Alfred Stieglitz
gigatos | febrero 13, 2022
Resumen
Alfred Stieglitz HonFRPS (1 de enero de 1864 – 13 de julio de 1946) fue un fotógrafo estadounidense y promotor del arte moderno que, a lo largo de sus 50 años de carrera, contribuyó a que la fotografía se convirtiera en una forma de arte aceptada. Además de por su fotografía, Stieglitz era conocido por las galerías de arte de Nueva York que dirigía a principios del siglo XX, donde presentó a muchos artistas europeos de vanguardia en Estados Unidos.
Stieglitz nació en Hoboken, Nueva Jersey, primer hijo de los inmigrantes judíos alemanes Edward Stieglitz (1833-1909) y Hedwig Ann Werner (1845-1922). Su padre fue teniente del ejército de la Unión y trabajó como comerciante de lana. Tuvo cinco hermanos, Flora (1865-1890), los gemelos Julius (1867-1937) y Leopold (1867-1956), Agnes (1869-1952) y Selma (1871-1957). Alfred Stieglitz, al ver la estrecha relación de los gemelos, deseó tener un alma gemela propia durante su infancia.
Stieglitz asistió al Instituto Charlier, una escuela cristiana de Nueva York, en 1871. Al año siguiente, su familia comenzó a pasar los veranos en el lago George, en las montañas Adirondack, una tradición que continuó hasta la edad adulta de Stieglitz.
Para poder ser admitido en el City College de Nueva York, Stieglitz se matriculó en una escuela pública durante su primer año de instituto, pero la educación le pareció inadecuada. En 1881, Edward Stieglitz vendió su empresa por 40.000 dólares y trasladó a su familia a Europa durante los años siguientes para que sus hijos recibieran una mejor educación. Alfred Stieglitz se matriculó en el Real Gymnasium de Karlsruhe. Al año siguiente, Alfred Stieglitz estudió ingeniería mecánica en la Technische Hochschule de Berlín. Se matriculó en una clase de química impartida por Hermann Wilhelm Vogel, un científico e investigador que trabajaba en los procesos químicos para el revelado de fotografías. En Vogel, Stieglitz encontró tanto el reto académico que necesitaba como una salida para sus crecientes intereses artísticos y culturales. Recibía una asignación de 1.200 dólares (equivalente a 32.181 dólares en 2020) al mes.
En 1884, sus padres regresaron a Estados Unidos, pero Stieglitz, de 20 años, permaneció en Alemania y coleccionó libros sobre fotografía y fotógrafos de Europa y EE.UU. Compró su primera cámara, una cámara de película de 8 × 10 placas, y viajó por los Países Bajos, Italia y Alemania. Tomó fotografías de paisajes y trabajadores del campo. La fotografía, escribió más tarde, «me fascinó, primero como un juguete, luego como una pasión y después como una obsesión».
A través de su autoestudio, vio la fotografía como una forma de arte. En 1887 escribió su primer artículo, «A Word or Two about Amateur Photography in Germany», para la nueva revista The Amateur Photographer. A continuación, escribió artículos sobre los aspectos técnicos y estéticos de la fotografía para revistas de Inglaterra y Alemania.
En 1887 ganó el primer premio por su fotografía La última broma, Bellagio, de Amateur Photographer. Al año siguiente ganó el primer y el segundo premio en el mismo concurso, y su reputación comenzó a extenderse a medida que varias revistas fotográficas alemanas y británicas publicaban sus trabajos.
En 1890, su hermana Flora murió mientras daba a luz, y Stieglitz regresó a Nueva York.
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Nueva York y el Camera Club (1891-1901)
Stieglitz se consideraba un artista, pero se negaba a vender sus fotografías. Su padre le compró un pequeño negocio de fotografía para que pudiera ganarse la vida con su profesión. Como exigía imágenes de gran calidad y pagaba a sus empleados salarios elevados, la Photochrome Engraving Company rara vez obtenía beneficios. Escribía regularmente para la revista The American Amateur Photographer. Ganó premios por sus fotografías en exposiciones, incluida la exposición conjunta del Boston Camera Club, la Photographic Society of Philadelphia y la Society of Amateur Photographers of New York.
A finales de 1892, Stieglitz compró su primera cámara de mano, una cámara de película de placas Folmer y Schwing de 4×5, que utilizó para tomar dos de sus imágenes más conocidas, Winter, Fifth Avenue y The Terminal. Antes de eso, utilizaba una cámara de película de placa 8×10 que requería un trípode.
Stieglitz se hizo famoso por su fotografía y sus artículos en revistas sobre cómo la fotografía es una forma de arte. En la primavera de 1893, se convirtió en coeditor de The American Amateur Photographer. Para evitar la apariencia de parcialidad en sus opiniones y porque Photochrome imprimía ahora los fotograbados para la revista, Stieglitz se negó a cobrar un salario. Escribía la mayoría de los artículos y reseñas de la revista, y era conocido tanto por su contenido técnico como por el crítico.
