Alexander Calder
gigatos | febrero 5, 2022
Resumen
Alexander Calder (22 de julio de 1898 – 11 de noviembre de 1976) fue un escultor estadounidense conocido tanto por sus innovadores móviles (esculturas cinéticas impulsadas por motores o corrientes de aire) que abrazan el azar en su estética, sus «stabiles» estáticos, como por sus monumentales esculturas públicas. Calder prefería no analizar su obra, diciendo: «Las teorías pueden estar muy bien para el propio artista, pero no deben difundirse a otras personas».
Alexander «Sandy» Calder nació en 1898 en Lawnton, Pensilvania. Su fecha de nacimiento real sigue siendo una fuente de confusión. Según la madre de Calder, Nanette (de soltera Lederer), Calder nació el 22 de agosto, pero su certificado de nacimiento en el Ayuntamiento de Filadelfia, basado en un libro de contabilidad escrito a mano, indicaba el 22 de julio. Cuando la familia de Calder se enteró de la partida de nacimiento, afirmó con certeza que los funcionarios del ayuntamiento se habían equivocado.
El abuelo de Calder, el escultor Alexander Milne Calder, nació en Escocia, emigró a Filadelfia en 1868 y es más conocido por la colosal estatua de William Penn en la torre del Ayuntamiento de Filadelfia. Su padre, Alexander Stirling Calder, era un conocido escultor que creó muchas instalaciones públicas, la mayoría de ellas en Filadelfia. La madre de Calder era una retratista profesional que había estudiado en la Académie Julian y en la Sorbona de París desde aproximadamente 1888 hasta 1893. Se trasladó a Filadelfia, donde conoció a Stirling Calder mientras estudiaba en la Pennsylvania Academy of the Fine Arts. Los padres de Calder se casaron el 22 de febrero de 1895. La hermana de Alexander Calder, Margaret Calder Hayes, desempeñó un papel fundamental en el desarrollo del Museo de Arte de la Universidad de Berkeley.
Calder, de cuatro años, posó desnudo para la escultura de su padre El hombre cachorro, cuyo molde se encuentra ahora en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. En 1902 también realizó su primera escultura, un elefante de arcilla. En 1905 su padre contrajo tuberculosis, y los padres de Calder se trasladaron a un rancho en Oracle, Arizona, dejando a los niños al cuidado de amigos de la familia durante un año. Los niños se reunieron con sus padres en marzo de 1906 y permanecieron en el rancho de Arizona durante ese verano.
La familia Calder se trasladó de Arizona a Pasadena, California. El sótano con ventanas de la casa familiar se convirtió en el primer estudio de Calder y recibió su primer juego de herramientas. Utilizó restos de alambre de cobre para hacer joyas para las muñecas de su hermana. El 1 de enero de 1907, Nanette Calder llevó a su hijo al Desfile del Torneo de las Rosas en Pasadena, donde observó una carrera de carros de cuatro caballos. Este tipo de evento se convirtió más tarde en el final de los espectáculos de circo en miniatura de Calder.
A finales de 1909, la familia regresó a Filadelfia, donde Calder asistió brevemente a la Germantown Academy, y luego se trasladó a Croton-on-Hudson, Nueva York. Esa Navidad, esculpió un perro y un pato de chapa de latón como regalos para sus padres. Las esculturas son tridimensionales y el pato es cinético porque se balancea cuando se le golpea suavemente. En Croton, durante sus años de instituto, Calder se hizo amigo del pintor amigo de su padre, Everett Shinn, con quien construyó un sistema de trenes mecánicos accionados por la gravedad. Calder lo describió así: «Hacíamos funcionar el tren sobre raíles de madera sostenidos por pinchos; un trozo de hierro que corría por la pendiente aceleraba los vagones. Incluso iluminamos algunos vagones con luces de velas». Después de Croton, los Calder se trasladaron a Spuyten Duyvil para estar más cerca de Nueva York, donde Stirling Calder alquiló un estudio. Mientras vivía en Spuyten Duyvil, Calder asistió a la escuela secundaria en la cercana Yonkers. En 1912, el padre de Calder fue nombrado jefe en funciones del Departamento de Escultura de la Exposición Internacional de Panamá-Pacífico en San Francisco, California, y comenzó a trabajar en las esculturas para la exposición que se celebró en 1915.
