Francis Picabia
gigatos | enero 16, 2022
Resumen
Francis Picabia (nombre completo Francisco María Martínez Picabia della Torre; 22 de enero de 1879, París – 30 de noviembre de 1953, París) fue un pintor, artista gráfico y escritor de vanguardia francés, director de teatro, guionista, actor y diplomático.
Francis Picabia se hizo famoso como artista excéntrico que no suscribía ningún dogma político o estilístico. Tuvo una gran influencia en el arte contemporáneo, especialmente en el dadaísmo y el surrealismo.
Francisco María Martínez Picabia della Torre, llamado Francis Picabia (a veces escrito Picabia), nació en París de madre francesa y padre español. El padre de Francis Picabia trabajó primero en Cuba en la industria azucarera y después en la embajada cubana en Francia en el servicio diplomático. Fue en París donde conoció a la futura madre de Francisco. Su madre, Marie Cecile Davan, pertenecía a la rica burguesía parisina. Murió cuando el futuro artista y poeta tenía 5 años (según otras fuentes, 7).
Francis Picabia tenía una personalidad flexible y extrovertida y un temperamento muy cambiante y colérico. Las bruscas fluctuaciones del temperamento y el tono creativo estallaban ocasionalmente en una depresión prolongada o en arrebatos neurasténicos de ira, que solían manifestarse en el entorno familiar. A lo largo de su vida, Picabia cambió muchas veces su estilo creativo y sus gustos personales y estéticos. En este sentido, se le puede considerar como una especie de rompedor de récords. Si se cuentan en orden todas las transformaciones de su estilo, dirección, forma de escribir e incluso ideología, se obtienen no menos de siete, (o incluso diez) giros dramáticos. Quizás en este aspecto Francis Picabia supera incluso a su más famoso contemporáneo y compañero de profesión, Pablo Picasso.
Cuando tenía dieciséis años, su padre ofreció en secreto uno de sus paisajes al jurado del Salón del Artista Francés de París. Para sorpresa de su familia y del propio joven pintor, el cuadro fue aceptado e incluso anotado. Esto animó a Picabia a tomarse la pintura en serio.
Entre 1895 y 1896, Francis Picabia recibió clases en la Escuela de Artes Decorativas de París con Embert y Cormon, y en su primer estilo pintó buenos paisajes típicamente franceses, como si continuara en dirección impresionista las famosas obras de Camille Corot. Después de 1899, Picabia expuso en el Salón de los Independientes y pronto se estableció en los círculos artísticos parisinos como impresionista. Sin embargo, el impresionismo de Picabi no duró mucho. Ya en 1902, tras un viaje a España, los intereses artísticos de Picabie comenzaron a orientarse gradualmente hacia el estilo fauvista («español»), colorista y llamativo.
Su conocimiento de Marcel Duchamp en 1910 tuvo una influencia decisiva en el desarrollo posterior de la personalidad y la obra de Francis Picabius. Del fauvismo, durante un periodo relativamente breve antes de la guerra con Alemania, pasó primero al cubismo y a la abstracción geométrica. El cuadro más conocido de Picabia de esta época, Bailarina en un crucero por el Atlántico (1913), es un documento no sólo del estilo abstracto de Picabia, sino también de su larga marcha (más de tres años) a Nueva York. Picabia en su vida en general tenía la costumbre de salir de un lugar de guerra. Expone sus nuevos cuadros cubistas abstractos en el Armory Show (Nueva York, 1913), lo que le da más fama. Sin embargo, Picabia tampoco se detiene ahí. Entre 1915 y 1917, durante los tres años de su vida en Nueva York, estuvo en estrecho contacto con los artistas de vanguardia, y junto con Duchamp dirigió la sección neoyorquina del movimiento dadaísta. Pero sólo dos años después, vuelve a cambiar paradójicamente su estilo. Esta vez, abandonando la abstracción geométrica, Francis Picabia no elige un estilo o un movimiento ya existente. Pinta un ciclo de composiciones originales que se han convertido en lo más reconocible y característico de su estilo personal de pintura. Convencionalmente, pueden denominarse «dibujos mecánicos» o «antropomórficos». Pintando copias de dibujos técnicos y añadiendo detalles inesperados, a menudo vívidos y sin sentido, Picabia les dio los rasgos paradójicos de las formas humanas. Estas son, por ejemplo, sus obras más famosas: Parade of Love (1917), A Daughter Born Without a Mother (1917) y The Carburetor Child (1919). Los vívidos dibujos «mecanomórficos» de Francis Picabia están llenos de provocación, epataje dadaísta y sarcasmo, y demuestran tanto el sinsentido como el poder de la percepción humana, capaz de implantar imágenes reales en cualquier forma, la más abstracta o absurda. Son estas obras de Picabia las que parecen más cercanas y adecuadas a su personalidad creativa, que se manifestó paradójicamente y de forma directa en su vida y en su obra.
