Camille Corot
gigatos | enero 18, 2022
Resumen
Jean-Baptiste-Camille Corot (16 de julio de 1796 – 22 de febrero de 1875) fue un paisajista y retratista francés, además de grabador en aguafuerte. Es una figura fundamental de la pintura de paisaje y su vasta producción hace referencia simultáneamente a la tradición neoclásica y se anticipa a las innovaciones del impresionismo.
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Vida temprana y formación
Jean-Baptiste-Camille Corot (Camille Corot para abreviar) nació en París el 16 de julio de 1796, en una casa situada en el número 125 de la rue du Bac, hoy demolida. Su familia era burguesa -su padre era fabricante de pelucas y su madre sombrerera- y, a diferencia de la experiencia de algunos de sus colegas artistas, a lo largo de su vida nunca sintió la falta de dinero, ya que sus padres hicieron buenas inversiones y gestionaron bien sus negocios. Después de que sus padres se casaran, compraron la sombrerería en la que había trabajado su madre y su padre dejó su carrera de peluquero para dirigir la parte comercial de la tienda. La tienda era un destino famoso para los parisinos de moda y hacía que la familia obtuviera excelentes ingresos. Corot fue el segundo de los tres hijos de la familia, que vivió en el piso superior de la tienda durante esos años.
Corot recibió una beca para estudiar en el Liceo Pierre-Corneille de Rouen, pero lo dejó tras tener dificultades escolares e ingresó en un internado. No era un estudiante brillante, y durante toda su carrera escolar no obtuvo ni una sola nominación para un premio, ni siquiera para las clases de dibujo». A diferencia de muchos maestros que demostraron un talento e inclinación temprana hacia el arte, antes de 1815 Corot no mostró tal interés. Durante esos años vivió con la familia Sennegon, cuyo patriarca era amigo del padre de Corot y que pasaba mucho tiempo con el joven Corot en paseos por la naturaleza. Fue en esta región donde Corot realizó sus primeros cuadros al natural. A los diecinueve años, Corot era un «niño grande, tímido y torpe. Se sonrojaba cuando le hablaban. Ante las bellas damas que frecuentaban el salón de su madre, se avergonzaba y huía como una fiera… Emocionalmente, era un hijo afectuoso y bien educado, que adoraba a su madre y temblaba cuando su padre hablaba». Cuando los padres de Corot se mudaron a una nueva residencia en 1817, el joven Corot, de 21 años, se instaló en la habitación con ventanas abuhardilladas del tercer piso, que se convirtió también en su primer estudio.
Con la ayuda de su padre, Corot fue aprendiz de un pañero, pero odiaba la vida comercial y despreciaba lo que él llamaba «trucos de negocios», sin embargo, permaneció fielmente en el oficio hasta los 26 años, cuando su padre consintió que adoptara la profesión de artista. Más tarde, Corot declaró: «Le dije a mi padre que los negocios y yo éramos simplemente incompatibles, y que me divorciaba». Sin embargo, la experiencia empresarial resultó beneficiosa, ya que le ayudó a desarrollar un sentido estético gracias a su exposición a los colores y texturas de las telas. Tal vez por aburrimiento, se dedicó a pintar al óleo hacia 1821 y comenzó inmediatamente con los paisajes. A partir de 1822, tras la muerte de su hermana, Corot comenzó a recibir una asignación anual de 1.500 francos que financió adecuadamente su nueva carrera, su estudio, sus materiales y sus viajes durante el resto de su vida. Inmediatamente alquiló un estudio en el quai Voltaire.
Durante el periodo en el que Corot adquirió los medios para dedicarse al arte, la pintura de paisaje estaba en auge y se dividía generalmente en dos campos: el paisaje histórico de los neoclásicos del sur de Europa, que representaba vistas idealizadas de lugares reales y ficticios poblados de figuras antiguas, mitológicas y bíblicas; y el paisaje realista, más común en el norte de Europa, que era en gran medida fiel a la topografía, la arquitectura y la flora reales, y que a menudo mostraba figuras de campesinos. En ambos enfoques, los paisajistas solían comenzar con bocetos al aire libre y pinturas preliminares, y terminaban el trabajo en interiores. La obra de los ingleses John Constable y J. M. W. Turner tuvo una gran influencia en los paisajistas franceses de principios del siglo XIX, ya que reforzaron la tendencia a favor del realismo y a alejarse del neoclasicismo.