Durante los años de instituto de Calder (1912-1915), la familia se trasladaba una y otra vez entre Nueva York y California. En cada nuevo lugar, los padres de Calder reservaban un espacio en el sótano como estudio para su hijo. Hacia el final de este periodo, Calder se quedó con unos amigos en California mientras sus padres volvían a Nueva York, para que pudiera graduarse en el Lowell High School de San Francisco. Calder se graduó con la clase de 1915.
Los padres de Alexander Calder no querían que fuera artista, así que decidió estudiar ingeniería mecánica. Ingeniero intuitivo desde la infancia, Calder ni siquiera sabía lo que era la ingeniería mecánica. «No estaba muy seguro de lo que significaba este término, pero pensé que era mejor adoptarlo», escribió más tarde. Se matriculó en el Stevens Institute of Technology de Hoboken, Nueva Jersey, en 1915. Cuando le preguntaron por qué había decidido estudiar ingeniería mecánica en lugar de arte, Calder dijo: «Quería ser ingeniero porque un tipo que me gustaba bastante era ingeniero mecánico, eso es todo». En Stevens, Calder era miembro de la fraternidad Delta Tau Delta y destacaba en matemáticas. Era muy apreciado y el anuario de la clase contenía la siguiente descripción: «Sandy está evidentemente siempre contento, o tal vez tramando alguna broma, porque su cara está siempre envuelta en esa misma sonrisa traviesa y juvenil. Esto es ciertamente el índice del carácter del hombre en este caso, ya que es uno de los compañeros de mejor carácter que hay.»
En el verano de 1916, Calder pasó cinco semanas entrenando en el Campo de Entrenamiento Militar Civil de Plattsburg. En 1918, se unió al Cuerpo de Entrenamiento del Ejército de Estudiantes, Sección Naval, en Stevens y fue nombrado guía del batallón.
Calder se licenció en Stevens en 1919. Tuvo varios empleos, entre ellos el de ingeniero hidráulico y delineante para la New York Edison Company. En junio de 1922, Calder aceptó un puesto de mecánico en el barco de pasajeros H. F. Alexander. Mientras navegaba de San Francisco a Nueva York, Calder durmió en cubierta y se despertó una mañana temprano frente a la costa guatemalteca y fue testigo de la salida del sol y la puesta de la luna llena en horizontes opuestos. Describió en su autobiografía: «Fue una mañana temprano en un mar tranquilo, frente a Guatemala, cuando por encima de mi sofá -un rollo de cuerda- vi el comienzo de una salida del sol de color rojo intenso por un lado y la luna que parecía una moneda de plata por el otro».
El H.F. Alexander atracó en San Francisco y Calder viajó a Aberdeen, Washington, donde residían su hermana y su marido, Kenneth Hayes. Calder aceptó un trabajo como cronometrador en un campamento maderero. El paisaje montañoso le inspiró a escribir a casa para pedir pinturas y pinceles. Poco después, Calder decidió volver a Nueva York para seguir su carrera de artista.
En la ciudad de Nueva York, Calder se matriculó en la Art Students League y estudió brevemente con George Luks, Boardman Robinson y John Sloan. Mientras era estudiante, trabajó para la National Police Gazette, donde, en 1925, uno de sus encargos fue dibujar el circo Ringling Bros. and Barnum & Bailey. Calder quedó fascinado con la acción del circo, un tema que reaparecería en su obra posterior.
En 1926, Calder se trasladó a París, se matriculó en la Académie de la Grande Chaumière y estableció un estudio en el número 22 de la rue Daguerre, en el barrio de Montparnasse. En junio de 1929, mientras viajaba en barco de París a Nueva York, Calder conoció a su futura esposa, Louisa James (1905-1996), sobrina nieta del escritor Henry James y del filósofo William James. Se casaron en 1931. Durante su estancia en París, Calder entabló amistad con varios artistas de vanguardia, como Fernand Léger, Jean Arp y Marcel Duchamp. Leger escribió un prefacio para el catálogo de la primera exposición de construcciones abstractas de Calder celebrada en la Galerie Percier en 1931. Calder y Louisa regresaron a Estados Unidos en 1933 a una granja que compraron en Roxbury, Connecticut, donde criaron una familia (Sandra, nacida en 1935, y Mary, nacida en 1939). Durante la Segunda Guerra Mundial, Calder intentó alistarse en los Marines como camofleur, pero fue rechazado. En 1955, él y Louisa viajaron durante tres meses por la India, donde Calder realizó nueve esculturas y algunas joyas.
