Cecil B. DeMille

Dimitris Stamatios | enero 11, 2023

Resumen

Cecil Blount DeMille (12 de agosto de 1881 – 21 de enero de 1959) fue un director de cine, productor y actor estadounidense. Entre 1914 y 1958 rodó 70 películas, tanto mudas como sonoras. Se le considera uno de los padres fundadores del cine estadounidense y el productor y director de mayor éxito comercial de la historia del cine. Sus películas se distinguían por su escala épica y su espectacularidad cinematográfica. Sus películas mudas incluían dramas sociales, comedias, películas del Oeste, farsas, obras morales y representaciones históricas. Fue un masón activo y miembro de la Logia Príncipe de Orange nº 16 de Nueva York.

DeMille nació en Ashfield, Massachusetts, y creció en Nueva York. Comenzó su carrera como actor en 1900. Más tarde se dedicó a escribir y dirigir producciones teatrales, algunas con Jesse Lasky, que entonces era productor de vodeviles. La primera película de DeMille, The Squaw Man (1914), fue también el primer largometraje rodado en Hollywood. Su historia de amor interracial la convirtió en un éxito comercial y dio a conocer Hollywood como sede de la industria cinematográfica estadounidense. El éxito continuado de sus producciones llevó a la fundación de Paramount Pictures con Lasky y Adolph Zukor. Su primera epopeya bíblica, Los Diez Mandamientos (mantuvo el récord de ingresos de Paramount durante veinticinco años.

DeMille dirigió El Rey de Reyes (1927), una biografía de Jesús, que obtuvo la aprobación por su sensibilidad y llegó a más de 800 millones de espectadores. Se dice que El signo de la cruz (1932) es la primera película sonora que integra todos los aspectos de la técnica cinematográfica. Cleopatra (1934) fue su primera película nominada al Oscar a la mejor película. Tras más de treinta años en la producción cinematográfica, DeMille alcanzó la cima de su carrera con Sansón y Dalila (1949), una epopeya bíblica que se convirtió en la película más taquillera de 1950. Junto a las narraciones bíblicas e históricas, también dirigió películas orientadas hacia el «neonaturalismo», que intentaban retratar las leyes del hombre luchando contra las fuerzas de la naturaleza.

Recibió su primera nominación al Oscar al mejor director por su drama circense El mayor espectáculo del mundo (1952), que ganó el Oscar a la mejor película y el Globo de Oro a la mejor película dramática. Su última y más conocida película, Los diez mandamientos (1956), también nominada al Oscar a la mejor película, es actualmente la octava película más taquillera de todos los tiempos, ajustada a la inflación. Además de los premios a la mejor película, recibió un premio honorífico de la Academia por su contribución al cine, la Palma de Oro (a título póstumo) por Union Pacific (1939), el premio DGA a toda una carrera y el Irving G. Thalberg Memorial Award. Fue el primer galardonado con el premio Cecil B. DeMille del Globo de Oro, que lleva su nombre. La reputación de DeMille como cineasta ha crecido con el tiempo y su obra ha influido en numerosas películas y directores.

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1881-1899: Primeros años

Cecil Blount DeMille nació el 12 de agosto de 1881 en una pensión de Main Street, en Ashfield, Massachusetts, donde sus padres habían pasado el verano. El 1 de septiembre de 1881, la familia regresó con el recién nacido DeMille a su piso de Nueva York. DeMille recibió el nombre de sus abuelas Cecelia Wolff y Margarete Blount. Fue el segundo de los tres hijos de Henry Churchill de Mille (30 de enero de 1853 – 8 de octubre de 1923), conocido como Beatrice. Su hermano, William C. DeMille, nació el 25 de julio de 1878. Henry de Mille, cuyos antepasados eran de ascendencia inglesa y holandesa-belga, fue un dramaturgo, actor y lector laico de la Iglesia Episcopal nacido en Carolina del Norte. El padre de DeMille fue también profesor de inglés en el Columbia College (actual Universidad de Columbia). Trabajó como dramaturgo, administrador y miembro del profesorado durante los primeros años de la Academia Americana de Arte Dramático, creada en Nueva York en 1884. Henry deMille colaboró frecuentemente con David Belasco en la escritura de obras de teatro; entre sus colaboraciones más conocidas figuran «The Wife», «Lord Chumley», «The Charity Ball» y «Men and Women».

La madre de Cecil B. DeMille, Beatrice, agente literaria y guionista, era hija de judíos alemanes. Había emigrado de Inglaterra con sus padres en 1871, cuando tenía 18 años; la familia recién llegada se estableció en Brooklyn, Nueva York, donde mantuvieron un hogar de clase media y de habla inglesa.

Los padres de DeMille se conocieron como miembros de una sociedad musical y literaria de Nueva York. Henry era un estudiante alto y pelirrojo. Beatrice era inteligente, culta, franca y de carácter fuerte. Ambos se casaron el 1 de julio de 1876, a pesar de las objeciones de los padres de Beatrice debido a las diferentes religiones de la joven pareja; Beatrice se convirtió al episcopalismo.

DeMille fue un niño valiente y seguro de sí mismo. Se aficionó al teatro viendo a su padre y a Belasco ensayar sus obras. Un recuerdo imborrable para DeMille fue un almuerzo con su padre y el actor Edwin Booth. De niño, DeMille creó un alter-ego, Champion Driver, un personaje parecido a Robin Hood, prueba de su creatividad e imaginación. La familia vivió en Washington, Carolina del Norte, hasta que Henry construyó una casa de tres pisos de estilo victoriano para su familia en Pompton Lakes, Nueva Jersey; llamaron a esta finca «Pamlico». John Philip Sousa era amigo de la familia, y DeMille recordaba haber lanzado bolas de barro al aire para que su vecina Annie Oakley pudiera practicar su puntería. La hermana de DeMille, Agnes, nació el 23 de abril de 1891; su madre estuvo a punto de no sobrevivir al parto. Agnes moriría el 11 de febrero de 1894, a la edad de tres años, a causa de una meningitis espinal. Los padres de DeMille dirigían una escuela privada en la ciudad y asistían a la Iglesia Episcopal de Cristo. DeMille recordaba que esta iglesia fue el lugar donde visualizó la historia de su versión de 1923 de Los Diez Mandamientos.

El 8 de enero de 1893, a la edad de 40 años, Henry de Mille murió repentinamente de fiebre tifoidea, dejando a Beatrice con tres hijos. Para mantener a su familia, en febrero de 1893 abrió en su casa la Henry C. DeMille School for Girls. El objetivo de la escuela era enseñar a las jóvenes a comprender y cumplir adecuadamente el deber de la mujer consigo misma, con su hogar y con su país. Antes de la muerte de Henry deMille, Beatrice había «apoyado con entusiasmo» las aspiraciones teatrales de su marido. Más tarde se convirtió en la segunda mujer agente teatral de Broadway. En su lecho de muerte, Henry DeMille le dijo a su mujer que no quería que sus hijos fueran dramaturgos. La madre de DeMille le envió al Pennsylvania Military College (actual Widener University) de Chester, Pensilvania, a la edad de 15 años. Huyó del colegio para alistarse en la guerra hispano-estadounidense, pero no cumplió el requisito de edad. En el colegio militar, aunque sus calificaciones eran medias, al parecer destacó por su conducta personal. DeMille asistió a la Academia Americana de Arte Dramático (con matrícula gratuita debido al servicio de su padre en la Academia). Se graduó en 1900 y para la graduación representó la obra The Arcady Trail. Entre el público estaba Charles Frohman, que le daría a DeMille el papel en su obra Hearts are Trumps, el debut de DeMille en Broadway.

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1900-1912: Teatro

Cecil B. DeMille comenzó su carrera como actor en el escenario en la compañía teatral de Charles Frohman en 1900. Debutó como actor el 21 de febrero de 1900 en la obra Hearts Are Trumps en el Garden Theater de Nueva York. En 1901, DeMille protagonizó las producciones de A Repentance, To Have and to Hold y Are You a Mason? A la edad de veintiún años, Cecil B. DeMille se casó con Constance Adams el 16 de agosto de 1902 en casa del padre de Adams en East Orange, Nueva Jersey. El cortejo nupcial fue reducido. La familia de Beatrice DeMille no asistió, y Simon Louvish sugiere que fue para ocultar la herencia judía parcial de DeMille. Adams tenía 29 años cuando se casaron, ocho más que DeMille. Se habían conocido en un teatro de Washington D.C. mientras ambos actuaban en Corazones son trompetas.

Eran sexualmente incompatibles; según DeMille, Adams era demasiado «pura» para «sentir pasiones tan violentas y perversas». DeMille tenía preferencias sexuales y fetiches más violentos que su esposa. Adams permitió a DeMille tener varias amantes de larga duración durante su matrimonio como válvula de escape, mientras mantenían una apariencia externa de matrimonio fiel. Una de las aventuras de DeMille fue con su guionista Jeanie MacPherson. A pesar de su reputación de amante extramatrimonial, a DeMille no le gustaba tener aventuras con sus estrellas, ya que creía que eso le haría perder el control como director. Contaba que mantuvo el autocontrol cuando Gloria Swanson se sentó en su regazo, negándose a tocarla.

