Django Reinhardt
gigatos | enero 21, 2022
Resumen
Jean Reinhardt (23 de enero de 1910 – 16 de mayo de 1953), conocido por su apodo romaní Django (francés: ), fue un guitarrista y compositor de jazz romaní-francés nacido en Bélgica. Fue uno de los primeros grandes talentos del jazz que surgieron en Europa y ha sido aclamado como uno de sus exponentes más significativos.
Con el violinista Stéphane Grappelli, Reinhardt formó en 1934 el Quintette du Hot Club de France, con sede en París. El grupo fue uno de los primeros en tocar jazz con la guitarra como instrumento principal. Reinhardt grabó en Francia con muchos músicos estadounidenses de visita, como Coleman Hawkins y Benny Carter, y realizó una breve gira por Estados Unidos con la orquesta de Duke Ellington en 1946. Murió repentinamente de un derrame cerebral en 1953, a la edad de 43 años.
Las composiciones más populares de Reinhardt se han convertido en estándares dentro del jazz gitano, como «Minor Swing», «Daphne», «Belleville», «Djangology», «Swing »42″ y «Nuages». El guitarrista de jazz Frank Vignola afirma que casi todos los principales guitarristas de música popular del mundo han recibido la influencia de Reinhardt. En las últimas décadas, se han celebrado festivales anuales de Django en toda Europa y Estados Unidos, y se ha escrito una biografía sobre su vida. En febrero de 2017, el Festival Internacional de Cine de Berlín acogió el estreno mundial de la película francesa Django.
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Primeros años de vida
Reinhardt nació el 23 de enero de 1910 en Liberchies, Pont-à-Celles, Bélgica, de ascendencia romaní manouche. Su padre, Jean Eugene Weiss, se domiciliaba en París con su esposa, y se hacía llamar Jean-Baptiste Reinhardt, el apellido de su mujer, para evitar el servicio militar francés. Su madre, Laurence Reinhardt, era bailarina. La partida de nacimiento hace referencia a «Jean Reinhart, hijo de Jean Baptiste Reinhart, artista, y Laurence Reinhart, ama de casa, domiciliada en París».
Varios autores han repetido la afirmación de que el apodo de Reinhardt, Django, es romaní por «despierto»;: 4-5 sin embargo, también puede ser simplemente un diminutivo, o una versión local en valón, de «Jean». Reinhardt pasó la mayor parte de su juventud en campamentos romaníes cerca de París, donde empezó a tocar el violín, el banjo y la guitarra. Se convirtió en un experto en robar pollos: 14 Se dice que su padre tocaba la música en una banda familiar formada por él mismo y siete hermanos; una fotografía que se conserva muestra a esta banda con su padre al piano.
Reinhardt se sintió atraído por la música a una edad temprana, primero tocando el violín. A los 12 años le regalaron un banjo-guitarra. Aprendió rápidamente a tocar, imitando las digitaciones de los músicos que observaba, entre los que se encontraban virtuosos locales de la época como Jean «Poulette» Castro y Auguste «Gusti» Malha, así como de su tío Guiligou, que tocaba el violín, el banjo y la guitarra: 28 Reinhardt pudo ganarse la vida tocando música a los 15 años, haciendo de músico callejero en los cafés, a menudo con su hermano Joseph. En esa época, no había empezado a tocar jazz, aunque probablemente había escuchado y se había sentido intrigado por la versión del jazz que tocaban grupos de expatriados estadounidenses como el de Billy Arnold.
Recibió poca educación formal y no adquirió los rudimentos de la alfabetización hasta la edad adulta: 13
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Matrimonio y lesiones
A los 17 años, Reinhardt se casó con Florine «Bella» Mayer, una chica del mismo asentamiento romaní, según la costumbre romaní (aunque no es un matrimonio oficial según la ley francesa): 9 Al año siguiente grabó por primera vez: 9 En estas grabaciones, realizadas en 1928, Reinhardt toca el «banjo» (en realidad el banjo-guitarra) acompañando a los acordeonistas Maurice Alexander, Jean Vaissade y Victor Marceau, y al cantante Maurice Chaumel. Su nombre atrae ahora la atención internacional, como la del director de orquesta británico Jack Hylton, que vino a Francia sólo para oírle tocar: 10 Hylton le ofreció un trabajo en el acto, y Reinhardt aceptó: 10
Sin embargo, antes de tener la oportunidad de empezar con la banda, Reinhardt estuvo a punto de morir. La noche del 2 de noviembre de 1928, Reinhardt se iba a acostar en el vagón que compartía con su mujer en la caravana. Tiró una vela, lo que encendió el celuloide extremadamente inflamable que su mujer utilizaba para hacer flores artificiales. El carro quedó rápidamente envuelto en llamas. La pareja escapó, pero Reinhardt sufrió extensas quemaduras en la mitad de su cuerpo. Durante su hospitalización de 18 meses, los médicos recomendaron la amputación de su pierna derecha, muy dañada. Reinhardt se negó a la operación y finalmente pudo caminar con la ayuda de un bastón: 10
Más crucial para su música, el cuarto dedo (anular) y el quinto (meñique) de la mano izquierda de Reinhardt se quemaron gravemente. Los médicos creían que no volvería a tocar la guitarra. Sin embargo, Reinhardt se dedicó intensamente a reaprender su oficio, utilizando una guitarra nueva que le compró su hermano, Joseph Reinhardt, que también era un consumado guitarrista. Aunque nunca recuperó el uso de esos dos dedos, Reinhardt recuperó su maestría musical centrándose en sus dedos índice y corazón izquierdos, utilizando los dos dedos lesionados sólo para trabajar con acordes: 31-35
Un año después del incendio, en 1929, Bella Mayer dio a luz a su hijo, Henri «Lousson» Reinhardt. Poco después, la pareja se separó. El hijo acabó adoptando el apellido del nuevo marido de su madre. Como Lousson Baumgartner, el hijo se convirtió en un músico consumado que llegaría a grabar con su padre biológico.
