Agnes Martin
gigatos | marzo 30, 2022
Resumen
Agnes Bernice Martin RCA (22 de marzo de 1912 – 16 de diciembre de 2004), fue una pintora abstracta estadounidense. Su obra ha sido definida como un «ensayo de discreción sobre el interior y el silencio». Aunque a menudo se la considera o se hace referencia a ella como minimalista, Martin se consideraba una expresionista abstracta. En 1998 recibió la Medalla Nacional de las Artes del Fondo Nacional de las Artes. Fue elegida miembro de la Real Academia Canadiense de las Artes en 2004.
Agnes Bernice Martin nació en 1912 en Macklin, Saskatchewan, en el seno de un grupo de agricultores presbiterianos escoceses. A partir de 1919, creció en Vancouver: 237 Se trasladó a Estados Unidos en 1931 para ayudar a su hermana embarazada, Mirabell, en Bellingham, Washington: 237 Prefirió la educación superior estadounidense y se convirtió en ciudadana estadounidense en 1950. Martin estudió en el Western Washington University College of Education, en Bellingham, Washington, antes de licenciarse (1942) en el Teachers College de la Universidad de Columbia. Mientras vivía en Nueva York, Martin se interesó por el arte moderno y conoció a artistas como Arshile Gorky (1904-1948), Adolph Gottlieb (1903-1974) y Joan Miró (1893-1983). Tomó una multitud de clases de estudio en el Teachers College y comenzó a considerar seriamente una carrera como artista.
En 1947 asistió a la Escuela de Campo de Verano de la Universidad de Nuevo México en Taos, Nuevo México: 237 Después de escuchar las conferencias del erudito budista zen D. T. Suzuki en Columbia, se interesó por el pensamiento asiático, no como una disciplina religiosa, sino como un código ético, un modo práctico de desenvolverse en la vida. Unos años después de su graduación, Martin se matriculó en la Universidad de Nuevo México, en Albuquerque, donde también impartió cursos de arte antes de regresar a la Universidad de Columbia para obtener su máster (1952) en arte moderno. Se trasladó a Nueva York en 1957 y vivió en un loft en Coenties Slip, en el bajo Manhattan: 238 En Coenties Slip vivían también otros artistas y sus estudios. Había un fuerte sentido de comunidad, aunque cada uno tenía sus propias prácticas y temperamentos artísticos. El Coenties Slip fue también un refugio para la comunidad queer en la década de 1960. Se especula que Martin mantuvo una relación romántica con la artista Lenore Tawney (1907-2007) durante esta época. Pionera de su tiempo, Agnes Martin nunca expresó públicamente su sexualidad, pero se la ha descrito como una «homosexual en el armario.» La biografía de 2018 Agnes Martin: Pioneer, Painter, Icon describe varias relaciones románticas entre Martin y otras mujeres, incluida la marchante Betty Parsons. A menudo empleaba una lente feminista cuando criticaba el trabajo de otros artistas. Jaleh Mansoor, historiadora del arte, afirmó que Martin estaba «demasiado comprometida con una relación feminista con la práctica, quizás, para objetivarla y etiquetarla como tal». Cabe señalar que la propia Martin no se identificaba como feminista e incluso una vez dijo a un periodista del New Yorker en una entrevista que pensaba que «el movimiento de las mujeres había fracasado».
Se sabía públicamente que Martin tenía esquizofrenia, aunque no se documentó hasta 1962. Incluso una vez optó por la terapia de choque eléctrico para su tratamiento en el Hospital Bellevue de Nueva York. Martin contó con el apoyo de sus amigos del Slip Coenties, que se reunieron tras uno de sus episodios para solicitar la ayuda de un respetado psiquiatra, que como coleccionista de arte era amigo de la comunidad. Sin embargo, su lucha fue en gran medida privada e individual, y se desconoce el efecto total de la enfermedad mental en su vida.
Martin abandonó abruptamente la ciudad de Nueva York en 1967, desapareciendo del mundo del arte para vivir solo. Tras dieciocho meses en la carretera acampando por Canadá y el oeste de Estados Unidos, Martin se estableció en Mesa Portales, cerca de Cuba, Nuevo México (1968-1977). Alquiló una propiedad de 50 acres y vivió una vida sencilla en una casa de adobe que construyó para sí misma, añadiendo otros cuatro edificios a lo largo de los años. Durante estos años no pintó, hasta que en 1971 el comisario Douglas Crimp se interesó por organizar su primera exposición individual no comercial. Posteriormente, Martin comenzó a escribir y dar conferencias en varias universidades sobre su obra. Poco a poco, el interés de Martin por la pintura también se renovó. Se puso en contacto con la Galería Pace para conocer su obra y el fundador de la galería, Arne Glimcher (nacido en 1938), se convirtió en su marchante de toda la vida. Por fin pudo tener su propia propiedad y se trasladó a Galisteo (Nuevo México), donde vivió hasta 1993: 240 Allí también construyó una casa de adobe y siguió eligiendo un estilo de vida austero. Aunque seguía prefiriendo la soledad y vivía sola, Martin era más activa en el mundo del arte, viajando mucho y exponiendo en Canadá, Estados Unidos e internacionalmente. En 1993 se trasladó a una residencia de jubilados en Taos, Nuevo México, donde vivió hasta su muerte en 2004: 242
Muchos de sus cuadros llevan nombres positivos, como Happy Holiday (1999) y I Love the Whole World (2000). En una entrevista en 1989, hablando de su vida y su pintura, Agnes Martin dijo: «La belleza y la perfección son lo mismo. Nunca se dan sin la felicidad».
