Charles Chaplin

gigatos | noviembre 25, 2021

Resumen

Sir Charles Spencer Chaplin Jr. KBE (16 de abril de 1889 – 25 de diciembre de 1977) fue un actor cómico, cineasta y compositor inglés que alcanzó la fama en la época del cine mudo. Se convirtió en un icono mundial gracias a su personaje en la pantalla, el Vagabundo, y está considerado como una de las figuras más importantes de la historia de la industria cinematográfica. Su carrera abarcó más de 75 años, desde su infancia en la época victoriana hasta un año antes de su muerte en 1977, y abarcó tanto la adulación como la controversia.

La infancia de Chaplin en Londres fue de pobreza y penurias, ya que su padre estaba ausente y su madre tenía problemas económicos, y fue enviado a un hospicio dos veces antes de cumplir los nueve años. A los 14 años, su madre fue internada en un manicomio. Chaplin comenzó a actuar a una edad temprana, haciendo giras por los salones de música y más tarde trabajando como actor de teatro y comediante. A los 19 años, fue contratado por la prestigiosa compañía Fred Karno, que le llevó a Estados Unidos. Fue seleccionado para la industria cinematográfica y comenzó a actuar en 1914 para los estudios Keystone. Pronto desarrolló el personaje de Vagabundo y se hizo con un gran número de fans. Dirigió sus propias películas y siguió perfeccionando su arte al pasar a las empresas Essanay, Mutual y First National. En 1918, era una de las figuras más conocidas del mundo.

En 1919, Chaplin cofundó la compañía distribuidora United Artists, que le dio el control total de sus películas. Su primer largometraje fue The Kid (1921), seguido de Una mujer de París (1923), La quimera del oro (1925) y El circo (1928). Al principio se negó a pasar al cine sonoro en la década de 1930, y en su lugar produjo Luces de la ciudad (1931) y Tiempos modernos (1936) sin diálogos. Se volvió cada vez más político, y su primera película sonora fue El gran dictador (1940), que satirizaba a Adolf Hitler. Los años 40 fueron una década marcada por la polémica para Chaplin, y su popularidad disminuyó rápidamente. Se le acusó de simpatizar con el comunismo, y algunos miembros de la prensa y del público consideraron escandalosa su implicación en una demanda de paternidad y sus matrimonios con mujeres mucho más jóvenes. Se abrió una investigación del FBI, y Chaplin se vio obligado a abandonar los Estados Unidos e instalarse en Suiza. Abandonó al vagabundo en sus últimas películas, entre las que se encuentran Monsieur Verdoux (1947), Limelight (1952), Un rey en Nueva York (1957) y Una condesa de Hong Kong (1967).

Chaplin escribió, dirigió, produjo, editó, protagonizó y compuso la música de la mayoría de sus películas. Era un perfeccionista y su independencia financiera le permitía dedicar años al desarrollo y la producción de una película. Sus películas se caracterizan por el slapstick combinado con el patetismo, tipificado en las luchas del Vagabundo contra la adversidad. Muchas contienen temas sociales y políticos, así como elementos autobiográficos. En 1972 recibió un Premio Honorífico de la Academia por «el incalculable efecto que ha tenido en hacer del cine la forma de arte de este siglo», como parte de una renovada apreciación de su obra. La quimera del oro, Luces de la ciudad, Tiempos modernos y El gran dictador siguen siendo consideradas como las mejores películas de todos los tiempos.

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1889-1913: primeros años

Charles Spencer Chaplin nació el 16 de abril de 1889, hijo de Hannah Chaplin (de soltera Hill) y Charles Chaplin padre, ambos de ascendencia romaní. No existe ningún registro oficial de su nacimiento, aunque Chaplin creía que había nacido en East Street, Walworth, en el sur de Londres. Sus padres se habían casado cuatro años antes, momento en el que Charles padre se convirtió en el tutor legal del hijo ilegítimo de Hannah, Sydney John Hill. En el momento de su nacimiento, los padres de Chaplin eran animadores de music hall. Hannah, hija de un zapatero, tuvo una carrera breve y sin éxito bajo el nombre artístico de Lily Harley, mientras que Charles padre, hijo de un carnicero, aunque nunca se divorciaron, los padres de Chaplin estaban separados hacia 1891. Al año siguiente, Hannah dio a luz a un tercer hijo, George Wheeler Dryden, cuyo padre era el animador de music hall Leo Dryden. El niño fue secuestrado por Dryden a los seis meses de edad, y no volvió a entrar en la vida de Chaplin durante treinta años.

La infancia de Chaplin estuvo plagada de pobreza y penurias, lo que convirtió su trayectoria en «la más dramática de todas las historias de pobreza a riqueza jamás contadas», según su biógrafo autorizado David Robinson. Los primeros años de Chaplin los pasó con su madre y su hermano Sydney en el barrio londinense de Kennington; Hannah no tenía más ingresos que los de la enfermería y la confección ocasionales, y Chaplin padre no le proporcionaba ninguna ayuda económica. Como la situación se deterioraba, Chaplin fue enviado a Lambeth Workhouse cuando tenía siete años. El ayuntamiento lo alojó en la Escuela del Distrito Central de Londres para indigentes, que Chaplin recordaba como «una existencia desamparada». Se reunió brevemente con su madre 18 meses después, antes de que Hannah se viera obligada a readmitir a su familia en el hospicio en julio de 1898. Los niños fueron enviados rápidamente a las escuelas de Norwood, otra institución para niños indigentes.

Apenas era consciente de una crisis porque vivíamos en una crisis continua; y, al ser un niño, desechaba nuestros problemas con un gracioso olvido.

En septiembre de 1898, Hannah fue internada en el manicomio de Cane Hill; había desarrollado una psicosis aparentemente provocada por una infección de sífilis y desnutrición. Durante los dos meses que estuvo allí, Chaplin y su hermano Sydney fueron enviados a vivir con su padre, al que los jóvenes apenas conocían. Charles padre era por entonces un alcohólico severo, y la vida allí era lo suficientemente mala como para provocar una visita de la Sociedad Nacional para la Prevención de la Crueldad con los Niños. El padre de Chaplin murió dos años después, a los 38 años, de cirrosis hepática.

Hannah entró en un periodo de remisión pero, en mayo de 1903, volvió a enfermar. Chaplin, que entonces tenía 14 años, tuvo que llevar a su madre a la enfermería, desde donde la enviaron de vuelta a Cane Hill. Vivió solo durante varios días, buscando comida y durmiendo ocasionalmente a la intemperie, hasta que Sydney -que se había alistado en la Marina dos años antes- regresó. Hannah salió del manicomio ocho meses después, pero en marzo de 1905 su enfermedad volvió, esta vez de forma permanente. «No podíamos hacer otra cosa que aceptar el destino de la pobre madre», escribió Chaplin más tarde, y ella permaneció bajo cuidado hasta su muerte en 1928.

Entre su estancia en las escuelas pobres y el hecho de que su madre sucumbiera a una enfermedad mental, Chaplin comenzó a actuar en el escenario. Más tarde recordaría haber hecho su primera aparición como aficionado a la edad de cinco años, cuando sustituyó a Hannah una noche en Aldershot. Se trató de un hecho aislado, pero a los nueve años Chaplin, con el estímulo de su madre, ya se había interesado por la actuación. Más tarde escribió: «me imbuyó de la sensación de que tenía algún tipo de talento». Chaplin se convirtió en miembro de la compañía de baile de zuecos Eight Lancashire Lads, con la que recorrió los salones de música ingleses durante 1899 y 1900. Chaplin trabajaba duro y el acto era popular entre el público, pero no estaba satisfecho con el baile y deseaba formar un acto de comedia.

En los años en que Chaplin estuvo de gira con los Eight Lancashire Lads, su madre se encargó de que siguiera asistiendo a la escuela, pero a los 13 años ya había abandonado la educación. Se mantenía con diversos trabajos, mientras alimentaba su ambición de convertirse en actor. A los 14 años, poco después de la recaída de su madre, se inscribió en una agencia teatral del West End londinense. El director percibió el potencial de Chaplin, a quien rápidamente le dieron su primer papel como chico de los periódicos en Jim, un romance de Cockayne, de Harry Arthur Saintsbury. Se estrenó en julio de 1903, pero el espectáculo no tuvo éxito y se cerró después de dos semanas. Sin embargo, la actuación cómica de Chaplin fue elogiada en muchas de las críticas.

Saintsbury consiguió un papel para Chaplin en la producción de Charles Frohman de Sherlock Holmes, donde interpretó a Billy el paje en tres giras por todo el país. Su actuación fue tan bien recibida que le llamaron a Londres para interpretar el papel junto a William Gillette, el Holmes original. «Fue como una noticia del cielo», recuerda Chaplin. A los 16 años, Chaplin protagonizó la producción de la obra en el West End, en el Duke of York»s Theatre, de octubre a diciembre de 1905. Realizó una última gira de Sherlock Holmes a principios de 1906, antes de dejar la obra después de más de dos años y medio.

Chaplin no tardó en encontrar trabajo en una nueva compañía y se fue de gira con su hermano, que también seguía una carrera de actor, en un sketch cómico llamado Reparaciones. En mayo de 1906, Chaplin se unió al acto juvenil Casey»s Circus, donde desarrolló populares piezas burlescas y pronto fue la estrella del espectáculo. Cuando el acto terminó su gira en julio de 1907, el joven de 18 años se había convertido en un consumado actor cómico. Sin embargo, le costó encontrar más trabajo, y un breve intento de actuar en solitario fue un fracaso.

Mientras tanto, Sydney Chaplin se había unido a la prestigiosa compañía de comedia de Fred Karno en 1906 y, en 1908, era uno de sus principales intérpretes. En febrero, consiguió una prueba de dos semanas para su hermano menor. Al principio, Karno se mostró receloso y consideró a Chaplin un «joven pálido, enclenque y de aspecto hosco» que «parecía demasiado tímido para hacer algo bueno en el teatro». Sin embargo, el adolescente causó un gran impacto en su primera noche en el Coliseo de Londres y rápidamente le firmaron un contrato. Chaplin comenzó interpretando una serie de papeles menores, hasta que en 1909 pasó a ser protagonista. En abril de 1910, le dieron el papel principal en un nuevo sketch, Jimmy the Fearless. Fue un gran éxito y Chaplin recibió una considerable atención de la prensa.