En 1902, interpretó un pequeño papel en Hamlet. Los publicistas escribieron que se hizo actor para aprender a dirigir y producir, pero DeMille admitió que se hizo actor para pagar las facturas. De 1904 a 1905, DeMille intentó ganarse la vida como actor de teatro de variedades con su esposa Constance. DeMille hizo una reposición en 1905 en Hamlet como Osric. En el verano de 1905, DeMille se unió al elenco del Elitch Theatre de Denver, Colorado. Apareció en once de las quince obras presentadas esa temporada, aunque todos eran papeles secundarios. Maude Fealy aparecería como actriz principal en varias producciones ese verano y entablaría una amistad duradera con DeMille. (Más tarde le daría un papel en Los diez mandamientos).

Su hermano William se estaba estableciendo como dramaturgo y a veces le invitaba a colaborar. DeMille y William colaboraron en The Genius, The Royal Mounted y After Five. Sin embargo, ninguna de ellas tuvo mucho éxito; William deMille tenía más éxito cuando trabajaba solo. DeMille y su hermano trabajaron a veces con el legendario empresario David Belasco, que había sido amigo y colaborador de su padre. Más tarde, DeMille adaptaría al cine The Girl of the Golden West, Rose of the Rancho y The Warrens of Virginia, de Belasco. A DeMille se le atribuye la creación de la premisa de El regreso de Peter Grimm, de Belasco. El regreso de Peter Grimm suscitó polémica, ya que Belasco había tomado el guión sin nombre de DeMille, cambiado los personajes y titulado El regreso de Peter Grimm, produciéndolo y presentándolo como su propia obra. Los créditos de DeMille aparecían en letra pequeña como «basada en una idea de Cecil DeMille». La obra tuvo éxito, y DeMille se sintió angustiado porque su ídolo de la infancia había plagiado su trabajo.

DeMille actuó en el escenario con actores a los que más tarde dirigiría en el cine: Charlotte Walker, Mary Pickford y Pedro de Córdoba. DeMille también produjo y dirigió obras de teatro. Su actuación en 1905 en El Príncipe Chap como Conde de Huntington fue bien recibida por el público. DeMille escribió algunas de sus propias obras entre actuación y actuación, pero su faceta de dramaturgo no tuvo tanto éxito. Su primera obra fue The Pretender, un prólogo y cuatro actos ambientados en la Rusia del siglo XVII. Otra obra no representada que escribió fue Son of the Winds, una historia mitológica de los nativos americanos. La vida era difícil para DeMille y su esposa como actores itinerantes; sin embargo, viajar le permitió conocer parte de Estados Unidos que aún no había visto. DeMille trabajó a veces con el director E.H. Sothern, que influyó en el posterior perfeccionismo de DeMille en su trabajo. En 1907, debido a un escándalo con una de las alumnas de Beatrice, Evelyn Nesbit, la escuela Henry deMille perdió alumnos. La escuela cerró y Beatrice se declaró en bancarrota. DeMille escribió otra obra titulada originalmente Sergeant Devil May Care, que pasó a llamarse The Royal Mounted. También realizó giras con la Standard Opera Company, pero hay pocos registros que indiquen la habilidad de DeMille como cantante. DeMille tuvo una hija, Cecilia, el 5 de noviembre de 1908, que sería su única hija biológica. En la década de 1910, DeMille comenzó a dirigir y producir obras de otros escritores.

DeMille era pobre y le costaba encontrar trabajo. En consecuencia, su madre le contrató para su agencia The DeMille Play Company y le enseñó a ser agente y dramaturgo. Con el tiempo, se convirtió en gerente de la agencia y, más tarde, en socio menor de su madre. En 1911, DeMille conoció al productor de vodevil Jesse Lasky cuando éste buscaba un guionista para su nuevo musical. En un principio buscó a William deMille. William había sido un dramaturgo de éxito, pero DeMille sufría el fracaso de sus obras The Royal Mounted y The Genius. Sin embargo, Beatrice presentó a Lasky a DeMille. La colaboración de DeMille y Lasky produjo un musical de éxito llamado California, que se estrenó en Nueva York en enero de 1912. Otra producción de DeMille y Lasky estrenada en enero de 1912 fue The Antique Girl. DeMille encontró el éxito en la primavera de 1913 con la producción de Reckless Age, de Lee Wilson, una obra sobre una chica de la alta sociedad acusada injustamente de homicidio protagonizada por Frederick Burton y Sydney Shields. Sin embargo, los cambios en el teatro hicieron que los melodramas de DeMille quedaran obsoletos antes de ser producidos, y el verdadero éxito teatral le fue esquivo. Produjo muchos fracasos. Tras desinteresarse por el teatro, la pasión de DeMille por el cine se encendió cuando vio la película francesa de 1912 Les Amours de la reine Élisabeth.

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1913-1914: Entrar en el cine

Deseosos de cambiar de aires, Cecil B. DeMille, Jesse Lasky, Sam Goldfish (más tarde Samuel Goldwyn) y un grupo de empresarios de la Costa Este crearon en 1913 la Jesse L. Lasky Feature Play Company, de la que DeMille pasó a ser director general. Se dice que Lasky y DeMille esbozaron la organización de la empresa en el reverso del menú de un restaurante. Como director general, el trabajo de DeMille consistía en hacer las películas. Además de dirigir, DeMille fue el supervisor y asesor del primer año de películas realizadas por la Lasky Feature Play Company. A veces, dirigía escenas para otros directores de la Feature Play Company para poder estrenar las películas a tiempo. Además, cuando estaba ocupado dirigiendo otras películas, era coautor de otros guiones de la Lasky Company y creaba adaptaciones para la pantalla que otros dirigían.

La Lasky Play Company buscó a William DeMille para que se uniera a la compañía, pero éste rechazó la oferta porque no creía que una carrera cinematográfica fuera prometedora. Cuando William se enteró de que DeMille había empezado a trabajar en la industria cinematográfica, escribió una carta a DeMille, decepcionado de que estuviera dispuesto a «tirar por la borda el futuro» cuando había «nacido y crecido en las mejores tradiciones del teatro». La Lasky Company quería atraer público de clase alta a sus películas, así que empezó a producir películas a partir de obras literarias. La Lasky Company compró los derechos de la obra The Squaw Man, de Edwin Milton Royle, y eligió a Dustin Farnum para el papel protagonista. Le ofrecieron a Farnum la opción de tener un cuarto de las acciones de la empresa (similar a William deMille) o 250 dólares semanales como salario. Farnum eligió 250 dólares semanales. Los familiares de Lasky, que ya debían 15.000 dólares a Royle por el guión de The Squaw Man, compraron las acciones por valor de 5.000 dólares para salvar a la Lasky Company de la quiebra. Sin conocimientos de cinematografía, DeMille se introdujo para observar el proceso en los estudios de cine. Finalmente le presentaron a Oscar Apfel, un director de teatro reconvertido en director de cine.

El 12 de diciembre de 1913, DeMille, su reparto y el equipo de rodaje subieron a un tren de la Southern Pacific con destino a Flagstaff vía Nueva Orleans. Su plan provisional era rodar una película en Arizona, pero pensó que Arizona no encajaba con el aspecto del Oeste que buscaban. También se enteró de que otros cineastas rodaban con éxito en Los Ángeles, incluso en invierno. Continuó hacia Los Ángeles. Una vez allí, decidió no rodar en Edendale, donde se encontraban muchos estudios, sino en Hollywood. DeMille alquiló un granero para que sirviera de estudio cinematográfico. El rodaje comenzó el 29 de diciembre de 1913 y duró tres semanas. Apfel filmó la mayor parte de The Squaw Man debido a la inexperiencia de DeMille; sin embargo, DeMille aprendió rápidamente y era especialmente hábil para improvisar guiones cuando era necesario. Consiguió que su primera película durara sesenta minutos, tanto como una obra de teatro corta. The Squaw Man (1914), codirigida por Oscar Apfel, causó sensación y estableció la Lasky Company. Fue el primer largometraje rodado en Hollywood. Sin embargo, hubo problemas con la perforación de la película y se descubrió que DeMille había traído un proyector británico barato. Más tarde, DeMille tendría que asegurarse de perforar sesenta y cinco agujeros por pie en lugar de los sesenta y cuatro estándar de la industria. También fue el primer largometraje estadounidense, aunque sólo por la fecha de estreno, ya que Judith of Bethulia, de D. W. Griffith, se rodó antes que The Squaw Man, pero se estrenó más tarde. Además, fue la única película en la que DeMille compartió créditos de dirección con Oscar C. Apfel.

The Squaw Man fue un éxito, lo que llevó a la fundación de Paramount Pictures y a que Hollywood se convirtiera en la «capital mundial del cine». La película recaudó más de diez veces su presupuesto tras su estreno en Nueva York en febrero de 1914. El siguiente proyecto de DeMille fue ayudar a Oscar Apfel y dirigir Brewster»s Millions, que tuvo un gran éxito. En diciembre de 1914, Constance Adams trajo a casa a John DeMille, un niño de quince meses, que la pareja adoptó legalmente tres años después. El biógrafo Scott Eyman sugirió que esto pudo deberse al reciente aborto de Adams.

