Edward Hopper

Delice Bette | julio 3, 2022

Resumen

Edward Hopper (22 de julio de 1882 – 15 de mayo de 1967) fue un pintor y grabador realista estadounidense. Aunque es muy conocido por sus óleos, fue igualmente competente como acuarelista y grabador en aguafuerte. Su carrera se benefició de forma decisiva de su matrimonio con la también artista Josephine Nivison, que contribuyó mucho a su obra, tanto como modelo de vida como de compañera creativa. Hopper era un artista de clave menor, que creaba un dramatismo tenue a partir de temas cotidianos «revestidos de un significado poético», que invitaba a interpretaciones narrativas, a menudo involuntarias. Fue elogiado por la «completa veracidad» de los Estados Unidos que retrató.

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Primeros años de vida

Hopper nació en 1882 en Nyack, Nueva York, un centro de construcción de yates en el río Hudson, al norte de la ciudad de Nueva York. Era uno de los dos hijos de una familia acomodada. Sus padres, de ascendencia principalmente holandesa, eran Elizabeth Griffiths Smith y Garret Henry Hopper, un comerciante de productos secos. Aunque no tuvo tanto éxito como sus antepasados, Garrett mantuvo bien a sus dos hijos con una ayuda considerable de la herencia de su esposa. Se jubiló a los cuarenta y nueve años. Edward y su única hermana Marion asistieron a escuelas privadas y públicas. Se criaron en un estricto hogar bautista. Su padre tenía un carácter apacible, y en el hogar predominaban las mujeres: la madre, la abuela, la hermana y la criada de Hopper.

Su casa natal y de infancia fue incluida en el Registro Nacional de Lugares Históricos en 2000. Ahora funciona como el Centro de Arte Edward Hopper House. Es un centro cultural comunitario sin ánimo de lucro que ofrece exposiciones, talleres, conferencias, actuaciones y eventos especiales.

Hopper fue un buen estudiante en la escuela primaria y demostró su talento para el dibujo a los cinco años. Absorbió con facilidad las tendencias intelectuales de su padre y su amor por las culturas francesa y rusa. También demostró la herencia artística de su madre. Los padres de Hopper alentaron su arte y le mantuvieron ampliamente provisto de materiales, revistas instructivas y libros ilustrados. Hopper comenzó a firmar y fechar sus dibujos a los diez años. Los primeros de estos dibujos incluyen bocetos a carboncillo de formas geométricas, como un jarrón, un cuenco, una taza y cajas. El examen detallado de la luz y la sombra, que continuó durante el resto de su carrera, ya se puede encontrar en estas primeras obras. En su adolescencia, trabajaba con pluma y tinta, carboncillo, acuarela y óleo, dibujando del natural y haciendo caricaturas políticas. En 1895, creó su primer óleo firmado, Rowboat in Rocky Cove, que copió de una reproducción de The Art Interchange, una revista popular para artistas aficionados. Otros primeros óleos de Hopper, como Old ice pond at Nyack y su cuadro Ships, de 1898, han sido identificados como copias de pinturas de artistas como Bruce Crane y Edward Moran.

En sus primeros autorretratos, Hopper tendía a representarse a sí mismo como flaco, poco agraciado y hogareño. Aunque era un adolescente alto y tranquilo, su sentido del humor bromista encontró salida en su arte, a veces en representaciones de inmigrantes o de mujeres que dominaban a los hombres en situaciones cómicas. Más adelante, representó sobre todo a mujeres como figuras de sus cuadros. En el instituto (se graduó en el Nyack High School en 1899), soñaba con ser arquitecto naval, pero tras la graduación declaró su intención de seguir una carrera artística. Los padres de Hopper insistieron en que estudiara arte comercial para tener un medio fiable de ingresos. En el desarrollo de su imagen personal y su filosofía de vida individualista, Hopper se vio influido por los escritos de Ralph Waldo Emerson. Más tarde dijo: «Lo admiro mucho… Lo leo una y otra vez».

Hopper comenzó sus estudios de arte con un curso por correspondencia en 1899. Pronto se trasladó a la New York School of Art and Design, precursora de la Parsons The New School for Design. Allí estudió durante seis años, con profesores como William Merritt Chase, que le instruyó en la pintura al óleo. Desde el principio, Hopper modeló su estilo según Chase y los maestros impresionistas franceses Édouard Manet y Edgar Degas. Hacer bocetos a partir de modelos vivos supuso un reto y un choque para el Hopper de educación conservadora.

Otro de sus profesores, el artista Robert Henri, daba clases de vida. Henri alentaba a sus alumnos a utilizar su arte para «conmover al mundo». También aconsejaba a sus alumnos: «No es el tema lo que cuenta, sino lo que sientes por él» y «Olvídate del arte y pinta cuadros de lo que te interesa en la vida». De este modo, Henri influyó en Hopper, así como en los futuros artistas George Bellows y Rockwell Kent. Les animó a impregnar su obra de un espíritu moderno. Algunos artistas del círculo de Henri, como John Sloan, se convirtieron en miembros de «Los Ocho», también conocidos como la Escuela Ashcan de Arte Americano. El primer óleo que se conserva de Hopper en el que se insinúa su uso de los interiores como tema es Figura solitaria en un teatro (c.1904). Durante sus años de estudiante, también pintó docenas de desnudos, bodegones, paisajes y retratos, incluidos sus autorretratos.

En 1905, Hopper consiguió un trabajo a tiempo parcial en una agencia de publicidad, donde creaba diseños de portada para revistas comerciales. Hopper llegó a detestar la ilustración. Estuvo ligado a ella por necesidad económica hasta mediados de la década de 1920. Escapó temporalmente haciendo tres viajes a Europa, cada uno de ellos centrado en París, aparentemente para estudiar la escena artística de allí. Sin embargo, en realidad, estudiaba solo y parecía no estar afectado por las nuevas corrientes artísticas. Más tarde dijo que «no recordaba haber oído hablar de Picasso en absoluto». Quedó muy impresionado por Rembrandt, en particular por su Vigilia nocturna, de la que dijo que era «lo más maravilloso que he visto de él; ya no se puede creer en su realidad».