Su obra está estrechamente relacionada con Taos, y algunos de sus primeros trabajos están visiblemente inspirados en el entorno desértico de Nuevo México. Sin embargo, también hay una fuerte influencia de su joven crianza en el Canadá rural, especialmente en las vastas y tranquilas praderas de Saskatchewan. Aunque se describe a sí misma como una pintora estadounidense, nunca olvidó sus raíces canadienses, a las que regresó tras dejar Nueva York en 1967, así como durante sus extensos viajes en la década de 1970. Algunas de las primeras obras de Martin se han descrito como campos agrícolas simplificados, y la propia Martin dejó su obra abierta a la interpretación, animando a comparar sus lienzos monocromáticos y sin adornos con paisajes.
Se trasladó a Nueva York por invitación del artista
En 1976 realizó su primera película, Gabriel, un paisaje de 78 minutos en el que aparece un niño pequeño dando un paseo. Una segunda película, Captivity, nunca se completó después de que el artista tirara el borrador al vertedero de la ciudad.
Según una entrevista filmada con ella que se publicó en 2003, se había mudado de Nueva York sólo cuando le dijeron que su loft alquilado
Además de un par de autorretratos y algunos paisajes en acuarela, entre las primeras obras de Martin se encuentran pinturas biomórficas de colores tenues realizadas cuando la artista tenía una beca para trabajar en Taos entre 1955 y 1957. Sin embargo, se esforzó por buscar y destruir las pinturas de los años en los que estaba dando sus primeros pasos en la abstracción.
Martin elogió a Mark Rothko por haber «llegado a cero para que nada se interpusiera en el camino de la verdad». Siguiendo su ejemplo, Martin también redujo a los elementos más reductores para fomentar la percepción de la perfección y enfatizar la realidad trascendente. Su estilo característico se define por el énfasis en la línea, las cuadrículas y los campos de color extremadamente sutiles. En particular, en sus años de mayor éxito, a principios de la década de 1960, creó lienzos de 2,5 metros cuadrados cubiertos de cuadrículas de grafito densas, diminutas y suavemente delineadas. En la exposición Systemic Painting (Pintura sistémica), celebrada en 1966 en el Solomon R. Guggenheim Museum, las cuadrículas de Martin fueron celebradas como ejemplos de arte minimalista y se colgaron entre obras de artistas como Sol LeWitt, Robert Ryman y Donald Judd. Sin embargo, aunque la forma de estas pinturas es minimalista, su espíritu es muy diferente al de sus homólogos minimalistas, ya que conservan pequeñas imperfecciones y rastros inconfundibles de la mano del artista; Martin huye del intelectualismo y prefiere lo personal y lo espiritual. Sus pinturas, declaraciones y escritos influyentes reflejaban a menudo su interés por la filosofía oriental, especialmente la taoísta. Debido a la dimensión espiritual añadida a su obra, que se hizo cada vez más dominante después de 1967, prefirió ser clasificada como expresionista abstracta.
Martin trabajó sólo en blanco, negro y marrón antes de trasladarse a Nuevo México. El último cuadro antes de que abandonara su carrera y dejara Nueva York en 1967, Trompeta, supuso un cambio en el sentido de que el rectángulo único se convirtió en una cuadrícula general de rectángulos. En este cuadro, los rectángulos están dibujados a lápiz sobre lavados irregulares de pintura gris translúcida. En 1973, volvió a hacer arte y produjo una carpeta de 30 serigrafías, On a Clear Day. Durante su estancia en Taos, introdujo ligeros lavados de pastel en sus cuadrículas, colores que brillaban con la luz cambiante. Más tarde, Martin redujo la escala de sus característicos cuadros de 72 × 72 a 60 × 60 pulgadas y cambió su trabajo para utilizar bandas de color etéreo. Otro cambio fue la modificación, si no el perfeccionamiento, de la estructura cuadriculada, que Martin ha utilizado desde finales de la década de 1950. En Untitled No. 4 (1994), por ejemplo, se veían las suaves estrías de la línea de lápiz y las lavadas de color primario de la pintura acrílica diluida mezclada con gesso. Las líneas, que abarcaban este cuadro, no se medían con una regla, sino que el artista las marcaba intuitivamente. En los años 90, la simetría daba paso a menudo a bandas horizontales de anchura variable.
