Elvis Presley

Alex Rover | diciembre 20, 2022

Resumen

Elvis Aaron Presley (8 de enero de 1935 – 16 de agosto de 1977) fue un cantante y actor estadounidense. Apodado el «Rey del Rock and Roll», está considerado uno de los iconos culturales más significativos del siglo XX. Sus enérgicas interpretaciones de las canciones y su estilo de actuación sexualmente provocativo, combinados con una mezcla singularmente potente de influencias que traspasaban las líneas de color durante una era transformadora en las relaciones raciales, le llevaron tanto a un gran éxito como a una controversia inicial.

Presley nació en Tupelo, Mississippi, y se trasladó a Memphis, Tennessee, con su familia cuando tenía 13 años. Su carrera musical comenzó allí en 1954, grabando en Sun Records con el productor Sam Phillips, que quería llevar el sonido de la música afroamericana a un público más amplio. Presley, con su guitarra acústica rítmica y acompañado por el guitarrista Scotty Moore y el bajista Bill Black, fue uno de los pioneros del rockabilly, una fusión de country y rhythm and blues. En 1955, el batería D. J. Fontana se unió para completar la formación del cuarteto clásico de Presley y RCA Victor adquirió su contrato en un acuerdo concertado por el coronel Tom Parker, que lo dirigiría durante más de dos décadas. El primer sencillo de Presley para RCA Victor, «Heartbreak Hotel», se publicó en enero de 1956 y se convirtió en un éxito número uno en Estados Unidos. En un año, RCA vendería diez millones de singles de Presley. Con una serie de exitosas apariciones en la televisión y discos de éxito, Presley se convirtió en la figura principal del nuevo sonido popular del rock and roll. A través de su estilo performativo rebelde y sexualmente liberador, así como de su promoción del entonces marginado sonido de los afroamericanos, Presley fue ampliamente considerado como una amenaza para el bienestar moral de la juventud blanca estadounidense.

En noviembre de 1956, Presley debutó en el cine con Love Me Tender. Destinado al servicio militar en 1958, Presley relanzó su carrera discográfica dos años más tarde con algunos de sus trabajos de mayor éxito comercial. Sin embargo, dio pocos conciertos y, guiado por Parker, dedicó gran parte de la década de 1960 a hacer películas de Hollywood y álbumes de bandas sonoras, la mayoría de ellos ridiculizados por la crítica. En 1968, tras una pausa de siete años de actuaciones en directo, volvió a los escenarios en el aclamado especial televisivo Elvis, que dio lugar a una prolongada residencia de conciertos en Las Vegas y a una serie de giras muy rentables. En 1973, Presley ofreció el primer concierto de un solista retransmitido a todo el mundo, Aloha from Hawaii. Años de abuso de medicamentos recetados y hábitos alimenticios poco saludables comprometieron gravemente su salud, y murió repentinamente en 1977 en su finca de Graceland a la edad de 42 años.

Tras vender más de 500 millones de discos en todo el mundo, Presley es reconocido como el solista más vendido de todos los tiempos por el Guinness World Records. Tuvo éxito comercial en muchos géneros, como pop, country, R&B, música contemporánea para adultos y gospel. Presley ganó tres premios Grammy, recibió el Grammy Lifetime Achievement Award a los 36 años y ha sido incluido en varios salones de la fama de la música. Posee varios récords, incluidos la mayor cantidad de álbumes de oro y platino certificados por la RIAA, la mayor cantidad de álbumes en la lista Billboard 200, la mayor cantidad de álbumes número uno por un artista solista en la lista UK Albums Chart y la mayor cantidad de singles número uno por cualquier acto en la lista UK Singles Chart. En 2018, Presley recibió a título póstumo la Medalla Presidencial de la Libertad de manos de Donald Trump.

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1935-1953: Primeros años

Elvis Aaron Presley nació el 8 de enero de 1935 en Tupelo, Mississippi, hijo de Vernon Elvis (25 de abril de 1912 – 14 de agosto de 1958) Presley en una casa de dos habitaciones que su padre construyó para la ocasión. El hermano gemelo idéntico de Elvis, Jesse Garon Presley, nació muerto 35 minutos antes que él. Presley se hizo muy amigo de ambos padres y estableció un vínculo especialmente estrecho con su madre. La familia asistía a una iglesia de la Asamblea de Dios, donde encontró su inspiración musical inicial.

El padre de Presley, Vernon, era de origen alemán, la madre de Presley, Gladys, era de origen escocés-irlandés con alguna ascendencia normanda francesa. Su madre, Gladys, y el resto de la familia, aparentemente creían que su tatarabuela, Morning Dove White, era cherokee; esto fue confirmado por la nieta de Elvis, Riley Keough, en 2017. Elaine Dundy, en su biografía, apoya la creencia. Gladys era considerada por parientes y amigos como el miembro dominante de la pequeña familia.

Vernon pasaba de un trabajo ocasional a otro, mostrando poca ambición. La familia dependía a menudo de la ayuda de los vecinos y de la asistencia alimentaria del gobierno. En 1938, perdieron su casa después de que Vernon fuera declarado culpable de alterar un cheque extendido por su terrateniente y, en algún momento, empleador. Fue encarcelado durante ocho meses, mientras Gladys y Elvis se mudaban a casa de unos parientes.

En septiembre de 1941, Presley ingresó en primer curso en East Tupelo Consolidated, donde sus profesores le consideraban «normal». Le animaron a participar en un concurso de canto después de impresionar a su profesor con una interpretación de la canción country de Red Foley «Old Shep» durante las oraciones de la mañana. El concurso, celebrado en la Feria y Exposición Lechera de Mississippi-Alabama el 3 de octubre de 1945, fue su primera actuación en público. Presley, de diez años, iba vestido de vaquero, se subió a una silla para alcanzar el micrófono y cantó «Old Shep». Recuerda que quedó en quinto lugar. Unos meses más tarde, Presley recibió su primera guitarra por su cumpleaños; había esperado otra cosa -según diferentes versiones, una bicicleta o un rifle-. Durante el año siguiente, recibió clases básicas de guitarra de dos de sus tíos y del nuevo pastor de la iglesia familiar. Presley recordaba: «Cogí la guitarra, observé a la gente y aprendí a tocar un poco. Pero nunca cantaba en público. Me daba mucha vergüenza».

En septiembre de 1946, Presley ingresó en una nueva escuela, Milam, para cursar sexto grado; se le consideraba un solitario. Al año siguiente, empezó a llevar su guitarra a la escuela a diario. Tocaba y cantaba a la hora de comer, y a menudo se burlaban de él por considerarlo un chico «cutre» que tocaba música hillbilly. Para entonces, la familia vivía en un barrio mayoritariamente negro. Presley era un devoto del programa de Mississippi Slim en la emisora de radio WELO de Tupelo. El hermano pequeño de Slim, que era compañero de clase de Presley y le llevaba a menudo a la emisora, le describía como un «loco de la música». Slim complementaba la enseñanza de guitarra de Presley con demostraciones de técnicas de acordes. Cuando su protegido tenía doce años, Slim le programó dos actuaciones en directo. Presley tuvo miedo escénico la primera vez, pero logró actuar la semana siguiente.

En noviembre de 1948, la familia se trasladó a Memphis, Tennessee. Tras residir durante casi un año en casas de huéspedes, consiguieron un apartamento de dos dormitorios en el complejo de viviendas públicas conocido como Lauderdale Courts. Inscrito en el instituto L. C. Humes High School, Presley sólo obtuvo un aprobado en música en octavo curso. Cuando su profesor de música le dijo que no tenía aptitudes para cantar, llevó su guitarra al día siguiente y cantó un éxito reciente, «Keep Them Cold Icy Fingers Off Me», para demostrar lo contrario. Un compañero de clase recordó más tarde que la profesora «estaba de acuerdo en que Elvis tenía razón cuando decía que ella no apreciaba su forma de cantar». Por lo general, era demasiado tímido para actuar abiertamente, y en ocasiones sufría el acoso de sus compañeros de clase, que le consideraban un «niño de mamá». En 1950, empezó a practicar la guitarra regularmente bajo la tutela de Lee Denson, un vecino dos años y medio mayor que él. Ellos y otros tres chicos -entre los que se encontraban dos futuros pioneros del rockabilly, los hermanos Dorsey y Johnny Burnette- formaron un grupo musical informal que tocaba con frecuencia en los alrededores de Courts. En septiembre empezó a trabajar como acomodador en el Loew»s State Theater. Siguieron otros trabajos: Precision Tool, Loew»s de nuevo y MARL Metal Products. Presley también ayudaba a sus vecinos judíos, los Fruchter, siendo su shabbos goy.

Durante su penúltimo año, Presley empezó a destacar más entre sus compañeros de clase, en gran parte por su aspecto: se dejó crecer las patillas y se peinó con aceite de rosas y vaselina. En su tiempo libre, se dirigía a Beale Street, el corazón de la floreciente escena del blues de Memphis, y miraba con nostalgia la ropa llamativa y desenfrenada de los escaparates de Lansky Brothers. En su último año, ya vestía esas prendas. Venciendo sus reticencias a actuar fuera de los juzgados de Lauderdale, participó en el espectáculo anual «Minstrel» de Humes en abril de 1953. Cantando y tocando la guitarra, abrió con «Till I Waltz Again with You», un éxito reciente de Teresa Brewer. Presley recordó que la actuación hizo mucho por su reputación: «No era popular en la escuela… Suspendí música, lo único que suspendí. Y entonces me inscribieron en un concurso de talentos… cuando salí al escenario oí a la gente murmurar, porque nadie sabía que cantaba. Fue increíble lo popular que me hice en la escuela después de aquello».

Presley, que no había recibido formación musical formal y no sabía leer música, estudiaba y tocaba de oído. También frecuentaba tiendas de discos que ofrecían tocadiscos y cabinas de escucha a los clientes. Conocía todas las canciones de Hank Snow y le encantaban los discos de otros cantantes country como Roy Acuff, Ernest Tubb, Ted Daffan, Jimmie Rodgers, Jimmie Davis y Bob Wills. El cantante de gospel sureño Jake Hess, uno de sus intérpretes favoritos, fue una influencia significativa en su estilo de cantar baladas. Era un espectador habitual de los All-Night Singings que se celebraban mensualmente en el centro de la ciudad, donde muchos de los grupos de gospel blancos que actuaban reflejaban la influencia de la música espiritual afroamericana. Adoraba la música de la cantante negra de gospel Sister Rosetta Tharpe. Al igual que algunos de sus compañeros, es posible que asistiera a locales de blues -por necesidad, en el Sur segregado, sólo las noches destinadas exclusivamente al público blanco-. Sin duda, escuchaba las emisoras de radio regionales, como WDIA-AM, que emitían «discos raciales»: espirituales, blues y el sonido moderno, cargado de ritmos, del rhythm and blues. Muchas de sus futuras grabaciones se inspiraron en músicos afroamericanos locales como Arthur Crudup y Rufus Thomas. B.B. King recordaba que había conocido a Presley antes de que fuera popular, cuando ambos solían frecuentar Beale Street. Cuando se graduó en el instituto, en junio de 1953, Presley ya había señalado la música como su futuro.

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1953-1956: Primeras grabaciones

En agosto de 1953, Presley se presentó en las oficinas de Sun Records. Pretendía pagar unos minutos de estudio para grabar un disco de acetato de dos caras: «My Happiness» y «That»s When Your Heartaches Begin». Más tarde afirmó que pretendía que el disco fuera un regalo de cumpleaños para su madre, o que simplemente le interesaba saber cómo «sonaba», aunque había un servicio de grabación amateur mucho más barato en una tienda de ultramarinos cercana. El biógrafo Peter Guralnick sostiene que eligió Sun con la esperanza de ser descubierto. Cuando la recepcionista Marion Keisker le preguntó qué tipo de cantante era, Presley respondió: «Canto de todo». Cuando ella le presionó sobre a quién sonaba, él contestó repetidamente: «No sueno como nadie». Después de grabar, el jefe de Sun, Sam Phillips, pidió a Keisker que anotara el nombre del joven, lo que ella hizo junto con su propio comentario: «Buen cantante de baladas. Espera».

En enero de 1954, Presley grabó un segundo acetato en Sun Records – «I»ll Never Stand in Your Way» y «It Wouldn»t Be the Same Without You»-, pero de nuevo no salió nada. Poco después, fracasó en una audición para un cuarteto vocal local, los Songfellows. Le explicó a su padre: «Me dijeron que no sabía cantar». El vocalista Jim Hamill afirmó más tarde que le rechazaron porque en aquel momento no demostraba tener oído para la armonía. En abril, Presley empezó a trabajar para la empresa Crown Electric como camionero. Su amigo Ronnie Smith, después de tocar en algunos conciertos locales con él, le sugirió que se pusiera en contacto con Eddie Bond, líder de la banda profesional de Smith, que tenía una vacante para un vocalista. Bond le rechazó tras una prueba y le aconsejó que se dedicara a conducir camiones «porque nunca vas a triunfar como cantante».

Phillips, por su parte, siempre estaba buscando a alguien que pudiera llevar a un público más amplio el sonido de los músicos negros en los que se centraba Sun. Según Keisker, «Recuerdo que Sam repetía una y otra vez: »Si encontrara a un blanco que tuviera el sonido y el sentimiento negros, podría ganar mil millones de dólares»». En junio, adquirió una maqueta grabada por Jimmy Sweeney de una balada, «Without You», que pensó que podría encajar con el cantante adolescente. Presley se pasó por el estudio pero fue incapaz de hacerle justicia. A pesar de ello, Phillips pidió a Presley que cantara todos los números que conociera. Lo que oyó le impresionó lo suficiente como para invitar a dos músicos locales, el guitarrista Winfield «Scotty» Moore y el bajista Bill Black, para que trabajaran con Presley en una sesión de grabación.

La sesión celebrada la tarde del 5 de julio resultó totalmente infructuosa hasta bien entrada la noche. Cuando estaban a punto de abortar e irse a casa, Presley cogió su guitarra y se lanzó con un número de blues de 1946, «That»s All Right» de Arthur Crudup. Moore recordó: «De repente, Elvis empezó a cantar esta canción, saltando y haciendo el tonto, y entonces Bill cogió su bajo y empezó a hacer el tonto también, y yo empecé a tocar con ellos. Sam, creo, tenía la puerta de la cabina de control abierta… asomó la cabeza y dijo, »¿Qué estáis haciendo?» Y le dijimos: «No lo sabemos». »Bueno, retroceded», dijo, »intentad encontrar un punto de partida y volved a hacerlo»». Phillips empezó a grabar rápidamente; éste era el sonido que había estado buscando. Tres días después, el popular DJ de Memphis Dewey Phillips puso «That»s All Right» en su programa Red, Hot, and Blue. Los oyentes empezaron a llamar, ansiosos por saber quién era el cantante. El interés fue tal que Phillips puso el disco repetidamente durante las dos horas restantes de su programa. Al entrevistar a Presley en directo, Phillips le preguntó a qué instituto había asistido para aclarar su color a los muchos oyentes que habían dado por sentado que era negro. Durante los días siguientes, el trío grabó una canción bluegrass, «Blue Moon of Kentucky» de Bill Monroe, de nuevo con un estilo distintivo y empleando un efecto de eco improvisado que Sam Phillips bautizó como «slapback». Se editó un sencillo con «That»s All Right» en la cara A y «Blue Moon of Kentucky» en el reverso.

