Clyfford Still
gigatos | enero 26, 2022
Resumen
Clyfford Elmer Still fue un pintor estadounidense de mediados del siglo XX. Fue uno de los miembros fundadores del expresionismo abstracto en Estados Unidos. Nació el 30 de noviembre de 1904 en Grandin, Dakota del Norte, y murió el 23 de junio de 1980 en Nueva York. Desde 2011 se le dedica un museo en Denver (Colorado).
Clyfford Still perteneció al pequeño grupo original de expresionistas abstractos junto con Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko, Barnett Newman, Franz Kline, Philip Guston, Arshile Gorky, Robert Motherwell y Adolph Gottlieb. Estuvo cerca de Pollock en la primera generación del Expresionismo Abstracto, y desarrolló muy pronto un nuevo enfoque de la pintura a través de la abstracción, comenzando en 1944 con obras a gran escala (incluyendo 1944-N No. 2, también conocido como Red Flash on Black Field, óleo sobre lienzo, 264,8 × 221,6 cm, MoMA, The Sidney and Harriet Janis Collection, 1967). A lo largo de su vida rara vez expuso o vendió sus cuadros.
Still nació en 1904 en Grandin, Dakota del Norte, y pasó su infancia en el noroeste de Estados Unidos, Spokane, Washington D.C. y Bow Island, en el sur de Alberta, Canadá. En 1925 visitó Nueva York y estudió brevemente en la Art Students League. Asistió a la Universidad de Spokane de 1926 a 1927 y volvió en 1931 con una beca, graduándose en 1933. En el otoño de 1933 fue becario de enseñanza y más tarde miembro del profesorado del Washington State College (ahora Washington State University), donde recibió su título de Master of Fine Arts en 1935. Allí enseñó hasta 1941.
Pasó los veranos de 1934 y 1935 en la Fundación Trask (ahora Yaddo) en Saratoga Springs, Nueva York. En 1937, junto con su colega de Washington Worth Griffin, Still cofundó la Nespelem Art Colony (que incluye Sin título (Casas indias, Nespelem) (1936)), que produjo cientos de retratos y paisajes que representaban la vida de los nativos americanos en la reserva india de Colville (estado de Washington) durante los cuatro veranos de 37 a 40. Con un estilo documental, tomó nota de los colores de la ropa de los indios), y realizó estudios más libres con una paleta que recordaría durante muchos años.
En 1941, todavía se trasladó a la zona de la bahía de San Francisco, donde trabajó en varias industrias de guerra mientras seguía pintando. Su primera exposición individual tuvo lugar en el Museo de Arte de San Francisco (actual Museo de Arte Moderno de San Francisco) en 1943. Enseñó en el Instituto Profesional de Richmond (RPI), actual Universidad de la Commonwealth de Virginia, de 1943 a 1945, y luego en la ciudad de Nueva York.
En 1944, realizó dos cuadros con características formales muy similares: 1944-N nº 1 y 1944-N nº 2, de gran formato (el primero de 266 × 233 cm), abstracción y espátula en un grueso empaste que crea una textura irregular: grandes efectos de pintura negra
1946: Mark Rothko, a quien Still había conocido en California en 1943, le presentó a Peggy Guggenheim, quien le ofreció su primera exposición individual en su galería, The Art of This Century Gallery, a principios de 1946. Al año siguiente, Peggy Guggenheim cerró su galería y Still, junto con Rothko y otros expresionistas abstractos, se incorporó a la Galería Betty Parsons. Allí realizó tres exposiciones (1947, 1950 y 1951). Regresó a San Francisco, donde se convirtió en un profesor muy influyente en la Escuela de Bellas Artes de California (actual Instituto de Arte de San Francisco), donde enseñó desde 1946 hasta 1950. Realizó una exposición en el Palacio de la Legión de Honor de California, en San Francisco (1947). En 1948, junto con Rothko, sentó las bases de lo que se convertiría en los Temas de la Academia del Artista, un grupo de reflexión y club de artistas que invitaba a conferenciantes a dar charlas que se discutían y debían. Clyfford Still se trasladó a San Francisco durante dos años antes de volver a Nueva York.