En 1963, Calder se instaló en un nuevo taller, con vistas al valle del Bajo Chevrière a Saché en Indre-et-Loire (Francia). Donó a la ciudad una escultura, que desde 1974 está situada en la plaza del pueblo. A lo largo de su carrera artística, Calder bautizó muchas de sus obras con nombres en francés, independientemente del lugar al que estuvieran destinadas.
En 1966, Calder publicó su Autobiografía con imágenes con la ayuda de su yerno, Jean Davidson.
Calder murió inesperadamente en noviembre de 1976 de un ataque al corazón, poco después de la inauguración de una importante exposición retrospectiva en el Museo Whitney de Nueva York.
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Escultura
En París, en 1926, Calder comenzó a crear su Cirque Calder, un circo en miniatura hecho con alambre, tela, cuerda, goma, corcho y otros objetos encontrados. Diseñado para ser transportable (llegó a llenar cinco maletas grandes), el circo se presentó a ambos lados del Atlántico. Pronto, su Cirque Calder (expuesto actualmente en el Whitney Museum of American Art) se hizo popular entre la vanguardia parisina. También inventó la escultura de alambre, o «dibujo en el espacio», y en 1929 celebró su primera exposición individual de estas esculturas en París, en la Galerie Billiet. Hi!, en la colección del Museo de Arte de Honolulu, es un ejemplo temprano de la escultura de alambre del artista. El pintor Jules Pascin, amigo de los cafés de Montparnasse, escribió el prefacio del catálogo.
Una visita al estudio de Piet Mondrian en 1930, en la que quedó impresionado por el entorno como instalación, le hizo entrar de lleno en el arte abstracto, al que ya tendía.
Fue la mezcla de sus experimentos para desarrollar una escultura puramente abstracta tras su visita a Mondrian lo que dio lugar a sus primeras esculturas verdaderamente cinéticas, accionadas por motores, que se convertirían en sus obras de arte características. Las esculturas cinéticas de Calder se consideran una de las primeras manifestaciones de un arte que se aleja conscientemente de la noción tradicional de la obra de arte como objeto estático e integra las ideas de gesto e inmaterialidad como factores estéticos.
Desde 1931, las esculturas abstractas de Calder, formadas por piezas móviles discretas accionadas por motores, fueron bautizadas como «móviles» por Marcel Duchamp, un juego de palabras francés que significa tanto «movimiento» como «móvil». Sin embargo, Calder descubrió que las obras motorizadas a veces se volvían monótonas en sus movimientos prescritos. Su solución, a la que llegó en 1932, fueron las esculturas colgantes que derivaban su movimiento del tacto o de las corrientes de aire. Las primeras estaban hechas de alambre, objetos encontrados y madera, un material que Calder utilizaba desde la década de 1920. A los móviles colgantes les siguieron, en 1934, los móviles de pie para exteriores realizados con materiales industriales, que se ponían en movimiento con el aire libre. Los móviles de viento presentaban formas abstractas delicadamente equilibradas sobre varillas pivotantes que se movían con la más mínima corriente de aire, permitiendo un juego natural de formas y relaciones espaciales. Calder también experimentó con esculturas abstractas autoportantes y estáticas, denominadas «stabiles» por Jean Arp en 1932 para diferenciarlas de los móviles. En la Exposition Internationale des Arts et Techniques dans la Vie Moderne (1937), el pabellón español incluyó la escultura de Calder Fuente de Mercurio.
Durante la Segunda Guerra Mundial, Calder continuó esculpiendo, adaptándose a la escasez de aluminio durante la guerra y volviendo a la madera tallada en una nueva forma abierta de escultura llamada «constelaciones». En la posguerra, Calder comenzó a recortar formas de chapa metálica en formas evocadoras y a pintarlas a mano con sus característicos tonos llamativos. Calder creó un pequeño grupo de obras de esta época con una placa base colgante, por ejemplo Lily of Force (1945), Baby Flat Top (1946) y Red is Dominant (1947). También realizó obras como Siete discos horizontales (1946), que, al igual que Lirio de fuerza (1945) y Bebé cabeza plana (1946), pudo desmontar y enviar por correo para su próxima exposición en la Galerie Louis Carré de París, a pesar de las estrictas restricciones de tamaño impuestas por el servicio postal de la época. Su exposición de 1946 en Carré, organizada por Duchamp, se componía principalmente de móviles colgados y de pie, y causó un gran impacto, al igual que el ensayo para el catálogo del filósofo francés Jean-Paul Sartre. En 1951, Calder ideó un nuevo tipo de escultura, relacionada estructuralmente con sus constelaciones. Estas «torres», fijadas a la pared con un clavo, consisten en puntales de alambre y vigas que sobresalen de la pared, con objetos móviles suspendidos de sus armaduras.