De espíritu extremadamente libre e independiente, cercano en carácter y rasgos de personalidad a Guillaume Apollinaire y Marcel Duchamp, es divertido rastrear cómo Francis Picabia primero se enemistó y opuso abiertamente y luego apoyó e incluso lideró el movimiento Dadá durante sus viajes de «propaganda» especialmente emprendidos a Nueva York, Barcelona y Zúrich. De la misma manera se desarrolló su trabajo. Sus artículos dadaístas son reconocidos como demoledores y brillantes, el almanaque vanguardista «391», que fundó en Nueva York, y que luego publicó en Zúrich y París hasta 1924, así como sus pinturas abstractas anteriores a la Primera Guerra Mundial y sus dibujos «mecanomórficos», que se asemejan a unos extraños dibujos del futuro, se convirtieron en algo no sólo reconocible sino también icónico en la historia del arte de principios del siglo XX.
Tras la fase dadaísta, en la que, junto con Tristan Tzara, fue uno de los líderes reconocidos, (1914-1920) Francis Picabia dio otro giro brusco en 1921 y se unió a los oponentes directos (y a la vez seguidores) de Dadá: los surrealistas. Le acosaban regularmente las depresiones, de las que se veía obligado a tratarse con pastillas de cacodilato (le hace mucha gracia esta palabra), que también estaban muy arraigadas en su arte del periodo parisino. En esta época, Picabia abandona su estilo «mecánico», no pinta al óleo durante varios años y se pasa principalmente a las técnicas del collage y del objeto surrealista. Se trata de su «Sombrero de paja» (1921), «Pintura de cacodilato» (1922) y «Mujer con cerillas» (1923). Durante este periodo, uno de los mayores logros de Francis Picabia no es, curiosamente, la pintura pura, sino el ballet y la película «Relache» («Intermedio» o «El espectáculo se cancela»), realizado junto con el brillante compositor de vanguardia Eric Satie y el joven director de cine en ciernes René Clair…
Hacia 1927, Picabia inicia en su obra el estilo de las «pinturas transparentes», en las que experimenta abiertamente y busca diferentes formas de distorsionar la perspectiva. Mediante la yuxtaposición de rostros, figuras y objetos multidimensionales, los entrelaza en superposiciones espaciales lineales, tratando de conseguir el efecto de engaño de la visión o el juego de movimientos planares estereoscópicos. En estos cuadros, grandes siluetas transparentes compuestas de líneas se superponen a un paisaje pintado con finura y detalle, creando un efecto de un particular «surrealismo espacial» que no se encuentra en ningún otro pintor surrealista. Este estilo incluye los cuadros «Él y su sombra» (1928), «La esfinge» (1929) y «Medea» (1929).período surrealista Francis Picabia comienza a desvanecerse poco a poco y viene a «no» a principios de los 30-ies. Sin embargo, su metamorfosis estilística tampoco termina ahí.
