Frank Capra
gigatos | marzo 29, 2022
Resumen
Frank Russell Capra (18 de mayo de 1897 – 3 de septiembre de 1991) fue un director de cine, productor y guionista estadounidense de origen italiano que se convirtió en la fuerza creativa de algunas de las películas más premiadas de las décadas de 1930 y 1940. Nacido en Italia y criado en Los Ángeles desde los cinco años de edad, su historia de éxito ha llevado a historiadores del cine como Ian Freer a considerarlo la «personificación del sueño americano».
Capra se convirtió en uno de los directores más influyentes de Estados Unidos durante la década de 1930, ganando tres premios de la Academia al mejor director de entre seis nominaciones, además de otros tres premios Oscar de entre nueve nominaciones en otras categorías. Entre sus películas más destacadas están Sucedió una noche (1934), El señor Deeds va a la ciudad (1936), No te lo puedes llevar (1938) y El señor Smith va a Washington (1939). Durante la Segunda Guerra Mundial, Capra sirvió en el Cuerpo de Señales del Ejército de Estados Unidos y produjo películas de propaganda, como la serie Why We Fight.
Después de la Segunda Guerra Mundial, la carrera de Capra decayó, ya que sus últimas películas, como It»s a Wonderful Life (1946), obtuvieron malos resultados cuando se estrenaron. Sin embargo, en las décadas siguientes, La vida maravillosa y otras películas de Capra fueron revisadas favorablemente por la crítica. Además de dirigir, Capra se mantuvo activo en la industria cinematográfica y participó en diversas actividades políticas y sociales. Fue presidente de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas, colaboró con el Gremio de Guionistas de América y fue jefe del Gremio de Directores de América.
Capra nació como Francesco Rosario Capra en Bisacquino, un pueblo cercano a Palermo, Sicilia, Italia. Era el menor de los siete hijos de Salvatore Capra, fruticultor, y de Rosaria «Serah» Nicolosi. La familia de Capra era católica. El biógrafo de Capra, Joseph McBride, señala que el nombre «Capra» representa la cercanía de su familia a la tierra y significa «cabra». Señala que la palabra inglesa «capricious» deriva de él, «evocando el temperamento asustadizo del animal», y añade que «el nombre expresa claramente dos aspectos de la personalidad de Frank Capra: emocionalidad y obstinación».
En 1903, cuando tenía cinco años, la familia de Capra emigró a los Estados Unidos, viajando en un compartimento de mayordomo del barco de vapor Germania, la forma más barata de hacer el pasaje. Para Capra el viaje, que duró 13 días, siguió siendo una de las peores experiencias de su vida:
Estáis todos juntos, no tenéis privacidad. Tienes un catre. Muy poca gente tiene baúles o algo que ocupe espacio. Sólo tienen lo que pueden llevar en las manos o en una bolsa. Nadie se quita la ropa. No hay ventilación y huele fatal. Son todos miserables. Es el lugar más degradante en el que se puede estar.
Capra recuerda la llegada del barco al puerto de Nueva York, donde vio «una estatua de una gran dama, más alta que el campanario de una iglesia, sosteniendo una antorcha sobre la tierra en la que íbamos a entrar». Recuerda la exclamación de su padre al verla:
¡Ciccio, mira! ¡Mira eso! ¡Es la mayor luz desde la estrella de Belén! ¡Es la luz de la libertad! Recuerda que
La familia se instaló en el East Side de Los Ángeles (hoy Lincoln Heights), en la avenida 18, que Capra describió en su autobiografía como un «gueto» italiano. El padre de Capra trabajaba como recolector de fruta y el joven Capra vendió periódicos después de la escuela durante 10 años, hasta que se graduó en el instituto. En lugar de trabajar después de graduarse, como querían sus padres, se matriculó en la universidad. Trabajó durante toda la carrera en el Instituto Tecnológico de California, tocando el banjo en clubes nocturnos y aceptando trabajos extraños, como trabajar en la lavandería del campus, servir mesas y limpiar motores en una central eléctrica local. Estudió ingeniería química y se graduó en la primavera de 1918. Capra escribió más tarde que su educación universitaria había «cambiado todo su punto de vista sobre la vida, pasando del punto de vista de una rata de callejón al punto de vista de una persona culta».
