Giorgio de Chirico
gigatos | enero 4, 2022
Resumen
Giorgio de Chirico, más correctamente Giorgio de Chirico (italiano: Giorgio de Chirico, 10 de julio de 1888 – 20 de noviembre de 1978) fue un pintor, escritor y escultor italiano, conocido por ser uno de los artistas que dieron forma al género de la pintura metafísica (Pittura metafisica) y por su influencia en movimientos artísticos del siglo XX como el surrealismo y la Neue Sachlichkeit.
Sus cuadros se rigen por elementos visionarios y poéticos, al tiempo que se caracterizan por el particular énfasis de De Chirico en las composiciones enigmáticas y la ambigüedad de los objetos. El estilo neoclásico que adoptó después de 1919, al igual que casi toda su obra después de su periodo de Pintura Metafísica, fue considerado por muchos críticos como inferior, pero su producción durante el periodo 1911-19 es reconocida por la mayoría de ellos como importante y distintiva en la historia del arte moderno.
De Chirico nació en Volos y fue el hijo mayor de Evaristo y Gemma de Chirico. Sus antepasados eran descendientes de italianos que se asentaron y habitaron el Mediterráneo oriental hace varias generaciones. Su padre trabajó como ingeniero y supervisó la construcción de la red ferroviaria de Tesalia en 1881, mientras que su madre era una antigua cantante de ópera. Su familia se instaló definitivamente en Grecia en 1897, nueve años después de su nacimiento. Su hermano, Andrea Alberto, también hizo carrera en la pintura y la literatura, utilizando el seudónimo de Alberto Savinho desde 1914. El entorno y la cultura griegos en los que creció De Chirico fueron una fuente de inspiración para él. En un texto autobiográfico, describió su infancia con referencia a la antigua mitología griega y, en particular, al mito de la expedición de los argonautas que partió de Volos, escribiendo: «pasó los primeros años de su vida en la tierra del clasicismo, jugando en las orillas que vieron a Argo iniciar su viaje, al pie de la montaña que vio nacer al gorgopoderoso Aquiles y las sabias admoniciones de su maestro, el centauro». Evaristo de Chirico quería que su hijo siguiera la profesión de ingeniero, pero finalmente fomentó los intereses artísticos de sus hijos y confió su educación a tutores privados. El primer maestro de De Chirico fue un joven pintor griego de Trieste, llamado Maurudis. Más tarde, en el periodo 1903-5, estudió en la Escuela de Bellas Artes de Atenas, bajo la tutela de Georgios Roilos, Konstantinos Volonakis y George Iakovidis. En mayo de 1905 falleció su padre, hecho probablemente relacionado con su fracaso en los exámenes finales de la escuela ese mismo año.
En otoño de 1906 se instaló con su madre y su hermano en Múnich, donde comenzó a estudiar en la Real Academia de Bellas Artes, realizando cursos de dibujo y pintura. Dejó la Academia antes de terminar sus estudios y en el verano de 1909 se instaló en Milán. Por esa misma época entró en estrecho contacto con la obra de Friedrich Nietzsche, que tuvo un efecto catalizador en su desarrollo y en la formación de su estilo. En 1910 pintó El enigma de una tarde de otoño (c. 1910, colección privada), un cuadro que a menudo se describe como el primer ejemplo de pintura metafísica. Se distingue por su atmósfera intensamente enigmática, al tiempo que incorpora elementos poéticos y transporta objetos reconocibles o escenas cotidianas al ámbito de lo inexplicable.