Hopper comenzó a pintar escenas urbanas y arquitectónicas con una paleta oscura. Luego pasó a la paleta más clara de los impresionistas antes de volver a la paleta más oscura con la que se sentía cómodo. Hopper dijo más tarde: «Lo superé y las cosas que hice después en París eran más bien el tipo de cosas que hago ahora». Hopper dedicó gran parte de su tiempo a dibujar escenas de calles y cafés, y a ir al teatro y a la ópera. A diferencia de muchos de sus contemporáneos, que imitaban los experimentos cubistas abstractos, Hopper se sentía atraído por el arte realista. Más tarde, no admitió más influencias europeas que el grabador francés Charles Meryon, cuyas escenas parisinas malhumoradas imitaba Hopper.

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Años de lucha

Tras regresar de su último viaje a Europa, Hopper alquiló un estudio en Nueva York, donde se esforzó por definir su propio estilo. A regañadientes, volvió a la ilustración para mantenerse. Al ser autónomo, Hopper se vio obligado a solicitar proyectos, y tuvo que llamar a las puertas de las oficinas de revistas y agencias para encontrar negocio. Su pintura languidecía: «Me resulta difícil decidir qué quiero pintar. A veces paso meses sin encontrarlo. Llega lentamente». Su colega ilustrador Walter Tittle describió el deprimido estado emocional de Hopper en términos más agudos, viendo a su amigo «sufriendo… de largos periodos de inercia inconquistable, sentado durante días ante su caballete con una infelicidad impotente, incapaz de levantar una mano para romper el hechizo».

En 1912 (del 22 de febrero al 5 de marzo) fue incluido en la exposición de Los Independientes, un grupo de artistas por iniciativa de Robert Henri, pero no realizó ninguna venta.

En 1912, Hopper viajó a Gloucester, Massachusetts, en busca de inspiración y realizó sus primeros cuadros al aire libre en América. Pintó Squam Light, el primero de muchos cuadros de faros que vendrían.

En 1913, en el Armory Show, Hopper ganó 250 dólares al vender su primer cuadro, Sailing (1911), al empresario estadounidense Thomas F Vietor, que había pintado sobre un autorretrato anterior. Hopper tenía treinta y un años, y aunque esperaba que su primera venta le llevara a otras en poco tiempo, su carrera no despegaría durante muchos años más. Siguió participando en exposiciones colectivas en lugares más pequeños, como el MacDowell Club de Nueva York. Poco después de la muerte de su padre ese mismo año, Hopper se trasladó al apartamento 3 de Washington Square North, en el barrio de Greenwich Village de Manhattan, donde viviría el resto de su vida.

Al año siguiente recibió un encargo para crear unos carteles de cine y encargarse de la publicidad de una compañía cinematográfica. Aunque no le gustaba el trabajo de ilustración, Hopper fue un devoto de toda la vida del cine y del teatro, que trató como temas para sus cuadros. Cada forma influyó en sus métodos de composición.

Ante el estancamiento de sus pinturas al óleo, en 1915 Hopper se decantó por el grabado. En 1923 ya había realizado la mayoría de sus aproximadamente 70 obras en este medio, muchas de ellas con escenas urbanas de París y Nueva York. También realizó algunos carteles para la guerra, además de continuar con proyectos comerciales ocasionales. Cuando pudo, Hopper pintó algunos óleos al aire libre en sus visitas a Nueva Inglaterra, especialmente en las colonias artísticas de Ogunquit y Monhegan Island.

A principios de la década de 1920, sus grabados comenzaron a recibir el reconocimiento del público. En ellos se expresan algunos de sus temas posteriores, como en Noche en el tren (parejas en silencio), Viento de la tarde (mujer solitaria) y El barco de los gatos (sencilla escena náutica). Dos óleos notables de esta época fueron Interior de Nueva York (1921) y Restaurante de Nueva York (1922). También pintó dos de sus muchos cuadros de «ventanas» que vendrían después: Girl at Sewing Machine y Moonlight Interior, que muestran una figura (vestida o desnuda) cerca de una ventana de un apartamento vista desde fuera o desde el punto de vista del exterior mirando hacia dentro.

Aunque fueron años frustrantes, Hopper obtuvo cierto reconocimiento. En 1918, Hopper fue galardonado con el premio de la U.S. Shipping Board por su cartel de guerra, «Smash the Hun». Participó en tres exposiciones: en 1917 con la Sociedad de Artistas Independientes, en enero de 1920 (una exposición individual en el Whitney Studio Club, que fue el precursor del Museo Whitney) y en 1922 (de nuevo con el Whitney Studio Club). En 1923, Hopper recibió dos premios por sus grabados: el Premio Logan de la Sociedad de Grabadores de Chicago y el Premio W. A. Bryan.

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Matrimonio y ruptura

En 1923, la lenta ascensión de Hopper produjo finalmente un gran avance. Se reencontró con Josephine Nivison, una artista y antigua alumna de Robert Henri, durante un viaje de verano para pintar en Gloucester, Massachusetts. Eran opuestos: ella era bajita, abierta, gregaria, sociable y liberal, mientras que él era alto, reservado, tímido, callado, introspectivo y conservador. Se casaron un año después con el artista Guy Pene du Bois como padrino. Ella comentó: «A veces, hablar con Eddie es como dejar caer una piedra en un pozo, excepto que no golpea cuando toca el fondo». Ella subordinó su carrera a la de él y compartió su estilo de vida solitario. El resto de sus vidas giraba en torno a su apartamento sin ascensor en la ciudad y sus veranos en South Truro, en Cape Cod. Ella gestionaba su carrera y sus entrevistas, era su principal modelo y su compañera de vida.

