea importante para el arte». Cuando la obra de Lichtenstein se expuso por primera vez, muchos críticos de arte de la época cuestionaron su originalidad. Su obra fue duramente criticada como vulgar y vacía. El título de un artículo de la revista Life en 1964 preguntaba: «¿Es el peor artista de Estados Unidos?». Lichtenstein respondió a tales afirmaciones con respuestas como la siguiente: «Cuanto más se acerca mi obra al original, más amenazante y crítico es su contenido. Sin embargo, mi obra se transforma por completo en el sentido de que mi propósito y mi percepción son totalmente diferentes. Creo que mis cuadros se transforman críticamente, pero sería difícil demostrarlo con cualquier línea de argumentación racional». En una entrevista con April Bernard y Mimi Thompson en 1986, habló de la experiencia de esta dura crítica. Sugiriendo que a veces era difícil ser criticado, Lichtenstein dijo: «No dudo cuando estoy pintando realmente, es la crítica la que te hace dudar, lo hace».
¡Su imagen más célebre es sin duda Whaam! (1963, Tate Modern, Londres), uno de los primeros ejemplos conocidos de arte pop, adaptado de un panel de cómic dibujado por Irv Novick en un número de 1962 de All-American Men of War de DC Comics. El cuadro representa un avión de combate que dispara un cohete contra un avión enemigo, con una explosión roja y amarilla. El estilo de dibujos animados se ve realzado por el uso de la letra onomatopéyica «¡Whaam!» y la leyenda en el recuadro «Pulsé el control de disparo… y delante de mí los cohetes surcaron el cielo…». Este díptico es de gran escala, ya que mide 1,7 x 4,0 m (5 pies 7 pulgadas x 13 pies 4 pulgadas). Whaam sigue los temas basados en cómics de algunos de sus cuadros anteriores y forma parte de un conjunto de obras de temática bélica creadas entre 1962 y 1964. Es uno de sus dos grandes cuadros de temática bélica más destacados. Fue adquirida por la Tate Gallery en 1966, después de haber sido expuesta en la Galería Leo Castelli en 1963, y (ahora en la Tate Modern) ha permanecido en su colección desde entonces. En 1968, el empresario de Darmstadt Karl Ströher adquirió varias obras importantes de Lichtenstein, como Nurse (1964), Compositions I (1964), We rose up slowly (1964) y Yellow and Green Brushstrokes (1966). Después de estar en préstamo en el Hessiches Landesmuseum de Darmstadt durante varios años, el director fundador del Museum für Moderne Kunst de Frankfurt, Peter Iden, pudo adquirir en 1981 un total de 87 obras, principalmente de Pop Art americano y Minimal Art para el museo en construcción hasta 1991.
Lichtenstein comenzó a experimentar con la escultura en torno a 1964, demostrando una habilidad para la forma que estaba en desacuerdo con la insistente planitud de sus pinturas. Para Cabeza de chica (1964) y Cabeza con sombra roja (1965), colaboró con un ceramista que esculpió la forma de la cabeza en arcilla. A continuación, Lichtenstein aplicó un esmalte para crear el mismo tipo de motivos gráficos que utilizaba en sus cuadros; la aplicación de líneas negras y puntos Ben-Day a los objetos tridimensionales dio lugar a un aplanamiento de la forma.
La mayoría de las obras más conocidas de Lichtenstein son copias relativamente fieles, pero no exactas, de paneles de cómics, tema que abandonó en gran medida en 1965, aunque ocasionalmente incorporaría los cómics a su obra de diferentes maneras en décadas posteriores. Estos paneles fueron dibujados originalmente por artistas del mundo del cómic como Jack Kirby y los artistas de DC Comics Russ Heath, Tony Abruzzo, Irv Novick y Jerry Grandenetti, que rara vez recibieron crédito alguno. Jack Cowart, director ejecutivo de la Fundación Lichtenstein, rechaza la idea de que Lichtenstein fuera un copista, diciendo: «La obra de Roy era una maravilla de las fórmulas gráficas y la codificación del sentimiento que habían elaborado otros. Los paneles cambiaban de escala, de color, de tratamiento y de implicaciones. No hay una copia exacta». han criticado el uso que hace Lichtenstein de la imaginería y las obras de arte de los cómics, especialmente en la medida en que ese uso se ha visto como un respaldo a una visión condescendiente del cómic por parte de la corriente artística; el dibujante Art Spiegelman comentó que «Lichtenstein no hizo ni más ni menos por los cómics que Andy Warhol por la sopa».
