Andy Warhol

Dimitris Stamatios | julio 1, 2022

Resumen

Andy Warhol (6 de agosto de 1928 – 22 de febrero de 1987) fue un artista, director de cine y productor estadounidense, figura destacada del movimiento artístico visual conocido como arte pop. Sus obras exploran la relación entre la expresión artística, la publicidad y la cultura de las celebridades que floreció en la década de 1960, y abarcan diversos medios, como la pintura, la serigrafía, la fotografía, el cine y la escultura. Algunas de sus obras más conocidas son las serigrafías Campbell»s Soup Cans (1962) y Marilyn Diptych (1962), las películas experimentales Empire (1964) y Chelsea Girls (1966), y los eventos multimedia conocidos como Exploding Plastic Inevitable (1966-67).

Nacido y criado en Pittsburgh, Warhol desarrolló inicialmente una exitosa carrera como ilustrador comercial. Tras exponer su obra en varias galerías a finales de la década de 1950, empezó a recibir reconocimiento como artista influyente y controvertido. Su estudio neoyorquino, The Factory, se convirtió en un conocido lugar de encuentro que reunía a distinguidos intelectuales, drag queens, dramaturgos, bohemios de la calle, celebridades de Hollywood y adinerados mecenas. Promovió una colección de personalidades conocidas como las superestrellas de Warhol, y se le atribuye la inspiración de la expresión «15 minutos de fama», muy utilizada. A finales de la década de 1960 dirigió y produjo la banda de rock experimental The Velvet Underground y fundó la revista Interview. Fue autor de numerosos libros, como The Philosophy of Andy Warhol y Popism: The Warhol Sixties. Vivió abiertamente como gay antes del movimiento de liberación gay. En junio de 1968 estuvo a punto de ser asesinado por la feminista radical Valerie Solanas, que le disparó dentro de su estudio. Tras ser operado de la vesícula biliar, Warhol murió de arritmia cardíaca en febrero de 1987 a la edad de 58 años en Nueva York.

Warhol ha sido objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, libros y películas y documentales. El Museo Andy Warhol de su ciudad natal, Pittsburgh, que alberga una amplia colección permanente de arte y archivos, es el mayor museo de Estados Unidos dedicado a un solo artista. Warhol ha sido descrito como el «barómetro del mercado del arte». Muchas de sus creaciones son muy coleccionables y muy valiosas. Entre sus obras se encuentran algunos de los cuadros más caros jamás vendidos. En 2013, una serigrafía de 1963 titulada Silver Car Crash (Double Disaster) se vendió por 105 millones de dólares. En 2022, Shot Sage Blue Marilyn (1964) se vendió por 195 millones de dólares, que es la obra de arte más cara vendida en subasta por un artista estadounidense.

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Vida temprana y comienzos (1928-1949)

Warhol nació el 6 de agosto de 1928 en Pittsburgh, Pensilvania. Era el cuarto hijo de Ondrej Warhola (conocido como Andrew Warhola, Sr., 1889-1942) y Julia (de soltera Zavacká, 1892-1972), cuyo primer hijo nació en su país natal, Austria-Hungría, y murió antes de su traslado a Estados Unidos.

Sus padres eran emigrantes lemkos de clase trabajadora procedentes de Mikó, Austria-Hungría (ahora llamada Miková, situada en el actual noreste de Eslovaquia). El padre de Warhol emigró a Estados Unidos en 1914, y su madre se unió a él en 1921, tras la muerte de los abuelos de Warhol. El padre de Warhol trabajaba en una mina de carbón. La familia vivía en el número 55 de la calle Beelen y más tarde en el 3252 de la calle Dawson, en el barrio de Oakland de Pittsburgh. La familia era católica rutena y asistía a la iglesia católica bizantina de San Juan Crisóstomo. Andy Warhol tenía dos hermanos mayores: Pavol (Ján nació en Pittsburgh. El hijo de Pavol, James Warhola, se convirtió en un exitoso ilustrador de libros infantiles.

En tercer grado, Warhol tuvo corea de Sydenham (también conocida como danza de San Vito), enfermedad del sistema nervioso que provoca movimientos involuntarios de las extremidades, que se cree que es una complicación de la escarlatina que provoca manchas de pigmentación en la piel. En los momentos en que estaba confinado en la cama, dibujaba, escuchaba la radio y coleccionaba fotos de estrellas de cine alrededor de su cama. Warhol describió posteriormente este periodo como muy importante en el desarrollo de su personalidad, sus habilidades y sus preferencias. Cuando Warhol tenía 13 años, su padre murió en un accidente.

En su adolescencia, Warhol se graduó en la Schenley High School en 1945, y de adolescente también ganó un premio Scholastic Art and Writing Award. Tras graduarse en el instituto, sus intenciones eran estudiar educación artística en la Universidad de Pittsburgh con la esperanza de convertirse en profesor de arte, pero sus planes cambiaron y se matriculó en el Instituto Tecnológico Carnegie, actual Universidad Carnegie Mellon de Pittsburgh, donde estudió arte comercial. Durante su estancia allí, Warhol se unió al Club de Danza Moderna del campus y a la Sociedad de Bellas Artes. También fue director artístico de la revista de arte de los estudiantes, Cano, ilustrando una portada en 1948 y una ilustración interior a toda página en 1949. Se cree que estas son sus dos primeras obras de arte publicadas. Warhol se licenció en Bellas Artes en diseño pictórico en 1949. Ese mismo año se trasladó a la ciudad de Nueva York y comenzó su carrera en la ilustración de revistas y la publicidad.

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1950s

Los primeros años de la carrera de Warhol se dedicaron al arte comercial y publicitario, donde su primer encargo fue dibujar zapatos para la revista Glamour a finales de la década de 1940. En la década de 1950, Warhol trabajó como diseñador para el fabricante de zapatos Israel Miller. Mientras trabajaba en la industria del calzado, Warhol desarrolló su técnica de la «línea borrosa», que consistía en aplicar tinta al papel y luego borrarla mientras estaba húmeda, lo que se asemejaba a un proceso de grabado a la escala más rudimentaria. Su uso del papel de calco y la tinta le permitía repetir la imagen básica y también crear infinitas variaciones sobre el tema. El fotógrafo estadounidense John Coplans recordaba que

Nadie dibujaba los zapatos como lo hacía Andy. De alguna manera, le daba a cada zapato un temperamento propio, una especie de sofisticación socarrona a lo Toulouse-Lautrec, pero la forma y el estilo eran precisos y la hebilla siempre estaba en el lugar correcto. Los niños del apartamento [que Andy compartía en Nueva York – nota de Coplans] se dieron cuenta de que las aberturas de los dibujos de los zapatos de Andy eran cada vez más largas, pero a Miller no le importaba. A Miller le encantaban.

En 1952, Warhol expuso por primera vez en solitario en la Hugo Gallery de Nueva York, y aunque esa muestra no tuvo una buena acogida, en 1956 fue incluido en su primera exposición colectiva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Los «caprichosos» dibujos a tinta de Warhol sobre anuncios de zapatos figuraron en algunas de sus primeras exposiciones en la Bodley Gallery de Nueva York en 1957.

Warhol utilizaba habitualmente el recurso de calcar fotografías proyectadas con un epidiascopio. Utilizando las impresiones de Edward Wallowitch, su «primer novio», las fotografías sufrían una sutil transformación durante el trazado, a menudo superficial, de los contornos y la eclosión de las sombras por parte de Warhol. Warhol utilizó la fotografía de Wallowitch Young Man Smoking a Cigarette (c.1956) para el diseño de la portada de un libro que presentó a Simon and Schuster para la novela pulp de Walter Ross The Immortal, y posteriormente utilizó otras para su serie de pinturas.