Durante un breve periodo, entre 1821 y 1822, Corot estudió con Achille Etna Michallon, un paisajista de la misma edad que Corot, protegido del pintor Jacques-Louis David y que ya era un maestro muy respetado. Michallon tuvo una gran influencia en la carrera de Corot. Las lecciones de dibujo de Corot incluían el calco de litografías, la copia de formas tridimensionales y la realización de bocetos y pinturas de paisajes al aire libre, especialmente en los bosques de Fontainebleau, los puertos marítimos de Normandía y los pueblos del oeste de París, como Ville-d»Avray (donde sus padres tenían una casa de campo). Michallon también le expuso a los principios de la tradición neoclásica francesa, tal y como se recoge en el famoso tratado del teórico Pierre-Henri de Valenciennes, y se ejemplifica en las obras de los neoclásicos franceses Claude Lorrain y Nicolas Poussin, cuyo principal objetivo era la representación de la Belleza ideal en la naturaleza, vinculada a los acontecimientos de la antigüedad.
Aunque esta escuela estaba en decadencia, seguía teniendo influencia en el Salón, la exposición de arte más importante de Francia a la que asistían miles de personas en cada evento. Corot declararía más tarde: «Hice mi primer paisaje del natural… bajo la mirada de este pintor, cuyo único consejo era representar con la mayor escrupulosidad todo lo que veía ante mí. La lección funcionó; desde entonces siempre he atesorado la precisión». Tras la temprana muerte de Michallon en 1822, Corot estudió con el maestro de Michallon, Jean-Victor Bertin, uno de los más conocidos paisajistas neoclásicos de Francia, quien hizo que Corot dibujara copias de litografías de temas botánicos para aprender formas orgánicas precisas. Aunque tenía a los neoclásicos en alta estima, Corot no limitó su formación a su tradición de alegoría en la naturaleza imaginada. Sus cuadernos revelan representaciones precisas de troncos de árboles, rocas y plantas que muestran la influencia del realismo nórdico. A lo largo de su carrera, Corot demostró una inclinación a aplicar ambas tradiciones en su obra, combinando a veces las dos.
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Primer viaje a Italia
Con el apoyo de sus padres, Corot siguió la pauta establecida de los pintores franceses que iban a Italia a estudiar a los maestros del Renacimiento italiano y a dibujar los monumentos en ruinas de la antigüedad romana. Una condición de sus padres antes de partir fue que pintara un autorretrato para ellos, el primero. La estancia de Corot en Italia, de 1825 a 1828, fue muy formativa y productiva, durante la cual realizó más de 200 dibujos y 150 pinturas. Trabajó y viajó con varios jóvenes pintores franceses que también estudiaban en el extranjero y que pintaban juntos y se relacionaban por la noche en los cafés, criticándose mutuamente y cotilleando. Corot aprendió poco de los maestros del Renacimiento (aunque más tarde citó a Leonardo da Vinci como su pintor favorito) y pasó la mayor parte de su tiempo en los alrededores de Roma y en la campiña italiana. Los Jardines del Farnesio, con sus espléndidas vistas de las antiguas ruinas, eran un destino frecuente, y los pintó en tres momentos diferentes del día. La formación fue especialmente valiosa para comprender los retos de la perspectiva media y la panorámica, y para situar eficazmente las estructuras artificiales en un entorno natural. También aprendió a dar a los edificios y a las rocas el efecto de volumen y solidez con luces y sombras adecuadas, al tiempo que utilizaba una técnica suave y fina. Además, la colocación de figuras adecuadas en un entorno secular era una necesidad de la buena pintura de paisaje, para añadir contexto y escala humanos, y era aún más importante en los paisajes alegóricos. Para ello, Corot trabajó en estudios de figuras con atuendos autóctonos, así como en desnudos. Durante el invierno, pasaba tiempo en el estudio, pero volvía a trabajar en el exterior tan pronto como el tiempo lo permitía. La intensa luz de Italia suponía un reto considerable: «Este sol emite una luz que me desespera. Me hace sentir la absoluta impotencia de mi paleta». Aprendió a dominar la luz y a pintar las piedras y el cielo con variaciones sutiles y dramáticas.