Las obras de Lichtenstein basadas en paneles ampliados de cómics generaron un amplio debate sobre sus méritos como arte. El propio Lichtenstein admitió: «Estoy copiando nominalmente, pero en realidad estoy replanteando lo copiado en otros términos. Al hacerlo, el original adquiere una textura totalmente diferente. No son pinceladas gruesas o finas, son puntos y colores planos y líneas inflexibles». Eddie Campbell escribió en su blog que «Lichtenstein tomó un cuadro minúsculo, más pequeño que la palma de la mano, impreso con tintas de cuatro colores en papel de periódico y lo amplió al tamaño convencional al que se hace y se expone el «arte» y lo terminó en pintura sobre lienzo». Con respecto a Lichtenstein, Bill Griffith dijo una vez: «Hay arte elevado y hay arte bajo. Y luego está el arte elevado que puede tomar el arte bajo, llevarlo a un contexto de arte elevado, apropiárselo y elevarlo a algo más».
Aunque la obra de Lichtenstein basada en el cómic obtuvo cierta aceptación, los críticos siguen expresando su preocupación por el hecho de que Lichtenstein no acreditó, ni pagó derechos de autor, ni pidió permiso a los artistas originales o a los titulares de los derechos de autor. En una entrevista para un documental de la BBC Four en 2013, Alastair Sooke preguntó al dibujante de cómics Dave Gibbons si consideraba a Lichtenstein un plagiador. Gibbons respondió: «Yo diría »imitador». En la música, por ejemplo, no se puede silbar la melodía de otro o interpretar la melodía de otro, por muy mal que esté, sin acreditar y pagar de alguna manera al artista original. Es decir, esto es »WHAAM! by Roy Lichtenstein, after Irv Novick»». El propio Sooke sostiene que «Lichtenstein transformó la obra de Novick de una serie de maneras sutiles pero cruciales».
El fundador de la revista, profesor de la City University London y doctor del University College London, Ernesto Priego, señala que el hecho de que Lichtenstein no diera crédito a los creadores originales de sus obras de cómic fue un reflejo de la decisión de National Periodical Publications, predecesora de DC Comics, de omitir todo crédito a sus escritores y artistas:
Además de encarnar el prejuicio cultural contra los cómics como vehículos de arte, ejemplos como la apropiación del vocabulario del cómic por parte de Lichtenstein ponen de manifiesto la importancia de tener en cuenta el formato de la publicación a la hora de definir el cómic, así como la economía política que implican determinados tipos de publicaciones históricas, en este caso el cómic mainstream estadounidense. ¿Hasta qué punto fue responsable National Periodical Publications (más tarde DC) del rechazo de las funciones de Kanigher y Novick como artistas por derecho propio al no concederles pleno crédito de autoría en la propia publicación?»
Además, Campbell señala que hubo una época en la que los artistas del cómic solían rechazar la atribución de su trabajo.
En un relato publicado en 1998, Novick dijo que había conocido a Lichtenstein en el ejército en 1947 y que, como su oficial superior, había respondido a las llorosas quejas de Lichtenstein sobre las tareas serviles que se le asignaban recomendándole un trabajo mejor. Jean-Paul Gabilliet ha cuestionado este relato, diciendo que Lichtenstein había dejado el ejército un año antes del momento en que Novick dice que tuvo lugar el incidente. Bart Beaty, señalando que Lichtenstein se había apropiado de Novick para obras como Whaam! y Okay Hot-Shot, Okay!, dice que la historia de Novick «parece un intento de disminuir personalmente» al artista más famoso.
En 1966, Lichtenstein dejó de lado sus famosas imágenes de principios de la década de 1960 y comenzó su serie Modern Paintings, que incluye más de 60 pinturas y dibujos. Utilizando sus característicos puntos Ben-Day y formas y líneas geométricas, creó imágenes incongruentes y desafiantes a partir de estructuras arquitectónicas familiares, patrones tomados del Art Déco y otros motivos sutilmente evocadores, a menudo secuenciales. La serie Modern Sculpture (Escultura Moderna) de 1967-8 hacía referencia a motivos de la arquitectura Art Déco.
