Barnett Newman
gigatos | enero 28, 2022
Resumen
Barnett Newman (29 de enero de 1905, Nueva York – 4 de julio de 1970, Nueva York) fue un pintor estadounidense. Es uno de los representantes más importantes del expresionismo abstracto y uno de los primeros pintores de la pintura de color.
Lea también, biografias – Gebhard Leberecht von Blücher
Infancia
Barnett Newman nació en la casa de su familia en el 480 de Cherry Street, en el Lower East Side de Manhattan, en Nueva York, el 29 de enero de 1905. Sus padres, Abraham y Anna (nacidos, respectivamente, en 1874 y 1882) eran inmigrantes judíos de la ciudad polaca de Lomza.
El padre se ganaba la vida vendiendo piezas de máquinas de coser a los trabajadores de las fábricas de ropa. Barnett Newman tenía cuatro hermanos y hermanas. El mayor murió en la infancia, por lo que Barnett es el mayor de los hermanos. Abraham Newman inició un negocio de ropa industrial. Su negocio prosperó y en 1915 la familia Newman se había trasladado a Belmont Avenue, un barrio de clase media del Bronx. Allí, Barnett disfrutó de una infancia llena de deportes y clases de piano.
Los Newman eran sionistas y los niños asistían a la Escuela Nacional Hebrea del Bronx. Además de las clases de la escuela, los niños reciben clases en casa de jóvenes judíos de Europa.
Lea también, historia – Unión de Kalmar
Adolescencia
De 1919 a 1923, Barnett Newman estudió en el instituto DeWitt Clinton. Más tarde, Newman contó que solía hacer novillos en la escuela para entretenerse en el cercano Museo Metropolitano de Arte.
Durante su primer año de instituto, Newman buscó un segundo nombre, que se convirtió en Benedict, un derivado de su nombre hebreo Baruch. Más tarde, se llamaría «Barney» y luego «B.B.». Newman utilizó una «B» adicional en su firma, que utilizó durante el resto de su vida en todos sus documentos oficiales.
En su último año de instituto, Newman trabajaba en sus dibujos en clase seis días a la semana en la Art Students League. Fue recompensado cuando su dibujo, muy trabajado, fue elegido en una exposición de los mejores trabajos de los estudiantes.
En esta escuela, de 1923 a 1927, Newman conoció a Adolph Gottlieb, que ya había comenzado su vida como artista, ya que Gottlieb había abandonado el instituto en 1921 para estudiar arte y visitar Europa. Se hicieron amigos y visitaban regularmente el Museo Metropolitano de Arte.
Después del instituto, Newman se matriculó en la Universidad de Nueva York, donde estudió filosofía. Colaboró con artículos en el periódico escolar The Campus y en la revista literaria estudiantil The Lavander. Por ejemplo, publicó una reseña de Roger Fry. Durante sus estudios, entabló amistad con Aaron Siskind, un artista que más tarde se convertiría en un conocido fotógrafo.
En los años 30 pintó lo que se dice que eran obras expresionistas, pero las destruyó todas. Después se convirtió en escritor y crítico de arte, organizando exposiciones y escribiendo los prólogos de los catálogos. Más tarde se convirtió en miembro del Grupo Uptown.
Lea también, historia – Hermanos Wright
Después de la universidad
En 1927, el padre de Newman le ofreció la posibilidad de incorporarse al próspero negocio de la familia con el fin de ahorrar dinero para el precario futuro al que podría enfrentarse un artista. Barnett Newman aceptó y se le unió uno de sus hermanos.
En 1929, cuando la bolsa se desploma en octubre, el negocio familiar de ropa está en crisis. Mientras su hermano dejaba el negocio, Barnett Newman se quedaba para intentar ayudar a su padre a salvar la empresa. Pero el negocio sigue colapsando. Barnett dejó la empresa y trató de convertirse en profesor de arte en el sistema escolar público de Nueva York. Se convirtió en profesor sustituto de arte ganando 7,50 dólares al día.
A través de su amigo Gottlieb, conoció al pintor Milton Avery en la década de 1930. Se convirtieron en el centro de un grupo de jóvenes artistas que se reunían con frecuencia en la casa de Milton Avery para estudiar su obra y discutir sobre literatura. Newman y Gottlieb vivieron juntos durante este periodo.