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El descubrimiento del jazz
Tras separarse de su mujer y su hijo, Reinhardt viajó por toda Francia, consiguiendo trabajos ocasionales tocando música en pequeños clubes. No tenía objetivos definidos y vivía a duras penas, gastando sus ganancias tan rápido como las obtenía: 11 Le acompañaba en sus viajes su nueva novia, Sophie Ziegler. Apodada «Naguine», ella y Reinhardt eran primos lejanos..: 11
Durante los años posteriores al incendio, Reinhardt estuvo rehabilitando y experimentando con la guitarra que le había regalado su hermano. Después de haber tocado un amplio espectro de música, fue introducido en el jazz americano por un conocido, Émile Savitry, cuya colección de discos incluía a luminarias musicales como Louis Armstrong, Duke Ellington y Joe Venuti y Eddie Lang. (En 1928, Grappelli formó parte de la orquesta del Hotel Ambassador mientras el director de orquesta Paul Whiteman y Joe Venuti actuaban allí. El sonido oscilante del violín de jazz de Venuti y la guitarra virtuosa de Eddie Lang anticipó el sonido más famoso del conjunto posterior de Reinhardt y Grappelli). Escuchar su música desencadenó en Reinhardt la visión y el objetivo de convertirse en un profesional del jazz..: 12
Mientras desarrollaba su interés por el jazz, Reinhardt conoció a Stéphane Grappelli, un joven violinista con intereses musicales similares. Él y Grappelli tocaban juntos con frecuencia, acompañados por un círculo de músicos: 26
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Formación del quinteto
Desde 1934 hasta el estallido de la Segunda Guerra Mundial en 1939, Reinhardt y Grappelli trabajaron juntos como solistas principales de su recién formado quinteto, el Quintette du Hot Club de France, en París. Se convirtió en el grupo de jazz europeo más completo e innovador de la época.
El hermano de Reinhardt, Joseph, y Roger Chaput también tocaban la guitarra, y Louis Vola el bajo: 45-49 El Quintette fue uno de los pocos conjuntos de jazz conocidos compuestos únicamente por instrumentos de cuerda: 64-66
En París, el 14 de marzo de 1933, Reinhardt grabó dos tomas cada una de «Parce-que je vous aime» y «Si, j»aime Suzy», números vocales con muchos rellenos y apoyo de guitarra. Utilizó tres guitarristas junto con un acordeón principal, un violín y un bajo. En agosto de 1934, realizó otras grabaciones con más de una guitarra (Joseph Reinhardt, Roger Chaput y Reinhardt), incluyendo la primera grabación del Quinteto. En ambos años, la gran mayoría de sus grabaciones contaban con una amplia variedad de vientos, a menudo en múltiplos, piano y otros instrumentos, pero la instrumentación de todas las cuerdas es la más adoptada por los emuladores del sonido Hot Club.
Decca Records en Estados Unidos publicó tres discos de canciones del Quintette con Reinhardt a la guitarra, y otro, acreditado a «Stephane Grappelli & His Hot 4 with Django Reinhardt», en 1935.
Reinhardt también tocó y grabó con muchos músicos de jazz estadounidenses, como Adelaide Hall, Coleman Hawkins, Benny Carter y Rex Stewart (que posteriormente se quedó en París). Participó en una jam session y en una actuación radiofónica con Louis Armstrong. Más adelante en su carrera, Reinhardt tocó con Dizzy Gillespie en Francia. También en el barrio se encontraba el salón artístico R-26, en el que Reinhardt y Grappelli actuaban regularmente mientras desarrollaban su estilo musical único.