No sólo la arquitectura y la luz italianas captaron la atención de Corot. También las mujeres italianas le cautivaban: «Siguen teniendo las mujeres más bellas del mundo que he conocido: sus ojos, sus hombros, sus manos son espectaculares. En eso, superan a nuestras mujeres, pero por otro lado, no son sus iguales en gracia y amabilidad… Yo mismo, como pintor, prefiero a la mujer italiana, pero me inclino por la francesa cuando se trata de emoción». A pesar de su fuerte atracción por las mujeres, escribió sobre su compromiso con la pintura: «Sólo tengo un objetivo en la vida que quiero perseguir fielmente: hacer paisajes. Esta firme resolución me aleja de un apego serio. Es decir, en el matrimonio… pero mi naturaleza independiente y mi gran necesidad de estudio serio me hacen tomar el asunto a la ligera».
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Esfuerzo por el salón
Durante los seis años que siguieron a su primera visita a Italia y a la segunda, Corot se dedicó a preparar grandes paisajes para presentarlos en el Salón. Varios de sus cuadros del Salón eran adaptaciones de sus bocetos al óleo italianos, reelaborados en el estudio añadiendo elementos formales imaginados y acordes con los principios neoclásicos. Un ejemplo de ello fue su primera participación en el Salón, Vista en Narni (1827), en la que tomó su rápido estudio natural de las ruinas de un acueducto romano bajo un sol brillante y polvoriento y lo transformó en un escenario pastoral falsamente idílico con gigantescos árboles de sombra y verdes prados, una conversión destinada a atraer a los jurados neoclásicos. Muchos críticos han valorado mucho sus pinturas italianas en plein-air por su «germen de impresionismo», su fidelidad a la luz natural y su evitación de los valores académicos, a pesar de que estaban concebidas como estudios. Varias décadas más tarde, el Impresionismo revolucionó el arte al adoptar un enfoque similar: la pintura rápida y espontánea realizada al aire libre; sin embargo, mientras que los impresionistas utilizaban colores aplicados rápidamente y sin mezclar para captar la luz y el estado de ánimo, Corot solía mezclar y fundir sus colores para conseguir sus efectos oníricos.
Cuando estaba fuera del estudio, Corot viajaba por toda Francia, siguiendo sus métodos italianos, y se concentraba en los paisajes rústicos. Volvió a la costa de Normandía y a Rouen, la ciudad en la que vivió de joven. Corot también realizó algunos retratos de amigos y familiares, y recibió sus primeros encargos. El sensible retrato de su sobrina, Laure Sennegon, vestida de azul cielo, fue uno de sus más exitosos y posteriormente fue donado al Louvre. Normalmente pintaba dos copias de cada retrato familiar, una para el sujeto y otra para la familia, y a menudo también hacía copias de sus paisajes.
En la primavera de 1829, Corot acude a Barbizon para pintar en el bosque de Fontainebleau; había pintado por primera vez en el bosque de Chailly en 1822. Volvió a Barbizon en el otoño de 1830 y en el verano de 1831, donde realizó dibujos y estudios al óleo, a partir de los cuales hizo un cuadro destinado al Salón de 1830; su Vista del bosque de Fontainebleau (actualmente en la National Gallery de Washington) y, para el salón de 1831, otra Vista del bosque de Fontainebleau. Allí conoció a los miembros de la escuela de Barbizon: Théodore Rousseau, Paul Huet, Constant Troyon, Jean-François Millet y el joven Charles-François Daubigny. Corot expuso un retrato y varios paisajes en el Salón de 1831 y 1833. La recepción de los críticos en el Salón fue fría y Corot decidió volver a Italia, al no haber podido satisfacerlos con sus temas neoclásicos.