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Trabajo posterior
A principios de la década de 1960, Lichtenstein reprodujo obras maestras de Cézanne, Mondrian y Picasso antes de embarcarse en la serie Pinceladas en 1965. Lichtenstein continuó retomando este tema más adelante en su carrera con obras como Dormitorio en Arles, que deriva del Dormitorio en Arles de Vincent van Gogh.
En 1970, Lichtenstein recibió el encargo del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (dentro de su programa de Arte y Tecnología desarrollado entre 1967 y 1971) de realizar una película. Con la ayuda de Universal Film Studios, el artista concibió y produjo Tres paisajes, una película de paisajes marinos, directamente relacionada con una serie de collages con temas paisajísticos que creó entre 1964 y 1966. Aunque Lichtenstein había planeado producir 15 cortometrajes, la instalación de tres pantallas -realizada con el cineasta independiente neoyorquino Joel Freedman- resultó ser la única incursión del artista en este medio.
También en 1970, Lichtenstein compró una antigua casa de carruajes en Southampton, Long Island, construyó un estudio en la propiedad y pasó el resto de la década de 1970 en relativa reclusión. En las décadas de 1970 y 1980, su estilo comenzó a aflojarse y amplió lo que había hecho antes. En 1969, Lichtenstein comenzó una serie de cuadros de espejos. En 1970, mientras continuaba con la serie de Espejos, empezó a trabajar en el tema de los entablamentos. Los entablados consistieron en una primera serie de pinturas de 1971 a 1972, seguida de una segunda serie en 1974-76, y la publicación de una serie de grabados en relieve en 1976. Produjo una serie de «Estudios de artistas» que incorporaban elementos de su obra anterior. Un ejemplo notable es Artist»s Studio, Look Mickey (1973, Walker Art Center, Minneapolis), que incorpora otras cinco obras anteriores, encajadas en la escena.
Durante un viaje a Los Ángeles en 1978, Lichtenstein quedó fascinado por la colección de grabados y libros ilustrados del expresionismo alemán del abogado Robert Rifkind. Comenzó a producir obras que tomaban prestados elementos estilísticos de las pinturas expresionistas. El árbol blanco (1980) evoca los paisajes líricos de Der Blaue Reiter, mientras que Dr. Waldmann (1980) recuerda a Dr. Mayer-Hermann (1926) de Otto Dix. Los pequeños dibujos a lápiz de color se utilizaban como plantillas para grabados en madera, un medio que gustaba a Emil Nolde y Max Pechstein, así como a Dix y Ernst Ludwig Kirchner. También a finales de la década de 1970, el estilo de Lichtenstein fue sustituido por obras más surrealistas, como Pow Wow (1979, Ludwig Forum für Internationale Kunst, Aquisgrán). Una importante serie de pinturas surrealistas-pop de 1979 a 1981 está basada en temas de los nativos americanos. Estas obras van desde Amerind Figure (1981), una escultura estilizada de tamaño natural que recuerda a un tótem aerodinámico de bronce patinado en negro, hasta el monumental tapiz de lana Amerind Landscape (1979). Las obras «indias» tomaron sus temas, al igual que las otras partes de la serie surrealista, del arte contemporáneo y de otras fuentes, incluidos los libros sobre diseño indio americano de la pequeña biblioteca de Lichtenstein.
Las pinturas, esculturas y dibujos de Lichtenstein sobre naturalezas muertas, que abarcan desde 1972 hasta principios de la década de 1980, cubren una gran variedad de motivos y temas, incluidos los más tradicionales como la fruta, las flores y los jarrones. En 1983, Lichtenstein realizó dos carteles contra el apartheid, titulados simplemente «Contra el apartheid». En su serie Reflection, realizada entre 1988 y 1990, Lichtenstein reutilizó sus propios motivos de obras anteriores. Interiores (1991-1992) es una serie de obras que representan ambientes domésticos banales inspirados en los anuncios de muebles que el artista encontraba en las guías telefónicas o en las vallas publicitarias. Inspirándose en los grabados monocromáticos de Edgar Degas presentados en una exposición de 1994 en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, los motivos de su serie Paisajes al estilo chino están formados por puntos Benday simulados y contornos de bloques, representados en colores duros y vivos, sin ningún rastro de la mano. El desnudo es un elemento recurrente en la obra de Lichtenstein de la década de 1990, como en Collage para desnudo con camisa roja (1995).