Unos años más tarde, Newman presentó con un amigo un manifiesto titulado «La necesidad de la acción pública de los hombres de la cultura», que constaba de tres partes: una educación más amplia, una mayor consideración de la artesanía y el fomento de la vida cultural.
En 1934, Newman se hizo amigo de Annalee Greenhouse, con quien compartió y disfrutó de la música. Se convirtió en su esposa algún tiempo después.
En 1935, retomó un trabajo que había hecho de estudiante sobre la defensa de los derechos de los funcionarios (maestros, recolectores de basura, etc.) que llamó «La respuesta» y escribió: «Los libros que recomendamos» y promulgó libros como la Ética de Spinoza, la República de Platón y un texto espejo titulado: «Los libros que condenamos» y citó las obras de Marx o Lenin.
Lea también, biografias – Henri Cartier-Bresson
Su carrera docente
El 30 de junio de 1936, Annalee y Barnett se casaron. La pareja quería mudarse a Maine, pero los problemas económicos les obligaron a volver a sus puestos de trabajo como profesores en Nueva York.
En 1939, Annalee consiguió un puesto de profesora titular en un instituto de Queens (William Cullen Bryant School).
Una acuarela de Newman titulada «Country Studio» formó parte de una exposición de arte organizada por miembros de la Asociación de Profesores de Arte en marzo de 1940. Esta acuarela es casi similar a la campaña: «¿Podemos dibujar?» que había aparecido dos años antes. En octubre de ese mismo año, Newman decidió abandonar algunas de las clases nocturnas de serigrafía que impartía. Siguió interesándose por las ciencias naturales. Realizó cursos en el Museo Americano de Historia Natural y fue elegido miembro asociado de la Unión Americana de Ornitólogos. Durante el verano, Barnett y Annalee estudiaron las aves y la vida marina en Maine y luego tomaron cursos de botánica y ornitología en la Universidad de Cornell en Ithaca, Nueva York.
Lea también, eventos_importantes – Guerra del Peloponeso
Carrera artística
En 1943, Barnett Newman escribió el prefacio del catálogo de la primera exposición de la AMA, American Modern Artists. Esta muestra fue una protesta contra el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York por su exclusión del arte moderno de sus exposiciones. En 1945, se dedicó a varios escritos que se publicarían post mortem como: «La imagen de plasma», un ensayo que exponía sus ideas sobre el arte abstracto. Ese mismo año, Newman y su esposa se enteraron de que algunos miembros de la familia habían sido deportados por los nazis. En esta época se hizo muy amigo de Tony Smith, un arquitecto y artista que le ayudó a organizar exposiciones. A finales de ese año, Newman se unió a los artistas que exponían en la muestra de Betty Parsons. Esta fue la primera exposición de Newman desde la de 1940 con sus amigos, los miembros de la Asociación de Profesores de Arte.
En 1947, Newman conoció a Jackson Pollock y a Lee Krashner. Newman y Pollock forjaron una fuerte amistad. Pollock fue un artista que expuso su obra en la última exposición «Art of This Century» creada por Peggy Guggenheim. La amiga de Newman, Betty Parson, añadió posteriormente a Pollock a los artistas que exponía en su galería. Ese mismo año, Newman preparó un evento en la galería de Betty Parson donde expuso sus obras: Gea y Euclidian Abyss.
En junio de 1947, el padre de Newman murió. Al final del curso escolar, Newman dejó su trabajo y su matrimonio para vivir con los únicos ingresos de Annalee, su mujer. Newman escribió un ensayo titulado El primer hombre fue un artista. Este ensayo apareció en el primer número de Tiger»s Eye, una pequeña revista de arte. Hizo una importante contribución al escribir sobre el tema «Por qué pinto», del que dijo: «Un artista pinta para tener algo que mirar, a veces tiene que escribir para tener también algo que leer. Ese mismo año, su obra Euclidian Abyss fue expuesta por el Abstract and Surrealist American Art en el Art Institute of Chicago en noviembre de 1947. Este cuadro fue la primera venta de Newman. El cuadro fue adquirido por coleccionistas de Connecticut.
Al año siguiente, 1948, Newman pintó Onement I. Este cuadro debe considerarse como un gran avance en su carrera; los dos años siguientes serían los más productivos de su vida. Onement I forma parte de la serie Onement, junto con Onement II y Onement III. A principios de otoño, William Baziotes, David Hare, Robert Motherwell y Mark Rothko formaron una escuela de arte cooperativa. Newman sugirió el nombre de la escuela, Sujetos del Artista, para destacar la importancia del objeto en el arte abstracto.