En 1911 se trasladó a París, tras haber visitado previamente Turín durante unos días, que posteriormente representó en una serie de cuadros. Aprovechando las conexiones de su hermano en los círculos artísticos parisinos, de Chirico fue muy bien recibido y en 1912 se expusieron tres de sus obras en el Salón de Otoño, un autorretrato y las composiciones El enigma de una tarde de otoño y El enigma del oráculo. Al año siguiente también participó en la Exposición Independiente, con las obras La melancolía de la partida, El enigma de la hora y El enigma de la llegada y el crepúsculo. Guillaume Apollinaire, una figura influyente en la escena artística de París, fue uno de los primeros partidarios ardientes de su obra y pronto de Chirico se unió a su hermano en un círculo más amplio de artistas que incluía a pintores famosos como Pablo Picasso y Francis Picabia. Durante la Primera Guerra Mundial, su productividad se vio muy limitada. De Chirico era un desertor desde marzo de 1912 y fue condenado a prisión. Cuando Italia declaró la guerra a Austria en 1915, se concedió una amnistía a todos los desertores que se presentaran inmediatamente, hecho que aprovechó De Chirico, presentándose finalmente en mayo de 1915 en Florencia. Al mes siguiente fue destinado a Ferrara, donde continuó pintando a un ritmo reducido mientras intentaba mantener sus contactos en París, especialmente con Paul Guillaume, que era el vendedor exclusivo de sus obras. Durante la guerra, también consiguió mantener el contacto con Apollinaire y Tristan Jarrah, colaborando en las publicaciones periódicas dadaístas. En Ferrara se asoció con el pintor Ardengo Sophizzi y el escritor Giovanni Papini, persiguiendo la difusión de la pintura metafísica en Italia, esfuerzo al que también contribuyó Savinio. En 1917, el pintor Carlo Carra se trasladó a la misma ciudad y entabló amistad con de Chirico, asimilando muchos elementos de la Pintura Metafísica. Más tarde, Cara reclamó la paternidad, lo que provocó su disputa con de Chirico.
A finales de 1918, dejó Ferrara y se instaló con su madre en Roma. Unos meses más tarde, se organizó su primera gran exposición individual en la Galería Bragaglia (Casa d»Arte Bragaglia), pero no fue un éxito. Sólo se vendió uno de sus cuadros, y el crítico de arte Roberto Longhi -una gran influencia en la escena artística italiana de la época- comentó negativamente su Pintura Metafísica. Durante este periodo, de Chirico siguió publicando ensayos, sobre todo en la revista italiana Valori Plastici, en la que se publicaron numerosos ensayos teóricos sobre la pintura metafísica. Su editor, Mario Brolio (1891-1948), fue también el principal marchante de las obras de De Chirico en Italia, y el primero en publicar una monografía dedicada a él (Giorgio de Chirico. 12 tavole in fototipia precedute da giudizi critici), que incluía una serie de ensayos de Apollinaire, Sophizzi, Papini, Cara y Louis Vossel, entre otros. En Roma, de Chirico formó parte del círculo teatral centrado en el compositor italiano Alfredo Casella y el escritor Luigi Pirandello.
En junio de 1919, de Chirico experimentó lo que más tarde llamó una «epifanía», probablemente al ver una obra de Tiziano en la Galería Borghese de Roma, lo que marcó una fase de transición a principios de los años veinte. Como parte de un profundo cambio, comenzó a copiar obras de los maestros del Renacimiento italiano, imitando su estilo y desarrollando un estilo neoclásico, significativamente diferenciado de sus anteriores creaciones. Por la misma época, sus obras «metafísicas» fueron admiradas por los surrealistas, que más tarde lo repudiaron por su giro hacia el estilo neoclásico y neorromántico. En mayo de 1925, se celebró una importante exposición individual en la Galerie de l»Effort Moderne de Leons Rosenberg, y a finales de ese mismo año se instaló en París, donde siguió un periodo especialmente productivo en el que alcanzó una considerable fama, tanto en la capital francesa como en otros países europeos. Su segunda estancia en París duró hasta 1929, año en el que realizó un encargo para decorar la casa de Leons Rosenberg con escenas de batallas de gladiadores romanos. En ese mismo periodo se publica su novela Hebdomeros, y también realiza una serie de litografías para una reedición del poemario Caligrammes de Apollinaire. A principios de la década de 1930 se trasladó varias veces, buscando condiciones adecuadas para la exposición de sus obras. Vivió un tiempo en Italia, participando en la Bienal de Venecia, y regresó a París en 1934, donde comenzó a producir una nueva serie de obras conocidas como Los baños misteriosos (Bagni misteriosi), destinadas a ilustrar el poema Mythologie (Mitología) de Jean Cocteau. En agosto de 1935 se trasladó a Nueva York, donde vivió los dos años siguientes y organizó un total de cinco exposiciones de su obra. A pesar de su éxito, regresó a Italia en enero de 1938.
