Edvard Munch

gigatos | mayo 7, 2022

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Resumen

Edvard Munch (12 de diciembre de 1863 – 23 de enero de 1944) fue un pintor noruego. Su obra más conocida, El grito (1893), se ha convertido en una imagen icónica del mundo del arte.

Su infancia se vio ensombrecida por la enfermedad, el duelo y el temor a heredar una enfermedad mental que le venía de familia. Al estudiar en la Real Escuela de Arte y Diseño de Kristiania (la actual Oslo), Munch comenzó a llevar una vida bohemia bajo la influencia del nihilista Hans Jæger, que le instó a pintar su propio estado emocional y psicológico («pintura del alma»). De ahí surgió su estilo característico.

Los viajes le aportaron nuevas influencias y salidas. En París, aprendió mucho de Paul Gauguin, Vincent van Gogh y Henri de Toulouse-Lautrec, especialmente su uso del color. En Berlín conoció al dramaturgo sueco August Strindberg, a quien pintó, mientras se embarcaba en una importante serie de cuadros que más tarde llamaría El Friso de la Vida, en los que representaba una serie de temas profundos como el amor, la ansiedad, los celos y la traición, impregnados de atmósfera.

El Grito fue concebido en Kristiania. Según Munch, estaba paseando al atardecer, cuando «escuchó el enorme e infinito grito de la naturaleza». El rostro agonizante del cuadro se identifica ampliamente con la angustia de la persona moderna. Entre 1893 y 1910, realizó dos versiones pintadas y dos al pastel, así como varios grabados. Uno de los pasteles llegó a alcanzar el cuarto precio nominal más alto pagado por un cuadro en una subasta.

Mientras su fama y su riqueza crecían, su estado emocional seguía siendo inseguro. Consideró brevemente la posibilidad de casarse, pero no pudo comprometerse. Una crisis mental en 1908 le obligó a abandonar el consumo excesivo de alcohol, y se alegró de su creciente aceptación por parte de los habitantes de Kristiania y de su exposición en los museos de la ciudad. Sus últimos años los pasó trabajando en paz y en la intimidad. Aunque sus obras fueron prohibidas en la Europa ocupada por los nazis, la mayoría de ellas sobrevivieron a la Segunda Guerra Mundial, lo que le aseguró un legado.

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Edvard Munch nació en una granja del pueblo de Ådalsbruk, en Løten (Noruega), hijo de Laura Catherine Bjølstad y de Christian Munch, hijo de un sacerdote. Christian era médico y oficial de sanidad y se casó con Laura, una mujer de la mitad de su edad, en 1861. Edvard tenía una hermana mayor, Johanne Sophie, y tres hermanos menores: Peter Andreas, Laura Catherine e Inger Marie. Laura tenía talento artístico y puede haber animado a Edvard y Sophie. Edvard estaba emparentado con el pintor Jacob Munch y el historiador Peter Andreas Munch.

La familia se trasladó a Christiania (rebautizada como Kristiania en 1877, y actualmente Oslo) en 1864, cuando Christian Munch fue nombrado oficial médico de la fortaleza de Akershus. La madre de Edvard murió de tuberculosis en 1868, al igual que la hermana favorita de Munch, Johanne Sophie, en 1877. Tras la muerte de su madre, los hermanos Munch fueron criados por su padre y por su tía Karen. A menudo enfermo durante gran parte de los inviernos y sin poder ir a la escuela, Edvard dibujaba para mantenerse ocupado. Recibió clases particulares de sus compañeros de escuela y de su tía. Christian Munch también instruía a su hijo en historia y literatura, y entretenía a los niños con vívidas historias de fantasmas y relatos del escritor estadounidense Edgar Allan Poe.

Tal y como lo recordaba Edvard, el comportamiento positivo de Christian hacia sus hijos se veía ensombrecido por su mórbido pietismo. Munch escribió: «Mi padre era temperamentalmente nervioso y obsesivamente religioso hasta el punto de la psiconeurosis. De él heredé las semillas de la locura. Los ángeles del miedo, el dolor y la muerte estuvieron a mi lado desde el día en que nací». Christian reprendía a sus hijos diciéndoles que su madre miraba desde el cielo y se afligía por su mal comportamiento. El opresivo entorno religioso, la mala salud de Edvard y las vívidas historias de fantasmas contribuyeron a inspirar sus macabras visiones y pesadillas; el niño sentía que la muerte avanzaba constantemente hacia él. Una de las hermanas menores de Munch, Laura, fue diagnosticada de enfermedad mental a una edad temprana. De los cinco hermanos, sólo Andreas se casó, pero murió pocos meses después de la boda. Munch escribiría más tarde: «He heredado dos de los enemigos más espantosos de la humanidad: la herencia de la tisis y la locura».