En 1949, Newman realizó diecisiete obras en el mismo año, el más productivo de su carrera. En enero, Newman se incorporó a la facultad de Asuntos Artísticos. El matrimonio Newman ayudó a organizar conferencias para la escuela. A pesar de su popularidad, la escuela cerró en mayo de 1949.
En 1950, Newman realizó su primera exposición individual en la galería de Betty Parsons. Inmediatamente después de esta primera exposición, Barnett Newman dijo en una sesión de arte de Studio 35: «En cierto modo, estamos haciendo el mundo a nuestra imagen. Utilizando su talento como escritor, Newman se esforzó por reforzar su nueva imagen de artista y por promocionar su obra. Pero las críticas fueron mayoritariamente negativas. ARTNews escribe: «Newman está ahí para escandalizar, pero no está ahí para escandalizar a la burguesía, eso ya está hecho. Le gusta sorprender a otros artistas. Sólo se vendió un cuadro (Fin del silencio) a amigos de su mujer. Tras la exposición, el beneficio de Newman fue de 84,14 dólares.
Junto con otros diecisiete artistas, Newman escribió una carta de protesta contra el Metropolitan Museum of Art y su visión negativa del arte moderno. La carta apareció en el New York Times el 22 de mayo de 1950 y provocó una oleada de editoriales en publicaciones locales y nacionales. Ese mismo año realizó su primera escultura Here I, de madera y yeso. El artista reflexionó sobre la verticalidad y la enfatizó en esta obra de bronce. Ese mismo año también realizó El salvaje, que es un lienzo largo y estrecho. Su superficie está pintada de color naranja y su borde de color gris-azul.
En abril de 1951, Newman expuso por segunda vez en la galería de Betty Parsons. En esta exposición apareció por primera vez un cuadro de 5,40 metros de largo y 2,40 de ancho, Vir Heroicus Sublimis. Desgraciadamente, la crítica le condenó una vez más y ninguno de los cuadros se vendió. Finalmente retiró su obra de la galería y cesó toda actividad en ella. Este cuadro se convertiría posteriormente en su obra más famosa.
En un ensayo titulado «Feelings is all» (Los sentimientos lo son todo), publicado en 1952, el crítico Clement Greenberg reconoció tardíamente la obra de Newman de 1950 y 1951 en sus exposiciones y denunció a sus críticos. Declaró: «Newman es un artista muy importante y original». En abril de 1952, Newman fue excluido del Museo de Arte Moderno, que exponía a quince artistas estadounidenses, entre ellos muchos de sus amigos, como Pollock y Rothko. Este suceso hirió profundamente a Newman. En el catálogo de la exposición se puede leer: «Para mi amigo Barnett Newman, que también debería haber estado representado en esta exposición».
En junio de 1953, volvió a comprar algunas de sus obras. Declaró que quería eliminar todas estas «pequeñas» pinturas de la vista del público. Esta acción es representativa del deseo de Newman de retirarse del mundo del arte oficial. No volvió a exponer hasta 1955.
En 1955, Newman llegó a la edad de cincuenta años y, a pesar de que su esposa comenzó un segundo trabajo, la situación financiera de la pareja era precaria. La pareja pidió préstamos y empeñó objetos de valor. Ese mismo año, el crítico Clement Greenberg elogió el arte de Newman, calificándolo de «profundo y honesto», pero también afirmó que era discípulo de Still y que su obra era muy similar a la de su amigo Rothko. Esta última afirmación irritó profundamente a Newman. Se puede citar, por ejemplo, su carta del 9 de abril de 1955, «Carta a Sidney Janis: – Es cierto que Rothko habla al luchador. Sin embargo, está luchando para someter al mundo de los filisteos. Mi lucha contra la sociedad burguesa me ha convencido de rechazarla totalmente».
Con motivo del décimo aniversario de la galería de Betty Parsons, expuso una de sus obras «Horizon Light». Esta fue su primera exposición pública desde 1951. Después, hasta 1957, no hizo ningún cuadro y, si lo hizo, lo abandonó. Su amigo, Jackson Pollock, muestra el estudio de Newman a Ben Heller, un joven coleccionista, que compra dos cuadros, Adam y Queen of the Night I, por 3.500 dólares. Poco después, Jackson Pollock murió en un accidente de coche en Long Island, lo que afectó mucho al matrimonio Newman.