Con la rápida expansión de la industria discográfica, RCA Records contrató a Warhol, junto con otro artista independiente, Sid Maurer, para diseñar las portadas de los álbumes y el material promocional.

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1960s

Warhol fue uno de los primeros en adoptar el proceso de serigrafía como técnica para hacer cuadros. En 1962, Max Arthur Cohn le enseñó las técnicas de serigrafía en su negocio de artes gráficas de Manhattan. En su libro Popism: The Warhol Sixties, Warhol escribe: «Cuando haces algo exactamente mal, siempre sale algo».

En mayo de 1962, Warhol apareció en un artículo de la revista Time con su cuadro Big Campbell»s Soup Can with Can Opener (Vegetable) (1962), con el que inició su motivo más constante, la lata de sopa Campbell. Ese cuadro se convirtió en el primero de Warhol que se expuso en un museo cuando se exhibió en el Wadsworth Atheneum de Hartford en julio de 1962. El 9 de julio de 1962, Warhol inauguró una exposición en la Ferus Gallery de Los Ángeles con la obra Campbell»s Soup Cans, que supuso su debut en la Costa Oeste con el arte pop.

En noviembre de 1962, Warhol expuso en la Galería Stable de Eleanor Ward en Nueva York. La exposición incluía las obras Gold Marilyn, ocho de la clásica serie «Marilyn» también llamada «Flavor Marilyns», Marilyn Diptych, 100 Soup Cans, 100 Coke Bottles y 100 Dollar Bills. Gold Marilyn, fue comprada por el arquitecto Philip Johnson y donada al Museo de Arte Moderno. En la exposición, Warhol conoció al poeta John Giorno, que protagonizaría la primera película de Warhol, Sleep (1964).

En diciembre de 1962, el Museo de Arte Moderno de Nueva York organizó un simposio sobre el arte pop, en el que se atacó a artistas como Warhol por «capitular» ante el consumismo. Los críticos se mostraron consternados por la aceptación abierta de Warhol de la cultura del mercado, lo que marcó el tono de su recepción.

A principios de 1963, Warhol alquiló su primer estudio, un antiguo parque de bomberos situado en el 159 de la calle 87 Este. En este estudio creó su serie de Elvis, que incluía Eight Elvises (1963) y Triple Elvis (1963). Estos retratos, junto con una serie de retratos de Elizabeth Taylor, se mostraron en su segunda exposición en la Ferus Gallery de Los Ángeles. Ese mismo año, Warhol trasladó su estudio a la calle 47 Este, que se convertiría en The Factory. The Factory se convirtió en un popular punto de encuentro para una amplia gama de artistas, escritores, músicos y celebridades underground.

En la primavera de 1964, Warhol expuso por segunda vez en la Stable Gallery, con esculturas de cajas comerciales apiladas y esparcidas por el espacio para que parecieran un almacén. Para la exposición, Warhol encargó cajas de madera a medida y serigrafió en ellas gráficos. Las esculturas -Brillo Box, Del Monte Peach Box, Heinz Tomato Ketchup Box, Kellog»s Cornflakes Box, Campbell»s Tomato Juice Box y Mott»s Apple Juice Box- se vendieron entre 200 y 400 dólares, dependiendo del tamaño de la caja.

Un acontecimiento fundamental fue la exposición The American Supermarket en la galería de Paul Bianchini en el Upper East Side en otoño de 1964. La muestra se presentaba como el típico ambiente de un pequeño supermercado, salvo que todo lo que había en él -los productos, las conservas, la carne, los carteles en la pared, etc.- había sido creado por destacados artistas pop de la época, entre ellos el escultor Claes Oldenburg, Mary Inman y Bob Watts. Warhol diseñó una bolsa de la compra de papel de 12 dólares, de color blanco, con una lata de sopa Campbell»s roja. Su pintura de una lata de sopa Campbell»s costó 1.500 dólares, mientras que cada lata autografiada se vendía a 3 por 18 dólares, 6,50 dólares cada una. La exposición fue uno de los primeros eventos masivos que confrontaron directamente al público en general tanto con el arte pop como con la eterna pregunta de qué es el arte.

Como ilustrador publicitario en la década de 1950, Warhol utilizaba asistentes para aumentar su productividad. La colaboración seguiría siendo un elemento definitorio (esto fue especialmente cierto en la década de 1960). Uno de los colaboradores más importantes durante este periodo fue Gerard Malanga. Malanga ayudó al artista en la producción de serigrafías, películas, esculturas y otras obras en «The Factory», el estudio de Warhol revestido de papel de aluminio y pintura de plata en la calle 47 (que posteriormente se trasladó a Broadway). Otros miembros del grupo de Warhol en la Factory eran Freddie Herko, Ondine, Ronald Tavel, Mary Woronov, Billy Name y Brigid Berlin (de quien, al parecer, sacó la idea de grabar sus conversaciones telefónicas).

Durante la década de 1960, Warhol también preparó un séquito de excéntricos bohemios y contraculturales a los que otorgó la denominación de «superestrellas», entre ellos Nico, Joe Dallesandro, Edie Sedgwick, Viva, Ultra Violet, Holly Woodlawn, Jackie Curtis y Candy Darling. Todos ellos participaron en las películas de la Factory, y algunos, como Berlín, siguieron siendo amigos de Warhol hasta su muerte. Figuras importantes del arte underground neoyorquino

El 3 de junio de 1968, la escritora feminista radical Valerie Solanas disparó a Warhol y a Mario Amaya, crítico de arte y comisario, en el estudio de Warhol, The Factory. Antes del tiroteo, Solanas había sido una figura marginal en la escena de la Factory. Fue autora en 1967 del Manifiesto SCUM, un tratado feminista separatista que abogaba por la eliminación de los hombres; y apareció en la película de Warhol de 1968 Yo, un hombre. El día del atentado, Solanas había sido rechazada en la Factory tras pedir que le devolvieran un guión que había entregado a Warhol. Al parecer, el guión se había extraviado.

Amaya sólo recibió heridas leves y fue dado de alta del hospital más tarde ese mismo día. Warhol resultó gravemente herido por el ataque y apenas sobrevivió. Sufrió efectos físicos durante el resto de su vida, incluso tuvo que llevar un corsé quirúrgico. El tiroteo tuvo un profundo efecto en la vida y el arte de Warhol.

Solanas fue detenida al día siguiente de la agresión, tras entregarse a la policía. A modo de explicación, dijo que Warhol «tenía demasiado control sobre mi vida». Posteriormente se le diagnosticó esquizofrenia paranoide y finalmente fue condenada a tres años bajo el control del Departamento de Correcciones. Tras el tiroteo, la escena de la Factory aumentó considerablemente su seguridad, y para muchos se acabaron los «60 de la Factory» («Las superestrellas de los viejos tiempos de la Factory no venían mucho a la nueva Factory»).

Warhol dijo lo siguiente sobre el ataque:

Antes de que me dispararan, siempre pensé que estaba más a medias que a tope; siempre sospeché que estaba viendo la televisión en lugar de vivir la vida. La gente a veces dice que la forma en que suceden las cosas en las películas es irreal, pero en realidad es la forma en que suceden las cosas en la vida la que es irreal. Las películas hacen que las emociones parezcan tan fuertes y reales, mientras que cuando las cosas te suceden de verdad, es como ver la televisión: no sientes nada. Justo cuando me dispararon y desde entonces, supe que estaba viendo la televisión. Los canales cambian, pero todo es televisión.

En 1969, Warhol y el periodista británico John Wilcock fundaron la revista Interview.

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1970s

Warhol realizó una exposición retrospectiva en el Museo Whitney de Arte Americano en 1971. Su famoso retrato del líder comunista chino Mao Zedong fue creado en 1973. En 1975 publicó The Philosophy of Andy Warhol (1975). Una idea expresada en el libro: «Ganar dinero es arte, y trabajar es arte, y el buen negocio es el mejor arte».

