Diane Arbus
gigatos | febrero 8, 2022
Resumen
Diane Arbus (14 de marzo de 1923 – 26 de julio de 1971) Las imágenes de Arbus contribuyeron a normalizar los grupos marginados y a destacar la importancia de la representación adecuada de todas las personas. Fotografió a una gran variedad de sujetos, como strippers, artistas de feria, nudistas, personas con enanismo, niños, madres, parejas, personas mayores y familias de clase media. Fotografió a sus sujetos en entornos familiares: sus casas, en la calle, en el lugar de trabajo, en el parque. «Destaca por ampliar las nociones de los temas aceptables y viola los cánones de la distancia adecuada entre el fotógrafo y el sujeto. Al entablar amistad con sus sujetos, y no objetivarlos, fue capaz de captar en su obra una rara intensidad psicológica». En su artículo de 2003 en el New York Times Magazine, «Arbus Reconsidered», Arthur Lubow afirma: «Le fascinaba la gente que creaba visiblemente sus propias identidades -los travestidos, los nudistas, los artistas de espectáculos, los hombres tatuados, los nuevos ricos, los fans de las estrellas de cine- y los que estaban atrapados en un uniforme que ya no les proporcionaba ninguna seguridad ni comodidad». Michael Kimmelman escribe en su reseña de la exposición Diane Arbus Revelations, que su obra «transformó el arte de la fotografía (Arbus está en todas partes, para bien y para mal, en la obra de los artistas actuales que hacen fotografías)».
A lo largo de su vida alcanzó cierto reconocimiento y renombre con la publicación, a partir de 1960, de fotografías en revistas como Esquire, Harper»s Bazaar, Sunday Times Magazine de Londres y Artforum. En 1963, la Fundación Guggenheim concedió a Arbus una beca por su propuesta titulada «American Rites, Manners and Customs». La beca se renovó en 1966. John Szarkowski, director de fotografía del Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York de 1962 a 1991, defendió su trabajo y lo incluyó en su exposición de 1967 New Documents junto con la obra de Lee Friedlander y Garry Winogrand. Sus fotografías también se incluyeron en otras grandes exposiciones colectivas: 86
En 1972, un año después de su suicidio, Arbus se convirtió en la primera fotógrafa en ser incluida en la Bienal de Venecia: 51-52 donde sus fotografías fueron «la sensación abrumadora del Pabellón Americano» y «extremadamente poderosas y muy extrañas».
La primera gran retrospectiva de la obra de Arbus se celebró en 1972 en el MoMA, organizada por Szarkowski. La retrospectiva obtuvo la mayor asistencia de una exposición en la historia del MoMA hasta la fecha. Millones de personas vieron las exposiciones itinerantes de su obra entre 1972 y 1979. El libro que acompañaba a la exposición, Diane Arbus: An Aperture Monograph, editado por Doon Arbus y Marvin Israel y publicado por primera vez en 1972, nunca se ha agotado.
Arbus nació como Diane Nemerov, hija de David Nemerov y Gertrude Russek Nemerov, un matrimonio judío -inmigrantes de la Rusia soviética- que vivía en Nueva York y era propietario de Russeks, unos grandes almacenes de la Quinta Avenida, cofundados por el abuelo de Arbus, Frank Russek. Gracias a la riqueza de su familia, Arbus estuvo aislada de los efectos de la Gran Depresión mientras crecía en la década de 1930. Su padre se convirtió en pintor tras jubilarse de Russeks. Su hermana menor se convirtió en escultora y diseñadora, y su hermano mayor, el poeta Howard Nemerov, enseñó inglés en la Universidad de Washington en San Luis y fue nombrado Poeta Laureado de los Estados Unidos. El hijo de Howard es el historiador de arte americanista Alexander Nemerov.