En junio de 1957, Newman fue incluido en la exposición del Minneapolis Institute of Arts. Pero sus problemas con los críticos continuaron: «Lo más estúpido del programa es Barnett Newman con el Vir Heroicus Sublimis. Unos meses más tarde, hacia finales de año, Newman sufrió un ataque al corazón y fue hospitalizado durante seis semanas.
A partir de entonces, en 1958, fue ayudado por su mujer, su madre y su hermana en su piso y pintó muy poco, incluyendo dos cuadros que luego se llamaron Primera Estación y Segunda Estación. Estos cuadros fueron los primeros de una larga serie titulada Vía Crucis. Más tarde, Ben Heller, el joven coleccionista, invitó a Alfred Barr y Dorothy Miller, del Museo de Arte Moderno, a visitar el estudio de Newman. Cuatro de sus cuadros, Abraham, Concord, Horizon Light y Adam, se expusieron entonces de forma itinerante en el Museo de Arte Moderno y estuvo en Milán, Madrid, Berlín, Ámsterdam, Bruselas, París y Londres, regresando a Nueva York al año siguiente.
En un viaje de negocios en 1959, Arnold Rudlinger, un historiador de arte y director de museo suizo que llegaría a ser considerado como uno de los pioneros del arte estadounidense en Europa, vio una obra de Newman titulada Day Before One. Compró la obra y se convirtió en la primera persona en tener una colección pública con una obra de Newman. Más tarde, el MoMA siguió su ejemplo y se convirtió en el primer museo estadounidense en albergar una obra de Newman.
Barnett Newman tuvo entonces una exposición organizada por Clement Greenberg, crítico de arte y asesor de galerías. La crítica siguió siendo hostil, pero la exposición interesó a la generación más joven de artistas neoyorquinos, para quienes fue la primera oportunidad de ver su obra. En agosto de 1959, el matrimonio Newman viajó a Canadá, donde Barnett dirigió un taller de verano para artistas canadienses. Se convirtió en una gran influencia para estos jóvenes artistas, muchos de los cuales se fueron a Nueva York. Uno de ellos, el escultor Robert Murray, dijo más tarde: «Nos ayudó con nuestra paranoia provinciana… Hizo que pareciera importante ser un artista.
En 1960, completó los lienzos en bruto con pintura negra. Fue entonces cuando empezó a pensar en el Vía Crucis como una serie. Trabajó en él durante los seis años siguientes. También trabajará en obras gráficas, algo que no hacía desde hace once años. Realizó una serie de veintidós dibujos a tinta de 4,20 metros por 3 metros. En enero de 1961, el cuadro Vir Heroicus Sublimis fue comprado por Ben Heller. Otras ventas de ese año fueron L»Errance y Onement VI.
En febrero, Barnett Newman cayó en una profunda depresión tras la repentina muerte de su hermano menor, George. Para salir de esta situación, su amigo Cleve Gray le invita a participar en un proyecto de litografía en el Centro de Arte Gráfico del Instituto Pratt. Esta fue su primera experiencia con el grabado. Poco después, pintó un cuadro dedicado a su hermano George en crudo y negro, Surgit la lumière (Para George).
En enero de 1962, declinó las invitaciones a eventos importantes como la Galería de Arte Moderno de Washington y el evento «Abstracción geométrica» en el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York. Fue también durante este año cuando realizó un cuadro llamado El Tercero. Con la ayuda de Robert Murray, Newman participó en un casting con su escultura Here I (To Marcia) de 1950 en la Modern Art Foundry de Queens. Le pusieron el nombre de Marcia Weisman, que le instó a hacer un casting.
El 23 de octubre de 1962, Newman y De Kooning organizaron una exposición de su obra en la galería de Tony Smith. Las oleadas de críticas se decantaron finalmente a favor de Newman, que fue declarado uno de los «artistas vivos más notables de la actualidad».