Poco después de graduarse en la universidad, Capra fue comisionado en el Ejército de los Estados Unidos como subteniente, tras completar el ROTC del campus. En el ejército, enseñó matemáticas a los artilleros en Fort Point, San Francisco. Su padre murió durante la guerra en un accidente (1916). En el ejército, Capra contrajo la gripe española y fue dado de baja por motivos médicos para volver a casa a vivir con su madre. Se nacionalizó estadounidense en 1920, adoptando el nombre de Frank Russell Capra. Viviendo en casa con sus hermanos y su madre, Capra era el único miembro de la familia con estudios universitarios, aunque era el único que permanecía crónicamente desempleado. Después de un año sin trabajo, al ver que sus hermanos tenían empleos estables, se sintió fracasado, lo que le llevó a sufrir ataques de depresión.
Más tarde se descubrió que los dolores abdominales crónicos se debían a una rotura de apéndice no diagnosticada. Tras recuperarse en su casa, Capra se mudó y pasó los siguientes años viviendo en pensiones de mala muerte en San Francisco y saltando en trenes de carga, vagando por el oeste de Estados Unidos. Para mantenerse, aceptó trabajos esporádicos en granjas, como extra en películas, jugando al póquer y vendiendo acciones de pozos petrolíferos locales.
Durante esta época, Capra, de 24 años, dirigió un documental de 32 minutos titulado La Visita Dell»Incrociatore Italiano Libya a San Francisco. No sólo documentaba la visita del buque naval italiano Libia a San Francisco, sino también el recibimiento ofrecido a la tripulación del barco por el Club L»Italia Virtus de San Francisco, ahora conocido como el Club Atlético Italiano de San Francisco.
A los 25 años, Capra aceptó un trabajo vendiendo libros escritos y publicados por el filósofo estadounidense Elbert Hubbard. Capra recordaba que «odiaba ser un campesino, ser un chico nuevo gorrón atrapado en el gueto siciliano de Los Ángeles. … Lo único que tenía era la gallardía, y déjame decirte que eso te lleva muy lejos».
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Comedias de cine mudo
Durante sus esfuerzos de venta de libros -y casi en bancarrota- Capra leyó un artículo de periódico sobre la apertura de un nuevo estudio cinematográfico en San Francisco. Capra llamó por teléfono diciendo que se había trasladado desde Hollywood, y dio a entender falsamente que tenía experiencia en la incipiente industria cinematográfica. El único contacto previo de Capra con el cine fue en 1915, cuando asistía a la Escuela Secundaria de Artes Manuales. Sin embargo, el fundador del estudio, Walter Montague, quedó impresionado por Capra y le ofreció 75 dólares para dirigir una película muda de un rollo. Capra, con la ayuda de un camarógrafo, hizo la película en dos días y la hizo con aficionados.
Después de ese primer trabajo serio en el cine, Capra comenzó a esforzarse por encontrar oportunidades similares en la industria cinematográfica. Aceptó un puesto en otro estudio menor de San Francisco y posteriormente recibió una oferta para trabajar con el productor Harry Cohn en su nuevo estudio de Los Ángeles. Durante este tiempo, trabajó como agente inmobiliario, cortador de películas, escritor de títulos y asistente de dirección.
Más tarde, Capra se convirtió en guionista de gags para la serie Our Gang de Hal Roach. Fue contratado en dos ocasiones como guionista para un director de comedias slapstick, Mack Sennett, en 1918 y 1924. Con él, Capra escribió guiones para el cómico Harry Langdon y producidos por Mack Sennett, siendo el primero de ellos Plain Clothes en 1925. Según Capra, fue él quien inventó el personaje de Langdon, el tonto inocente que vive en un «mundo travieso»; sin embargo, Langdon ya estaba muy metido en este personaje en 1925.