El 16 de noviembre de 1893, Stieglitz, de 29 años, se casó con Emmeline Obermeyer, de 20 años, hermana de su amigo íntimo y socio comercial Joe Obermeyer y nieta del cervecero Samuel Liebmann. Se casaron en Nueva York. Stieglitz escribió más tarde que no amaba a Emmy, como se la conocía comúnmente, cuando se casaron y que su matrimonio no se consumó durante al menos un año. Hija de un rico cervecero, había heredado dinero de su padre. Stieglitz llegó a arrepentirse de su decisión de casarse con Emmy, ya que ella no compartía sus intereses artísticos y culturales. El biógrafo de Stieglitz, Richard Whelan, resumió su relación diciendo que Stieglitz «se resentía amargamente por no convertirse en su gemela». A lo largo de su vida, Stieglitz mantuvo un fetiche por las mujeres más jóvenes.
A principios de 1894, Stieglitz y su esposa se fueron de luna de miel con retraso a Francia, Italia y Suiza. Stieglitz fotografió mucho durante el viaje, produciendo algunas de sus primeras imágenes famosas, como Un canal veneciano, El remendador de redes y Un día húmedo en el bulevar, París. Durante su estancia en París, Stieglitz conoció al fotógrafo francés Robert Demachy, que se convirtió en su corresponsal y colega de toda la vida. En Londres, Stieglitz conoció a los fundadores de The Linked Ring, George Davison y Alfred Horsley Hinton, que siguieron siendo sus amigos y colegas durante gran parte de su vida.
Ese mismo año, tras su regreso, Stieglitz fue elegido por unanimidad como uno de los dos primeros miembros estadounidenses de The Linked Ring. Stieglitz vio este reconocimiento como el impulso que necesitaba para intensificar su causa de promover la fotografía artística en los Estados Unidos. En ese momento había dos clubes fotográficos en Nueva York, la Society of Amateur Photographers y el New York Camera Club. Stieglitz renunció a su puesto en la Photochrome Company y como editor de American Amateur Photographer y pasó la mayor parte de 1895 negociando la fusión de los dos clubes.
En mayo de 1896, las dos organizaciones se unieron para formar el Camera Club de Nueva York. Aunque se le ofreció la presidencia de la organización, se convirtió en vicepresidente. Desarrolló programas para el club y participó en todos los aspectos de la organización. Le dijo al periodista Theodore Dreiser que quería «hacer que el club fuera tan grande, que sus labores fueran tan distinguidas y que su autoridad fuera tan definitiva que pudiera utilizar satisfactoriamente su gran prestigio para obligar a que se reconozca a los artistas individuales que están fuera y dentro de sus muros».
Stieglitz convirtió el actual boletín del Camera Club en una revista, Camera Notes, y recibió el control total de la nueva publicación. Su primer número se publicó en julio de 1897. Pronto fue considerada la mejor revista fotográfica del mundo. Durante los cuatro años siguientes, Stieglitz utilizó Camera Notes para defender su creencia en la fotografía como forma de arte, incluyendo artículos sobre arte y estética junto a impresiones de algunos de los principales fotógrafos estadounidenses y europeos. El crítico Sadakichi Hartmann escribió «me pareció que la fotografía artística, el Camera Club y Alfred Stieglitz eran sólo tres nombres para una misma cosa».
También siguió haciendo sus propias fotografías. A finales de 1896, realizó a mano los fotograbados para un primer portafolio de su propia obra, Picturesque Bits of New York and Other Studies. Siguió exponiendo en muestras en Europa y Estados Unidos, y en 1898 se había ganado una sólida reputación como fotógrafo. Le pagaron 75 dólares (el equivalente a 2.333 dólares en 2020) por su impresión favorita, Invierno – Quinta Avenida. Diez de las impresiones de Stieglitz fueron seleccionadas ese año para el primer Salón Fotográfico de Filadelfia, donde conoció y se hizo amigo de Gertrude Käsebier y Clarence H. White.
El 27 de septiembre de 1898 nació la hija de Stieglitz, Katherine «Kitty». Con la herencia de Emmy, la pareja contrató a una institutriz, una cocinera y una camarera. Stieglitz trabajaba al mismo ritmo que antes del nacimiento de su hija, por lo que la pareja vivía predominantemente separada bajo el mismo techo.
En noviembre de 1898, un grupo de fotógrafos de Múnich (Alemania) organizó una exposición de su trabajo junto con una muestra de grabados de artistas como Edvard Munch y Henri de Toulouse-Lautrec. Se llamaban a sí mismos los «secesionistas», un término al que Stieglitz se aferró tanto por su significado artístico como social. Cuatro años más tarde, utilizó este mismo nombre para un nuevo grupo de fotógrafos pictóricos que organizó en Nueva York.
En mayo de 1899, Stieglitz realizó una exposición individual, compuesta por ochenta y siete grabados, en el Camera Club. La tensión de la preparación de esta exposición, junto con los continuos esfuerzos para producir Camera Notes, hizo mella en la salud de Stieglitz. Para aliviar su carga, contrató a sus amigos Joseph Keiley y Dallet Fugeut, que no eran miembros del Camera Club, como editores asociados de Camera Notes. Molestos por esta intromisión de personas ajenas a la organización, por no hablar de su propia presencia cada vez menor en la publicación del Club, muchos de los miembros más antiguos del Club comenzaron a hacer una campaña activa contra la autoridad editorial de Stieglitz. Stieglitz se pasó la mayor parte de 1900 buscando formas de superar estos esfuerzos, lo que le llevó a una prolongada batalla administrativa.