En comparación con el éxito y el escándalo de la obra de Warhol en la década de 1960, la de 1970 fue una década mucho más tranquila, ya que se volvió más emprendedor. Se relacionaba con varios locales nocturnos de Nueva York, como el Max»s Kansas City y, más adelante en la década de 1970, el Studio 54. En general, se le consideraba tranquilo, tímido y un observador meticuloso. El crítico de arte Robert Hughes le llamó «el topo blanco de Union Square».

En 1977, el coleccionista de arte Richard Weisman encargó a Warhol la creación de Athletes, diez retratos de los principales atletas del momento.

Según Bob Colacello, Warhol dedicó gran parte de su tiempo a conseguir nuevos y ricos mecenas para encargos de retratos, como el Sha de Irán Mohammad Reza Pahlavi, su esposa la emperatriz Farah Pahlavi, su hermana la princesa Ashraf Pahlavi, Mick Jagger, Liza Minnelli, John Lennon, Diana Ross y Brigitte Bardot. En 1979, a los críticos no les gustaron sus exposiciones de retratos de personalidades y celebridades de los años 70, calificándolas de superficiales, fáciles y comerciales, sin profundidad ni indicación de la importancia de los temas.

En 1979, Warhol y su viejo amigo Stuart Pivar fundaron la New York Academy of Art.

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1980s

Warhol tuvo un resurgimiento del éxito crítico y financiero en la década de 1980, en parte debido a su afiliación y amistad con una serie de prolíficos artistas más jóvenes, que estaban dominando el «mercado alcista» del arte neoyorquino de los años ochenta: Jean-Michel Basquiat, Julian Schnabel, David Salle y otros llamados neoexpresionistas, así como miembros del movimiento transvanguardista en Europa, como Francesco Clemente y Enzo Cucchi. Warhol también se ganó la credibilidad de la calle y el artista del grafiti Fab Five Freddy rindió homenaje a Warhol pintando un tren entero con latas de sopa Campbell.

También se criticaba a Warhol por haberse convertido en un mero «artista comercial». Los críticos criticaron su exposición de 1980 Diez retratos de judíos del siglo XX en el Museo Judío de Manhattan, que Warhol -que no estaba interesado en el judaísmo ni en los judíos- describió en su diario como «Van a vender». Sin embargo, en retrospectiva, algunos críticos han llegado a considerar la superficialidad y la comercialidad de Warhol como «el espejo más brillante de nuestro tiempo», afirmando que «Warhol había captado algo irresistible del zeitgeist de la cultura estadounidense en la década de 1970».

Warhol también apreciaba el intenso glamour de Hollywood. Una vez dijo: «Me encanta Los Ángeles. Me encanta Hollywood. Son tan bonitos. Todo es de plástico, pero me encanta el plástico. Quiero ser de plástico». Warhol se paseó ocasionalmente por las pasarelas de moda y realizó promociones de productos, representado por la agencia Zoli y más tarde por Ford Models.

Antes de los Juegos Olímpicos de Invierno de Sarajevo de 1984, se asoció con otros 15 artistas, entre ellos David Hockney y Cy Twombly, y contribuyó con un grabado de Speed Skater a la colección Arte y Deporte. El patinador de velocidad se utilizó para el póster oficial de los Juegos Olímpicos de Invierno de Sarajevo.

En 1984, Vanity Fair encargó a Warhol un retrato de Prince para acompañar un artículo que celebraba el éxito de Purple Rain y la película que la acompañaba. Haciendo referencia a los numerosos retratos de famosos realizados por Warhol a lo largo de su carrera, Orange Prince (1984) se creó utilizando una composición similar a la serie Marilyn «Flavors» de 1962, entre los primeros retratos de famosos de Warhol. Prince está representado con una paleta de colores pop muy utilizada por Warhol, en naranja brillante con reflejos en verde y azul. Los rasgos faciales y el pelo están serigrafiados en negro sobre el fondo naranja.

En septiembre de 1985, la exposición conjunta de Warhol con Basquiat, Pinturas, se inauguró con críticas negativas en la Galería Tony Shafrazi. Ese mes, a pesar del recelo de Warhol, su serie de serigrafías Reigning Queens se expuso en la Galería Leo Castelli. En los Diarios de Andy Warhol, éste escribió: «Se suponía que eran sólo para Europa; aquí a nadie le importa la realeza y será otra mala crítica».

En enero de 1987, Warhol viaja a Milán para la inauguración de su última exposición, Last Supper, en el Palazzo delle Stelline. Al mes siguiente, Warhol y el músico de jazz Miles Davis modelaron para el desfile de Koshin Satoh en el Tunnel de Nueva York el 17 de febrero de 1987.

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Muerte

Warhol murió en Manhattan a las 6:32 de la mañana del 22 de febrero de 1987, a la edad de 58 años. Según las noticias, se estaba recuperando bien de una operación de vesícula en el Hospital de Nueva York antes de morir mientras dormía a causa de un repentino latido irregular del corazón tras la operación. Antes de su diagnóstico y operación, Warhol retrasó la revisión de sus recurrentes problemas de vesícula biliar, ya que tenía miedo de entrar en los hospitales y ver a los médicos. Su familia demandó al hospital por atención inadecuada, alegando que la arritmia fue causada por una atención inadecuada y una intoxicación por agua. El caso de mala praxis se resolvió rápidamente fuera de los tribunales; la familia de Warhol recibió una suma de dinero no revelada.

Poco antes de su muerte, los médicos esperaban que Warhol sobreviviera a la operación, aunque una reevaluación del caso unos treinta años después de su muerte mostró muchos indicios de que la operación de Warhol era en realidad más arriesgada de lo que se pensaba en un principio. En aquel momento se informó ampliamente de que Warhol había muerto a causa de una operación «rutinaria», aunque si se tienen en cuenta factores como su edad, sus antecedentes familiares de problemas de vesícula biliar, su anterior herida de bala y su estado de salud en las semanas previas a la intervención, el riesgo potencial de muerte tras la operación parecía haber sido importante.

Los hermanos de Warhol llevaron su cuerpo a Pittsburgh, donde se celebró un velatorio con ataúd abierto en la funeraria Thomas P. Kunsak. El ataúd de bronce macizo tenía barandillas doradas y tapicería blanca. Warhol iba vestido con un traje negro de cachemira, una corbata de cachemira, una peluca platino y gafas de sol. Se le depositó sosteniendo un pequeño libro de oraciones y una rosa roja. La liturgia fúnebre se celebró en la iglesia católica bizantina del Espíritu Santo, en la zona norte de Pittsburgh. El panegírico fue pronunciado por monseñor Peter Tay. Yoko Ono y John Richardson fueron los oradores. El féretro se cubrió con rosas blancas y helechos espárragos. Tras la liturgia, el féretro fue conducido al cementerio católico bizantino de San Juan Bautista, en Bethel Park, un suburbio del sur de Pittsburgh.

En la tumba, el sacerdote rezó una breve oración y roció el ataúd con agua bendita. Antes de bajar el ataúd, Paige Powell, amiga de Warhol y directora de publicidad de Interview, dejó caer en la tumba un ejemplar de la revista, una camiseta de Interview y un frasco del perfume «Beautiful» de Estée Lauder. Warhol fue enterrado junto a su madre y su padre. El 1 de abril de 1987 se celebró en Manhattan un servicio fúnebre para Warhol en la Catedral de San Patricio.

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Pinturas

A principios de la década de 1960, el arte pop era una forma experimental que varios artistas estaban adoptando de forma independiente; algunos de estos pioneros, como Roy Lichtenstein, se convertirían más tarde en sinónimos del movimiento. Warhol, que se haría famoso como el «Papa del Pop», se decantó por este nuevo estilo, en el que los temas populares podían formar parte de la paleta del artista. Sus primeros cuadros muestran imágenes extraídas de dibujos animados y anuncios publicitarios, pintadas a mano con gotas de pintura. Esos goteos emulaban el estilo de expresionistas abstractos de éxito como Willem de Kooning.