Además de pinturas y esculturas, Lichtenstein también realizó más de 300 grabados, la mayoría en serigrafía.
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Comisiones
En 1969, Gunter Sachs encargó a Lichtenstein la creación de Composition y Leda and the Swan, para la suite de la habitación del coleccionista de arte pop en el Hotel Palace de St. A finales de la década de 1970 y durante la década de 1980, Lichtenstein recibió importantes encargos de obras en lugares públicos: las esculturas Lamp (la de 26 pies de altura Brushstrokes in Flight (el Mural con pincelada azul, de cinco pisos de altura) y El Cap de Barcelona (1992) en Barcelona. En 1994, Lichtenstein creó el Mural de Times Square, de 53 pies de largo y esmaltado sobre metal, en la estación de metro de Times Square. En 1977, BMW le encargó que pintara una versión de carreras del Grupo 5 del BMW 320i para la tercera entrega del proyecto BMW Art Car. El logotipo de DreamWorks Records fue su último proyecto realizado. «No estoy en el negocio de hacer algo así (un logotipo corporativo) y no tengo intención de volver a hacerlo», permite Lichtenstein. «Pero conozco a Mo Ostin y a David Geffen y me pareció interesante».
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Reconocimiento
Lichtenstein recibió numerosos doctorados honoríficos, entre otros, de la Universidad George Washington (1996), el Bard College, el Royal College of Art (1993), la Universidad Estatal de Ohio (1987), el Southampton College (1980) y el Instituto de las Artes de California (1977). También formó parte del consejo de la Academia de Música de Brooklyn.
En 1949, Lichtenstein se casó con Isabel Wilson, que anteriormente había estado casada con el artista de Ohio Michael Sarisky. Sin embargo, los brutales inviernos del norte del estado hicieron mella en Lichtenstein y su esposa, después de que él comenzara a dar clases en la Universidad Estatal de Nueva York en Oswego en 1958. La pareja vendió la casa familiar en Highland Park, Nueva Jersey, en 1963 y se divorció en 1965.
Lichtenstein se casó con su segunda esposa, Dorothy Herzka, en 1968. En 1966, alquilaron una casa en Southampton, Nueva York, que Larry Rivers había comprado a la vuelta de su propia casa. Tres años después, compraron una casa de carruajes de 1910 frente al océano en Gin Lane. Desde 1970 hasta su muerte, Lichtenstein dividió su tiempo entre Manhattan y Southampton. También tenía una casa en la isla de Captiva.
En 1991, Lichtenstein comenzó un romance con la cantante Erica Wexler, que se convirtió en la musa de su serie Nudes (Desnudos), incluyendo el «Nudes with Beach Ball» de 1994. Ella tenía 22 años y él 68. El romance duró hasta 1994 y terminó cuando Wexler se fue a Inglaterra con su futuro marido Andy Partridge de XTC. Según Wexler, Lichtenstein y su esposa Dorothy se entendían y ambos tenían otras personas importantes además de su matrimonio.
Lichtenstein falleció de neumonía el 29 de septiembre de 1997 en el Centro Médico de la Universidad de Nueva York, donde había sido hospitalizado durante varias semanas, cuatro semanas antes de cumplir 74 años. Le sobreviven su segunda esposa, Dorothy Herzka, y sus hijos, David y Mitchell, de su primer matrimonio.
El arte pop sigue influyendo en el siglo XXI. Lichtenstein y Andy Warhol fueron utilizados en la gira PopMart de U2 en 1997, 1998 y en una exposición en 2007 en la National Portrait Gallery británica.
Entre otras muchas obras de arte perdidas en los atentados del World Trade Center del 11 de septiembre de 2001, un cuadro de la serie El Entablado de Lichtenstein fue destruido en el incendio posterior.
Su obra Crying Girl fue una de las obras de arte que cobraron vida en Night at the Museum: La batalla del Smithsonian.