En 1963, la revista Vogue publicó un elogioso ensayo biográfico de Harold Rosenberg titulado «Barnett Newman, un hombre de controversia y grandeza espiritual». Más tarde, William Lieberman, conservador de grabados del Museo de Arte Moderno, animó a Newman a realizar litografías. Fue entonces cuando Newman decidió hacer un «libro», una colección de litografías. Trabajó en cuatro piedras en su estudio. Su trabajo se convirtió en una serie de procesos litográficos llamados «Cantos» publicados por la ULAE. Terminó su proyecto en 1964 con 14 «Cantos», pero más tarde decidió que eran necesarios cuatro grabados más, con lo que el total era de dieciocho. Estaba encantado con este número, que en hebreo (chai) también significa vivir. Para él son como canciones musicales, que dedica a su mujer Annalee. A continuación, pintó la Séptima Estación, la Octava Estación, la Novena Estación y el Ser II, que cerraba la serie del Vía Crucis, que fue expuesta por el Guggenheim de Nueva York. En septiembre, Annalee se jubila. Ahora pasa sus días con Barnett en el estudio.
En 1965, la obra de Newman se incluyó en dos eventos que celebraban el final del expresionismo abstracto en Filadelfia, The Decisive Years: 1943-1953 y en Los Ángeles, New York School, The First Generation: Paintings of the 1940s and 1950s. Ese mismo año, Newman realizó otra escultura de acero Here II en la empresa Treitel Gratz que complementaba a Here I. Unos meses más tarde, el comisario Walter Hopps nombró a Newman como figura central de un grupo de artistas que seleccionó para el Pabellón de Estados Unidos en la Octava Bienal de São Paulo. Los otros seis artistas eran veinte años menores que Newman. Son Billy Al Bengston, Larry Bell, Robert Irwin, Donald Judd, Larry Poons y Frank Stella. A petición del artista, las siete pinturas y las dos esculturas se presentan fuera de concurso. Con este evento, Newman encantó a los periodistas. Se ganó la admiración del arquitecto Oscar Niemeyer y del famoso futbolista Pelé. Pero también impresionó a los artistas de São Paulo con sus conocimientos de historia del arte.
El 20 de abril de 1966, el Guggenheim de Nueva York organizó una exposición de la obra de Newman en solitario, incluidos los cuadros del Vía Crucis. Estas «Estaciones» ganaron la atención más allá de los confines habituales del mundo del arte y su obra se expuso en todo el mundo, especialmente en Europa. Siguió trabajando en la fundición Treitel Gratz, donde realizó una escultura en acero corten e inoxidable llamada Be III. Ese mismo año realizó también su primer cuadro con colores primarios, que sería la base de la serie de cuatro Quién teme al rojo, al amarillo y al azul, realizada con acrílicos. Ese año realizó varios cuadros, entre ellos uno de unos 5 metros de largo, Voice of Fire, que se utilizó en el pabellón estadounidense de la Feria Mundial de Montreal de 1967, uno de sus cuadros más impresionantes.
En agosto de 1967, Newman fue invitado a hablar sobre la dimensión espiritual del arte contemporáneo en el primer Congreso Internacional sobre Religión, Arquitectura y Artes Visuales celebrado en Nueva York. En su discurso, Newman afirmó: «Lo que importa a un verdadero artista es la distinción entre lugar y no lugar; y cuanto mayor sea la obra de arte, mayor será ese sentimiento. Y ese sentimiento es una dimensión espiritual fundamental. Poco después, Newman comenzó a trabajar con la fundición North Haven de Connecticut, especializada en la fabricación de grandes obras de arte. Newman realizó una escultura monumental, Broken Obelisk, que posteriormente se expuso en muchas galerías de arte. Mientras trabajaba en su obelisco, Newman consideró la idea de un cuadro triangular.
En noviembre de 1967, los Newman vinieron a Europa para la inauguración de «The Poetry of Vision» en Dublín, una exposición de arte contemporáneo y antiguo en la que figuraban Who»s Afraid of Red, Yellow and Blue II, Queen of the Night II y Now II. El 21 de diciembre de 1967, Newman firma una carta abierta en el New York Review of Books protestando contra el antisemitismo en la Unión Soviética.
En enero de 1968, la pareja llegó a París para que Newman participara en una conferencia en honor a Charles Baudelaire y realizó su primera visita al Louvre. El 28 de abril, Newman aceptó un puesto de profesor en la Universidad de Bridgeport, Connecticut. Ese año, Newman ejecuta un cuadro dedicado a la Luz de su madre Anna. Era el cuadro más grande que Newman había realizado y el primero que no se extendía y se montaba directamente en la pared del estudio. Unos meses más tarde, protestó contra el alcalde de Chicago, Daley, y contra la brutal actuación de la policía al retirar la obra de Gea de una exposición en Chicago, e hizo planes para una escultura titulada Mayor Daley»s Outhouse, pero no tuvo tiempo de completarla.