A partir de estos comienzos, desarrolló su estilo y sus temas posteriores. En lugar de trabajar en un tema característico, como empezó a hacer, trabajó cada vez más en un estilo característico, eliminando poco a poco lo hecho a mano del proceso artístico. Warhol utilizaba con frecuencia la serigrafía; sus últimos dibujos se calcaban a partir de proyecciones de diapositivas. En el apogeo de su fama como pintor, Warhol tenía varios ayudantes que producían sus múltiplos en serigrafía, siguiendo sus indicaciones para hacer diferentes versiones y variaciones.

Los primeros cuadros de arte pop de Warhol se expusieron en abril de 1961, como telón de fondo del escaparate de los grandes almacenes neoyorquinos Bonwit Teller. Este fue el mismo escenario que sus contemporáneos del Pop Art, Jasper Johns, James Rosenquist y Robert Rauschenberg, también habían pisado. Fue la galerista Muriel Latow quien ideó tanto las latas de sopa como los cuadros de dólares de Warhol. El 23 de noviembre de 1961, Warhol extendió a Latow un cheque de 50 dólares que, según la biografía de Warhol de 2009, Pop, The Genius of Warhol, era el pago por haber tenido la idea de las latas de sopa como tema. Para su primera gran exposición, Warhol pintó sus famosas latas de sopa Campbell»s, que, según afirmaba, había comido durante casi toda su vida.

Fue durante la década de 1960 cuando Warhol empezó a pintar objetos icónicos de Estados Unidos, como billetes de dólar, nubes de hongos, sillas eléctricas, latas de sopa Campbell, botellas de Coca-Cola, celebridades como Marilyn Monroe, Elvis Presley y Elizabeth Taylor, así como titulares de periódicos o fotografías de perros policía atacando a manifestantes afroamericanos durante la campaña de Birmingham en el movimiento por los derechos civiles. Su obra se hizo popular y controvertida. Warhol dijo lo siguiente sobre Coca-Cola:{{Blockquote

Warhol realizó obras tanto cómicas como serias; su tema podía ser una lata de sopa o una silla eléctrica. Warhol utilizaba las mismas técnicas -serigrafías, reproducidas en serie, y a menudo pintadas con colores brillantes- tanto si pintaba celebridades, objetos cotidianos o imágenes de suicidios, accidentes de tráfico y desastres, como en la serie Death and Disaster de 1962-63.

En 1979, Warhol recibió el encargo de pintar un BMW M1 Grupo 4 de carreras para la cuarta entrega del proyecto BMW Art Car. Inicialmente se le pidió que pintara un BMW 320i en 1978, pero el modelo del coche fue cambiado y no se clasificó para la carrera de ese año. Warhol fue el primer artista que pintó directamente sobre el automóvil en lugar de dejar que los técnicos transfirieran un diseño a escala al coche. Según se dice, sólo tardó 23 minutos en pintar el coche entero. Los pilotos de carreras Hervé Poulain, Manfred Winkelhock y Marcel Mignot condujeron el coche en las 24 horas de Le Mans de 1979.

Algunas de las obras de Warhol, así como su propia personalidad, han sido descritas como keatonescas. Se ha dicho que Warhol se hacía el tonto ante los medios de comunicación. A veces se negaba a explicar su obra. Ha sugerido que todo lo que hay que saber sobre su obra «ya está ahí »en la superficie»».

Sus manchas de tinta Rorschach pretenden ser comentarios pop sobre el arte y lo que éste podría ser. Su papel pintado de vaca (literalmente, papel pintado con motivo de vaca) y sus pinturas de oxidación (lienzos preparados con pintura de cobre que luego se oxidaba con orina) también son dignos de mención en este contexto. También es digno de mención el modo en que estas obras -y sus medios de producción- reflejaban el ambiente de la «Fábrica» de Andy en Nueva York. El biógrafo Bob Colacello ofrece algunos detalles sobre las «pinturas de orina» de Andy:

Victor … era el meador fantasma de Andy en las Oxidaciones. Venía a la Fábrica a orinar sobre los lienzos que ya habían sido imprimados con pintura a base de cobre por Andy o por Ronnie Cutrone, un segundo meador fantasma muy apreciado por Andy, que decía que la vitamina B que tomaba Ronnie daba un color más bonito cuando el ácido de la orina volvía verde el cobre. ¿Utilizó Andy alguna vez su propia orina? Mi diario muestra que cuando comenzó la serie, en diciembre de 1977, lo hizo, y hubo muchos otros: chicos que venían a comer y bebían demasiado vino, y encontraban divertido o incluso halagador que se les pidiera que ayudaran a Andy a «pintar». Andy siempre tenía un poco de rebote en su andar cuando los llevaba a su estudio.

El retrato que Warhol hizo de Basquiat en 1982, Jean-Michel Basquiat, es una serigrafía sobre una «pintura de pis» de cobre oxidado. Tras muchos años de serigrafía, oxidación, fotografía, etc., Warhol volvió a pintar con un pincel en la mano. En 1983, Warhol comenzó a colaborar con Basquiat y Clemente. Warhol y Basquiat crearon una serie de más de 50 grandes obras en colaboración entre 1984 y 1985. A pesar de las críticas recibidas cuando se expusieron por primera vez, Warhol calificó algunas de ellas de «obras maestras», y fueron influyentes para su obra posterior.

En 1984, el coleccionista y galerista Alexander Iolas le encargó una obra basada en La última cena de Leonardo da Vinci para una exposición en el antiguo refectorio del Palazzo delle Stelline de Milán, frente a Santa Maria delle Grazie, donde se puede ver el mural de Leonardo da Vinci. Warhol superó las exigencias del encargo y produjo cerca de 100 variaciones sobre el tema, en su mayoría serigrafías y pinturas, y entre ellas una escultura en colaboración con Basquiat, los Diez sacos de boxeo (La última cena).La exposición de Milán que se inauguró en enero de 1987 con un conjunto de 22 serigrafías, fue la última exposición tanto del artista como del galerista. La serie de La Última Cena fue considerada por algunos como «posiblemente su mejor obra», pero por otros como «insípida, religiosa» y «sin espíritu». Es la mayor serie de obras de tema religioso realizada por un artista estadounidense.

El artista Maurizio Cattelan describe que es difícil separar los encuentros cotidianos del arte de Andy Warhol: «Eso es probablemente lo mejor de Warhol: la forma en que penetró y resumió nuestro mundo, hasta el punto de que distinguir entre él y nuestra vida cotidiana es básicamente imposible, y en cualquier caso inútil». Warhol fue una inspiración para las recopilaciones de revistas y fotografías de Cattelan, como Permanent Food, Charley y Toilet Paper.

En el periodo inmediatamente anterior a su muerte, Warhol estaba trabajando en Cars, una serie de pinturas para Mercedes-Benz.

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Mercado del arte

El valor de la obra de Andy Warhol ha seguido una trayectoria ascendente sin fin desde su muerte en 1987. En 2014, sus obras acumularon 569 millones de dólares en subasta, lo que supuso más de una sexta parte del mercado mundial del arte. Sin embargo, ha habido algunos descensos. Según la marchante de arte Dominique Lévy, «el comercio de Warhol se mueve algo así como un balancín que es arrastrado cuesta arriba: sube y baja, pero cada nuevo máximo y mínimo está por encima del anterior». Lo atribuye a la constante afluencia de nuevos coleccionistas intrigados por Warhol. «En distintos momentos, ha habido diferentes grupos de coleccionistas que han entrado en el mercado de Warhol, y eso ha provocado picos de demanda, luego satisfacción y una desaceleración», antes de que el proceso se repita en otro grupo demográfico o en la siguiente generación.