Sin negar el poder de Calder como escultor, una visión alternativa de la historia del arte del siglo XX cita el abandono de Calder a principios de la década de 1930 de sus obras motorizadas en favor del móvil impulsado por el viento como un momento decisivo en el abandono por parte del Modernismo de su anterior compromiso con la máquina como un nuevo elemento crítico y potencialmente expresivo en los asuntos humanos. Según este punto de vista, el móvil también marcó un abandono del objetivo más amplio del Modernismo de acercarse a la ciencia y la ingeniería, y con consecuencias desafortunadas a largo plazo para el arte contemporáneo.
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Esculturas monumentales
En 1934, Calder realizó sus primeras obras al aire libre en su estudio de Roxbury, Connecticut, utilizando las mismas técnicas y materiales que en sus obras más pequeñas. Expuestos al aire libre, los primeros móviles de pie de Calder se movían elegantemente con la brisa, balanceándose y arremolinándose con ritmos naturales y espontáneos. Las primeras obras al aire libre eran demasiado delicadas para los fuertes vientos, lo que obligó a Calder a replantearse su proceso de fabricación. En 1936 cambió sus métodos de trabajo y comenzó a crear maquetas a pequeña escala que luego ampliaba hasta alcanzar un tamaño monumental. La pequeña maqueta, el primer paso en la producción de una escultura monumental, era considerada por Calder una escultura en sí misma. Las obras más grandes utilizaban las técnicas clásicas de ampliación de los escultores tradicionales, incluidos su padre y su abuelo. Dibujaba sus diseños en papel craft y los ampliaba utilizando una cuadrícula. Sus obras a gran escala se creaban de acuerdo con sus especificaciones exactas, al tiempo que se permitía la libertad de ajustar o corregir una forma o línea si era necesario.
En la década de 1950, Calder se concentró más en la producción de esculturas monumentales (su periodo de agrandamientos), y los encargos públicos fueron aumentando en la década de 1960. Ejemplos notables son .125 (1957) para el aeropuerto JFK de Nueva York, Spirale (1958) para la UNESCO en París, y Trois disques, encargada para la Expo 67 en Montreal, Quebec, Canadá. La escultura más grande de Calder, de 25,7 metros de altura, fue El Sol Rojo, construida en el exterior del Estadio Azteca para los actos de la «Olimpiada Cultural» de los Juegos Olímpicos de 1968 en Ciudad de México. Muchas de sus obras de arte público fueron encargadas por arquitectos de renombre; por ejemplo, I.M. Pei le encargó La Grande Voile, una escultura estable de 25 toneladas y 12 metros de altura para el Instituto Tecnológico de Massachusetts en 1966.
La mayoría de las esculturas monumentales de papelería y móviles de Calder se realizaron a partir de 1962 en los Etablissements Biémont de Tours (Francia). El artista creaba un modelo de su obra, el departamento de ingeniería lo escalaba bajo la dirección de Calder, y los técnicos completaban el trabajo metálico real, todo ello bajo la atenta mirada de Calder. Los pilares se hacían en chapa de acero y luego se pintaban. Una excepción fue Trois disques, en acero inoxidable de 24 metros de altura, encargado por la International Nickel Company de Canadá.
En 1958, Calder pidió a Jean Prouvé que construyera en Francia la base de acero de Spirale, un móvil monumental para el sitio de la UNESCO en París, mientras que la parte superior se fabricó en Connecticut.
En junio de 1969, Calder asistió a la inauguración de su escultura monumental «stabile» La Grande Vitesse en Grand Rapids, Michigan. Esta escultura destaca por ser la primera escultura cívica de Estados Unidos que recibió financiación del National Endowment for the Arts.