Los padres de Arbus no se implicaron mucho en la crianza de sus hijos, que fueron supervisados por criadas e institutrices. Su madre tenía una ajetreada vida social y pasó por un periodo de depresión clínica durante aproximadamente un año, luego se recuperó, y su padre estaba ocupado con el trabajo. Diane se separó de su familia y de su fastuosa infancia.
Arbus asistió a la Ethical Culture Fieldston School, una escuela preparatoria. En 1941, a la edad de 18 años, se casó con su amor de la infancia, Allan Arbus. Su hija Doon, que se convertiría en escritora, nació en 1945; su hija Amy, que se convertiría en fotógrafa, nació en 1954. Arbus y su marido trabajaron juntos en la fotografía comercial de 1946 a 1956, pero Allan siguió apoyando su trabajo incluso después de que ella dejara el negocio y comenzara una relación independiente con la fotografía.
Arbus y su marido se separaron en 1959, aunque mantuvieron una estrecha amistad. La pareja también siguió compartiendo el cuarto oscuro, 144 en el que los asistentes de estudio de Allan procesaban sus negativos y ella imprimía su trabajo. La pareja se divorció en 1969, cuando él se trasladó a California para dedicarse a la actuación. Era popularmente conocido por su papel del Dr. Sidney Freedman en la serie de televisión M*A*S*H. Antes de su traslado a California, Allan montó su cuarto oscuro,: 198 y a partir de entonces mantuvieron una larga correspondencia.: 224
A finales de 1959, Arbus comenzó una relación con el director de arte y pintor Marvin Israel que duraría hasta su muerte. Mientras tanto, seguía casado con Margaret Ponce Israel, una consumada artista de técnicas mixtas. Marvin Israel estimuló la creatividad de Arbus y defendió su trabajo, animándola a crear su primer portafolio. Entre otros fotógrafos y artistas con los que entabló amistad, Arbus era muy amiga del fotógrafo Richard Avedon; éste tenía aproximadamente la misma edad, su familia también había dirigido unos grandes almacenes de la Quinta Avenida y muchas de sus fotografías también se caracterizaban por sus detalladas poses frontales.
Arbus recibió su primera cámara, una Graflex, de manos de Allan poco después de casarse. Poco después, se matriculó en clases con la fotógrafa Berenice Abbott. El interés de los Arbus por la fotografía les llevó, en 1941, a visitar la galería de Alfred Stieglitz y a conocer a los fotógrafos Mathew Brady, Timothy O»Sullivan, Paul Strand, Bill Brandt y Eugène Atget. A principios de la década de 1940, el padre de Diane los contrató para hacer fotografías para los anuncios de los grandes almacenes. Allan fue fotógrafo del Cuerpo de Señales del Ejército de Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial.
En 1946, después de la guerra, los Arbus comenzaron un negocio de fotografía comercial llamado «Diane & Allan Arbus», con Diane como directora de arte y Allan como fotógrafo. Ella ideaba los conceptos para sus sesiones y se encargaba de los modelos. Se sintió insatisfecha con este papel, que incluso su marido consideraba «degradante». Colaboraron con Glamour, Seventeen, Vogue y otras revistas a pesar de que «ambos odiaban el mundo de la moda». A pesar de las más de 200 páginas de sus editoriales de moda en Glamour y las más de 80 páginas en Vogue, la fotografía de moda de los Arbus ha sido descrita como de «calidad media». La famosa exposición fotográfica de Edward Steichen de 1955, The Family of Man, incluía una fotografía de los Arbus de un padre y un hijo leyendo un periódico.