Lawrence Alloway señaló que Martin pertenece a la primera generación del estilo Expresionismo Abstracto, lo cual es significativo y «muestra su compromiso con la temática exaltada» y su capacidad para «transformarla en el lenguaje de la pintura que da a las obras su aura de dignidad silenciosa».
Desde su primera exposición individual en 1958, la obra de Martin ha sido objeto de más de 85 exposiciones individuales y dos retrospectivas, entre las que se incluyen la encuesta Agnes Martin, organizada por el Whitney Museum of American Art de Nueva York, que posteriormente viajó a Jamaica (1992-94) y Agnes Martin: Paintings and Drawings 1974-1990, organizada por el Stedelijk Museum de Ámsterdam, que posteriormente viajó a Francia y Alemania (1991-92). En 1998, el Museo de Bellas Artes de Santa Fe (Nuevo México) montó Agnes Martin Works on Paper. En 2002, la Menil Collection de Houston expuso Agnes Martin: The Nineties and Beyond. Ese mismo año, el Harwood Museum of Art de la Universidad de Nuevo México, en Pandora, organizó Agnes Martin: Paintings from 2001, así como un simposio en honor a Martin con motivo de su 90º cumpleaños.
Además de participar en una serie de exposiciones colectivas internacionales, como la Bienal de Venecia (1997, 1980, 1976), la Bienal del Whitney (1995, 1977) y la Documenta de Kassel (Alemania) (1972), Martin ha recibido múltiples distinciones, entre ellas el Lifetime Achievement Award en nombre del Women»s Caucus for Art de la College Art Association (el Governor»s Award for Excellence and Achievement in the Arts concedido por el gobernador Gary Johnson, Santa Fe, Nuevo México (la Medalla Nacional de las Artes concedida por el Presidente Bill Clinton y el Fondo Nacional de las Artes) (el León de Oro a la Contribución al Arte Contemporáneo en la Bienal de Venecia) (el Premio Alexej von Jawlensky concedido por la ciudad de Wiesbaden, Alemania (y la elección para la Academia Americana y el Instituto de las Artes y las Letras, Nueva York (1989).
Desde su fallecimiento en 2004, se siguen organizando exposiciones, como Agnes Martin: Closing the Circle, Early and Late, del 10 de febrero de 2006 al 4 de marzo de 2006 en la Pace Gallery. Otras exposiciones han tenido lugar en Nueva York, Zúrich, Londres, Dublín, Edimburgo, Cambridge (Inglaterra), Aspen, Albuquerque y British Columbia en Canadá. En 2012, el Museo de Arte Harwood de Taos (Nuevo México), de la Universidad de Nuevo México, inauguró una exposición en todo el museo titulada «Agnes Martin Before the Grid» en honor a su centenario. Esta exposición fue la primera que se centró en la obra y la vida de Martin antes de 1960. La exposición se centró en muchas obras, nunca antes vistas, que Martin creó en Columbia, Coentis Slip y los primeros años en Nuevo México. También fue la primera en considerar la lucha de Martin con la salud mental, la sexualidad y la importante relación de Martin con Ad Reinhardt. En 2015, la Tate Modern organizó una retrospectiva de su vida y carrera desde la década de 1950 hasta su última obra en 2004, que viajará a otros museos después de la muestra en Londres. En el Museo de Arte de la Universidad de Michigan, Martin participó en la exposición Reductive Minimalism: Women Artists in Dialogue, 1960-2014, que examinó las dos generaciones de arte minimalista una al lado de la otra, desde octubre de 2014 hasta enero de 2015. La exposición incluía a Anne Truitt, Mary Corse y las artistas contemporáneas Shirazeh Houshiary y Tomma Abts.
También fue presentada en White on the White: Color, Scene, and Space en el Museo de Arte Contemporáneo de la ciudad de Hiroshima. Desde octubre de 2015 hasta abril de 2016, Martin expuso en Opening the Box: Unpacking Minimalism en The George Economou Collection en Atenas, Grecia, junto a Dan Flavin y Donald Judd. De 2015 a 2017 ha realizado numerosas exposiciones individuales, algunas de ellas en el Aspen Art Museum de Aspen Colorado, Tate Modern de Londres, K20, Kunstsammlung Nordhein-Westfalen de Düsseldorf, Los Angeles County Museum of Art (LACMA) de Los Ángeles, Solomon R. Guggenheim Museum del Upper East Side, en el Palace of Governors, The New Mexico Museum of History de Santa Fe. Ha participado en la exposición en curso Intuitive Progression en el Fisher Landau Center for Art en Long Island City, Nueva York, desde febrero de 2017 hasta agosto de 2017.