Con la ayuda de Nivison, seis de las acuarelas de Gloucester de Hopper fueron admitidas en una exposición en el Museo de Brooklyn en 1923. Una de ellas, The Mansard Roof, fue adquirida por el museo para su colección permanente por la suma de 100 dólares. En general, los críticos alabaron su obra; uno de ellos afirmó: «¡Qué vitalidad, fuerza y franqueza! Observen lo que se puede hacer con el tema más hogareño». Hopper vendió todas sus acuarelas en una exposición individual al año siguiente y finalmente decidió dejar atrás la ilustración.

El artista había demostrado su capacidad para trasladar su atracción por la arquitectura parisina a la arquitectura urbana y rural estadounidense. Según la conservadora del Museo de Bellas Artes de Boston, Carol Troyen, «a Hopper le gustaba mucho la forma en que estas casas, con sus torretas y torres y sus porches y tejados abuhardillados y su ornamentación, proyectaban sombras maravillosas. Siempre decía que lo que más le gustaba era pintar la luz del sol en el lateral de una casa».

A los cuarenta y un años, Hopper recibió más reconocimiento por su trabajo. Siguió guardando rencor por su carrera, rechazando posteriormente apariciones y premios. Con su estabilidad financiera asegurada por las ventas constantes, Hopper viviría una vida sencilla y estable y seguiría creando arte con su estilo personal durante cuatro décadas más.

Su obra Two on the Aisle (1927) se vendió por un récord personal de 1.500 dólares, lo que permitió a Hopper comprar un automóvil, que utilizó para realizar viajes de campo a zonas remotas de Nueva Inglaterra. En 1929, produjo Chop Suey y Railroad Sunset. Al año siguiente, el mecenas Stephen Clark donó House by the Railroad (1925) al Museo de Arte Moderno, el primer óleo que éste adquirió para su colección. Hopper pintó su último autorretrato al óleo hacia 1930. Aunque Josephine posó para muchos de sus cuadros, sólo se sentó para un retrato formal al óleo de su marido, Jo Painting (1936).

A Hopper le fue mejor que a muchos otros artistas durante la Gran Depresión. Su estatura se disparó en 1931, cuando importantes museos, como el Whitney Museum of American Art y el Metropolitan Museum of Art, pagaron miles de dólares por sus obras. Ese año vendió 30 cuadros, entre ellos 13 acuarelas. Al año siguiente participó en el primer Whitney Annual, y siguió exponiendo en todos los anuales del museo durante el resto de su vida. En 1933, el Museo de Arte Moderno ofreció a Hopper su primera retrospectiva a gran escala.

En 1930, los Hopper alquilaron una casa de campo en South Truro, en Cape Cod. Volvieron todos los veranos durante el resto de su vida, y en 1934 construyeron allí una casa de verano. Desde allí, hacían viajes en coche a otras zonas cuando Hopper necesitaba buscar material fresco para pintar. En los veranos de 1937 y 1938, la pareja pasó largas estancias en la granja Wagon Wheels de South Royalton, Vermont, donde Hopper pintó una serie de acuarelas a lo largo del río White. Estas escenas son atípicas entre las obras de madurez de Hopper, ya que la mayoría son paisajes «puros», sin arquitectura ni figuras humanas. First Branch of the White River (1938), actualmente en el Museo de Bellas Artes de Boston, es el más conocido de los paisajes de Vermont de Hopper.

Hopper fue muy productivo durante los años 30 y principios de los 40, produciendo, entre otras muchas obras importantes, New York Movie (1939), Girlie Show (1941), Nighthawks (1942), Hotel Lobby (1943) y Morning in a City (1944). Sin embargo, a finales de la década de 1940 sufrió un periodo de relativa inactividad. Admitió: «Me gustaría poder pintar más. Me harto de leer e ir al cine». Durante las dos décadas siguientes, su salud flaqueó, y tuvo varias operaciones de próstata y otros problemas médicos. Sin embargo, en los años 50 y principios de los 60, creó varias obras más importantes, como First Row Orchestra (e Intermission en 1963.

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Muerte

Hopper murió por causas naturales en su estudio, cerca de Washington Square, en Nueva York, el 15 de mayo de 1967. Fue enterrado dos días después en la parcela familiar del cementerio de Oak Hill en Nyack, Nueva York, su lugar de nacimiento. Su mujer murió diez meses después y está enterrada con él.

Su esposa legó su colección conjunta de más de tres mil obras al Museo Whitney de Arte Americano. Otros cuadros importantes de Hopper están en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Centro de Arte de Des Moines y el Instituto de Arte de Chicago.

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Personalidad y visión

Siempre reacio a hablar de sí mismo y de su arte, Hopper se limitaba a decir: «Toda la respuesta está ahí, en el lienzo». Hopper era estoico y fatalista, un hombre tranquilo e introvertido con un sentido del humor suave y un trato franco. Hopper era alguien atraído por un simbolismo emblemático y antinarrativo, que «pintaba breves momentos aislados de configuración, saturados de sugestión». Sus espacios silenciosos y encuentros incómodos «nos tocan donde somos más vulnerables», y tienen «una sugerencia de melancolía, esa melancolía representada». Su sentido del color le reveló como un pintor puro, ya que «convirtió al puritano en purista, en sus tranquilos lienzos donde se equilibran las manchas y las bendiciones». Según el crítico Lloyd Goodrich, era «un pintor eminentemente autóctono, que más que ningún otro conseguía introducir en sus lienzos la calidad de América».