En 1971, Calder creó su Hélice doblada, que se instaló en la entrada de la Torre Norte del World Trade Center de Nueva York. Cuando se inauguró Battery Park City, la escultura se trasladó a las calles Vesey y Church. La escultura permaneció frente al 7 World Trade Center hasta que fue destruida el 11 de septiembre de 2001.En 1973, la escultura de arte público Cuatro Arcos, de 63 pies de altura y color bermellón, se instaló en Bunker Hill, Los Ángeles, para que sirviera de «punto de referencia distintivo». El emplazamiento de la plaza se diseñó en gradas para maximizar los efectos visuales de la escultura.
En 1974, Calder inauguró dos esculturas, Flamingo at Federal Plaza y Universe at Sears Tower, en Chicago, Illinois, acompañadas de la exposición Alexander Calder: A Retrospective Exhibition, en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, que se inauguró simultáneamente con la inauguración de las esculturas.
Originalmente se iba a construir en 1977 para el Hart Senate Office Building, pero Mountains and Clouds no se construyó hasta 1985 debido a los recortes presupuestarios del gobierno. El enorme proyecto de chapa metálica, que pesa 35 toneladas, abarca los nueve pisos de altura del atrio del edificio en Washington, D.C. Calder diseñó la maqueta para el Senado de los Estados Unidos en el último año de su vida.
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Producciones teatrales
Calder creó escenografías para más de una docena de producciones teatrales, como Nucléa, Horizonte y, sobre todo, Panorama de Martha Graham (1935), una producción del drama sinfónico de Erik Satie, Sócrates (1936), y más tarde, Works in Progress (1968). Works in Progress fue un «ballet» concebido por el propio Calder y producido en el Teatro de la Ópera de Roma, con una serie de móviles, pilares y grandes telones de fondo pintados. Calder describiría algunos de sus montajes escénicos como bailarines realizando una coreografía debido a su movimiento rítmico.
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Pintura y grabado
Además de esculturas, Calder pintó a lo largo de su carrera, comenzando a principios de la década de 1920. Retomó sus estudios de grabado en 1925 y continuó realizando ilustraciones para libros y revistas. Entre sus proyectos de esta época se encuentran los dibujos a pluma de animales para una publicación de 1931 de las fábulas de Esopo. A medida que la escultura de Calder se adentraba en el terreno de la abstracción pura a principios de la década de 1930, también lo hacían sus grabados. Las finas líneas utilizadas para definir las figuras en los primeros grabados y dibujos comenzaron a delinear grupos de formas geométricas, a menudo en movimiento. Calder también utilizó los grabados como medio de defensa, como en los carteles de 1967 y 1969 para protestar contra la guerra de Vietnam.
A medida que la reputación profesional de Calder aumentaba a finales de la década de 1940 y en la de 1950, también lo hacía su producción de grabados. Se comercializaron grandes cantidades de litografías basadas en sus pinturas al gouache y se publicaron ediciones de lujo de obras de teatro, poemas y cuentos ilustrados con grabados de Calder.
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Aviones y automóviles pintados
Una de las empresas más inusuales de Calder fue un encargo de la compañía aérea Braniff International Airways, con sede en Dallas, para pintar un avión cuatrimotor Douglas DC-8-62 a tamaño real como «lienzo volador». George Stanley Gordon, fundador de la agencia publicitaria neoyorquina Gordon and Shortt, se dirigió a Calder con la idea de pintar un avión en 1972, pero Calder respondió que no pintaba juguetes. Cuando Gordon le dijo que era un avión de pasajeros de tamaño real lo que le proponía, el artista dio inmediatamente su aprobación. Gordon pensó que Braniff, conocida por fusionar el mundo de la moda y el diseño con el de la aviación, sería la empresa perfecta para llevar a cabo la idea. El presidente de Braniff, Harding Lawrence, se mostró muy receptivo y en 1973 se redactó un contrato en el que se pedía la pintura de un avión de pasajeros Douglas DC-8-62, bautizado como Flying Colors, y 50 gouaches por un precio total de 100.000 dólares. Dos años más tarde, Braniff pidió a Calder que diseñara un buque insignia para su flota que celebrara el Bicentenario de Estados Unidos. Esa pieza, un Boeing 727-291 N408BN llamado Flying Colors of the United States, y apodado «Sneaky Snake» por sus pilotos (debido a sus extravagantes tendencias de vuelo), presentaba una imagen ondulada en rojo, blanco y azul que reflejaba una bandera estadounidense ondeante.
En 1975, Calder recibió el encargo de pintar un automóvil BMW 3.0 CSL, que sería el primer vehículo del BMW Art Car Project.