A mediados de la década de 1930, Picabia había pasado de las imágenes transparentes a las pinturas duras y brutales de estilo pseudoclásico amateur. Parodiando o reproduciendo la manera de los artistas gráficos, Picabia pasa a un estilo casi directamente kitsch. Pinta decenas de desnudos, alegorías, retratos e incluso escenas bíblicas clásicas con un aspecto deliberadamente kitsch, o antiartístico. En esta época se dedicó especialmente a los trabajos por encargo. Francis Picabia, por carácter y forma de vida, siempre ha sido un pronunciado jouyer y bon vivant. Amante de la vida bella y de los placeres siempre anunciados en los folletos de viajes (mujeres hermosas, coches de carreras, yates privados, villas en la costa, playas soleadas, etc. …..), Picabia acabó, después de su «crítico cincuentenario», por empezar a ganar dinero a manos llenas y traducir su nombre de alto nivel en «dinero». En el último periodo de su vida se pasó a la pintura convencional y casi glamurosa, al servicio del beneficio comercial inmediato, pero totalmente desprovista de la fuerza y la originalidad inherentes a su talento en sus años de juventud.
Picabia sobrevivió a los seis años de guerra con Alemania en la neutral Suiza. Tras el fin de la ocupación alemana, regresó a París en 1945, y en los últimos años de su vida mantuvo un contacto bastante estrecho con los existencialistas. Fueron ellos quienes redescubrieron posteriormente sus escritos poéticos y sus artículos sobre teoría del arte de la década de 1910, temporalmente olvidados. Después de la guerra vivió en casa de sus padres, trabajando en el taller de su abuelo Alphonse. Al tener serias dificultades económicas, no pudo adquirir nuevos lienzos y tuvo que repintar el mismo cuadro varias veces.
Murió el 30 de noviembre de 1953 en París (82 rue des Petits-Champs) y está enterrado en el cementerio de Montmartre.
El ballet dadaísta Relâche, con música de Éric Satie, estrenado en el Théâtre des Champs Élysées el 4 de diciembre de 1924, puede considerarse la cumbre de la vida y la obra de Francis Picabia, ya que reúne casi todas sus orientaciones creativas. Aquí, Picabia demostró su valía como diseñador de producción y de vestuario, como escritor, autor del libreto del ballet y del guión de la película, como actor (que interpretó dos papeles en la película), como organizador destacado del proceso de producción teatral y como líder de los dadaístas y surrealistas (y hábil intrigante) que atrajo a las mejores fuerzas para que participaran en la representación y «desactivó» a tiempo a la mayoría de sus enemigos. En el centro de la creación de la nueva producción se encontraba Erik Satie, un compositor excéntrico y perpetuamente innovador, que a sus 58 años podría sin duda dar ventaja a cualquiera de los jóvenes. Picabia y Satie, ambos artistas extremadamente vivos y con personalidades complejas, pudieron sin embargo colaborar activamente y crearon una obra que todavía se distingue en la historia del ballet.
Como muchas cosas en la vida de Francis Picabia, su relación con Erick Satie siguió una marcada trayectoria en «zigzag». En 1919, cuando Picabia aún vivía en Zúrich y no estaba inmerso en los conflictos y disputas de los movimientos artísticos parisinos, el artista incluyó el nombre (mal escrito) de «Erick Satye» en su cuadro titulado El Movimiento Dadá, destinado a ilustrar la revista de Tristan Tzara. Seis meses más tarde, ya en París, junto con André Breton y sus gamberros surrealistas, Picabia se lanza de lleno contra el «grupo Jean Cocteau». Uno de sus poemas dadaístas de 1920 se titula «Auric Satie à la noix de Cocteau». En el texto de su poema, ironizaba de forma muy venenosa sobre «Auric Satie, que decidió que su »Música de amueblamiento» era capaz de darle un lugar en la alta sociedad por las noches» (Revista Dada-Phone, 1919, nº 7).