El 25 de marzo de 1969, Newman abrió su primera galería, M. Knoedler and Company, en la que expondría su obra de la década de 1960. Las cuatro obras Who»s Afraid of Red, Yellow and Blue (Quién teme al rojo, al amarillo y al azul) tuvieron mucho éxito, al igual que Now II, Anna»s Light (La luz de Anna) y los dos cuadros triangulares que acababa de terminar, Jericho y Chartres. Luego llegó la primera monografía publicada sobre Newman, escrita por Thomas Hess.
El trabajo de Newman es controvertido pero ampliamente alabado por la comunidad. Los comentarios negativos de la crítica no dejan lugar a dudas sobre la importancia de Newman. Sus exposiciones atrajeron tanta atención como las retrospectivas en museos de Willem de Kooning y David Smith que tuvieron lugar el mismo año. Ese año ejecutó Zim Zum I, que originalmente iba a tener 3,60 metros de altura, pero que redujo a 2,40 metros para poder enviarla a Tokio para una exposición en el Museo al Aire Libre de Hakoone.
Diez de sus pinturas y tres de sus esculturas, que abarcan la carrera de Newman desde 1946 hasta 1969, aparecen en la exposición neoyorquina Painting and Sculpture 1940-1970, organizada por Henry Geldzahler para el Metropolitan Museum of Art. Ese mismo año, Newman comenzó a planificar grandes exposiciones retrospectivas que serían organizadas por Thomas Hess en la Tate Gallery de Londres, el Grand Palais de París, el MoMA de Nueva York y el Stedelijk Museum de Ámsterdam, entre otros.
En enero de 1970, Newman colaboró en el centenario del Museo Metropolitano de Arte, donde escribió: «Siempre he tenido un disgusto, incluso un desprecio, por las reproducciones y fotografías de obras de arte, incluso de mi propia obra. Sólo puedo alegrarme de que mi educación artística no provenga del examen de fotografías y superproducciones de diapositivas o incluso de profesores, sino de mí mismo frente a la realidad.
El 17 de mayo de 1970, la Universidad de Brandeis, en Waltham (Massachusetts), honró la obra de Newman con la Medalla a las Artes Creativas en Pintura.
El 4 de julio de 1970, a la edad de sesenta y cinco años, Barnett Newman murió de un ataque al corazón en su estudio, cerca del cuadro Who»s Afraid of Red, Yellow, and Blue IV. En su estudio también hay un lienzo inacabado de 5,40 metros por 2,40 metros, un lienzo triangular en ángulo recto y tres de sus obras terminadas pero aún sin título.
Lea también, biografias – Carlos I de Inglaterra
Primeros trabajos
En la década de 1940 su estilo era más bien surrealista y luego se volvió más maduro. Se caracteriza por zonas de color separadas por finas líneas verticales, cremalleras como él las llama. En sus primeras obras con estas cremalleras, los campos de color no son uniformes, pero más tarde los colores son puros y planos.
En 1947, expuso dos obras en la galería de Betty Parson, Gea y Euclidian Abyss. Sobre un fondo negro, las líneas amarillas verticales que no son del todo verticales son cada vez más importantes en su obra. Estas cremalleras marcan la singularidad del artista y seguirán siendo un elemento constante en la carrera de Newman.
Él mismo pensaba que había alcanzado la plena madurez de su estilo con la serie Onement en 1948. Se trata de obras con fondo burdeos y cremalleras verticales de otros colores. Provocan la agitación y la emoción en el espectador. Newman dijo de estas obras: «Hay transformaciones específicas y separadas de los sentimientos que se pueden experimentar frente a cada cuadro.
En algunos cuadros de los años 50, como El salvaje, de dos metros y medio de largo y cuatro centímetros de ancho, la cremallera está presente, si no la obra en sí. Newman también realizó algunas esculturas, como Here I, que son esencialmente representaciones tridimensionales de cremalleras.
En 1951, expuso el Vir Heroicus Sublimis, que posteriormente se convirtió en su obra más famosa. El número de cremalleras y su regularidad confieren al cuadro una simetría que da lugar a una planitud roja que parece sencilla.