Karno seleccionó a su nueva estrella para que se uniera a la sección de la compañía, de la que también formaba parte Stan Laurel, que recorrió el circuito de vodeviles de Norteamérica. El joven cómico encabezó el espectáculo e impresionó a los críticos, siendo descrito como «uno de los mejores artistas de pantomima que se han visto aquí». Su papel más exitoso fue el de un borracho llamado «Inebriate Swell», que le valió un importante reconocimiento. La gira duró 21 meses y la compañía regresó a Inglaterra en junio de 1912. Chaplin recordaba que «tenía la inquietante sensación de volver a hundirse en una deprimente cotidianidad» y, por tanto, se alegró cuando en octubre comenzó una nueva gira.

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1914-1917: entrada de películas

A los seis meses de la segunda gira americana, Chaplin fue invitado a unirse a la New York Motion Picture Company. Un representante que había visto sus actuaciones pensó que podría sustituir a Fred Mace, una estrella de sus estudios Keystone que tenía intención de marcharse. Chaplin pensaba que las comedias de Keystone eran «una burda mezcolanza de rudeza y estruendo», pero le gustaba la idea de trabajar en el cine y racionalizó: «Además, significaría una nueva vida». Se reunió con la empresa y firmó un contrato de 150 dólares a la semana Chaplin llegó a Los Ángeles a principios de diciembre y empezó a trabajar para el estudio Keystone el 5 de enero de 1914.

El jefe de Chaplin era Mack Sennett, quien inicialmente expresó su preocupación porque el joven de 24 años parecía demasiado joven. No se le utilizó en una película hasta finales de enero, tiempo durante el cual Chaplin trató de aprender los procesos del cine. El estreno de «Making a Living» supuso su debut como actor y se estrenó el 2 de febrero de 1914. A Chaplin no le gustó mucho la película, pero una crítica le calificó de «cómico de primera». Para su segunda aparición ante la cámara, Chaplin eligió el traje con el que se identificó. Describió el proceso en su autobiografía:

Quería que todo fuera una contradicción: los pantalones holgados, el abrigo ajustado, el sombrero pequeño y los zapatos grandes… Añadí un pequeño bigote, que, razoné, añadiría edad sin ocultar mi expresión. No tenía ni idea del personaje. Pero en cuanto me vestí, la ropa y el maquillaje me hicieron sentir la persona que era. Empecé a conocerlo, y cuando salí al escenario ya había nacido del todo.

La película fue Mabel»s Strange Predicament, pero el personaje de «el vagabundo», como se le conoció, debutó ante el público en Kid Auto Races at Venice, rodada más tarde que Mabel»s Strange Predicament, pero estrenada dos días antes, el 7 de febrero de 1914. Chaplin adoptó el personaje como su personalidad en la pantalla e intentó hacer sugerencias para las películas en las que aparecía. Estas ideas fueron descartadas por sus directores. Durante el rodaje de su undécima película, Mabel at the Wheel, se enfrentó a la directora Mabel Normand y estuvo a punto de ser liberado de su contrato. Sin embargo, Sennett lo mantuvo cuando recibió pedidos de los exhibidores para más películas de Chaplin. Sennett también permitió que Chaplin dirigiera él mismo su siguiente película después de que Chaplin prometiera pagar 1.500 dólares (39.278 dólares en 2020) si la película no tenía éxito.

Caught in the Rain, emitida el 4 de mayo de 1914, fue el debut de Chaplin como director y tuvo un gran éxito. A partir de entonces, dirigió casi todos los cortometrajes en los que aparecía para Keystone, a razón de uno por semana aproximadamente, un periodo que más tarde recordaría como la época más emocionante de su carrera. Las películas de Chaplin introdujeron una forma de comedia más lenta que la típica farsa de Keystone, y desarrolló una gran base de fans. En noviembre de 1914, tuvo un papel secundario en el primer largometraje de comedia, Tillie»s Punctured Romance, dirigida por Sennett y protagonizada por Marie Dressler, que fue un éxito comercial y aumentó su popularidad. Cuando el contrato de Chaplin se renovó a finales de año, pidió 1.000 dólares a la semana, cantidad que Sennett rechazó por considerarla demasiado elevada.

La Essanay Film Manufacturing Company de Chicago envió a Chaplin una oferta de 1.250 dólares a la semana con una prima por firmar de 10.000 dólares. Se incorporó al estudio a finales de diciembre de 1914, donde empezó a formar una compañía de actores habituales, con los que trabajó una y otra vez, como Ben Turpin, Leo White, Bud Jamison, Paddy McGuire, Fred Goodwins y Billy Armstrong. Pronto reclutó a una actriz principal, Edna Purviance, a quien Chaplin conoció en un café y contrató por su belleza. La actriz participó en 35 películas con Chaplin a lo largo de ocho años y mantuvo una relación romántica que duró hasta 1917.

Chaplin se hizo con un alto nivel de control sobre sus películas y empezó a dedicar más tiempo y cuidado a cada una de ellas. Hubo un intervalo de un mes entre el estreno de su segunda producción, Una noche fuera, y la tercera, El campeón. Las últimas siete de las 14 películas de Chaplin en Essanay se produjeron a este ritmo más lento. Chaplin también empezó a modificar su personaje en la pantalla, que había suscitado algunas críticas en Keystone por su carácter «mezquino, grosero y bruto». El personaje se volvió más amable y romántico; El vagabundo (abril de 1915) se consideró un punto de inflexión particular en su desarrollo. El uso del patetismo se desarrolló aún más con El banco, en la que Chaplin creó un final triste. Robinson señala que esto supuso una innovación en las películas de comedia y marcó el momento en que los críticos serios comenzaron a apreciar el trabajo de Chaplin. En Essanay, escribe el experto en cine Simon Louvish, Chaplin «encontró los temas y los escenarios que definirían el mundo del Vagabundo».

Durante 1915, Chaplin se convirtió en un fenómeno cultural. Las tiendas se llenaron de productos de Chaplin, apareció en dibujos animados y tiras cómicas, y se escribieron varias canciones sobre él. En julio, un periodista de la Motion Picture Magazine escribió que la «chaplinitis» se había extendido por toda América. A medida que su fama crecía en todo el mundo, se convirtió en la primera estrella internacional de la industria cinematográfica. Cuando el contrato con Essanay finalizó en diciembre de 1915, Chaplin, plenamente consciente de su popularidad, solicitó una prima de fichaje de 150.000 dólares a su siguiente estudio. Recibió varias ofertas, entre ellas las de Universal, Fox y Vitagraph, la mejor de las cuales fue la de la Mutual Film Corporation, por 10.000 dólares.

Se negoció un contrato con la Mutual que ascendía a 670.000 dólares, lo que, según Robinson, convirtió a Chaplin -a los 26 años- en una de las personas mejor pagadas del mundo. El elevado salario escandalizó al público y fue ampliamente difundido por la prensa. John R. Freuler, presidente del estudio, explicó: «Podemos permitirnos pagar al Sr. Chaplin esta gran suma anual porque el público quiere a Chaplin y pagará por él».

La Mutual le dio a Chaplin su propio estudio en Los Ángeles, que abrió en marzo de 1916. Incorporó a dos miembros clave de su compañía, Albert Austin y Eric Campbell, y produjo una serie de elaboradas películas de dos carretes: The Floorwalker, The Fireman, The Vagabond, One A.M. y The Count. Para La casa de empeños, contrató al actor Henry Bergman, que trabajaría con Chaplin durante 30 años. Behind the Screen y The Rink completaron los estrenos de Chaplin en 1916. El contrato de la Mutual estipulaba que debía estrenar una película de dos rollos cada cuatro semanas, lo que había conseguido. Sin embargo, con el nuevo año, Chaplin empezó a exigir más tiempo. Sólo hizo cuatro películas más para la Mutual durante los primeros diez meses de 1917: Easy Street, The Cure, The Immigrant y The Adventurer. Con su cuidada construcción, estas películas son consideradas por los estudiosos de Chaplin como uno de sus mejores trabajos. Más adelante, Chaplin se refirió a sus años en la Mutua como el periodo más feliz de su carrera. Sin embargo, Chaplin también consideraba que esas películas se volvieron cada vez más formulistas durante el periodo del contrato, y estaba cada vez más insatisfecho con las condiciones de trabajo que lo alentaban.

Chaplin fue atacado en los medios de comunicación británicos por no luchar en la Primera Guerra Mundial. Se defendió afirmando que lucharía por Gran Bretaña si le llamaban y que se había inscrito en el reclutamiento americano, pero no fue convocado por ninguno de los dos países. A pesar de estas críticas, Chaplin era uno de los favoritos de las tropas y su popularidad siguió creciendo en todo el mundo. La revista Harper»s Weekly informó de que el nombre de Charlie Chaplin formaba «parte del lenguaje común de casi todos los países», y que la imagen del Vagabundo era «universalmente familiar». En 1917, los imitadores profesionales de Chaplin estaban tan extendidos que éste emprendió acciones legales, y se informó de que nueve de cada diez hombres que asistían a fiestas de disfraces, lo hacían vestidos como el Vagabundo. Ese mismo año, un estudio de la Sociedad de Investigación Psíquica de Boston concluyó que Chaplin era «una obsesión americana». La actriz Minnie Maddern Fiske escribió que «un grupo cada vez mayor de personas cultas y artísticas está empezando a considerar al joven bufón inglés Charles Chaplin como un artista extraordinario, además de un genio de la comedia».

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1918-1922: Primer Nacional

En enero de 1918, Chaplin recibió la visita del destacado cantante y comediante británico Harry Lauder, y ambos actuaron juntos en un cortometraje.

La Mutual fue paciente con la disminución del ritmo de producción de Chaplin y el contrato terminó de forma amistosa. Con su ya mencionada preocupación por la disminución de la calidad de sus películas a causa de las estipulaciones del contrato, la principal preocupación de Chaplin a la hora de encontrar un nuevo distribuidor era la independencia; Sydney Chaplin, entonces su director comercial, dijo a la prensa: «Que se le permita a Charlie todo el tiempo que necesite y todo el dinero para producir como quiera… Lo que buscamos es la calidad, no la cantidad». En junio de 1917, Chaplin firmó para completar ocho películas para el First National Exhibitors» Circuit a cambio de un millón de dólares. Optó por construir su propio estudio, situado en cinco acres de terreno junto a Sunset Boulevard, con instalaciones de producción del más alto nivel. Se terminó en enero de 1918, y Chaplin tuvo libertad para realizar sus películas.