En 1998, Orange Marilyn (1964), una representación de Marilyn Monroe, se vendió por 17,3 millones de dólares, lo que en aquel momento estableció un nuevo récord como el precio más alto pagado por una obra de arte de Warhol. En 2007, uno de los cuadros de Warhol de 1963 sobre Elizabeth Taylor, Liz (Colored Liz), que era propiedad del actor Hugh Grant, se vendió por 23,7 millones de dólares en Christie»s.

En 2007, Stefan Edlis y Gael Neeson vendieron Turquoise Marilyn (1964) de Warhol al financiero Steven A. Cohen por 80 millones de dólares. En mayo de 2007, Green Car Crash (1963) se vendió por 71,1 millones de dólares y Lemon Marilyn (1962) se vendió por 28 millones de dólares en la subasta de arte de posguerra y contemporáneo de Christie»s. En 2007, Large Campbell»s Soup Can (1964) se vendió en una subasta de Sotheby»s a un coleccionista sudamericano por 7,4 millones. En noviembre de 2009, 200 billetes de un dólar (1962) en Sotheby»s por 43,8 millones de dólares.

En 2008, Eight Elvises (1963) fue vendida por Annibale Berlingieri por 100 millones de dólares a un comprador privado. La obra representa a Elvis Presley en una pose de pistolero. Se expuso por primera vez en 1963 en la Ferus Gallery de Los Ángeles. Warhol realizó 22 versiones de los retratos de Elvis, 11 de las cuales se conservan en museos. En mayo de 2012, Double Elvis (tipo Ferus) se vendió en una subasta en Sotheby»s por 37 millones de dólares. En noviembre de 2014, Triple Elvis (Ferus Type) se vendió por 81,9 millones de dólares en Christie»s.

En mayo de 2010, un autorretrato púrpura de Warhol de 1986 que era propiedad del diseñador de moda Tom Ford se vendió por 32,6 millones de dólares en Sotheby»s. En noviembre de 2010, Men in Her Life (1962), basado en Elizabeth Taylor, se vendió por 63,4 millones de dólares en Phillips de Pury y Coca-Cola (4) (1962) se vendió por 35,3 millones de dólares en Sotheby»s. En mayo de 2011, el primer autorretrato de Warhol de 1963-64 se vendió por 38,4 millones de dólares y un autorretrato rojo de 1986 se vendió por 27,5 millones de dólares en Christie»s. En mayo de 2011, Liz

En noviembre de 2013, el díptico de Warhol de 1963, Silver Car Crash (Double Disaster), raramente visto, se vendió en Sotheby»s por 105,4 millones de dólares, un nuevo récord para el artista. En noviembre de 2013, Coca-Cola (3) (1962) se vendió por 57,3 millones de dólares en Christie»s. En mayo de 2014, White Marilyn (1962) se vendió por 41 millones de dólares en Christie»s. En noviembre de 2014, Four Marlons (1964), que representa a Marlon Brando, se vendió por 69,6 millones de dólares en Christie»s. En mayo de 2015, Silver Liz (díptico), pintado en 1963-65, se vendió por 28 millones de dólares y Colored Mona Lisa (1963) se vendió por 56,2 millones de dólares en Christie»s. En mayo de 2017, el cuadro de Warhol Big Campbell»s Soup Can With Can Opener (Vegetable), de 1962, se vendió por 27,5 millones de dólares en Christie»s. En 2017, el multimillonario gestor de fondos de cobertura Ken Griffin compró en privado Orange Marilyn por unos 200 millones de dólares. En mayo de 2022, Shot Sage Blue Marilyn (1964) se vendió por 195 millones de dólares en Christie»s, convirtiéndose en la obra de arte estadounidense más cara vendida en una subasta.

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Coleccionistas

Entre los primeros coleccionistas de Warhol y sus influyentes partidarios estaban Emily y Burton Tremaine. Entre las más de 15 obras de arte adquiridas, el Díptico de Marilyn (ahora en la Tate Modern de Londres) y Un chico para Meg (ahora en la National Gallery of Art de Washington, DC), fueron compradas directamente en el estudio de Warhol en 1962. Una Navidad, Warhol dejó una pequeña cabeza de Marilyn Monroe junto a la puerta de los Tremaine en su apartamento de Nueva York en agradecimiento por su apoyo y ánimo.

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Filmografía

Warhol asistió en 1962 al estreno de la composición estática de La Monte Young llamada Trio for Strings y posteriormente creó su famosa serie de películas estáticas. El cineasta Jonas Mekas, que acompañó a Warhol al estreno de Trio, afirma que las películas estáticas de Warhol se inspiraron directamente en la actuación. Entre 1963 y 1968, realizó más de 60 películas, además de unos 500 retratos cortos en blanco y negro de visitantes de la Factory. Una de sus películas más famosas, Sleep, monitoriza al poeta John Giorno durmiendo durante seis horas. La película Blow Job, de 35 minutos, es un plano continuo del rostro de DeVeren Bookwalter recibiendo supuestamente sexo oral del cineasta Willard Maas, aunque la cámara nunca se inclina para verlo. Otra, Empire (1964), consiste en ocho horas de imágenes del Empire State Building en Nueva York al anochecer. La película Eat consiste en un hombre comiendo una seta durante 45 minutos.

Batman Drácula es una película de 1964 que fue producida y dirigida por Warhol, sin el permiso de DC Comics. Sólo se proyectó en sus exposiciones de arte. Como fan de la serie de Batman, la película de Warhol era un «homenaje» a la serie, y se considera la primera aparición de un Batman descaradamente campechano. Hasta hace poco se creía que la película se había perdido, hasta que se mostraron algunas escenas de la misma en el documental de 2006 Jack Smith and the Destruction of Atlantis.

La película de Warhol Vinyl, de 1965, es una adaptación de la popular novela distópica de Anthony Burgess La naranja mecánica. Otras graban encuentros improvisados entre los habituales de la Factory, como Brigid Berlin, Viva, Edie Sedgwick, Candy Darling, Holly Woodlawn, Ondine, Nico y Jackie Curtis. El legendario artista underground Jack Smith aparece en la película Camp.

Su película más popular y con mayor éxito de crítica fue Chelsea Girls (1966). La película era muy innovadora, ya que consistía en la proyección simultánea de dos películas de 16 mm, con dos historias diferentes que se mostraban a la vez. Desde la cabina de proyección, el sonido se elevaba para una de las películas para dilucidar esa «historia» mientras se bajaba para la otra. La multiplicación de las imágenes evocaba las obras de serigrafía seminales de Warhol de principios de los años sesenta.

Warhol era un admirador del trabajo cinematográfico del cineasta Radley Metzger y comentó que la película de Metzger, The Lickerish Quartet, era «una obra maestra escandalosamente pervertida». Blue Movie -una película en la que la superestrella de Warhol Viva hace el amor en la cama con Louis Waldon, otra superestrella de Warhol- fue la última película de Warhol como director. La película, seminal en la Edad de Oro del Porno, fue, en su momento, controvertida por su franca aproximación a un encuentro sexual. Blue Movie se proyectó públicamente en Nueva York en 2005, por primera vez en más de 30 años.

Tras el tiroteo de 1968, un Warhol recluido renunció a su participación personal en el cine. Su acólito y ayudante de dirección, Paul Morrissey, se hizo cargo de las tareas cinematográficas del colectivo Factory, orientando el cine de Warhol hacia un cine de explotación más convencional, basado en la narrativa, de serie B, con Flesh, Trash y Heat. Todas estas películas, incluidas las posteriores Andy Warhol»s Dracula y Andy Warhol»s Frankenstein, eran mucho más convencionales que todo lo que Warhol había intentado como director. Estas últimas películas de Warhol estaban protagonizadas por Joe Dallesandro, más una estrella de Morrissey que una verdadera superestrella de Warhol.