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Estudios e influencias

En 1879, Munch se matriculó en una escuela técnica para estudiar ingeniería, donde destacó en física, química y matemáticas. Aprendió dibujo a escala y en perspectiva, pero las frecuentes enfermedades interrumpieron sus estudios. Al año siguiente, para decepción de su padre, Munch dejó la universidad decidido a convertirse en pintor. Su padre consideraba el arte como un «oficio impío», y sus vecinos reaccionaron con amargura y le enviaron cartas anónimas. En contraste con el rabioso pietismo de su padre, Munch adoptó una postura no dogmática hacia el arte. Escribió su objetivo en su diario: «En mi arte intento explicarme la vida y su significado».

En 1881, Munch se matriculó en la Real Escuela de Arte y Diseño de Kristiania, uno de cuyos fundadores era su pariente lejano Jacob Munch. Sus profesores fueron el escultor Julius Middelthun y el pintor naturalista Christian Krohg. Ese año, Munch demostró su rápida asimilación de su formación sobre la figura en la academia en sus primeros retratos, entre ellos uno de su padre y su primer autorretrato. En 1883, Munch participó en su primera exposición pública y compartió estudio con otros estudiantes. Su retrato de cuerpo entero de Karl Jensen-Hjell, un conocido bohemio de la ciudad, le valió la respuesta despectiva de un crítico: «Es el impresionismo llevado al extremo. Es una parodia de arte». Los cuadros de desnudos de Munch de esta época sólo se conservan en forma de bocetos, excepto Desnudo de pie (1887). Es posible que hayan sido confiscados por su padre.

Desde muy joven, Munch recibió la influencia de impresionistas como Édouard Manet y, más tarde, de artistas del postimpresionismo como Vincent van Gogh y Paul Gauguin. Durante estos primeros años, experimentó con muchos estilos, como el naturalismo y el impresionismo. Algunas de sus primeras obras recuerdan a Manet. Muchos de estos intentos le valieron críticas desfavorables por parte de la prensa y le valieron constantes reprimendas por parte de su padre, quien, no obstante, le proporcionaba pequeñas cantidades para sus gastos. Sin embargo, en un momento dado, el padre de Munch, tal vez influido por la opinión negativa del primo de Munch, Edvard Diriks (un pintor tradicional establecido), destruyó al menos un cuadro (probablemente un desnudo) y se negó a adelantar más dinero para material artístico.

Munch también recibió la ira de su padre por su relación con Hans Jæger, el nihilista local que vivía según el código «la pasión de destruir es también una pasión creativa» y que abogaba por el suicidio como el camino definitivo hacia la libertad. Munch cayó bajo su hechizo malévolo y antisistema. «Mis ideas se desarrollaron bajo la influencia de los bohemios, o más bien de Hans Jæger. Mucha gente ha afirmado erróneamente que mis ideas se formaron bajo la influencia de Strindberg y los alemanes… pero eso es erróneo. Ya se habían formado para entonces». En esa época, al contrario que muchos de los otros bohemios, Munch seguía siendo respetuoso con las mujeres, además de reservado y con buenos modales, pero empezó a ceder a las borracheras y a las peleas de su círculo. La revolución sexual de la época y las mujeres independientes que le rodeaban le inquietaban. Más tarde se volvió cínico en materia sexual, lo que se expresó no sólo en su comportamiento y su arte, sino también en sus escritos, siendo un ejemplo un largo poema llamado La ciudad del amor libre. La relación de Munch con su padre, que seguía dependiendo de su familia para muchas de sus comidas, seguía siendo tensa debido a la preocupación por su vida bohemia.

Tras numerosos experimentos, Munch llegó a la conclusión de que el lenguaje impresionista no permitía una expresión suficiente. Lo encontraba superficial y demasiado parecido a la experimentación científica. Sentía la necesidad de profundizar y explorar situaciones rebosantes de contenido emocional y energía expresiva. Bajo el mandato de Jæger de que Munch «escribiera su vida», es decir, que explorara su propio estado emocional y psicológico, el joven artista inició un periodo de reflexión y autoexamen, registrando sus pensamientos en su «diario del alma». Esta perspectiva más profunda le ayudó a adoptar una nueva visión de su arte. Escribió que su cuadro El niño enfermo (1886), basado en la muerte de su hermana, fue su primera «pintura del alma», su primera ruptura con el impresionismo. El cuadro recibió una respuesta negativa de la crítica y de su familia, y provocó otro «violento estallido de indignación moral» de la comunidad.