Aunque los cuadros de Newman parecen ser puramente abstractos y muchos de ellos no tenían título, los nombres que les puso posteriormente se refieren a temas concretos, a menudo de temática judía. Dos obras de principios de los años 50, por ejemplo, llevan el nombre de Adán, y también Uriel (1954) y Abraham (1949), un cuadro muy oscuro, que ciertamente lleva el nombre del patriarca bíblico, pero que también era el nombre del padre de Newman, fallecido en 1947. Newman expresa un cierto misticismo con los títulos de sus obras. Adam», el nombre de pila del personaje bíblico, se acerca a adom, que significa rojo, y dam, que significa sangre. Esta pintura de tonos rojos es el resultado de la identidad judía de Newman, que le preocupaba mucho, especialmente durante los horrores de la Segunda Guerra Mundial, el Holocausto. Dijo: «Cuando Hitler asolaba Europa, ¿podíamos expresarnos pintando una bonita chica desnuda tumbada en un sofá? A esta pregunta respondió con abstracción.
La serie de pinturas que incluye variaciones de beige con rayas verticales negras, El Vía Crucis (1958-1964), comenzó poco después de que Newman se recuperara de un ataque al corazón y se considera un punto culminante de su carrera. La serie se subtitula Lema sabachthani – «¿Por qué me has abandonado? – palabras pronunciadas por Cristo en la cruz. Newman considera que sus palabras tienen un significado universal. La serie también se consideró un homenaje a las víctimas del Holocausto. Newman quería expresar la tragedia y la violencia universales en relación con la pasión.
Lea también, biografias – Vere Gordon Childe
Obras tardías
Las obras posteriores de Newman, como la serie Who»s Afraid of Red, Yellow and Blue (Quién teme al rojo, al amarillo y al azul), que está hecha enteramente de colores primarios, y las cremalleras dan dinamismo a todo el cuadro. Estas obras están hechas con colores puros y vibrantes, a menudo en lienzos de gran tamaño -La luz de Anna (1968), llamada así en memoria de su madre fallecida en 1965, es la más grande, de ocho metros cuarenta por dos metros setenta. Newman también trabajó en lienzos no rectangulares hacia el final de su vida, como Chartres (1969), que es triangular, y luego volvió a la escultura, realizando algunas piezas en acero pulido. Sus últimos cuadros están realizados con pintura acrílica en lugar de pintura al óleo como en sus primeras obras. De sus esculturas, el Obelisco Roto es la más grande y conocida, y representa un obelisco invertido con la punta apoyada en la punta de una pirámide.
También realizó una serie de litografías, los 18 Cantos (1963-64), que, según Newman, evocan la música. Su obra también incluye algunos grabados. Dedica sus obras a su esposa Annalee.
En 1962, realizó un gran lienzo naranja con dos cremalleras amarillas, El Tercero. Sobre esta obra, Newman dijo: «Siento que mis cremalleras no dividen mis cuadros. Creo que hacen exactamente lo contrario, unifican el conjunto.
A Newman se le considera generalmente un expresionista abstracto, basándose en su trabajo en Nueva York en la década de 1950, donde él y otros expresionistas abstractos desarrollaron un estilo abstracto que no tenía nada en común con el arte europeo. Sin embargo, su rechazo a la pincelada expresiva utilizada por otros expresionistas abstractos como Clyfford Still y Mark Rothko, y el uso de áreas planas de color sobre superficies bien definidas, pueden convertirle en un precursor de los artistas de los movimientos Hard Edge Painting, Colorfield Painting y Minimalism (art), como Frank Stella.
Newman no alcanzó un gran éxito como artista durante la mayor parte de su vida, quedando eclipsado por figuras de gran colorido como Jackson Pollock. El influyente crítico Clement Greenberg escribió artículos entusiastas sobre él, pero no fue hasta el final de su vida cuando se le consideró seriamente. Sin embargo, influyó en muchos pintores jóvenes.
Newman siempre ha insistido en que sus espectadores deben ver su obra de cerca para dejarse envolver por los densos colores. Sus cuadros deben dar al espectador la sensación de ahogarse en el color puro. Su arte es abstracto, total y sin concesiones. Dijo: «Se dice que he llevado la pintura abstracta a sus límites, mientras que para mí es obvio que sólo he hecho un nuevo comienzo.
Newman murió en Nueva York de un ataque al corazón en 1970.
Lea también, biografias – Felipe II de España
Notas
Fuentes