Uno de los pocos momentos destacados de ese año fue la presentación de Stieglitz a un nuevo fotógrafo, Edward Steichen, en el Primer Salón Fotográfico de Chicago. Steichen, originalmente pintor, aportó muchos de sus instintos artísticos a la fotografía. Los dos se hicieron buenos amigos y colegas.
Debido a la continua tensión de la gestión del Camera Club, al año siguiente sufrió el primero de varios colapsos mentales. Pasó gran parte del verano en la casa familiar de Lake George, Oaklawn, recuperándose. Cuando regresó a Nueva York, anunció su dimisión como editor de Camera Notes.
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La sesión fotográfica y el trabajo con cámaras (1902-1907)
La fotógrafa Eva Watson-Schütze le instó a crear una exposición que fuera juzgada únicamente por fotógrafos que, a diferencia de los pintores y otros artistas, conocieran la fotografía y sus características técnicas. En diciembre de 1901, Charles DeKay, del National Arts Club, le invitó a organizar una exposición en la que Stieglitz tuviera «pleno poder para seguir sus propias inclinaciones». En el plazo de dos meses, Stieglitz había reunido una colección de grabados de un círculo cercano de sus amigos, que, en homenaje a los fotógrafos de Múnich, llamó la Photo-Secession. Stieglitz no sólo declaraba una secesión de las restricciones artísticas generales de la época, sino específicamente de la supervisión oficial del Camera Club. La exposición se inauguró en el Arts Club a principios de marzo de 1902, y fue un éxito inmediato.
Comenzó a formular un plan para publicar una revista de fotografía pictórica completamente independiente que llevara los estándares artísticos del Photo-Secessionist. En julio, ya había dimitido completamente como editor de Camera Notes, y un mes más tarde publicó un prospecto para una nueva revista que llamó Camera Work. Estaba decidido a que fuera «la mejor y más suntuosa de las publicaciones fotográficas». El primer número se imprimió cuatro meses después, en diciembre de 1902, y como todos los números posteriores contenía hermosos fotograbados realizados a mano, escritos críticos sobre fotografía, estética y arte, y reseñas y comentarios sobre fotógrafos y exposiciones. Camera Work fue «la primera revista fotográfica de enfoque visual».
Stieglitz era un perfeccionista, y lo demostró en todos los aspectos de Camera Work. Hizo avanzar el arte de la impresión en fotograbado exigiendo unos niveles de calidad sin precedentes para las impresiones de Camera Work. La calidad visual de los fotograbados era tan alta que cuando no llegó un juego de impresiones para una exposición de Photo-Secession en Bruselas, se colgó en su lugar una selección de fotograbados de la revista. La mayoría de los espectadores pensaron que estaban viendo las fotografías originales.
A lo largo de 1903, Stieglitz publicó Camera Work y se dedicó a exponer su propia obra y la de los Foto-Secesionistas, al tiempo que lidiaba con las tensiones de su vida familiar. El fotógrafo estadounidense de origen luxemburgués, Edward Steichen, que más tarde comisaría la histórica exposición The Family of Man, era el fotógrafo que más veces aparecía en la revista. Fuguet, Keiley y Strauss, los tres editores asociados de Stieglitz en Camera Notes, le acompañaron en Camera Work. Más tarde, dijo que él solo envolvió y envió individualmente unos 35.000 ejemplares de Camera Work a lo largo de su publicación.
En 1904, Stieglitz estaba de nuevo agotado mental y físicamente y decidió llevar a su familia a Europa en mayo. Planificó un agotador programa de exposiciones, reuniones y excursiones y se derrumbó casi al llegar a Berlín, donde pasó más de un mes recuperándose. Pasó gran parte del resto de 1904 fotografiando Alemania mientras su familia visitaba a sus parientes allí. De regreso a Estados Unidos, Stieglitz se detuvo en Londres y se reunió con los líderes del Linked Ring, pero no pudo convencerles de que crearan una sección de su organización en Estados Unidos (con Stieglitz como director).
El 25 de noviembre de 1905 se inauguraron las «Little Galleries of the Photo-Secession» en la Quinta Avenida con cien copias de treinta y nueve fotógrafos. Steichen había recomendado y animado a Stieglitz, a su regreso de Europa, a alquilar tres habitaciones frente al apartamento de Steichen que ambos consideraban perfectas para exponer fotografía. La galería se convirtió en un éxito instantáneo, con casi quince mil visitantes durante su primera temporada y, lo que es más importante, con ventas de copias que ascendieron a casi 2.800 dólares. Las obras de su amigo Steichen, que tenía un apartamento en el mismo edificio, representaron más de la mitad de esas ventas.
Stieglitz siguió centrando sus esfuerzos en la fotografía, a expensas de su familia. Emmy, que esperaba ganarse algún día el amor de Stieglitz, siguió dándole una asignación de su herencia.
En el número de octubre de 1906 de Camera Work, su amigo Joseph Keiley dijo «Hoy en día, en Estados Unidos se ha librado la verdadera batalla para la que se creó la Photo-Secession: el reconocimiento serio de la fotografía como un medio adicional de expresión pictórica».