En 2016, se presentó una exposición retrospectiva de sus obras desde la década de 1950 hasta 2004 en el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York. En 2016 también participó en la exposición Dansaekhwa and Minimalism en Blum & Poe, Los Ángeles, y a principios de año en la muestra titulada Aspects of Minimalism: Selections from East End Collections en el Guild Hall Museum de East Hampton, Nueva York.
También participó en la exposición Making Space: Women Artists and Postwar Abstraction, en el Museo de Arte Moderno de Midtown, Nueva York, que arrojó luz sobre las mujeres artistas que trabajaron después de la Segunda Guerra Mundial y antes del inicio del movimiento feminista. La exposición fue de abril a agosto de 2017 y contó con Lee Krasner, Helen Frankenthaler y Joan Mitchell, Lygia Clark, Gego, Magdalena Abakanowicz, Louise Bourgeois y Eva Hesse.
La obra de Martin se encuentra en las principales colecciones públicas de Estados Unidos, como el New Mexico Museum of Art, Santa Fe, NM; Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY; The Chinati Foundation, Marfa, TX; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington, D.C.; Los Angeles Museum of Contemporary Art; The Menil Collection, Houston, TX; Metropolitan Museum of Art, Nueva York; The Museum of Modern Art, Nueva York; National Gallery of Art, Washington, D. C.; Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City; San Francisco Museum of Modern Art; Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York; Wadsworth Atheneum Museum of Art, Hartford; Walker Art Center, Minneapolis; Whitney Museum of American Art, Nueva York; y Des Moines Art Center, Des Moines, IA, entre otros. Su obra está expuesta a largo plazo y forma parte de los fondos permanentes de la Dia Art Foundation, Beacon, Nueva York.
Entre los fondos internacionales de la obra de Martin se encuentran la Tate de Londres y el Magasin 3 Stockholm Konsthall de Estocolmo (Suecia).
Martin se convirtió en una inspiración para artistas más jóvenes, desde Eva Hesse hasta Ellen Gallagher.
Su imagen está incluida en el emblemático cartel de 1972 Some Living American Women Artists, de Mary Beth Edelson.
En 1994, el Museo de Arte Harwood de Taos, perteneciente a la Universidad de Nuevo México, anunció que renovaría su edificio de estilo Pueblo y dedicaría un ala a la obra de Martin. La galería se diseñó de acuerdo con los deseos del artista para dar cabida a la donación de Martin de siete grandes cuadros sin título realizados entre 1993 y 1994. Un estudio de arquitectura de Albuquerque, Kells & Craig, diseñó la galería octogonal con un óculo instalado en la parte superior y cuatro bancos amarillos de Donald Judd colocados directamente bajo el óculo. La donación de los cuadros y el diseño y la construcción de la galería fueron negociados y supervisados por Robert M. Ellis, director del Harwood en aquel momento y amigo íntimo de Martin. En la actualidad, la Galería Agnes Martin atrae a visitantes de todo el mundo y ha sido comparada por los expertos con la Chapelle du Rosaire de Vence (Capilla de Matisse), la Capilla de Notre Dame du Haut de Corbusier en Ronchamp y la Capilla Rothko de Houston.
En 2007, Loving Love (2000) de Martin se vendió por 2,95 millones de dólares en Christie»s, Nueva York. En 2015, Untitled
La obra Redbird (1995) del compositor John Zorn está inspirada y dedicada a Martin.
Wendy Beckett, en su libro American Masterpieces, dijo de Martin: «Agnes Martin habla a menudo de la alegría; la considera la condición deseada de toda la vida. ¿Quién podría estar en desacuerdo con ella? Nadie que haya pasado seriamente ante una Agnes Martin, dejando que su paz se comunique, recibiendo su inexplicable e inefable felicidad, se ha sentido nunca decepcionado. La obra asombra, no sólo por su delicadeza, sino por su vigor, y este poder e interés visual es algo que hay que experimentar».
El poema del poeta Hugh Behm-Steinberg «Gridding, after some sentences by Agnes Martin» habla de los patrones en el mundo natural, hace un paralelismo entre la escritura y la pintura y termina con una línea sobre la admiración del poeta por la obra de Martin.
Su obra inspiró un doodle de Google en el 102º aniversario de su nacimiento, el 22 de marzo de 2014. El doodle se inspira en los colores de la última obra de Agnes Martin, que se caracteriza por sus bordes suaves, colores apagados y bandas claramente horizontales, convertidas en seis barras verticales, una por cada letra del logotipo de Google.
Fuentes