El trío tocó en público por primera vez el 17 de julio en el club Bon Air. A finales de mes, actuaron en el Overton Park Shell, con Slim Whitman como cabeza de cartel. Aquí Elvis fue pionero de »Rubber Legs», su movimiento de baile característico por el que es más conocido. Una combinación de su fuerte respuesta al ritmo y el nerviosismo de tocar ante una gran multitud llevó a Presley a agitar las piernas mientras actuaba: sus pantalones de corte ancho enfatizaban sus movimientos, provocando que las jóvenes del público empezaran a gritar. Moore recordaba: «Durante las partes instrumentales, se apartaba del micrófono y se ponía a tocar y a agitar las piernas, y el público enloquecía». Black, un showman nato, aullaba y tocaba el bajo, con dobles licks que Presley recordaría más tarde como «un sonido realmente salvaje, como un tambor de la jungla o algo así». Poco después, Moore y Black dejaron su antigua banda, los Starlite Wranglers, para tocar con Presley regularmente, y DJ

En noviembre de 1954, Presley actuó en Louisiana Hayride, el principal y más aventurero rival del Opry. El programa de Shreveport se emitió en 198 emisoras de radio de 28 estados. Presley tuvo otro ataque de nervios durante el primer set, que provocó una reacción apagada. La segunda, más serena y enérgica, suscitó una respuesta entusiasta. El batería D. J. Fontana aportó un nuevo elemento, complementando los movimientos de Presley con ritmos acentuados que había aprendido a tocar en clubes de striptease. Poco después del concierto, el Hayride contrató a Presley para un año de actuaciones los sábados por la noche. Al cambiar su vieja guitarra por 8 dólares (y verla rápidamente enviada a la basura), compró un instrumento Martin por 175 dólares (equivalentes a 1.800 dólares en 2021), y su trío empezó a tocar en nuevos locales, entre ellos Houston, Texas y Texarkana, Arkansas.

Muchos artistas noveles, como Minnie Pearl, Johnny Horton y Johnny Cash, cantaban las alabanzas del patrocinador del Louisiana Hayride, Southern Maid Donuts, incluido Presley, que desarrolló un amor de por vida por los donuts. Presley hizo su singular anuncio de promoción de productos para la empresa de donuts, que nunca se llegó a estrenar, grabando un jingle radiofónico, «a cambio de una caja de donuts glaseados calientes».

Presley hizo su primera aparición en televisión en la emisión televisiva de KSLA-TV de Louisiana Hayride. Poco después, fracasó en una audición para Arthur Godfrey»s Talent Scouts de la cadena de televisión CBS. A principios de 1955, las apariciones regulares de Presley en el Hayride, sus constantes giras y sus bien recibidos lanzamientos discográficos le habían convertido en una estrella regional, desde Tennessee hasta el oeste de Texas. En enero, Neal firmó un contrato formal de management con Presley y lo puso en conocimiento del coronel Tom Parker, a quien consideraba el mejor promotor del mundo de la música. Parker, que afirmaba ser de Virginia Occidental (en realidad era holandés), había recibido un nombramiento honorario de coronel del cantante country Jimmie Davis, convertido en gobernador de Luisiana. Tras haber dirigido con éxito a la estrella del country Eddy Arnold, Parker estaba trabajando con el nuevo número uno del country, Hank Snow. Parker contrató a Presley para la gira de Snow en febrero. Cuando la gira llegó a Odessa, Texas, un Roy Orbison de 19 años vio a Presley por primera vez: «Su energía era increíble, su instinto era asombroso. … No sabía qué pensar de él. No había ningún punto de referencia en la cultura para compararlo». En agosto, Sun había publicado diez caras acreditadas a «Elvis Presley, Scotty y Bill»; en las últimas grabaciones, al trío se le unió un batería. Algunas de las canciones, como «That»s All Right», pertenecían a lo que un periodista de Memphis describió como el «lenguaje R&B del jazz de campo negro»; otras, como «Blue Moon of Kentucky», eran «más del campo country», «pero había una curiosa mezcla de las dos músicas diferentes en ambas». Esta mezcla de estilos dificultó la difusión de la música de Presley en la radio. Según Neal, muchos disc-jockeys de música country no lo ponían porque sonaba demasiado como un artista negro y ninguna de las emisoras de rhythm-and-blues lo tocaba porque «sonaba demasiado como un hillbilly». La mezcla pasó a conocerse como rockabilly. En aquella época, Presley era conocido como «El Rey del Western Bop», «El Gato Hillbilly» y «El Relámpago de Memphis».

Presley renovó el contrato de management de Neal en agosto de 1955, nombrando al mismo tiempo a Parker su asesor especial. El grupo mantuvo un amplio programa de giras durante la segunda mitad del año. Neal recordaba: «Era casi aterradora la reacción de los adolescentes ante Elvis. Muchos de ellos, por algún tipo de celos, prácticamente le odiaban. En algunos pueblos de Texas teníamos que asegurarnos de tener un guardia de policía porque siempre había alguien que intentaba atacarle. Formaban una banda y trataban de asaltarle o algo así». El trío se convirtió en cuarteto cuando el batería de Hayride, Fontana, se incorporó como miembro de pleno derecho. A mediados de octubre, tocaron algunos conciertos como teloneros de Bill Haley, cuyo tema «Rock Around the Clock» había sido número uno el año anterior. Haley observó que Presley tenía un sentido natural del ritmo y le aconsejó que cantara menos baladas.

En la Country Disc Jockey Convention celebrada a principios de noviembre, Presley fue elegido el artista masculino más prometedor del año. Varias discográficas ya habían mostrado interés en contratarle. Después de que tres grandes sellos hicieran ofertas de hasta 25.000 dólares, Parker y Phillips llegaron a un acuerdo con RCA Victor el 21 de noviembre para adquirir el contrato de Presley con Sun por la cifra sin precedentes de 40.000 dólares. Presley, a sus 20 años, aún era menor de edad, por lo que su padre firmó el contrato. Parker acordó con los propietarios de Hill & Range Publishing, Jean y Julian Aberbach, crear dos entidades, Elvis Presley Music y Gladys Music, para gestionar todo el nuevo material grabado por Presley. Los compositores se vieron obligados a renunciar a un tercio de sus derechos habituales a cambio de que él interpretara sus composiciones. En diciembre, RCA Victor había empezado a promocionar intensamente a su nuevo cantante, y antes de finalizar el mes había reeditado muchas de sus grabaciones Sun.

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1956-1958: Irrupción comercial y polémica

El 10 de enero de 1956, Presley realizó sus primeras grabaciones para RCA Victor en Nashville. La RCA Victor contrató al guitarrista Chet Atkins y a tres cantantes de fondo, entre ellos Gordon Stoker, del popular cuarteto Jordanaires, para completar el sonido. La sesión produjo el malhumorado e inusual «Heartbreak Hotel», lanzado como single el 27 de enero. Parker finalmente llevó a Presley a la televisión nacional, contratándolo para el programa Stage Show de la CBS para seis apariciones en dos meses. El programa, producido en Nueva York, era presentado en semanas alternas por los líderes de la big band y hermanos Tommy y Jimmy Dorsey. Tras su primera aparición, el 28 de enero, Presley se quedó en la ciudad para grabar en el estudio RCA Victor de Nueva York. Las sesiones produjeron ocho canciones, incluida una versión del himno rockabilly de Carl Perkins «Blue Suede Shoes». En febrero, «I Forgot to Remember to Forget» de Presley, una grabación de Sun publicada inicialmente en agosto, alcanzó el primer puesto de la lista Billboard de country. El contrato de Neal se rescindió y, el 2 de marzo, Parker se convirtió en el mánager de Presley.

RCA Victor publicó el álbum de debut autotitulado de Presley el 23 de marzo. Junto con cinco grabaciones inéditas de Sun, sus siete temas recién grabados eran de lo más variado. Había dos canciones country y un alegre tema pop. Las demás definirían centralmente el sonido en evolución del rock and roll: «Blue Suede Shoes» – «una mejora sobre Perkins en casi todos los sentidos», según el crítico Robert Hilburn- y tres temas de R&B que habían formado parte del repertorio escénico de Presley durante algún tiempo, versiones de Little Richard, Ray Charles y The Drifters. Según Hilburn, éstas «fueron las más reveladoras de todas. A diferencia de muchos artistas blancos… que suavizaban las aristas de las versiones originales R&B de las canciones de los años 50, Presley las remodelaba. No sólo inyectó a las melodías su propio carácter vocal, sino que también hizo de la guitarra, y no del piano, el instrumento principal en los tres casos». Se convirtió en el primer álbum de rock and roll en encabezar la lista Billboard, posición que ocupó durante 10 semanas. Aunque Presley no era un guitarrista innovador como Moore o los rockeros afroamericanos contemporáneos Bo Diddley y Chuck Berry, el historiador cultural Gilbert B. Rodman argumentó que la imagen de la portada del álbum, «de Elvis pasándoselo como nunca en el escenario con una guitarra en las manos desempeñó un papel crucial en el posicionamiento de la guitarra… como el instrumento que mejor captaba el estilo y el espíritu de esta nueva música».

El 3 de abril, Presley hizo la primera de sus dos apariciones en el programa de la NBC Milton Berle Show. Su actuación, en la cubierta del USS Hancock en San Diego, California, provocó vítores y gritos de un público de marineros y sus parejas. Unos días más tarde, un vuelo que llevaba a Presley y a su banda a Nashville para una sesión de grabación dejó a los tres muy tocados cuando un motor se paró y el avión estuvo a punto de caer sobre Arkansas. Doce semanas después de su lanzamiento original, «Heartbreak Hotel» se convirtió en el primer número uno del pop de Presley. A finales de abril, Presley comenzó una residencia de dos semanas en el New Frontier Hotel and Casino de Las Vegas Strip. Los espectáculos no fueron bien recibidos por los conservadores huéspedes del hotel, de mediana edad, «como una jarra de licor de maíz en una fiesta de champán», escribió un crítico de Newsweek. Durante su estancia en Las Vegas, Presley, que tenía serias ambiciones como actor, firmó un contrato de siete años con Paramount Pictures. A mediados de mayo inició una gira por el Medio Oeste, en la que visitó 15 ciudades en otros tantos días. Había asistido a varios espectáculos de Freddie Bell and the Bellboys en Las Vegas y le llamó la atención su versión de «Hound Dog», un éxito de 1953 para la cantante de blues Big Mama Thornton, obra de los compositores Jerry Leiber y Mike Stoller. Se convirtió en el nuevo número de cierre de su actuación. Tras un concierto en La Crosse (Wisconsin), el director del FBI, J. Edgar Hoover, recibió un mensaje urgente con el membrete del periódico de la diócesis católica local. En él se advertía de que «Presley es un peligro definitivo para la seguridad de Estados Unidos.  … las acciones y los movimientos eran tales que despertaban las pasiones sexuales de los jóvenes adolescentes. … Después del espectáculo, más de 1.000 adolescentes intentaron entrar en la habitación de Presley en el auditorio.  … Indicios del daño que Presley hizo justo en La Crosse fueron las dos chicas de instituto … cuyo abdomen y muslo tenían el autógrafo de Presley».

La segunda aparición en el Show de Milton Berle se produjo el 5 de junio en los estudios de Hollywood de la NBC, en medio de otra agitada gira. Berle convenció a Presley para que dejara su guitarra entre bastidores, aconsejándole: «Deja que te vean, hijo». Durante la actuación, Presley interrumpió bruscamente una interpretación a ritmo acelerado de «Hound Dog» con un gesto del brazo y se lanzó a una versión lenta y machacona acentuada con enérgicos y exagerados movimientos corporales. Los giros de Presley crearon una tormenta de controversia. Los críticos de televisión se indignaron: Jack Gould, de The New York Times, escribió: «El Sr. Presley no tiene ninguna habilidad perceptible para cantar.  … Su fraseo, si es que puede llamarse así, consiste en las variaciones estereotipadas que acompañan al aria de un principiante en una bañera. … Su única especialidad es un movimiento acentuado del cuerpo … identificado principalmente con el repertorio de las rubias explosivas de la pasarela burlesque». Ben Gross, del New York Daily News, opinaba que la música popular «ha llegado a sus cotas más bajas con las payasadas de »gruñidos e ingles» de un tal Elvis Presley.  … Elvis, que gira la pelvis … dio una exhibición sugerente y vulgar, teñida del tipo de animalismo que debería confinarse a los antros y burdeles». Ed Sullivan, cuyo programa de variedades era el más popular del país, le declaró «no apto para ver en familia». Para disgusto de Presley, pronto empezó a ser conocido como «Elvis el Pelvis», a la que llamó «una de las expresiones más infantiles que he oído, viniendo de un adulto».

Los programas de Berle tuvieron tanta audiencia que Presley fue contratado para una aparición el 1 de julio en el programa de Steve Allen de la NBC en Nueva York. Allen, nada aficionado al rock and roll, presentó a un «nuevo Elvis» con pajarita blanca y frac negro. Presley cantó «Hound Dog» durante menos de un minuto ante un basset hound que llevaba sombrero de copa y pajarita. Según describe el historiador de televisión Jake Austen, «Allen pensaba que Presley carecía de talento y era absurdo… preparó las cosas para que Presley mostrara su contrición». Allen escribió más tarde que Presley le resultaba «extraño, desgarbado, con su carisma de chico de campo, su dulzura difícil de definir y su encantadora excentricidad intrigante» y que simplemente lo integró en el habitual «tejido cómico» de su programa. Justo antes del ensayo final del programa, Presley le dijo a un periodista: «Estoy aguantando en este programa. No quiero hacer nada que disguste a la gente. Creo que la televisión es importante, así que voy a ir, pero no podré dar el tipo de espectáculo que doy en una aparición personal.» Presley volvería a referirse al programa de Allen como la actuación más ridícula de su carrera. Esa misma noche, apareció en Hy Gardner Calling, un popular programa de televisión local. Cuando le preguntaron si había aprendido algo de las críticas a las que estaba siendo sometido, Presley respondió: «No, no lo he hecho, no siento que esté haciendo nada mal. … No veo cómo cualquier tipo de música podría tener una mala influencia en la gente cuando sólo es música. … Quiero decir, ¿cómo podría la música rock »n» roll hacer que alguien se rebelara contra sus padres?».

Al día siguiente, Presley grabó «Hound Dog», junto con «Any Way You Want Me» y «Don»t Be Cruel». Los Jordanaires cantaron en armonía, como habían hecho en The Steve Allen Show; trabajarían con Presley durante toda la década de 1960. Unos días después, Presley dio un concierto al aire libre en Memphis, en el que anunció: «Sabéis, esa gente de Nueva York no me va a cambiar nada. Voy a mostrarles cómo es el verdadero Elvis esta noche». En agosto, un juez de Jacksonville, Florida, ordenó a Presley domar su actuación. A lo largo de la siguiente actuación, se mantuvo en gran medida quieto, excepto para mover su dedo meñique sugestivamente en burla de la orden. El sencillo «Don»t Be Cruel» y «Hound Dog» ocupó el primer puesto de las listas de éxitos durante 11 semanas, una marca que no volvería a superarse en 36 años. Las sesiones de grabación del segundo álbum de Presley tuvieron lugar en Hollywood durante la primera semana de septiembre. Leiber y Stoller, los autores de «Hound Dog», contribuyeron con «Love Me».

El programa de Allen con Presley había superado por primera vez en audiencia al Ed Sullivan Show de la CBS. Sullivan, a pesar de su declaración de junio, contrató a Presley para tres apariciones por una cifra sin precedentes de 50.000 dólares. La primera, el 9 de septiembre de 1956, fue vista por unos 60 millones de telespectadores, un récord del 82,6 por ciento de la audiencia televisiva. El actor Charles Laughton presentó el programa mientras Sullivan se recuperaba de un accidente de coche. Presley apareció en dos segmentos esa noche desde CBS Television City en Los Ángeles. Según la leyenda de Elvis, a Presley sólo le dispararon de cintura para arriba. Viendo clips de los programas de Allen y Berle con su productor, Sullivan había opinado que Presley «tiene algún tipo de dispositivo colgando debajo de la entrepierna de sus pantalones-así que cuando mueve sus piernas hacia adelante y hacia atrás puedes ver el contorno de su polla. … Creo que es una botella de Coca-Cola. … No podemos tener esto un domingo por la noche. Es un programa familiar». Sullivan dijo públicamente a TV Guide: «En cuanto a sus giros, todo se puede controlar con planos de cámara». De hecho, Presley aparecía de pies a cabeza en el primer y segundo programa. Aunque el trabajo de cámara fue relativamente discreto durante su debut, con primeros planos que ocultaban las piernas cuando bailaba, el público del estudio reaccionó al estilo habitual: gritando. La presentación de Presley de su próximo sencillo, la balada «Love Me Tender», provocó un récord de un millón de pedidos anticipados. Más que ningún otro acontecimiento, fue esta primera aparición en The Ed Sullivan Show lo que convirtió a Presley en una celebridad nacional de proporciones sin precedentes.