Cuando Langdon acabó dejando a Sennett para hacer películas más largas con los First National Studios, se llevó a Capra como guionista y director personal. Hicieron tres largometrajes juntos durante 1926 y 1927, todos ellos con éxito de crítica y público. Las películas convirtieron a Langdon en un cómico reconocido del calibre de Charlie Chaplin y Buster Keaton. Más tarde, Capra y Langdon se pelearon y Capra fue despedido. Durante los años siguientes, las películas de Langdon entraron en declive sin la ayuda de Capra. Tras separarse de Langdon, Capra dirigió una película para la First National, For the Love of Mike (1927). Se trataba de una comedia muda sobre tres padrinos conflictivos -un alemán, un judío y un irlandés- protagonizada por una actriz en ciernes, Claudette Colbert. La película fue considerada un fracaso y es una película perdida.
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Columbia Pictures
Capra regresó al estudio de Harry Cohn, ahora llamado Columbia Pictures, que entonces producía cortometrajes y comedias de dos rollos para «rellenar» entre los largometrajes principales. Columbia era uno de los muchos estudios que empezaban a funcionar en el «Poverty Row» de Los Ángeles. Al igual que los demás, Columbia no podía competir con los estudios más grandes, que solían tener sus propias instalaciones de producción, distribución y salas de cine. Cohn volvió a contratar a Capra en 1928 para que ayudara a su estudio a producir nuevos largometrajes, para competir con los grandes estudios. Capra llegaría a dirigir 20 películas para el estudio de Cohn, incluyendo todos sus clásicos.
Debido a su formación como ingeniero, Capra se adaptó más fácilmente a la nueva tecnología de sonido que la mayoría de los directores. Acogió con agrado la transición al sonido, recordando que «no estaba en casa en las películas mudas». La mayoría de los estudios no estaban dispuestos a invertir en la nueva tecnología de sonido, asumiendo que era una moda pasajera. Muchos en Hollywood consideraban el sonido una amenaza para la industria y esperaban que pasara rápidamente; McBride señala que «Capra no era uno de ellos». Cuando vio a Al Jolson cantar en The Jazz Singer en 1927, considerada la primera película sonora, Capra recordó su reacción:
Fue un shock absoluto escuchar a este hombre abrir la boca y que de ella saliera una canción. Fue una de esas experiencias únicas en la vida.
Pocos de los jefes de estudio o del equipo eran conscientes de los conocimientos de ingeniería de Capra hasta que empezó a dirigir The Younger Generation en 1929. El director de fotografía que trabajó con Capra en varias películas tampoco lo sabía. Describe esta primera época del sonido para el cine:
No era algo que surgiera. Había que farolear para sobrevivir. Cuando el sonido llegó por primera vez, nadie sabía mucho al respecto. Todos andábamos a oscuras. Incluso el técnico de sonido no sabía mucho al respecto. Frank lo vivió. Pero era muy inteligente. Era uno de los pocos directores que sabía lo que estaba haciendo. La mayoría de los directores caminaban en la niebla – – no sabían dónde estaba la puerta.
Durante su primer año con Columbia, Capra dirigió nueve películas, algunas de las cuales tuvieron éxito. Después de las primeras, Harry Cohn dijo: «fue el comienzo de que Columbia hiciera películas de mejor calidad». Según Barson, «Capra se convirtió en el director de mayor confianza de Harry Cohn». Sus películas pronto establecieron a Capra como un director «financiable» conocido en toda la industria, y Cohn aumentó el salario inicial de Capra de 1.000 dólares por película a 25.000 dólares al año. Capra dirigió una película para la MGM durante este periodo, pero pronto se dio cuenta de que «tenía mucha más libertad bajo la benévola dictadura de Harry Cohn», quien además ponía el «nombre de Capra sobre el título» de sus películas, algo inédito en la industria cinematográfica. Capra escribió sobre este periodo y recordó la confianza que Cohn depositaba en la visión y la dirección de Capra:
Le debía mucho a Cohn, le debía toda mi carrera. Así que le tenía respeto, y una cierta cantidad de amor. A pesar de su crudeza y todo lo demás, me dio mi oportunidad. Apostó por mí.