Años 50: En 1950 se trasladó a Nueva York y permaneció allí durante la mayor parte de la década. Era el apogeo del expresionismo abstracto, pero evitó cualquier asociación con la Escuela de Abstracción de Nueva York. Fue en esta época cuando se volvió cada vez más crítico con el mundo del arte. Formó parte de un grupo de «irascibles» (casi todos expresionistas abstractos) que protestaron en 1950 (en una reunión en Subjects of the Artist) contra el desprecio que les profesaba el Metropolitan Museum of Art, que preparaba su primera exposición de arte americano con un jurado que mostraba su desprecio por la abstracción americana. La foto de los «irascibles», publicada posteriormente en Life, los hizo universalmente famosos al dar a conocer el expresionismo abstracto. En aquella época, más que todos los demás del grupo, Still insistía en la singularidad de su propia obra dentro del grupo, también mostraba desprecio por algunos de sus colegas y, finalmente, sus crecientes exigencias de reconocimiento le excluyeron del mundo del arte de Nueva York. A principios de la década de 1950, Still rompió sus vínculos con las galerías comerciales. En 1959 se celebró una retrospectiva de la obra de Still en la Albright-Knox Art Gallery de Buffalo (Nueva York).
1961: Se traslada a una granja de 22 acres cerca de Westminster, Maryland, para retirarse del mundo del arte y poder trabajar en soledad. Siempre utilizaba un granero como estudio en la propiedad durante los meses más cálidos. En 1966, Still y su segunda esposa compraron una casa de un cuarto de metro en el 312 de Church Street, en New Windsor, Maryland, a unas ocho millas de su granja, donde vivió hasta su muerte.
En la década de 1960 realizó varias exposiciones individuales (Instituto de Arte Contemporáneo, Universidad de Pensilvania, Filadelfia (1963), y Galería Marlborough-Gerson, Nueva York (1969-70)). En 1972 recibió el Premio al Mérito de la Pintura de la Academia Americana de las Artes y las Letras, de la que pasó a ser miembro, y luego la Medalla Skowhegan de Pintura en 1975. En 1975, un grupo de sus pinturas se expuso permanentemente en el Museo de Arte Moderno de San Francisco. Finalmente, expuso en el Metropolitan Museum of Art en 1980.
Entre los primeros cuadros expresionistas abstractos, Julio 1945-R (durante un tiempo llamado Quicksilver) evoca un rayo, una línea blanca vertical errática sobre un fondo oscuro o negro. En una carta de 1950, habla de un relámpago que le provocó una «revelación», aunque no está claro qué tipo de revelación fue.
Considerado todavía como uno de los pintores más destacados del movimiento de la pintura de campo de color, sus pinturas no figurativas tampoco son objetivas y se refieren en gran medida a la yuxtaposición de diferentes colores y superficies en diversas configuraciones. A diferencia de Mark Rothko o Barnett Newman, que organizaron sus colores de forma relativamente sencilla (Rothko como rectángulos nebulosos, Newman como finas líneas sobre vastos campos planos de color), las disposiciones de Still son menos regulares. Sus ráfagas de color irregulares dan la impresión de que una capa de color ha sido «arrancada» del cuadro, revelando los colores que hay debajo. Otro punto de diferencia con Newman y Rothko es la forma en que se deposita la pintura sobre el lienzo; mientras que Rothko y Newman utilizan colores bastante planos y pintura relativamente fina, Still utiliza un impasto grueso, produciendo una amplia variedad de espesores sutiles y tonos brillantes, que captan la luz real. En 1947 ya había empezado a trabajar en el gran formato que ampliaría y ajustaría a lo largo de su carrera: un campo de colores, en gran formato, aplicados con espátulas, que crearían efectos de luz y materia texturizada.
A través de estos efectos materiales, con una alta proporción de óleo o con un material de grano seco muy visible, Still crea superficies «tectónicas» con sus espátulas, que a veces capturan la luz y en otras la absorben por completo, como agujeros negros.
A diferencia de la mayoría de los artistas plásticos de la época, Still muele y prepara sus propios pigmentos, con los que crea colores especiales que aplica a sus enormes lienzos.