Estudió brevemente con Alexey Brodovich en 1954. Sin embargo, fueron sus estudios con Lisette Model, que comenzaron en 1956, los que animaron a Arbus a centrarse exclusivamente en su propia obra. Ese año Arbus abandonó el negocio de la fotografía comercial y comenzó a numerar sus negativos. (Su último negativo conocido estaba etiquetado como
En 1956 trabajaba con una Nikon de 35 mm, recorriendo las calles de Nueva York y conociendo a sus sujetos en gran medida, aunque no siempre, por casualidad. La idea de la identidad personal como algo construido socialmente es algo a lo que Arbus volvía, ya fueran artistas, mujeres y hombres maquillados, o una máscara literal que obstruía el rostro. Los críticos han especulado con que las elecciones de sus temas reflejaban sus propios problemas de identidad, ya que decía que lo único que padecía de niña era no haber sentido nunca la adversidad. Esto evolucionó hacia un anhelo de cosas que el dinero no podía comprar, como las experiencias en el mundo social clandestino. A menudo se la alaba por su simpatía hacia estos temas, una cualidad que no se entiende inmediatamente a través de las propias imágenes, sino a través de su escritura y de los testimonios de los hombres y mujeres que retrató. Unos años más tarde, en 1958, comenzó a hacer listas de quién y qué le interesaba fotografiar. En 1959 comenzó a fotografiar por encargo para revistas como Esquire, Harper»s Bazaar y The Sunday Times Magazine.
Hacia 1962, Arbus cambió su cámara Nikon de 35 mm, que producía las imágenes rectangulares granuladas características de su trabajo posterior al estudio: 55 a una cámara Rolleiflex de doble lente que producía imágenes cuadradas más detalladas. Explicó esta transición diciendo: «Al principio de fotografiar solía hacer cosas muy granuladas. Me fascinaba lo que hacía el grano porque creaba una especie de tapiz con todos esos puntitos… Pero cuando llevaba un tiempo trabajando con todos esos puntos, de repente quise atravesarlos terriblemente. Quería ver las verdaderas diferencias entre las cosas… Empecé a estar terriblemente obsesionada con la claridad»: 8-9 En 1964, Arbus comenzó a utilizar un 2-1
Se dice que el estilo de Arbus es «directo y sin adornos, un retrato frontal centrado en un formato cuadrado. Su uso pionero del flash a la luz del día aislaba a los sujetos del fondo, lo que contribuía a la calidad surrealista de las fotos». Sus métodos incluían el establecimiento de una fuerte relación personal con sus sujetos y volver a fotografiar a algunos de ellos durante muchos años.
A pesar de haber sido ampliamente publicada y de haber logrado cierto reconocimiento artístico, Arbus luchó por mantenerse con su trabajo. «Durante su vida, no había mercado para coleccionar fotografías como obras de arte, y sus impresiones solían venderse por 100 dólares o menos». De su correspondencia se desprende que la falta de dinero era una preocupación constante.
En 1963, Arbus recibió una beca Guggenheim para un proyecto sobre «ritos, modales y costumbres estadounidenses»; la beca fue renovada en 1966.
A lo largo de la década de 1960, Arbus se mantuvo en gran medida aceptando encargos de revistas y comisiones. Por ejemplo, en 1968 realizó fotografías documentales de aparceros pobres de la zona rural de Carolina del Sur (para la revista Esquire). En 1969, un rico y destacado actor y propietario de un teatro, Konrad Matthaei, y su esposa, Gay, encargaron a Arbus que fotografiara una reunión familiar de Navidad. Durante su carrera, Arbus fotografió a Mae West, Ozzie Nelson y Harriet Nelson, Bennet Cerf, la atea Madalyn Murray O»Hair, Norman Mailer, Jayne Mansfield, Eugene McCarthy, el multimillonario H. L. Hunt, el bebé de Gloria Vanderbilt, Anderson Cooper, Coretta Scott King y Marguerite Oswald (la madre de Lee Harvey Oswald). En general, sus encargos para revistas disminuyeron a medida que aumentaba su fama como artista. Szarkowski contrató a Arbus en 1970 para investigar una exposición sobre fotoperiodismo llamada «From the Picture Press»; incluía muchas fotografías de Weegee, cuyo trabajo Arbus admiraba. También enseñó fotografía en la Parsons School of Design y la Cooper Union de Nueva York, y en la Rhode Island School of Design de Providence, Rhode Island.