Capra dirigió su primera película sonora «de verdad», The Younger Generation, en 1929. Se trata de una comedia romántica que va de la pobreza a la riqueza y que trata sobre el ascenso de una familia judía en la ciudad de Nueva York, en la que su hijo trata de negar sus raíces judías para mantener a su novia rica y gentil. Según el biógrafo de Capra, Joseph McBride, Capra «obviamente se sintió muy identificado con la historia de un inmigrante judío que crece en el gueto de Nueva York… y siente que tiene que negar sus orígenes étnicos para ascender al éxito en América». Sin embargo, Capra negó cualquier conexión de la historia con su propia vida.
No obstante, McBride insiste en que The Younger Generation abunda en paralelismos con la propia vida de Capra. McBride señala la «devastadora y dolorosa escena culminante», en la que el joven hijo que asciende a la sociedad, avergonzado cuando sus nuevos amigos ricos conocen a sus padres, hace pasar a su madre y a su padre por sirvientes de la casa. Esa escena, señala McBride, «se hace eco de la vergüenza que Capra admitió sentir hacia su propia familia a medida que ascendía en el estatus social».
Durante sus años en la Columbia, Capra trabajó a menudo con el guionista Robert Riskin (marido de Fay Wray), y el cámara Joseph Walker. En muchas de las películas de Capra, los diálogos agudos y sabios fueron escritos a menudo por Riskin, y él y Capra se convirtieron en el «equipo de guionistas y directores más admirado de Hollywood».
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Carrera cinematográfica (1934-1941)
Las películas de Capra en la década de 1930 tuvieron un inmenso éxito en los premios de la Academia. Sucedió una noche (1934) se convirtió en la primera película en ganar los cinco principales premios Oscar (mejor película, mejor director, mejor actor, mejor actriz y mejor guión adaptado). Escrita por Robert Riskin, es una de las primeras comedias screwball, y con su estreno en la Gran Depresión, los críticos la consideraron una historia escapista y una variante del sueño americano. La película consagró los nombres de Capra, Columbia Pictures y las estrellas Clark Gable y Claudette Colbert en la industria cinematográfica. La película ha sido calificada de «picaresca». Fue una de las primeras «road movies» e inspiró variaciones sobre ese tema por parte de otros cineastas.
Siguió la película con Broadway Bill (1934), una comedia de humor sobre las carreras de caballos. Sin embargo, esta película supuso un punto de inflexión para Capra, ya que empezó a concebir una dimensión adicional para sus películas. Empezó a utilizar sus películas para transmitir mensajes al público. Capra explica su nueva forma de pensar:
Mis películas deben hacer saber a todos los hombres, mujeres y niños que Dios los ama, que yo los amo, y que la paz y la salvación sólo se harán realidad cuando todos aprendan a amarse.
Este objetivo añadido se inspiró tras reunirse con un amigo de la Cienciología Cristiana que le dijo que viera sus talentos de una manera diferente:
Los talentos que usted tiene, Sr. Capra, no son suyos, no son adquiridos por usted mismo. Dios le dio esos talentos; son sus regalos para usted, para que los use para su propósito.
Capra comenzó a plasmar mensajes en películas posteriores, muchas de las cuales transmitían «fantasías de buena voluntad». La primera de ellas fue Mr. Deeds Goes to Town (1936), por la que Capra ganó su segundo Oscar al mejor director. El crítico Alistair Cooke observó que Capra estaba «empezando a hacer películas sobre temas en lugar de personas».