Sólo su amigo Christian Krohg le defendió:

Pinta, o más bien ve, las cosas de una manera diferente a la de otros artistas. Sólo ve lo esencial, y eso, naturalmente, es todo lo que pinta. Por esta razón, los cuadros de Munch no son, por lo general, «completos», como la gente está encantada de descubrir por sí misma. Oh, sí, son completos. Su obra completa. El arte está completo una vez que el artista ha dicho realmente todo lo que tenía en mente, y ésta es precisamente la ventaja que tiene Munch sobre los pintores de la otra generación, que sabe realmente cómo mostrarnos lo que ha sentido, y lo que le ha atrapado, y a esto subordina todo lo demás.

Munch continuó empleando diversas técnicas de pincelada y paletas de color a lo largo de la década de 1880 y principios de 1890, mientras luchaba por definir su estilo. Su lenguaje siguió oscilando entre el naturalismo, como se ve en Retrato de Hans Jæger, y el impresionismo, como en Rue Lafayette. Su obra Inger en la playa (1889), que provocó otra tormenta de confusión y controversia, deja entrever las formas simplificadas, los fuertes contornos, los fuertes contrastes y el contenido emocional de su estilo maduro. Comenzó a calcular cuidadosamente sus composiciones para crear tensión y emoción. Aunque estaba influenciado estilísticamente por los postimpresionistas, lo que evolucionó fue un tema de contenido simbolista, que representaba un estado de ánimo más que una realidad externa. En 1889, Munch presentó su primera exposición individual con casi todas sus obras hasta la fecha. El reconocimiento que obtuvo le valió una beca estatal de dos años para estudiar en París con el pintor francés Léon Bonnat.

Parece que Munch fue uno de los primeros críticos de la fotografía como forma de arte, y comentó que «nunca competirá con el pincel y la paleta, ¡hasta que se puedan hacer fotografías en el cielo o en el infierno!»

La hermana menor de Munch, Laura, fue el tema de su Melancolía interior de 1899: Laura. Amanda O»Neill dice de la obra: «En esta acalorada escena claustrofóbica, Munch no sólo retrata la tragedia de Laura, sino su propio temor a la locura que podría haber heredado».

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Munch llegó a París durante las festividades de la Exposition Universelle (1889) y se alojó con dos artistas noruegos. Su cuadro Morning (1884) se expuso en el pabellón noruego. Pasaba las mañanas en el ajetreado estudio de Bonnat (que incluía modelos femeninas) y las tardes en la exposición, las galerías y los museos (donde los estudiantes debían hacer copias como forma de aprender la técnica y la observación). Munch dejó constancia de su escaso entusiasmo por las lecciones de dibujo de Bonnat – «Me cansa y me aburre, me adormece»-, pero disfrutaba con los comentarios del maestro durante las visitas a los museos.

Munch quedó cautivado por la amplia muestra de arte moderno europeo, que incluía las obras de tres artistas que resultarían influyentes: Paul Gauguin, Vincent van Gogh y Henri de Toulouse-Lautrec, todos ellos notables por el uso del color para transmitir emociones. Munch se inspiró especialmente en la «reacción contra el realismo» de Gauguin y en su credo de que «el arte era una obra humana y no una imitación de la naturaleza», una creencia que ya había manifestado Whistler. Como uno de sus amigos berlineses dijo más tarde de Munch, «no necesita ir a Tahití para ver y experimentar lo primitivo de la naturaleza humana. Lleva su propio Tahití dentro de él». Influido por Gauguin, así como por los grabados del artista alemán Max Klinger, Munch experimentó con los grabados como medio para crear versiones gráficas de sus obras. En 1896 creó sus primeros grabados en madera, un medio que resultó ideal para la imaginería simbólica de Munch. Junto con su contemporáneo Nikolai Astrup, Munch es considerado un innovador del medio xilográfico en Noruega.

En diciembre de 1889 murió su padre, dejando a la familia de Munch en la indigencia. Volvió a casa y consiguió un gran préstamo de un rico coleccionista noruego cuando sus parientes ricos no pudieron ayudarle, y desde entonces asumió la responsabilidad financiera de su familia. La muerte de Christian le deprimió y le asaltaron pensamientos suicidas: «Vivo con los muertos: mi madre, mi hermana, mi abuelo, mi padre… Mátate y se acabó. ¿Por qué vivir?» Los cuadros de Munch del año siguiente incluían escenas de taberna abocetadas y una serie de brillantes paisajes urbanos en los que experimentaba con el estilo puntillista de Georges Seurat.