El ascenso a la fama de Presley vino acompañado de un cambio cultural que él ayudó a inspirar y llegó a simbolizar. Presley inició la «mayor locura pop desde Glenn Miller y Frank Sinatra… Presley introdujo el rock»n»roll en la cultura popular», escribe el historiador Marty Jezer. «Cuando Presley marcó el ritmo artístico, otros artistas le siguieron.  … Presley, más que nadie, hizo que los jóvenes creyeran en sí mismos como una generación distinta y de algún modo unificada: la primera en Estados Unidos que sintió el poder de una cultura juvenil integrada.»

La respuesta del público en los conciertos de Presley era cada vez más febril. Moore recordaba: «Empezaba diciendo: »You ain»t nothin» but a Hound Dog», y se volvían locos. Siempre reaccionaban igual. Siempre había disturbios». En los dos conciertos que ofreció en septiembre en el Mississippi-Alabama Fair and Dairy Show, se añadieron 50 guardias nacionales a la seguridad policial para garantizar que la multitud no causara disturbios. Elvis, el segundo álbum de Presley para RCA Victor, se publicó en octubre y alcanzó rápidamente el número uno en la lista de ventas. El álbum incluye «Old Shep», que cantó en el concurso de talentos en 1945, y que ahora marcó la primera vez que tocaba el piano en una sesión de RCA Victor. Según Guralnick, se puede oír «en los acordes entrecortados y el ritmo un tanto a trompicones tanto la inconfundible emoción como la igualmente inconfundible valoración de la emoción por encima de la técnica». Al evaluar el impacto musical y cultural de las grabaciones de Presley desde «That»s All Right» hasta Elvis, el crítico de rock Dave Marsh escribió que «estos discos, más que ningún otro, contienen las semillas de lo que fue el rock & roll, de lo que ha sido y, muy probablemente, de lo que previsiblemente puede llegar a ser».

Presley volvió al programa de Sullivan en su estudio principal de Nueva York, presentado esta vez por su homónimo, el 28 de octubre. Tras la actuación, multitudes de Nashville y San Luis le quemaron en efigie. Su primera película, Love Me Tender, se estrenó el 21 de noviembre. Aunque no era el actor principal, el título original de la película -The Reno Brothers- se cambió para aprovechar su último disco número uno: «Love Me Tender» había alcanzado el primer puesto de las listas a principios de ese mes. Para aprovechar aún más la popularidad de Presley, se añadieron cuatro números musicales a lo que originalmente era un papel de actuación. La película fue rechazada por la crítica, pero funcionó muy bien en taquilla. Presley sería el protagonista de todas sus películas posteriores.

El 4 de diciembre, Presley se dejó caer por Sun Records, donde Carl Perkins y Jerry Lee Lewis estaban grabando, e improvisó una jam session con Johnny Cash. Aunque Phillips ya no tenía derecho a publicar ningún material de Presley, se aseguró de que la sesión quedara grabada. Los resultados, que no se publicaron oficialmente durante 25 años, se conocieron como las grabaciones del «Million Dollar Quartet». El año terminó con un artículo de portada en The Wall Street Journal en el que se informaba de que los productos de Presley habían supuesto 22 millones de dólares además de sus ventas de discos, y con la declaración de Billboard de que había colocado más canciones en el top 100 que ningún otro artista desde que se empezaron a catalogar los discos. En su primer año completo en RCA Victor, entonces la mayor compañía de la industria discográfica, Presley había representado más del 50 por ciento de las ventas de singles del sello.

Presley hizo su tercera y última aparición en el Ed Sullivan Show el 6 de enero de 1957; en esta ocasión, de hecho, sólo apareció de cintura para abajo. Algunos comentaristas han afirmado que Parker orquestó una apariencia de censura para generar publicidad. En cualquier caso, como describe el crítico Greil Marcus, Presley «no se ató». Dejando atrás la ropa anodina que había llevado en las dos primeras actuaciones, salió con el extravagante atuendo de un pachá, cuando no de una chica de harén. Desde el maquillaje sobre los ojos, el pelo cayéndole en la cara, el matiz abrumadoramente sexual de su boca, estaba interpretando a Rudolph Valentino en El jeque, con todas las paradas fuera». Para terminar, haciendo gala de su talento y desafiando los deseos de Sullivan, Presley cantó un suave espiritual negro, «Peace in the Valley». Al final del espectáculo, Sullivan declaró que Presley era «un chico muy decente». Dos días después, la junta de reclutamiento de Memphis anunció que Presley sería clasificado 1-A y que probablemente sería reclutado en algún momento de ese año.

Cada uno de los tres singles de Presley lanzados en la primera mitad de 1957 llegó al número uno: «Too Much», «All Shook Up» y «(Let Me Be Your) Teddy Bear». Presley, que ya era una estrella internacional, atraía fans incluso allí donde su música no se publicaba oficialmente. Bajo el titular «Presley Records a Craze in Soviet» (Presley graba una locura en la Unión Soviética), The New York Times informaba de que las copias de su música en placas de rayos X desechadas alcanzaban precios elevados en Leningrado. Entre rodajes y sesiones de grabación, Presley, de 22 años, también encontró tiempo para comprar una mansión de 18 habitaciones, Graceland, el 19 de marzo de 1957, por la cantidad de 102.500 dólares. La mansión, situada a unos 14 km al sur del centro de Memphis, era para él y sus padres. Antes de la compra, Elvis grabó Loving You, la banda sonora de su segunda película, que se estrenó en julio. Fue el tercer álbum número uno consecutivo de Presley. La canción principal fue escrita por Leiber y Stoller, que luego fueron contratados para escribir cuatro de las seis canciones grabadas en las sesiones de Jailhouse Rock, la siguiente película de Presley. El equipo de compositores produjo las sesiones de Jailhouse Rock y desarrolló una estrecha relación de trabajo con Presley, que llegó a considerarlos su «amuleto de la buena suerte». «Era rápido», dijo Leiber. «Cualquier maqueta que le dabas se la sabía de memoria en diez minutos». La canción que da título al disco fue otro número uno, al igual que el EP Jailhouse Rock.

Presley emprendió tres breves giras a lo largo del año, que siguieron generando una enloquecida respuesta del público. Un periódico de Detroit sugirió que «el problema de ir a ver a Elvis Presley es que te pueden matar». Los estudiantes de Villanova le lanzaron huevos en Filadelfia, y en Vancouver la multitud se amotinó tras el final del espectáculo, destruyendo el escenario. Frank Sinatra, que había inspirado tanto el desmayo como los gritos de las adolescentes en la década de 1940, condenó el nuevo fenómeno musical. En un artículo de revista, tachó el rock and roll de «brutal, feo, degenerado, vicioso…. Fomenta reacciones casi totalmente negativas y destructivas en los jóvenes. Huele a falso. Es cantado, tocado y escrito, en su mayor parte, por cretinos. … Deploro este afrodisíaco de olor rancio». Cuando se le pidió una respuesta, Presley dijo: «Admiro al hombre. Tiene derecho a decir lo que quiera. Tiene un gran éxito y es un buen actor, pero creo que no debería haberlo dicho.  … Es una tendencia, igual que la que él afrontó cuando empezó hace años».

Leiber y Stoller estaban de nuevo en el estudio para la grabación del Álbum de Navidad de Elvis. Hacia el final de la sesión, escribieron una canción sobre la marcha a petición de Presley: «Santa Claus Is Back in Town», un blues cargado de insinuaciones. El lanzamiento navideño amplió a cuatro la serie de álbumes número uno de Presley y se convertiría en el álbum navideño más vendido de la historia en Estados Unidos, con unas ventas finales de más de 20 millones en todo el mundo. Después de la sesión, Moore y Black, que cobraban un modesto sueldo semanal y no participaban en el enorme éxito financiero de Presley, dimitieron. Aunque unas semanas más tarde volvieron a trabajar por días, estaba claro que hacía tiempo que no formaban parte del círculo íntimo de Presley. El 20 de diciembre, Presley recibió el aviso de alistamiento. Se le concedió un aplazamiento para terminar la próxima King Creole, en la que Paramount y el productor Hal Wallis ya habían invertido 350.000 dólares. Un par de semanas después de comenzar el nuevo año, «Don»t», otro tema de Leiber y Stoller, se convirtió en el décimo número uno de ventas de Presley. Habían pasado sólo 21 meses desde que «Heartbreak Hotel» le había llevado a la cima por primera vez. Las sesiones de grabación de la banda sonora de King Creole se celebraron en Hollywood a mediados de enero de 1958. Leiber y Stoller aportaron tres canciones y volvieron a estar presentes, pero sería la última vez que Presley y el dúo trabajaran juntos. Como Stoller recordaría más tarde, el mánager y el entorno de Presley trataron de apartarle: «Le echaron.  … Le mantuvieron separado». Una breve sesión de banda sonora el 11 de febrero marcó otro final: fue la última ocasión en la que Black actuaría con Presley.

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1958-1960: Servicio militar y muerte de la madre

El 24 de marzo de 1958, Presley fue reclutado por el ejército estadounidense como soldado raso en Fort Chaffee, cerca de Fort Smith, Arkansas. Su llegada fue todo un acontecimiento mediático. Cientos de personas se acercaron a Presley cuando bajó del autobús; los fotógrafos le acompañaron hasta el fuerte. Presley anunció que estaba deseando cumplir su servicio militar y dijo que no quería que le trataran de forma diferente a los demás: «El Ejército puede hacer conmigo lo que quiera».

Presley comienza el entrenamiento básico en Fort Hood, Texas. Durante un permiso de dos semanas a principios de junio, grabó cinco canciones en Nashville. A principios de agosto, a su madre le diagnosticaron hepatitis y su estado empeoró rápidamente. Presley obtuvo un permiso de emergencia para visitarla y llegó a Memphis el 12 de agosto. Dos días después, murió de un fallo cardíaco a la edad de 46 años. Presley quedó desolado y nunca volvió a ser el mismo; su relación había seguido siendo muy estrecha; incluso en su edad adulta, se hablaban como bebés y Presley se dirigía a ella con apelativos cariñosos.

Después del entrenamiento, Presley se unió a la 3ª División Blindada en Friedberg, Alemania, el 1 de octubre. Durante las maniobras, un sargento le introdujo en el mundo de las anfetaminas. Se volvió «prácticamente un evangelista de sus beneficios», no sólo para la energía sino también para la «fuerza» y la pérdida de peso, y muchos de sus amigos se unieron a él. El ejército también introdujo a Presley en el kárate, que estudió seriamente con Jürgen Seydel. Se convirtió en un interés para toda la vida, que más tarde incluyó en sus actuaciones en directo. Sus compañeros han dado fe del deseo de Presley de ser visto como un soldado capaz y corriente, a pesar de su fama, y de su generosidad. Donó su paga del Ejército a obras benéficas, compró televisores para la base y un juego extra de uniforme para cada uno de sus compañeros.

En Friedberg, Presley conoció a Priscilla Beaulieu, de 14 años. Acabarían casándose tras siete años y medio de noviazgo. En su autobiografía, Priscilla cuenta que a Presley le preocupaba que su estancia de 24 meses como soldado arruinara su carrera. En los Servicios Especiales habría podido ofrecer actuaciones musicales y seguir en contacto con el público, pero Parker le había convencido de que, para ganarse el respeto popular, debía servir a su país como soldado regular. Los medios de comunicación se hicieron eco de las preocupaciones de Presley sobre su carrera, pero Steve Sholes, productor de RCA Victor, y Freddy Bienstock, de Hill and Range, se habían preparado cuidadosamente para su parón de dos años. Armados con una cantidad sustancial de material inédito, mantuvieron un flujo regular de exitosos lanzamientos. Entre su incorporación y su despido, Presley consiguió diez éxitos entre los 40 primeros, entre ellos «Wear My Ring Around Your Neck», el éxito de ventas «Hard Headed Woman» y «One Night» en 1958, y «(Now and Then There»s) A Fool Such as I» y el número uno «A Big Hunk o» Love» en 1959. RCA Victor también generó cuatro álbumes que recopilaban material previamente emitido durante este periodo, el más exitoso Elvis» Golden Records (1958), que alcanzó el número tres en la lista de LP.

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1960-1968: El cine en el punto de mira

Presley regresó a Estados Unidos el 2 de marzo de 1960 y fue licenciado con honores tres días después con el rango de sargento. El tren que le llevó de Nueva Jersey a Tennessee fue acosado durante todo el trayecto, y Presley tuvo que aparecer en las paradas programadas para complacer a sus fans. La noche del 20 de marzo, entró en el estudio de Nashville de la RCA Victor para grabar temas para un nuevo álbum junto con un sencillo, «Stuck on You», que se publicó rápidamente y se convirtió en un éxito número uno. ¡Otra sesión de Nashville dos semanas más tarde produjo un par de sus singles más vendidos, las baladas «It»s Now or Never» y «Are You Lonesome Tonight?», junto con el resto de Elvis Is Back! El álbum incluye varias canciones descritas por Greil Marcus como llenas de «amenaza» de blues de Chicago, impulsadas por la guitarra acústica superamplificada del propio Presley, la brillante interpretación de Scotty Moore y el demoníaco trabajo de saxo de Boots Randolph. El canto de Elvis no era sexy, era pornográfico». En su conjunto, el disco «evocaba la visión de un artista que podía ser todas las cosas», según el historiador musical John Robertson: «un ídolo adolescente coqueto con un corazón de oro; un amante tempestuoso y peligroso; un cantante de blues gutbucket; un sofisticado animador de clubes nocturnos».

Presley regresó a la televisión el 12 de mayo como invitado en el programa The Frank Sinatra Timex Special, una ironía para ambas estrellas, dado que Sinatra ya había condenado el rock and roll. También conocido como Welcome Home Elvis, el programa se había grabado a finales de marzo y fue la única vez en todo el año que Presley actuó ante el público. Parker consiguió unos honorarios inauditos de 125.000 dólares por cantar ocho minutos. La emisión tuvo una enorme audiencia.

G.I. Blues, la banda sonora de la primera película de Presley desde su regreso, fue número uno en octubre. Su primer LP de material sacro, His Hand in Mine, le siguió dos meses después. Alcanzó el número 13 en la lista de éxitos pop de Estados Unidos y el número 3 en el Reino Unido, cifras notables para un álbum de gospel. En febrero de 1961, Presley actuó en dos conciertos benéficos en Memphis, a favor de 24 organizaciones benéficas locales. Durante un almuerzo previo al evento, RCA Victor le entregó una placa que certificaba unas ventas mundiales de más de 75 millones de discos. Una sesión de 12 horas en Nashville a mediados de marzo dio como resultado casi todo el siguiente álbum de estudio de Presley, Something for Everybody. Tal y como lo describe John Robertson, ejemplifica el sonido Nashville, el estilo sobrio y cosmopolita que definiría la música country en la década de 1960. Presagiando mucho de lo que vendría del propio Presley en la siguiente media década, el álbum es en gran medida «un pastiche agradable y poco amenazador de la música que una vez había sido el derecho de nacimiento de Elvis». Sería su sexto LP número uno. Otro concierto benéfico, para recaudar fondos para un monumento conmemorativo de Pearl Harbor, se celebró el 25 de marzo en Hawai. Sería la última actuación pública de Presley en siete años.