Dos meses después, Stieglitz, de 42 años, conoció a la artista Pamela Colman Smith, de 28 años, que deseaba exponer sus dibujos y acuarelas en su galería. Decidió exponer su obra porque pensó que sería «muy instructivo comparar dibujos y fotografías para juzgar las posibilidades y limitaciones de la fotografía». Su exposición se inauguró en enero de 1907, con un número de visitantes mucho mayor que el de cualquiera de las exposiciones fotográficas anteriores, y pronto se vendieron todas sus obras expuestas. Stieglitz, con la esperanza de sacar provecho de la popularidad de la exposición, tomó fotografías de sus obras y publicó un portafolio separado de sus impresiones en platino de su trabajo.
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El Mayordomo, 291 y el arte moderno (1907-1916)
A finales de la primavera de 1907, Stieglitz colaboró en una serie de experimentos fotográficos con su amigo Clarence H. White. Tomaron varias docenas de fotografías de dos modelos vestidas y desnudas e imprimieron una selección utilizando técnicas inusuales, como el entonamiento, el encerado y el dibujo en las impresiones de platino. Según Stieglitz, superó «la imposibilidad de la cámara de hacer ciertas cosas».
Ganó menos de 400 dólares en el año debido a la disminución de las suscripciones a Camera Work y al escaso margen de beneficios de la galería. Durante años, Emmy había mantenido un estilo de vida extravagante que incluía una institutriz a tiempo completo para Kitty y costosas vacaciones en Europa. A pesar de la preocupación de su padre por sus crecientes problemas financieros, la familia Stieglitz y su institutriz volvieron a cruzar el Atlántico.
Durante su viaje a Europa, Stieglitz tomó lo que se reconoce no sólo como su imagen emblemática, sino también como una de las fotografías más importantes del siglo XX. Apuntando con su cámara a los pasajeros de clase baja que se encontraban en la proa del barco, captó una escena que tituló The Steerage. No la publicó ni la expuso durante cuatro años.
Durante su estancia en Europa, Stieglitz asistió a la primera demostración comercial del proceso de fotografía en color Autochrome Lumière, y pronto empezó a experimentar con él en París con Steichen, Frank Eugene y Alvin Langdon Coburn. Se llevó a Múnich tres de los Autochromes de Steichen para hacer reproducciones en cuatricromía que se incluirían en un futuro número de Camera Work.
Se le pidió que renunciara al Camera Club, pero debido a las protestas de otros miembros fue readmitido como miembro vitalicio. Justo después de presentar una innovadora muestra de dibujos de Auguste Rodin, sus problemas financieros le obligaron a cerrar las Pequeñas Galerías durante un breve periodo, hasta febrero de 1908, cuando se reabrieron con el nuevo nombre de «291».
Stieglitz intercaló deliberadamente exposiciones de lo que sabía que sería arte controvertido, como los dibujos sexualmente explícitos de Rodin, con lo que Steichen llamaba «arte comprensible», y con fotografías. La intención era «establecer un diálogo que permitiera a los 291 visitantes ver, discutir y reflexionar sobre las diferencias y similitudes entre artistas de todos los rangos y tipos: entre pintores, dibujantes, escultores y fotógrafos; entre artistas europeos y americanos; entre las figuras más antiguas o consolidadas y los practicantes más jóvenes y nuevos». Durante este mismo periodo, el National Arts Club organizó una «Exposición Especial de Arte Contemporáneo» que incluía fotografías de Stieglitz, Steichen, Käsebier y White junto con pinturas de Mary Cassatt, William Glackens, Robert Henri, James McNeill Whistler y otros. Se cree que fue la primera gran exposición en Estados Unidos en la que los fotógrafos tuvieron la misma importancia que los pintores.
Durante la mayor parte de 1908 y 1909, Stieglitz dedicó su tiempo a crear exposiciones en el 291 y a publicar Camera Work. No hay fotografías tomadas durante este periodo que aparezcan en el catálogo definitivo de su obra, Alfred Stieglitz: The Key Set.
En mayo de 1909, el padre de Stieglitz, Edward, murió y en su testamento dejó a su hijo la entonces importante suma de 10.000 dólares (equivalente a 288.037 dólares en 2020). Stieglitz utilizó esta nueva inyección de dinero para mantener su galería y Camera Work en el negocio durante los siguientes años.
Durante este periodo, Stieglitz conoció a Marius de Zayas, un artista mexicano enérgico y carismático, que se convirtió en uno de sus colegas más cercanos, ayudando tanto en las exposiciones de la galería como presentando a Stieglitz a nuevos artistas en Europa. A medida que aumentaba la reputación de Stieglitz como promotor del arte moderno europeo, pronto se pusieron en contacto con él varios nuevos artistas estadounidenses que deseaban exponer sus obras. A Stieglitz le intrigaba su visión moderna, y en pocos meses Alfred Maurer, John Marin y Marsden Hartley tenían sus obras colgadas en las paredes del 291.
En 1910, Stieglitz fue invitado por el director de la Albright Art Gallery a organizar una gran exposición de lo mejor de la fotografía contemporánea. Aunque el anuncio de un concurso abierto para la muestra se publicó en Camera Work, el hecho de que Stieglitz fuera a encargarse de ella generó una nueva ronda de ataques contra él. Un editorial de la revista American Photography afirmaba que Stieglitz ya no podía «percibir el valor del trabajo fotográfico de mérito artístico que no se ajusta a un estilo particular que es tan característico de todas las exposiciones bajo sus auspicios». Hace media generación, esta escuela era progresista y estaba muy adelantada a su tiempo. Hoy no progresa, sino que es una fuerza reaccionaria del tipo más peligroso».