Conservador en cuestiones políticas y sociales (Hopper afirmaba, por ejemplo, que «las vidas de los artistas deberían ser escritas por personas muy cercanas a ellos»), aceptaba las cosas como eran y mostraba una falta de idealismo. Culto y sofisticado, era muy leído, y muchos de sus cuadros muestran figuras leyendo. Por lo general, era una buena compañía y no le molestaban los silencios, aunque a veces era taciturno, malhumorado o distante. Siempre se tomaba en serio su arte y el de los demás, y cuando se le preguntaba respondía con opiniones francas.

La declaración más sistemática de Hopper sobre su filosofía como artista se dio en una nota manuscrita, titulada «Statement», presentada en 1953 a la revista Reality:

El gran arte es la expresión exterior de una vida interior en el artista, y esta vida interior dará lugar a su visión personal del mundo. Ninguna invención hábil puede sustituir el elemento esencial de la imaginación. Uno de los puntos débiles de gran parte de la pintura abstracta es el intento de sustituir una concepción imaginativa privada por las invenciones del intelecto humano.

Aunque Hopper afirmaba que no incorporaba conscientemente el significado psicológico en sus cuadros, estaba profundamente interesado en Freud y en el poder de la mente subconsciente. Escribió en 1939: «Gran parte de todo arte es una expresión del subconsciente, por lo que me parece que la mayoría de las cualidades importantes son puestas ahí inconscientemente, y poco de importancia por el intelecto consciente.»

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Métodos

Aunque es más conocido por sus óleos, Hopper alcanzó el reconocimiento inicialmente por sus acuarelas y también produjo algunos grabados de éxito comercial. Además, sus cuadernos contienen bocetos a lápiz y bolígrafo de gran calidad, que nunca estuvieron destinados a ser vistos por el público.

Hopper prestaba especial atención al diseño geométrico y a la cuidadosa colocación de las figuras humanas en equilibrio con su entorno. Era un artista lento y metódico; como escribió: «Tardo mucho tiempo en tener una idea. Luego tengo que pensar en ella durante mucho tiempo. No empiezo a pintar hasta que lo tengo todo resuelto en mi mente. Cuando llego al caballete ya estoy bien». A menudo hacía bocetos preparatorios para elaborar sus composiciones cuidadosamente calculadas. Él y su mujer llevaban un detallado libro de cuentas de sus obras en el que anotaban cosas como «cara triste de mujer sin iluminar», «luz eléctrica del techo» y «muslos más frescos».

Para New York Movie (1939), Hopper demuestra su minuciosa preparación con más de 53 bocetos del interior del teatro y la figura de la acomodadora pensativa.

El uso eficaz de la luz y la sombra para crear ambiente también es fundamental en los métodos de Hopper. La luz del sol (como emblema de la percepción o la revelación) y las sombras que proyecta también desempeñan un papel simbólico poderoso en cuadros de Hopper como Early Sunday Morning (1930), Summertime (1943), Seven A.M. (1948) y Sun in an Empty Room (1963). Su uso de los efectos de luz y sombra se ha comparado con la cinematografía del cine negro.

Aunque es un pintor realista, el realismo «suave» de Hopper simplifica las formas y los detalles. Utilizaba colores saturados para aumentar el contraste y crear ambiente.

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Materias y temas

Hopper extrajo su temática de dos fuentes principales: una, los rasgos comunes de la vida americana (y dos, las marinas y los paisajes rurales. En cuanto a su estilo, Hopper se definía a sí mismo como «una amalgama de muchas razas» y no como miembro de ninguna escuela, especialmente de la «Escuela de Ashcan». Una vez que Hopper alcanzó su estilo de madurez, su arte se mantuvo consistente y autónomo, a pesar de las numerosas tendencias artísticas que se sucedieron durante su larga carrera.

Los paisajes marinos de Hopper se dividen en tres grupos principales: paisajes puros de rocas, mar y hierba de playa; faros y caseríos; y barcos de vela. A veces combinaba estos elementos. La mayoría de estos cuadros representan una luz intensa y un tiempo agradable; mostró poco interés por las escenas de nieve o lluvia, o por los cambios de color estacionales. La mayoría de los paisajes marinos puros los pintó entre 1916 y 1919 en la isla de Monhegan. The Long Leg (1935) de Hopper es un cuadro de navegación casi totalmente azul con los elementos más simples, mientras que su Ground Swell (1939) es más complejo y representa a un grupo de jóvenes que salen a navegar, un tema que recuerda al icónico Breezing Up (1876) de Winslow Homer.

La arquitectura urbana y los paisajes de las ciudades también fueron temas importantes para Hopper. Le fascinaba la escena urbana estadounidense, «nuestra arquitectura nativa con su horrible belleza, sus fantásticos tejados, pseudogóticos, Mansardos franceses, Coloniales, mestizos o lo que sea, con colores llamativos o delicadas armonías de pintura descolorida, arrimándose unos a otros a lo largo de interminables calles que se reducen a pantanos o vertederos».

En 1925, realizó House by the Railroad. Esta obra clásica representa una mansión victoriana de madera aislada, parcialmente oscurecida por el terraplén elevado de un ferrocarril. Marcó la madurez artística de Hopper. Lloyd Goodrich elogió la obra como «una de las piezas más conmovedoras y desoladoras del realismo». La obra es la primera de una serie de descarnadas escenas rurales y urbanas en las que utiliza líneas nítidas y formas grandes, con una iluminación inusual, para captar el estado de ánimo solitario de sus sujetos. Aunque los críticos y los espectadores interpretan el significado y el estado de ánimo de estos paisajes urbanos, Hopper insistió en que «me interesaba más la luz del sol en los edificios y en las figuras que cualquier simbolismo». Como prueba de ello, su último cuadro Sol en una habitación vacía (1963) es un estudio puro de la luz del sol.