A principios de la década de 1970, la mayoría de las películas dirigidas por Warhol fueron retiradas de la circulación por éste y por las personas de su entorno que dirigían su negocio. Tras la muerte de Warhol, las películas fueron restauradas lentamente por el Museo Whitney y se proyectan ocasionalmente en museos y festivales de cine. Pocas de las películas dirigidas por Warhol están disponibles en vídeo o DVD.

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Música

A mediados de la década de 1960, Warhol adoptó a la banda Velvet Underground, convirtiéndola en un elemento crucial del espectáculo artístico multimedia Exploding Plastic Inevitable. Warhol, junto con Paul Morrissey, actuó como mánager de la banda, presentándoles a Nico (que actuaría con la banda a petición de Warhol). Mientras dirigía a The Velvet Underground, Andy les hacía vestirse de negro para actuar frente a las películas que él también presentaba. En 1966, «produjo» su primer álbum The Velvet Underground & Nico, además de proporcionar su arte del álbum. Su participación real en la producción del álbum se limitó a pagar el tiempo de estudio. Después del primer álbum, Warhol y el líder de la banda, Lou Reed, empezaron a discrepar más sobre la dirección que debía tomar la banda, y su amistad artística terminó. En 1989, tras la muerte de Warhol, Reed y John Cale se volvieron a reunir por primera vez desde 1972 para escribir, interpretar, grabar y lanzar el álbum conceptual Songs for Drella, un homenaje a Warhol. En octubre de 2019, se informó de que una cinta de audio de música desconocida públicamente de Reed, basada en el libro de Warhols de 1975, «The Philosophy of Andy Warhol: From A to B and Back Again», había sido descubierta en un archivo del Museo Andy Warhol de Pittsburgh.

¡¡¡Warhol diseñó muchas portadas de discos para diversos artistas, empezando por la portada fotográfica del álbum de debut de John Wallowitch, This Is John Wallowitch!!! (1964). Diseñó las portadas de los álbumes de The Rolling Stones Sticky Fingers (1971) y Love You Live (1977), y de los álbumes de John Cale The Academy in Peril (1972) y Honi Soit en 1981. Uno de los últimos trabajos de Warhol fue un retrato de Aretha Franklin para la portada de su álbum de oro Aretha, de 1986.

Warhol codirigió el vídeo musical «Hello Again» de los Cars, y apareció en el vídeo como camarero.

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Libros e impresos

A partir de principios de la década de 1950, Warhol produjo varios portafolios sin encuadernar de su obra.

El primero de los varios libros autoeditados por Warhol fue 25 Cats Name Sam and One Blue Pussy, impreso en 1954 por Seymour Berlin en papel con marca de agua de la marca Arches, utilizando su técnica de líneas borrosas para las litografías. La edición original se limitó a 190 ejemplares numerados y coloreados a mano, utilizando los lavados de tinta del Dr. Martin. La mayoría de ellos fueron regalados por Warhol a clientes y amigos. El ejemplar nº 4, con la inscripción «Jerry» en la portada y regalado a Geraldine Stutz, se utilizó para una impresión facsímil en 1987, y el original fue subastado en mayo de 2006 por 35.000 dólares por Doyle New York.

Otros libros autopublicados por Warhol son:

El libro de Warhol A La Recherche du Shoe Perdu (1955) marcó su «transición de artista comercial a artista de galería». (El título es un juego de palabras de Warhol con el título de À la recherche du temps perdu, del autor francés Marcel Proust).

Tras alcanzar la fama, Warhol «escribió» varios libros que se publicaron comercialmente:

Warhol creó la revista de moda Interview, que se sigue publicando hoy en día. Se cree que la escritura del título de la portada es su propia letra o la de su madre, Julia Warhola, que a menudo se encargaba de los textos de sus primeros trabajos comerciales.

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Otros medios de comunicación

Aunque Andy Warhol es más conocido por sus pinturas y películas, fue autor de obras en muchos medios diferentes.

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Sexualidad

Warhol era homosexual. En 1980, dijo a un entrevistador que seguía siendo virgen. El biógrafo Bob Colacello, que estaba presente en la entrevista, opinó que probablemente era cierto y que el poco sexo que practicaba era probablemente «una mezcla de voyeurismo y masturbación». La afirmación de Warhol sobre su virginidad parece contradecirse por su tratamiento en el hospital en 1960 por condilomas, una enfermedad de transmisión sexual. También ha sido desmentida por sus amantes, incluida la musa de Warhol, BillyBoy, que ha dicho que tuvieron relaciones sexuales hasta el orgasmo: «Cuando no era Andy Warhol y cuando estabas a solas con él era una persona increíblemente generosa y muy amable. Lo que me sedujo fue el Andy Warhol que vi a solas. De hecho, cuando estaba con él en público, me ponía de los nervios: …. Me decía: »Eres odioso, no te soporto»». Billy Name también negó que Warhol fuera sólo un mirón, diciendo: «Él era la esencia de la sexualidad. Lo impregnaba todo. Andy la exudaba, junto con su gran creatividad artística….. Aportó una alegría a todo el mundo del arte en Nueva York». «Pero su personalidad era tan vulnerable que se convirtió en una defensa para poner la fachada en blanco». Entre los amantes de Warhol estaban John Giorno, Charles Lisanby y Jon Gould. Su novio durante 12 años fue Jed Johnson, a quien conoció en 1968, y que más tarde alcanzó la fama como diseñador de interiores.

El hecho de que la homosexualidad de Warhol influyera en su obra y moldeara su relación con el mundo del arte es un tema importante en los estudios sobre el artista y es una cuestión que el propio Warhol abordó en entrevistas, en conversaciones con sus contemporáneos y en sus publicaciones (por ejemplo, Popism: The Warhol 1960s). A lo largo de su carrera, Warhol realizó fotografías y dibujos eróticos de desnudos masculinos. Muchas de sus obras más famosas (retratos de Liza Minnelli, Judy Garland y Elizabeth Taylor, y películas como Blow Job, My Hustler y Lonesome Cowboys) se inspiran en la cultura gay underground o exploran abiertamente la complejidad de la sexualidad y el deseo. Como han abordado diversos estudiosos, muchas de sus películas se estrenaron en salas de cine porno gay, como el New Andy Warhol Garrick Theatre y el 55th Street Playhouse, a finales de la década de 1960.

Las primeras obras que Warhol presentó a una galería de arte, dibujos homoeróticos de desnudos masculinos, fueron rechazadas por ser demasiado abiertamente gay. En Popism, además, el artista recuerda una conversación con el cineasta Emile de Antonio sobre la dificultad que tuvo Warhol para ser aceptado socialmente por los entonces más famosos (pero ocultos) artistas gays Jasper Johns y Robert Rauschenberg. De Antonio explicaba que Warhol era «demasiado elegante y eso les molestaba». En respuesta a esto, Warhol escribe: «No había nada que pudiera decir a eso. Era demasiado cierto. Así que decidí que no me iba a importar, porque esas eran todas las cosas que no quería cambiar de todos modos, que no creía que »debiera» querer cambiar… Otras personas podían cambiar sus actitudes, pero yo no». Al analizar la biografía de Warhol, muchos se refieren a este periodo -finales de los años 50 y principios de los 60- como un momento clave en el desarrollo de su personalidad. Algunos han sugerido que su frecuente negativa a comentar su obra, a hablar de sí mismo (limitándose en las entrevistas a respuestas como «Um, no» y «Um, sí», y dejando a menudo que otros hablen por él) -e incluso la evolución de su estilo pop- puede remontarse a los años en que Warhol fue rechazado por primera vez por los círculos internos del mundo del arte neoyorquino.