Parker había empujado a Presley a una intensa actividad cinematográfica, centrada en comedias musicales de fórmula y presupuesto modesto. Al principio, Presley insistió en buscar papeles más altos, pero cuando dos películas de corte más dramático -Flaming Star (1960) y Wild in the Country (1961)- tuvieron menos éxito comercial, volvió a la fórmula. Entre las 27 películas que rodó en la década de 1960, hubo algunas excepciones. El crítico Andrew Caine las calificó de «panteón del mal gusto». No obstante, prácticamente todas fueron rentables. Hal Wallis, que produjo nueve de ellas, declaró: «Una película de Presley es lo único seguro en Hollywood».

De las películas de Presley en la década de 1960, 15 fueron acompañadas de álbumes de bandas sonoras y otras 5 de EP de bandas sonoras. Los rápidos calendarios de producción y estreno de las películas -con frecuencia protagonizaba tres al año- afectaron a su música. Según Jerry Leiber, la fórmula de la banda sonora ya era evidente antes de que Presley se fuera al ejército: «Tres baladas, una a medio tempo, una a tempo alto y un boogie break blues». A medida que avanzaba la década, la calidad de las canciones de la banda sonora fue «empeorando progresivamente». Julie Parrish, que apareció en Paradise, Hawaiian Style (1966), dice que le disgustaban muchas de las canciones elegidas para sus películas. Gordon Stoker, de The Jordanaires, describe cómo Presley se retiraba del micrófono del estudio: «El material era tan malo que sentía que no podía cantarlo». La mayoría de los álbumes de cine incluían una o dos canciones de autores respetados, como el equipo de Doc Pomus y Mort Shuman. Pero en general, según el biógrafo Jerry Hopkins, los números parecían «escritos por encargo por hombres que nunca entendieron realmente a Elvis o el rock and roll». Independientemente de la calidad de las canciones, se ha argumentado que Presley generalmente las cantaba bien, con compromiso. El crítico Dave Marsh opinó lo contrario: «Presley no lo intenta, probablemente el camino más sabio ante material como »No Room to Rumba in a Sports Car» y »Rock-A-Hula Baby»».

En la primera mitad de la década, tres de los álbumes de bandas sonoras de Presley ocuparon el número uno en las listas de éxitos pop, y algunas de sus canciones más populares procedían de sus películas, como «Can»t Help Falling in Love» (1961) y «Return to Sender» (1962). («Viva Las Vegas», la canción que da título a la película de 1964, fue un éxito menor como cara B, y no se hizo verdaderamente popular hasta más tarde). Pero, al igual que con el mérito artístico, los beneficios comerciales disminuyeron constantemente. Durante un periodo de cinco años, de 1964 a 1968, Presley sólo tuvo un éxito entre los diez primeros: «Crying in the Chapel» (1965), un tema gospel grabado en 1960. En cuanto a los álbumes no cinematográficos, entre el lanzamiento en junio de 1962 de Pot Luck y el lanzamiento en noviembre de 1968 de la banda sonora del especial de televisión que supuso su regreso, sólo se publicó un LP con material nuevo de Presley: el álbum gospel How Great Thou Art (1967). Con él ganó su primer premio Grammy, a la mejor interpretación sacra. Como describió Marsh, Presley fue «posiblemente el mejor cantante blanco de gospel de su época, realmente el último artista de rock & roll que hizo del gospel un componente tan vital de su personalidad musical como sus canciones seculares».

Poco antes de la Navidad de 1966, más de siete años después de conocerse, Presley le propuso matrimonio a Priscilla Beaulieu. Se casaron el 1 de mayo de 1967 en una breve ceremonia en su suite del hotel Aladdin de Las Vegas. Las películas de fórmula y las bandas sonoras de serie seguían su curso. No fue hasta octubre de 1967, cuando el LP de la banda sonora de Clambake registró un récord de ventas para un nuevo álbum de Presley, que los ejecutivos de la RCA se dieron cuenta de que había un problema. «Para entonces, el daño ya estaba hecho», afirman los historiadores Connie Kirchberg y Marc Hendrickx. «Elvis era visto como una broma por los melómanos serios y como un has-been para todos menos para sus fans más fieles».

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1968-1973: Regreso

La única hija de Presley, Lisa Marie, nació el 1 de febrero de 1968, durante un periodo en el que Presley estaba muy descontento con su carrera. De los ocho singles que Presley lanzó entre enero de 1967 y mayo de 1968, sólo dos entraron en el top 40, y ninguno superó el número 28. Su próximo álbum de bandas sonoras, Speedway, se situaría en el número 82 de la lista. Su próximo álbum de bandas sonoras, Speedway, se situaría en el número 82 de la lista Billboard. Parker ya había cambiado sus planes a la televisión, donde Presley no había aparecido desde el programa Timex de Sinatra en 1960. Maniobró un acuerdo con la NBC por el que la cadena se comprometía a financiar un largometraje y a emitir un especial de Navidad.

Grabado a finales de junio en Burbank, California, el especial, llamado simplemente Elvis, se emitió el 3 de diciembre de 1968. Más tarde conocido como el Comeback Special del 68, el programa presentaba producciones de estudio profusamente escenificadas, así como canciones interpretadas con una banda frente a una pequeña audiencia: las primeras actuaciones en directo de Presley desde 1961. En los segmentos en directo se veía a Presley vestido de cuero negro ajustado, cantando y tocando la guitarra con un estilo desinhibido que recordaba a sus primeros días de rock and roll. El director y coproductor Steve Binder había trabajado duro para producir un espectáculo que distaba mucho de la hora de canciones navideñas que Parker había planeado originalmente. El programa, el de mayor audiencia de la NBC esa temporada, captó el 42 por ciento de la audiencia total. Jon Landau, de la revista Eye, comentó: «Hay algo mágico en ver a un hombre que se ha perdido a sí mismo encontrar el camino de vuelta a casa. Cantó con la fuerza que la gente ya no espera de los cantantes de rock and roll. Movió su cuerpo con una falta de pretensión y esfuerzo que debió poner verde de envidia a Jim Morrison». Dave Marsh califica la actuación de «grandeza emocional y resonancia histórica».

En enero de 1969, el sencillo «If I Can Dream», escrito para el especial, alcanzó el número 12. El álbum de la banda sonora llegó al top ten. Según su amigo Jerry Schilling, el especial le recordó a Presley lo que «no había podido hacer durante años, poder elegir a la gente; poder elegir qué canciones y que no le dijeran lo que tenía que estar en la banda sonora.  … Había salido de la cárcel». Binder comentó la reacción de Presley: «Le puse a Elvis el programa de 60 minutos y me dijo en la sala de proyección: »Steve, es lo más grande que he hecho en mi vida. Te doy mi palabra de que nunca cantaré una canción en la que no crea»».

Animado por la experiencia del Comeback Special, Presley se embarcó en una prolífica serie de sesiones de grabación en el American Sound Studio, que desembocaron en el aclamado From Elvis in Memphis. Publicado en junio de 1969, fue su primer álbum secular, sin banda sonora, de un periodo dedicado en el estudio en ocho años. Como lo describe Dave Marsh, es «una obra maestra en la que Presley se pone inmediatamente al día con las tendencias de la música pop que habían parecido pasarle de largo durante los años de las películas. Canta canciones country, soul y rockeras con verdadera convicción, un logro asombroso». El álbum incluyó el exitoso single «In the Ghetto», publicado en abril, que alcanzó el número tres en la lista de éxitos pop, el primer éxito no gospel de Presley desde «Bossa Nova Baby» en 1963. De las sesiones del American Sound se extrajeron otros singles de éxito: «Suspicious Minds», «Don»t Cry Daddy» y «Kentucky Rain».

Presley deseaba reanudar sus actuaciones en directo. Tras el éxito del Comeback Special, llegaron ofertas de todo el mundo. El London Palladium ofreció a Parker 28.000 dólares por una actuación de una semana. Él respondió: «Eso está bien para mí, ahora ¿cuánto puedes conseguir por Elvis?». En mayo, el flamante International Hotel de Las Vegas, con la mayor sala de espectáculos de la ciudad, anunció que había contratado a Presley. Tenía programadas 57 actuaciones en cuatro semanas, a partir del 31 de julio. Moore, Fontana y los Jordanaires declinaron participar, temerosos de perder el lucrativo trabajo de sesión que tenían en Nashville. Presley reunió un nuevo acompañamiento de primera categoría, liderado por el guitarrista James Burton y que incluía a dos grupos de gospel, The Imperials y Sweet Inspirations. El diseñador de vestuario Bill Belew, responsable del intenso estilismo de cuero del Comeback Special, creó un nuevo look escénico para Presley, inspirado en su pasión por el kárate. Sin embargo, estaba nervioso: su única actuación anterior en Las Vegas, en 1956, había sido pésima. Parker, que pretendía convertir el regreso de Presley en el acontecimiento del mundo del espectáculo del año, supervisó una gran campaña promocional. Por su parte, el propietario del hotel, Kirk Kerkorian, organizó el envío de su propio avión a Nueva York para que los periodistas del mundo del rock asistieran a la actuación inaugural.

Presley subió al escenario sin presentación. Los 2.200 espectadores, entre los que había muchas celebridades, le dedicaron una ovación antes de que cantara una nota y otra después de su actuación. Una tercera siguió a su bis, «Can»t Help Falling in Love» (una canción que sería su número de cierre durante gran parte de la década de 1970). En una rueda de prensa posterior al concierto, cuando un periodista se refirió a él como «El Rey», Presley señaló a Fats Domino, que estaba contemplando la escena. «No», dijo Presley, «ése es el verdadero rey del rock and roll». Al día siguiente, las negociaciones de Parker con el hotel dieron como resultado un contrato de cinco años para que Presley tocara cada febrero y agosto, con un salario anual de un millón de dólares. Newsweek comentó: «Hay varias cosas increíbles sobre Elvis, pero la más increíble es su poder de permanencia en un mundo en el que las carreras meteóricas se desvanecen como estrellas fugaces.» Rolling Stone calificó a Presley de «sobrenatural, su propia resurrección». En noviembre se estrenó la última película de Presley sin concierto, Change of Habit. El doble álbum From Memphis to Vegas

Cassandra Peterson, que más tarde sería Elvira en la televisión, conoció a Presley durante este periodo en Las Vegas, donde trabajaba como corista. De su encuentro, recuerda: «Cuando le conocí, era muy contrario a las drogas. Le dije que fumaba marihuana y se quedó horrorizado. Me dijo: »No vuelvas a hacerlo»». Presley no sólo se oponía profundamente a las drogas recreativas, sino que rara vez bebía. Varios miembros de su familia habían sido alcohólicos, un destino que él pretendía evitar.

Presley regresó al International a principios de 1970 para el primero de los compromisos de dos meses del año, actuando dos veces por noche. Las grabaciones de estos conciertos se publicaron en el álbum On Stage. A finales de febrero, Presley ofreció seis conciertos en el Astrodome de Houston que batieron récords de asistencia. En abril, se publicó el sencillo «The Wonder of You», un éxito número uno en el Reino Unido que también encabezó la lista de canciones contemporáneas para adultos en Estados Unidos. Metro-Goldwyn-Mayer filmó ensayos y conciertos en el International durante el mes de agosto para el documental Elvis: That»s the Way It Is. Presley actuaba con un mono, que se convertiría en una marca registrada de su actuación en directo. Durante esta actuación, le amenazaron de muerte si no pagaba 50.000 dólares. Presley había sido objeto de numerosas amenazas desde la década de 1950, a menudo sin su conocimiento. El FBI se tomó en serio la amenaza y se reforzó la seguridad en los dos siguientes conciertos. Presley subió al escenario con una Derringer en la bota derecha y una pistola del 45 en la cintura, pero los conciertos transcurrieron sin incidentes.

El álbum That»s the Way It Is, producido para acompañar el documental y que incluía grabaciones de estudio y en directo, marcó un cambio estilístico. Como señaló el historiador de la música John Robertson, «la autoridad de Presley al cantar ayudó a disimular el hecho de que el álbum se alejaba decisivamente de la inspiración de las raíces americanas de las sesiones de Memphis hacia un sonido más intermedio». Con el country en un segundo plano y el soul y el R&B en Memphis, lo que quedó fue un pop blanco muy elegante y limpio, perfecto para el público de Las Vegas, pero un claro paso atrás para Elvis». Tras finalizar su compromiso internacional el 7 de septiembre, Presley se embarcó en una gira de conciertos de una semana, principalmente por el sur, la primera desde 1958. Otra gira de una semana, por la costa oeste, le siguió en noviembre.

El 21 de diciembre de 1970, Presley organizó una reunión con el presidente Richard Nixon en la Casa Blanca, donde expresó su patriotismo y explicó cómo creía que podía llegar a los hippies para ayudar a combatir la cultura de la droga que él y el presidente aborrecían. Pidió a Nixon una insignia de la Oficina de Estupefacientes y Drogas Peligrosas, para añadirla a otros objetos similares que había empezado a coleccionar y que significaban la sanción oficial de sus esfuerzos patrióticos. Nixon, que aparentemente encontró incómodo el encuentro, expresó su convencimiento de que Presley podía enviar un mensaje positivo a los jóvenes y que, por lo tanto, era importante que «mantuviera su credibilidad». Presley le dijo a Nixon que los Beatles, cuyas canciones interpretaba regularmente en concierto durante la época, ejemplificaban lo que él veía como una tendencia de antiamericanismo. Presley y sus amigos habían tenido una reunión de cuatro horas con los Beatles en su casa de Bel Air, California, en agosto de 1965. Al enterarse de la reunión, Paul McCartney dijo más tarde que «se sintió un poco traicionado.  … La gran broma era que tomábamos drogas, y mira lo que le pasó», en referencia a la temprana muerte de Presley, relacionada con el abuso de medicamentos recetados.

El 16 de enero de 1971, la Cámara de Comercio Juvenil de EE.UU. nombró a Presley uno de sus Diez Jóvenes Más Destacados de la Nación. Poco después, la ciudad de Memphis denominó «Elvis Presley Boulevard» al tramo de la autopista 51 Sur en el que se encuentra Graceland. Ese mismo año, Presley se convirtió en el primer cantante de rock and roll en recibir el Lifetime Achievement Award (entonces conocido como Bing Crosby Award) de la National Academy of Recording Arts and Sciences, la organización de los premios Grammy. En 1971 se publicaron tres nuevos álbumes de estudio de Presley que no eran películas, tantos como los que habían salido en los ocho años anteriores. El mejor recibido por la crítica fue Elvis Country, un disco conceptual centrado en los estándares del género. El más vendido fue Elvis Sings the Wonderful World of Christmas, «la declaración más verdadera de todas», según Greil Marcus. «En medio de diez canciones navideñas dolorosamente gentiles, cada una cantada con una sinceridad y humildad espantosas, uno podía encontrar a Elvis abriéndose camino a través de seis minutos ardientes de »Merry Christmas Baby», un viejo blues lascivo de Charles Brown.  … Si el pecado era su falta de vida, era su pecaminosidad lo que le daba vida».

MGM volvió a filmar a Presley en abril de 1972, esta vez para Elvis on Tour, que ganó el Globo de Oro a la mejor película documental de ese año. Su álbum gospel He Touched Me, publicado ese mes, le valdría su segundo premio Grammy, a la Mejor Interpretación Inspiradora. La gira de 14 fechas comenzó con cuatro conciertos consecutivos con todas las entradas agotadas en el Madison Square Garden de Nueva York. El concierto nocturno del 10 de julio se grabó y publicó en forma de LP una semana más tarde. Elvis: As Recorded at Madison Square Garden se convirtió en uno de los álbumes más vendidos de Presley. Después de la gira, se publicó el single «Burning Love», el último éxito de Presley entre los diez primeros de la lista de éxitos de Estados Unidos. «El single más emocionante que Elvis ha hecho desde »All Shook Up»», escribió el crítico de rock Robert Christgau. «¿Quién más podría hacer que »It»s coming closer, the flames are now licking my body» sonara como una cesión con la banda de acompañamiento de James Brown?».