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1915-1928: La era del silencio

La segunda película de Cecil B. DeMille acreditada exclusivamente a él fue The Virginian. Se trata de la primera película de DeMille disponible en un formato de vídeo de calidad y teñido en color. Sin embargo, esta versión es en realidad una reedición de 1918. Los primeros años de la Lasky Company se dedicaron a hacer películas sin parar, escribiendo literalmente el lenguaje cinematográfico. El propio DeMille dirigió veinte películas hasta 1915. Las películas de más éxito durante los comienzos de la Lasky Company fueron Brewster»s Millions (codirigida por DeMille), Rose of the Rancho y The Ghost Breaker. DeMille adaptó las técnicas de iluminación dramática de Belasco a la tecnología cinematográfica, imitando la luz de la luna con los primeros intentos de «iluminación motivada» del cine estadounidense en The Warrens of Virginia. Esta fue la primera de sus escasas colaboraciones cinematográficas con su hermano William. Tuvieron problemas para adaptar la obra del escenario al plató. Tras la exhibición de la película, los espectadores se quejaron de que las sombras y la iluminación impedían ver los rostros completos de los actores. Sin embargo, Sam Goldwyn se dio cuenta de que si la llamaban iluminación «Rembrandt», el público pagaría el doble. Además, gracias a la cordialidad de DeMille tras el incidente de Peter Grimm, DeMille pudo reavivar su colaboración con Belasco. Adaptó al cine varios guiones de Belasco.

La película de mayor éxito de DeMille fue The Cheat; la dirección de DeMille en la película fue aclamada. En 1916, agotado tras tres años de rodaje ininterrumpido, DeMille compró un rancho en el Bosque Nacional de Los Ángeles que se convertiría en su refugio. Llamó a este lugar «Paradise» (Paraíso), declarándolo santuario de la vida salvaje; no se permitía disparar a los animales, salvo a las serpientes. A su mujer no le gustaba el Paraíso, así que DeMille solía llevar allí a sus amantes, incluida la actriz Julia Faye. Además de su Paradise, DeMille compró un yate en 1921 al que llamó The Seaward.

Durante el rodaje de El cautivo en 1915, un extra, Bob Fleming, murió en el plató cuando otro extra no hizo caso a las órdenes de DeMille de descargar todas las armas para el ensayo. DeMille ordenó al culpable que abandonara la ciudad y nunca revelaría su nombre. Lasky y DeMille mantuvieron a la viuda de Fleming en nómina; sin embargo, según el actor principal House Peters Sr., DeMille se negó a detener la producción por el funeral de Fleming. Peters afirmó que animó al reparto a asistir al funeral con él de todos modos, ya que DeMille no podría rodar la película sin él. El 19 de julio de 1916, la Jesse Lasky Feature Play Company se fusionó con la Famous Players Film Company de Adolph Zukor, convirtiéndose en Famous Players-Lasky. Zukor se convirtió en presidente y Lasky en vicepresidente. DeMille se mantuvo como director general y Goldwyn pasó a ser presidente del consejo. Más tarde, Goldwyn fue despedido de Famous Players-Lasky debido a sus frecuentes enfrentamientos con Lasky, DeMille y, finalmente, Zukor. Durante unas vacaciones en Europa en 1921, DeMille contrajo fiebre reumática en París. Tuvo que guardar cama y no pudo comer. Su mal estado físico al volver a casa afectó a la producción de su película de 1922, Homicidio involuntario. Según Richard Birchard, el estado de debilidad de DeMille durante la producción puede haber sido la causa de que la película se recibiera como algo atípicamente inferior.

Durante la Primera Guerra Mundial, los Famous Players-Lasky organizaron una compañía militar dependiente de la Guardia Nacional llamada Home Guard, formada por empleados de los estudios cinematográficos, con DeMille como capitán. Con el tiempo, la Guardia se amplió a un batallón y reclutó soldados de otros estudios cinematográficos. Se tomaban un descanso semanal de la producción para practicar ejercicios militares. Además, durante la guerra, DeMille se ofreció voluntario para la Oficina de Inteligencia del Departamento de Justicia, investigando a amigos, vecinos y otras personas con las que entraba en contacto en relación con los Famous Players-Lasky. También fue voluntario de la Oficina de Inteligencia durante la Segunda Guerra Mundial. Aunque DeMille consideró la posibilidad de alistarse en la Primera Guerra Mundial, se quedó en Estados Unidos e hizo películas. Sin embargo, se tomó unos meses para montar un cine en el frente francés. Famous Players-Lasky donó las películas. DeMille y Adams adoptaron a Katherine Lester en 1920, a quien Adams había encontrado en el orfanato del que era directora. En 1922, la pareja adoptó a Richard deMille.

El cine empezó a volverse más sofisticado y las siguientes películas de la compañía Lasky fueron criticadas por su escenografía primitiva y poco realista. En consecuencia, Beatrice deMille presentó la Famous Players-Lasky a Wilfred Buckland, a quien DeMille conocía de su época en la Academia Americana de Arte Dramático, y éste se convirtió en el director artístico de DeMille. William deMille se convirtió a regañadientes en editor de historias. William deMille se convertiría más tarde del teatro a Hollywood y pasaría el resto de su carrera como director de cine. A lo largo de su carrera, DeMille rehizo con frecuencia sus propias películas. En su primer caso, en 1917, rehizo The Squaw Man (1918), esperando sólo cuatro años desde la original de 1914. A pesar de su rapidez, la película tuvo bastante éxito. Sin embargo, el segundo remake de DeMille en MGM, en 1931, sería un fracaso.

Tras cinco años y treinta películas de éxito, DeMille se convirtió en el director de mayor éxito de la industria cinematográfica estadounidense. En la época del cine mudo, destacó por Macho y hembra (1919), Masacre (1922), El barquero del Volga (1926) y La niña sin Dios (1928). Las escenas características de DeMille incluían bañeras, ataques de leones y orgías romanas. Muchas de sus películas incluían escenas en Technicolor bicolor. En 1923, DeMille estrenó un melodrama moderno, Los diez mandamientos, que supuso un cambio significativo respecto a su anterior etapa de películas irreligiosas. La película se produjo con un gran presupuesto de 600.000 dólares, la producción más cara de la Paramount. Esto preocupó a los ejecutivos de Paramount; sin embargo, la película resultó ser la más taquillera del estudio. Mantuvo el récord de la Paramount durante veinticinco años, hasta que el propio DeMille volvió a batirlo.

A principios de los años veinte, un escándalo rodeó a Paramount; grupos religiosos y medios de comunicación se oponían a la representación de la inmoralidad en las películas. Se creó una junta de censura llamada Código Hays. La película de DeMille The Affairs of Anatol fue objeto de críticas. Además, DeMille discutió con Zukor por sus costes de producción extravagantes y excesivos. En consecuencia, DeMille abandonó Paramount en 1924 a pesar de haber contribuido a su fundación. Se unió a la Producers Distributing Corporation. Su primera película en la nueva productora, DeMille Pictures Corporation, fue The Road to Yesterday en 1925. Dirigió y produjo cuatro películas por su cuenta, trabajando con Producers Distributing Corporation porque la supervisión de la oficina principal le parecía demasiado restrictiva. Aparte de El rey de reyes, ninguna de las películas de DeMille fuera de Paramount tuvo éxito. El rey de reyes consagró a DeMille como «maestro de la grandiosidad y de las sagas bíblicas». Considerada en su momento la película cristiana de mayor éxito de la era muda, DeMille calculó que había sido vista más de 800 millones de veces en todo el mundo. Tras el estreno de La joven sin Dios, de DeMille, el cine mudo en Estados Unidos quedó obsoleto y DeMille se vio obligado a rodar un último rollo de mala calidad con la nueva técnica de producción sonora. Aunque este carrete final era tan diferente de los once anteriores que parecía de otra película, según Simon Louvish, la película es una de las más extrañas y «deMilleanas» de DeMille.

La inmensa popularidad del cine mudo de DeMille le permitió introducirse en otros campos. Los locos años veinte fueron los del boom y DeMille lo aprovechó al máximo, abriendo la Mercury Aviation Company, una de las primeras aerolíneas comerciales de Estados Unidos. También fue especulador inmobiliario, suscriptor de campañas políticas y vicepresidente del Bank of America. Además, fue vicepresidente del Commercial National Trust and Savings Bank de Los Ángeles, donde aprobó préstamos para otros cineastas. En 1916, DeMille compró una mansión en Hollywood. Charlie Chaplin vivió al lado durante un tiempo y, cuando se mudó, DeMille compró la otra casa y unió las propiedades.