En 1938, Capra ganó su tercer Oscar de director en cinco años por No te lo puedes llevar, que también ganó el de mejor película. Además de sus tres victorias como director, Capra recibió nominaciones como director por otras tres películas (Lady for a Day, Mr. Smith Goes to Washington y It»s a Wonderful Life). El 5 de mayo de 1936, Capra fue el anfitrión de la octava ceremonia de los Premios de la Academia.
Aunque La vida maravillosa es su película más conocida, Friedman señala que fue El señor Smith va a Washington (1939) la que más representó el «mito Capra». Esa película expresaba el patriotismo de Capra más que ninguna otra, y «presentaba al individuo trabajando dentro del sistema democrático para superar la corrupción política rampante».
La película, sin embargo, se convirtió en la más controvertida de Capra. En su investigación antes del rodaje, pudo estar cerca del presidente Franklin D. Roosevelt durante una rueda de prensa tras los recientes actos de guerra de Alemania en Europa. Capra recuerda sus temores:
Y el pánico se apoderó de mí. Japón estaba rebanando el coloso de China pieza por pieza. Los panzers nazis habían entrado en Austria y Checoslovaquia; su estruendo resonaba en Europa. Inglaterra y Francia se estremecieron. El oso ruso gruñía siniestramente en el Kremlin. La nube negra de la guerra se cernía sobre las cancillerías del mundo. El Washington oficial, desde el Presidente hacia abajo, estaba en proceso de tomar decisiones duras y torturantes. «Y aquí estaba yo, en el proceso de hacer una sátira sobre los funcionarios del gobierno; … ¿No era éste el momento más inoportuno para hacer una película sobre Washington?
Cuando se terminó el rodaje, el estudio envió copias de preestreno a Washington. Joseph P. Kennedy Sr., embajador de EE.UU. en el Reino Unido, escribió al director de Columbia, Harry Cohn: «Por favor, no ponga esta película en Europa». Los políticos estaban preocupados por el posible efecto negativo que la película podría tener en la moral de los aliados de Estados Unidos, ya que la Segunda Guerra Mundial había comenzado. Kennedy escribió al presidente Roosevelt que «en los países extranjeros esta película inevitablemente reforzará la impresión errónea de que Estados Unidos está lleno de chanchullos, corrupción y anarquía». Muchos jefes de estudios estaban de acuerdo, y tampoco querían que se inculcaran sentimientos negativos sobre Hollywood en los líderes políticos.
Sin embargo, la visión de Capra sobre el significado de la película era clara:
Cuanto más inciertos son los pueblos del mundo, cuanto más se dispersan y pierden sus libertades duramente ganadas en los vientos del azar, más necesitan una declaración resonante de los ideales democráticos de Estados Unidos. El alma de nuestra película estaría anclada en Lincoln. Nuestro Jefferson Smith sería un joven Abe Lincoln, hecho a la medida de la sencillez, la compasión, los ideales, el humor y el inquebrantable valor moral bajo presión de este hombre.
Capra suplicó a Cohn que permitiera la distribución de la película y recuerda la intensidad de su decisión:
Harry Cohn se paseó por el suelo, tan aturdido como debió de estar Abraham cuando el Señor le pidió que sacrificara a su querido hijo Isaac.
Cohn y Capra decidieron ignorar la publicidad y las demandas negativas y estrenaron la película como estaba previsto. Posteriormente fue nominada a 11 premios de la Academia, pero sólo ganó uno (a la mejor historia original), en parte debido a que el número de grandes películas nominadas ese año era de 10, entre ellas El mago de Oz y Lo que el viento se llevó. La columnista de Hollywood Louella Parsons la calificó de «gran éxito patriótico» y la mayoría de los críticos estuvieron de acuerdo, al ver que el público salía de los cines con «un entusiasmo por la democracia» y «en un resplandor de patriotismo».
La importancia del mensaje de la película se comprobó aún más en Francia, poco después del comienzo de la Segunda Guerra Mundial. Cuando se pidió al público francés que seleccionara la película que más deseaba ver, tras haber sido informado por el gobierno de Vichy de que pronto no se permitirían más películas estadounidenses en Francia, la abrumadora mayoría la eligió por encima de todas las demás. Para una Francia que pronto iba a ser invadida y ocupada por las fuerzas nazis, la película era la que más expresaba la «perseverancia de la democracia y el estilo americano».