La mayoría de las pinturas de figuras de Hopper se centran en la sutil interacción de los seres humanos con su entorno, realizada con figuras solitarias, parejas o grupos. Sus principales temas emocionales son la soledad, el arrepentimiento, el aburrimiento y la resignación. Expresa estas emociones en diversos entornos, como la oficina, los lugares públicos, los apartamentos, la carretera o las vacaciones. Como si estuviera creando fotogramas para una película o cuadros de una obra de teatro, Hopper coloca a sus personajes como si fueran capturados justo antes o después del clímax de una escena.

Las figuras solitarias de Hopper son en su mayoría mujeres -vestidas, semidesnudas y desnudas- que a menudo leen o miran por una ventana, o están en su lugar de trabajo. A principios de la década de 1920, Hopper pintó sus primeras imágenes de este tipo Chica en la máquina de coser (1921), Interior de Nueva York (otra mujer cosiendo) (1921) e Interior a la luz de la luna (un desnudo metiéndose en la cama) (1923). Sin embargo, Autómata (1927) y Habitación de hotel (1931) son más representativas de su estilo maduro, pues hacen hincapié en la soledad de forma más evidente.

Como escribió la estudiosa de Hopper, Gail Levin, sobre Hotel Room:

Las escasas bandas verticales y diagonales de color y las nítidas sombras eléctricas crean un dramatismo conciso e intenso en la noche… Combinando un tema conmovedor con una disposición formal tan poderosa, la composición de Hopper es lo suficientemente pura como para acercarse a una sensibilidad casi abstracta, pero con un significado poético para el observador.

Room in New York (1932) y Cape Cod Evening (1939) de Hopper son los mejores ejemplos de sus cuadros de «pareja». En el primero, una joven pareja aparece alienada y poco comunicativa, él leyendo el periódico mientras ella está ociosa junto al piano. El espectador asume el papel de voyeur, como si mirara con un telescopio a través de la ventana del apartamento para espiar la falta de intimidad de la pareja. En este último cuadro, una pareja de ancianos, con poco que decirse, juega con su perro, cuya atención se aleja de sus amos. Hopper lleva el tema de la pareja a un nivel más ambicioso con Excursión a la filosofía (1959). Un hombre de mediana edad se sienta abatido en el borde de una cama. A su lado yacen un libro abierto y una mujer parcialmente vestida. Un rayo de luz ilumina el suelo frente a él. Jo Hopper anotó en su cuaderno de bitácora: «El libro abierto es Platón, releído demasiado tarde».

Levin interpreta el cuadro:

El filósofo de Platón, en busca de lo real y lo verdadero, debe apartarse de este reino transitorio y contemplar las Formas e Ideas eternas. El hombre pensativo del cuadro de Hopper se sitúa entre la atracción del dominio terrenal, figurado por la mujer, y la llamada del dominio espiritual superior, representado por la cascada de luz etérea. El dolor de pensar en esta elección y sus consecuencias, después de leer a Platón toda la noche, es evidente. Está paralizado por el ferviente trabajo interior del melancólico.

En Office at Night (1940), otro cuadro de «pareja», Hopper crea un rompecabezas psicológico. El cuadro muestra a un hombre concentrado en sus papeles de trabajo, mientras que cerca de él su atractiva secretaria tira de un archivo. Varios estudios del cuadro muestran cómo Hopper experimentó con la posición de las dos figuras, quizá para aumentar el erotismo y la tensión. Hopper presenta al espectador la posibilidad de que el hombre esté realmente desinteresado por el atractivo de la mujer o que se esfuerce por ignorarla. Otro aspecto interesante del cuadro es cómo Hopper emplea tres fuentes de luz, desde una lámpara de escritorio, pasando por una ventana y una luz indirecta desde arriba. Hopper realizó varios cuadros de «oficina», pero no otros con un trasfondo sensual.

El más conocido de los cuadros de Hopper, Nighthawks (1942), es uno de sus cuadros de grupos. Muestra a los clientes sentados en el mostrador de una cafetería nocturna. Las formas y las diagonales están cuidadosamente construidas. El punto de vista es cinematográfico, desde la acera, como si el espectador se acercara al restaurante. La dura luz eléctrica de la cafetería la distingue de la oscura noche del exterior, realzando el ambiente y la sutil emoción. Como en muchos cuadros de Hopper, la interacción es mínima. El restaurante representado se inspiró en uno de Greenwich Village. Tanto Hopper como su mujer posaron para las figuras, y Jo Hopper dio título al cuadro. La inspiración para el cuadro puede provenir del relato corto de Ernest Hemingway «Los asesinos», que Hopper admiraba mucho, o del más filosófico «Un lugar limpio y bien iluminado». El estado de ánimo del cuadro se ha interpretado a veces como una expresión de ansiedad en tiempos de guerra. En consonancia con el título de su cuadro, Hopper dijo más tarde que «Nighthawks» tiene más que ver con la posibilidad de que haya depredadores en la noche que con la soledad.

Su segundo cuadro más reconocible, después de Nighthawks, es otro cuadro urbano, Early Sunday Morning (originalmente llamado Seventh Avenue Shops), que muestra una escena de calle vacía con luz lateral intensa, con una boca de incendios y un poste de barbero como sustitutos de las figuras humanas. Originalmente, Hopper pretendía colocar figuras en las ventanas de arriba, pero las dejó vacías para aumentar la sensación de desolación.

Las escenas rurales de Nueva Inglaterra de Hopper, como Gas (1940), no son menos significativas. Gas representa «un refugio diferente, igualmente limpio y bien iluminado… abierto para aquellos que lo necesitan mientras navegan por la noche, recorriendo sus propios kilómetros antes de dormir». La obra presenta una fusión de varios temas de Hopper: la figura solitaria, la melancolía del crepúsculo y la carretera solitaria.

Hopper se acerca al surrealismo con Rooms by the Sea (1951), en la que una puerta abierta ofrece una vista del océano, sin escalera o escalones aparentes y sin indicación de playa.