En las primeras obras de De Chirico se encuentra la técnica característica de la Pintura Metafísica, así como las influencias de Baiclin y Klinger, particularmente evidentes en sus primeras obras, como El centauro moribundo (1909, Colección Assitalia, Roma). De Chirico sentía una especial admiración por los paisajes míticos y simbólicos de Baiclin y por los grabados enigmáticos o a veces «sobrenaturales» de Klinger. Desde muy pronto, incorporó a sus cuadros elementos mitológicos, inextricablemente ligados a referencias autobiográficas. Su iconografía metafísica se asoció a la obra de Nietzsche y, en particular, a algunos de sus textos filosóficos más importantes, como He aquí el hombre y Tade efi Zarathustra. El cuadro El Enigma del Oráculo (c. 1910, Colección Privada) es un ejemplo típico de la dirección que iba a tomar De Chirico. En la misma obra, la figura representada es una copia fiel del cuadro Ulises y Calipso (1882) de Arnold Baiklin. Se considera que el primer cuadro «metafísico» de De Chirico es El enigma de una tarde de otoño (1910, Colección Privada), una obra inspirada en la Piazza Santa Croce de Florencia, en la que por primera vez prescinde de elementos narrativos, apoyándose únicamente en las características poéticas de la obra, mientras intenta transmitir la noción del enigma que se esconde tras la experiencia cotidiana. Aunque se inspiró en la plaza de la Santa Croce de Florencia, de Chirico transformó sus elementos arquitectónicos, convirtiendo el frontón renacentista de la iglesia en un antiguo templo griego, o sustituyendo el monumento a Dante por una estatua antigua. La revelación de una realidad paralela fue uno de los temas centrales de su Pintura Metafísica.
Tras su breve estancia en Turín y durante el periodo 1912-5, de Chirico pintó una serie de obras titulada Plazas de Italia. Se caracterizan por los temas comunes de las plazas desiertas, generalmente adornadas con pocas figuras o esculturas, múltiples perspectivas y una atmósfera de melancolía omnipresente. En varias de las obras de esta serie, de Chirico representó la figura de la mitológica Ariadna, como en Melancolía (1912, Fundación Eric & Salome Estorick), Ariadna (1913, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York), El crepúsculo de Ariadna (1913, Colección privada) y La recompensa de la vidente (1913, Museo de Bellas Artes de Filadelfia, Estados Unidos). La ciudad de Turín también fue objeto de varios de sus cuadros, en particular la Mole Antonelianna, uno de los edificios más altos de Italia, que probablemente sirvió de inspiración para La nostalgia del infinito (1912, MoMA) y La gran torre (1913, Galería de Renania del Norte-Westfalia).
Su presencia en París le aseguró el contacto con los poderosos círculos artísticos de la ciudad, especialmente con Guillaume Apollinaire, Pablo Picasso y el grupo de surrealistas. Apollinaire fue uno de los primeros en apreciar sus cuadros, que se convirtieron en objeto de admiración para los artistas de vanguardia, y se convirtió en uno de los «héroes» del movimiento surrealista. En octubre de 1913, Apollinaire escribió una de las primeras reseñas de la obra de De Chirico en la revista L»Intransigeant, afirmando: «El arte de este joven pintor es esotérico y cerebral, ajeno al de otros pintores descubiertos en los últimos años. No proviene de Matisse o Picasso, ni de los impresionistas. Esta originalidad es suficiente para asegurar nuestra atención». En la misma reseña, Apollinaire describió los cuadros de De Chirico como «extrañamente metafísicos». Numerosos manuscritos de Chirico atestiguan que, ya en 1911, utilizó el mismo término para describir su obra. Su amistad con Apollinaire se reflejó en una serie de retratos pintados por de Chirico, mientras que Apollinaire, a su vez, le dedicó el poema Océan de terre y fue propietario de varios de sus cuadros.