Stieglitz escribió a su colega George Seeley «La reputación, no sólo de la Photo-Secession, sino de la fotografía está en juego, y tengo la intención de reunir todas las fuerzas disponibles para ganar para nosotros». La exposición se inauguró en octubre con más de 600 fotografías. Los críticos alabaron en general las bellas cualidades estéticas y técnicas de las obras. Sin embargo, los críticos constataron que la gran mayoría de las impresiones de la muestra eran de los mismos fotógrafos que Stieglitz conocía desde hacía años y cuyas obras había expuesto en el 291. Más de quinientas impresiones procedían de sólo treinta y siete fotógrafos, entre los que se encontraban Steichen, Coburn, Seeley, White, F. Holland Day y el propio Stieglitz.
En la edición de enero de 1911 de Camera Work, Stieglitz, despreciando lo que percibía como comercialismo, reimprimió una reseña de la exposición de Buffalo con palabras despectivas sobre las fotos de White y Käsebier. White nunca perdonó a Stieglitz. Creó su propia escuela de fotografía, y Käsebier y White cofundaron la «Pictorial Photographers of America».
A lo largo de 1911 y principios de 1912, Stieglitz organizó innovadoras exposiciones de arte moderno en el 291 y promovió el nuevo arte junto con la fotografía en las páginas de Camera Work. En el verano de 1912, estaba tan cautivado por el arte no fotográfico que publicó un número de Camera Work (agosto de 1912) dedicado exclusivamente a Matisse y Picasso.
A finales de 1912, los pintores Walter Pach, Arthur B. Davies y Walt Kuhn organizaron una exposición de arte moderno, y Stieglitz prestó algunas piezas de arte moderno del 291 a la muestra. También aceptó figurar como vicepresidente honorario de la exposición junto con Claude Monet, Odilon Redon, Mabel Dodge e Isabella Stewart Gardner. En febrero de 1913, se inauguró en Nueva York el decisivo Armory Show, y pronto el arte moderno fue uno de los principales temas de discusión en toda la ciudad. Vio la popularidad de la muestra como una reivindicación del trabajo que había estado patrocinando en el 291 durante los últimos cinco años. Organizó una exposición de sus propias fotografías en el 291 para que coincidiera con el Armory Show. Más tarde escribió que permitir que la gente viera tanto fotografías como pinturas modernas al mismo tiempo «ofrecía la mejor oportunidad al estudiante y al público para comprender más claramente el lugar y el propósito de los dos medios».
En enero de 1914, su mejor amigo y compañero de trabajo, Joseph Keiley, murió, lo que le dejó angustiado durante muchas semanas. El estallido de la Primera Guerra Mundial también le preocupó por varios motivos. Le preocupaba la seguridad de sus familiares y amigos en Alemania. Necesitaba encontrar un nuevo impresor para los fotograbados de Camera Work, que se imprimían en Alemania desde hacía muchos años. La guerra provocó un importante declive en la economía estadounidense y el arte se convirtió en un lujo para mucha gente. A finales de año, Stieglitz luchaba por mantener vivos tanto el 291 como el Camera Work. Publicó el número de abril de Camera Work en octubre, pero pasaría más de un año antes de que tuviera tiempo y recursos para publicar el siguiente número.
Mientras tanto, los amigos de Stieglitz, de Zayas, Paul de Haviland y Agnes Meyer, le convencieron de que la solución a sus problemas era emprender un proyecto totalmente nuevo, algo que le reenganchara a sus intereses. Publicó una nueva revista, llamada 291 por su galería, que pretendía ser el epítome de la cultura de vanguardia. Aunque fue un triunfo estético, fue un desastre financiero y dejó de publicarse tras doce números.
Durante este periodo, Stieglitz se sintió cada vez más intrigado por una estética visual más moderna para la fotografía. Se dio cuenta de lo que ocurría en la pintura y la escultura de vanguardia y descubrió que el pictorialismo ya no representaba el futuro, sino el pasado. Se vio influido en parte por el pintor Charles Sheeler y por el fotógrafo Paul Strand. En 1915, Strand, que llevaba muchos años acudiendo a ver exposiciones en el 291, introdujo a Stieglitz en una nueva visión fotográfica que se plasmaba en las audaces líneas de las formas cotidianas. Stieglitz fue uno de los primeros en ver la belleza y la gracia del estilo de Strand, y le concedió una importante exposición en el 291. También dedicó casi todo el último número de Camera Work a sus fotografías.
En enero de 1916, Stieglitz recibió una carpeta de dibujos a carboncillo de una joven artista llamada Georgia O»Keeffe. Stieglitz quedó tan impresionado por su arte que, sin conocer a O»Keeffe ni obtener su permiso para mostrar sus obras, hizo planes para exponer su trabajo en el 291. La primera vez que O»Keeffe se enteró de todo esto fue por otro amigo que vio sus dibujos en la galería a finales de mayo de ese año. Finalmente conoció a Stieglitz después de ir al 291 y reprenderle por mostrar su obra sin su permiso.
Poco después, O»Keeffe conoció a Paul Strand, y durante varios meses ella y Strand intercambiaron cartas cada vez más románticas. Cuando Strand le contó a su amigo Stieglitz su nuevo anhelo, Stieglitz respondió contándole a Strand su propio enamoramiento de O»Keeffe. Poco a poco, el interés de Strand disminuyó y el de Stieglitz aumentó. En el verano de 1917, él y O»Keeffe se escribían «sus pensamientos más privados y complicados», y estaba claro que se estaba gestando algo muy intenso.