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Joyas
Calder creó más de 2.000 piezas de joyería a lo largo de su carrera, muchas de ellas como regalos para amigos. Varias piezas reflejan su fascinación por el arte de África y otros continentes. La mayoría son de latón y acero, con trozos de cerámica, madera y vidrio. Calder rara vez utilizaba la soldadura; cuando necesitaba unir tiras de metal, las unía con lazos, las ataba con trozos de alambre o fabricaba remaches. Calder creó sus primeras piezas en 1906, a la edad de ocho años, para las muñecas de su hermana, utilizando alambre de cobre que encontraba en la calle.
Para su amigo de toda la vida, Joan Miró, Calder engarzó un fragmento de una vasija de porcelana rota en un anillo de latón. Peggy Guggenheim recibió unos enormes pendientes móviles de plata y más tarde encargó un cabecero de plata martillada que brillaba con peces colgantes. En 1942, Guggenheim lució un pendiente de Calder y otro de Yves Tanguy en la inauguración de su galería neoyorquina, The Art of This Century, para demostrar su lealtad por igual al arte surrealista y al abstracto, cuyos ejemplos expuso en galerías separadas. Otras personas que recibieron piezas de Calder fueron la amiga íntima del artista, Georgia O»Keeffe; Teeny Duchamp, esposa de Marcel Duchamp; Jeanne Rucar, esposa del cineasta Luis Buñuel; y Bella Rosenfeld, esposa de Marc Chagall.
La primera exposición individual de Calder tuvo lugar en 1927 en la Galería Jacques Seligmann de París. Su primera exposición individual en una galería comercial estadounidense fue en 1928 en la Galería Weyhe de Nueva York. En 1933 expuso con el grupo Abstraction-Création de París.
En 1935, tuvo su primera exposición individual en un museo de Estados Unidos en la Sociedad del Renacimiento de la Universidad de Chicago. En Nueva York, el Museo de Arte Moderno le apoyó desde principios de los años treinta, y fue uno de los tres estadounidenses incluidos en la exposición de Alfred H. Barr Jr. de 1936, Cubism and Abstract Art.
La primera retrospectiva de Calder se celebró en 1938 en la Galería George Walter Vincent Smith de Springfield, Massachusetts. En 1943, el Museo de Arte Moderno acogió una retrospectiva de Calder, comisariada por James Johnson Sweeney y Marcel Duchamp; la muestra tuvo que ampliarse debido al número de visitantes. Calder fue uno de los 250 escultores que expusieron en la Tercera Internacional de Escultura celebrada en el Museo de Arte de Filadelfia en el verano de 1949. Su móvil, International Mobile, fue la pieza central de la exposición. Calder también participó en las documentas I (1955), II (1959) y III (1964). Se celebraron importantes retrospectivas de su obra en el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York (1964), la Fondation Maeght de Saint-Paul-de-Vence, Francia (1969), y el Museum of Contemporary Art de Chicago (1974). Además, los dos marchantes de Calder, la Galerie Maeght de París y las Perls Galleries de Nueva York, organizaron un promedio de una exposición de Calder al año.
La obra de Calder se encuentra en muchas colecciones permanentes de todo el mundo. El Whitney Museum of American Art de Nueva York posee la mayor colección de obras de Alexander Calder. Otras colecciones de museos son el Solomon R. Guggenheim Museum, de Nueva York; el Museum of Modern Art, de Nueva York; el Centre Georges Pompidou, de París; el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, de Madrid; y la National Gallery of Art, de Washington, D.C. Hay dos obras expuestas en la Governor Nelson A. Rockefeller Empire State Plaza Art Collection de Albany, NY.
El Museo de Arte de Filadelfia ofrece una vista de las obras de tres generaciones de Alexander Calders. Desde la ventana del segundo piso, en el lado este de la sala de la Gran Escalera (en el lado opuesto a la colección de armaduras), se ve detrás del espectador el móvil fantasma de la tercera generación (nacido en 1898), delante, en la calle, la Swann Memorial Fountain de la segunda generación (nacida en 1870), y más allá la estatua de William Penn en lo alto del Ayuntamiento de la primera generación (nacida en 1846).