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A mitad de carrera
Durante sus dos viajes de regreso a Italia, visitó el norte de Italia, Venecia y de nuevo la campiña romana. En 1835, Corot causó sensación en el Salón con su pintura bíblica Agar dans le desert (Agar en el desierto), que representaba a Agar, la sierva de Sara, y al niño Ismael, muriendo de sed en el desierto hasta ser salvados por un ángel. El fondo se deriva probablemente de un estudio italiano. En esta ocasión, la inesperada declaración audaz y fresca del ideal neoclásico de Corot tuvo éxito entre los críticos al demostrar «la armonía entre el escenario y la pasión o el sufrimiento que el pintor decide representar en él». Siguió con otros temas bíblicos y mitológicos, pero esos cuadros no tuvieron el mismo éxito, ya que los críticos del Salón lo consideraron insuficiente en comparación con Poussin. En 1837, pintó su primer desnudo que se conserva, La ninfa del Sena. Más tarde, aconsejó a sus alumnos: «El estudio del desnudo es la mejor lección que puede recibir un pintor de paisajes. Si alguien sabe cómo, sin trucos, bajar una figura, es capaz de hacer un paisaje; de lo contrario, nunca podrá hacerlo».
A lo largo de la década de 1840, Corot siguió teniendo problemas con la crítica (muchas de sus obras fueron rechazadas de plano para su exhibición en el Salón), y tampoco hubo muchas obras compradas por el público. Aunque el reconocimiento y la aceptación por parte de la clase dirigente llegaron lentamente, en 1845 Baudelaire encabezó una carga que declaraba a Corot líder de la «escuela moderna de pintura de paisaje». Mientras que algunos críticos consideraban que los colores de Corot eran «pálidos» y que su obra tenía una «torpeza ingenua», Baudelaire respondió astutamente: «M. Corot es más un armonista que un colorista, y sus composiciones, que siempre están totalmente libres de pedantería, seducen sólo por su simplicidad de color». En 1846, el gobierno francés le condecoró con la cruz de la Légion d»honneur y en 1848 recibió una medalla de segunda clase en el Salón, pero recibió poco patrocinio estatal. Su único encargo fue un cuadro religioso para una capilla bautismal pintado en 1847, a la manera de los maestros del Renacimiento. Aunque la clase dirigente seguía frenando, otros pintores reconocieron la creciente estatura de Corot. En 1847, Delacroix anotó en su diario: «Corot es un verdadero artista. Hay que ver a un pintor en su sitio para hacerse una idea de su valía… Corot profundiza en un tema: las ideas le vienen y añade mientras trabaja; es el enfoque correcto». Por recomendación de Delacroix, el pintor Constant Dutilleux compró un cuadro de Corot e inició una larga y provechosa relación con el artista, que le aportó amistad y mecenas. El trato público de Corot mejoró notablemente tras la Revolución de 1848, cuando fue admitido como miembro del jurado del Salón. En 1867 fue ascendido a oficial del Salón.