A Dog»s Life, estrenada en abril de 1918, fue la primera película con el nuevo contrato. En ella, Chaplin demostró su creciente preocupación por la construcción de la historia y su tratamiento del Vagabundo como «una especie de Pierrot». La película fue descrita por Louis Delluc como «la primera obra de arte total del cine». A continuación, Chaplin se embarcó en la campaña del Tercer Bono de la Libertad, con la que recorrió los Estados Unidos durante un mes para recaudar fondos para los aliados de la Primera Guerra Mundial. También produjo un cortometraje de propaganda a su cargo, donado al gobierno para la recaudación de fondos, llamado The Bond. El siguiente estreno de Chaplin fue de carácter bélico, situando al Vagabundo en las trincheras de Armas al Hombro. Los socios le advirtieron que no hiciera una comedia sobre la guerra, pero, como él mismo recordó más tarde: «Peligrosa o no, la idea me entusiasmaba». Pasó cuatro meses filmando la película, que se estrenó en octubre de 1918 con gran éxito.

Tras el estreno de Shoulder Arms, Chaplin solicitó más dinero a la First National, que se lo negó. Frustrado por su falta de preocupación por la calidad, y preocupado por los rumores de una posible fusión entre la compañía y Famous Players-Lasky, Chaplin unió fuerzas con Douglas Fairbanks, Mary Pickford y D. W. Griffith para formar una nueva compañía de distribución, United Artists, en enero de 1919. El acuerdo fue revolucionario en la industria cinematográfica, ya que permitió a los cuatro socios -todos ellos artistas creativos- financiar personalmente sus películas y tener un control total. Chaplin estaba ansioso por empezar con la nueva compañía y ofreció comprar su contrato con First National. Ésta se negó e insistió en que completara las seis últimas películas que le debían.

Antes de la creación de United Artists, Chaplin se casó por primera vez. La actriz Mildred Harris, de 16 años, había revelado que estaba embarazada de él, y en septiembre de 1918 se casó con ella discretamente en Los Ángeles para evitar la polémica. Poco después, se descubrió que el embarazo era falso. Chaplin no estaba contento con la unión y, al sentir que el matrimonio frenaba su creatividad, luchó por la producción de su película Sunnyside. Para entonces, Harris estaba legítimamente embarazada y, el 7 de julio de 1919, dio a luz a un hijo. Norman Spencer Chaplin nació con malformaciones y murió tres días después. El matrimonio terminó en abril de 1920, y Chaplin explicó en su autobiografía que estaban «irreconciliablemente separados».

Se cree que la pérdida del niño, además de sus propias experiencias infantiles, influyeron en la siguiente película de Chaplin, que convirtió al Vagabundo en el cuidador de un niño. Para esta nueva aventura, Chaplin también deseaba hacer algo más que comedia y, según Louvish, «dejar su huella en un mundo cambiado». El rodaje de The Kid comenzó en agosto de 1919, con Jackie Coogan, de cuatro años, como coprotagonista. La producción de The Kid duró nueve meses, hasta mayo de 1920, y, con 68 minutos, fue la película más larga de Chaplin hasta la fecha. Al tratar temas como la pobreza y la separación entre padres e hijos, The Kid fue una de las primeras películas en combinar la comedia y el drama. Se estrenó en enero de 1921 con un éxito inmediato y, en 1924, se había proyectado en más de 50 países.

Chaplin dedicó cinco meses a su siguiente película, el largometraje de dos tiempos The Idle Class. El trabajo en la película se retrasó durante un tiempo debido a la agitación de su vida personal. El 12 de abril, la First National anunció el compromiso de Chaplin con la actriz May Collins, a la que había contratado como secretaria en el estudio. A principios de junio, sin embargo, Chaplin «decidió repentinamente que apenas podía soportar estar en la misma habitación» que Collins, pero en lugar de romper el compromiso directamente, «dejó de venir a trabajar, enviando la noticia de que estaba sufriendo un mal caso de gripe, que May sabía que era una mentira».

Finalmente, el trabajo en la película se reanudó y, tras su estreno en septiembre de 1921, Chaplin decidió regresar a Inglaterra por primera vez en casi una década. Escribió un libro sobre su viaje, titulado My Wonderful Visit. A continuación, trabajó para cumplir su contrato con la First National, estrenando Pay Day en febrero de 1922. The Pilgrim, su último cortometraje, se retrasó por desacuerdos de distribución con el estudio y se estrenó un año después.

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1923-1938: largometrajes mudos

Una vez cumplido su contrato con la First National, Chaplin tuvo libertad para hacer su primera película como productor independiente. En noviembre de 1922, comenzó a rodar Una mujer de París, un drama romántico sobre amantes mal avenidos. Chaplin pretendía que la película fuera un vehículo para la creación de estrellas para Edna Purviance, y no apareció en la película más que en un breve cameo no acreditado. Deseaba que la película tuviera un aire realista y dirigió a su reparto para que realizara actuaciones contenidas. En la vida real, explicó, «los hombres y las mujeres tratan de ocultar sus emociones en lugar de intentar expresarlas». Una mujer de París se estrenó en septiembre de 1923 y fue aclamada por su enfoque innovador y sutil. El público, sin embargo, parecía tener poco interés en una película de Chaplin sin Chaplin, y fue una decepción en la taquilla. El cineasta se sintió dolido por este fracaso -desde hacía tiempo quería producir una película dramática y estaba orgulloso del resultado- y pronto retiró de la circulación Una mujer de París.

Chaplin volvió a la comedia para su siguiente proyecto. Poniendo el listón muy alto, se dijo a sí mismo «¡Esta próxima película debe ser una epopeya! La más grande». Inspirándose en una fotografía de la fiebre del oro de Klondike de 1898, y más tarde en la historia del Donner Party de 1846-1847, hizo lo que Geoffrey Macnab llama «una comedia épica a partir de un tema sombrío». En La fiebre del oro, el vagabundo es un buscador solitario que lucha contra la adversidad y busca el amor. Con Georgia Hale como protagonista, Chaplin comenzó a rodar la película en febrero de 1924. Su elaborada producción, que costó casi un millón de dólares, incluyó el rodaje en las montañas de Truckee, en Nevada, con 600 extras, extravagantes decorados y efectos especiales. La última escena se rodó en mayo de 1925, después de 15 meses de rodaje.

Chaplin consideraba que La quimera del oro era la mejor película que había hecho. Se estrenó en agosto de 1925 y se convirtió en una de las películas más taquilleras de la era muda, con una recaudación de 5 millones de dólares en Estados Unidos. La comedia contiene algunas de las secuencias más famosas de Chaplin, como la del Vagabundo comiendo su zapato y el «Baile de los Rodillos». Macnab la ha calificado como «la película de Chaplin por excelencia». Chaplin declaró en su estreno: «Esta es la película por la que quiero ser recordado».

Durante el rodaje de La quimera del oro, Chaplin se casó por segunda vez. Al igual que en su primera unión, Lita Grey era una actriz adolescente que iba a participar en la película y cuyo anuncio de embarazo obligó a Chaplin a casarse. Ella tenía 16 años y él 35, por lo que Chaplin podría haber sido acusado de estupro según la ley de California. Por ello, organizó un discreto matrimonio en México el 25 de noviembre de 1924. Se conocieron durante su infancia y ella había aparecido previamente en sus obras The Kid y The Idle Class. Su primer hijo, Charles Spencer Chaplin III, nació el 5 de mayo de 1925, seguido de Sydney Earl Chaplin el 30 de marzo de 1926. El 6 de julio de 1925, Chaplin se convirtió en la primera estrella de cine en aparecer en una portada de la revista Time.

Era un matrimonio infeliz, y Chaplin pasaba largas horas en el estudio para evitar ver a su mujer. En noviembre de 1926, Grey se llevó a los niños y abandonó el hogar familiar. Siguió un amargo divorcio, en el que la solicitud de Grey -que acusaba a Chaplin de infidelidad, abuso y de albergar «deseos sexuales pervertidos»- se filtró a la prensa. Se dice que Chaplin sufrió un ataque de nervios, ya que la historia se convirtió en noticia y se formaron grupos en toda América que pedían la prohibición de sus películas. Deseosos de poner fin al caso sin más escándalo, los abogados de Chaplin aceptaron un acuerdo en efectivo de 600.000 dólares, el mayor concedido por los tribunales estadounidenses en aquella época. Su base de fans fue lo suficientemente fuerte como para sobrevivir al incidente, y pronto se olvidó, pero Chaplin quedó profundamente afectado por él.

Antes de presentar la demanda de divorcio, Chaplin había empezado a trabajar en una nueva película, El circo. Construyó una historia en torno a la idea de caminar por la cuerda floja mientras era asediado por monos, y convirtió al Vagabundo en la estrella accidental de un circo. El rodaje se suspendió durante diez meses mientras él lidiaba con el escándalo del divorcio, y en general fue una producción plagada de problemas. Terminada finalmente en octubre de 1927, El circo se estrenó en enero de 1928 con una acogida positiva. En la primera edición de los premios de la Academia, Chaplin recibió un trofeo especial «por su versatilidad y genialidad en la actuación, escritura, dirección y producción de El circo». A pesar de su éxito, asoció permanentemente la película con el estrés de su producción; Chaplin omitió El circo en su autobiografía, y se esforzó por trabajar en ella cuando grabó la partitura en sus últimos años.

Estaba decidido a seguir haciendo películas mudas… Era un pantomimista y en ese medio era único y, sin falsa modestia, un maestro.

Cuando se estrenó El circo, Hollywood había sido testigo de la introducción del cine sonoro. Chaplin se mostraba cínico ante este nuevo medio y las deficiencias técnicas que presentaba, pues creía que las «talkies» carecían del arte del cine mudo. También dudaba en cambiar la fórmula que le había dado tanto éxito, y temía que dar voz al Vagabundo limitara su atractivo internacional. Por lo tanto, rechazó la nueva moda de Hollywood y comenzó a trabajar en una nueva película muda. Sin embargo, Chaplin estaba preocupado por esta decisión y lo siguió estando durante toda la producción de la película.

Cuando el rodaje comenzó a finales de 1928, Chaplin llevaba casi un año trabajando en la historia. Luces de la ciudad seguía el amor del vagabundo por una florista ciega (interpretada por Virginia Cherrill) y sus esfuerzos por recaudar dinero para su operación de salvación de la vista. Fue una producción difícil que duró 21 meses, y Chaplin confesó más tarde que «se había puesto en un estado neurótico de querer la perfección». Una de las ventajas que Chaplin encontró en la tecnología de sonido fue la oportunidad de grabar una partitura musical para la película, que él mismo compuso.