En 1964, Lichtenstein se convirtió en el primer estadounidense en exponer en la Tate Gallery de Londres, con motivo de la muestra «»54-»64: Pintura y escultura de una década». En 1967, su primera exposición retrospectiva en un museo se celebró en el Pasadena Art Museum de California. Ese mismo año, su primera exposición individual en Europa se celebró en museos de Ámsterdam, Londres, Berna y Hannover. Posteriormente, Lichtenstein participó en las documentas IV (1968) y VI (1977). Lichtenstein tuvo su primera retrospectiva en el Museo Guggenheim en 1969, organizada por Diane Waldman. El Guggenheim presentó una segunda retrospectiva de Lichtenstein en 1994. Lichtenstein se convirtió en el primer artista vivo en realizar una exposición individual de dibujos en el Museo de Arte Moderno entre marzo y junio de 1987. Entre las retrospectivas más recientes se encuentran «All About Art», 2003, en el Museo de Arte Moderno de Luisiana, Dinamarca (que viajó a la Hayward Gallery, Londres, al Museo Reina Sofía, Madrid, y al Museo de Arte Moderno de San Francisco, hasta 2005); y «Classic of the New», Kunsthaus Bregenz (2005), «Roy Lichtenstein: Meditations on Art» Museo Triennale, Milán (2010, viajó al Museum Ludwig, Colonia). A finales de 2010, The Morgan Library & Museum expuso Roy Lichtenstein: The Black-and-White Drawings, 1961-1968. Otra gran retrospectiva se inauguró en el Art Institute of Chicago en mayo de 2012, antes de ir a la National Gallery of Art de Washington, la Tate Modern de Londres y el Centre Pompidou de París en 2013. 2013: Roy Lichtenstein, en Olyvia Fine Art. 2014: Roy Lichtenstein: Esculturas íntimas, The FLAG Art Foundation. Roy Lichtenstein: Opera Prima, Galería Cívica de Arte Moderno y Contemporáneo, Turín. 2018: Exposición en The Tate Liverpool, Merseyside, Reino Unido.
En 1996, la National Gallery of Art de Washington, D.C. se convirtió en el mayor depósito de obras del artista cuando Lichtenstein donó 154 grabados y 2 libros. El Instituto de Arte de Chicago cuenta con varias obras importantes de Lichtenstein en su colección permanente, como Brushstroke with Spatter (1966) y Mirror No. 3 (Six Panels) (1971). Los fondos personales de la viuda de Lichtenstein, Dorothy Lichtenstein, y de la Fundación Roy Lichtenstein se cuentan por cientos. En Europa, el Museum Ludwig de Colonia posee uno de los fondos más completos de Lichtenstein con Takka Takka (1962), Nurse (1964), Compositions I (1964), además del Museum für Moderne Kunst de Frankfurt con We rose up slowly (1964) y Yellow and Green Brushstrokes (1966). Fuera de Estados Unidos y Europa, la Colección Kenneth Tyler de la Galería Nacional de Australia cuenta con amplios fondos de grabados de Lichtenstein, que superan las 300 obras. En total, se cree que hay unas 4.500 obras en circulación.
Tras la muerte del artista en 1997, se creó la Fundación Roy Lichtenstein en 1999. En 2011, el consejo de administración de la fundación decidió que los beneficios de la autentificación eran mayores que los riesgos de las prolongadas demandas judiciales.
A finales de 2006, la Fundación envió una tarjeta navideña con una imagen de Cordón eléctrico (1961), un cuadro que había desaparecido desde 1970 tras ser enviado al restaurador de arte Daniel Goldreyer por la Galería Leo Castelli. La tarjeta instaba al público a comunicar cualquier información sobre su paradero. En 2012, la fundación autentificó la pieza cuando apareció en un almacén de Nueva York.
Entre 2008 y 2012, tras la muerte del fotógrafo Harry Shunk en 2006, la Fundación Lichtenstein adquirió la colección de material fotográfico realizado por Shunk y su János Kender, así como los derechos de autor de los fotógrafos. En 2013, la fundación donó el tesoro de Shunk-Kender a cinco instituciones -el Instituto de Investigación Getty de Los Ángeles; el Museo de Arte Moderno de Nueva York; la Galería Nacional de Arte de Washington; el Centro Pompidou de París; y la Tate de Londres- que permitirán a cada museo acceder a la parte de los demás.