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En 1892, Munch formuló su característica y original estética sintetista, como se aprecia en Melancolía (1891), en la que el color es el elemento cargado de símbolos. Considerado por el artista y periodista Christian Krohg como el primer cuadro simbolista de un artista noruego, Melancolía se expuso en 1891 en la Exposición de Otoño de Oslo. En 1892, Adelsteen Normann, en nombre de la Unión de Artistas de Berlín, invitó a Munch a exponer en su exposición de noviembre, la primera exposición individual de la sociedad. Sin embargo, sus cuadros suscitaron una agria polémica (apodada «El asunto Munch»), y tras una semana la exposición se clausuró. Munch se alegró de la «gran conmoción» y escribió en una carta: «Nunca me lo he pasado tan bien; es increíble que algo tan inocente como la pintura haya creado tanto revuelo».

En Berlín, Munch se relacionó con un círculo internacional de escritores, artistas y críticos, entre los que se encontraba el dramaturgo y destacado intelectual sueco August Strindberg, a quien pintó en 1892. También conoció al escritor y pintor danés Holger Drachmann, a quien pintó en 1898. Drachmann era 17 años mayor que Munch y fue compañero de copas en Zum schwarzen Ferkel en 1893-94. En 1894 Drachmann escribió sobre Munch: «Lucha mucho. Buena suerte con tus luchas, noruego solitario».

Durante sus cuatro años en Berlín, Munch esbozó la mayor parte de las ideas que conformarían su obra principal, El Friso de la Vida, primero diseñada para la ilustración de libros, pero más tarde expresada en pinturas. Vendía poco, pero obtenía algunos ingresos por el cobro de entradas para ver sus controvertidos cuadros. Munch ya se mostraba reacio a desprenderse de sus cuadros, a los que llamaba sus «hijos».

Sus otros cuadros, entre los que se incluyen escenas de casinos, muestran una simplificación de las formas y los detalles que marcó su estilo de madurez temprana. Munch también empezó a favorecer un espacio pictórico poco profundo y un fondo mínimo para sus figuras frontales. Como las poses se elegían para producir las imágenes más convincentes de los estados de ánimo y las condiciones psicológicas, como en Cenizas, las figuras imparten una calidad monumental y estática. Las figuras de Munch parecen representar papeles en un escenario teatral (dado que cada personaje encarna una única dimensión psicológica, como en El grito, los hombres y mujeres de Munch empezaron a parecer más simbólicos que realistas. Escribió: «Ya no habría que pintar interiores, gente leyendo y mujeres tejiendo: habría gente viva, respirando y sintiendo, sufriendo y amando».

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El grito

El Grito existe en cuatro versiones: dos pasteles (1893 y 1895) y dos pinturas (1893 y 1910). También hay varias litografías de El grito (1895 y posteriores).

El pastel de 1895 se vendió en una subasta el 2 de mayo de 2012 por 119.922.500 dólares, incluida la comisión. Es la más colorida de las versiones y se distingue por la postura hacia abajo de una de sus figuras de fondo. También es la única versión que no se encuentra en un museo noruego.

La versión de 1893 fue robada de la Galería Nacional de Oslo en 1994 y fue recuperada. El cuadro de 1910 fue robado en 2004 del Museo Munch de Oslo, pero se recuperó en 2006 con daños limitados.

El Grito es la obra más famosa de Munch y uno de los cuadros más reconocibles de todo el arte. Se ha interpretado ampliamente como una representación de la ansiedad universal del hombre moderno. Pintado con amplias bandas de colores chillones y formas muy simplificadas, y empleando un punto de vista elevado, reduce la figura agonizante a una calavera vestida en la agonía de una crisis emocional.

Con este cuadro, Munch cumplió su objetivo declarado de «el estudio del alma, es decir, el estudio de mi propio yo». Munch escribió sobre cómo surgió el cuadro: «Iba caminando por la carretera con dos amigos cuando el sol se puso; de repente, el cielo se volvió rojo como la sangre. Me detuve y me apoyé en la valla, sintiéndome indeciblemente cansado. Lenguas de fuego y sangre se extendían sobre el fiordo negro azulado. Mis amigos siguieron caminando, mientras yo me quedaba atrás, temblando de miedo. Entonces oí el enorme e infinito grito de la naturaleza». Más tarde describió la angustia personal que había detrás del cuadro: «Durante varios años estuve casi loco… ¿Conoces mi cuadro «El grito»? Estaba al límite: la naturaleza gritaba en mi sangre… Después de eso, perdí la esperanza de volver a amar».

En 2003, comparando el cuadro con otras grandes obras, la historiadora del arte Martha Tedeschi qrote:

La madre de Whistler, el gótico americano de Wood, la Mona Lisa de Leonardo da Vinci y El grito de Edvard Munch han conseguido algo que la mayoría de los cuadros -independientemente de su importancia histórica, belleza o valor monetario- no han conseguido: comunicar un significado específico casi inmediatamente a casi todos los espectadores. Estas pocas obras han logrado pasar del ámbito elitista del visitante de un museo al enorme ámbito de la cultura popular.