El año 1917 marcó el fin de una era en la vida de Stieglitz y el comienzo de otra. En parte debido al cambio de estética, a los tiempos cambiantes provocados por la guerra y a su creciente relación con O»Keeffe, ya no tenía ni el interés ni los recursos para continuar con lo que había estado haciendo durante la última década. En el plazo de unos meses, disolvió lo que quedaba de la Photo-Secession, dejó de publicar Camera Work y cerró las puertas de 291. También tenía claro que su matrimonio con Emmy había terminado. Por fin había encontrado a «su gemela», y nada se interpondría en su camino hacia la relación que había deseado toda su vida.
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O»Keeffe y el arte moderno (1918-1924)
A principios de junio de 1918, O»Keeffe se trasladó a Nueva York desde Texas después de que Stieglitz le prometiera que le proporcionaría un estudio tranquilo donde pudiera pintar. Al cabo de un mes, él le hizo la primera de las muchas fotografías de desnudos en el apartamento de su familia mientras su esposa Emmy estaba fuera, pero ella regresó cuando la sesión aún estaba en curso. Hacía tiempo que sospechaba que había algo entre los dos, y le dijo que dejara de verla o que se fuera. Stieglitz se marchó e inmediatamente encontró un lugar en la ciudad donde él y O»Keeffe pudieran vivir juntos. Durmieron por separado durante más de dos semanas. A finales de julio estaban juntos en la misma cama, y a mediados de agosto, cuando visitaron Oaklawn, «eran como dos adolescentes enamorados». Varias veces al día subían corriendo las escaleras hasta su dormitorio, con tantas ganas de hacer el amor que empezaban a quitarse la ropa mientras corrían.»
Una vez fuera de su apartamento, Emmy cambió de opinión. Debido a los retrasos legales causados por Emmy y sus hermanos, pasarían seis años más antes de que el divorcio finalizara. Durante este periodo, Stieglitz y O»Keeffe siguieron viviendo juntos, aunque ella se alejaba de vez en cuando para crear arte. Stieglitz aprovechó el tiempo que pasaron separados para concentrarse en su fotografía y en la promoción del arte moderno.
O»Keeffe era la musa que Stieglitz siempre había deseado. Fotografió a O»Keeffe obsesivamente entre 1918 y 1925 en lo que fue el periodo más prolífico de toda su vida. Durante este periodo produjo más de 350 copias montadas de O»Keeffe que retrataban una amplia gama de su carácter, estados de ánimo y belleza. Realizó muchos primeros planos de partes de su cuerpo, especialmente de sus manos, ya sea aisladas o cerca de su cara o su pelo. La biógrafa de O»Keeffe, Roxanna Robinson, afirma que su «personalidad era crucial para estas fotografías; era esto, tanto como su cuerpo, lo que Stieglitz estaba registrando».
En 1920, Stieglitz fue invitado por Mitchell Kennerly, de las Anderson Galleries de Nueva York, a organizar una gran exposición de sus fotografías. A principios de 1921, organizó la primera exposición individual de sus fotografías desde 1913. De las 146 impresiones que expuso, sólo 17 se habían visto antes. Cuarenta y seis eran de O»Keeffe, incluyendo muchos desnudos, pero ella no estaba identificada como modelo en ninguna de las impresiones. Fue en el catálogo de esta exposición donde Stieglitz hizo su famosa declaración: «Nací en Hoboken. Soy estadounidense. La fotografía es mi pasión. La búsqueda de la Verdad mi obsesión». Lo que es menos conocido es que condicionó esta declaración al seguirla con estas palabras:
POR FAVOR: En la anterior DECLARACIÓN no aparecen los siguientes términos, que se están volviendo rápidamente «obsoletos»: ARTE, CIENCIA, BELLEZA, RELIGIÓN, cada ISM, ABSTRACCIÓN, FORMA, PLASTICIDAD, OBJETIVIDAD, SUBJETIVIDAD, ANTIGUOS MAESTROS, ARTE MODERNO, PSICOANÁLISIS, ESTÉTICA, FOTOGRAFÍA PICTORIAL, DEMOCRACIA, CEZANNE, «291», PROHIBICIÓN. El término VERDAD se coló pero puede ser expulsado por cualquiera.
En 1922, Stieglitz organizó una gran exposición de pinturas y grabados de John Marin en las Anderson Galleries, a la que siguió una enorme subasta de casi doscientos cuadros de más de cuarenta artistas estadounidenses, entre ellos O»Keeffe. Animado por esta actividad, comenzó una de sus empresas más creativas e inusuales: fotografiar una serie de estudios de nubes simplemente por su forma y belleza. Decía:
Quería fotografiar nubes para descubrir lo que había aprendido en cuarenta años sobre la fotografía. A través de las nubes para dejar constancia de mi filosofía de vida – para mostrar que (el éxito de) mis fotografías (se debía) no a la temática – no a los árboles o rostros especiales, o a los interiores, a los privilegios especiales – las nubes estaban ahí para todos…
A finales del verano había creado una serie que llamó «Música – Una secuencia de diez fotografías de nubes». A lo largo de los doce años siguientes tomó cientos de fotografías de nubes sin ningún punto de referencia de ubicación o dirección. Se considera que fueron las primeras fotografías intencionadamente abstractas, y siguen siendo algunas de las más impactantes. A partir de entonces se referirá a estas fotografías como Equivalentes.