Al final de su carrera, el Museo Metropolitano de Arte le indicó que compraría tres de sus fotografías por 75 dólares cada una, pero alegando falta de fondos, sólo compró dos. Como escribió a Allan Arbus: «Así que supongo que ser pobre no es una desgracia»: 63
A partir de 1969, Arbus emprendió una serie de fotografías de personas en residencias de Nueva Jersey para discapacitados intelectuales y de desarrollo, denominada póstumamente Sin título. Arbus volvió a varias instalaciones en repetidas ocasiones para asistir a fiestas de Halloween, picnics y bailes. En una carta a Allan Arbus fechada el 28 de noviembre de 1969, describió estas fotografías como «líricas, tiernas y bonitas»: 203
Artforum publicó seis fotografías, incluida una imagen de portada, del portafolio de Arbus, A box of ten photographs, en mayo de 1971. Tras su encuentro con Arbus y el portafolio, Philip Leider, entonces redactor jefe de Artforum y escéptico de la fotografía, admitió: «Con Diane Arbus, uno podía encontrarse interesado en la fotografía o no, pero ya no podía negar su condición de arte». Fue la primera fotógrafa en aparecer en Artforum y «la admisión de Arbus por parte de Leider en este bastión crítico del modernismo tardío fue decisiva para cambiar la percepción de la fotografía e introducir su aceptación en el ámbito del arte »serio»»: 51
La primera gran exposición de sus fotografías tuvo lugar en el Museo de Arte Moderno en la influyente New Documents (1967), junto a la obra de Garry Winogrand y Lee Friedlander, comisariada por John Szarkowski. New Documents, que atrajo a casi 250.000 visitantes, demostró el interés de Arbus por lo que Szarkowski denominó «fragilidades de la sociedad» y presentó lo que describió como «una nueva generación de fotógrafos documentalistas… cuyo objetivo no ha sido reformar la vida, sino conocerla», descrita en otro lugar como «una fotografía que enfatizaba el patetismo y los conflictos de la vida moderna presentados sin editorializar ni sentimentalizar, sino con una mirada crítica y observadora». La muestra fue polarizada, recibiendo tanto elogios como críticas, con algunos identificando a Arbus como una voyeur desinteresada y otros elogiándola por su evidente empatía con sus sujetos.
En 2018, The New York Times publicó un obituario tardío de Arbus como parte del proyecto Overlooked history. El Smithsonian American Art Museum albergó una exposición exclusiva desde el 6 de abril de 2018 hasta el 27 de enero de 2019 en la que se mostraba uno de los portafolios de Arbus, A box of ten photographs. El SAAM es el único museo que exhibe actualmente la obra. La colección es «una de las cuatro ediciones completas que Arbus imprimió y anotó. Las otras tres ediciones -la artista nunca ejecutó su plan de hacer 50- se conservan en privado». La edición del Smithsonian se hizo para Bea Feitler, una directora de arte que empleó y se hizo amiga de Arbus. Tras la muerte de Feitler, el coleccionista de Baltimore G.H. Dalsheimer compró su carpeta en Sotheby»s en 1982 por 42.900 dólares. El SAAM se lo compró a Dalsheimer en 1986. El portafolio se guardó en la colección del museo, hasta 2018.