El museo de Denver, enteramente dedicado a él, ha permitido poner de relieve ciertos aspectos del proceso creativo, a través de un estudio comparativo de variantes o réplicas de más de 50 cuadros. Así, parece que esta obra puede considerarse una «pintura gestual», ya que los gestos del artista son perfectamente visibles al mirar el cuadro, y con gran fuerza aunque sólo sea por el tamaño de las aplicaciones de pintura con espátula. Por otra parte, las comparaciones evocan un proceso gradual y no un surgimiento totalmente espontáneo e inmediato. Aunque sólo hay unos pocos cuadros que se han reinventado por completo, en la mayoría de los casos los cambios son más sutiles; un cambio en el medio, un método diferente de aplicar la pintura, o una textura distinta, o es el juego de la luz sobre la superficie de la pintura el que ya no es el mismo, al manipular las propiedades reflectantes de la pintura. Así, hay muchos ajustes, en formatos significativamente diferentes, con el deseo de superar, en el siguiente cuadro, lo que se había construido en la primera versión: «Aunque las pocas réplicas que hago se acercan generalmente al original o son una extensión, cada una tiene su propia vida y no es una copia. El presente trabajo ha aclarado ciertos factores y, paradójicamente en este caso, está más cerca de mi concepto original que el primero, que lleva las marcas de las fuerzas que chocaron.
La proximidad entre Pollock y Still ha sido estudiada por David Anfam. Still descubrió el cuadro de Pollock La mujer de la luna (1942) durante la exposición de la galería de Peggy Guggenheim El arte de este siglo (en), en noviembre del 43. Y se dice que tres de los cuadros de Still son «meditaciones», incluido el PH-242, de 1943-44. Esta amistad fue especialmente evidente en 1943, cuando Pollock pintó un mural para Peggy Guggenheim en un pasillo de su piso. El inmenso lienzo, por su espacio y su horror vacante, parece, de hecho, evocar el Oeste americano, si tenemos en cuenta una frase de Pollock de 1944. La amistad entre Still y Pollock duró hasta 1955, aunque el carácter irascible de Still alcanzó un pico particularmente agudo en la década de 1950.
Ambos tenían la idea de que la pintura es sobre todo la obra de un «hombre». Refiriéndose con evidente placer a la última exposición de Pollock en la Galería Sidney Janis en 1955, envió una nota a Pollock que contenía la frase «Es que aquí un hombre había estado trabajando, en el trabajo más profundo que un hombre puede hacer, enfrentándose a lo que es y aspira». Y a la inversa, Pollock dice en 1955 «Todavía hace que el resto de nosotros parezca académico». En otro lugar, Pollock dice que «ambos (Still y él, en algunas versiones «los tres», con Rothko) cambiaron la naturaleza de la pintura». Según David Anfam, el cuadro de 1953 The Deep (Centro Georges Pompidou) es «inconfundible» como homenaje a Still.
Aunque Still nunca aceptó compartir una sala de exposición con otros, nueve meses antes de la inauguración de su gran retrospectiva en el Metropolitan Museum en 1979, decidió colgar su enorme cuadro PH-929 (1974) junto a Automn Rythmn (1950) de Pollock.
La crítica ha alabado la pura materialidad de su pintura, la presencia monumental y dinámica, el espíritu sublime de sus imágenes abstractas. Su actitud ante sus compañeros y ante la pintura se consideraba provocadora e intransigente, al igual que la de David Smith, amigo de Still y Pollock.
David Anfam, especialista en Expresionismo Abstracto, dijo lo siguiente: «Su obra tiene un impacto visceral, los cuadros me miran fijamente a mí y al espectador. No conozco a muchos otros artistas que induzcan el mismo tipo de carga eléctrica, un verdadero escalofrío. Sin embargo, no es sólo este tipo de drama de alto voltaje lo que me atrapa, lo que también me parece notable es que Still haya logrado combinar esta intensidad con un grado poco común de sutileza y delicadeza. (Su obra produce un choque visceral, los cuadros me miran fijamente a mí y a cualquier espectador. No conozco a muchos otros artistas que induzcan el mismo tipo de descarga eléctrica, una verdadera emoción. Sin embargo, no es sólo este tipo de drama de alto voltaje lo que me atrae, sino que lo que también me parece notable es que Still haya logrado combinar esta intensidad con la sutileza y la delicadeza en un grado raramente alcanzado).
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Fuentes