El año 1914 se considera el punto álgido de su pintura «metafísica», ya que fue entonces cuando completó algunas de sus obras más importantes. Entre ellos destacan Mente de niño (1914, Museo de Arte Moderno de Estocolmo), uno de sus cuadros más famosos, que perteneció a André Breton, Retrato de Guillaume Apollinaire (1914, Centro Georges Pompidou) y Canción de amor (1914, MoMA). Durante su estancia en Ferrara, su obra se caracterizó por la diversificación, adoptando nuevos motivos y temas. En una serie de cuadros representó interiores con objetos extraños y heterogéneos, como instrumentos geométricos, mapas o pasteles de diversas formas, inspirados en cierta medida en los escaparates de la ciudad, que le habían causado una gran impresión. El Ferrara era también el escenario ideal para una serie de composiciones adornadas con maniquíes (muñecos sin rostro), una construcción simbólica que de Chirico había empezado a utilizar durante su estancia en París, inspirada en un personaje del poema dramático de Savinho Les Chants de la mi-mort (Cantos de la medio-muerte). Los maniquíes de De Chirico, típicos de la escuela de Pintura Metafísica, expresan en una interpretación la figura moderna del vidente ciego de la antigüedad y fueron representados a menudo en sus obras, como en los cuadros El vidente (191415, MoMA) y Las musas alarmantes (1918, Colección privada). Durante el mismo periodo, intensificó los esfuerzos por difundir la pintura metafísica a través de una gran cantidad de textos y artículos teóricos, y mediante su colaboración con Carlo Cara. Entre las obras más importantes que realizó durante este periodo se encuentran El sueño de Toby (191722, colección privada), inspirada temáticamente en El libro de Toby, así como Héctor y Andrómaca (1917, colección privada), El gran metafísico (1917, colección privada) y El bodegón evangélico (1916, Museo de Bellas Artes de Osaka).
En 1919, se produjo un nuevo e importante cambio en su carrera artística, ya que de Chirico se volcó con insistencia en el estudio de los maestros clásicos italianos. En un ensayo publicado en noviembre de 1919 en la revista Valori Plastici, titulado Return to Skill (italiano: Il ritorno al mestiere), declaraba claramente su regreso a la iconografía tradicional, afirmando su deseo de ser un «pintor clásico». En su ensayo, de Chirico expresó con detalle las nuevas ideas que estaba formulando, concluyendo que deseaba que toda su obra llevara el sello de las tres palabras Pictor classicus sum. En sus últimas obras desarrolló un estilo neoclásico, tratando de imitar a los maestros del Renacimiento italiano, siendo el cuadro Despedida de los argonautas (c. 1920, colección privada) un ejemplo típico. Para De Chirico, los años veinte fueron un periodo de cambio constante y de intensa exploración. Durante este periodo, el grupo de surrealistas franceses redescubre las pinturas «metafísicas» que había realizado anteriormente. Varios artistas pertenecientes al movimiento surrealista reconocieron la influencia de de Chirico en su obra, como René Magritte, Yves Tanguy y Max Ernst. André Breton, en su ensayo sobre Giorgio de Chirico publicado en 1920, lo identificó como una figura destacada en la formación de una nueva mitología. El grupo surrealista reconoció el valor de las obras del periodo 1910-19, cuando, según José Pierre, de Chirico era «el modelo ideal del artista surrealista», pero rechazó sus obras posteriores, con la excepción de la novela Evdomeros. La divergencia de puntos de vista de De Chirico con los surrealistas se formalizó en 1926, cuando en el séptimo número de la revista del grupo La Révolution Surréaliste, Breton lo calificó de «genio perdido».
A principios de la década de 1930, de Chirico realizó una serie de cuadros al estilo de Renoir, en un momento en que su arte en general estaba experimentando varios cambios, adoptando también una especie de realismo académico. Destacan los cuadros de la serie de Baños Misteriosos, que comenzó a pintar en 1934 y que se expusieron dos años después en Nueva York. Se caracterizan por la repetida representación de superficies acuáticas, con la presencia de nadadores desnudos y hombres en traje. De Chirico se inspiró en los Baños Misteriosos de Max Klinger y fueron el punto final de su viaje hacia la renovación de la forma y la búsqueda de nuevos motivos. En 1929 se publicó su obra literaria más importante, la novela Evdomeros. Los críticos no se ponen de acuerdo sobre el género literario que representa realmente, y el crítico literario Giorgio Manganelli la definió característicamente como «un depósito de imágenes», considerando que no es una novela narrativa. Fue muy bien recibido por el grupo surrealista, a pesar de que había roto el contacto con De Chirico.
Tras su regreso a Milán a finales de 1939, trabajó en obras neobarrocas inspiradas en Rubens o Velázquez, que presentó en 1942 en la Bienal de Venecia. Un ejemplo típico de este estilo, que siguió en los años siguientes, es el cuadro Bañistas (1945, Fundación Giorgio e Isa de Chirico). En 1971, Claudio Bruni Sakraischik comenzó a grabar su obra, y dos años más tarde se publicó la primera antología de sus textos en Wienland Schmied.
Fuentes