Habiendo renunciado a cualquier relación duradera con las mujeres, Corot se mantuvo muy unido a sus padres incluso a los cincuenta años. Un contemporáneo dijo de él: «Corot es un hombre de principios, inconscientemente cristiano; entrega toda su libertad a su madre… tiene que rogarle repetidamente para que le dé permiso para salir… a cenar cada dos viernes». Aparte de sus frecuentes viajes, Corot permaneció estrechamente ligado a su familia hasta la muerte de sus padres, y entonces obtuvo por fin la libertad de ir a su aire. Esa libertad le permitió tomar alumnos para sesiones informales, entre ellos los artistas judíos Édouard Brandon y el futuro impresionista Camille Pissarro, que estuvo brevemente entre ellos. El vigor de Corot y sus perspicaces consejos impresionaron a sus alumnos. Charles Daubigny declaró: «Es un perfecto anciano Joy, este padre Corot. Es en conjunto un hombre maravilloso, que mezcla las bromas con sus muy buenos consejos». Otro alumno dijo de Corot que «los periódicos habían distorsionado tanto a Corot, poniendo a Teócrito y a Virgilio en sus manos, que me sorprendió bastante encontrarle sin saber ni griego ni latín… Su acogida es muy abierta, muy libre, muy divertida: te habla o te escucha saltando sobre un pie o sobre dos; canta fragmentos de ópera con una voz muy verdadera», pero tiene un «lado sagaz y mordaz cuidadosamente escondido detrás de su buen carácter».
A mediados de la década de 1850, el estilo cada vez más impresionista de Corot comenzó a obtener el reconocimiento que fijó su lugar en el arte francés. «M. Corot sobresale… en la reproducción de la vegetación en sus frescos comienzos; representa maravillosamente las primicias del nuevo mundo». A partir de la década de 1850, Corot pintó muchos paisajes de recuerdo y paysages, cuadros imaginarios de ensueño de lugares recordados de visitas anteriores pintados con trazos ligeros y sueltos.
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Años posteriores
En la década de 1860, Corot seguía mezclando las figuras campesinas con las mitológicas, mezclando el neoclasicismo con el realismo, lo que provocó que un crítico se lamentara: «Si M. Corot matara, de una vez por todas, a las ninfas de sus bosques y las sustituyera por campesinos, me gustaría mucho». En realidad, en su vida posterior sus figuras humanas sí aumentaron y las ninfas disminuyeron, pero incluso las figuras humanas estaban a menudo ambientadas en ensueños idílicos.
En su vida posterior, el estudio de Corot se llenó de estudiantes, modelos, amigos, coleccionistas y marchantes que iban y venían bajo la mirada tolerante del maestro, lo que le hizo bromear: «¿Por qué hay diez de vosotros a mi alrededor y ninguno piensa en volver a encender mi pipa?». Los marchantes se apoderaron de sus obras y sus precios superaban a menudo los 4.000 francos por cuadro. Con su éxito asegurado, Corot dio generosamente su dinero y su tiempo. Se convirtió en un anciano de la comunidad de artistas y utilizó su influencia para conseguir encargos para otros artistas. En 1871, donó 2.000 libras para los pobres de París, sitiada por los prusianos. (véase: Guerra franco-prusiana) Durante la actual Comuna de París, estuvo en Arras con Alfred Robaut. En 1872 compró una casa en Auvers como regalo para Honoré Daumier, que para entonces estaba ciego, sin recursos y sin hogar. En 1875, donó 10.000 francos a la viuda de Millet para mantener a sus hijos. Su caridad era casi proverbial. También apoyó económicamente el mantenimiento de un centro de día para niños en la calle Vandrezanne de París. En su vida posterior, siguió siendo un hombre humilde y modesto, apolítico y feliz con su suerte en la vida, y se aferró a la creencia de que «los hombres no deben envanecerse con el orgullo, ya sean emperadores que añaden esta o aquella provincia a sus imperios o pintores que ganan una reputación».
A pesar del gran éxito y aprecio entre los artistas, los coleccionistas y los críticos más generosos, sus numerosos amigos consideraron, sin embargo, que estaba oficialmente abandonado, y en 1874, poco antes de su muerte, le entregaron una medalla de oro. Murió en París de un trastorno estomacal a los 78 años y fue enterrado en el cementerio del Père Lachaise.
Varios seguidores se autodenominaron discípulos de Corot. Los más conocidos son Camille Pissarro, Eugène Boudin, Berthe Morisot, Stanislas Lépine, Antoine Chintreuil, François-Louis Français, Charles Le Roux y Alexandre Defaux.