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Friso de la vida: un poema sobre la vida, el amor y la muerte

En diciembre de 1893, Unter den Linden, en Berlín, acogió una exposición de la obra de Munch en la que se mostraban, entre otras piezas, seis cuadros titulados Estudio para una serie: El amor. Esto dio inicio a un ciclo que más tarde denominó Friso de la vida: un poema sobre la vida, el amor y la muerte. Los motivos del Friso de la Vida, como La tormenta y La luz de la luna, están impregnados de atmósfera. Otros motivos iluminan el lado nocturno del amor, como Rosa y Amelie y Vampiro. En Muerte en la habitación del enfermo, el tema es la muerte de su hermana Sophie, que volvió a plasmar en muchas variaciones futuras. El foco dramático del cuadro, que retrata a toda su familia, se dispersa en las figuras separadas e inconexas del dolor. En 1894, amplía el espectro de motivos añadiendo La angustia, Las cenizas, La Virgen y Mujeres en tres etapas (de la inocencia a la vejez).

A principios del siglo XX, Munch trabajó para terminar el «Friso». Pintó varios cuadros, varios de ellos de mayor formato y en cierta medida con la estética Art Nouveau de la época. Realizó un marco de madera con relieves tallados para el gran cuadro Metabolismo (1898), inicialmente llamado Adán y Eva. Esta obra revela la preocupación de Munch por la «caída del hombre» y su filosofía pesimista del amor. Motivos como La cruz vacía y El Gólgota (ambos c. 1900) reflejan una orientación metafísica, y también la educación pietista de Munch. El Friso completo se mostró por primera vez en la exposición secesionista de Berlín de 1902.

Los temas de «El Friso de la Vida» son recurrentes en toda la obra de Munch, pero se centró especialmente en ellos a mediados de la década de 1890. En sus bocetos, pinturas, pasteles y grabados, ahondó en sus sentimientos para examinar sus principales motivos: las etapas de la vida, la mujer fatal, la desesperanza del amor, la ansiedad, la infidelidad, los celos, la humillación sexual y la separación en la vida y la muerte. Estos temas se expresan en cuadros como El niño enfermo (1893-94), Cenizas (1894) y El puente. Este último muestra figuras flácidas con rostros sin rasgos o escondidos, sobre los que se ciernen las formas amenazantes de pesados árboles y casas melancólicas. Munch retrató a las mujeres, bien como frágiles e inocentes sufridoras (véase Pubertad y Amor y dolor), bien como causa de grandes anhelos, celos y desesperación (véase Separación, celos y cenizas).

Munch suele utilizar sombras y anillos de color alrededor de sus figuras para enfatizar un aura de miedo, amenaza, ansiedad o intensidad sexual. Estas pinturas se han interpretado como reflejo de las ansiedades sexuales del artista, aunque también podría argumentarse que representan su turbulenta relación con el amor mismo y su pesimismo general respecto a la existencia humana. Muchos de estos bocetos y pinturas se realizaron en varias versiones, como Madonna, Manos y Pubertad, y también se transcribieron como grabados en madera y litografías. Munch odiaba desprenderse de sus cuadros porque consideraba su obra como un cuerpo único de expresión. Así que, para rentabilizar su producción y obtener algunos ingresos, recurrió a las artes gráficas para reproducir muchos de sus cuadros, incluidos los de esta serie. Munch admitía los objetivos personales de su obra, pero también ofrecía su arte a un propósito más amplio: «Mi arte es realmente una confesión voluntaria y un intento de explicarme a mí mismo mi relación con la vida; es, por tanto, en realidad una especie de egoísmo, pero espero constantemente que a través de él pueda ayudar a otros a alcanzar la claridad».

Aunque atrajo reacciones fuertemente negativas, en la década de 1890 Munch comenzó a recibir cierta comprensión de sus objetivos artísticos, como escribió un crítico: «Con un desprecio despiadado por la forma, la claridad, la elegancia, la plenitud y el realismo, pinta con una fuerza intuitiva de talento las visiones más sutiles del alma». Uno de sus grandes apoyos en Berlín fue Walther Rathenau, más tarde ministro de Asuntos Exteriores alemán, que contribuyó en gran medida a su éxito.