Chaplin terminó el montaje de Luces de la ciudad en diciembre de 1930, cuando el cine mudo ya era un anacronismo. Un preestreno ante un público desprevenido no fue un éxito, pero una proyección para la prensa produjo críticas positivas. Un periodista escribió: «Nadie en el mundo sino Charlie Chaplin podría haberlo hecho. Es la única persona que tiene ese algo peculiar llamado »atractivo para el público» con la suficiente calidad como para desafiar la inclinación popular por las películas que hablan». Cuando se estrenó en enero de 1931, Luces de la ciudad demostró ser un éxito popular y financiero, llegando a recaudar más de 3 millones de dólares. El British Film Institute la cita como el mejor logro de Chaplin, y el crítico James Agee elogia la escena final como «la mejor pieza de actuación y el momento más alto del cine». Luces de la ciudad se convirtió en la película favorita de Chaplin y lo siguió siendo durante toda su vida.

Luces de la ciudad había sido un éxito, pero Chaplin no estaba seguro de poder hacer otra película sin diálogos. Seguía convencido de que el sonido no funcionaría en sus películas, pero también estaba «obsesionado por un deprimente miedo a quedar anticuado». En este estado de incertidumbre, a principios de 1931, el cómico decidió tomarse unas vacaciones y acabó viajando durante 16 meses. Pasó meses recorriendo Europa Occidental, incluyendo largas estancias en Francia y Suiza, y espontáneamente decidió visitar Japón. Al día siguiente de su llegada a Japón, el Primer Ministro Inukai Tsuyoshi fue asesinado por ultranacionalistas en el Incidente del 15 de Mayo. El plan original del grupo había sido provocar una guerra con Estados Unidos asesinando a Chaplin en una recepción de bienvenida organizada por el primer ministro, pero el plan se frustró debido al retraso en el anuncio público de la fecha del evento.

En su autobiografía, Chaplin recordaba que, a su regreso a Los Ángeles, «estaba confuso y sin plan, inquieto y consciente de una extrema soledad». Consideró brevemente la posibilidad de retirarse y trasladarse a China. La soledad de Chaplin se alivió cuando conoció a la actriz Paulette Goddard, de 21 años, en julio de 1932, y la pareja comenzó una relación. Sin embargo, no estaba preparado para comprometerse con una película, y se centró en escribir un serial sobre sus viajes (publicado en Woman»s Home Companion). El viaje había sido una experiencia estimulante para Chaplin, que incluyó encuentros con varios pensadores prominentes, y se interesó cada vez más por los asuntos mundiales. El estado del trabajo en América le preocupaba, y temía que el capitalismo y la maquinaria en el lugar de trabajo aumentaran los niveles de desempleo. Fueron estas preocupaciones las que estimularon a Chaplin a desarrollar su nueva película.

Tiempos modernos fue anunciada por Chaplin como «una sátira de ciertas fases de nuestra vida industrial». Con el Vagabundo y Goddard como protagonistas durante la Gran Depresión, el rodaje duró diez meses y medio. Chaplin pretendía utilizar diálogos hablados, pero cambió de opinión durante los ensayos. Al igual que su predecesora, Tiempos Modernos empleó efectos de sonido pero casi no habló. Sin embargo, la interpretación de Chaplin de una canción incoherente dio voz al vagabundo por única vez en la película. Tras grabar la música, Chaplin estrenó Tiempos modernos en febrero de 1936. Fue su primer largometraje en 15 años en el que adoptó referencias políticas y realismo social, un factor que atrajo una considerable cobertura de la prensa a pesar de los intentos de Chaplin de restar importancia al asunto. La película ganó menos en la taquilla que sus anteriores largometrajes y recibió críticas mixtas, ya que a algunos espectadores no les gustó la politización. Hoy en día, el British Film Institute considera que Tiempos modernos es uno de los «grandes largometrajes» de Chaplin, mientras que David Robinson afirma que muestra al cineasta en «su cima sin igual como creador de comedia visual».

Tras el estreno de Tiempos modernos, Chaplin se marchó con Goddard a un viaje al Lejano Oriente. La pareja se negó a comentar la naturaleza de su relación, y no se sabía si estaban casados o no. Tiempo después, Chaplin reveló que se casaron en Cantón durante este viaje. En 1938, la pareja se había distanciado, ya que ambos se centraron mucho en su trabajo, aunque Goddard volvió a ser su protagonista en su siguiente película, El gran dictador. Finalmente, se divorció de Chaplin en México en 1942, alegando incompatibilidad y una separación de más de un año.

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1939-1952: controversias y pérdida de popularidad

En la década de 1940, Chaplin se enfrentó a una serie de controversias, tanto en su trabajo como en su vida personal, que cambiaron su suerte y afectaron gravemente a su popularidad en Estados Unidos. La primera de ellas fue su creciente audacia a la hora de expresar sus creencias políticas. Profundamente perturbado por el auge del nacionalismo militarista en la política mundial de los años 30, Chaplin descubrió que no podía mantener estos temas fuera de su obra. Los paralelismos entre él y Adolf Hitler se habían hecho notar ampliamente: ambos habían nacido con cuatro días de diferencia, ambos habían pasado de la pobreza a la prominencia mundial, y Hitler llevaba el mismo bigote de cepillo de dientes que Chaplin. Este parecido físico sirvió de argumento para la siguiente película de Chaplin, El gran dictador, que satirizaba directamente a Hitler y atacaba el fascismo.

Chaplin pasó dos años desarrollando el guión y empezó a rodar en septiembre de 1939, seis días después de que Gran Bretaña declarara la guerra a Alemania. Se sometió a la utilización de diálogos hablados, en parte por aceptar que no tenía otra opción, pero también porque reconoció que era un mejor método para transmitir un mensaje político. Hacer una comedia sobre Hitler se consideraba muy controvertido, pero la independencia financiera de Chaplin le permitió asumir el riesgo. «Estaba decidido a seguir adelante», escribió más tarde, «porque hay que reírse de Hitler». Chaplin sustituyó al Vagabundo (aunque con un atuendo similar) por «Un barbero judío», una referencia a la creencia del partido nazi de que era judío. En una doble actuación, también interpretó al dictador «Adenoid Hynkel», que parodiaba a Hitler.

El Gran Dictador estuvo un año en producción y se estrenó en octubre de 1940. La película generó una gran cantidad de publicidad, y un crítico de The New York Times la calificó como «la película más esperada del año», y fue una de las que más dinero recaudó de la época. Sin embargo, el final fue impopular y generó polémica. Chaplin concluyó la película con un discurso de cinco minutos en el que abandonaba su personaje de barbero, miraba directamente a la cámara y hacía un alegato contra la guerra y el fascismo. Charles J. Maland ha identificado esta prédica abierta como el desencadenante del declive de la popularidad de Chaplin, y escribe: «A partir de entonces, ningún aficionado al cine sería capaz de separar la dimensión de la política de Sin embargo, tanto a Winston Churchill como a Franklin D. Roosevelt les gustó la película, que vieron en proyecciones privadas antes de su estreno. Posteriormente, Roosevelt invitó a Chaplin a leer el discurso final de la película por radio durante su toma de posesión en enero de 1941, convirtiéndose el discurso en un «éxito» de la celebración. Chaplin fue invitado a menudo a otras funciones patrióticas para leer el discurso al público durante los años de la guerra. El Gran Dictador recibió cinco nominaciones a los premios de la Academia, entre ellas las de mejor película, mejor guión original y mejor actor.

A mediados de la década de 1940, Chaplin se vio envuelto en una serie de juicios que ocuparon la mayor parte de su tiempo y afectaron significativamente a su imagen pública. Los problemas surgieron de su romance con una aspirante a actriz llamada Joan Barry, con la que mantuvo una relación intermitente entre junio de 1941 y el otoño de 1942. Barry, que mostraba un comportamiento obsesivo y fue detenida en dos ocasiones tras su separación, reapareció al año siguiente y anunció que estaba embarazada de Chaplin. Como Chaplin negó la afirmación, Barry presentó una demanda de paternidad contra él.

El director de la Oficina Federal de Investigación (FBI), J. Edgar Hoover, que llevaba tiempo sospechando de las inclinaciones políticas de Chaplin, aprovechó la oportunidad para generar publicidad negativa sobre él. Como parte de una campaña de desprestigio para dañar la imagen de Chaplin, el FBI lo nombró en cuatro acusaciones relacionadas con el caso Barry. El más grave de ellos fue una supuesta violación de la Ley Mann, que prohíbe el transporte de mujeres a través de las fronteras estatales con fines sexuales. El historiador Otto Friedrich ha calificado esta acusación de «absurda» de un «estatuto antiguo», pero si Chaplin era declarado culpable, se enfrentaba a 23 años de cárcel. Tres de los cargos carecían de pruebas suficientes para proceder al juicio, pero el proceso de la Ley Mann comenzó el 21 de marzo de 1944. Chaplin fue absuelto dos semanas después, el 4 de abril. El caso fue frecuentemente noticia, y Newsweek lo calificó como el «mayor escándalo de relaciones públicas desde el juicio por asesinato de Fatty Arbuckle en 1921».

La hija de Barry, Carol Ann, nació en octubre de 1943, y la demanda de paternidad llegó a los tribunales en diciembre de 1944. Tras dos arduos juicios, en los que el abogado de la acusación le acusó de «bajeza moral», Chaplin fue declarado padre. Las pruebas de los análisis de sangre que indicaban lo contrario no fueron admisibles, y el juez ordenó a Chaplin que pagara la manutención de la niña hasta que Carol Ann cumpliera 21 años. La cobertura mediática de la demanda de paternidad estuvo influenciada por el FBI, ya que la información llegó a la prominente columnista de cotilleos Hedda Hopper, y Chaplin fue retratado bajo una luz abrumadoramente crítica.

La controversia en torno a Chaplin aumentó cuando -dos semanas después de la presentación de la demanda de paternidad- se anunció que se había casado con su nueva protegida, Oona O»Neill, de 18 años, hija del dramaturgo estadounidense Eugene O»Neill. Chaplin, que entonces tenía 54 años, había sido presentado por un agente cinematográfico siete meses antes. En su autobiografía, Chaplin describió el encuentro con O»Neill como «el acontecimiento más feliz de mi vida», y afirmó haber encontrado el «amor perfecto». El hijo de Chaplin, Charles Jr., afirmó que Oona «adoraba» a su padre. La pareja permaneció casada hasta la muerte de Chaplin, y tuvo ocho hijos a lo largo de 18 años: Geraldine Leigh (nacida en julio de 1944), Michael John (nacido en marzo de 1946), Josephine Hannah (nacida en marzo de 1949), Victoria (nacida en mayo de 1951), Eugene Anthony (nacido en agosto de 1953), Jane Cecil (nacida en mayo de 1957), Annette Emily (nacida en diciembre de 1959) y Christopher James (nacido en julio de 1962).