Después de sus años de estudiante, los desnudos de Hopper eran todos de mujeres. A diferencia de otros artistas que pintaron el desnudo femenino para glorificar la forma femenina y resaltar el erotismo femenino, los desnudos de Hopper son mujeres solitarias que se exponen psicológicamente. Una audaz excepción es Girlie Show (1941), donde una reina del strip-tease pelirroja se pasea con confianza por un escenario con el acompañamiento de los músicos del foso. Girlie Show se inspiró en la visita de Hopper a un espectáculo de burlesque unos días antes. La esposa de Hopper, como de costumbre, posó para él para el cuadro, y anotó en su diario: «Ed empezando un nuevo lienzo -una reina del burlesque haciendo un strip-tease- y yo posando sin un punto delante de la estufa -sólo con tacones altos en una pose de baile de lotería».

Los retratos y autorretratos de Hopper fueron relativamente escasos después de sus años de estudiante. Hopper sí realizó un «retrato» de una casa por encargo, The MacArthurs» Home (1939), donde detalla fielmente la arquitectura victoriana de la casa de la actriz Helen Hayes. Ella declaró más tarde: «Creo que no he conocido a un individuo más misántropo y gruñón en mi vida». Hopper refunfuñó durante todo el proyecto y nunca más aceptó un encargo. Hopper también pintó Portrait of Orleans (1950), un «retrato» de la ciudad de Cape Cod desde su calle principal.

Aunque estaba muy interesado en la Guerra Civil estadounidense y en las fotografías de campos de batalla de Mathew Brady, Hopper sólo realizó dos cuadros históricos. Ambos representaban a soldados de camino a Gettysburg. También son raros entre sus temas los cuadros de acción. El mejor ejemplo de un cuadro de acción es Bridle Path (1939), pero la lucha de Hopper con la anatomía adecuada de los caballos puede haberle disuadido de intentos similares.

El último óleo de Hopper, Dos comediantes (1966), pintado un año antes de su muerte, se centra en su amor por el teatro. Dos actores de pantomima franceses, un hombre y una mujer, ambos vestidos con trajes blancos brillantes, hacen su reverencia frente a un escenario oscuro. Jo Hopper confirmó que la intención de su marido era sugerir que las figuras hacían las últimas reverencias de su vida como marido y mujer.

Los cuadros de Hopper han sido vistos a menudo por otros como si tuvieran un contenido narrativo o temático que el artista puede no haber pretendido. El título de un cuadro puede aportar mucho significado, pero los títulos de los cuadros de Hopper fueron a veces elegidos por otros, o fueron seleccionados por Hopper y su esposa de una manera que hace que no esté claro si tienen alguna conexión real con el significado del artista. Por ejemplo, Hopper dijo una vez a un entrevistador que le «gustaba Early Sunday Morning… pero no era necesariamente domingo». Esa palabra fue añadida posteriormente por otra persona».

La tendencia a leer contenidos temáticos o narrativos en los cuadros de Hopper, que éste no pretendía, se extendió incluso a su esposa. Cuando Jo Hopper comentó sobre la figura de Cape Cod Morning: «Es una mujer que mira para ver si hace buen tiempo para tender la colada», Hopper replicó: «¿He dicho yo eso? Lo estás convirtiendo en Norman Rockwell. Desde mi punto de vista, sólo está mirando por la ventana». Otro ejemplo del mismo fenómeno se recoge en un artículo de 1948 en Time:

Summer Evening de Hopper, una joven pareja hablando bajo la dura luz del porche de una casa de campo, es ineludiblemente romántico, pero Hopper se sintió herido por la sugerencia de un crítico de que serviría para una ilustración en «cualquier revista femenina». Hopper tenía el cuadro en la cabeza «desde hace 20 años y nunca pensé en poner las figuras hasta que empecé el verano pasado». Por qué cualquier director de arte destrozaría el cuadro. Las figuras no eran lo que me interesaba; era la luz que caía, y la noche alrededor».

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Lugar en el arte americano

Al centrarse principalmente en momentos tranquilos, mostrando muy raramente la acción, Hopper empleó una forma de realismo adoptada por otro destacado realista estadounidense, Andrew Wyeth, pero la técnica de Hopper era completamente diferente del estilo hiperdetallado de Wyeth. Al igual que algunos de sus contemporáneos, Hopper compartía su sensibilidad urbana con John Sloan y George Bellows, pero evitaba la acción y la violencia evidentes. Mientras que Joseph Stella y Georgia O»Keeffe glorificaban las estructuras monumentales de la ciudad, Hopper las reducía a geometrías cotidianas y representaba el pulso de la ciudad como algo desolado y peligroso en lugar de «elegante o seductor».

Charles Burchfield, a quien Hopper admiraba y con quien se le comparaba, dijo de él que «logra una veracidad tan completa que se puede leer en sus interpretaciones de las casas y en sus concepciones de la vida neoyorquina cualquier implicación humana que se desee». También atribuyó el éxito de Hopper a su «audaz individualismo». … En él hemos recuperado esa robusta independencia americana que nos dio Thomas Eakins, pero que durante un tiempo se perdió». Hopper consideraba esto un gran cumplido, ya que consideraba a Eakins el mejor pintor estadounidense.

La estudiosa de Hopper, Deborah Lyons, escribe: «Nuestros propios momentos de revelación se reflejan a menudo, trascendentes, en su obra. Una vez vistas, las interpretaciones de Hopper existen en nuestra conciencia junto con nuestra propia experiencia. Vemos para siempre un determinado tipo de casa como una casa de Hopper, revestida quizás de un misterio que Hopper implantó en nuestra propia visión». Los cuadros de Hopper resaltan las escenas aparentemente mundanas y típicas de nuestra vida cotidiana y las convierten en motivo de epifanía. De este modo, el arte de Hopper toma el arenoso paisaje americano y las solitarias gasolineras y crea en ellos una sensación de bella anticipación.