En 1938, el quinteto de Reinhardt tocó ante miles de personas en un espectáculo de estrellas celebrado en el auditorio Kilburn State de Londres: 92 Mientras tocaba, se fijó en el actor de cine estadounidense Eddie Cantor en la primera fila. Cuando terminó su actuación, Cantor se puso en pie, subió al escenario y besó la mano de Reinhardt, sin preocuparse por el público: 93 Unas semanas después, el quinteto tocó en el London Palladium: 93
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Segunda Guerra Mundial
Cuando estalló la Segunda Guerra Mundial, el quinteto original estaba de gira por el Reino Unido. Reinhardt regresó enseguida a París,: 98-99 dejando a su mujer en el Reino Unido. Grappelli permaneció en el Reino Unido mientras duró la guerra. Reinhardt volvió a formar el quinteto, con Hubert Rostaing al clarinete en sustitución de Grappelli.
Aunque intentó continuar con su música, la guerra con los nazis supuso para Reinhardt un obstáculo potencialmente catastrófico, ya que era un músico de jazz romaní. A partir de 1933, a todos los gitanos alemanes se les prohibió vivir en las ciudades, se les trasladó a campos de asentamiento y se les esterilizó de forma rutinaria. Los hombres romaníes debían llevar un triángulo de identificación gitana marrón cosido en el pecho, 168 similar al triángulo rosa que llevaban los homosexuales, y muy parecido a la estrella de David amarilla que tuvieron que llevar posteriormente los judíos. Durante la guerra, los gitanos fueron asesinados sistemáticamente en los campos de concentración.: 169 En Francia, fueron utilizados como mano de obra esclava en granjas y fábricas.: 169 Se calcula que durante el Holocausto fueron asesinados entre 600.000 y 1,5 millones de romaníes en toda Europa: 154
Hitler y Joseph Goebbels consideraban el jazz como una contracultura no alemana. Sin embargo, Goebbels no llegó a prohibir completamente el jazz, que ahora tenía muchos seguidores en Alemania y en otros lugares: 157 Según el autor Andy Fry, la política oficial hacia el jazz era mucho menos estricta en la Francia ocupada, y la música de jazz se emitía con frecuencia tanto en Radio France, la emisora oficial de la Francia de Vichy, como en Radio Paris, controlada por los alemanes. Había surgido una nueva generación de entusiastas del jazz francés, los zazous, que engrosaban las filas del Hot Club: 157 Además del mayor interés, muchos músicos estadounidenses afincados en París durante los años treinta habían regresado a Estados Unidos al comienzo de la guerra, dejando más trabajo a los músicos franceses. Reinhardt era el músico de jazz más famoso de Europa en aquella época, trabajando de forma constante durante los primeros años de la guerra y ganando mucho dinero, aunque siempre bajo amenaza.
Reinhardt amplió sus horizontes musicales durante este periodo. Utilizando un sistema de amplificación temprano, pudo trabajar en un formato más parecido al de una big band, en grandes conjuntos con secciones de trompa. También experimentó con la composición clásica, escribiendo una misa para los gitanos y una sinfonía. Como no leía música, Reinhardt trabajaba con un asistente para anotar lo que improvisaba. Su pieza modernista «Rhythm Futur» también pretendía ser aceptable para los nazis.
En 1943, Reinhardt se casó en Salbris con su compañera de muchos años, Sophie «Naguine» Ziegler. Tuvieron un hijo, Babik Reinhardt, que se convirtió en un respetado guitarrista.
En 1943 la marea de la guerra se volvió contra los alemanes, con un considerable oscurecimiento de la situación en París. El racionamiento es severo y los miembros del círculo de Django son capturados por los nazis o se unen a la resistencia.
El primer intento de fuga de Reinhardt de la Francia ocupada se saldó con su captura. Afortunadamente para él, un alemán amante del jazz, el oficial de la Luftwaffe Dietrich Schulz-Köhn, le permitió regresar a París. Reinhardt hizo un segundo intento unos días después, pero fue detenido en plena noche por los guardias fronterizos suizos, que le obligaron a volver a París.
Una de sus canciones, «Nuages» de 1940, se convirtió en un himno no oficial en París para significar la esperanza de la liberación.: 93 Durante un concierto en la Salle Pleyel, la popularidad de la canción fue tal que el público le hizo repetirla tres veces seguidas.: 93 El single vendió más de 100.000 copias.: 93
A diferencia de los 600.000 gitanos que se calcula que fueron internados y asesinados en los Porajmos, Reinhardt sobrevivió a la guerra.
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Gira por Estados Unidos
Después de la guerra, Reinhardt se reunió con Grappelli en el Reino Unido. En otoño de 1946, realizó su primera gira por Estados Unidos, debutando en el Cleveland Music Hall como solista invitado especial con Duke Ellington y su orquesta. Tocó con muchos músicos y compositores, como Maury Deutsch. Al final de la gira, Reinhardt tocó dos noches en el Carnegie Hall de Nueva York; recibió una gran ovación y se llevó seis telones en la primera noche.