Mientras tanto, Presley y su esposa se habían distanciado cada vez más y apenas convivían. En 1971, una aventura que tuvo con Joyce Bova provocó -sin que él lo supiera- el embarazo de ella y un aborto. A menudo planteaba la posibilidad de que ella se mudara a Graceland, diciendo que era probable que dejara a Priscilla. Los Presley se separaron el 23 de febrero de 1972, después de que Priscilla revelara su relación con Mike Stone, un instructor de kárate que Presley le había recomendado. Priscilla contó que cuando se lo dijo, Presley «la agarró… y le hizo el amor a la fuerza», declarando: «Así es como un hombre de verdad hace el amor con su mujer». Más tarde declaró en una entrevista que se arrepentía de las palabras que había elegido al describir el incidente, y dijo que había sido una exageración. Cinco meses después, la nueva novia de Presley, Linda Thompson, compositora y antigua reina de la belleza de Memphis, se fue a vivir con él. Presley y su esposa solicitaron el divorcio el 18 de agosto. Según Joe Moscheo, de los Imperials, el fracaso del matrimonio de Presley «fue un golpe del que nunca se recuperó». En una conferencia de prensa poco habitual ese mes de junio, un periodista había preguntado a Presley si estaba satisfecho con su imagen. Presley respondió: «Bueno, una cosa es la imagen y otra el ser humano… es muy difícil estar a la altura de una imagen».

En enero de 1973, Presley ofreció dos conciertos benéficos para la Kui Lee Cancer Fund en relación con un innovador especial de televisión, Aloha from Hawaii, que sería el primer concierto de un artista en solitario emitido en todo el mundo. El primer concierto sirvió de ensayo y de reserva en caso de que problemas técnicos afectaran a la emisión en directo dos días más tarde. El 14 de enero, Aloha from Hawaii se retransmitió en directo vía satélite en horario de máxima audiencia en Japón, Corea del Sur, Tailandia, Filipinas, Australia y Nueva Zelanda, así como para los militares estadounidenses destinados en el sudeste asiático. En Japón, donde culminó la Semana de Elvis Presley, batió récords de audiencia. A la noche siguiente, se emitió simultáneamente en 28 países europeos y, en abril, una versión ampliada se emitió finalmente en Estados Unidos, donde obtuvo un 57% de la audiencia televisiva. Con el tiempo, Parker afirmó que había sido visto por mil millones de personas o más, pero esa cifra parecía haber sido pura invención. El traje de escenario de Presley se convirtió en el ejemplo más reconocido del elaborado atuendo de concierto con el que se asoció estrechamente a su personaje de los últimos tiempos. Como describió Bobbie Ann Mason: «Al final del espectáculo, cuando extiende su capa American Eagle, con las alas del águila completamente estiradas y tachonadas en la espalda, se convierte en una figura divina». El álbum doble que lo acompañaba, publicado en febrero, alcanzó el número uno y llegó a vender más de 5 millones de copias en Estados Unidos. Resultó ser el último álbum pop estadounidense número uno de Presley en vida.

Ese mismo mes, en un concierto a medianoche, cuatro hombres se abalanzaron sobre el escenario en un aparente ataque. Los hombres de seguridad acudieron en defensa de Presley y él mismo expulsó del escenario a uno de los invasores. Tras el concierto, se obsesionó con la idea de que los hombres habían sido enviados por Mike Stone para matarle. Aunque se demostró que no eran más que fans exaltados, se enfureció: «Hay demasiado dolor en mí… Stone muera». Sus arrebatos continuaron con tal intensidad que un médico fue incapaz de calmarle, a pesar de administrarle grandes dosis de medicación. Tras otros dos días enteros de furia, Red West, su amigo y guardaespaldas, se sintió obligado a conseguir un precio por un asesinato a sueldo y se sintió aliviado cuando Presley decidió: «Ah, diablos, dejémoslo por ahora. Quizá sea un poco pesado».

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1973-1977: deterioro de la salud y muerte

El divorcio de Presley finalizó el 9 de octubre de 1973. Para entonces, su salud estaba muy deteriorada. En dos ocasiones durante el año, sufrió una sobredosis de barbitúricos, pasando tres días en coma en la suite de su hotel tras el primer incidente. A finales de 1973, fue hospitalizado, semicomatoso por los efectos de una adicción a la petidina. Según su médico de cabecera, el Dr. George C. Nichopoulos, Presley «sentía que al conseguir drogas de un médico, no era el yonqui común y corriente que consigue algo en la calle». Desde su regreso, había realizado más actuaciones en directo cada año que pasaba, y en 1973 ofreció 168 conciertos, su agenda más apretada. A pesar de su débil salud, en 1974 emprendió otra intensa gira.

El estado de Presley empeoró precipitadamente en septiembre. El teclista Tony Brown recordaba la llegada de Presley a un concierto en la Universidad de Maryland: «Se cayó de la limusina, de rodillas. La gente saltó a ayudarle, y él les apartó como diciendo: »No me ayudéis». Subió al escenario y se agarró al micro durante los primeros treinta minutos como si fuera un poste. Todo el mundo se miraba como diciendo: »¿Se va a hacer la gira?». El guitarrista John Wilkinson recuerda: «Era todo tripa. Balbuceaba. Estaba tan jodido… Era obvio que estaba drogado. Era obvio que había algo terriblemente mal en su cuerpo. Estaba tan mal que las letras de las canciones apenas eran inteligibles.  … Recuerdo haber llorado. Apenas podía hacer las presentaciones». Wilkinson contó que unas noches después, en Detroit, «le vi en su camerino, tirado en una silla, incapaz de moverse. A menudo pensaba: »Jefe, ¿por qué no cancela esta gira y se toma un año sabático? Una vez mencioné algo en un momento de cautela. Me dio una palmadita en la espalda y me dijo: »Todo irá bien. No te preocupes»». Presley siguió tocando ante multitudes que agotaban las entradas. La crítica cultural Marjorie Garber escribió que ahora era visto como un cantante pop chillón: «En efecto, se había convertido en Liberace. Incluso sus fans eran ahora matronas de mediana edad y abuelas de pelo azul».

El 13 de julio de 1976, Vernon Presley -que se había involucrado profundamente en los asuntos financieros de su hijo- despidió a los guardaespaldas de la «Memphis Mafia» Red West (amigo de Presley desde los años cincuenta), Sonny West y David Hebler, alegando la necesidad de «recortar gastos». Presley se encontraba en Palm Springs en ese momento, y algunos sugirieron que era demasiado cobarde para enfrentarse a los tres él mismo. Otro socio de Presley, John O»Grady, argumentó que se había prescindido de los guardaespaldas porque su trato brusco con los fans había provocado demasiadas demandas. Sin embargo, el hermanastro de Presley, David Stanley, afirmó que los guardaespaldas fueron despedidos porque cada vez hablaban más abiertamente de la drogodependencia de Presley.

RCA, que siempre había disfrutado de un flujo constante de productos de Presley, empezó a inquietarse a medida que disminuía su interés por el estudio de grabación. Después de una sesión en diciembre de 1973 que produjo 18 canciones, suficiente para casi dos álbumes, Presley no hizo ninguna grabación de estudio oficial en 1974. Parker entregó a RCA otro disco de concierto, Elvis Recorded Live on Stage in Memphis. Grabado el 20 de marzo, incluía una versión de «How Great Thou Art» que le valdría a Presley su tercer y último Grammy. (Sus tres premios Grammy competitivos -de un total de 14 nominaciones- fueron por grabaciones de gospel). Presley regresó al estudio de grabación en Hollywood en marzo de 1975, pero los intentos de Parker de organizar otra sesión hacia finales de año fueron infructuosos. En 1976, RCA envió una unidad móvil de grabación a Graceland que hizo posible dos sesiones de grabación a gran escala en casa de Presley. Incluso en ese cómodo contexto, el proceso de grabación se había convertido en una lucha para él.

A pesar de las preocupaciones de RCA y Parker, entre julio de 1973 y octubre de 1976, Presley grabó prácticamente todo el contenido de seis álbumes. Aunque ya no era una presencia importante en las listas de pop, cinco de esos álbumes entraron entre los cinco primeros de la lista de country, y tres llegaron al número uno: Promised Land (1975), From Elvis Presley Boulevard, Memphis, Tennessee (1976) y Moody Blue (1977). Del mismo modo, sus singles de esta época no llegaron a ser grandes éxitos pop, pero Presley siguió siendo una fuerza significativa en los mercados country y de música contemporánea para adultos. Ocho sencillos de estudio de este periodo publicados en vida del cantante se situaron entre los diez primeros en una o ambas listas, cuatro de ellos sólo en 1974. «My Boy» fue número uno en 1975, y «Moody Blue» encabezó la lista de country y alcanzó el segundo puesto en la de música contemporánea para adultos en 1976. Quizás su grabación más aclamada por la crítica de la época llegó ese año, con lo que Greil Marcus describió como su «ataque apocalíptico» al clásico del soul «Hurt». Dave Marsh escribió sobre la actuación de Presley: «Si se sentía como sonaba, la maravilla no es que sólo le quedara un año de vida, sino que consiguiera sobrevivir tanto tiempo».

Presley y Linda Thompson se separaron en noviembre de 1976, y él se fue con una nueva novia, Ginger Alden. Le propuso matrimonio a Alden y le dio un anillo de compromiso dos meses después, aunque varios de sus amigos afirmaron más tarde que no tenía ninguna intención seria de volver a casarse. El periodista Tony Scherman escribió que a principios de 1977, «Presley se había convertido en una grotesca caricatura de su elegante y enérgico yo de antes. Con un enorme sobrepeso, la mente embotada por la farmacopea que ingería a diario, apenas era capaz de tirar de sí mismo en sus abreviados conciertos.» En Alexandria, Luisiana, estuvo en el escenario menos de una hora y «era imposible entenderle». El 31 de marzo, Presley canceló una actuación en Baton Rouge, incapaz de levantarse de la cama del hotel; en total hubo que cancelar y reprogramar cuatro actuaciones. A pesar del acelerado deterioro de su salud, Presley cumplió la mayoría de sus compromisos de gira. Según Guralnick, los fans «eran cada vez más locuaces en cuanto a su decepción, pero todo parecía pasar inadvertido para Presley, cuyo mundo estaba ahora confinado casi por completo a su habitación y sus libros de espiritismo». Billy Smith, primo de Presley, recordaba cómo éste se sentaba en su habitación y charlaba durante horas, a veces contando sus sketches favoritos de los Monty Python y sus propias aventuras pasadas, pero más a menudo atenazado por obsesiones paranoicas que a Smith le recordaban a Howard Hughes.

«Way Down», el último sencillo de Presley emitido en vida, se publicó el 6 de junio de 1977. Ese mes, la CBS grabó dos conciertos para un especial de televisión, Elvis in Concert, que se emitiría en octubre. En el primero, grabado en Omaha el 19 de junio, la voz de Presley, escribe Guralnick, «es casi irreconocible, un instrumento pequeño e infantil en el que habla más que canta en la mayoría de las canciones, busca inciertamente la melodía en otras y es prácticamente incapaz de articular o proyectar». Dos días más tarde, en Rapid City (Dakota del Sur), «parecía más sano, había adelgazado un poco y también sonaba mejor», aunque, al final de la actuación, su rostro estaba «enmarcado en un casco de pelo negro azulado del que caían láminas de sudor sobre unas mejillas pálidas e hinchadas». El último concierto de Presley se celebró en Indianápolis, en el Market Square Arena, el 26 de junio de 1977.

El 1 de agosto se publicó el libro Elvis: What Happened?, coescrito por los tres guardaespaldas despedidos el año anterior, se publicó el 1 de agosto. Fue la primera revelación que detallaba los años de abuso de drogas de Presley. El libro le destrozó e intentó sin éxito detener su publicación ofreciendo dinero a los editores. A esas alturas padecía glaucoma, hipertensión, daños en el hígado y agrandamiento del colon, todos ellos agravados -y posiblemente causados- por el consumo de drogas.

La noche del martes 16 de agosto de 1977, Presley tenía previsto volar desde Memphis para iniciar otra gira. Esa tarde, Ginger Alden lo descubrió en el suelo de un cuarto de baño, inconsciente. Según su relato como testigo presencial, «Elvis parecía como si todo su cuerpo se hubiera congelado completamente en posición sentada mientras utilizaba el inodoro y luego hubiera caído hacia delante, en esa posición fija, directamente frente a él.  … Estaba claro que, desde el momento en que lo que fuera le golpeó hasta que aterrizó en el suelo, Elvis no se había movido». Los intentos de reanimarlo fracasaron y fue declarado muerto en el Baptist Memorial Hospital a las 15.30 horas.

El Presidente Jimmy Carter emitió un comunicado en el que reconocía que Presley había «cambiado para siempre la faz de la cultura popular estadounidense». Miles de personas se congregaron frente a Graceland para ver el ataúd abierto. Uno de los primos de Presley, Billy Mann, aceptó 18.000 dólares por fotografiar en secreto el cadáver; la foto apareció en la portada del número más vendido de la revista National Enquirer. Alden llegó a un acuerdo de 105.000 dólares con el Enquirer por su historia, pero se conformó con menos cuando rompió su acuerdo de exclusividad. Presley no le dejó nada en su testamento.

El funeral de Presley se celebró en Graceland el jueves 18 de agosto. Fuera de las puertas, un coche arrolló a un grupo de fans, matando a dos mujeres jóvenes e hiriendo de gravedad a una tercera. Unas 80.000 personas recorrieron la procesión hasta el cementerio de Forest Hill, donde Presley fue enterrado junto a su madre. A las pocas semanas, «Way Down» encabezó las listas de singles del país y del Reino Unido. Tras un intento de robo a finales de agosto, los restos de Presley y de su madre fueron exhumados y enterrados de nuevo en el jardín de meditación de Graceland el 2 de octubre.

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Causa de la muerte

Cuando aún se estaba realizando la autopsia, emprendida el mismo día de la muerte de Presley, el forense de Memphis Jerry Francisco anunció que la causa inmediata de la muerte era un paro cardíaco. Al preguntársele si había drogas implicadas, declaró que «las drogas no desempeñaron ningún papel en la muerte de Presley». De hecho, «el consumo de drogas estuvo muy implicado» en la muerte de Presley, escribe Guralnick. Los patólogos que realizaron la autopsia consideraron posible, por ejemplo, que hubiera sufrido «un shock anafiláctico provocado por las pastillas de codeína que le había suministrado su dentista, a las que se sabía que era ligeramente alérgico». Un par de informes de laboratorio presentados dos meses después sugerían claramente que la causa principal de la muerte fue la polifarmacia; uno de ellos informaba de «catorce drogas en el organismo de Elvis, diez de ellas en cantidades significativas». En 1979, el patólogo forense Cyril Wecht llevó a cabo una revisión de los informes y concluyó que una combinación de depresores del sistema nervioso central había provocado la muerte accidental de Presley. El historiador forense y patólogo Michael Baden consideró que la situación era complicada: «Elvis tenía el corazón dilatado desde hacía mucho tiempo. Eso, junto con su adicción a las drogas, causó su muerte. Pero era difícil de diagnosticar; había que decidir».