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Creencias religiosas

Warhol era un católico ruteno practicante. Era voluntario habitual en los albergues para indigentes de Nueva York, sobre todo en las épocas de mayor actividad, y se describía a sí mismo como una persona religiosa. Muchas de las obras posteriores de Warhol representaban temas religiosos, incluidas dos series, Detalles de pinturas renacentistas (1984) y La última cena (1986). Además, se encontró un conjunto de obras de temática religiosa de forma póstuma en su patrimonio.

A lo largo de su vida, Warhol asistió con regularidad a la liturgia, y el sacerdote de la iglesia de Warhol, San Vicente Ferrer, dijo que el artista iba allí casi a diario, aunque no se le observaba comulgando o confesándose y se sentaba o arrodillaba en los bancos del fondo. El sacerdote creía que tenía miedo de que le reconocieran; Warhol decía que le cohibía que le vieran en una iglesia de rito romano cruzándose «a la manera ortodoxa» (de derecha a izquierda en vez de al revés).

Su arte está notablemente influenciado por la tradición cristiana oriental, tan evidente en sus lugares de culto.

El hermano de Warhol ha descrito al artista como «muy religioso, pero no quería que la gente lo supiera porque era algo privado». A pesar de la naturaleza privada de su fe, en el elogio de Warhol, John Richardson lo describió como devoto: «Que yo sepa, fue responsable de al menos una conversión. Se enorgullecía de financiar los estudios de su sobrino para el sacerdocio».

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Colecciones

Warhol era un ávido coleccionista. Sus amigos se referían a sus numerosas colecciones, que llenaban no sólo su casa de cuatro pisos, sino también un almacén cercano, como «las cosas de Andy». El verdadero alcance de sus colecciones no se descubrió hasta después de su muerte, cuando el Museo Andy Warhol de Pittsburgh recibió 641 cajas de sus «cosas».

Las colecciones de Warhol incluían un cartel de recuerdos de Coca-Cola y pinturas del siglo XIX, junto con menús de avión, facturas sin pagar, masa de pizza, novelas pulp pornográficas, periódicos, sellos, folletos de supermercado y tarros de galletas, entre otras excentricidades. También incluía importantes obras de arte, como Miss Bentham, de George Bellows. Una de sus principales colecciones eran las pelucas. Warhol poseía más de 40 y se sentía muy protector de sus postizos, que eran cosidos por un peluquero neoyorquino a partir de pelo importado de Italia. En 1985, una niña le arrebató la peluca a Warhol de la cabeza. Más tarde se descubrió en el diario de Warhol de ese día que escribió: «No sé qué me impidió empujarla por el balcón».

En 1960, había comprado un dibujo de una bombilla de Jasper Johns.

Otro objeto encontrado en las cajas de Warhol en el museo de Pittsburgh fue un pie humano momificado del antiguo Egipto. El conservador de antropología del Museo Carnegie de Historia Natural consideró que lo más probable es que Warhol lo encontrara en un mercadillo.

Andy Warhol también coleccionaba muchos libros, con más de 1200 títulos en su colección personal. De ellos, 139 títulos han sido identificados públicamente a través de un catálogo de la subasta de Sotheby»s de 1988, The Andy Warhol Collection, y pueden verse en línea. Su colección de libros refleja su gusto e intereses eclécticos, e incluye libros escritos por y sobre algunos de sus conocidos y amigos. Algunos de los títulos de su colección son The Two Mrs: Una novela de Dominick Dunne, Artists in Uniform de Max Eastman, Andrews» Diseases of the Skin: Clinical Dermatology de George Clinton Andrews, D.V. de Diana Vreeland, Blood of a Poet de Jean Cocteau, Watercolours de Francesco Clemente, Little World, Hello! de Jimmy Savo, Hidden Faces de Salvador Dalí y The Dinah Shore Cookbook de Dinah Shore.

En 2002, el Servicio Postal de Estados Unidos emitió un sello de 18 centavos en conmemoración de Warhol. Diseñado por Richard Sheaff, de Scottsdale (Arizona), el sello se presentó en una ceremonia en el Museo Andy Warhol y muestra el cuadro de Warhol «Autorretrato, 1964». En marzo de 2011, se descubrió una estatua cromada de Andy Warhol y su cámara Polaroid en Union Square, en Nueva York.

Un cráter de Mercurio recibió el nombre de Warhol en 2012.

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Fundación Warhol

El testamento de Warhol establecía que todo su patrimonio -a excepción de algunos modestos legados a miembros de la familia- se destinaría a crear una fundación dedicada al «avance de las artes visuales». Warhol tenía tantas posesiones que Sotheby»s tardó nueve días en subastar su patrimonio tras su muerte; la subasta recaudó más de 20 millones de dólares.

En 1987, de acuerdo con el testamento de Warhol, se creó la Fundación Andy Warhol para las Artes Visuales. La fundación actúa como patrimonio de Andy Warhol, pero también tiene la misión de «fomentar la expresión artística innovadora y el proceso creativo» y está «centrada principalmente en apoyar trabajos de naturaleza desafiante y a menudo experimental».

La Sociedad de Derechos de los Artistas es el representante de los derechos de autor en Estados Unidos de la Fundación Andy Warhol para las Artes Visuales para todas las obras de Warhol, a excepción de los fotogramas de películas de Warhol. El representante de los derechos de autor en Estados Unidos para los fotogramas de películas de Warhol es el Warhol Museum de Pittsburgh. Además, la Andy Warhol Foundation for the Visual Arts tiene acuerdos para su archivo de imágenes. Todas las imágenes digitales de Warhol son gestionadas exclusivamente por Corbis, mientras que todas las imágenes en transparencia de Warhol son gestionadas por Art Resource.

La Fundación Andy Warhol publicó su Informe Anual del 20º Aniversario en tres volúmenes en 2007: Vol. I, 1987-2007; Vol. II, Grants & Exhibitions; y Vol. III, Legacy Program.

La Fundación está recopilando su catálogo razonado de pinturas y esculturas en volúmenes que cubren bloques de años de la carrera del artista. Los volúmenes IV y V se publicaron en 2019. Los siguientes volúmenes están aún en proceso de recopilación.

La Fundación sigue siendo una de las mayores organizaciones que conceden subvenciones a las artes visuales en Estados Unidos.

Muchas de las obras y posesiones de Warhol se exponen en el Museo Andy Warhol de Pittsburgh. La fundación donó más de 3.000 obras de arte al museo.

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Revelación en Brooklyn

Del 19 de noviembre de 2021 al 19 de junio de 2022, el Museo de Brooklyn mostrará la exposición Andy Warhol: Revelation. Revelación examina temas como la vida y la muerte, el poder y el deseo, el papel y la representación de la mujer, la imaginería renacentista, las tradiciones y los rituales familiares y de los inmigrantes, las representaciones y duplicaciones de Cristo, y el cuerpo católico y el deseo queer. Entre los más de cien objetos expuestos se encuentran materiales raros y objetos recién descubiertos que proporcionan una visión fresca e íntima del proceso creativo de Warhol, así como cuadros importantes de su épica serie de la Última Cena (1986), la película experimental The Chelsea Girls (1966), una película inacabada que representa la puesta de sol encargada por la familia de Menil y financiada por la Iglesia Católica Romana, y dibujos creados por la madre de Warhol, Julia Warhola, cuando vivía con su hijo en Nueva York.

Warhol fundó la revista Interview, un escenario para las celebridades a las que «avalaba» y un negocio con personal de sus amigos. Colaboró con otros en todos sus libros (algunos de los cuales fueron escritos con Pat Hackett). Incluso se podría decir que produjo personas (como en la «superestrella» warholiana y el retrato warholiano). Warhol promocionaba productos, aparecía en anuncios publicitarios y hacía frecuentes apariciones como invitado de famosos en programas de televisión y películas (apareció en todo, desde Love Boat hasta la película de Richard Pryor, Dynamite Chicken).