La madre de Stieglitz, Hedwig, murió en noviembre de 1922, y al igual que hizo con su padre, enterró su dolor en su trabajo. Pasó tiempo con Paul Strand y su nueva esposa Rebecca (Beck), revisó el trabajo de otro recién llegado llamado Edward Weston y comenzó a organizar una nueva exposición de la obra de O»Keeffe. Su exposición se inauguró a principios de 1923, y Stieglitz pasó gran parte de la primavera comercializando su obra. Finalmente, veinte de sus cuadros se vendieron por más de 3.000 dólares. En el verano, O»Keeffe se marchó de nuevo a la soledad del suroeste, y durante un tiempo Stieglitz estuvo solo con Beck Strand en el lago George. Le hizo una serie de fotos desnuda y pronto se encaprichó de ella. Tuvieron una breve relación física antes de que O»Keeffe regresara en otoño. O»Keeffe se dio cuenta de lo que había pasado, pero como no veía a la nueva amante de Stieglitz como una amenaza seria para su relación, dejó pasar las cosas. Seis años más tarde tendría su propia aventura con Beck Strand en Nuevo México.
En 1924, el juez aprobó finalmente el divorcio de Stieglitz, y en cuatro meses él y O»Keeffe se casaron en una pequeña ceremonia privada en casa de Marin. Volvieron a casa sin recepción ni luna de miel. O»Keeffe dijo más tarde que se casaron para ayudar a calmar los problemas de la hija de Stieglitz, Kitty, que en ese momento estaba siendo tratada en un sanatorio por depresión y alucinaciones. Durante el resto de su vida en común, su relación fue, como la biógrafa Benita Eisler la caracterizó, «una confabulación… un sistema de tratos y compensaciones, acordados tácitamente y llevados a cabo, en su mayor parte, sin intercambiar una palabra». Prefiriendo la evasión a la confrontación en la mayoría de los asuntos, O»Keeffe era el principal agente de la colusión en su unión».
En los años siguientes, O»Keeffe pasaría gran parte de su tiempo pintando en Nuevo México, mientras que Stieglitz rara vez salía de Nueva York, salvo para pasar los veranos en la finca familiar de su padre en el lago George, en los Adirondacks, su lugar de vacaciones favorito. O»Keeffe dijo más tarde que «Stieglitz era hipocondríaco y no podía estar a más de 50 millas de un médico».
A finales de 1924, Stieglitz donó 27 fotografías al Museo de Bellas Artes de Boston. Era la primera vez que un gran museo incluía fotografías en su colección permanente. Ese mismo año fue galardonado con la Medalla del Progreso de la Royal Photographic Society por el avance de la fotografía y recibió una beca honorífica de la Sociedad.
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La galería íntima y Un lugar americano (1925-1937)
En 1925, Stieglitz fue invitado por las Anderson Galleries a montar una de las mayores exposiciones de arte americano, titulada Alfred Stieglitz Presents Seven Americans: 159 Paintings, Photographs, and Things, Recent and Never Before Public Shown by Arthur G. Dove, Marsden Hartley, John Marin, Charles Demuth, Paul Strand, Georgia O»Keeffe and Alfred Stieglitz. Sólo se vendió un pequeño cuadro de O»Keeffe durante las tres semanas que duró la exposición.
Poco después, se le ofreció a Stieglitz el uso continuado de una de las salas de las Anderson Galleries, que utilizó para una serie de exposiciones de algunos de los mismos artistas de la muestra Seven Americans. En diciembre de 1925, abrió su nueva galería, «The Intimate Gallery», a la que apodó «The Room» por su pequeño tamaño. Durante los cuatro años siguientes, organizó dieciséis exposiciones de obras de Marin, Dove, Hartley, O»Keeffe y Strand, junto con exposiciones individuales de Gaston Lachaise, Oscar Bluemner y Francis Picabia. Durante este tiempo, Stieglitz cultivó una relación con el influyente nuevo coleccionista de arte Duncan Phillips, que adquirió varias obras a través de la Galería Íntima.
En 1927, Stieglitz se encaprichó de Dorothy Norman, de 22 años, que entonces era voluntaria en la galería, y se enamoraron. Norman estaba casada y tenía un hijo, pero acudía a la galería casi a diario.
O»Keeffe aceptó una oferta de Mabel Dodge para ir a Nuevo México durante el verano. Stieglitz aprovechó su ausencia para empezar a fotografiar a Norman, y también empezó a enseñarle los aspectos técnicos de la impresión. Cuando Norman tuvo un segundo hijo, se ausentó de la galería durante unos dos meses antes de volver con regularidad. Al poco tiempo, se convirtieron en amantes, pero incluso después de que su relación física disminuyera unos años más tarde, siguieron trabajando juntos siempre que O»Keeffe no estaba cerca, hasta que Stieglitz murió en 1946.