A pesar de su orgullo por ir de gira con Ellington (una de las dos cartas dirigidas a Grappelli relata su entusiasmo), no estaba totalmente integrado en la banda. Tocó algunas melodías al final del espectáculo, respaldado por Ellington, sin arreglos especiales escritos para él. Después de la gira, Reinhardt consiguió un contrato en el Café Society Uptown, donde tocaba cuatro solos al día, respaldado por la banda residente. Estas actuaciones atrajeron a un gran público..: 138-139 Al no poder llevar su habitual Selmer Modèle Jazz, tocó con una guitarra eléctrica prestada, que en su opinión dificultaba la delicadeza de su estilo.: 138 Le habían prometido trabajos en California, pero no se desarrollaron. Cansado de esperar, Reinhardt regresó a Francia en febrero de 1947: 141
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Después del quinteto
Tras su regreso, Reinhardt se sumergió de nuevo en la vida romaní, encontrando difícil adaptarse al mundo de la posguerra. A veces se presentaba a los conciertos programados sin guitarra ni amplificador, o se iba al parque o a la playa. En algunas ocasiones se negó a salir de la cama. Reinhardt se ganó la reputación de ser muy poco fiable entre su banda, sus fans y sus representantes. Se saltaba los conciertos con entradas agotadas para «ir a la playa» u «oler el rocío»: 145 Durante este periodo siguió asistiendo al salón artístico R-26 de Montmartre, improvisando con su devoto colaborador, Stéphane Grappelli.
En Roma, en 1949, Reinhardt reclutó a tres jazzistas italianos (en el bajo, el piano y la caja) y grabó más de 60 temas en un estudio italiano. Se unió a Grappelli y utilizó su Selmer-Maccaferri acústico. La grabación se publicó por primera vez a finales de los años 50.
De vuelta a París, en junio de 1950, Reinhardt fue invitado a unirse a una comitiva para dar la bienvenida al regreso de Benny Goodman. También asistió a una recepción para Goodman, quien, tras el fin de la guerra, había pedido a Reinhardt que se uniera a él en Estados Unidos. Goodman repitió su invitación y, por cortesía, Reinhardt aceptó. Sin embargo, más tarde Reinhardt se replanteó el papel que podía desempeñar junto a Goodman, que era el «Rey del Swing», y se quedó en Francia: 251
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Últimos años
En 1951, Reinhardt se retiró a Samois-sur-Seine, cerca de Fontainebleau, donde vivió hasta su muerte. Siguió tocando en clubes de jazz de París y comenzó a tocar la guitarra eléctrica (a menudo utilizaba una Selmer equipada con una pastilla eléctrica, a pesar de sus dudas iniciales sobre el instrumento). En sus últimas grabaciones, realizadas con su Nouvelle Quintette en los últimos meses de su vida, comenzó a moverse en una nueva dirección musical, en la que asimiló el vocabulario del bebop y lo fusionó con su propio estilo melódico.
El 16 de mayo de 1953, cuando salía de la estación de Fontainebleau-Avon después de tocar en un club de París, se desplomó en la puerta de su casa a causa de una hemorragia cerebral.: 160 Era un sábado, y un médico tardó un día entero en llegar.: 161 Reinhardt fue declarado muerto al llegar al hospital de Fontainebleau, a la edad de 43 años.
Reinhardt desarrolló su enfoque musical inicial a través de la tutoría de sus familiares y la exposición a otros guitarristas gitanos de la época, y luego tocando el banjo-guitarra junto a los acordeonistas en el mundo de las bal-musettes de París. Tocaba principalmente con una púa para conseguir un volumen y un ataque máximos (especialmente en los años 20 y principios de los 30, cuando la amplificación en los locales era mínima o inexistente), aunque también podía tocar con los dedos en ocasiones, como demuestran algunas introducciones y solos grabados. Tras el accidente que sufrió en 1928, en el que se quemó gravemente la mano izquierda y perdió la mayor parte del uso de todos los dedos, excepto los dos primeros, desarrolló una técnica de mano izquierda completamente nueva y comenzó a actuar con la guitarra acompañando a cantantes populares de la época, antes de descubrir el jazz y presentar su nuevo estilo híbrido de enfoque gitano más jazz al mundo exterior a través del Quintette du Hot Club de France.