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1929-1956: La era del sonido

Cuando se inventó el «cine sonoro» en 1928, Cecil B. DeMille hizo una transición exitosa, aportando sus propias innovaciones al doloroso proceso; ideó un brazo de micrófono y un dirigible de cámara insonorizado. También popularizó la grúa de cámara. Sus tres primeras películas sonoras se produjeron en la Metro-Goldwyn-Mayer. Estas tres películas, Dynamite, Madame Satan y su remake de 1931 de The Squaw Man, no tuvieron éxito ni de crítica ni económico. Se había adaptado completamente a la producción de cine sonoro, a pesar de los pobres diálogos de la película. Tras finalizar su contrato en MGM, se marchó, pero ningún estudio de producción quiso contratarle. Intentó crear un gremio de media docena de directores con los mismos deseos creativos llamado el Gremio de Directores. Sin embargo, la idea fracasó por falta de financiación y compromiso. Además, DeMille fue auditado por el Servicio de Impuestos Internos debido a problemas con su productora. Este fue, según DeMille, el punto más bajo de su carrera. DeMille viajó al extranjero en busca de empleo hasta que le ofrecieron un contrato en Paramount.

En 1932, DeMille regresó a Paramount a petición de Lasky, llevando consigo su propia unidad de producción. Su primera película de regreso a la Paramount, El signo de la cruz, fue también su primer éxito desde que dejó la Paramount, aparte de El rey de reyes. El regreso de DeMille fue aprobado por Zukor con la condición de que DeMille no superara su presupuesto de producción de 650.000 dólares para El signo de la cruz. Producida en ocho semanas sin exceder el presupuesto, la película tuvo éxito financiero. El signo de la cruz fue la primera película que integró todas las técnicas cinematográficas. La película fue considerada una «obra maestra» y superó la calidad de otras películas sonoras de la época. DeMille siguió a esta epopeya de forma atípica con dos dramas estrenados en 1933 y 1934. This Day and Age y Four Frightened People fueron decepciones de taquilla, aunque Four Frightened People recibió buenas críticas. DeMille se limitaría a sus espectáculos de gran presupuesto durante el resto de su carrera.

Cecil B. DeMille hablaba abiertamente de su firme integridad episcopal, pero su vida privada incluía amantes y adulterio. DeMille era un activista republicano conservador, cada vez más conservador a medida que envejecía. Era conocido por su antisindicalismo y trabajó para impedir la sindicalización de los estudios de producción cinematográfica. Sin embargo, según el propio DeMille, no era antisindical y él mismo perteneció a algunos sindicatos. Decía estar más bien en contra de líderes sindicales como Walter Reuther y Harry Bridges, a los que comparaba con dictadores. Apoyó a Herbert Hoover y en 1928 hizo su mayor donación de campaña a Hoover. Sin embargo, a DeMille también le gustaba Franklin D. Roosevelt, pues lo encontraba carismático, tenaz e inteligente, y estaba de acuerdo con el rechazo de Roosevelt a la Ley Seca. DeMille prestó a Roosevelt un coche para su campaña a las elecciones presidenciales de 1932 y votó por él. Sin embargo, nunca volvería a votar a un candidato demócrata en unas elecciones presidenciales.

Desde el 1 de junio de 1936 hasta el 22 de enero de 1945, Cecil B. DeMille presentó y dirigió Lux Radio Theater, un resumen semanal de largometrajes de actualidad. Emitido por la Columbia Broadcasting System (CBS) de 1935 a 1954, el programa Lux Radio fue uno de los programas semanales más populares de la historia de la radio. Mientras DeMille fue presentador, el programa tuvo cuarenta millones de oyentes semanales, con lo que DeMille ganó un sueldo anual de 100.000 dólares. De 1936 a 1945, produjo, presentó y dirigió todos los programas, con la excepción ocasional de un director invitado. Dimitió del Lux Radio Show porque se negó a pagar un dólar a la American Federation of Radio Artists (AFRA) porque no creía que ninguna organización tuviera derecho a «imponer una cuota obligatoria a ningún miembro». En consecuencia, tuvo que renunciar al programa de radio.

DeMille demandó al sindicato para que le readmitieran, pero perdió. Luego recurrió ante el Tribunal Supremo de California y volvió a perder. Cuando el AFRA se extendió a la televisión, a DeMille se le prohibieron las apariciones televisivas. En consecuencia, creó la Fundación DeMille para la Libertad Política con el fin de hacer campaña por el derecho al trabajo. Comenzó a dar discursos por todo Estados Unidos durante los años siguientes. La principal crítica de DeMille eran los talleres cerrados, pero más tarde incluyó críticas al comunismo y a los sindicatos en general. El Tribunal Supremo de Estados Unidos se negó a revisar su caso. A pesar de su derrota, DeMille continuó presionando a favor de la Ley Taft-Hartley, que fue aprobada. Ésta prohibía negar a cualquier persona el derecho al trabajo si se negaba a pagar una cuota política; sin embargo, la ley no se aplicaba con carácter retroactivo. En consecuencia, la prohibición de DeMille de aparecer en televisión y radio duró el resto de su vida, aunque se le permitía aparecer en radio o televisión para publicitar una película. William Keighley fue su sustituto. DeMille no volvería a trabajar en la radio.

En 1939, Union Pacific de DeMille tuvo éxito gracias a la colaboración de DeMille con la Union Pacific Railroad. La Union Pacific dio a DeMille acceso a datos históricos, trenes de época y personal experto, lo que contribuyó a la autenticidad de la película. Durante la preproducción de Union Pacific, DeMille tuvo que hacer frente a su primer problema grave de salud. En marzo de 1938 se sometió a una prostatectomía de urgencia. Sufrió una infección postoperatoria de la que estuvo a punto de no recuperarse, citando la estreptomicina como su salvación. Según algunos familiares, la operación le causó disfunciones sexuales durante el resto de su vida. Tras su operación y el éxito de Union Pacific, en 1940, DeMille utilizó por primera vez el Technicolor de tres bandas en North West Mounted Police. DeMille quería rodar en Canadá, pero debido a las limitaciones presupuestarias, la película se rodó en Oregón y Hollywood. Los críticos quedaron impresionados con los efectos visuales, pero consideraron que los guiones eran aburridos y la calificaron como el «western más pobre» de DeMille. A pesar de las críticas, fue la película más taquillera del año para Paramount. Al público le gustó su color saturado, por lo que DeMille no hizo más películas en blanco y negro. DeMille era anticomunista y en 1940 abandonó un proyecto para rodar Por quién doblan las campanas, de Ernest Hemingway, debido a sus temas comunistas, a pesar de que ya había pagado 100.000 dólares por los derechos de la novela. Estaba tan ansioso por producir la película que aún no había leído la novela. Alegó que abandonó el proyecto para completar otro, pero en realidad lo hizo para preservar su reputación y evitar parecer reaccionario. Al mismo tiempo que filmaba, sirvió en la Segunda Guerra Mundial a los sesenta años como guardia antiaéreo de su barrio.

En 1942, DeMille trabajó con Jeanie MacPherson y su hermano William deMille para producir una película titulada Queen of Queens (Reina de reinas), que pretendía tratar sobre María, madre de Jesús. Tras leer el guión, Daniel A. Lord advirtió a DeMille de que los católicos encontrarían la película demasiado irreverente, mientras que los no católicos la habrían considerado propaganda católica. En consecuencia, la película nunca se rodó. Jeanie MacPherson trabajaría como guionista para muchas de las películas de DeMille. En 1938, DeMille supervisó la compilación de la película Land of Liberty para representar la contribución de la industria cinematográfica estadounidense a la Feria Mundial de Nueva York de 1939. DeMille utilizó fragmentos de sus propias películas en Land of Liberty. Aunque la película no fue muy taquillera, tuvo una buena acogida y se pidió a DeMille que acortara su duración para permitir más proyecciones al día. MGM distribuyó la película en 1941 y donó los beneficios a organizaciones benéficas de la Segunda Guerra Mundial.

En 1942, DeMille estrenó la película de más éxito de Paramount, Reap the Wild Wind. Se produjo con un gran presupuesto y contenía muchos efectos especiales, incluido un calamar gigante accionado electrónicamente. Después de trabajar en Reap the Wild Wind, en 1944, fue el maestro de ceremonias en el multitudinario mitin organizado por David O. Selznick en el Coliseo de Los Ángeles en apoyo de la candidatura Dewey-Bricker, así como del gobernador Earl Warren de California. La siguiente película de DeMille, Unconquered (1947), fue la de mayor duración (146 minutos), la de mayor calendario de rodaje (102 días) y la de mayor presupuesto, 5 millones de dólares. Los decorados y los efectos eran tan realistas que 30 extras tuvieron que ser hospitalizados debido a una escena con bolas de fuego y flechas incendiarias. Tuvo un gran éxito comercial.