A finales de la década de 1930 y principios de la de 1940, las obras de Calder no eran muy codiciadas, y cuando se vendían, a menudo era por relativamente poco dinero. Una copia de un libro de ventas de Pierre Matisse que se encuentra en los archivos de la fundación muestra que sólo unas pocas piezas de la exposición de 1941 encontraron comprador, uno de los cuales, Solomon R. Guggenheim, pagó sólo 233,34 dólares (equivalente a 4.106 dólares en 2020) por una obra. El Museo de Arte Moderno había comprado su primer Calder en 1934 por 60 dólares, después de haber convencido a Calder de que debía pagar 100 dólares. Y, sin embargo, en 1948 Calder estuvo a punto de vender toda una exposición individual en Río de Janeiro, convirtiéndose en el primer escultor de renombre internacional. La Galerie Maeght de París se convirtió en el distribuidor exclusivo de Calder en París en 1950 y durante el resto de su vida. Tras la inesperada muerte de su marchante neoyorquino, Curt Valentin, en 1954, Calder eligió a las Perls Galleries de Nueva York como su nuevo marchante estadounidense, alianza que duró hasta la muerte de Calder.
En 2010, su móvil de metal Untitled (Autumn Leaves), se vendió en Sotheby»s Nueva York por 3,7 millones de dólares. Otro móvil obtuvo 6,35 millones de dólares en Christie»s ese mismo año. También en Christie»s, un móvil de pie llamado Lily of Force (1945), que se esperaba que se vendiera por entre 8 y 12 millones de dólares, se compró por 18,5 millones en 2012. El móvil colgante Poisson volant (1957) de Calder, de 2,5 metros de largo, alcanzó los 25,9 millones de dólares, estableciendo un récord de subasta para el escultor en Christie»s Nueva York en 2014.
A partir de 1966, los ganadores de los National Magazine Awards son premiados con un «Ellie», un establo de color cobre que se asemeja a un elefante y que fue diseñado por Calder. Dos meses después de su muerte, el artista recibió a título póstumo la Medalla Presidencial de la Libertad, el mayor honor civil de Estados Unidos, de manos del presidente Gerald Ford. Sin embargo, los representantes de la familia Calder boicotearon la ceremonia del 10 de enero de 1977 «para hacer una declaración a favor de la amnistía para los que se resistieron al reclutamiento en la guerra de Vietnam».
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Fundación Calder
En 1987, la familia de Calder creó la Fundación Calder, «dedicada a coleccionar, exponer, preservar e interpretar el arte y los archivos de Alexander Calder y encargada de una colección inigualable de sus obras». La fundación cuenta con grandes fondos, con algunas obras que son propiedad de los miembros de la familia y otras de los colaboradores de la fundación. El arte incluye más de 600 esculturas, entre las que se encuentran móviles, estabiles, móviles de pie y esculturas de alambre, y 22 obras monumentales al aire libre, así como miles de óleos, obras sobre papel, juguetes, piezas de joyería y objetos domésticos.Tras haber trabajado principalmente en la catalogación de las obras de Calder, la Fundación Calder se centra ahora en la organización de exposiciones mundiales del artista. Uno de los nietos de Calder, Alexander S. C. «Sandy» Rower, es el presidente de la fundación y otros miembros de la familia forman parte del patronato.
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Cuestiones de autenticidad
La Fundación Calder no autentifica las obras de arte, sino que los propietarios pueden presentar sus obras para su registro en el archivo de la Fundación y para su examen. El comité que realiza los exámenes incluye a expertos, académicos, conservadores de museos y miembros de la familia Calder. El sitio web de la Fundación Calder ofrece detalles sobre las políticas y directrices actuales que rigen los procedimientos de examen.
En 1993, los propietarios de Río Nero (1959), un móvil de chapa y acero aparentemente de Calder, acudieron al Tribunal de Distrito de los Estados Unidos para el Distrito de Columbia alegando que no era de Alexander Calder, como afirmaba su vendedor. Ese mismo año, un juez federal dictaminó que para Río Nero no se había cumplido la carga de la prueba. A pesar de la decisión, los propietarios del móvil no pudieron venderlo porque el reconocido experto, Klaus Perls, lo había declarado copia. El juez reconoció el problema en su momento, señalando que el pronunciamiento de Perls haría que Rio Nero fuera invendible. En 1994, la Fundación Calder se negó a incluir el móvil en el catálogo razonado sobre el artista.