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París, Berlín y Kristiania

En 1896, Munch se trasladó a París, donde se centró en las representaciones gráficas de sus temas del Friso de la Vida. Desarrolló aún más su técnica xilográfica y litográfica. El Autorretrato con brazo de esqueleto (1895) de Munch está realizado con un método de aguja y tinta al aguafuerte que también utilizó Paul Klee. Munch también realizó versiones multicolores de El niño enfermo, sobre la tuberculosis, que se vendieron bien, así como varios desnudos y múltiples versiones de El beso (1892). En mayo de 1896, Siegfried Bing organizó una exposición de la obra de Munch en la Maison de l»Art Nouveau de Bing. La exposición mostraba sesenta obras, entre ellas El beso, El grito, Madonna, El niño enfermo, La cámara de la muerte y El día después. La exposición de Bing contribuyó a presentar a Munch al público francés. Sin embargo, muchos de los críticos parisinos seguían considerando la obra de Munch «violenta y brutal», aunque sus exposiciones recibían una gran atención y una buena asistencia. Su situación financiera mejoró considerablemente y, en 1897, Munch se compró una casa de verano frente a los fiordos de Kristiania, una pequeña cabaña de pescadores construida a finales del siglo XVIII, en la pequeña ciudad de Åsgårdstrand, en Noruega. Llamó a este hogar la «Casa Feliz» y regresó aquí casi todos los veranos durante los siguientes 20 años. Era este lugar el que echaba de menos cuando estaba en el extranjero y cuando se sentía deprimido y agotado. «Pasear por Åsgårdstrand es como caminar entre mis cuadros: me inspira mucho pintar cuando estoy aquí».

En 1897 Munch regresó a Kristiania, donde también recibió una aceptación a regañadientes: un crítico escribió: «Un buen número de estos cuadros ya han sido expuestos antes. En mi opinión, mejoran al conocerse». En 1899, Munch comenzó una relación íntima con Tulla Larsen, una mujer de clase alta «liberada». Viajaron juntos a Italia y, a su regreso, Munch inició otro período fértil en su arte, que incluía paisajes y su último cuadro de la serie «El friso de la vida», La danza de la vida (1899). Larsen estaba ansioso por casarse, y Munch se negó. Su forma de beber y su mala salud reforzaron sus temores, como escribió en tercera persona: «Desde que era un niño había odiado el matrimonio. Su hogar enfermo y nervioso le había hecho sentir que no tenía derecho a casarse». Munch estuvo a punto de ceder ante Tulla, pero huyó de ella en 1900, alejándose también de su considerable fortuna, y se trasladó a Berlín. Sus Chicas en el muelle, creadas en dieciocho versiones diferentes, mostraban el tema de la juventud femenina sin connotaciones negativas. En 1902, expuso sus obras temáticamente en el salón de la Secesión de Berlín, produciendo «un efecto sinfónico: causó un gran revuelo, mucho antagonismo y mucha aprobación». Los críticos berlineses empezaban a apreciar la obra de Munch, aunque el público seguía encontrando su trabajo extraño y ajeno.

La buena cobertura de la prensa hizo que Munch recibiera la atención de los influyentes mecenas Albert Kollman y Max Linde. Describió el giro de los acontecimientos en su diario: «Tras veinte años de lucha y miseria, las fuerzas del bien acuden por fin en mi ayuda en Alemania y se me abre una puerta brillante». Sin embargo, a pesar de este cambio positivo, el comportamiento autodestructivo y errático de Munch lo involucró primero con una violenta disputa con otro artista, y luego con un disparo accidental en presencia de Tulla Larsen, que había regresado para una breve reconciliación, que le hirió dos dedos. Más tarde, Munch cortó por la mitad un autorretrato en el que aparecían él y Larsen como consecuencia del tiroteo y los acontecimientos posteriores. Finalmente le dejó y se casó con un colega más joven de Munch. Munch se tomó esto como una traición, y se quedó con la humillación durante algún tiempo, canalizando parte de la amargura en nuevos cuadros. Sus cuadros Naturaleza muerta (La asesina) y La muerte de Marat I, realizados en 1906-07, hacen clara referencia al incidente del fusilamiento y a las secuelas emocionales.

En 1903-04, Munch expuso en París, donde los fauvistas venideros, famosos por sus atrevidos colores falsos, probablemente vieron sus obras y podrían haber encontrado inspiración en ellas. Cuando los fauvistas organizaron su propia exposición en 1906, Munch fue invitado y expuso sus obras con las de ellos. Tras estudiar la escultura de Rodin, es posible que Munch experimentara con la plastilina como ayuda al diseño, pero produjo poca escultura. Durante esta época, Munch recibió muchos encargos de retratos y grabados que mejoraron su habitualmente precaria situación financiera. En 1906 pintó el biombo de una obra de Ibsen en el pequeño teatro Kammerspiele, situado en el Deutsches Theater de Berlín, en el que se colgó el Friso de la vida. El director del teatro, Max Reinhardt, lo vendió posteriormente; ahora se encuentra en la Nationalgalerie de Berlín. Tras un periodo anterior de paisajes, en 1907 volvió a centrar su atención en las figuras y situaciones humanas.