Aunque se le comparaba con su contemporáneo Norman Rockwell en cuanto a temática, a Hopper no le gustaba la comparación. Hopper se consideraba más sutil, menos ilustrativo y, desde luego, nada sentimental. Hopper también rechazaba las comparaciones con Grant Wood y Thomas Hart Benton al afirmar: «Creo que los pintores de American Scene caricaturizaban América. Yo siempre quise hacerlo yo mismo».

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Influencia

La influencia de Hopper en el mundo del arte y la cultura pop es innegable; véase § En la cultura popular para numerosos ejemplos. Aunque no tuvo alumnos formales, muchos artistas le han citado como influencia, entre ellos Willem de Kooning, Jim Dine y Mark Rothko. Un ejemplo de la influencia de Hopper es la primera obra de Rothko, Composición I (alrededor de 1931), que es una paráfrasis directa del Chop Suey de Hopper.

Las composiciones cinematográficas de Hopper y el uso dramático de la luz y la oscuridad le han convertido en uno de los favoritos de los cineastas. Por ejemplo, se dice que House by the Railroad influyó en gran medida en la icónica casa de la película Psicosis, de Alfred Hitchcock. El mismo cuadro también se ha citado como influencia en la casa de la película de Terrence Malick Días del cielo. La película de 1981 Pennies from Heaven incluye un cuadro vivo de Nighthawks, con los actores principales en los lugares de los comensales. El director alemán Wim Wenders también cita la influencia de Hopper. Su película de 1997 El fin de la violencia también incorpora un tableau vivant de Nighthawks, recreado por los actores. El célebre director de cine de terror surrealista Dario Argento llegó a recrear la cafetería y los clientes de Nighthawks como parte del decorado de su película de 1976 Deep Red (también conocida como Profondo Rosso). Ridley Scott ha citado el mismo cuadro como inspiración visual para Blade Runner. Para establecer la iluminación de las escenas de la película de 2002 Camino a la perdición, el director Sam Mendes se inspiró en los cuadros de Hopper, especialmente en New York Movie.

Los homenajes a Nighthawks con personajes de dibujos animados o famosos iconos de la cultura pop, como James Dean y Marilyn Monroe, se encuentran a menudo en tiendas de pósters y regalos. El canal de televisión por cable Turner Classic Movies a veces proyecta clips animados basados en cuadros de Hopper antes de emitir sus películas. Las influencias musicales incluyen al cantante

En poesía, numerosos poemas se han inspirado en los cuadros de Hopper, normalmente como descripciones vívidas y dramatizaciones; este género se conoce como écfrasis. Además de numerosos poemas individuales inspirados en Hopper, varios poetas han escrito colecciones basadas en los cuadros de Hopper. El poeta francés Claude Esteban escribió una colección de poemas en prosa, Soleil dans une pièce vide (Sol en una habitación vacía, 1991), basada en cuarenta y siete cuadros de Hopper de entre 1921 y 1963, que termina con Sun in an Empty room (Sol en una habitación vacía, 1963), de ahí el título. Cada uno de los poemas dramatiza un cuadro de Hopper, imaginando una historia detrás de la escena; el libro ganó el premio Prix France Culture en 1991. Ocho de los poemas – Ground Swell, Girl at Sewing Machine, Compartment C, Car 293, Nighthawks, South Carolina Morning, House by the Railroad, People in the Sun y Roofs of Washington Square – fueron posteriormente musicalizados por la compositora Graciane Finzi, y grabados con la lectura de la cantante Natalie Dessay en su álbum Portraits of America (2016), donde se complementaron con la selección de otros diez cuadros de Hopper, y canciones del cancionero americano para acompañarlos. Asimismo, el poeta español Ernest Farrés escribió una colección de cincuenta y un poemas en catalán, bajo el nombre de Edward Hopper (2006, traducción al inglés 2010 por Lawrence Venuti), y James Hoggard escribió Triangles of Light: The Edward Hopper Poems (Wings Press, 2009). Una colección de varios poetas se organizó en The Poetry of Solitude: A Tribute to Edward Hopper 1995 (editora Gail Levin). Entre los poemas individuales figuran los de Byron Vazakas (1957) y John Stone (1985), inspirados en Early Sunday Morning, y los de Mary Leader, inspirados en Girl at Sewing Machine.

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Exposiciones

En 1980, la exposición Edward Hopper: The Art and the Artist se inauguró en el Whitney Museum of American Art y visitó Londres, Düsseldorf y Ámsterdam, además de San Francisco y Chicago. Por primera vez, esta muestra presentaba los óleos de Hopper junto con los estudios preparatorios de esas obras. Este fue el comienzo de la popularidad de Hopper en Europa y de su gran reputación mundial.

En 2004, una amplia selección de cuadros de Hopper recorrió Europa, visitando el Museo Ludwig de Colonia (Alemania) y la Tate Modern de Londres. La exposición de la Tate se convirtió en la segunda más popular de la historia de la galería, con 420.000 visitantes en los tres meses que estuvo abierta.

En 2007, se presentó en el Museo de Bellas Artes de Boston una exposición centrada en el periodo de mayores logros de Hopper, desde aproximadamente 1925 hasta mediados de siglo. La exposición comprendía cincuenta óleos, treinta acuarelas y doce grabados, entre los que se encontraban los favoritos Nighthawks, Chop Suey y Lighthouse and Buildings. La exposición fue organizada por el Museo de Bellas Artes de Boston, la Galería Nacional de Arte de Washington y el Instituto de Arte de Chicago, y patrocinada por la empresa de consultoría de gestión global Booz Allen Hamilton.