La competencia y la ética de dos de los principales profesionales médicos implicados quedaron seriamente en entredicho. Francisco había ofrecido una causa de la muerte antes de que finalizara la autopsia; afirmó que la dolencia subyacente era arritmia cardiaca, una afección que sólo puede determinarse en alguien que aún está vivo; y negó que las drogas tuvieran algún papel en la muerte de Presley antes de que se conocieran los resultados toxicológicos. Las acusaciones de encubrimiento fueron generalizadas. Aunque un juicio celebrado en 1981 contra el principal médico de Presley, George Nichopoulos, le exoneró de responsabilidad penal por su muerte, los hechos fueron sorprendentes: «Sólo en los ocho primeros meses de 1977 administró más de 10.000 dosis de sedantes, anfetaminas y narcóticos: todas a nombre de Elvis». Su licencia fue suspendida durante tres meses. Fue revocada definitivamente en los años 90, después de que la Junta Médica de Tennessee presentara nuevos cargos por prescripción excesiva.

En 1994, se reabrió el informe de la autopsia de Presley. Joseph Davis, que había realizado miles de autopsias como forense del condado de Miami-Dade, declaró a su término: «No hay nada en ninguno de los datos que apoye una muerte por drogas. De hecho, todo apunta a un repentino y violento ataque al corazón». Investigaciones más recientes han revelado que Francisco no hablaba en nombre de todo el equipo de patología. El resto del personal «no podía decir nada con seguridad hasta que no tuvieran los resultados de los laboratorios, si es que los tenían. Eso sería cuestión de semanas». Uno de los examinadores, E. Eric Muirhead, «no daba crédito a lo que oía». Francisco no sólo había presumido de hablar en nombre del equipo de patólogos del hospital, sino que había anunciado una conclusión a la que ellos no habían llegado.  … Al principio, una meticulosa disección del cuerpo … confirmó que Elvis era un enfermo crónico con diabetes, glaucoma y estreñimiento. A medida que avanzaban, los médicos vieron pruebas de que su cuerpo había sido destrozado durante años por un gran y constante flujo de fármacos. También habían estudiado su historial hospitalario, que incluía dos ingresos para desintoxicación de drogas y tratamientos con metadona.» El escritor Frank Coffey pensó que la muerte de Presley se debió a «un fenómeno llamado maniobra de Valsalva (esencialmente, un esfuerzo en el retrete que provocó una parada cardiaca, algo verosímil porque Elvis sufría estreñimiento, una reacción común al consumo de drogas)». En términos similares, Dan Warlick, que estuvo presente en la autopsia, «cree que el estreñimiento crónico de Presley -resultado de años de abuso de medicamentos recetados y de atiborrarse de grasas y colesterol- provocó lo que se conoce como maniobra de Valsalva. En pocas palabras, el esfuerzo de intentar defecar comprimió la aorta abdominal del cantante, apagando su corazón».

Sin embargo, en 2013, Forest Tennant, que había declarado como testigo de la defensa en el juicio de Nichopoulos, describió su propio análisis de los historiales médicos disponibles de Presley. Llegó a la conclusión de que el «abuso de drogas de Presley había provocado caídas, traumatismos craneoencefálicos y sobredosis que dañaron su cerebro», y que su muerte se debió en parte a una reacción tóxica a la codeína -agravada por un defecto no detectado de las enzimas hepáticas- que puede causar arritmia cardiaca súbita. En 2014, el análisis de ADN de una muestra de pelo, supuestamente de Presley, reveló la presencia de variantes genéticas que pueden provocar glaucoma, migrañas y obesidad; también se identificó una variante crucial asociada a la cardiomiopatía hipertrófica, una enfermedad del músculo cardiaco.

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Evolución posterior

Entre 1977 y 1981, seis de los sencillos póstumos de Presley se situaron entre los diez primeros éxitos country.

Graceland se abrió al público en 1982. Con más de medio millón de visitantes al año, se convirtió en la segunda casa más visitada de Estados Unidos, después de la Casa Blanca. En 2006 fue declarada Monumento Histórico Nacional.

Presley ha sido incluido en cinco salones de la fama de la música: el Salón de la Fama del Rock and Roll (1986), el Salón de la Fama de la Música Country (1998), el Salón de la Fama de la Música Gospel (2001), el Salón de la Fama del Rockabilly (2007) y el Salón de la Fama de la Música de Memphis (2012). En 1984, recibió el premio W. C. Handy de la Blues Foundation y el primer premio Golden Hat de la Academia de Música Country. En 1987, recibió el Premio al Mérito de los American Music Awards.

Un remix de Junkie XL de «A Little Less Conversation» de Presley (acreditado como «Elvis Vs JXL») se utilizó en una campaña publicitaria de Nike durante la Copa Mundial de la FIFA 2002. Encabezó las listas de éxitos en más de 20 países y se incluyó en una recopilación de los números uno de Presley, ELV1S, que también fue un éxito internacional. El álbum devolvió a Presley a la cima del Billboard por primera vez en casi tres décadas.

En 2003, una remezcla de «Rubberneckin»», una grabación de Presley de 1969, encabezó la lista de ventas de Estados Unidos, al igual que la reedición de «That»s All Right» con motivo del 50 aniversario de su publicación al año siguiente. Esta última fue un éxito rotundo en Gran Bretaña, debutando en el número tres de la lista de pop; también se situó entre las diez primeras en Canadá. En 2005, otros tres sencillos reeditados, «Jailhouse Rock», «One Night»

En 2005, Forbes nombró a Presley la celebridad fallecida con mayores ingresos por quinto año consecutivo, con unos ingresos brutos de 45 millones de dólares. Al año siguiente, ocupó el segundo puesto, con los mayores ingresos anuales de su historia (60 millones de dólares), impulsado por la celebración de su 75 cumpleaños y el lanzamiento del espectáculo Viva Elvis del Cirque du Soleil en Las Vegas. En noviembre de 2010 salió a la venta Viva Elvis: The Album, en el que ponía su voz a temas instrumentales recién grabados. A mediados de 2011, se estimaba que había unos 15.000 productos de Presley con licencia, y volvió a ser la segunda celebridad fallecida con más ingresos. Seis años después, ocupaba el cuarto puesto con unos ingresos de 35 millones de dólares, 8 millones más que en 2016, debido en parte a la apertura de un nuevo complejo de ocio, Elvis Presley»s Memphis, y un hotel, The Guest House at Graceland.

En 2018, RCA

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Influencias

La primera influencia musical de Presley fue el gospel. Su madre recordaba que desde los dos años, en la iglesia Assembly of God de Tupelo a la que asistía la familia, «se deslizaba desde mi regazo, corría hacia el pasillo y subía a la plataforma. Allí se quedaba mirando al coro e intentaba cantar con ellos». En Memphis, Presley asistía con frecuencia a cantos de gospel que duraban toda la noche en el Ellis Auditorium, donde grupos como el Statesmen Quartet dirigían la música en un estilo que, según sugiere Guralnick, sembró las semillas del futuro espectáculo de Presley:

The Statesmen eran una combinación eléctrica … con algunas de las canciones más emotivas y atrevidas del mundo del espectáculo … vestidos con trajes que podrían haber salido de la ventana de Lansky.  … El bajo Jim Wetherington, conocido universalmente como Big Chief, mantenía un trasero firme, agitando incesantemente primero la pierna izquierda, luego la derecha, con el material de la pernera del pantalón hinchándose y brillando. «Llegó tan lejos como se podía llegar en la música gospel», dijo Jake Hess. «Las mujeres saltaban, igual que en los espectáculos pop». Los predicadores se oponían con frecuencia a los movimientos lascivos… pero el público reaccionaba con gritos y desmayos.

De adolescente, los intereses musicales de Presley eran muy variados y conocía a fondo tanto la música blanca como la afroamericana. Aunque nunca recibió una formación académica, tenía una memoria extraordinaria y sus conocimientos musicales ya eran considerables cuando realizó sus primeras grabaciones profesionales a los 19 años, en 1954. Cuando Jerry Leiber y Mike Stoller le conocieron dos años más tarde, quedaron asombrados de su enciclopédico conocimiento del blues y, como dijo Stoller: «Sin duda sabía mucho más que nosotros sobre música country y gospel». En una rueda de prensa al año siguiente, declaró con orgullo: «Conozco prácticamente todas las canciones religiosas que se han escrito».

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Musicalidad

Presley tocaba la guitarra, el bajo y el piano; recibió su primera guitarra cuando tenía 11 años. Aunque no sabía leer ni escribir música y no recibió clases formales, era un músico nato y lo tocaba todo de oído. Presley solía tocar un instrumento en sus grabaciones y producía su propia música. Presley tocó la guitarra acústica rítmica en la mayoría de sus grabaciones con Sun y en sus álbumes de la RCA de los años cincuenta. Tocó el bajo eléctrico en «(You»re So Square) Baby I Don»t Care» después de que su bajista Bill Black tuviera problemas con el instrumento. Presley tocó la línea de bajo, incluida la introducción. Presley tocó el piano en canciones como «Old Shep» y «First in Line» de su álbum Elvis de 1956. Se le atribuye haber tocado el piano en álbumes posteriores como From Elvis in Memphis y «Moody Blue», y en «Unchained Melody», que fue una de las últimas canciones que grabó. Presley tocó la guitarra solista en uno de sus exitosos singles llamado «Are You Lonesome Tonight». En el Comeback Special del 68, Elvis tomó el relevo en la guitarra eléctrica solista, la primera vez que se le veía con el instrumento en público, tocándolo en canciones como «Baby What You Want Me to Do» y «One Night». Presley tocó la parte trasera de su guitarra en algunos de sus éxitos como «All Shook Up», «Don»t Be Cruel» y «(Let Me Be Your) Teddy Bear», aportando percusión dando palmadas al instrumento para crear un ritmo. En el álbum Elvis is Back! Presley toca mucho la guitarra acústica en canciones como «I Will Be Home Again» y «Like a Baby».

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Estilos y géneros musicales

Presley fue una figura central en el desarrollo del rockabilly, según los historiadores de la música. «El rockabilly cristalizó en un estilo reconocible en 1954 con el primer lanzamiento de Elvis Presley, en el sello Sun», escribe Craig Morrison. Paul Friedlander describe los elementos definitorios del rockabilly, al que también califica de «esencialmente… una construcción de Elvis Presley»: «el estilo vocal crudo, emotivo y arrastrado y el énfasis en el sentimiento rítmico del blues con la banda de cuerda y la guitarra rítmica rasgueada En «That»s All Right», el primer disco del trío de Presley, el solo de guitarra de Scotty Moore, «una combinación de finger-picking country al estilo de Merle Travis, slides de doble parada de boogie acústico y trabajo de una sola cuerda con notas dobladas basado en el blues, es un microcosmos de esta fusión.» Mientras que Katherine Charlton también llama a Presley «el creador del rockabilly», Carl Perkins ha declarado explícitamente que «Phillips, Elvis y yo no creamos el rockabilly» y, según Michael Campbell, «Bill Haley grabó el primer gran éxito rockabilly». En opinión de Moore, también, «llevaba ahí bastante tiempo, en realidad. Carl Perkins hacía básicamente lo mismo por Jackson, y sé de buena tinta que Jerry Lee Lewis llevaba tocando ese tipo de música desde que tenía diez años».

En RCA Victor, el sonido rock and roll de Presley se diferenció del rockabilly con coros en grupo, guitarras eléctricas más amplificadas y un estilo más duro e intenso. Aunque era conocido por tomar canciones de diversas fuentes y darles un toque rockabilly

Tras su regreso del servicio militar en 1960, Presley continuó interpretando rock and roll, pero el estilo característico se atenuó sustancialmente. Su primer sencillo después del servicio militar, el éxito número uno «Stuck on You», es típico de este cambio. La publicidad de RCA Victor se refería a su «suave ritmo rock»; el discógrafo Ernst Jorgensen lo llama «pop optimista». El número cinco «She»s Not You» (1962) «integra a los Jordanaires tan completamente, que es prácticamente doo-wop». El blues moderno

Aunque Presley interpretó varias de sus baladas clásicas en el Comeback Special de 1968, el sonido del espectáculo estuvo dominado por un rock and roll agresivo. A partir de entonces grabó pocas canciones nuevas de rock and roll directo; como él mismo explicó, se habían vuelto «difíciles de encontrar». Una excepción significativa fue «Burning Love», su último gran éxito en las listas de pop. Al igual que su trabajo de los años 50, las grabaciones posteriores de Presley reelaboraron canciones pop y country, pero en permutaciones marcadamente diferentes. Su gama estilística comenzó a abarcar un sonido rock más contemporáneo, así como soul y funk. Gran parte de Elvis in Memphis, así como «Suspicious Minds», grabada en las mismas sesiones, reflejaban esta nueva fusión de rock y soul. A mediados de la década de 1970, muchos de sus singles encontraron un hogar en la radio country, el campo en el que se convirtió en estrella por primera vez.

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Estilo y registro vocal

El arco evolutivo de la voz cantante de Presley, tal y como lo describe el crítico Dave Marsh, va de «alto y emocionado en los primeros días, más bajo y perplejo en los últimos meses». Marsh atribuye a Presley la introducción del «tartamudeo vocal» en «Baby Let»s Play House», de 1955. Cuando en «Don»t Be Cruel», Presley «se desliza hacia un »mmmmm» que marca la transición entre las dos primeras estrofas», demuestra «la maestría de su estilo relajado». Marsh describe la interpretación vocal en «Can»t Help Falling in Love» como una de «suave insistencia y delicadeza de fraseo», con la línea «»Shall I stay» pronunciada como si las palabras fueran frágiles como el cristal».

Jorgensen califica la grabación de 1966 de «How Great Thou Art» como «una extraordinaria realización de sus ambiciones vocales», ya que Presley «creó para sí mismo un arreglo ad hoc en el que tomó cada parte de la voz a cuatro voces, desde la introducción del bajo hasta las elevadas alturas del clímax operístico de la canción», convirtiéndose en «una especie de cuarteto unipersonal». Guralnick considera que «Stand By Me», de las mismas sesiones de gospel, es «una interpretación bellamente articulada, casi desnudamente anhelante», pero, por el contrario, cree que Presley se excede en «Where No One Stands Alone», recurriendo «a una especie de bramido poco elegante para sacar un sonido» que Jake Hess, del Statesmen Quartet, dominaba. El propio Hess pensaba que, aunque otros pudieran tener voces a la altura de la de Presley, «él tenía ese algo que todo el mundo busca a lo largo de su vida». Guralnick intenta precisar ese algo: «La calidez de su voz, su uso controlado tanto de la técnica del vibrato como de la gama natural del falsete, la sutileza y la convicción profundamente sentida de su canto eran cualidades reconocibles que pertenecían a su talento, pero igualmente reconocibles que no podían lograrse sin una dedicación y un esfuerzo sostenidos.»

Marsh elogia su interpretación de «U.S. Male» en 1968, en la que «se apoya en las letras de tipo duro, sin elevarlas ni exagerarlas, sino lanzándolas con esa asombrosa seguridad, dura pero suave, que aportaba a sus discos Sun». La interpretación de «In the Ghetto» está, según Jorgensen, «desprovista de cualquiera de sus característicos trucos vocales o manierismos», y en su lugar se basa en la excepcional «claridad y sensibilidad de su voz». Guralnick describe la interpretación de la canción como «de una elocuencia casi translúcida… tan tranquilamente confiada en su sencillez». En «Suspicious Minds», Guralnick escucha esencialmente la misma «notable mezcla de ternura y aplomo», pero complementada con «una cualidad expresiva a medio camino entre el estoicismo (ante la sospecha de infidelidad) y la angustia (por la pérdida inminente)».