Sin embargo, a diferencia de cualquier terquedad o dogmatismo, Picabia no dudó en cambiar de rumbo al cabo de unos meses. Envió a Satie una carta llena de simpatía, inscribiendo una dedicatoria «Erik est Satierik» en la portada de una de sus revistas. Seis meses más tarde, Satie publica en el almanaque 391 de Picabia dos aforismos un poco mordaces que aparecen en letras enormes en la portada de la revista. Sin embargo, a principios de 1922, durante otra «guerra» de los surrealistas de Breton contra los dadaístas de Tzara, Satie y Picabia se encuentran de nuevo en campos opuestos. Sin embargo, un año más tarde, Satie reanudó su relación con el artista, esta vez para colaborar en un nuevo ballet, aún no titulado Relâche o El espectáculo se cancela.
Este ballet fue la cumbre de la colaboración entre Satie y Picabia. Esta producción fue encargada originalmente (otoño de 1923) por Rolf de Marais, director del Ballet Sueco de París, a Eric Satie para un guión del poeta Blaise Sandrard con decorados de Picabia. En su versión inicial, el ballet no tenía un título tan provocativo. En el guión de Sandrar, el ballet tenía un título mucho más humilde: Después de la cena. Sin embargo, sólo tres o cuatro meses más tarde, Francis Picabia, con su habitual desenvoltura, apartó a Sandrar (que se había marchado a Brasil en un momento demasiado malo) del proyecto, reescribió el guión (según Satie, «añadiéndole sólo unas líneas») y se convirtió él mismo en el autor de pleno derecho y, simultáneamente, en el director artístico de un espectáculo dadaísta mucho más radical.
De un modo u otro, a finales de abril de 1924 el antiguo ballet After Dinner, con libreto de Blaise Sandrar, se convirtió finalmente en El espectáculo se cancela. Picabia concibió un espectáculo provocador en el que se combinarían muchas artes -teatro, ballet, música, escultura, pintura e incluso cine- «en un único sinsentido». Relâche incluía dos proyecciones de películas en la pantalla, una al comienzo de la representación (Prólogo) y otra en el intermedio (Intermedio). La película, con este título exacto, «Entrée», en la que participaron numerosos artistas dadaístas y surrealistas famosos, el coreógrafo principal del Ballet Sueco, así como los propios Eric Satie y Francis Picabia, fue dirigida por el entonces cineasta en ciernes René Clair, hizo famoso a su autor y (aparte de la performance «Relâche») se abrió paso en el fondo de oro del arte cinematográfico del siglo XX.
Francis Picabia también creó una escenografía completamente dadaísta y futurista para su producción, al tiempo que se incorporaba activamente al proceso de ballet y composición, lo que respondía a su intención de crear un producto de autor total, impregnado de abajo a arriba de la idea dadá. Por ejemplo, parte del ballet se interpreta en completo silencio y los bailarines bailan sin ningún apoyo de la música. En otros momentos, por el contrario, hay música con ausencia total de coreografía. Erik Satie apoyó de buen grado todas estas muecas del autor, tanto más cuanto que estaban en plena sintonía con sus primeras ideas. En el programa teatral habitual que acompañaba al estreno de Relâche en el Ballet Sueco, se podían leer las siguientes palabras pertenecientes a Picabia y Satie:
«¿Cuándo se liberará la gente de la desagradable costumbre de explicarlo todo? «La obra se cancela» es un ballet continuo con el objetivo del absurdo más pretencioso trasladado al teatro: «la vida como me gusta, la vida sin mañana, la vida sólo ahora, todo hoy, todo para hoy, nada para ayer y nada para mañana». (avance del Ballet Sueco, Relâche, noviembre de 1924)
Pikabia, extremadamente liberada sexualmente en la vida, provocó constantemente a Satie en todo tipo de «sublimaciones» durante la realización de Relâche. Por ello, el ballet estaba lleno de movimientos y escenas de lo más «indecentes». Satie, en particular, que era capaz de afinar tales alusiones, afirmó cuando trabajaba en la partitura que había compuesto música «pornográfica» para Relâche. Al parecer, lo consiguió, y de la forma más directa. Satie definió el género de su obra como «ballet obsceno». Y la reacción a sus payasadas fue apropiada. Uno de los críticos más tolerantes, Paul Judge, escribió más suavemente sobre el tema en su crítica del ballet:
«La música de Monsieur Satie se compone de las melodías populares más cansadas y agotadas, reproducidas con relativamente pocas alteraciones, más que como música de ballet, como un puro ejemplo de la aplicación de las técnicas clásicas de la danza».