Desde los años 50, la obra de Lichtenstein se ha expuesto en Nueva York y en otros lugares con Leo Castelli en su galería y en Castelli Graphics, así como con Ileana Sonnabend en su galería de París, y en la Ferus Gallery, Pace Gallery, Gagosian Gallery, Mitchell-Innes & Nash, Mary Boone, Brooke Alexander Gallery, Carlebach, Rosa Esman, Marilyn Pearl, James Goodman, John Heller, Blum Helman, Hirschl & Adler, Phyllis Kind, Getler Pall, Condon Riley, 65 Thompson Street, Holly Solomon y Sperone Westwater Galleries, entre otras. La Galería Leo Castelli representó a Lichtenstein en exclusiva desde 1962, cuando una exposición individual del artista se agotó antes de su inauguración.
A partir de 1962, la Leo Castelli Gallery de Nueva York organizó exposiciones periódicas de la obra del artista. La Galería Gagosian expone obras de Lichtenstein desde 1996.
Big Painting No. 6 (1965) se convirtió en la obra de Lichtenstein más cotizada en 1970. Al igual que toda la serie Brushstrokes, el tema del cuadro es el proceso de la pintura expresionista abstracta a través de amplias pinceladas y goteos, pero el resultado de la simplificación de Lichtenstein que utiliza un fondo de puntos Ben-Day es una representación de la reproducción mecánica-industrial del color.
El cuadro de Lichtenstein Torpedo … ¡Los! (1963) se vendió en Christie»s por 5,5 millones de dólares, una suma récord en aquel momento, lo que le convierte en uno de los tres únicos artistas vivos que han atraído esas enormes sumas. En 2005, «En el coche» se vendió por la cifra récord de 16,2 millones de dólares (10 millones de libras).
En 2010, su cuadro Ohhh… Alright… de 1964, que había sido propiedad de Steve Martin y más tarde de Steve Wynn, se vendió por la cifra récord de 42,6 millones de dólares (26,7 millones de libras) en una venta de Christie»s en Nueva York.
¡Basado en un dibujo de 1961 de William Overgard para una historia de dibujos animados de Steve Roper, I Can See the Whole Room…and There»s Nobody in It! (1961) representa a un hombre que mira a través de un agujero en una puerta. Fue vendido por la coleccionista Courtney Sale Ross por 43 millones de dólares, el doble de su estimación, en Christie»s de Nueva York en 2011; el marido de la vendedora, Steve Ross, lo había adquirido en una subasta en 1988 por 2,1 millones de dólares. El cuadro mide metro y medio por metro y está realizado en grafito y óleo.
El cuadro cómico Sleeping Girl (1964) de la colección de Beatrice y Phillip Gersh estableció un nuevo récord de Lichtenstein de 44,8 millones de dólares en Sotheby»s en 2012.
En octubre de 2012, su cuadro Cordón eléctrico (1962) fue devuelto a la viuda de Leo Castelli, Barbara Bertozzi Castelli, tras haber estado desaparecido durante 42 años. Castelli había enviado el cuadro a un restaurador de arte para su limpieza en enero de 1970, y nunca lo recuperó. Murió en 1999. En 2006, la Fundación Roy Lichtenstein publicó una imagen del cuadro en su tarjeta de felicitación navideña y pidió a la comunidad artística que ayudara a encontrarlo. El cuadro se encontró en un almacén de Nueva York, después de haber estado expuesto en Bogotá, Colombia.
En 2013, el cuadro Mujer con sombrero floreado batió otro récord con 56,1 millones de dólares al ser adquirido por el joyero británico Laurence Graff al inversor estadounidense Ronald O. Perelman.
Esta cifra fue superada en 2015 por la venta de Nurse por 95,4 millones de dólares en una subasta de Christie»s.
En enero de 2017, Masterpiece se vendió por 165 millones de dólares. El producto de esta venta se utilizará para crear un fondo para la reforma de la justicia penal.
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Bibliografía
Biográfica:
Obras:
Otros:
Fuentes