El crítico musical Henry Pleasants observa que «Presley ha sido descrito diversamente como barítono y tenor. Un compás extraordinario… y una gama muy amplia de color vocal tienen algo que ver con esta divergencia de opiniones». Identifica a Presley como un barítono alto, calculando su rango en dos octavas y una tercera, «desde el sol grave de barítono hasta el si agudo de tenor, con una extensión hacia arriba en falsete hasta al menos un re bemol». La mejor octava de Presley está en el medio, de Re bemol a Re bemol, concediendo un paso completo extra hacia arriba o hacia abajo». En opinión de Pleasants, su voz era «variable e impredecible» en la parte inferior, «a menudo brillante» en la superior, con capacidad para «soles y as agudos de voz plena que un barítono de ópera podría envidiar». El estudioso Lindsay Waters, que cifra el registro de Presley en dos octavas y cuarto, subraya que «su voz tenía una gama emocional que iba de los susurros tiernos a los suspiros, pasando por los gritos, los gruñidos, los gruñidos y la brusquedad pura y dura que podía llevar al oyente de la calma y la rendición al miedo. Su voz no puede medirse en octavas, sino en decibelios; incluso eso se pierde el problema de cómo medir los susurros delicados que apenas son audibles». Presley siempre fue «capaz de duplicar el sonido abierto, ronco, extático, chillón, gritón, ululante y temerario de los cantantes negros de rhythm-and-blues y gospel», escribe Pleasants, y también demostró una notable capacidad para asimilar muchos otros estilos vocales.

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Relación con la comunidad afroamericana

Cuando Dewey Phillips emitió por primera vez «That»s All Right» en la WHBQ de Memphis, muchos oyentes que se pusieron en contacto con la emisora por teléfono y telegrama para pedirla de nuevo dieron por sentado que su cantante era negro. Desde el principio de su fama nacional, Presley expresó respeto por los intérpretes afroamericanos y su música, y desprecio por las normas de segregación y prejuicios raciales que imperaban entonces en el Sur. Entrevistado en 1956, recordaba cómo en su infancia escuchaba al músico de blues Arthur Crudup -el creador de «That»s All Right»- «golpear su caja como lo hago ahora, y me dije que si alguna vez llegaba a sentir todo lo que sentía el viejo Arthur, sería un hombre de música como nadie había visto nunca». El Memphis World, un periódico afroamericano, informó de que Presley, «el fenómeno del rock »n» roll», «quebrantó las leyes de segregación de Memphis» al asistir al parque de atracciones local en lo que se designó como su «noche de color». Tales declaraciones y acciones llevaron a Presley a ser generalmente aclamado en la comunidad negra durante los primeros días de su estrellato. En cambio, a muchos adultos blancos, según Arnold Shaw, de Billboard, «no les gustaba y lo condenaban por depravado». Sin duda, los prejuicios antinegros influían en el antagonismo de los adultos. Independientemente de si los padres eran conscientes de los orígenes sexuales negros de la frase »rock »n» roll», Presley les impresionaba como la encarnación visual y auditiva del sexo».

A pesar de la opinión mayoritariamente positiva que los afroamericanos tenían de Presley, a mediados de 1957 se extendió el rumor de que en algún momento había anunciado: «Lo único que los negros pueden hacer por mí es comprar mis discos y lustrarme los zapatos». Un periodista del semanario nacional afroamericano Jet, Louie Robinson, siguió la historia. En el plató de Jailhouse Rock, Presley concedió una entrevista a Robinson, aunque ya no trataba con la prensa convencional. Negó haber hecho tal declaración: «Nunca dije nada parecido, y la gente que me conoce sabe que no lo habría dicho.  … Mucha gente parece pensar que yo empecé este negocio. Pero el rock and roll ya existía mucho antes de que yo llegara. Nadie puede cantar ese tipo de música como la gente de color. Reconozcámoslo: No puedo cantar como Fats Domino. Lo sé». Robinson no encontró pruebas de que hubiera hecho ese comentario y, por el contrario, obtuvo el testimonio de muchas personas que indicaban que Presley era cualquier cosa menos racista. El cantante de blues Ivory Joe Hunter, que había oído el rumor antes de visitar Graceland una noche, dijo de Presley: «Me mostró toda la cortesía, y creo que es uno de los más grandes». Aunque el rumoreado comentario quedó desacreditado, se siguió utilizando contra Presley décadas después. La identificación de Presley con el racismo -personal o simbólicamente- quedó expresada en la letra del éxito de rap de 1989 «Fight the Power», de Public Enemy: «Elvis era un héroe para la mayoría…».

La persistencia de tales actitudes se vio alimentada por el resentimiento ante el hecho de que Presley, cuyo lenguaje musical y visual debía mucho a fuentes afroamericanas, lograra el reconocimiento cultural y el éxito comercial que en gran medida se negó a sus coetáneos negros. En el siglo XXI, la idea de que Presley había «robado» la música negra seguía teniendo adeptos. Entre los artistas afroamericanos que rechazaban expresamente esta opinión destacaba Jackie Wilson, que afirmaba: «Mucha gente ha acusado a Elvis de robar la música de los negros, cuando en realidad casi todos los solistas negros copiaron de Elvis sus modales escénicos». Además, Presley también reconoció su deuda con los músicos afroamericanos a lo largo de su carrera. Dirigiéndose al público de su Comeback Special de 1968, dijo: «La música rock »n» roll es básicamente gospel o rhythm and blues, o surgió de ahí. La gente le ha ido añadiendo cosas, instrumentos y experimentos, pero todo se reduce a nueve años antes: «El rock and roll existe desde hace muchos años. Antes se llamaba rhythm and blues».

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Símbolo sexual

El atractivo físico y sexual de Presley eran ampliamente reconocidos. «En su día fue hermoso, asombrosamente hermoso», según el crítico Mark Feeney. El director de televisión Steve Binder, que no era fan de la música de Presley antes de supervisar el Comeback Special de 1968, declaró: «Soy hetero como una flecha y tengo que decirte que te paras, seas hombre o mujer, a mirarle. Era así de guapo. Y si nunca hubieras sabido que era una superestrella, daría igual; si hubiera entrado en la habitación, sabrías que había alguien especial en tu presencia». Su estilo interpretativo, tanto como su belleza física, fue responsable de la imagen erotizada de Presley. En 1970, el crítico George Melly le describió como «el maestro del símil sexual, tratando su guitarra como falo y chica a la vez». En su obituario de Presley, Lester Bangs le atribuyó el mérito de ser «el hombre que llevó el frenesí sexual descaradamente vulgar a las artes populares en Estados Unidos». A la declaración de Ed Sullivan de que percibía una botella de refresco en los pantalones de Presley se sumaron rumores sobre un tubo de papel higiénico o una barra de plomo en una posición similar.

Aunque Presley fue presentado como un icono de la heterosexualidad, algunos críticos culturales han afirmado que su imagen era ambigua. En 1959, Peter John Dyer, de Sight and Sound, describió su personaje en pantalla como «agresivamente bisexual». Brett Farmer sitúa los «giros orgásmicos» de la secuencia de baile del título de Jailhouse Rock dentro de un linaje de números musicales cinematográficos que ofrecen una «espectacular erotización, si no homoerotización, de la imagen masculina». En el análisis de Yvonne Tasker, «Elvis era una figura ambivalente que articulaba una peculiar versión feminizada y cosificadora de la masculinidad de la clase trabajadora blanca como exhibición sexual agresiva».

La imagen de Presley como símbolo sexual se vio reforzada por sus escarceos con varias estrellas de Hollywood, desde Natalie Wood en los años 50 a Connie Stevens y Ann-Margret en los 60, pasando por Candice Bergen y Cybill Shepherd en los 70. June Juanico, de Memphis, una de las primeras novias de Presley, culpó más tarde a Parker de animarle a elegir a sus parejas pensando en la publicidad. June Juanico de Memphis, una de las primeras novias de Presley, culpó más tarde a Parker de animarle a elegir a sus parejas pensando en la publicidad. Presley nunca llegó a sentirse cómodo en la escena de Hollywood, y la mayoría de estas relaciones fueron insustanciales.

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Ecuestre

Elvis tenía varios caballos en Graceland, y los caballos siguen siendo importantes para la finca de Graceland. Una antigua profesora local, Alene Alexander, lleva 38 años cuidando de los caballos de Graceland. Ella y Priscilla Presley aman a los caballos y han forjado una amistad especial. Gracias a Priscilla, Elvis trajo caballos a Graceland. «Me regaló mi primer caballo por Navidad: Domino», cuenta Priscilla Presley. Alexander es ahora embajadora de Graceland. Es una de los tres miembros del personal original que siguen trabajando en la finca.

El caballo llamado Palomino Rising Sun era el caballo favorito de Elvis, y hay muchas fotografías de él montándolo.

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Coronel Parker y los Aberbach

Una vez que se convirtió en mánager de Presley, el coronel Tom Parker insistió en un control excepcionalmente estricto de la carrera de su cliente. Desde el principio, él y sus aliados de Hill and Range, los hermanos Jean y Julian Aberbach, percibieron la estrecha relación que se desarrolló entre Presley y los compositores Jerry Leiber y Mike Stoller como una seria amenaza a ese control. Parker puso fin a la relación, deliberadamente o no, con el nuevo contrato que envió a Leiber a principios de 1958. Leiber pensó que había un error: la hoja de papel estaba en blanco salvo por la firma de Parker y una línea en la que poner la suya. «No hay ningún error, muchacho, fírmalo y devuélvelo», le dijo Parker. «No te preocupes, lo rellenaremos más tarde». Leiber declinó, y la fructífera colaboración de Presley con el equipo de compositores se acabó. Otros respetados compositores perdieron el interés o simplemente evitaron escribir para Presley debido a la exigencia de que renunciaran a un tercio de sus derechos de autor habituales.

En 1967, los contratos de Parker le otorgaban el 50% de la mayoría de las ganancias de Presley por grabaciones, películas y mercancías. A partir de febrero de 1972, se llevó un tercio de los beneficios de las actuaciones en directo; un acuerdo de enero de 1976 le daba derecho también a la mitad. Priscilla Presley señaló que «Elvis detestaba la parte comercial de su carrera. Firmaba un contrato sin siquiera leerlo». Marty Lacker, amigo de Presley, consideraba a Parker un «timador y un estafador. Sólo le interesaba el »ahora dinero»: conseguir el dinero y largarse». Sin embargo, Priscilla Presley declaró tras la muerte de Parker que Elvis estaba encantado de pagar el 50% a Parker por dirigirle.

Lacker fue decisivo para convencer a Presley de que grabara con el productor de Memphis Chips Moman y sus músicos seleccionados en American Sound Studio a principios de 1969. Las sesiones en American Sound supusieron un cambio significativo respecto al control ejercido habitualmente por Hill y Range. Moman aún tenía que tratar in situ con el personal de la editorial, cuyas sugerencias de canciones consideraba inaceptables. Estuvo a punto de abandonar hasta que Presley ordenó al personal de Hill and Range que abandonara el estudio. Aunque Joan Deary, ejecutiva de RCA, se deshizo en elogios por las canciones elegidas y la calidad de las grabaciones, Moman, para su furia, no recibió ni crédito en los discos ni derechos de autor por su trabajo.

En toda su carrera, Presley sólo actuó en tres lugares fuera de Estados Unidos, todos ellos en Canadá, durante breves giras por ese país en 1957. En 1968 comentó: «Dentro de poco haré algunas giras de presentación personal. Probablemente empezaré aquí, en este país, y después daré algunos conciertos en el extranjero, probablemente empezando por Europa. Quiero ver algunos lugares que nunca he visto antes». Los rumores de que tocaría por primera vez en el extranjero se avivaron en 1974 con una oferta millonaria para una gira por Australia. Parker se mostró extrañamente reacio, lo que llevó a los allegados a Presley a especular sobre el pasado del mánager y las razones de su evidente falta de voluntad para solicitar un pasaporte. Tras la muerte de Presley, se supo que Parker había nacido en Holanda con el nombre de Andreas Cornelis van Kuijk y que había emigrado ilegalmente a Estados Unidos, por lo que tenía motivos para temer que, si abandonaba el país, no le volverían a dejar entrar. En última instancia, Parker desbarató cualquier idea de Presley de trabajar en el extranjero, alegando que la seguridad en el extranjero era escasa y que los locales no eran adecuados para una estrella de su magnitud.

Podría decirse que Parker ejerció el control más férreo sobre la carrera cinematográfica de Presley. Hal Wallis dijo: «Prefiero cerrar un trato con el diablo» que con Parker. Su colega productor cinematográfico Sam Katzman lo describió como «el mayor estafador del mundo». En 1957, Robert Mitchum pidió a Presley que actuara con él en Thunder Road, que Mitchum estaba produciendo y escribiendo. Según George Klein, uno de sus amigos más antiguos, también le ofrecieron papeles protagonistas en West Side Story y Midnight Cowboy. En 1974, Barbra Streisand le propuso protagonizar con ella el remake de Ha nacido una estrella. En todos los casos, las ambiciones de Presley de interpretar esos papeles se vieron frustradas por las exigencias negociadoras de su representante o sus rotundas negativas. Según la descripción de Lacker, «lo único que hizo que Elvis siguiera adelante después de los primeros años fue un nuevo reto. Pero Parker seguía llevándolo todo al traste». La actitud predominante puede haber sido resumida mejor por la respuesta que Leiber y Stoller recibieron cuando llevaron un proyecto serio de película para Presley a Parker y a los propietarios de Hill and Range para su consideración. Según cuenta Leiber, Jean Aberbach les advirtió que nunca más «intentaran interferir en el funcionamiento empresarial o artístico del proceso conocido como Elvis Presley».

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Memphis Mafia

A principios de la década de 1960, el círculo de amigos del que Presley se rodeó constantemente hasta su muerte llegó a conocerse como la «Mafia de Memphis». presencia parasitaria», en palabras del periodista John Harris, «no era de extrañar que, a medida que se deslizaba hacia la adicción y el letargo, nadie diera la voz de alarma: para ellos, Elvis era el banco, y tenía que permanecer abierto». Tony Brown, que tocó el piano para Presley con regularidad en los dos últimos años de su vida, observó el rápido deterioro de su salud y la urgente necesidad de hacerle frente: «Pero todos sabíamos que era inútil porque Elvis estaba rodeado de ese pequeño círculo de gente… todos esos supuestos amigos». En defensa de la mafia de Memphis, Marty Lacker ha dicho: » era su propio hombre … Si no hubiéramos estado cerca, habría muerto mucho antes».

Larry Geller se convirtió en peluquero de Presley en 1964. A diferencia de otros miembros de la mafia de Memphis, se interesaba por cuestiones espirituales y recuerda cómo, desde su primera conversación, Presley le reveló sus pensamientos y ansiedades secretas: «Quiero decir que tiene que haber un propósito … tiene que haber una razón … por la que fui elegido para ser Elvis Presley. … Lo juro por Dios, nadie sabe lo solo que me siento. Y lo vacío que realmente me siento». A partir de entonces, Geller le proporcionó libros sobre religión y misticismo, que Presley leyó vorazmente. Presley se preocuparía por estos temas durante gran parte de su vida, llevándose de gira baúles llenos de libros.

El ascenso de Presley a la fama nacional en 1956 transformó el campo de la música popular y tuvo un enorme efecto en el ámbito más amplio de la cultura popular. Como catalizador de la revolución cultural que supuso el rock and roll, Presley fue fundamental no sólo para definirlo como género musical, sino también para convertirlo en piedra de toque de la cultura juvenil y la actitud rebelde. Con sus orígenes de mezcla racial -reiteradamente afirmados por Presley-, la ocupación por el rock and roll de una posición central en la cultura estadounidense dominante facilitó una nueva aceptación y apreciación de la cultura negra. A este respecto, Little Richard dijo de Presley: «Era un integrador. Elvis fue una bendición. No dejaban pasar la música negra. Él abrió la puerta a la música negra». Al Green coincidió: «Rompió el hielo para todos nosotros». El Presidente Jimmy Carter comentó su legado en 1977: «Su música y su personalidad, que fusionaban los estilos del country blanco y el rhythm and blues negro, cambiaron permanentemente la faz de la cultura popular americana. Sus seguidores eran inmensos, y para la gente de todo el mundo era un símbolo de la vitalidad, la rebeldía y el buen humor de su país». Presley fue también el precursor del alcance de la fama en la era de la comunicación de masas: a los 21 años, un año después de su primera aparición en la televisión estadounidense, era considerado una de las personas más famosas del mundo.