En 2010, la Fondation de l»Hermitage de Lausana (Suiza) organizó una exposición que abarcaba toda la carrera de Hopper, con obras procedentes en gran parte del Museo Whitney de Nueva York. Incluía pinturas, acuarelas, aguafuertes, caricaturas, carteles, así como algunos de los estudios preparatorios para determinados cuadros. La exposición se había visto anteriormente en Milán y Roma. En 2011, el Museo Whitney de Arte Americano organizó una exposición titulada Edward Hopper y su época.

En 2012, se inauguró en el Grand Palais de París una exposición que pretendía arrojar luz sobre la complejidad de sus obras maestras, lo que es una muestra de la riqueza de la obra de Hopper. La exposición se dividía cronológicamente en dos partes principales: la primera sección abarcaba los años de formación de Hopper (1900-1924), comparando su obra con la de sus contemporáneos y con el arte que vio en París, que pudo haberle influido. La segunda sección se centra en el arte de sus años de madurez, desde los primeros cuadros emblemáticos de su estilo personal, como House by the Railroad (1924), hasta sus últimas obras.

En 2020, la Fundación Beyeler organizó una exposición sobre el arte de Hopper. La exposición se centró en las «representaciones icónicas de Hopper de la infinita extensión de los paisajes americanos y de las ciudades». Este aspecto rara vez se ha mencionado en las exposiciones, y sin embargo es un ingrediente clave para entender la obra de Hopper.

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Mercado del arte

Las obras de Hopper aparecen raramente en el mercado. El artista no fue prolífico, ya que sólo pintó 366 lienzos; durante la década de 1950, cuando tenía más de 70 años, produjo aproximadamente cinco cuadros al año. El antiguo marchante de Hopper, Frank Rehn, que dio al artista su primera exposición individual en 1924, vendió Hotel Window (1956) a la coleccionista Olga Knoepke por 7.000 dólares (equivalentes a 67.537 dólares en 2021) en 1957. En 1999, la Colección Forbes la vendió al actor Steve Martin en privado por unos 10 millones de dólares. En 2006, Martin la vendió por 26,89 millones de dólares en Sotheby»s Nueva York, un récord de subasta para el artista.

En 2013, la Academia de Bellas Artes de Pensilvania puso a la venta la obra de Hopper Viento del este sobre Weehawken (1934), con la esperanza de conseguir los 22-28 millones de dólares en los que se valora el cuadro, con el fin de establecer un fondo para adquirir «arte contemporáneo» que se revalorice. Se trata de una escena callejera en tonos oscuros y terrosos que representa la casa a dos aguas del 1001 Boulevard East, en la esquina de la calle 49, en Weehawken, Nueva Jersey, y está considerada una de las mejores obras de Hopper. Fue adquirida directamente al marchante que manejaba los cuadros del artista en 1952, quince años antes de la muerte del pintor, a un precio muy bajo. El cuadro se vendió por un precio récord de 36 millones de dólares en la casa Christie»s de Nueva York, a un postor telefónico anónimo.

En 2018, tras la muerte del coleccionista de arte Barney A. Ebsworth y la posterior subasta de muchas de las piezas de su colección, Chop Suey (1929) se vendió por 92 millones de dólares, convirtiéndose en la obra de Hopper más cara jamás comprada en una subasta.

Además de su influencia (véase § Influencia), Hopper es citado con frecuencia en la cultura popular.

En 1981, Hopper»s Silence, un documental de Brian O»Doherty producido por el Whitney Museum of American Art, se proyectó en el Festival de Cine de Nueva York en el Alice Tully Hall.

El director austriaco Gustav Deutsch creó en 2013 la película Shirley – Visiones de la realidad, basada en 13 cuadros de Edward Hopper.

Otras obras basadas o inspiradas en los cuadros de Hopper son el álbum de Tom Waits de 1975 Nighthawks at the Diner, y una serie de fotografías de 2012 de Gail Albert Halaban.

En el libro (1985, 1998) y en la exposición itinerante titulada Hopper»s Places, Gail Levin localizó y fotografió los lugares de muchos de los cuadros de Hopper. En su reseña de 1985 de una exposición relacionada organizada por Levin, Vivien Raynor escribió en el New York Times «Las deducciones de la señorita Levin son invariablemente esclarecedoras, como cuando infiere que la tendencia de Hopper a alargar las estructuras era un reflejo de su propia gran altura».

El álbum Crush, de 1985, de la banda de new wave Orchestral Manoeuvres in the Dark incluye ilustraciones inspiradas en varios cuadros de Hopper, como Early Sunday Morning, Nighthawks y Room in New York. El single de 2013 de la banda «Night Cafe» está influenciado por Nighthawks y menciona a Hopper por su nombre. Siete de sus cuadros se mencionan en la letra.

La Ópera de la Ciudad de Nueva York estrenó en la Costa Este «La esposa de Hopper», de Stewart Wallace, una ópera de cámara de 1997 sobre un matrimonio imaginario entre Edward Hopper y la columnista de chismes Hedda Hopper, en el Harlem Stage en 2016.

La novelista irlandesa Christine Dwyer Hickey publicó en 2019 una novela, The Narrow Land, en la que Edward y Jo Hopper eran personajes centrales.

Paul Weller incluyó una canción llamada »Hopper» en su álbum de 2017 A Kind Revolution.

Fuentes

1. Edward Hopper
2. Edward Hopper
3. ^ a b Levin, Gail, Edward Hopper: An Intimate Biography, Alfred A. Knopf, New York, 1995, p.11, ISBN 0-394-54664-4
4. ^ Levin 1995, p. 9
5. ^ Levin 1995, p. 12
6. ^ Levin 1995, p. 23
7. 1 2 RKDartists
8. « Dossier de presse de l»exposition Visages, 21 février-22 juin 2014, Centre de la Vieille Charité, Marseille », sur cultivoo.com (consulté le 29 janvier 2018).
9. Collectif, Edward Hopper, 1989, p. 33.
10. Collectif, Edward Hopper, 1989, p. 32.