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Alternatives:Avería y recuperaciónAverías y recuperación

En el otoño de 1908, la ansiedad de Munch, agravada por el exceso de alcohol y las peleas, se había agudizado. Como escribiría más tarde, «mi estado rozaba la locura, estaba en peligro». Sometido a alucinaciones y sentimientos de persecución, ingresó en la clínica de Daniel Jacobson. La terapia que recibió Munch durante los ocho meses siguientes incluyó dieta y «electrificación» (un tratamiento entonces de moda para las afecciones nerviosas, que no debe confundirse con la terapia electroconvulsiva). La estancia de Munch en el hospital estabilizó su personalidad y, tras regresar a Noruega en 1909, su obra se volvió más colorida y menos pesimista. El público de Kristiania, que se sentía más animado, finalmente se interesó por su obra, y los museos empezaron a comprar sus cuadros. Fue nombrado Caballero de la Real Orden de San Olav «por sus servicios en el arte». Su primera exposición en Estados Unidos tuvo lugar en 1912 en Nueva York.

Como parte de su recuperación, el Dr. Jacobson aconsejó a Munch que sólo se relacionara con buenos amigos y evitara beber en público. Munch siguió este consejo y, en el proceso, realizó varios retratos de cuerpo entero de gran calidad de amigos y mecenas, retratos honestos desprovistos de adulación. También creó paisajes y escenas de gente trabajando y jugando, utilizando un nuevo estilo optimista -pinceladas amplias y sueltas de colores vibrantes con un uso frecuente del espacio blanco y un uso poco frecuente del negro-, con sólo referencias ocasionales a sus temas morbosos. Con más ingresos, Munch pudo comprar varias propiedades que le ofrecieron nuevas perspectivas para su arte y finalmente pudo mantener a su familia.

El estallido de la Primera Guerra Mundial encontró a Munch con lealtades divididas, como él mismo declaró: «Todos mis amigos son alemanes, pero es a Francia a quien amo». En la década de 1930, sus mecenas alemanes, muchos de ellos judíos, perdieron su fortuna y algunos su vida durante el ascenso del movimiento nazi. Munch encontró impresores noruegos para sustituir a los alemanes que imprimían su obra gráfica. Dada su mala salud, en 1918 Munch se sintió afortunado de haber sobrevivido a un ataque de gripe española, la pandemia mundial de ese año.

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Alternatives:Años posterioresLos años posterioresLos últimos años

Munch pasó la mayor parte de sus dos últimas décadas en soledad en su finca casi autosuficiente de Ekely, en Skøyen, Oslo. Muchos de sus últimos cuadros celebran la vida en la granja, incluidos varios en los que utilizó su caballo de trabajo «Rousseau» como modelo. Sin ningún esfuerzo, Munch atrajo un flujo constante de modelos femeninas, a las que pintó como sujetos de numerosos cuadros de desnudos. Probablemente mantuvo relaciones sexuales con algunas de ellas. Ocasionalmente, Munch salía de su casa para pintar murales por encargo, incluidos los realizados para la fábrica de chocolate Freia.

Hasta el final de su vida, Munch continuó pintando autorretratos despiadados, que se sumaron a su ciclo de autocrítica de su vida y a su serie de tomas ininterrumpidas de sus estados emocionales y físicos. En las décadas de 1930 y 1940, los nazis calificaron la obra de Munch de «arte degenerado» (junto con la de Picasso, Klee, Matisse, Gauguin y muchos otros artistas modernos) y retiraron sus 82 obras de los museos alemanes. Adolf Hitler anunció en 1937: «Por lo que a nosotros respecta, esos bárbaros de la cultura prehistórica de la Edad de Piedra y los tartamudos del arte pueden volver a las cuevas de sus antepasados y allí aplicar sus primitivos arañazos internacionales».

En 1940, los alemanes invadieron Noruega y el partido nazi se hizo con el gobierno. Munch tenía 76 años. Con casi toda su colección de arte en el segundo piso de su casa, Munch vivía con el temor de una confiscación nazi. Setenta y uno de los cuadros que se habían llevado los nazis habían sido devueltos a Noruega mediante la compra por parte de coleccionistas (los otros once nunca se recuperaron), entre ellos El grito y El niño enfermo, y también se ocultaron de los nazis.

Munch murió en su casa de Ekely, cerca de Oslo, el 23 de enero de 1944, aproximadamente un mes después de cumplir 80 años. Su funeral, orquestado por los nazis, sugirió a los noruegos que era un simpatizante nazi, una especie de apropiación del artista independiente. La ciudad de Oslo compró la finca de Ekely a los herederos de Munch en 1946; su casa fue demolida en mayo de 1960.