Corot es una figura fundamental de la pintura de paisaje. Su obra remite al mismo tiempo a la tradición neoclásica y anticipa las innovaciones del impresionismo en el plein-air. De él exclamó Claude Monet en 1897: «Aquí sólo hay un maestro, Corot. No somos nada comparados con él, nada». Sus aportaciones a la pintura de figuras no son menos importantes; Degas prefería sus figuras a sus paisajes, y las figuras clásicas de Picasso rinden abierto homenaje a la influencia de Corot.
Los historiadores han dividido su obra en periodos, pero los puntos de división son a menudo imprecisos, ya que a menudo completaba un cuadro años después de haberlo empezado. En su primera época, pintaba de forma tradicional y «ajustada», con una precisión minuciosa, contornos claros, pinceladas finas y una definición absoluta de los objetos, con una pintura de fondo monocromática o ébauche. Al llegar a los 50 años, sus métodos cambiaron para centrarse en la amplitud del tono y en un enfoque de la fuerza poética transmitida con una aplicación más gruesa de la pintura; y unos 20 años más tarde, a partir de 1865 aproximadamente, su manera de pintar se volvió más lírica, afectada por un toque más impresionista. En parte, esta evolución de la expresión puede considerarse como la transición de las pinturas al aire libre de su juventud, llenas de luz natural cálida, a los paisajes creados en el estudio de su última madurez, envueltos en tonos uniformes de plata. En sus últimos diez años se convirtió en el «Padre Corot» de los círculos artísticos parisinos, donde se le consideraba con afecto personal y se le reconocía como uno de los cinco o seis mejores paisajistas que ha visto el mundo, junto con Meindert Hobbema, Claude Lorrain, J.M.W. Turner y John Constable. En su larga y productiva vida, pintó más de 3.000 cuadros.
Aunque a menudo se le atribuye el mérito de ser un precursor de la práctica impresionista, Corot abordó sus paisajes de forma más tradicional de lo que se suele creer. En comparación con los impresionistas que vinieron después, la paleta de Corot es restringida, dominada por marrones y negros («colores prohibidos» entre los impresionistas), junto con verdes oscuros y plateados. Aunque a veces parece rápido y espontáneo, normalmente sus trazos son controlados y cuidadosos, y sus composiciones están bien pensadas y, en general, se representan de la forma más sencilla y concisa posible, lo que aumenta el efecto poético de las imágenes. Como él mismo declaró: «Me di cuenta de que todo lo que se hacía correctamente en el primer intento era más verdadero, y las formas más bellas».
El enfoque de Corot hacia sus temas era igualmente tradicional. Aunque era un gran partidario de los estudios en plein-air, era esencialmente un pintor de estudio y pocos de sus paisajes terminados lo fueron antes del motivo. Durante la mayor parte de su vida, Corot pasaba los veranos viajando y recopilando estudios y bocetos, y los inviernos terminando obras más pulidas y listas para el mercado. Por ejemplo, el título de sus Bañistas de las Islas Borromeas (1865-70) se refiere al Lago Mayor en Italia, a pesar de que Corot no había estado en Italia en 20 años. Su énfasis en dibujar imágenes a partir de la imaginación y la memoria, más que de la observación directa, estaba en consonancia con los gustos de los jurados del Salón, del que formaba parte.
En la década de 1860, Corot se interesó por la fotografía, haciéndola él mismo y conociendo a muchos de los primeros fotógrafos, lo que tuvo como consecuencia la supresión de su paleta pictórica en simpatía con los tonos monocromos de las fotografías. Esto tuvo como consecuencia que sus cuadros fueran aún menos dramáticos pero algo más poéticos, resultado que hizo que algunos críticos citaran una monotonía en su obra posterior. Théophile Thoré escribió que Corot «no tiene más que una sola octava, extremadamente limitada y en clave menor; diría un músico. Apenas conoce más que una sola hora del día, la mañana, y un solo color, el gris pálido». Corot respondió:
Lo que hay que ver en la pintura, o más bien lo que busco, es la forma, el conjunto, el valor de los tonos… Por eso para mí el color viene después, porque amo más que nada el efecto de conjunto, la armonía de los tonos, mientras que el color te da una especie de choque que no me gusta. Quizá sea el exceso de este principio lo que hace que la gente diga que tengo tonos plomizos.