A pesar de su discapacidad en la mano izquierda, Reinhardt fue capaz de recuperar (de forma modificada) y luego superar su anterior nivel de competencia en la guitarra (que ya era su instrumento principal), no sólo como voz principal, sino también como intérprete rítmico impulsor y armónicamente interesante; Su virtuosismo, que incorporaba muchas influencias gitanas, también iba acompañado de un magnífico sentido de la invención melódica, así como de una musicalidad general en cuanto a la elección de las notas, el tiempo, la dinámica y la utilización de la máxima gama tonal de un instrumento que muchos críticos consideraban potencialmente limitado en su expresión. Tocando completamente de oído (no sabía leer ni escribir música), recorría libremente toda la gama del diapasón dando pleno vuelo a su imaginación musical y podía tocar con facilidad en cualquier tono. Los guitarristas, sobre todo en Gran Bretaña y Estados Unidos, apenas podían creer lo que escuchaban en los discos que hacía el Quinteto; el guitarrista, entusiasta del jazz gitano y educador Ian Cruickshank escribe:
No fue hasta 1938, y la primera gira del Quinteto por Inglaterra, que los guitarristas pudieron ser testigos de las asombrosas habilidades de Django. Su técnica enormemente innovadora incluía, a gran escala, dispositivos inauditos como melodías tocadas en octavas, acordes de trémolo con notas cambiantes que sonaban como secciones enteras de trompa, una completa gama de armónicos naturales y artificiales, disonancias muy cargadas, recorridos cromáticos ultrarrápidos desde las cuerdas graves abiertas hasta las notas más altas de la primera cuerda, una mano derecha increíblemente flexible y dinámica, arpegios de dos y tres octavas, acordes avanzados y poco convencionales y un uso de la quinta aplanada que precedió al be-bop en una década. Si a todo esto le añadimos el asombroso concepto armónico y melódico de Django, su enorme sonido, su swing palpitante, su sentido del humor y su enorme velocidad de ejecución, no es de extrañar que los guitarristas se quedaran boquiabiertos en su primer encuentro con este auténtico genio.
Debido a que su mano izquierda estaba dañada (sus dedos anular y meñique le ayudaban poco a tocar), Reinhardt tuvo que modificar en gran medida su enfoque acordal y melódico. Para los acordes desarrolló un novedoso sistema basado en gran medida en acordes de 3 notas, cada uno de los cuales podía servir como equivalente a varios acordes convencionales en diferentes inversiones; para las notas agudas podía emplear sus dedos anular y meñique para trastear las cuerdas altas correspondientes, aunque no podía articular estos dedos de forma independiente, mientras que en algunos acordes también empleaba el pulgar de su mano izquierda en la cuerda más grave. Dentro de sus rápidas ejecuciones melódicas incorporaba con frecuencia arpegios, que podían tocarse utilizando 2 notas por cuerda (tocadas con sus 2 dedos «buenos», es decir, el índice y el medio) mientras se desplazaban hacia arriba o hacia abajo en el diapasón, en contraposición al enfoque más convencional de «caja», que consiste en desplazarse a través de las cuerdas dentro de una única posición del diapasón (ubicación). También producía algunos de sus característicos «efectos» moviendo una forma fija (como un acorde disminuido) rápidamente hacia arriba y hacia abajo en el diapasón, dando lugar a lo que un escritor ha llamado «ciclo interválico de motivos melódicos y acordes». Para obtener una visión insuperable de estas técnicas en uso, las personas interesadas no deberían dejar de ver la única grabación sincronizada (sonido y visión) que se conoce de Reinhardt en actuación, tocando en una versión instrumental de la canción «J»Attendrai» para el cortometraje de jazz Le Jazz Hot en 1938-39 (copias disponibles en YouTube y otros lugares).
Por su parte, Hugues Panassié, en su libro de 1942 The Real Jazz, escribió:
En primer lugar, su técnica instrumental es muy superior a la de todos los demás guitarristas de jazz. Esta técnica le permite tocar con una velocidad inconcebible y hace que su instrumento sea completamente versátil. Aunque su virtuosismo es asombroso, no lo es menos su invención creativa. En sus solos, sus ideas melódicas son chispeantes y deslumbrantes, y su abundancia apenas da tiempo al oyente para recuperar el aliento. La capacidad de Django para doblar su guitarra hasta las audacias más fantásticas, combinada con sus inflexiones expresivas y su vibrato, no es menos maravillosa; uno siente una llama extraordinaria que arde en cada nota.
En 1945, Billy Neil y E. Gates afirmaron que
Reinhardt marcó nuevas pautas con una técnica casi increíble y hasta ahora impensada … Sus ideas tienen una frescura y espontaneidad que son a la vez fascinantes y seductoras … Las características de la música de Reinhardt son principalmente emocionales. Su relativa asociación de experiencia, reforzada por un profundo conocimiento racional de su instrumento; las posibilidades y limitaciones de la guitarra; su amor por la música y la expresión de la misma, son un complemento necesario para los medios de expresión de estas emociones.