A la muerte de Munch, sus obras restantes fueron legadas a la ciudad de Oslo, que construyó el Museo Munch en Tøyen (inaugurado en 1963). El museo posee una colección de aproximadamente 1.100 pinturas, 4.500 dibujos y 18.000 grabados, la más amplia del mundo. El Museo Munch actúa como patrimonio oficial de Munch; ha respondido activamente a las infracciones de los derechos de autor, así como a la liquidación de los derechos de autor de la obra, como la aparición de El grito de Munch en una campaña publicitaria de M&M»s en 2006. El representante de los derechos de autor del Museo Munch y del patrimonio de Edvard Munch en Estados Unidos es la Sociedad de Derechos de los Artistas.

El arte de Munch era muy personalizado y apenas hacía pedagogía. Su simbolismo «privado» era mucho más personal que el de otros pintores simbolistas como Gustave Moreau y James Ensor. Sin embargo, Munch tuvo una gran influencia, sobre todo entre los expresionistas alemanes, que seguían su filosofía: «No creo en el arte que no sea el resultado compulsivo del impulso del hombre por abrir su corazón». Muchos de sus cuadros, incluido El grito, tienen un atractivo universal, además de su significado tan personal.

En la actualidad, las obras de Munch están representadas en numerosos e importantes museos y galerías de Noruega y del extranjero. Su cabaña, «la Casa Feliz», fue cedida al municipio de Åsgårdstrand en 1944; sirve como un pequeño Museo Munch. El inventario se ha mantenido exactamente como él lo dejó.

Una versión de El grito fue robada de la National Gallery en 1994. En 2004, otra versión de El grito, junto con una de Madonna, fue robada del Museo Munch en un audaz asalto a plena luz del día. Todos ellos fueron recuperados, pero los cuadros robados en el asalto de 2004 sufrieron grandes daños. Se han restaurado meticulosamente y se han vuelto a exponer. Tres obras de Munch fueron robadas del Hotel Refsnes Gods en 2005; se recuperaron poco después, aunque una de las obras resultó dañada durante el robo.

En octubre de 2006, la xilografía en color Dos personas. El solitario (To mennesker. De ensomme) estableció un nuevo récord para sus grabados cuando se vendió en una subasta en Oslo por 8,1 millones de coronas (1,27 millones de dólares, equivalentes a 1.700.000 dólares en 2021). También estableció el récord del precio más alto pagado en una subasta en Noruega. El 3 de noviembre de 2008, el cuadro Vampiro estableció un nuevo récord para sus pinturas cuando se vendió por 38.162.000 dólares (equivalentes a 48.000.000 dólares en 2021) en Sotheby»s Nueva York.

La imagen de Munch aparece en el billete noruego de 1.000 coronas, junto con imágenes inspiradas en su obra.

En febrero de 2012, se inauguró una gran exposición de Munch, Edvard Munch. El ojo moderno, se inauguró en la Schirn Kunsthalle de Fráncfort; la exposición fue inaugurada por Mette-Marit, princesa heredera de Noruega.

En mayo de 2012, El grito se vendió por 119,9 millones de dólares (equivalentes a 141.500.000 dólares en 2021), y es la segunda obra de arte más cara jamás vendida en una subasta abierta. (Fue superada en noviembre de 2013 por Tres estudios de Lucian Freud, que se vendió por 142,4 millones de dólares).

En 2013, cuatro de los cuadros de Munch fueron representados en una serie de sellos por el servicio postal noruego, para conmemorar en 2014 el 150 aniversario de su nacimiento.

El 14 de noviembre de 2016, una versión de Las chicas en el puente de Munch se vendió por 54,5 millones de dólares (equivalentes a 61.500.000 dólares en 2021) en Sotheby»s, Nueva York, convirtiéndose en el segundo precio más alto alcanzado por una de sus pinturas.

En abril de 2019 el Museo Británico acogió la exposición Edvard Munch: Amor y angustia, que comprende 83 obras de arte e incluye una rara impresión original de El grito.

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Alternatives:Aula UniversitariaAula de la Universidad

En 1911 se celebró el concurso final para la decoración de las grandes paredes del Aula de la Universidad de Oslo entre Munch y Emanuel Vigeland. El episodio se conoce como la «controversia del Aula». En 1914 Munch recibió finalmente el encargo de decorar el Aula y la obra se terminó en 1916. Esta importante obra de la pintura monumental noruega incluye 11 cuadros que ocupan 223 m2. El Sol, la Historia y el Alma Mater son las obras clave de esta secuencia. Munch declaró: «Quería que las decoraciones formaran un mundo de ideas completo e independiente, y quería que su expresión visual fuera a la vez distintivamente noruega y universalmente humana». En 2014 se sugirió que las pinturas del Aula tienen un valor de al menos 500 millones de coronas.

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