Arbus experimentó «episodios depresivos» durante su vida, similares a los sufridos por su madre; los episodios pueden haber empeorado por los síntomas de la hepatitis. En 1968, Arbus escribió una carta a una amiga personal, Carlotta Marshall, que dice: «Subo y bajo mucho. Quizá siempre he sido así. En parte, lo que ocurre es que me lleno de energía y alegría y empiezo muchas cosas o pienso en lo que quiero hacer y me quedo sin aliento por la emoción y luego, de repente, ya sea por el cansancio o por una decepción o por algo más misterioso, la energía se desvanece, dejándome acosada, inundada, angustiada, asustada por las mismas cosas que creía que estaba tan ansiosa. Estoy segura de que esto es bastante clásico». Su ex marido señaló en una ocasión que tenía «violentos cambios de humor». El 26 de julio de 1971, mientras vivía en la Westbeth Artists Community de Nueva York, Arbus se suicidó ingiriendo barbitúricos y cortándose las muñecas con una navaja. Escribió las palabras «Última cena» en su diario y colocó su agenda en las escaleras que llevan al baño. Marvin Israel encontró su cuerpo en la bañera dos días después; tenía 48 años. El fotógrafo Joel Meyerowitz dijo al periodista Arthur Lubow: «Si hacía el tipo de trabajo que hacía y la fotografía no era suficiente para mantenerla con vida, ¿qué esperanza teníamos?»
«La obra ha tenido tal influencia en otros fotógrafos que ya es difícil recordar su originalidad», escribió el crítico de arte Robert Hughes en un número de noviembre de 1972 de la revista Time. Se la ha calificado como «una figura seminal de la fotografía moderna y una influencia para tres generaciones de fotógrafos» y está ampliamente considerada como una de las artistas más influyentes del siglo pasado.
Cuando la película El resplandor, dirigida por Stanley Kubrick, se estrenó en los cines de todo el mundo en 1980 y obtuvo un enorme éxito, millones de espectadores experimentaron el legado de Diane Arbus sin darse cuenta. Los personajes recurrentes de la película, niñas gemelas idénticas que llevan vestidos idénticos, aparecen en la pantalla como resultado de una sugerencia que Kubrick recibió del miembro del equipo Leon Vitali. El historiador cinematográfico Nick Chen lo describe como «la mano derecha de Kubrick desde mediados de los años 70». Chen continúa revelando que «Vitali no sólo grabó en vídeo y entrevistó a 5.000 niños para encontrar al hijo de Jack Nicholson, Danny, sino que también fue el responsable de descubrir a las espeluznantes hermanas gemelas en el último día de audiciones». La pareja, de hecho, no eran gemelas en el guión de Kubrick, y fue Vitali quien inmediatamente sugirió la infame foto de Diane Arbus de dos hermanas gemelas idénticas como punto de referencia.»
Como Arbus murió sin testamento, la responsabilidad de supervisar su obra recayó en su hija, Doon. Prohibió el examen de la correspondencia de Arbus y a menudo denegó el permiso de exhibición o reproducción de las fotografías de Arbus sin un examen previo, para ira de muchos críticos y académicos. Los editores de una revista académica publicaron en 1993 una queja de dos páginas sobre el control que ejercía el patrimonio sobre las imágenes de Arbus y su intento de censurar las caracterizaciones de los sujetos y los motivos de la fotógrafa en los artículos sobre Arbus. Un artículo de 2005 calificaba de intento de «control de la crítica y el debate» el hecho de que el patrimonio permitiera a la prensa británica reproducir sólo quince fotografías. Por otro lado, es una práctica institucional habitual en Estados Unidos incluir sólo un puñado de imágenes para uso de los medios de comunicación en el dossier de prensa de una exposición. El patrimonio también fue criticado en 2008 por minimizar los primeros trabajos comerciales de Arbus, aunque esas fotografías fueron tomadas por Allan Arbus y acreditadas al Diane and Allan Arbus Studio. En 2011, una reseña en The Guardian de An Emergency in Slow Motion: The Inner Life of Diane Arbus, de William Todd Schultz, hace referencia a «…la famosa y controladora herencia de Arbus que, como dijo Schultz recientemente, »parece tener esta idea, con la que no estoy de acuerdo, de que cualquier intento de interpretar el arte disminuye el arte»».
La obra de Diane Arbus ha sido objeto de más de veinticinco grandes exposiciones individuales, ocho publicaciones autorizadas e innumerables artículos críticos.