El entusiasta del estilo Django, John Jorgenson, ha sido citado diciendo:
La forma de tocar la guitarra de Django tiene siempre tanta personalidad, y parece contener tanta alegría y sentimiento que resulta contagiosa. Además, se pone al límite casi todo el tiempo, y se sube a una ola de inspiración que a veces resulta peligrosa. Incluso las pocas veces que no consigue que sus ideas fluyan de forma impecable, sigue siendo tan emocionante que los errores no importan. La aparentemente interminable bolsa de licks, trucos y colores de Django siempre mantiene el interés de la canción, y su nivel de intensidad es raramente alcanzado por cualquier guitarrista. La técnica de Django no sólo era fenomenal, sino que era personal y única para él debido a su discapacidad. Es muy difícil conseguir el mismo tono, articulación y claridad utilizando los 5 dedos de la mano izquierda. Es posible acercarse con sólo dos dedos, pero también es un reto. Probablemente lo que hace que esta música sea siempre desafiante y emocionante de tocar es que Django elevó el listón tan alto, que es como perseguir a un genio para acercarse a su nivel de interpretación.
En su estilo posterior (a partir de 1946), Reinhardt empezó a incorporar más influencias del bebop en sus composiciones e improvisaciones, y también incorporó una pastilla eléctrica Stimer a su guitarra acústica. Con la adición de la amplificación, su forma de tocar se volvió más lineal y «parecida a la trompa», con la mayor facilidad del instrumento amplificado para sostenerlo durante más tiempo y para que se le escuche en los pasajes silenciosos, y en general con menos dependencia de su «bolsa de trucos» gitanos, tal y como la había desarrollado para su estilo de guitarra acústica (también, en algunas de sus últimas grabaciones, con un contexto de grupo de apoyo muy diferente de su sonido «clásico» del Quinteto de antes de la guerra). Estas grabaciones de Reinhardt del «periodo eléctrico» han recibido en general menos reediciones populares y análisis críticos que sus grabaciones de antes de la guerra (estas últimas también se extienden al periodo de 1940 a 1945 cuando Grappelli estaba ausente, que incluía algunas de sus composiciones más famosas como «Nuages»), pero también son un área fascinante de la obra de Reinhardt para estudiar, y han comenzado a ser revividas por músicos como el Trío Rosenberg (con su lanzamiento de 2010 «Djangologists») y Biréli Lagrène. Wayne Jefferies, en su artículo «Django»s Forgotten Era», escribe:
A principios de 1951, armado con su Maccaferri amplificado -que utilizó hasta el final-, reunió una nueva banda de los mejores jóvenes músicos modernos de París; entre ellos, Hubert Fol, un contralto al estilo de Charlie Parker. Aunque Django era veinte años mayor que el resto de la banda, dominaba completamente el estilo moderno. Aunque sus solos se volvieron menos acordes y sus líneas más cristianas, conservó su originalidad. Creo que se le debería valorar mucho más como guitarrista de be-bop. Su técnica infalible, sus improvisaciones atrevidas y «al límite», junto con su sentido armónico muy avanzado, le llevaron a cotas musicales a las que Christian y muchos otros músicos de Bop nunca se acercaron. Los cortes en vivo del Club St. Germain en febrero de 1951 son una revelación. Django está en plena forma; lleno de nuevas ideas que se ejecutan con una fluidez asombrosa, cortando líneas angulares que siempre conservan ese swing feroz.
El primer hijo de Reinhardt, Lousson (alias Henri Baumgartner), tocaba jazz en un estilo principalmente bebop en los años 50 y 60. Siguió el estilo de vida romaní y fue relativamente poco grabado. El segundo hijo de Reinhardt, Babik, se convirtió en guitarrista de un estilo de jazz más contemporáneo y grabó varios discos antes de su muerte en 2001. Tras la muerte de Reinhardt, su hermano menor, Joseph, juró al principio abandonar la música, pero se le convenció para que volviera a actuar y grabar. El hijo de Joseph, Markus Reinhardt, es violinista de estilo romaní.
Una tercera generación de descendientes directos se ha desarrollado como músicos: David Reinhardt, nieto de Reinhardt (por su hijo Babik), dirige su propio trío. Dallas Baumgartner, bisnieto de Lousson, es un guitarrista que viaja con los romaníes y mantiene un perfil público bajo. Un pariente lejano, el violinista Schnuckenack Reinhardt, se dio a conocer en Alemania como intérprete de música gitana y jazz gitano hasta su muerte en 2006, y también contribuyó a mantener vivo el legado de Reinhardt durante el periodo posterior a la muerte de Django.
Reinhardt está considerado como uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos, y el primer músico de jazz europeo importante que hizo una gran contribución con la guitarra de jazz. A lo largo de su carrera escribió casi 100 canciones, según el guitarrista de jazz Frank Vignola.
Utilizando una guitarra Selmer a mediados de los años 30, su estilo adquirió un nuevo volumen y expresividad. A pesar de su discapacidad física, tocaba principalmente con los dedos índice y corazón, e inventó un estilo distintivo de guitarra de jazz.