La siguiente película de DeMille, Sansón y Dalila, de 1949, se convirtió en la más taquillera de Paramount hasta ese momento. Una epopeya bíblica con sexo, fue una película característica de DeMille. En 1952, El mayor espectáculo del mundo se convirtió en la película más taquillera de Paramount hasta ese momento. Además, la película de DeMille ganó el Oscar a la mejor película y el Oscar a la mejor historia. La película comenzó a producirse en 1949, Ringling Brothers-Barnum y Bailey recibieron 250.000 dólares por el uso del título y las instalaciones. DeMille realizó una gira con el circo mientras ayudaba a escribir el guión. Ruidosa y brillante, no fue bien recibida por la crítica, pero fue una de las favoritas del público. En agosto de 1953, DeMille firmó un contrato con la editorial Prentice Hall para publicar una autobiografía. DeMille grababa sus recuerdos en una grabadora de voz, la grabación se transcribía y la información se organizaba en la biografía en función del tema. Art Arthur también entrevistó a personas para la autobiografía. A DeMille no le gustó el primer borrador de la biografía, ya que pensaba que la persona retratada en la biografía era un «hijo de puta»; decía que le hacía parecer demasiado egoísta. Además de hacer cine y terminar su autobiografía, DeMille participó en otros proyectos. A principios de la década de 1950, DeMille fue reclutado por Allen Dulles y Frank Wisner para formar parte del consejo del anticomunista Comité Nacional para una Europa Libre, la cara pública de la organización que supervisaba el servicio de Radio Europa Libre. En 1954, el Secretario de las Fuerzas Aéreas, Harold E. Talbott, pidió ayuda a DeMille para diseñar los uniformes de los cadetes de la recién creada Academia de las Fuerzas Aéreas de Estados Unidos. Los diseños de DeMille, entre los que destaca el distintivo uniforme de desfile de los cadetes, fueron elogiados por los dirigentes de la Fuerza Aérea y de la Academia, fueron finalmente adoptados y todavía los llevan los cadetes.

En 1952, DeMille buscó la aprobación para un fastuoso remake de su película muda de 1923 Los Diez Mandamientos. Se presentó ante el consejo de administración de la Paramount, en su mayoría judío-estadounidense. Los miembros rechazaron su propuesta, a pesar de que sus dos últimas películas, Sansón y Dalila y El mayor espectáculo del mundo, habían batido récords de éxito. Adolph Zukor convenció a los miembros del consejo para que cambiaran de opinión por razones morales. DeMille no tenía un presupuesto exacto para el proyecto, que prometía ser el más costoso de la historia del cine estadounidense. Aun así, los miembros lo aprobaron por unanimidad. Los Diez Mandamientos, estrenada en 1956, fue la última película de DeMille. Fue la película más larga (3 horas y 39 minutos) y más cara (13 millones de dólares) de la historia de Paramount. La producción de Los Diez Mandamientos comenzó en octubre de 1954. La escena del Éxodo se rodó in situ, en Egipto, con cuatro cámaras Technicolor-VistaVision que filmaron a 12.000 personas. Continuaron rodando en 1955 en París y Hollywood en 30 escenarios de sonido diferentes. Incluso tuvieron que trasladarse a los estudios de sonido RKO para rodar. La posproducción duró un año y la película se estrenó en Salt Lake City. Nominada al Oscar a la mejor película, recaudó más de 80 millones de dólares, superando la recaudación de El mayor espectáculo del mundo y de todas las demás películas de la historia, excepto Lo que el viento se llevó. Una práctica única en la época, DeMille ofreció el diez por ciento de sus beneficios al equipo.

El 7 de noviembre de 1954, mientras rodaba en Egipto la secuencia del Éxodo para Los Diez Mandamientos, DeMille (que tenía setenta y tres años) subió por una escalera de 33 metros hasta lo alto del enorme decorado de Per Ramsés y sufrió un grave ataque al corazón. A pesar de la insistencia de su productor asociado, DeMille quiso volver al plató de inmediato. DeMille elaboró un plan con su médico que le permitiera seguir dirigiendo a la vez que reducía su estrés físico. Aunque DeMille terminó la película, su salud se vio mermada por varios infartos más. Su hija Cecilia se hizo cargo de la dirección mientras DeMille se sentaba detrás de la cámara con Loyal Griggs como director de fotografía.

Debido a sus frecuentes ataques al corazón, DeMille pidió a su yerno, el actor Anthony Quinn, que dirigiera un remake de su película de 1938 El bucanero. DeMille ejerció de productor ejecutivo, supervisando al productor Henry Wilcoxon. A pesar de un reparto encabezado por Charlton Heston y Yul Brynner, la película de 1958 El bucanero fue una decepción. DeMille asistió al estreno de El bucanero en Santa Bárbara en diciembre de 1958. DeMille no pudo asistir al estreno de The Buccaneer en Los Ángeles. En los meses anteriores a su muerte, DeMille estaba investigando una biografía cinematográfica de Robert Baden-Powell, fundador del Movimiento Scout. DeMille pidió a David Niven que protagonizara la película, pero nunca se rodó. DeMille también estaba planeando una película sobre la carrera espacial, así como otra epopeya bíblica sobre el Libro del Apocalipsis. La autobiografía de DeMille estaba casi terminada cuando murió y se publicó en noviembre de 1959.

Cecil B. DeMille sufrió una serie de infartos entre junio de 1958 y enero de 1959, y falleció el 21 de enero de 1959 tras un ataque. El funeral de DeMille se celebró el 23 de enero en la Iglesia Episcopal de San Esteban. Fue enterrado en el Hollywood Memorial Cemetery (ahora conocido como Hollywood Forever). Tras su muerte, destacados medios de comunicación como The New York Times, Los Angeles Times y The Guardian homenajearon a DeMille como «pionero del cine», «el mayor creador y showman de nuestra industria» y «el fundador de Hollywood». DeMille dejó su multimillonaria propiedad en Los Feliz, Los Ángeles, en Laughlin Park, a su hija Cecilia, ya que su mujer padecía demencia y era incapaz de cuidar de una finca. Ella moriría un año después. Su testamento personal trazó una línea divisoria entre Cecilia y sus tres hijos adoptivos, recibiendo Cecilia la mayor parte de la herencia y el patrimonio de DeMille. Los otros tres hijos se sorprendieron por ello, ya que DeMille no los trató de forma diferente en vida. Cecilia vivió en la casa durante muchos años hasta su muerte en 1984, pero la casa fue subastada por su nieta Cecilia DeMille Presley, que también vivió allí a finales de la década de 1980.

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Influencias

DeMille cree que sus primeras influencias fueron sus padres, Henry y Beatrice DeMille. Su padre, dramaturgo, le introdujo en el teatro a una edad temprana. Henry estaba muy influido por la obra de Charles Kingsley, cuyas ideas llegaron a DeMille. DeMille señaló que su madre tenía un «alto sentido de lo dramático» y estaba decidida a continuar el legado artístico de su marido tras su muerte. Beatrice se convirtió en intermediaria de obras de teatro y agente de autores, lo que influyó en los primeros años de la vida y la carrera de DeMille. El padre de DeMille trabajó con David Belasco, productor teatral, empresario y dramaturgo. Belasco era conocido por añadir elementos realistas a sus obras, como flores, comida y aromas reales que transportaban al público a las escenas. Mientras trabajaba en el teatro, DeMille utilizó árboles frutales reales en su obra California por influencia de Belasco. Al igual que Belasco, el teatro de DeMille giraba en torno al entretenimiento, más que al arte. En general, la influencia de Belasco en la carrera de DeMille puede apreciarse en el espectáculo y la narración de DeMille. La temprana influencia de E.H. Sothern en el trabajo de DeMille se aprecia en su perfeccionismo. DeMille recordaba que una de las obras que más le influyeron fue Hamlet, dirigida por Sothern.

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Método

El proceso cinematográfico de DeMille comenzaba siempre con una investigación exhaustiva. A continuación, trabajaba con guionistas para desarrollar la historia que estaba imaginando. A continuación, ayudaba a los guionistas a elaborar el guión. Por último, dejaba el guión en manos de los artistas y les permitía crear representaciones artísticas de cada escena. El argumento y el diálogo no eran los puntos fuertes de las películas de DeMille. Por ello, centró sus esfuerzos en el aspecto visual. Trabajó con técnicos visuales, montadores, directores artísticos, diseñadores de vestuario, directores de fotografía y carpinteros de decorados para perfeccionar los aspectos visuales de sus películas. Con su montadora, Anne Bauchens, DeMille utilizaba técnicas de montaje para que fueran las imágenes visuales las que llevaran la trama al clímax, en lugar de los diálogos. DeMille celebraba grandes y frecuentes reuniones de trabajo para discutir y examinar todos los aspectos de la película, incluidos los story-boards, el atrezzo y los efectos especiales.

DeMille rara vez dirigía a los actores; prefería trabajar con ellos en su despacho, repasando los personajes y leyendo los guiones. Los guionistas solían solucionar los problemas que surgían en el rodaje en la oficina y no en el plató. DeMille no creía que un gran plató fuera el lugar adecuado para discutir cuestiones menores sobre los personajes o las líneas. DeMille era especialmente hábil dirigiendo y gestionando grandes multitudes en sus películas. Martin Scorsese recordaba que DeMille tenía la habilidad de mantener el control no sólo de los actores principales, sino también de los extras. DeMille era experto en dirigir a «miles de extras», y muchas de sus películas incluyen escenas espectaculares: el derribo del templo pagano en Sansón y Dalila; el choque de trenes en Camino del ayer y El mayor espectáculo del mundo; la destrucción de un dirigible en Madam Satan; y la división del Mar Rojo en ambas versiones de Los diez mandamientos.