En 1972, Arbus fue la primera fotógrafa en ser incluida en la Bienal de Venecia; sus fotografías fueron descritas como «la sensación abrumadora del Pabellón Americano» y «un logro extraordinario».
El Museo de Arte Moderno organizó a finales de 1972 una retrospectiva de la obra de Arbus, comisariada por John Szarkowski, que posteriormente viajó por Estados Unidos y Canadá hasta 1975; se calcula que más de siete millones de personas vieron la exposición. Otra retrospectiva comisariada por Marvin Israel y Doon Arbus recorrió el mundo entre 1973 y 1979.
Doon Arbus y Marvin Israel editaron y diseñaron un libro en 1972, Diane Arbus: an Aperture Monograph, publicado por Aperture y que acompañaba a la exposición del Museo de Arte Moderno. Contiene ochenta fotografías de Arbus, así como textos de las clases que impartió en 1971, algunos de sus escritos y entrevistas,
En 2001-2004 Diane Arbus: an Aperture Monograph fue seleccionado como uno de los fotolibros más importantes de la historia.
Neil Selkirk, un antiguo alumno, comenzó a imprimir para la retrospectiva del MOMA de 1972 y Aperture Monograph.: 214, 269 Sigue siendo la única persona autorizada a realizar impresiones póstumas de la obra de Arbus.
Una película documental de media hora sobre la vida y la obra de Arbus conocida como Masters of Photography: Diane Arbus o Going Where I»ve Never Been: The Photography of Diane Arbus se produjo en 1972 y se editó en vídeo en 1989.
Patricia Bosworth escribió una biografía no autorizada de Arbus publicada en 1984. Al parecer, Bosworth «no recibió ninguna ayuda de las hijas de Arbus, ni de su padre, ni de dos de sus amigos más cercanos y clarividentes, Avedon y … Marvin Israel». El libro también fue criticado por no tener suficientemente en cuenta las propias palabras de Arbus, por especular sobre la información que faltaba y por centrarse en «el sexo, la depresión y los famosos», en lugar del arte de Arbus.
Entre 2003 y 2006, Arbus y su obra fueron objeto de otra gran exposición itinerante, Diane Arbus Revelations, organizada por el Museo de Arte Moderno de San Francisco. Acompañada de un libro del mismo nombre, la exposición incluía objetos como correspondencia, libros y cámaras, así como 180 fotografías de Arbus. Al «hacer públicos extractos sustanciales de las cartas, diarios y cuadernos de Arbus», la exposición y el libro «pretendían reclamar el centro de los hechos básicos relacionados con la vida y la muerte de la artista». Dado que el patrimonio de Arbus aprobó la exposición y el libro, la cronología del libro es «efectivamente la primera biografía autorizada de la fotógrafa».
En 2006 se estrenó la película de ficción Fur: an Imaginary Portrait of Diane Arbus (Piel: un retrato imaginario de Diane Arbus), protagonizada por Nicole Kidman en el papel de Arbus, que se inspiró en la biografía no autorizada de Patricia Bosworth, Diane Arbus: A Biography. La crítica se mostró en general contraria a la representación «de cuento de hadas» de Arbus en la película.
El Museo Metropolitano de Arte compró veinte fotografías de Arbus (valoradas en millones de dólares) y recibió los archivos de Arbus, que incluían cientos de fotografías tempranas y únicas, y negativos y copias de contacto de 7.500 rollos de película, como regalo de su herencia en 2007.
En 2018, The New York Times publicó un obituario tardío de Arbus como parte del proyecto de historia Overlooked.
Algunos de los sujetos de Arbus y sus familiares han comentado su experiencia al ser fotografiados por Diane Arbus:
Las fotografías más conocidas de Arbus son:
Además, la caja de diez fotografías de Arbus era una cartera de fotografías seleccionadas de 1963 a 1970 en una caja de plexiglás transparente
La obra de Arbus se encuentra en las siguientes colecciones permanentes:
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Fuentes