Durante una década tras la muerte de Reinhardt, el interés por su estilo musical fue mínimo. En los años cincuenta, el bebop sustituyó al swing en el jazz, el rock and roll despegó y los instrumentos eléctricos se impusieron en la música popular. Desde mediados de los sesenta, se ha producido un renacimiento del interés por la música de Reinhardt, un renacimiento que se ha extendido hasta el siglo XXI, con festivales anuales y conciertos periódicos de homenaje. Entre sus devotos se encuentran el guitarrista clásico Julian Bream y el guitarrista de country Chet Atkins, que lo considera uno de los diez mejores guitarristas del siglo XX.
Los guitarristas de jazz de Estados Unidos, como Charlie Byrd y Wes Montgomery, se vieron influidos por su estilo. De hecho, Byrd, que vivió entre 1925 y 1999, dijo que Reinhardt fue su principal influencia. El guitarrista Mike Peters señala que «la palabra »genio» se utiliza demasiado. Pero en el jazz, Louis Armstrong era un genio, Duke Ellington era otro, y Reinhardt también». Grisman añade: «En lo que a mí respecta, nadie desde entonces se ha acercado a Django Reinhardt como improvisador o técnico».
La popularidad del jazz gitano ha generado un número creciente de festivales, como el Festival Django Reinhardt que se celebra cada último fin de semana de junio desde 1983 en Samois-sur-Seine (Francia), los diversos DjangoFests que se celebran por toda Europa y Estados Unidos, y Django in June, un campamento anual para músicos y aficionados al jazz gitano.
La película de Woody Allen Sweet and Lowdown (1999), la historia de un personaje parecido a Django Reinhardt, menciona a Reinhardt e incluye grabaciones reales en la película.
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Homenajes
En febrero de 2017, el Festival Internacional de Cine de Berlín acogió el estreno mundial de Django, una película francesa dirigida por Etienne Comar. La película recoge la huida de Django del París ocupado por los nazis en 1943 y el hecho de que, incluso bajo «el peligro constante, la huida y las atrocidades cometidas contra su familia», siguió componiendo e interpretando. La música de Reinhardt fue regrabada para la película por el grupo de jazz holandés Rosenberg Trio con el guitarrista principal Stochelo Rosenberg.
En 2005 se estrenó el documental ¡Django! La película, de una hora de duración, fue dirigida y escrita por Jamie Kastner, que viajó por todo el mundo para mostrar la influencia de la música de Django en varios países.
En 1984, el Festival de Jazz Kool, celebrado en el Carnegie Hall y el Avery Fisher Hall, se dedicó íntegramente a Reinhardt. Actuaron Grappelli, Benny Carter y Mike Peters con su grupo de siete músicos. El festival fue organizado por George Wein. Reinhardt se celebra anualmente en el pueblo de Liberchies, su lugar de nacimiento.
Numerosos músicos han escrito y grabado homenajes a Reinhardt. El estándar de jazz «Django» (1954) fue compuesto por John Lewis del Modern Jazz Quartet en honor a Reinhardt. La canción de Allman Brothers Band «Jessica» fue escrita por Dickey Betts en homenaje a Reinhardt.
Ramelton, Co. Donegal, Irlanda, acoge cada año un festival en homenaje a Django llamado «Django sur Lennon» o «Django on the Lennon», siendo Lennon el nombre del río local que atraviesa el pueblo.
Coincidiendo con el 110º aniversario en 2020 del nacimiento de Django, se ha publicado una novela gráfica que recoge sus años de juventud bajo el título «Django Main de Feu», del escritor Salva Rubio y el artista Efa a través de la editorial belga Dupuis.
Muchos guitarristas y otros músicos han expresado su admiración por Reinhardt o lo han citado como una gran influencia. Jeff Beck describió a Reinhardt como «el guitarrista más asombroso de la historia» y «bastante sobrehumano».
Jerry García, de Grateful Dead, y Tony Iommi, de Black Sabbath, que perdieron los dedos en accidentes, se inspiraron en el ejemplo de Reinhardt para convertirse en un consumado guitarrista a pesar de sus lesiones. García fue citado en junio de 1985 en la revista Frets:
Su técnica es impresionante. Incluso hoy en día, nadie ha llegado realmente al estado en el que él jugaba. Por muy buenos que sean los guitarristas, no han llegado a donde está él. Hay muchos tipos que tocan rápido y muchos tipos que tocan limpio, y la guitarra ha avanzado mucho en cuanto a velocidad y claridad, pero nadie toca con toda la plenitud de expresión que tiene Django. Quiero decir, la combinación de una velocidad increíble -toda la velocidad que puedas desear- pero también la cosa de que cada nota tenga una personalidad específica. No lo escuchas. Realmente no lo he escuchado en ningún otro sitio que no sea con Django.