DeMille experimentó en sus primeras películas con luces y sombras fotográficas que creaban sombras dramáticas en lugar de resplandores. Su uso específico de la iluminación, influenciado por su mentor David Belasco, tenía como objetivo crear «imágenes impactantes» y realzar las «situaciones dramáticas». DeMille fue el único en utilizar esta técnica. Además de utilizar un montaje volátil y abrupto, su iluminación y composición eran innovadoras para la época, ya que los cineastas se preocupaban principalmente por una imagen clara y realista. Otro aspecto importante de la técnica de montaje de DeMille era guardar la película durante una o dos semanas tras el montaje inicial para volver a editarla con la mente fresca. Esto permitió la rápida producción de sus películas en los primeros años de la Lasky Company. Los cortes eran a veces bruscos, pero las películas eran siempre interesantes.

DeMille a menudo editaba de manera que favorecía el espacio psicológico más que el físico a través de sus cortes. De este modo, los pensamientos y deseos de los personajes son el foco visual más que las circunstancias relativas a la escena física. A medida que avanzaba su carrera, DeMille recurría cada vez más al arte conceptual, de vestuario y de guión gráfico del artista Dan Sayre Groesbeck. El arte de Groesbeck circulaba por el plató para que los actores y los miembros del equipo comprendieran mejor la visión de DeMille. Su arte se mostraba incluso en las reuniones de Paramount para presentar nuevas películas. DeMille adoraba el arte de Groesbeck y llegó a colgarlo sobre su chimenea, pero al personal de rodaje le resultaba difícil convertirlo en decorados tridimensionales. Como DeMille seguía confiando en Groesbeck, la energía nerviosa de sus primeras películas se transformó en las composiciones más estables de las últimas. Aunque visualmente atractivas, las películas parecían más anticuadas.

El compositor Elmer Bernstein describió a DeMille como alguien que «no escatimaba esfuerzos» a la hora de rodar. Bernstein recordaba que DeMille gritaba, chillaba o halagaba, lo que fuera necesario para lograr la perfección que exigía en sus películas. DeMille prestaba una atención meticulosa a los detalles en el rodaje y era tan crítico consigo mismo como con su equipo. La diseñadora de vestuario Dorothy Jeakins, que trabajó con DeMille en Los diez mandamientos (1956), dijo que DeMille era experto en humillar a la gente. Jeakins admitió que recibió de él una formación de calidad, pero que era necesario convertirse en una perfeccionista en un plató de DeMille para evitar ser despedida. DeMille tenía una personalidad autoritaria en el plató; exigía una atención absoluta del reparto y el equipo. Tenía un grupo de ayudantes a su servicio. Hablaba a todo el plató, a veces con innumerables miembros del equipo y extras, a través de un micrófono para mantener el control. No era del agrado de muchos, ni dentro ni fuera de la industria cinematográfica, por su fama de frío y controlador.

DeMille era conocido por su comportamiento autocrático en el plató, señalando y reprendiendo a los extras que no prestaban atención. Sin embargo, se creía que muchas de estas exhibiciones eran escenificadas, como ejercicio de disciplina. Despreciaba a los actores que no estaban dispuestos a correr riesgos físicos, sobre todo cuando él les había demostrado primero que la acrobacia requerida no les haría daño. Esto ocurrió con Victor Mature en Sansón y Dalila. Mature se negó a luchar con Jackie el León, a pesar de que DeMille acababa de forcejear con el león, demostrando que era manso. DeMille le dijo al actor que era «cien por cien amarillo». La negativa de Paulette Goddard a arriesgarse a sufrir daños personales en una escena con fuego en Unconquered le costó el favor de DeMille y un papel en The Greatest Show on Earth. DeMille recibió ayuda en sus películas, especialmente de Alvin Wyckoff, que rodó cuarenta y tres de las películas de DeMille; su hermano William deMille, que ocasionalmente actuaba como guionista; y Jeanie Macpherson, que fue guionista exclusiva de DeMille durante quince años; y Eddie Salven, el ayudante de dirección favorito de DeMille.

DeMille convirtió en estrellas a actores desconocidos: Gloria Swanson, Bebe Daniels, Rod La Rocque, William Boyd, Claudette Colbert y Charlton Heston. También contrató a estrellas consagradas como Gary Cooper, Robert Preston, Paulette Goddard y Fredric March en varias películas. DeMille contrató repetidamente a algunos de sus intérpretes, como: Henry Wilcoxon, Ian Keith, Theodore Roberts, Akim Tamiroff El actor Edward G. Robinson atribuyó a DeMille el mérito de haber salvado su carrera tras su eclipse en la lista negra de Hollywood.

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Estilo y temas

La carrera de Cecil B. DeMille como productor cinematográfico evolucionó desde el cine mudo, muy apreciado por la crítica, hasta el cine sonoro, muy apreciado económicamente. Comenzó su carrera con melodramas reservados pero brillantes; a partir de ahí, su estilo evolucionó hacia comedias matrimoniales con tramas escandalosamente melodramáticas. Para atraer a un público de clase alta, DeMille basó muchas de sus primeras películas en melodramas teatrales, novelas y cuentos. Comenzó a producir películas épicas al principio de su carrera, hasta que éstas empezaron a consolidar su carrera en la década de 1920. En 1930, DeMille había perfeccionado su estilo cinematográfico de películas espectáculo de interés masivo con temas del Oeste, romanos o bíblicos. A menudo se criticó a DeMille por hacer sus espectáculos demasiado coloristas y por ocuparse demasiado de entretener al público en lugar de acceder a las posibilidades artísticas y de autor que podía ofrecer el cine. Sin embargo, otros interpretaron la obra de DeMille como visualmente impresionante, emocionante y nostálgica. En la misma línea, los críticos de DeMille suelen calificarlo por sus espectáculos posteriores y no tienen en cuenta varias décadas de ingenio y energía que le definieron durante su generación. A lo largo de su carrera, no alteró sus películas para adaptarse mejor a los estilos contemporáneos o populares. El actor Charlton Heston admitió que DeMille estaba «terriblemente pasado de moda» y Sidney Lumet llamó a Demille «la versión barata de D.W. Griffith», añadiendo que DeMille, «…un pensamiento original en su cabeza», aunque Heston añadió que DeMille era mucho más que eso.

Según Scott Eyman, las películas de DeMille eran al mismo tiempo masculinas y femeninas debido a su aventurerismo temático y su ojo para lo extravagante. El estilo distintivo de DeMille puede apreciarse a través de los efectos de cámara e iluminación ya en The Squaw Man, con el uso de imágenes de ensueño; la luz de la luna y la puesta de sol en una montaña; y la iluminación lateral a través de la solapa de una tienda de campaña. En la primera época del cine, DeMille diferenció la Lasky Company de otras productoras por el uso de una iluminación dramática y discreta que denominó «iluminación Lasky» y comercializó como «iluminación Rembrandt» para atraer al público. DeMille obtuvo reconocimiento internacional por su uso único de la iluminación y el tinte de color en su película The Cheat. Según el director Martin Scorsese, la versión de Los Diez Mandamientos realizada por DeMille en 1956 es famosa por su nivel de producción y por el cuidado y el detalle con que se creó la película. Afirmó que Los Diez Mandamientos fue la culminación final del estilo de DeMille.

A DeMille le interesaba el arte y su artista favorito era Gustave Doré; DeMille basó algunas de sus escenas más conocidas en la obra de Doré. DeMille fue el primer director que relacionó el arte con el cine; creó el título de «director artístico» en el set de rodaje. DeMille también era conocido por su uso de efectos especiales sin recurrir a la tecnología digital. En particular, DeMille encargó al director de fotografía John P. Fulton la creación de la escena de la división del Mar Rojo en su película de 1956 Los Diez Mandamientos, que fue uno de los efectos especiales más caros de la historia del cine y ha sido calificado por Steven Spielberg como «el mayor efecto especial de la historia del cine». La separación real del mar se creó vertiendo 360.000 galones de agua en un enorme tanque de agua dividido por un canal en forma de U, superponiéndolo con la película de una cascada gigante que se construyó en el backlot de Paramount, y reproduciendo el clip al revés.

Aparte de sus epopeyas bíblicas e históricas, que tratan de cómo el hombre se relaciona con Dios, algunas de las películas de DeMille contenían temas de «neonaturalismo» que retratan el conflicto entre las leyes del hombre y las leyes de la naturaleza. Aunque se le conoce por sus películas «espectaculares» posteriores, sus primeras películas gozan de gran prestigio entre la crítica y los historiadores del cine. DeMille descubrió las posibilidades del «cuarto de baño» o «tocador» en el cine sin ser «vulgar» o «barato». Las películas de DeMille Macho y hembra, ¿Por qué cambiar de mujer? y Los asuntos de Anatol pueden describirse retrospectivamente como «high camp» y se clasifican como «primeras películas de DeMille» debido a su particular estilo de producción y diseño de vestuario y decorados. Sin embargo, sus primeras películas, The Captive, Kindling, Carmen y The Whispering Chorus son más serias. Es difícil clasificar las películas de DeMille en un género específico. Sus tres primeras películas fueron westerns, y filmó muchos westerns a lo largo de su carrera. Sin embargo, a lo largo de su carrera filmó comedias, romances periódicos y contemporáneos, dramas, fantasías, propaganda, espectáculos bíblicos, comedias musicales, suspense y películas bélicas. Al menos una película de DeMille puede representar cada género cinematográfico. DeMille produjo la mayoría de sus películas antes de la década de 1930, y cuando se inventó el cine sonoro, los críticos de cine consideraban a DeMille como un anticuado, que había dejado atrás sus mejores años cinematográficos.