El propio Satie, al seleccionar las canciones parisinas más vulgares y obscenas para su ballet, fue mucho más explícito al respecto: «Al escuchar una melodía conocida, las palabras más obscenas que se canten con ella deben surgir inmediatamente en la memoria del público». En varios números del ballet («La mujer sale», «La música», «Los hombres se desnudan», «El baile con la carretilla») la orquestación es deliberadamente transparente y clara, y los motivos vulgares se distorsionan lo justo para seguir siendo fácilmente reconocibles. «La construcción de la música de Erik Satie», escribió posteriormente Germaine Everling, la segunda esposa de Picabia, «envolvía y aclaraba constantemente el pensamiento del artista.
La totalidad de la idea de la cancelación de la Relâche también recibió su plasmación directa fuera del escenario. El ballet debía estrenarse el 27 de noviembre de 1924. Sin embargo, en un momento en el que un público sofisticado y toda la bohemia parisina ya se había reunido en el Théâtre des Champs-Elysées, se anunció un «relâche» decisivo y la representación… se canceló. La razón de la cancelación fue el mal tiempo y la falta de voluntad de Jean Bjorlen para bailar «en el estado en que se encontraba». El público estaba realmente indignado por las payasadas de la actuación. Muchos argumentaron seriamente que ninguna «Relâche» era real y que se trataba simplemente de un engaño fraudulento para promover la autopromoción de dos famosos amantes del juego de palabras, Satie y Picabia. Sin embargo, la «Derogación» tuvo lugar una semana después, el 4 de diciembre de 1924.
La unidad entre los dos principales autores de ballet fue realmente impresionante. Satie, que a lo largo de su vida había sido propenso a constantes conflictos y resentimientos, no tuvo ningún roce con Picabia durante la producción de Relâche. Tal vez esto tuvo el efecto de crear un avance para el propio Picabia, que nunca antes había tenido un precedente así en su vida y en su obra. El ballet Relâche es la última obra de Eric Satie. Trabajó en la partitura cuando ya estaba enfermo en fase terminal y, sólo dos meses después del estreno, ingresó finalmente en el hospital del monasterio de Saint-Jacques, del que nunca salió. Satie murió el 1 de julio de 1925. Francis Picabia sufrió mucho con su muerte y cayó en otra severa depresión durante más de un año, de la que, como se puede ver en el resto de su vida y obra, nunca se recuperó.
Mientras trabajaba en el ballet Relâche, Picabia dibujó y simplemente esbozó en papel numerosos retratos de Erik Satie «en su estilo mecánico» y también publicó varios textos sobre el compositor, en los que, entre otras cosas, afirmaba que «nuestros descendientes se pondrán su música como un guante». Símbolo elocuente e ingenuo de su unidad, el prólogo cinematográfico de dos minutos del ballet muestra a Satie y Picabia cargando personalmente el cañón y apuntando al público. Y en la segunda parte de la película, Intermission, Picabia incluso ha pintado sus propias iniciales junto con las del compositor (FP – ES) dentro de un expresivo corazón en el dardo funerario con el cuerpo del coreógrafo al que disparó, Jean Bjorlen. Esta simpática broma, típicamente dadaísta, no resultó, por desgracia, un buen augurio, al menos para Erik Satie. Apenas seis meses después, el carruaje fúnebre también vino a por él.
Fuentes