Chaplin afirmó que los juicios de Barry habían «paralizado la creatividad», y pasó algún tiempo antes de que volviera a trabajar. En abril de 1946, finalmente comenzó a rodar un proyecto que había estado en desarrollo desde 1942. Monsieur Verdoux era una comedia negra, la historia de un empleado de banco francés, Verdoux (Chaplin), que pierde su trabajo y empieza a casarse y asesinar a viudas ricas para mantener a su familia. La inspiración de Chaplin para el proyecto vino de Orson Welles, que quería que protagonizara una película sobre el asesino en serie francés Henri Désiré Landru. Chaplin decidió que el concepto «sería una comedia maravillosa», por la idea.

Chaplin volvió a expresar sus opiniones políticas en Monsieur Verdoux, criticando el capitalismo y argumentando que el mundo fomenta las matanzas masivas mediante guerras y armas de destrucción masiva. Por ello, la película fue controvertida cuando se estrenó en abril de 1947; Chaplin fue abucheado en el estreno y se pidió un boicot. Monsieur Verdoux fue el primer estreno de Chaplin que fracasó tanto desde el punto de vista crítico como comercial en Estados Unidos, y el guión de Chaplin fue nominado a los premios de la Academia. Estaba orgulloso de la película y escribió en su autobiografía: «Monsieur Verdoux es la película más inteligente y brillante que he hecho hasta ahora».

La reacción negativa a Monsieur Verdoux fue en gran parte el resultado de los cambios en la imagen pública de Chaplin. Junto con los daños del escándalo de Joan Barry, fue acusado públicamente de ser comunista. Su actividad política había aumentado durante la Segunda Guerra Mundial, cuando hizo campaña a favor de la apertura de un Segundo Frente para ayudar a la Unión Soviética y apoyó a varios grupos de amistad soviético-americanos. También era amigo de varios sospechosos de ser comunistas, y asistía a funciones ofrecidas por diplomáticos soviéticos en Los Ángeles. En el clima político de los Estados Unidos de la década de 1940, estas actividades hicieron que Chaplin fuera considerado, como escribe Larcher, «peligrosamente progresista y amoral». El FBI lo quería fuera del país y lanzó una investigación oficial a principios de 1947.

Chaplin negó ser comunista y se definió a sí mismo como «pacifista», pero consideró que el esfuerzo del gobierno por suprimir la ideología era una infracción inaceptable de las libertades civiles. No estaba dispuesto a quedarse callado, y protestó abiertamente contra los juicios a miembros del Partido Comunista y las actividades del Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara de Representantes. Chaplin recibió una citación para comparecer ante el HUAC, pero no fue llamado a declarar. A medida que sus actividades eran ampliamente difundidas por la prensa, y los temores de la Guerra Fría crecían, surgieron preguntas sobre su falta de ciudadanía estadounidense. Se pidió que fuera deportado; en un ejemplo extremo y ampliamente publicado, el representante John E. Rankin, que ayudó a establecer el HUAC, dijo al Congreso en junio de 1947 «la vida misma en Hollywood es perjudicial para el tejido moral de Estados Unidos.  … sus repugnantes imágenes pueden ser alejadas de los ojos de la juventud americana. Hay que deportarlo y deshacerse de él de inmediato».

En 2003, unos archivos británicos desclasificados pertenecientes al Ministerio de Asuntos Exteriores británico revelaron que George Orwell acusó en secreto a Chaplin de ser un comunista secreto y amigo de la URSS. El nombre de Chaplin fue uno de los 35 que Orwell dio al Departamento de Investigación de la Información (IRD), un departamento secreto de propaganda británico de la Guerra Fría que trabajaba estrechamente con la CIA, según un documento de 1949 conocido como la lista de Orwell. Chaplin no fue el único actor estadounidense al que Orwell acusó de ser un comunista secreto. También describió al líder de los derechos civiles y actor estadounidense Paul Robeson como «antiblanco».

Aunque Chaplin siguió siendo políticamente activo en los años siguientes al fracaso de Monsieur Verdoux, su siguiente película, sobre un olvidado cómico de music hall y una joven bailarina en el Londres eduardiano, carecía de temas políticos. Limelight tenía una fuerte carga autobiográfica, aludiendo no sólo a la infancia de Chaplin y a la vida de sus padres, sino también a su pérdida de popularidad en Estados Unidos. El reparto incluía a varios miembros de su familia, incluidos sus cinco hijos mayores y su hermanastro, Wheeler Dryden.

El rodaje comenzó en noviembre de 1951, cuando Chaplin llevaba tres años trabajando en la historia. Su objetivo era conseguir un tono más serio que el de cualquiera de sus películas anteriores, utilizando regularmente la palabra «melancolía» cuando explicaba sus planes a su coprotagonista Claire Bloom. Limelight contó con un cameo de Buster Keaton, a quien Chaplin contrató como su compañero de escena en un escenario de pantomima. Esta fue la única vez que los cómicos trabajaron juntos en un largometraje.

Chaplin decidió celebrar el estreno mundial de Limelight en Londres, ya que era el escenario de la película. Al salir de Los Ángeles, expresó la premonición de que no volvería. En Nueva York, embarcó con su familia en el RMS Queen Elizabeth el 18 de septiembre de 1952. Al día siguiente, el fiscal general de los Estados Unidos, James P. McGranery, revocó el permiso de reingreso de Chaplin y declaró que tendría que someterse a una entrevista sobre sus opiniones políticas y su comportamiento moral para volver a entrar en los Estados Unidos. Aunque McGranery dijo a la prensa que tenía «un caso bastante bueno contra Chaplin», Maland ha llegado a la conclusión, basándose en los archivos del FBI que se hicieron públicos en la década de 1980, de que el gobierno estadounidense no tenía pruebas reales para impedir la reentrada de Chaplin. Es probable que hubiera conseguido la entrada si lo hubiera solicitado. Sin embargo, cuando Chaplin recibió un cablegrama informándole de la noticia, decidió en privado cortar sus lazos con Estados Unidos:

Que volviera a entrar en ese infeliz país o no me importaba poco. Me hubiera gustado decirles que cuanto antes me librara de esa atmósfera de odio, mejor, que estaba harto de los insultos y la pomposidad moral de Estados Unidos…

Como todos sus bienes permanecieron en Estados Unidos, Chaplin se abstuvo de decir nada negativo sobre el incidente a la prensa. El escándalo atrajo una gran atención, pero Chaplin y su película fueron muy bien recibidos en Europa. En Estados Unidos, la hostilidad hacia él continuó y, aunque recibió algunas críticas positivas, Limelight fue objeto de un amplio boicot. Reflexionando sobre esto, Maland escribe que la caída de Chaplin, desde un nivel de popularidad «sin precedentes», «puede ser la más dramática en la historia del estrellato en América».

He sido objeto de mentiras y propaganda por parte de poderosos grupos reaccionarios que, con su influencia y con la ayuda de la prensa amarilla de Estados Unidos, han creado una atmósfera malsana en la que los individuos de mentalidad liberal pueden ser señalados y perseguidos. En estas condiciones me resulta prácticamente imposible continuar con mi trabajo cinematográfico, y por ello he renunciado a mi residencia en los Estados Unidos.

Chaplin no intentó regresar a Estados Unidos tras la revocación de su permiso de reingreso, y en su lugar envió a su mujer a arreglar sus asuntos. La pareja decidió establecerse en Suiza y, en enero de 1953, la familia se trasladó a su hogar permanente: Manoir de Ban, una finca de 14 hectáreas con vistas al lago Lemán en Corsier-sur-Vevey. Chaplin puso en venta su casa y su estudio de Beverly Hills en marzo, y renunció a su permiso de reingreso en abril. Al año siguiente, su esposa renunció a su ciudadanía estadounidense y se convirtió en ciudadana británica. Chaplin rompió sus últimos lazos profesionales con Estados Unidos en 1955, cuando vendió el resto de sus acciones en United Artists, que tenía dificultades financieras desde principios de los años cuarenta.

Chaplin siguió siendo una figura controvertida a lo largo de la década de 1950, especialmente después de que el Consejo Mundial de la Paz, dirigido por los comunistas, le concediera el Premio Internacional de la Paz y tras sus encuentros con Zhou Enlai y Nikita Khrushchev. En 1954 comenzó a desarrollar su primera película europea, Un rey en Nueva York. En el papel de un rey exiliado que busca asilo en Estados Unidos, Chaplin incluyó en el guión varias de sus experiencias recientes. Su hijo, Michael, interpretó a un niño cuyos padres son perseguidos por el FBI, mientras que el personaje de Chaplin se enfrenta a acusaciones de comunismo. La sátira política parodiaba al HUAC y atacaba elementos de la cultura de los años 50, como el consumismo, la cirugía plástica y el cine de pantalla ancha. En una crítica, el dramaturgo John Osborne la calificó como la película «más amarga» y «más abiertamente personal» de Chaplin. En una entrevista de 1957, cuando se le pidió que aclarara sus opiniones políticas, Chaplin declaró: «En cuanto a la política, soy anarquista. Odio el gobierno y las reglas, y las cadenas… La gente debe ser libre».

Chaplin fundó una nueva productora, Attica, y utilizó los estudios Shepperton para el rodaje. El rodaje en Inglaterra resultó una experiencia difícil, ya que estaba acostumbrado a su propio estudio de Hollywood y a un equipo conocido, y ya no disponía de un tiempo de producción ilimitado. Según Robinson, esto afectó a la calidad de la película. Un rey en Nueva York se estrenó en septiembre de 1957, y recibió críticas mixtas. Chaplin prohibió a los periodistas estadounidenses su estreno en París y decidió no estrenar la película en Estados Unidos. Esto limitó gravemente sus ingresos, aunque logró un moderado éxito comercial en Europa. Un rey en Nueva York no se proyectó en Estados Unidos hasta 1973.

En las dos últimas décadas de su carrera, Chaplin se concentró en la reedición y puntuación de sus antiguas películas para su reestreno, así como en asegurar sus derechos de propiedad y distribución. En una entrevista que concedió en 1959, el año de su 70º cumpleaños, Chaplin declaró que todavía había «espacio para el Hombrecito en la era atómica». La primera de estas reediciones fue The Chaplin Revue (1959), que incluía nuevas versiones de A Dog»s Life, Shoulder Arms y The Pilgrim.