Refiriéndose al caso Río Nero, la División de Apelación del Tribunal Supremo de Nueva York rechazó en 2009 el recurso de un coleccionista de arte que deseaba vender un par de escenografías que Calder había diseñado pero que no llegó a ver terminadas, y que habían sido presentadas sin éxito a la Fundación Calder para su autentificación. El tribunal consideró que no estaba facultado para declarar auténtica la supuesta obra de Calder, ni para ordenar a la Fundación Calder que la incluyera en el catálogo razonado.
En 1995, surgieron preguntas sobre otro supuesto Calder, Two White Dots (que no debe confundirse con la pieza de nombre similar, Two White Dots in the Air, que Calder creó en 1958). En 1973, Calder había creado una maqueta de chapa metálica de 0,30 m de altura para una obra no realizada que llamó Dos puntos blancos. Le regaló esta maqueta a Carmen Segretario, fundadora y propietaria de la Fundición Segré de Waterbury, Connecticut. Durante décadas, Calder había utilizado los servicios de la Fundición Segré para fabricar sus móviles y stabiles. Cada pieza (independientemente del número de copias que se hicieran) era rubricada personalmente por Calder con tiza blanca, tras lo cual un soldador seguía las marcas de tiza para grabar las iniciales en la obra. Calder murió en 1976, sin que se realizara una versión a tamaño real de Dos puntos blancos. En 1982, Segretario construyó una versión a tamaño real de Dos puntos blancos y la vendió en 1983 a la marchante de arte Shirley Teplitz por 70.000 dólares. La documentación de Segetario afirmaba que la obra había sido fabricada alrededor de 1974 «bajo la supervisión y dirección del Artista». Dos puntos blancos se vendió entonces en una subasta en mayo de 1984 por 187.000 dólares. A lo largo de la década siguiente, la pieza se vendió en repetidas ocasiones. En 1995, Jon Shirley (ex presidente de Microsoft y coleccionista de Calder) compró Two White Dots por un millón de dólares. Cuando Shirley presentó la obra a la Fundación Calder para incluirla en su catálogo razonado, la Fundación impugnó su autenticidad. La Galería André Emmerich devolvió el dinero a Shirley y demandó a la Fundición Segré, que se declaró en quiebra. El pleito se resolvió extrajudicialmente a finales de la década de 1990. Two White Dots reside ahora a la intemperie en una granja cerca de un río en las afueras de la pequeña ciudad de Washington, Connecticut.
En 2013, el patrimonio de Calder presentó una demanda contra el patrimonio de su antiguo marchante, Klaus Perls, alegando que Perls había vendido Calders falsos, además de ocultar la propiedad de 679 obras del artista. Tras una batalla de alto nivel con mucha cobertura de prensa, la demanda fue desestimada por la jueza Shirley Werner Kornreich en el Tribunal Supremo del Estado de Nueva York.
Calder y su esposa, Louisa, fueron padres de dos hijas, Sandra (nacida en 1935) y Mary (1939-2011). El marido de Mary, Howard Rower (1939-2000), fue presidente del consejo de la Fundación Alexander y Louisa Calder. Los dos hijos de Mary y Howard son Alexander S. C. «Sandy» Rower (1963), presidente de la Fundación Calder, y Holton Rower (1962), vicepresidente de la Fundación. Alexander Rower creó la Fundación en 1987 con el apoyo de la familia Calder. Tiene cuatro hijos, entre ellos Gryphon Rower-Upjohn, experimentalista sonoro, compositor-intérprete y comisario en el ámbito de la cultura audiovisual, también conocido como Gryphon Rue.
Sandra Calder Davidson y su difunto marido, Jean Davidson, tienen un hijo, Shawn (1956), y una hija, Andréa (1961). Sandra, Shawn y Andréa son vicepresidentes de la Fundación Calder. Jean Davidson era hijo del artista Jo Davidson. Sandra es ilustradora de libros infantiles. Caricaturizó a su familia y amigos como animales en el libro de 2013 The Calder Family and Other Critters: Retratos y reflexiones.
La familia Calder tiene una larga relación con la Putney School, un internado progresista mixto de Vermont. Las hijas de Calder asistieron a la escuela, al igual que varios de sus nietos y bisnietos. Hacia 2007, la familia Rower donó a Putney un móvil de pie (un móvil que se sostiene sobre su propia base fija). Un móvil de 13 pies cuelga en el Calder Hall, en el Centro Michael S. Currier del campus.
Fuentes