Las películas de DeMille contenían muchos temas similares a lo largo de su carrera. Sin embargo, las películas de su época muda eran a menudo temáticamente diferentes de las de su época sonora. Sus películas de la época muda incluían a menudo el tema de la «batalla de los sexos», debido a la época del sufragio femenino y a la ampliación del papel de la mujer en la sociedad. Además, antes de sus películas de temática religiosa, muchas de sus películas de la época muda giraban en torno a «sátiras de maridos y mujeres, divorcios y matrimonios», de temática considerablemente más adulta. Según Simon Louvish, estas películas reflejaban los pensamientos y opiniones íntimas de DeMille sobre el matrimonio y la sexualidad humana. La religión fue un tema que DeMille retomó a lo largo de su carrera. De sus setenta películas, cinco giraban en torno a historias de la Biblia y el Nuevo Testamento; sin embargo, muchas otras, aunque no eran narraciones directas de historias bíblicas, tenían temas de fe y fanatismo religioso en películas como Las cruzadas y El camino hacia el ayer. El western y la frontera americana fueron también temas que DeMille retomó a lo largo de su carrera. Sus primeras películas fueron westerns y produjo una cadena de westerns durante la era del sonido. En lugar de retratar el peligro y la anarquía del Oeste, retrató la oportunidad y la redención que se encuentran en el Oeste americano. Otro tema común en las películas de DeMille es la inversión de la fortuna y el retrato de los ricos y los pobres, incluida la guerra de clases y los conflictos del hombre contra la sociedad, como en The Golden Chance y The Cheat. En relación con sus propios intereses y preferencias sexuales, el sadomasoquismo fue un tema menor presente en algunas de sus películas. Otra característica menor del cine de DeMille son los accidentes de tren, presentes en varias de sus películas.

Conocido como el padre de la industria cinematográfica de Hollywood, Cecil B. DeMille rodó 70 películas, entre ellas varios éxitos de taquilla. DeMille es uno de los directores de cine con más éxito comercial de la historia, y se calcula que sus películas anteriores al estreno de Los diez mandamientos han recaudado 650 millones de dólares en todo el mundo. Ajustada a la inflación, la nueva versión de Los Diez Mandamientos de DeMille es la octava película más taquillera del mundo.

Según Sam Goldwyn, a los críticos no les gustaban las películas de DeMille, pero al público sí y «ellos tienen la última palabra». Del mismo modo, el académico David Blanke, argumentó que DeMille había perdido el respeto de sus colegas y de los críticos de cine al final de su carrera cinematográfica. Sin embargo, sus últimas películas mantenían que DeMille seguía siendo respetado por su público. Cinco de las películas de DeMille fueron las más taquilleras en el año de su estreno, y sólo Spielberg le superó con seis de sus películas como las más taquilleras del año. Las películas más taquilleras de DeMille son: El signo de la cruz (1932), Invencible (1947), Sansón y Dalila (1949), El mayor espectáculo del mundo (1952) y Los diez mandamientos (1956). Al director Ridley Scott se le ha llamado «el Cecil B. DeMille de la era digital» por sus epopeyas clásicas y medievales.

A pesar de su éxito de taquilla, sus premios y sus logros artísticos, DeMille ha sido despreciado e ignorado por la crítica tanto en vida como póstumamente. Se le criticó constantemente por producir películas superficiales, sin talento ni cuidado artístico. En comparación con otros directores, pocos estudiosos del cine se han tomado la molestia de analizar académicamente sus películas y su estilo. Durante la Nueva Ola Francesa, los críticos empezaron a clasificar a ciertos cineastas como autores, como Howard Hawks, John Ford y Raoul Walsh. DeMille fue omitido de la lista, pues se pensaba que era demasiado poco sofisticado y anticuado para ser considerado un autor. Sin embargo, Simon Louvish escribió que «era el completo maestro y autor de sus películas» y Anton Kozlovic lo calificó de «autor americano anónimo». Andrew Sarris, uno de los principales defensores de la teoría del autor, situó a DeMille en el «Lado Lejano del Paraíso», justo por debajo del «Panteón». Sarris añadió que, a pesar de la influencia de estilos de directores contemporáneos a lo largo de su carrera, el estilo de DeMille permaneció inalterado. Robert Birchard escribió que se podría argumentar la autoría de DeMille basándose en que el estilo temático y visual de DeMille se mantuvo constante a lo largo de su carrera. Sin embargo, Birchard reconoció que el argumento de Sarris era más bien que el estilo de DeMille estaba detrás del desarrollo del cine como forma de arte. Por su parte, Sumiko Higashi ve a DeMille «no sólo como una figura moldeada e influida por las fuerzas de su época, sino como un cineasta que dejó su propia firma en la industria cultural». La crítica Camille Paglia ha calificado Los diez mandamientos como una de las diez mejores películas de todos los tiempos.

DeMille fue uno de los primeros directores en convertirse en una celebridad por derecho propio. Cultivó la imagen del director omnipotente, con megáfono, fusta y pantalones de montar. Era conocido por su singular vestuario de trabajo, que incluía botas de montar, pantalones de montar y camisas suaves de cuello abierto. Joseph Henabery recordaba que DeMille parecía «un rey en un trono rodeado de su corte» mientras dirigía películas en una plataforma de cámara.

DeMille caía bien a algunos de sus colegas directores y mal a otros, aunque sus películas solían ser tachadas de espectáculo insípido. Al director John Huston le desagradaban profundamente tanto DeMille como sus películas. «Era un director completamente malo», dijo Huston. «Un fanfarrón espantoso. Terrible. De proporciones enfermizas». Su colega William Wellman dijo: «Creo que sus películas eran las cosas más horribles que he visto en mi vida. Pero hizo películas que hicieron una fortuna. En ese sentido, era mejor que cualquiera de nosotros». El productor David O. Selznick escribió: «Sólo ha existido un Cecil B. DeMille. Es uno de los más extraordinarios showmen de los tiempos modernos. Por mucho que me disgusten algunas de sus películas, sería muy tonto por mi parte, como productor de películas comerciales, rebajar ni por un instante su incomparable habilidad como creador de entretenimiento de masas». Salvador Dalí escribió que DeMille, Walt Disney y los Hermanos Marx eran «los tres grandes surrealistas americanos». DeMille actuó como él mismo en numerosas películas, incluida la comedia de MGM Free and Easy. A menudo aparecía en sus trailers de atracciones y narró muchas de sus últimas películas, llegando incluso a aparecer en pantalla para presentar Los diez mandamientos. DeMille fue inmortalizado en Sunset Boulevard, de Billy Wilder, cuando Gloria Swanson pronunció la frase: «Muy bien, Sr. DeMille. Estoy lista para mi primer plano». DeMille se interpreta a sí mismo en la película. La reputación de DeMille renació en la década de 2010.

Como cineasta, DeMille fue la inspiración estética de muchos directores y películas debido a su temprana influencia durante el crucial desarrollo de la industria cinematográfica. Las primeras comedias mudas de DeMille influyeron en las comedias de Ernst Lubitsch y en Una mujer de París de Charlie Chaplin. Además, las películas épicas de DeMille, como Las cruzadas, influyeron en Alexander Nevsky, de Sergei Eisenstein. Además, las películas épicas de DeMille inspiraron a directores como Howard Hawks, Nicholas Ray, Joseph L. Mankiewicz y George Stevens a intentar producir películas épicas. Cecil B. DeMille ha influido en la obra de varios directores conocidos. Alfred Hitchcock citó la película de DeMille Fruta prohibida (1921) como una influencia de su trabajo y una de sus diez películas favoritas. DeMille ha influido en la carrera de muchos directores modernos. Martin Scorsese citó Inconquistable, Sansón y Dalila y El mayor espectáculo del mundo como películas de DeMille que le han dejado recuerdos imborrables. Scorsese dijo haber visto Los Diez Mandamientos cuarenta o cincuenta veces. El famoso director Steven Spielberg declaró que El mayor espectáculo del mundo de DeMille fue una de las películas que le influyeron para convertirse en cineasta. Además, DeMille influyó en cerca de la mitad de las películas de Spielberg, incluida La guerra de los mundos. Los Diez Mandamientos inspiró la posterior película de DreamWorks Animation sobre Moisés, El Príncipe de Egipto. Como uno de los miembros fundadores de Paramount Pictures y cofundador de Hollywood, DeMille desempeñó un papel importante en el desarrollo de la industria cinematográfica. En consecuencia, el nombre «DeMille» se ha convertido en sinónimo de cine.