En Estados Unidos, el ambiente político empezó a cambiar y la atención se dirigió de nuevo a las películas de Chaplin en lugar de a sus opiniones. En julio de 1962, The New York Times publicó un editorial en el que afirmaba que «no creemos que la República estuviera en peligro si se permitiera al pequeño vagabundo olvidado de ayer deambular por la pasarela de un vapor o un avión en un puerto estadounidense». Ese mismo mes, Chaplin fue investido con el título honorífico de Doctor en Letras por las universidades de Oxford y Durham. En noviembre de 1963, el Plaza Theater de Nueva York inició un ciclo de un año de duración de películas de Chaplin, entre las que se encontraban Monsieur Verdoux y Limelight, que obtuvieron excelentes críticas por parte de la crítica estadounidense. En septiembre de 1964 se publican las memorias de Chaplin, Mi autobiografía, en las que llevaba trabajando desde 1957. El libro, de 500 páginas, se convirtió en un éxito de ventas mundial. Se centró en sus primeros años y en su vida personal, y fue criticado por la falta de información sobre su carrera cinematográfica.

Poco después de la publicación de sus memorias, Chaplin comenzó a trabajar en Una condesa de Hong Kong (1967), una comedia romántica basada en un guión que había escrito para Paulette Goddard en los años treinta. La película, ambientada en un transatlántico, estaba protagonizada por Marlon Brando en el papel de un embajador estadounidense y por Sophia Loren como polizón que se encuentra en su camarote. La película difiere de las anteriores producciones de Chaplin en varios aspectos. Fue la primera en la que utilizó el Technicolor y el formato de pantalla panorámica, mientras que él se concentró en la dirección y sólo apareció en pantalla en un cameo como mayordomo mareado. También firmó un acuerdo con Universal Pictures y nombró a su ayudante, Jerome Epstein, como productor. Chaplin cobró 600.000 dólares como director y un porcentaje de los ingresos brutos. Una condesa de Hong Kong se estrenó en enero de 1967, con críticas desfavorables, y fue un fracaso de taquilla. Chaplin se sintió profundamente herido por la reacción negativa a la película, que resultó ser su última.

Chaplin sufrió una serie de pequeñas apoplejías a finales de la década de 1960, que marcaron el comienzo de un lento declive de su salud. A pesar de los contratiempos, no tardó en escribir un nuevo guión cinematográfico, The Freak (El monstruo), una historia de una niña alada encontrada en Sudamérica, que pretendía ser un vehículo protagonista para su hija, Victoria. Su frágil salud impidió la realización del proyecto. A principios de la década de 1970, Chaplin se concentró en el reestreno de sus antiguas películas, entre ellas The Kid y The Circus. En 1971, fue nombrado Comandante de la Orden Nacional de la Legión de Honor en el Festival de Cine de Cannes. Al año siguiente, el Festival de Venecia le concedió un premio especial.

En 1972, la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas ofreció a Chaplin un premio honorífico, lo que Robinson considera una señal de que Estados Unidos «quería enmendar su error». Chaplin dudó inicialmente en aceptarlo, pero decidió volver a Estados Unidos por primera vez en 20 años. La visita atrajo una gran cobertura de prensa y, en la gala de los premios de la Academia, recibió una ovación de 12 minutos, la más larga de la historia de la Academia. Visiblemente emocionado, Chaplin aceptó su premio por «el incalculable efecto que ha tenido en hacer del cine la forma de arte de este siglo».

Aunque Chaplin aún tenía planes para futuros proyectos cinematográficos, a mediados de los años 70 estaba muy debilitado. Sufrió varios derrames cerebrales, que le dificultaron la comunicación, y tuvo que utilizar una silla de ruedas. Sus últimos proyectos fueron la recopilación de una autobiografía pictórica, Mi vida en imágenes (1974), y la grabación de Una mujer de París, que se reestrenó en 1976. También apareció en un documental sobre su vida, The Gentleman Tramp (1975), dirigido por Richard Patterson. En la ceremonia de Año Nuevo de 1975, la reina Isabel II le concedió el título de caballero, aunque estaba demasiado débil para arrodillarse y recibió el honor en su silla de ruedas.

En octubre de 1977, la salud de Chaplin había decaído hasta el punto de necesitar cuidados constantes. En la madrugada del 25 de diciembre de 1977, Chaplin murió en su casa tras sufrir un derrame cerebral mientras dormía. Tenía 88 años. El funeral, el 27 de diciembre, fue una pequeña y privada ceremonia anglicana, según sus deseos. Chaplin fue enterrado en el cementerio de Corsier-sur-Vevey. Entre los homenajes de la industria cinematográfica, el director René Clair escribió: «Fue un monumento del cine, de todos los países y de todos los tiempos… el más bello regalo que nos hizo el cine». El actor Bob Hope declaró: «Tuvimos la suerte de vivir en su época». Chaplin dejó a su viuda más de 100 millones de dólares.

El 1 de marzo de 1978, el ataúd de Chaplin fue desenterrado y robado de su tumba por Roman Wardas y Gantcho Ganev. El cuerpo fue retenido para pedir un rescate en un intento de extorsionar a su viuda, Oona Chaplin. La pareja fue capturada en una gran operación policial en mayo, y el féretro de Chaplin fue encontrado enterrado en un campo en el pueblo cercano de Noville. Fue reinterpretado en el cementerio de Corsier en una bóveda de hormigón armado.

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Influencias

Chaplin creía que su primera influencia fue su madre, que le entretenía de pequeño sentándose en la ventana e imitando a los transeúntes: «fue observándola como aprendí no sólo a expresar emociones con las manos y la cara, sino también a observar y estudiar a la gente». Los primeros años de Chaplin en el music-hall le permitieron ver cómo trabajaban los cómicos de escenario; también asistió a las pantomimas de Navidad en Drury Lane, donde estudió el arte de los payasos a través de intérpretes como Dan Leno. Los años que Chaplin pasó en la compañía de Fred Karno tuvieron un efecto formativo en él como actor y cineasta. Simon Louvish escribe que la compañía fue su «campo de entrenamiento», y fue aquí donde Chaplin aprendió a variar el ritmo de su comedia. El concepto de mezclar el patetismo con el slapstick lo aprendió de Karno, que también utilizó elementos de absurdo que se hicieron familiares en los gags de Chaplin. En el ámbito cinematográfico, Chaplin se inspiró en el trabajo del cómico francés Max Linder, cuyas películas admiraba mucho. Al desarrollar el traje y el personaje del vagabundo, probablemente se inspiró en el vodevil estadounidense, donde los personajes vagabundos eran habituales.

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Método

Chaplin nunca habló más que de forma superficial sobre sus métodos de rodaje, ya que afirmaba que tal cosa equivaldría a que un mago estropeara su propia ilusión. Poco se supo de su proceso de trabajo durante su vida, pero la investigación de los historiadores del cine -en particular los hallazgos de Kevin Brownlow y David Gill que se presentaron en el documental en tres partes Unknown Chaplin (1983)- ha revelado desde entonces su singular método de trabajo.

Hasta que empezó a hacer películas con diálogos hablados con El gran dictador, Chaplin nunca rodó a partir de un guión completo. Muchas de sus primeras películas comenzaban con una vaga premisa, por ejemplo «Charlie entra en un balneario» o «Charlie trabaja en una casa de empeños». A continuación, mandaba construir los decorados y trabajaba con su compañía de material para improvisar gags y «negocios» con ellos, casi siempre elaborando las ideas en la película. A medida que las ideas eran aceptadas y descartadas, surgía una estructura narrativa, que a menudo obligaba a Chaplin a volver a rodar una escena ya completada que, de otro modo, podría haber contradicho la historia. A partir de Una mujer de París, Chaplin comenzó el proceso de rodaje con un argumento preparado, pero Robinson escribe que todas las películas hasta Tiempos modernos «pasaron por muchas metamorfosis y permutaciones antes de que la historia tomara su forma final».

La producción de películas de esta manera significaba que Chaplin tardaba más en completar sus películas que casi cualquier otro cineasta de la época. Si se quedaba sin ideas, a menudo se tomaba un descanso del rodaje, que podía durar días, mientras mantenía el estudio preparado para cuando volviera la inspiración. El riguroso perfeccionismo de Chaplin retrasaba aún más el proceso. Según su amigo Ivor Montagu, «nada más que la perfección sería correcto» para el cineasta. Como financiaba personalmente sus películas, Chaplin tenía la libertad de esforzarse por alcanzar este objetivo y rodar tantas tomas como quisiera. El número era a menudo excesivo, por ejemplo, 53 tomas por cada toma terminada en The Kid. Para El inmigrante, un cortometraje de 20 minutos, Chaplin rodó 40.000 pies de película, suficiente para un largometraje.

Ningún otro cineasta dominó tan completamente todos los aspectos de la obra, hizo todos los trabajos. Si hubiera podido hacerlo, Chaplin habría interpretado todos los papeles y (como su hijo Sydney observó con humor pero con perspicacia) habría cosido todos los trajes.

Describiendo su método de trabajo como «pura perseverancia hasta la locura», Chaplin se consumía por completo en la producción de una película. Robinson escribe que, incluso en los últimos años de Chaplin, su trabajo seguía «teniendo prioridad sobre todo y todos los demás». La combinación de la improvisación de la historia y el perfeccionismo implacable -que se traducía en días de esfuerzo y en el desperdicio de miles de metros de película, todo ello con un gasto enorme- a menudo resultaba agotadora para Chaplin, quien, frustrado, arremetía contra sus actores y su equipo.

Chaplin ejercía un control total sobre sus películas, hasta el punto de que representaba los otros papeles para su reparto, esperando que le imitaran exactamente. Editaba personalmente todas sus películas, rebuscando en las grandes cantidades de material de archivo para crear la imagen exacta que quería. Debido a su total independencia, el historiador cinematográfico Andrew Sarris lo identificó como uno de los primeros cineastas de autor. Chaplin recibió ayuda, sobre todo de su director de fotografía de toda la vida, Roland Totheroh, de su hermano Sydney Chaplin y de varios ayudantes de dirección, como Harry Crocker y Charles Reisner.

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Estilo y temas

Aunque el estilo cómico de Chaplin se define en términos generales como slapstick, se considera comedido e inteligente, y el historiador cinematográfico Philip Kemp describe su obra como una mezcla de «comedia física hábil y ballet, y gags reflexivos basados en situaciones». Chaplin se apartó del slapstick convencional al ralentizar el ritmo y agotar el potencial cómico de cada escena, centrándose más en el desarrollo de la relación del espectador con los personajes. A diferencia de las comedias convencionales de slapstick, Robinson afirma que los momentos cómicos de las películas de Chaplin se centran en la actitud del Vagabundo ante las cosas que le suceden: el humor no proviene de que el Vagabundo choque con un árbol, sino de que levante su sombrero hacia el árbol en señal de disculpa. Dan Kamin escribe que los «gestos extravagantes» de Chaplin y su «actitud seria en medio de la acción slapstick» son otros aspectos clave de su comedia, mientras que la transformación surrealista de objetos y el empleo de trucos en la cámara son también características comunes.