En su aversión a los colores chocantes, Corot se desmarca de los impresionistas emergentes, que se decantan por la experimentación de las tonalidades vivas.
Además de sus paisajes (el estilo tardío fue tan popular que existen numerosas falsificaciones), Corot produjo una serie de apreciados cuadros de figuras. Aunque a veces los sujetos se sitúan en entornos pastorales, se trata en su mayoría de obras de estudio, dibujadas a partir del modelo vivo con tanta especificidad como sutileza. Al igual que sus paisajes, se caracterizan por un lirismo contemplativo, siendo sus últimos cuadros L»Algérienne (La mujer argelina) y La Jeune Grecque (La joven griega) buenos ejemplos. Corot pintó unos cincuenta retratos, la mayoría de ellos de familiares y amigos. También pintó trece desnudos recostados, siendo su obra Les Repos (1860) sorprendentemente similar en su pose a la famosa Le Grande Odalisque (1814) de Ingres, pero la mujer de Corot es en cambio una bacante rústica. En el que quizá sea su último cuadro de figuras, La dama azul (1874), Corot consigue un efecto que recuerda al de Degas, suave pero expresivo. En todos los casos de su pintura de figuras, el color es sobrio y destaca por su fuerza y pureza. Corot también realizó numerosos grabados y bocetos a lápiz. En algunos de ellos utiliza un sistema de símbolos visuales: círculos que representan zonas de luz y cuadrados que representan sombras. También experimentó con el proceso de cliché verre, un híbrido de fotografía y grabado. A partir de la década de 1830, Corot también pintó paneles decorativos y paredes en casas de amigos, ayudado por sus alumnos.
Corot resumió su enfoque del arte hacia 1860: «Interpreto con mi arte tanto como con mi ojo».
Las obras de Corot se encuentran en museos de Francia y los Países Bajos, Gran Bretaña, Norteamérica y Rusia.
El fuerte mercado de las obras de Corot y su estilo de pintura tardía, relativamente fácil de imitar, dieron lugar a una enorme producción de falsificaciones de Corot entre 1870 y 1939. René Huyghe dijo que «Corot pintó tres mil lienzos, diez mil de los cuales se han vendido en América». Aunque se trata de una exageración humorística, se han acumulado miles de falsificaciones, y sólo la colección Jousseaume contiene 2.414 obras de este tipo. El problema se agrava por la actitud laxa de Corot, que fomentaba la copia y la falsificación. Permitía a sus alumnos copiar sus obras e incluso tomarlas prestadas para devolverlas posteriormente, retocaba y firmaba las copias de estudiantes y coleccionistas, y prestaba las obras a copiadores profesionales y a agencias de alquiler. Según el catalogador de Corot Etienne Moreau-Nélaton, en un estudio de copiado «el pincel complaciente del maestro autentificaba estas réplicas con algunos retoques personales y decisivos. Cuando ya no estaba para terminar sus «dobles», seguían produciéndolos sin él». La catalogación de las obras de Corot en un intento de separar las copias de los originales resultó contraproducente cuando los falsificadores utilizaron las publicaciones como guías para ampliar y perfeccionar sus cuadros falsos.
Dos de las obras de Corot aparecen y desempeñan un papel importante en la trama de la película francesa de 2008 L»Heure d»été (titulada en inglés Summer Hour). La película fue producida por el Museo de Orsay, y las dos obras fueron prestadas por el museo para el rodaje de la película.
Hay una calle llamada Rue Corot en Île des Sœurs, Quebec, que lleva el nombre del artista.
En la novela de Arthur Conan Doyle de 1890 El signo de los cuatro, Thaddeus Sholto exhibe una obra desconocida de Corot.
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Referencias
Fuentes