A principios de 1929, Stieglitz fue informado de que el edificio que albergaba la Sala sería derribado a finales de año. Tras una última exposición de la obra de Demuth en mayo, se retiró al lago George para pasar el verano, exhausto y deprimido. Los Strands recaudaron casi dieciséis mil dólares para una nueva galería para Stieglitz, que reaccionó con dureza, diciendo que era hora de que los «jóvenes» hicieran parte del trabajo que él había estado cargando durante tantos años. Aunque Stieglitz acabó disculpándose y aceptando su generosidad, el incidente marcó el principio del fin de su larga y estrecha relación.
A finales del otoño, Stieglitz regresó a Nueva York. El 15 de diciembre, dos semanas antes de cumplir los sesenta y cinco años, inauguró «An American Place», la mayor galería que jamás había dirigido. Tenía el primer cuarto oscuro que había tenido en la ciudad. Anteriormente, había tomado prestados otros cuartos oscuros o había trabajado sólo cuando estaba en el lago George. Durante los dieciséis años siguientes, siguió exponiendo en grupo o individualmente a sus amigos Marin, Demuth, Hartley, Dove y Strand. O»Keeffe recibía al menos una exposición importante cada año. Controlaba ferozmente el acceso a sus obras y la promocionaba incesantemente, incluso cuando los críticos le hacían críticas poco favorables. A menudo, durante esta época, sólo se veían durante el verano, cuando hacía demasiado calor en su casa de Nuevo México, pero se escribían casi semanalmente con el fervor de las almas gemelas.
En 1932, Stieglitz montó una retrospectiva de cuarenta años de 127 de sus obras en The Place. Incluyó todas sus fotografías más famosas, pero también eligió a propósito incluir fotos recientes de O»Keeffe, quien, debido a sus años bajo el sol del suroeste, parecía más vieja que sus cuarenta y cinco años, en comparación con los retratos de Stieglitz de su joven amante Norman. Fue una de las pocas veces que actuó con rencor hacia O»Keeffe en público, y puede que fuera como resultado de sus cada vez más intensas discusiones en privado sobre el control que él ejercía sobre su arte.
Ese mismo año, montó una exposición de obras de O»Keeffe junto a unas pinturas amateur sobre vidrio de Becky Strand. No publicó un catálogo de la exposición, lo que los Strand consideraron un insulto. Paul Strand nunca perdonó a Stieglitz por ello. Dijo: «El día que entré en la Photo-Secession 291 en 1907 fue un gran momento en mi vida… pero el día que salí de An American Place en 1932 no fue menos bueno. Fue aire fresco y liberación personal de algo que se había convertido, al menos para mí, en algo de segunda categoría, corrupto y sin sentido».
En 1936, Stieglitz volvió brevemente a sus raíces fotográficas al montar una de las primeras exposiciones de fotos de Ansel Adams en la ciudad de Nueva York. La muestra tuvo éxito y David McAlpin compró ocho fotos de Adams. También organizó una de las primeras exposiciones de la obra de Eliot Porter dos años después. Stieglitz, considerado el «padrino de la fotografía moderna», animó a Todd Webb a desarrollar su propio estilo y a sumergirse en el medio.
Al año siguiente, el Museo de Arte de Cleveland organizó la primera gran exposición de la obra de Stieglitz fuera de sus propias galerías. Para asegurarse de que cada impresión fuera perfecta, trabajó hasta la extenuación. O»Keeffe pasó la mayor parte de ese año en Nuevo México.
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Últimos años (1938-1946)
A principios de 1938, Stieglitz sufrió un grave ataque al corazón, uno de los seis ataques coronarios o de angina de pecho que sufriría en los ocho años siguientes, cada uno de los cuales le dejó cada vez más debilitado. Durante su ausencia, Dorothy Norman dirigió la galería. O»Keeffe permaneció en su casa del suroeste desde la primavera hasta el otoño de este periodo.
En el verano de 1946, Stieglitz sufrió una apoplejía mortal y entró en coma. O»Keeffe regresó a Nueva York y descubrió que Dorothy Norman estaba en su habitación del hospital. Ella se marchó y O»Keeffe estaba con él cuando murió. De acuerdo con sus deseos, se celebró un sencillo funeral al que asistieron veinte de sus amigos y familiares más cercanos. Stieglitz fue incinerado y, junto con su sobrina Elizabeth Davidson, O»Keeffe llevó sus cenizas al lago George y «lo puso donde pudiera oír el agua». Al día siguiente del funeral, O»Keeffe se hizo cargo de An American Place.
Stieglitz produjo más de 2.500 fotografías montadas a lo largo de su carrera. Tras su muerte, O»Keeffe reunió una serie de las que ella consideraba las mejores fotografías que él había montado personalmente. En algunos casos incluyó versiones ligeramente diferentes de la misma imagen, y estas series tienen un valor incalculable por su conocimiento de la composición estética de Stieglitz. En 1949, donó a la Galería Nacional de Arte de Washington la primera parte de lo que llamó el «conjunto clave» de 1.317 fotografías de Stieglitz. En 1980, añadió al conjunto otras 325 fotografías tomadas por Stieglitz de ella, incluyendo muchos desnudos. Ahora, con 1.642 fotografías, es la mayor y más completa colección de la obra de Stieglitz en todo el mundo. En 2002, la National Gallery publicó un catálogo de dos volúmenes y 1.012 páginas que reproducía el conjunto completo de llaves junto con anotaciones detalladas sobre cada fotografía.
En 2019, la National Gallery publicó una edición actualizada y en línea del conjunto de claves de Alfred Stieglitz.
Fuentes