Las películas mudas de Chaplin suelen seguir los esfuerzos del vagabundo por sobrevivir en un mundo hostil. El personaje vive en la pobreza y con frecuencia es maltratado, pero sigue siendo amable y optimista; desafiando su posición social, se esfuerza por ser visto como un caballero. Como dijo Chaplin en 1925, «El objetivo del Vagabundo es que, por muy hundido que esté, por mucho que los chacales consigan destrozarlo, sigue siendo un hombre digno». El Vagabundo desafía a las figuras de autoridad, lo que lleva a Robinson y Louvish a verlo como un representante de los desfavorecidos, un «hombre de a pie convertido en salvador heroico». Hansmeyer señala que varias de las películas de Chaplin terminan con «el vagabundo desamparado y solitario con optimismo… hacia la puesta de sol… para continuar su viaje».

Es paradójico que la tragedia estimule el espíritu del ridículo… el ridículo, supongo, es una actitud de desafío; debemos reírnos ante nuestra impotencia frente a las fuerzas de la naturaleza… o volvernos locos.

La infusión de patetismo es un aspecto bien conocido de la obra de Chaplin, y Larcher señala su reputación de «El sentimentalismo en sus películas proviene de una variedad de fuentes, y Louvish señala «el fracaso personal, las restricciones de la sociedad, el desastre económico y los elementos». En ocasiones, Chaplin se basó en sucesos trágicos para crear sus películas, como en el caso de La fiebre del oro (1925), que se inspiró en el destino del grupo Donner. Constance B. Kuriyama ha identificado graves temas subyacentes en las primeras comedias, como la codicia (La quimera del oro) y la pérdida (ilegitimidad) y el consumo de drogas (Easy Street, 1917). A menudo exploraba estos temas con ironía, haciendo comedia del sufrimiento.

El comentario social fue una característica de las películas de Chaplin desde el principio de su carrera, ya que retrató a los desvalidos bajo una luz simpática y destacó las dificultades de los pobres. Más tarde, cuando se interesó por la economía y se sintió obligado a dar a conocer sus opiniones, Chaplin empezó a incorporar mensajes políticos en sus películas. Tiempos modernos (1936) mostraba a los trabajadores de las fábricas en condiciones lamentables, El gran dictador (1940) parodiaba a Adolf Hitler y Benito Mussolini y terminaba con un discurso contra el nacionalismo, Monsieur Verdoux (1947) criticaba la guerra y el capitalismo, y Un rey en Nueva York (1957) atacaba el macartismo.

Varias de las películas de Chaplin incorporan elementos autobiográficos, y el psicólogo Sigmund Freud creía que Chaplin «siempre interpreta sólo a sí mismo tal y como era en su funesta juventud». Se cree que The Kid refleja el trauma infantil de Chaplin al ser enviado a un orfanato, los personajes principales de Limelight (1952) contienen elementos de la vida de sus padres, y Un rey en Nueva York hace referencia a las experiencias de Chaplin al ser rechazado por los Estados Unidos. Muchos de sus decorados, especialmente en las escenas callejeras, guardan una gran similitud con Kennington, donde creció. Stephen M. Weissman ha argumentado que la problemática relación de Chaplin con su madre enferma mentalmente se reflejaba a menudo en sus personajes femeninos y en el deseo del Vagabundo de salvarlos.

En cuanto a la estructura de las películas de Chaplin, el académico Gerald Mast considera que están formadas por sketches unidos por el mismo tema y el mismo escenario, en lugar de tener un argumento muy unificado. Desde el punto de vista visual, sus películas son sencillas y económicas, con escenas representadas como si se tratara de un escenario. El director de arte Eugène Lourié describió su forma de filmar: «Chaplin no pensaba en imágenes «artísticas» cuando rodaba. Creía que la acción es lo principal. La cámara está ahí para fotografiar a los actores». En su autobiografía, Chaplin escribió: «La sencillez es lo mejor… los efectos pomposos ralentizan la acción, son aburridos y desagradables… La cámara no debe entrometerse». Este enfoque ha suscitado críticas, desde la década de 1940, por ser «anticuado», mientras que el estudioso del cine Donald McCaffrey lo ve como una indicación de que Chaplin nunca entendió del todo el cine como medio. Kamin, sin embargo, comenta que el talento cómico de Chaplin no sería suficiente para seguir siendo gracioso en la pantalla si no tuviera una «capacidad para concebir y dirigir escenas específicamente para el medio cinematográfico».

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Componiendo

Chaplin desarrolló una pasión por la música desde niño y aprendió a tocar el piano, el violín y el violonchelo. Consideraba que el acompañamiento musical de una película era importante, y a partir de Una mujer de París se interesó cada vez más por este aspecto. Con la llegada de la tecnología del sonido, Chaplin comenzó a utilizar una banda sonora orquestal sincronizada -compuesta por él mismo- para Luces de la ciudad (1931). A partir de entonces, compuso las partituras de todas sus películas y, desde finales de los años 50 hasta su muerte, puso música a todos sus largometrajes mudos y a algunos de sus cortometrajes.

Como Chaplin no tenía formación musical, no podía leer partituras y necesitaba la ayuda de compositores profesionales, como David Raksin, Raymond Rasch y Eric James, para crear sus partituras. Se emplearon directores musicales para supervisar el proceso de grabación, como Alfred Newman para City Lights. Aunque algunos críticos han afirmado que el mérito de la música de sus películas debería corresponder a los compositores que trabajaron con él, Raksin -que trabajó con Chaplin en Tiempos modernos- destacó la posición creativa de Chaplin y su participación activa en el proceso de composición. Este proceso, que podía durar meses, comenzaba con Chaplin describiendo al compositor o compositores exactamente lo que quería y cantando o tocando melodías que había improvisado al piano. Estas melodías se desarrollaban posteriormente en una estrecha colaboración entre el compositor o compositores y Chaplin. Según el historiador cinematográfico Jeffrey Vance, «aunque se apoyaba en asociados para arreglar una instrumentación variada y compleja, el imperativo musical es suyo, y ni una nota de una partitura de Chaplin se colocó sin su consentimiento».

Las composiciones de Chaplin dieron lugar a tres canciones populares. «Smile», compuesta originalmente para Modern Times (1936) y posteriormente con letra de John Turner y Geoffrey Parsons, fue un éxito para Nat King Cole en 1954. Para Limelight, Chaplin compuso «Terry»s Theme», que fue popularizado por Jimmy Young como «Eternally» (1952). Por último, «This Is My Song», interpretada por Petula Clark para A Countess from Hong Kong (1967), alcanzó el número uno en las listas del Reino Unido y de otros países europeos. Chaplin también recibió su único Oscar competitivo por su trabajo de composición, ya que el tema de Limelight ganó un premio de la Academia a la mejor partitura original en 1973 tras el reestreno de la película.

En 1998, el crítico cinematográfico Andrew Sarris calificó a Chaplin como «posiblemente el artista más importante producido por el cine, sin duda su intérprete más extraordinario y probablemente todavía su icono más universal». El Instituto Británico de Cine lo describe como «una figura imponente en la cultura mundial», y fue incluido en la lista de las «100 personas más importantes del siglo XX» de la revista Time por «hacer reír a millones de personas» y porque «inventó más o menos el reconocimiento mundial y ayudó a convertir una industria en un arte». En 1999, el American Film Institute clasificó a Chaplin como la décima mayor estrella masculina del cine clásico de Hollywood. Chaplin fue votado en el puesto número 2 de la encuesta «Grandes estrellas del cine del siglo XX» y en el puesto número 4 de la encuesta «Grandes directores del siglo XX» realizada por la revista japonesa de cine Kinema Junpo.

La imagen del Vagabundo ha pasado a formar parte de la historia cultural; según Simon Louvish, el personaje es reconocible para personas que nunca han visto una película de Chaplin, y en lugares donde nunca se proyectan sus películas. El crítico Leonard Maltin ha escrito sobre la naturaleza «única» e «indeleble» del Vagabundo, y ha argumentado que ningún otro cómico igualó su «impacto mundial». Alabando al personaje, Richard Schickel sugiere que las películas de Chaplin con el Vagabundo contienen las expresiones más «elocuentes y ricamente cómicas del espíritu humano» de la historia del cine. Los recuerdos relacionados con el personaje siguen alcanzando grandes sumas en las subastas: en 2006, un bombín y una caña de bambú que formaban parte del traje del Vagabundo se compraron por 140.000 dólares en una subasta de Los Ángeles.

Como cineasta, Chaplin es considerado un pionero y una de las figuras más influyentes de principios del siglo XX. A menudo se le considera uno de los primeros artistas del medio. El historiador cinematográfico Mark Cousins ha escrito que Chaplin «cambió no sólo la imaginería del cine, sino también su sociología y su gramática» y afirma que Chaplin fue tan importante para el desarrollo de la comedia como género como lo fue D.W. Griffith para el drama. Fue el primero en popularizar la comedia de larga duración y en ralentizar el ritmo de la acción, añadiendo patetismo y sutileza. Aunque su obra se clasifica mayoritariamente como slapstick, el drama de Chaplin Una mujer de París (1923) fue una gran influencia para la película de Ernst Lubitsch El círculo matrimonial (1924) y, por tanto, desempeñó un papel en el desarrollo de la «comedia sofisticada». Según David Robinson, las innovaciones de Chaplin fueron «rápidamente asimiladas para convertirse en parte de la práctica común del oficio cinematográfico». Entre los cineastas que citaron a Chaplin como influencia se encuentran Federico Fellini (que llamó a Chaplin «una especie de Adán, del que todos descendemos»), Jacques Tati («Sin él nunca habría hecho una película»), René Clair («Inspiró a prácticamente todos los cineastas»), François Truffaut («Mi religión es el cine. Creo en Charlie Chaplin…»), Billy Wilder y Richard Attenborough. El cineasta ruso Andrei Tarkovsky elogió a Chaplin como «la única persona que ha pasado a la historia del cine sin ninguna sombra de duda. Las películas que dejó nunca podrán envejecer». El cineasta indio Satyajit Ray dijo sobre Chaplin: «Si hay algún nombre del que se pueda decir que simboliza el cine, es Charlie Chaplin… Estoy seguro de que el nombre de Chaplin sobrevivirá aunque el cine deje de existir como medio de expresión artística. Chaplin es verdaderamente inmortal». El cineasta favorito del autor francés Jean Renoir era Chaplin.