Públicamente episcopal, DeMille recurrió a sus antepasados cristianos y judíos para transmitir un mensaje de tolerancia. DeMille recibió más de una docena de premios de grupos religiosos y culturales cristianos y judíos, entre ellos B»nai B»rith. Sin embargo, no todo el mundo recibió favorablemente las películas religiosas de DeMille. DeMille fue acusado de antisemitismo tras el estreno de El rey de reyes, y el director John Ford despreció a DeMille por lo que él consideraba epopeyas bíblicas «huecas» destinadas a promover la reputación de DeMille durante la políticamente turbulenta década de 1950. En respuesta a las acusaciones, DeMille donó parte de los beneficios de El rey de reyes a obras benéficas. En la encuesta Sight & Sound de 2012, tanto Sansón y Dalila como la versión de 1923 de Los Diez Mandamientos recibieron votos, pero no entraron entre las 100 mejores películas. Aunque muchas de las películas de DeMille están disponibles en DVD y Blu-ray, sólo 20 de sus películas mudas están disponibles en DVD.

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Conmemoraciones y homenajes

El granero original Lasky-DeMille en el que se rodó The Squaw Man se convirtió en un museo llamado «Hollywood Heritage Museum». Se inauguró el 13 de diciembre de 1985 y en él se exponen algunos de los objetos personales de DeMille. El Lasky-DeMille Barn fue declarado monumento histórico de California en una ceremonia celebrada el 27 de diciembre de 1956, en la que DeMille fue el orador principal, y fue incluido en el Registro Nacional de Lugares Históricos en 2014. El Dunes Center de Guadalupe (California) contiene una exposición de artefactos descubiertos en el desierto cercano a Guadalupe procedentes del plató en el que DeMille rodó su versión de 1923 de Los Diez Mandamientos, conocida como la «Ciudad Perdida de Cecil B. DeMille». Donada por la Fundación Cecil B. DeMille en 2004, la colección de imágenes en movimiento de Cecil B. DeMille se conserva en el Archivo Cinematográfico de la Academia e incluye películas caseras, tomas falsas y filmaciones de prueba nunca vistas.

En el verano de 2019, Los Amigos de la Biblioteca de Pompton Lakes organizaron un festival de cine de Cecil B DeMille para celebrar los logros de DeMille y su conexión con Pompton Lakes. Proyectaron cuatro de sus películas en Christ Church, donde DeMille y su familia asistían a la iglesia cuando vivían allí. Dos escuelas llevan su nombre: Cecil B. DeMille Middle School, en Long Beach (California), que fue cerrada y demolida en 2010 para dar paso a un nuevo instituto; y Cecil B. DeMille Elementary School, en Midway City (California). El antiguo edificio de cine de la Universidad Chapman de Orange (California) lleva el nombre de DeMille. Durante la misión Apolo 11, Buzz Aldrin se refirió a sí mismo en una ocasión como «Cecil B. DeAldrin», como guiño humorístico a DeMille. El título de la película de John Waters Cecil B. Demented (2000) alude a DeMille.

El legado de DeMille lo mantiene su nieta Cecilia DeMille Presley, presidenta de la Fundación Cecil B. DeMille, que se esfuerza por apoyar la educación superior, el bienestar infantil y el cine en el sur de California. En 1963, la Fundación Cecil B. DeMille donó el rancho «Paradise» a la Fundación Hathaway, que se ocupa de niños con trastornos emocionales y maltratados. En las colecciones especiales L. Tom Perry de la Universidad Brigham Young se conserva una amplia colección de material de DeMille, que incluye guiones, storyboards y películas.

Cecil B. DeMille recibió muchos premios y honores, sobre todo en los últimos años de su carrera. En 1958, la Academia Americana de Arte Dramático le concedió el premio Alumni Achievement Award. En 1957, DeMille pronunció el discurso de apertura de la ceremonia de graduación de la Universidad Brigham Young, en la que recibió el título honorífico de Doctor en Letras. Además, en 1958, recibió un doctorado honoris causa en Derecho por la Universidad de Temple. En la industria cinematográfica, DeMille recibió el Irving G. Thalberg Memorial Award en los premios de la Academia en 1953, y el Lifetime Achievement Award del Directors Guild of America Award ese mismo año. En la misma ceremonia, DeMille recibió una nominación al Premio del Gremio de Directores de América al Mejor Director Cinematográfico por El mayor espectáculo del mundo. En 1952, DeMille recibió el primer premio Cecil B. DeMille en los Globos de Oro. El premio Cecil B. DeMille de los Globos de Oro es un galardón anual que reconoce los logros de toda una vida en la industria cinematográfica. Por su contribución a la industria cinematográfica y radiofónica, DeMille tiene dos estrellas en el Paseo de la Fama de Hollywood. La primera, por su contribución a la radio, está situada en el 6240 de Hollywood Blvd. La segunda estrella está en el 1725 de Vine Street.

DeMille recibió dos premios de la Academia: un premio honorífico por «37 años de brillante espectáculo» en 1950 y un premio a la mejor película en 1953 por El mayor espectáculo del mundo. DeMille recibió un Globo de Oro al Mejor Director y fue nominado además en la categoría de Mejor Director en los Premios de la Academia de 1953 por la misma película. También fue nominado en la categoría de Mejor Película por Los diez mandamientos en los Oscar de 1957. Union Pacific, de DeMille, recibió la Palma de Oro en retrospectiva en el Festival de Cannes de 2002.

La Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos ha seleccionado dos películas de DeMille para su conservación en el Registro Cinematográfico Nacional: The Cheat (1915) y The Ten Commandments (1956).

Cecil B. DeMille rodó 70 películas. Cincuenta y dos de ellos son películas mudas. Las primeras 24 de sus películas mudas se realizaron en los tres primeros años de su carrera (1913-1916). Ocho de sus películas fueron «épicas», cinco de ellas clasificadas como «bíblicas». Seis de las películas de DeMille -The Arab, The Wild Goose Chase, The Dream Girl, The Devil-Stone, We Can»t Have Everything y The Squaw Man (1918)- fueron destruidas debido a la descomposición del nitrato y se consideran perdidas. Los Diez Mandamientos se emite todos los sábados de Pascua en Estados Unidos en la cadena de televisión ABC.

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Funciones dirigidas

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Cine mudo

Películas sonoras

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Créditos de dirección o producción

Estas películas representan las que DeMille produjo o ayudó a dirigir, con o sin créditos.

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Actuación y cameos

DeMille solía hacer cameos como él mismo en otras películas de Paramount. Además, a menudo protagonizaba prólogos y trailers especiales que creaba para sus películas, teniendo así la oportunidad de dirigirse personalmente al público.

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Material de archivo

Fuentes

1. Cecil B. DeMille
2. Cecil B. DeMille
3. ^ There are several variants of DeMille»s surname. His family»s Dutch surname, originally spelled de Mil, became de Mille when William deMille (Cecil»s grandfather) added an «e» for «visual symmetry».[2] As an adult, he adopted the spelling DeMille because he believed it would look better on a marquee, but continued to use de Mille in private life.[3] The family name de Mille was used by his children Cecilia, John, Richard, and Katherine. DeMille»s brother, William, and his daughters, Margaret and Agnes, as well as DeMille»s granddaughter, Cecilia de Mille Presley, also used the de Mille spelling.[4]
4. ^ DeMille»s niece and William deMille»s daughter Agnes de Mille was a famed dancer-choreographer.[24]
5. ^ Unlike the other children the DeMille»s adopted, John was never told about his birth parents.[79]
6. ^ DeMille liked to sail and dive; he had several boats throughout his lifetime. He donated The Seaward, his most cherished boat, to the merchant marine for service during World War II. The boat was returned to him destroyed. DeMille gave up the boat and never bought another one.[87]
7. ^ Katherine»s father had been killed in World War I and her mother had died of tuberculosis.[94] To DeMille»s dismay, Katherine became an actress; however, she ultimately gained his approval. In 1936 she married actor Anthony Quinn.[95]
8. Cecil B. DeMille évoquera souvent la question juive et chrétienne dans ses péplums bibliques. Source : (en) Scott Eyman, Empire of Dreams : The Epic Life of Cecil B. DeMille, Simon and Schuster, 2010, p. 245-248.
9. Nom anglicisé des débuts de Samuel Goldwyn, dont le vrai nom est Gelbfisz.
10. Le film est un long métrage, alors qu»à l»époque les films tournés ne représentent qu»une seule bobine, soit une dizaine de minutes, à l»exception de Queen Elizabeth d»Adolph Zukor.
11. Cette grange existe toujours dans les studios Paramount Pictures (Hollywood Heritage Museum), elle est classée monument historique de Californie en 1956.
12. Robert S. Sennett: Traumfabrik Hollywood. Wie Stars gemacht und Mythen geboren wurden. Europa Verlag, Hamburg 2000, ISBN 3-203-84112-6, S. 18.
13. a b Rämö, Matti: Viikon tv-elokuvia. Tv-maailma 11/2014, s. 11.