En este sentido, Warhol era un fanático del «Art Business» y del «Business Art»; de hecho, escribió sobre su interés en pensar en el arte como negocio en The Philosophy of Andy Warhol from A to B and Back Again.

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Películas

Warhol apareció como él mismo en la película Cocaine Cowboys (1979) y en la película Tootsie (1982).

Tras su muerte, Warhol fue retratado por Crispin Glover en la película de Oliver Stone The Doors (1991), por Jared Harris en la película de Mary Harron I Shot Andy Warhol (1996) y por David Bowie en la película de Julian Schnabel Basquiat (1996). Bowie recordó cómo conocer a Warhol en la vida real le ayudó en el papel, y relató sus primeros encuentros con él:

Me encontré con él un par de veces, pero rara vez compartimos algo más que tópicos. La primera vez que nos vimos se hizo un silencio incómodo hasta que él comentó mis brillantes zapatos amarillos y empezó a hablar con entusiasmo. Quería ser muy superficial. Y aparentemente sin emoción, indiferente, como un pez muerto. Lou Reed lo describió más profundamente cuando una vez me dijo que deberían sacar al mercado un muñeco de Andy: un muñeco al que se le da cuerda y no hace nada. Pero me las arreglé para observarlo bien, y eso fue una ayuda para la película Tomamos prestada su ropa del museo de Pittsburgh, y estaba intacta, sin lavar. Ni siquiera los bolsillos se habían vaciado: contenían pancafé, fond de teint blanco, mortalmente pálido, que Andy siempre se untaba en la cara, un cheque roto en pedazos, la dirección de alguien, muchas pastillas homeopáticas y una peluca. Andy siempre llevaba esas pelucas plateadas, pero nunca admitía que fueran pelucas. Uno de sus peluqueros me ha dicho últimamente que se hacía cortar las pelucas con regularidad, como si fuera pelo de verdad. Cuando se cortaba la peluca, se ponía otra al mes siguiente como si le hubiera crecido el pelo.

Warhol aparece como personaje en la ópera Jackie O (1997), de Michael Daugherty. El actor Mark Bringleson hace un breve cameo como Warhol en Austin Powers: El hombre misterioso internacional (1997). Muchas películas del cineasta vanguardista Jonas Mekas han recogido los momentos de la vida de Warhol. Sean Gregory Sullivan representó a Warhol en la película 54 (1998). Guy Pearce retrató a Warhol en la película Factory Girl (2007) sobre la vida de Edie Sedgwick. El actor Greg Travis retrata a Warhol en una breve escena de la película Watchmen (2009).

En la película Autopista al infierno, un grupo de Andy Warhols forma parte de la empresa Good Intentions Paving Company, donde las almas bienintencionadas son trituradas en el pavimento. En la película Men in Black 3 (2012) Andy Warhol resulta ser en realidad el agente encubierto W del MIB (interpretado por Bill Hader). Warhol da una fiesta en The Factory en 1969, donde es buscado por los agentes K y J del MIB (J del futuro). El agente W está desesperado por acabar con su trabajo encubierto («¡Estoy tan falto de ideas que estoy pintando latas de sopa y plátanos, por el amor de Dios!», «Tienes que fingir mi muerte, ¿vale? No puedo seguir escuchando música de sitar» y «No puedo distinguir a las mujeres de los hombres»).

Andy Warhol (interpretado por Tom Meeten) es uno de los personajes principales del programa de televisión británico de 2012 Noel Fielding»s Luxury Comedy. El personaje es representado con gestos similares a los de un robot. En el largometraje de 2017 The Billionaire Boys Club, Cary Elwes interpreta a Warhol en una película basada en la historia real de Ron Levin (interpretado por Kevin Spacey), un amigo de Warhol que fue asesinado en 1986. En septiembre de 2016, se anunció que Jared Leto interpretaría al personaje principal de Warhol, una próxima película biográfica estadounidense producida por Michael De Luca y escrita por Terence Winter, basada en el libro Warhol: The Biography de Victor Bockris.

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Televisión

Warhol apareció como personaje recurrente en la serie de televisión Vinyl, interpretado por John Cameron Mitchell. Warhol fue interpretado por Evan Peters en el episodio de American Horror Story: Cult, en el episodio «Valerie Solanas murió por tus pecados: Scumbag». El episodio muestra el intento de asesinato de Warhol por parte de Valerie Solanas (Lena Dunham).

A principios de 1969, Braniff International encargó a Andy Warhol que apareciera en dos anuncios de televisión para promocionar la campaña de la aerolínea de lujo «When You Got It – Flaunt It». La campaña fue creada por la agencia de publicidad Lois Holland Calloway, dirigida por George Lois, creador de una famosa serie de portadas de la revista Esquire. La primera serie de anuncios consistía en emparejar a personas insólitas que compartían el hecho de volar en Braniff Airways. Warhol fue emparejado con la leyenda del boxeo Sonny Liston. El extraño anuncio funcionó, al igual que los demás, en los que aparecían compañeros de viaje inverosímiles, como el pintor Salvador Dalí y la leyenda del béisbol Whitey Ford.

Se crearon otros dos anuncios para Braniff en los que aparecían personas famosas que entraban en un avión de Braniff y eran recibidas por una azafata de Braniff, mientras que exponían su gusto por volar con Braniff. Warhol también apareció en el primero de estos anuncios que también fueron producidos por Lois y se estrenaron en el verano de 1969. Lois ha declarado incorrectamente que Braniff le encargó la representación durante ese año, pero en ese momento la decana de la publicidad de Madison Avenue, Mary Wells Lawrence, que estaba casada con el presidente de Braniff, Harding Lawrence, representaba a la compañía aérea con sede en Dallas. Lois sucedió a la agencia Wells Rich Greene el 1 de diciembre de 1968. Los derechos de las películas de Warhol para Braniff y sus contratos firmados son propiedad de un fideicomiso privado y son administrados por la Fundación Braniff Airways en Dallas, Texas.

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Música

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Libros

En 2020 se publicó una biografía de Andy Warhol escrita por el crítico de arte Blake Gopnik con el título Warhol.

Fuentes

1. Andy Warhol
2. Andy Warhol
3. ^ Trebay, Guy; La Ferla, Ruth (November 12, 2018). «Tales From the Warhol Factory – In each of three successive spaces called the Factory, Andy Warhol created movies, paintings, time capsules and psychosexual dramas with a half-life of many decades. Here his collaborators recall the places, the times and the man». The New York Times. Archived from the original on January 1, 2022. Retrieved November 13, 2018.
4. ^ Pescovitz, David (November 12, 2018). «Memories from Warhol»s Factory». Boing Boing. Archived from the original on November 13, 2018. Retrieved November 13, 2018.
5. ^ Rosen, Miss (November 13, 2018). «Juicy Stories About What Andy Warhol Was Really Like – «Andy seemed to be floating through space. He had this magical energy and looked like nobody else.»». Vice. Archived from the original on November 14, 2018. Retrieved November 13, 2018.
6. http://www.npr.org/2012/08/06/157776348/in-warhols-memory-soup-cans-and-coke-bottles
7. Andy Warhol. In: fineartmultiple.de. Abgerufen am 13. Juni 2017.
8. Stefana Sabin: Andy Warhol, Rowohlt, 1992, S. 10f/140
9. Zitiert nach Andy Warhol Museum, Pittsburgh
10. Frazier, p. 708
11. Bockris 1990, s. 14–17.
12. a b Bockris 1990, s. 20–25.
13. Bockris 1990, s. 27–30.
14. Bockris 1990, s. 33–34.