Chaplin también influyó mucho en el trabajo de cómicos posteriores. Marcel Marceau dijo que se inspiró en Chaplin para convertirse en mimo, mientras que el actor Raj Kapoor se basó en el Vagabundo. Mark Cousins también ha detectado el estilo cómico de Chaplin en el personaje francés Monsieur Hulot y en el italiano Totó. En otros ámbitos, Chaplin ayudó a inspirar a los personajes de dibujos animados Félix el Gato y fue una influencia para el movimiento artístico Dadá. Como uno de los miembros fundadores de United Artists, Chaplin también tuvo un papel en el desarrollo de la industria cinematográfica. Gerald Mast ha escrito que, aunque UA nunca llegó a ser una empresa importante como MGM o Paramount Pictures, la idea de que los directores pudieran producir sus propias películas estaba «años adelantada a su tiempo».

En 1992, la encuesta Sight & Sound Critics» Top Ten Poll situó a Chaplin en el número 5 de su lista de los «10 mejores directores» de todos los tiempos. En el siglo XXI, varias de las películas de Chaplin siguen siendo consideradas clásicos y se encuentran entre las mejores de la historia. La encuesta de Sight & Sound de 2012, que recopila las votaciones de los «diez mejores» de los críticos y directores de cine para determinar las películas más aclamadas de cada grupo, situó a Luces de la ciudad entre las 50 mejores de los críticos, a Tiempos modernos entre las 100 mejores, y a El gran dictador y La quimera del oro entre las 250 mejores. Entre las 100 mejores películas votadas por los directores se encuentran Tiempos modernos en el número 22, Luces de la ciudad en el número 30 y La quimera del oro en el número 91. Todos los largometrajes de Chaplin recibieron un voto. En 2005, Chaplin ocupó el número 35 en la lista de los «40 mejores directores de todos los tiempos» de la revista Empire. En 2007, el American Film Institute nombró a Luces de la ciudad la undécima mejor película estadounidense de todos los tiempos, mientras que La quimera del oro y Tiempos modernos volvieron a figurar entre las 100 mejores. Se siguen publicando libros sobre Chaplin con regularidad, y es un tema popular para los estudiosos de los medios de comunicación y los archiveros de películas. Muchas de las películas de Chaplin han sido editadas en DVD y Blu-ray.

El legado de Chaplin es gestionado en nombre de sus hijos por la Oficina Chaplin, situada en París. La oficina representa a la Asociación Chaplin, fundada por algunos de sus hijos «para proteger el nombre, la imagen y los derechos morales» de su obra, a Roy Export SAS, que posee los derechos de autor de la mayoría de sus películas realizadas después de 1918, y a Bubbles Incorporated S.A., que posee los derechos de autor de su imagen y nombre. Su archivo central se encuentra en los archivos de Montreux, Suiza, y versiones escaneadas de su contenido, que incluye 83.630 imágenes, 118 guiones, 976 manuscritos, 7.756 cartas y miles de otros documentos, están disponibles para fines de investigación en el Centro de Investigación Chaplin de la Cineteca di Bologna. El archivo fotográfico, que incluye unas 10.000 fotografías de la vida y la carrera de Chaplin, se conserva en el Museo del Elíseo de Lausana (Suiza). El British Film Institute también ha creado la Charles Chaplin Research Foundation, y en julio de 2005 se celebró en Londres la primera conferencia internacional sobre Charles Chaplin. Los elementos de muchas de las películas de Chaplin se conservan en la Academy Film Archive como parte de la Roy Export Chaplin Collection.

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Conmemoración y homenajes

La última casa de Chaplin, Manoir de Ban, en Corsier-sur-Vevey (Suiza), se ha convertido en un museo llamado «El mundo de Chaplin». Inaugurado el 17 de abril de 2016 tras quince años de desarrollo, es descrito por Reuters como «un museo interactivo que muestra la vida y la obra de Charlie Chaplin». En el 128º aniversario de su nacimiento, un récord de 662 personas se disfrazaron del vagabundo en un evento organizado por el museo. Anteriormente, el Museo de la Imagen en Movimiento de Londres contaba con una muestra permanente sobre Chaplin, y acogió una exposición dedicada a su vida y carrera en 1988. El Museo del Cine de Londres acogió una exposición titulada Charlie Chaplin – The Great Londoner, desde 2010 hasta 2013.

En Londres, una estatua de Chaplin como el Vagabundo, esculpida por John Doubleday e inaugurada en 1981, se encuentra en Leicester Square. En el centro de Londres hay una calle que lleva su nombre, «Charlie Chaplin Walk», donde se encuentra el BFI IMAX. Hay nueve placas azules que recuerdan a Chaplin en Londres, Hampshire y Yorkshire. La ciudad suiza de Vevey nombró un parque en su honor en 1980 y erigió una estatua en 1982. En 2011, también se inauguraron en Vevey dos grandes murales que representan a Chaplin en dos edificios de 14 plantas. Chaplin también ha sido homenajeado por la ciudad irlandesa de Waterville, donde pasó varios veranos con su familia en la década de 1960. En 1998 se erigió una estatua; desde 2011, la ciudad acoge el Festival de Cine de Comedia de Charlie Chaplin, fundado para celebrar el legado de Chaplin y mostrar nuevos talentos cómicos.

En otros homenajes, un planeta menor, el 3623 Chaplin (descubierto por la astrónoma soviética Lyudmila Karachkina en 1981) lleva el nombre de Charlie. A lo largo de la década de 1980, la imagen del vagabundo fue utilizada por IBM para anunciar sus ordenadores personales. El centenario de Chaplin, en 1989, se celebró con varios actos en todo el mundo, y el 15 de abril de 2011, un día antes de su 122º cumpleaños, Google lo celebró con un vídeo especial de Google Doodle en sus páginas web mundiales y de otros países. Muchos países, que abarcan seis continentes, han honrado a Chaplin con un sello postal.

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Caracterizaciones

Chaplin es objeto de una película biográfica, Chaplin (1992), dirigida por Richard Attenborough y protagonizada por Robert Downey Jr. en el papel principal y Geraldine Chaplin en el de Hannah Chaplin. También es un personaje de la película histórica The Cat»s Meow (2001), interpretado por Eddie Izzard, y de la película para televisión The Scarlett O»Hara War (1980), interpretado por Clive Revill. Una serie de televisión sobre la infancia de Chaplin, Young Charlie Chaplin, se emitió en la PBS en 1989, y fue nominada para un premio Emmy al mejor programa infantil. La película francesa El precio de la fama (2014) es un relato ficticio del robo de la tumba de Chaplin.

La vida de Chaplin también ha sido objeto de varias producciones teatrales. A principios de la década de 1990 se produjeron dos musicales, Little Tramp y Chaplin. En 2006, Thomas Meehan y Christopher Curtis crearon otro musical, Limelight: The Story of Charlie Chaplin, que se estrenó en La Jolla Playhouse de San Diego en 2010. Se adaptó para Broadway dos años después, con el nuevo título de Chaplin – A Musical. Chaplin fue interpretado por Robert McClure en ambas producciones. En 2013, se estrenaron dos obras de teatro sobre Chaplin en Finlandia: Chaplin en el Svenska Teatern, y Kulkuri (El vagabundo) en el Teatro de los Trabajadores de Tampere.

Chaplin también ha sido caracterizado en la ficción literaria. Es el protagonista del relato corto de Robert Coover «Charlie in the House of Rue» (reimpreso en la colección de Coover de 1987 A Night at the Movies), y de Sunnyside (2009) de Glen David Gold, una novela histórica ambientada en el periodo de la Primera Guerra Mundial. Un día en la vida de Chaplin en 1909 se dramatiza en el capítulo titulado «Tiempos modernos» en Jerusalén (2016) de Alan Moore, una novela ambientada en la ciudad natal del autor, Northampton, Inglaterra.

Chaplin cobró vida en una tira cómica que llevaba su nombre y que se publicó durante 30 años en el cómic británico de preguerra Funny Wonder. Iniciada en 1915, la tira fue dibujada principalmente por Bertie Brown; fue una de las primeras tiras cómicas inspiradas en la popularidad de una celebridad. Una tira similar, Charlie Chaplin»s Comic Capers, de Stuart Carothers y más tarde de Elzie C. Segar, fue sindicada en Estados Unidos desde el 29 de marzo de 1915 hasta el 16 de septiembre de 1917. En Francia, en 1922, Raoul Thomen creó la tira cómica Les Aventures Acrobatiques de Charlot («Las aventuras acrobáticas de Charlot»). La tira de Thomen se publicó en revistas infantiles francesas durante casi 20 años. Las aventuras de Charlot fueron continuadas por otros artistas hasta 1963. La tira se recogió en muchos álbumes.

Chaplin recibió muchos premios y honores, sobre todo más tarde en su vida. En los honores del Año Nuevo de 1975, fue nombrado Caballero Comandante de la Orden del Imperio Británico (KBE). En 1962, la Universidad de Oxford y la Universidad de Durham le concedieron el título honorífico de Doctor en Letras. En 1965, junto con Ingmar Bergman, fue galardonado con el Premio Erasmus y, en 1971, fue nombrado Comandante de la Orden Nacional de la Legión de Honor por el gobierno francés.

Por parte de la industria cinematográfica, Chaplin recibió un León de Oro especial en el Festival de Cine de Venecia en 1972, y un Premio a la Trayectoria de la Sociedad Cinematográfica del Lincoln Center ese mismo año. Desde entonces, este último se entrega anualmente a los cineastas con el nombre de Premio Chaplin. Chaplin recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood en 1972, tras haber sido excluido anteriormente por sus creencias políticas.

Chaplin recibió tres premios de la Academia: un premio honorífico por su «versatilidad y genialidad en la actuación, escritura, dirección y producción de El circo» en 1929, un segundo premio honorífico por «el incalculable efecto que ha tenido en hacer del cine la forma de arte de este siglo» en 1972, y un premio a la mejor partitura en 1973 por Limelight (compartido con Ray Rasch y Larry Russell). También fue nominado en las categorías de mejor actor, mejor guión original y mejor película (como productor) por El gran dictador, y recibió otra nominación al mejor guión original por Monsieur Verdoux. En 1976, Chaplin fue nombrado miembro de la Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión (BAFTA).

La Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos ha seleccionado seis películas de Chaplin para su conservación en el Registro Cinematográfico Nacional: El inmigrante (1917), El chico (1921), La quimera del oro (1925), Luces de la ciudad (1931), Tiempos modernos (1936) y El gran dictador (1940).

Características dirigidas:

Fuentes

1. Charlie Chaplin
2. Charles Chaplin