Denny Laine y Jimmy McCulloch, miembros del grupo Wings de Paul McCartney, lo han mencionado como una inspiración.
Andrew Latimer, de la banda Camel, ha declarado que fue influenciado por Reinhardt.
Willie Nelson ha sido un fanático de Reinhardt durante toda su vida, y en sus memorias afirma: «Este fue un hombre que cambió mi vida musical al darme una perspectiva totalmente nueva sobre la guitarra y, a un nivel aún más profundo, sobre mi relación con el sonido… Durante mis años de formación, mientras escuchaba los discos de Django, especialmente canciones como »Nuages», que tocaría durante el resto de mi vida, estudié su técnica. Más aún, estudié su delicadeza. Me encanta el sonido humano que le daba a su guitarra acústica».
Stéphane Wrembel ha centrado su música en el estudio de las composiciones de Django Reinhardt. Aunque es famoso por componer partituras para dos películas de Woody Allen, respectivamente «Vicky Barcelona» y «Midnight in Paris», la mayor parte de la música de Wrembel se ha inspirado en Django Reinhardt. De 2016 a 2020, ha publicado cinco volúmenes de la serie «Django Experiment» compuesta por versiones de las composiciones de Reinhardt, así como por creaciones inspiradas en él. En 2019, Wrembel también publicó «Django l»impressionniste», 17 piezas solistas nunca publicadas compuestas por Reinhardt entre 1937 y 1950.
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Lanzamientos en su vida
Reinhardt grabó más de 900 caras en su carrera discográfica, de 1928 a 1953, la mayoría como caras de los entonces prevalecientes discos de 78 RPM, y el resto como acetatos, discos de transcripción, grabaciones privadas y fuera del aire (de emisiones de radio), y parte de la banda sonora de una película. Sólo una sesión (ocho temas) de marzo de 1953 fue grabada específicamente para su publicación en un álbum por Norman Granz en el entonces nuevo formato LP, pero Reinhardt murió antes de que el álbum pudiera publicarse. En sus primeras grabaciones, Reinhardt tocaba el banjo (o, más exactamente, el banjo-guitarra) acompañando a acordeonistas y cantantes en bailes y melodías populares de la época, sin contenido jazzístico, mientras que en las últimas grabaciones antes de su muerte tocaba la guitarra amplificada en el lenguaje del bebop con un grupo de músicos franceses más jóvenes y modernos.
Una lista cronológica completa de su producción grabada a lo largo de su vida está disponible en la fuente citada aquí, y un índice de melodías individuales está disponible en la fuente citada aquí. También se conservan algunos fragmentos de interpretaciones cinematográficas (sin sonido original), así como una interpretación completa con sonido, de la melodía «J»Attendrai», interpretada con el Quinteto en 1938 para el cortometraje Le Jazz Hot.
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Recopilaciones póstumas
Desde su muerte, la música de Reinhardt se ha publicado en numerosas recopilaciones. Intégrale Django Reinhardt, volúmenes 1-20 (40 CD), publicado por la empresa francesa Frémeaux de 2002 a 2005, intentó incluir todos los temas conocidos en los que tocó.
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Composiciones no grabadas
Un pequeño número de valses compuestos por Reinhardt en su juventud nunca fueron grabados por el compositor, pero se conservaron en el repertorio de sus socios y varios se siguen tocando hoy en día. Salieron a la luz gracias a las grabaciones de Matelo Ferret en 1960 (Disques Vogue (F)EPL7829). Las cuatro primeras están disponibles en el CD Tziganskaïa and Other Rare Recordings de Matelo, publicado por Hot Club Records («Chez Jacquet» también fue grabado por Baro Ferret en 1966.
En 2019, el guitarrista de jazz, Stéphane Wrembel, que ha dedicado su música al estudio y la extrapolación de la música de Django Reinhardt, lanzó «Django l»impressionniste», una compilación de 17 piezas solistas nunca grabadas de Django Reinhardt (compuestas de 1937 a 1950) cuya recopilación le llevó a Wrembel varios años. Desde 2016, Wrembel y su cuarteto (Thor Jensen (guitarra), Ari Folman Cohen (bajo), Nick Anderson (batería) completado a veces por un quinto artista que toca el violín o el clarinete
Los nombres «Gagoug» y «Choti» fueron supuestamente conferidos por la viuda de Django, Naguine, a petición de Matelo, que había aprendido las melodías sin nombre. Django también trabajó en la composición de una misa para los gitanos, que no llegó a completarse, aunque existe un extracto de 8 minutos, interpretado por el organista Léo Chauliac en beneficio de Reinhardt, a través de una emisión de radio de 1944; se puede encontrar en la edición en CD «Gipsy Jazz School» y también en el volumen 12 de la recopilación en CD «Intégrale Django Reinhardt».
Fuentes