El nombre, la imagen y la voz de Presley son reconocidos en todo el mundo. Ha inspirado a una legión de imitadores. En sondeos y encuestas, se le reconoce como uno de los artistas de música popular más importantes y uno de los estadounidenses más influyentes. El compositor y director de orquesta estadounidense Leonard Bernstein dijo: «Elvis Presley es la mayor fuerza cultural del siglo XX. Introdujo el ritmo en todo y lo cambió todo: la música, el lenguaje, la ropa. Es toda una revolución social: los sesenta surgieron de él». John Lennon dijo que «Nada me afectó realmente hasta Elvis». Bob Dylan describió la sensación de escuchar a Presley por primera vez como «salir de la cárcel».

Durante gran parte de su vida adulta, Presley, con su ascenso de la pobreza a la riqueza y la fama masiva, había parecido personificar el sueño americano. En sus últimos años -y aún más tras su muerte y las revelaciones sobre sus circunstancias- se convirtió en un símbolo del exceso y la glotonería. Cada vez se prestó más atención, por ejemplo, a su apetito por la rica y pesada cocina sureña de su educación, alimentos como el filete de pollo frito y los bizcochos con salsa. En particular, su afición a los sándwiches fritos de mantequilla de cacahuete, plátano y (a veces) beicon cargados de calorías, conocidos ahora como «sándwiches Elvis», pasó a representar este aspecto de su personalidad. Pero el sándwich de Elvis representa algo más que un exceso de placer malsano: como describe Robert Thompson, estudioso de la cultura y los medios de comunicación, este manjar poco sofisticado también es sinónimo del perdurable atractivo americano de Presley: «No era sólo el rey, era uno de los nuestros».

Desde 1977 se han producido numerosos avistamientos de Presley. Una teoría conspirativa muy arraigada entre algunos fans es que fingió su muerte. Los seguidores citan supuestas discrepancias en el certificado de defunción, informes sobre un maniquí de cera en su ataúd original y relatos de Presley planeando una distracción para poder retirarse en paz. Un número inusualmente elevado de admiradores han dedicado santuarios domésticos a Presley y viajan a lugares con los que se le relaciona, aunque sea tenuemente. Cada 16 de agosto, aniversario de su muerte, miles de personas se reúnen frente a Graceland y celebran su memoria con un ritual a la luz de las velas. «Con Elvis, no es sólo su música la que ha sobrevivido a la muerte», escribe Ted Harrison. «Él mismo ha sido elevado, como un santo medieval, a la categoría de figura de culto. Es como si hubiera sido canonizado por aclamación».

En el 25 aniversario de la muerte de Presley, The New York Times afirmaba: «Todos los imitadores sin talento y los espantosos cuadros de terciopelo negro que se exhiben pueden hacer que parezca poco más que un recuerdo perverso y lejano. Pero antes de que Elvis fuera un campamento, era todo lo contrario: una auténtica fuerza cultural.  … Los avances de Elvis están infravalorados porque en esta era del rock and roll, su música hard-rockera y su estilo sensual han triunfado por completo». Algunos observadores culturales consideran que no sólo los logros de Presley, sino también sus fracasos, aumentan el poder de su legado, como en esta descripción de Greil Marcus:

Elvis Presley es una figura suprema de la vida estadounidense, cuya presencia, por banal o predecible que sea, no admite comparaciones reales. … El abanico cultural de su música se ha ampliado hasta el punto de incluir no sólo los éxitos del momento, sino también recitales patrióticos, gospel country puro y blues realmente sucio.  … Elvis ha surgido como un gran artista, un gran rockero, un gran proveedor de schlock, un gran corazón palpitante, un gran aburrido, un gran símbolo de potencia, un gran jamón, una gran persona agradable y, sí, un gran americano.

Según el Guinness World Records, Presley sigue siendo el artista que más discos ha vendido en solitario, con unas ventas estimadas por diversas fuentes entre 500 millones y 1.000 millones.

Presley ostenta los récords de mayor número de canciones entre las 40 más vendidas de Billboard (115) y entre las 100 más vendidas (152 según el estadístico Joel Whitburn y 139 según el historiador de Presley Adam Victor). Las clasificaciones de Presley entre los diez primeros y los números uno varían en función de la forma en que la doble cara «Hound Dog

Como artista de álbumes, Presley ostenta el récord de álbumes más vendidos en la lista Billboard 200: 129, muy por delante de los 82 de Frank Sinatra, que ocupa el segundo lugar. También ostenta el récord de permanencia en el número uno del Billboard 200: 67 semanas. En 2015 y 2016, dos álbumes en los que la voz de Presley se enfrentaba a la música de la Royal Philharmonic Orchestra, If I Can Dream y The Wonder of You, alcanzaron el número uno en el Reino Unido. Esto le dio un nuevo récord de álbumes número uno en el Reino Unido por un artista en solitario con 13, y amplió su récord de mayor tiempo entre álbumes número uno por alguien-Presley había encabezado por primera vez la lista británica en 1956 con su debut autotitulado.

En 2020, la Recording Industry Association of America (RIAA) atribuía a Presley 146,5 millones de ventas certificadas de álbumes en Estados Unidos, el tercero de todos los tiempos tras los Beatles y Garth Brooks. Posee el récord de álbumes de oro (101, casi el doble que los 51 de Barbra Streisand, segunda). Sus 25 álbumes multiplatino le sitúan por detrás de los 26 de los Beatles. Sus 197 premios de certificación de álbumes (incluido un diamante) superan con creces los 122 de los Beatles. Es el tercer cantante con más singles de oro (54, por detrás de Drake y Taylor Swift) y el octavo con más singles de platino (27).

En 2012, la araña Paradonea presleyi fue bautizada en su honor. En 2018, el presidente Donald Trump concedió a Presley la Medalla Presidencial de la Libertad a título póstumo.

Presley trabajó con muchas bandas y músicos de estudio a lo largo de su carrera. A continuación se ofrece una lista y una cronología de los músicos más destacados que trabajaron con Presley a lo largo de su vida.

Se ha publicado un gran número de grabaciones con el nombre de Presley. El número total de sus grabaciones originales se ha calculado en 665. Su carrera comenzó y tuvo más éxito durante una época en la que los singles eran el principal medio comercial de la música pop. En el caso de sus álbumes, la distinción entre discos de estudio «oficiales» y otras formas es a menudo borrosa. Durante la mayor parte de la década de 1960, su carrera discográfica se centró en álbumes de bandas sonoras. En la década de 1970, sus LP más promocionados y vendidos solían ser álbumes de conciertos.

Fuentes

1. Elvis Presley
2. Elvis Presley
3. ^ Although some pronounce his surname /ˈprɛzli/ PREZ-lee, Presley himself pronounced it /ˈprɛsli/ PRESS-lee, as did his family and those who worked with him.[2] The correct spelling of his middle name has long been a matter of debate. The physician who delivered him wrote «Elvis Aaron Presley» in his ledger.[3] The state-issued birth certificate reads «Elvis Aron Presley». The name was chosen after the Presleys» friend and fellow congregation member Aaron Kennedy, though a single-A spelling was probably intended by Presley»s parents to parallel the middle name of Presley»s stillborn brother, Jesse Garon.[4] It reads Aron on most official documents produced during his lifetime, including his high school diploma, RCA Victor record contract, and marriage license, and this was generally taken to be the proper spelling.[5] In 1966, Presley expressed the desire to his father that the more traditional biblical rendering, Aaron, be used henceforth, «especially on legal documents».[3] Five years later, the Jaycees citation honoring him as one of the country»s Outstanding Young Men used Aaron. Late in his life, he sought to officially change the spelling to Aaron and discovered that state records already listed it that way. Knowing his wishes for his middle name, Aaron is the spelling his father chose for Presley»s tombstone, and it is the spelling his estate has designated as official.[5]
4. ^ Of the $40,000, $5,000 covered back royalties owed by Sun.[87]
5. ^ In 1956–57, Presley was also credited as a co-writer on several songs where he had no hand in the writing process: «Heartbreak Hotel»; «Don»t Be Cruel»; all four songs from his first film, including the title track, «Love Me Tender»; «Paralyzed»; and «All Shook Up».[90] (Parker, however, failed to register Presley with such musical licensing firms as ASCAP and its rival BMI, which eventually denied Presley annuity from songwriter»s royalties.) He received credit on two other songs to which he did contribute: he provided the title for «That»s Someone You Never Forget» (1961), written by his friend and former Humes schoolmate Red West; Presley and West collaborated with another friend, guitarist Charlie Hodge, on «You»ll Be Gone» (1962).[91]
6. ^ VH1 ranked Presley No. 8 among the «100 Greatest Artists of Rock & Roll» in 1998.[433] The BBC ranked him as the No. 2 «Voice of the Century» in 2001.[434] Rolling Stone placed him No. 3 in its list of «The Immortals: The Fifty Greatest Artists of All Time» in 2004.[435] CMT ranked him No. 15 among the «40 Greatest Men in Country Music» in 2005.[436] The Discovery Channel placed him No. 8 on its «Greatest American» list in 2005.[437] Variety put him in the top ten of its «100 Icons of the Century» in 2005.[438] The Atlantic ranked him No. 66 among the «100 Most Influential Figures in American History» in 2006.[439]
7. ^ Whitburn follows actual Billboard history in considering the four songs on the «Don»t Be Cruel/Hound Dog» and «Don»t/I Beg of You» singles as distinct. He tallies each side of the former single as a number-one (Billboard»s sales chart had «Don»t Be Cruel» at number one for five weeks, then «Hound Dog» for six) and reckons «I Beg of You» as a top ten, as it reached number eight on the old Top 100 chart. Billboard now considers both singles as unified items, ignoring the historical sales split of the former and its old Top 100 chart entirely. Whitburn thus analyzes the four songs as yielding three number ones and a total of four top tens. Billboard now states that they yielded just two number ones and a total of two top tens, voiding the separate chart appearances of «Hound Dog» and «I Beg of You».
8. ^ Sony Music.
9. ^ a b Goldman, pp. 188-189.
10. ^ a b c Lodetti, p. 50.
11. ^ a b c d e f Rodogna, pp. 58-59.
12. ^ a b Assante, p. 58.
13. Over de juiste spelling van zijn middelste naam bestaat uitvoerige discussie. Bij de bevalling schreef de aanwezige arts Elvis Aron Presley in zijn logboek. (Nash (2005) p. 11) Ook het geboortecertificaat van de staat Mississippi heeft Elvis Aron Presley. Het was een vernoeming naar Aaron Kennedy, een vriend en medekerkganger van de Presleys, maar de spelling met een enkele A wijst waarschijnlijk op de intentie van Presleys ouders om een parallel te creëren met de middelste naam van Presleys dood geboren broer Jesse Garon (Guralnick (1994), p. 13) Aron is de lezing van de meeste officiële documenten die tijdens zijn leven gemaakt werden, waaronder zijn schooldiploma, platencontract van RCA en huwelijkscertificaat, en dit werd algemeen gezien als de juiste spelling (Adelman (2002), p. 13-15). In 1966 uitte Presley tegenover zijn vader de wens dat de meer traditionele Bijbelse schrijfwijze, Aaron, voortaan gebruikt zou worden, met name op officiële documenten (especially on legal documents Nash (2005) p. 11) Vijf jaar later stond Aaron op het Jaycees document dat hem eerde als een van Amerika»s Outstanding Young Men. In zijn laatste jaren ondernam hij stappen om de spelling officieel in Aaron om te zetten en ontdekte dat overheidsdocumenten de naam al zo schreven. De wensen van zijn zoon kennende, liet zijn vader Aäron spellen op Presleys grafsteen en ook de erven hebben deze spelling aangemerkt als officieel (Adelman (2002), p. 13-15.)
14. Volgens een derdegraads neef van de Presleys was een van Gladys» betovergrootmoeders joods (Dundy (2004), p. 21). Er zijn geen aanwijzingen dat Presley of zijn moeder dit geloof aan een joodse afkomst deelden. Columnist Nate Bloom heeft de bewering van het familielid in twijfel getrokken en een ongeloofwaardig verhaal genoemd
15. In 1956–57 werd de naam van Presley ook opgevoerd als medecomponist in verschillende gevallen waarin hij geen deel had aan het schrijfproces: Heartbreak Hotel, Don»t Be Cruel, alle vier de liedjes uit zijn eerste film inclusief de titelsong, Love Me Tender, Paralyzed en All Shook Up (Jorgensen (1998), p. 35, 51, 57, 61, 75). Parker verzuimde echter Presley in te schrijven bij firma»s in muzieklicenties als ASCAP en concurrent BMI, die uiteindelijk Presleys jaarlijkse inkomsten uit royalty»s zouden tegenhouden. Hij kreeg vermelding voor twee andere nummers waaraan hij wel had bijgedragen: hij leverde de titel voor That»s Someone You Never Forget (1961), geschreven door Red West, zijn vriend en voormalige klasgenoot van Humes; Presley en West werkten samen met een andere wederzijdse vriend, gitarist Charlie Hodge, aan You»ll Be Gone (1962) (Jorgensen (1998), p. 157-58, 166, 168)
16. Whitburn volgt de feitelijke geschiedenis van Billboard door de vier songs op de singles Don»t Be Cruel/Hound Dog en Don»t/I Beg of You apart te tellen. Hij telt elke zijde van de eerste single als een nummer een – op Billboards verkooplijst stond Don»t Be Cruel vijf weken op nummer één, daarna Hound Dog zes weken – en rekent I Beg of You als een top tien, omdat die de achtste plaats haalde op de oude Top 100-lijst. Billboard beschouwt beide singles nu elk als een eenheid en negeert daarbij de historische opdeling van de eerdere en de oude Top 100-lijst. Zodoende analyseert Whitburn de opbrengst van de vier songs als drie nummer eens en een totaal van vier top tien-nummers. Billboard verklaart tegenwoordig dat ze slechts twee nummer 1-hits opleveren en een totaal van twee top tien-nummers, een nietigverklaring van de aparte hitlijstnoteringen van Hound Dog en I Beg of You
17. Aunque algunos pronuncian su nombre como PREZ-lee, Presley mismo utilizaba la pronunciación de los Estados del Sur, PRESS-lee, como su familia y quienes trabajaban con él lo hacían.[2]​ El correcto deletreo de su segundo nombre ha sido un tema de amplio debate. El médico que ayudó en el parto escribió «Elvis Aaron Presley» en su partida de nacimiento,[3]​ mientras que el certificado estatal reza «Elvis Aron Presley». Se eligió el nombre por el amigo y compañero en la congregación Aaron Kennedy, aunque el deletreo con solamente una «a» fue probablemente un intento de imitar el segundo nombre del hermano fallecido de Presley, Jesse Garon.[4]​ En la mayor parte de los documentos oficiales que firmó durante su vida figura como «Aron», entre los que se incluyen su diploma de la secundaria, el contrato con RCA y su certificado de matrimonio y generalmente se lo consideraba el deletreo correcto.[5]​ En 1966, Presley expresó a su padre el deseo de que el nombre más tradicional bíblicamente, Aaron, se usara desde ese entonces, «especialmente en documentos legales».[3]​ Cinco años más tarde, la cita de Jaycees donde se lo menciona como uno de los jóvenes más sobresalientes del país empleó «Aaron». Más tarde, a lo largo de su vida, buscó cambiar su ortografía a «Aaron» y descubrió que estaba registrado en el Estado de esta manera. Como su padre tuvo en cuenta esta preferencia, eligió esta forma de escribir el nombre para su lápida y en su estado, se la designó como oficial. [5]​
18. Según un primo tercero de Presley, una de las bisabuelas de Gladys era judía.[17]​ No obstante, no existe evidencia de que Presley o su madre compartieran esta opinión sobre su herencia judía. El columnista sindical Nate Bloom desafió el relato de este primo, a quien llamó «un cuentacuentos».[18]​