En 1941 Capra dirigió Meet John Doe (1941), que algunos consideran la película más controvertida de Capra. El héroe de la película, interpretado por Gary Cooper, es un antiguo jugador de béisbol que ahora anda por ahí, sin objetivos. Es elegido por un periodista para representar al «hombre común», para captar la imaginación de los estadounidenses de a pie. La película se estrenó poco antes de que Estados Unidos se involucrara en la Segunda Guerra Mundial, y los ciudadanos todavía estaban en un estado de ánimo aislacionista. Según algunos historiadores, la película se hizo para transmitir una «reafirmación deliberada de los valores estadounidenses», aunque parecían inciertos con respecto al futuro.
El autor de la película, Richard Glazer, especula con la posibilidad de que la película sea autobiográfica y «refleje las propias incertidumbres de Capra». Glazer describe cómo «la transformación accidental de John, de vagabundo a figura nacional, es paralela a la propia experiencia de Capra en sus inicios como vagabundo y su posterior implicación en la realización de películas… Meet John Doe, por tanto, fue un intento de resolver sus propios miedos y preguntas».
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Alistarse en el ejército después de Pearl Harbor
Cuatro días después del ataque japonés a Pearl Harbor, el 7 de diciembre de 1941, Capra abandonó su exitosa carrera de director en Hollywood y recibió un nombramiento como mayor en el ejército de los Estados Unidos. También renunció a la presidencia del Screen Directors Guild. Al tener 44 años, no se le pidió que se alistara, pero, señala Friedman, «Capra tenía un intenso deseo de demostrar su patriotismo a su tierra de adopción».
Capra recuerda algunas razones personales para alistarse:
Tenía una conciencia culpable. En mis películas defendía la causa de los tiernos, los pobres, los oprimidos. Sin embargo, había empezado a vivir como el Aga Khan. La maldición de Hollywood es el gran dinero. Llega tan rápido que engendra e impone sus propias costumbres, no de riqueza, sino de ostentación y estatus falso.
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Serie Por qué luchamos
Durante los siguientes cuatro años de la Segunda Guerra Mundial, el trabajo de Capra consistió en dirigir una sección especial de moral para explicar a los soldados «por qué demonios llevan el uniforme», escribe Capra, y no eran películas de «propaganda» como las creadas por los nazis y Japón. Capra dirigió o codirigió siete películas documentales de información de guerra.
Capra fue asignado a trabajar directamente bajo el Jefe de Estado Mayor George C. Marshall, el oficial de mayor rango al mando del Ejército, que más tarde creó el Plan Marshall y fue galardonado con el Premio Nobel de la Paz. Marshall decidió prescindir del departamento habitual de realización de documentales, Signal Corps, porque consideraba que no eran capaces de producir «películas sensibles y objetivas de información sobre las tropas». Un coronel explicó a Capra la importancia de estas futuras películas:
Fuiste la respuesta a la oración del General… Verás, Frank, esta idea sobre las películas para explicar «por qué» los chicos llevan uniforme es el propio bebé del General Marshall, y quiere la guardería justo al lado de la oficina de su Jefe de Estado Mayor.
Durante su primera reunión con el General Marshall, Capra fue informado de su misión:
Ahora, Capra, quiero concretar con usted un plan para hacer una serie de películas documentadas e informativas -la primera en nuestra historia- que explique a nuestros chicos del Ejército por qué estamos luchando y los principios por los que luchamos… Usted tiene la oportunidad de contribuir enormemente a su país y a la causa de la libertad. ¿Es usted consciente de ello, señor?
Las películas incluían la serie de siete episodios Por qué luchamos -que consistía en Preludio a la guerra (1942), Divide y vencerás (1943), La batalla de Gran Bretaña (1943), La batalla de Rusia (1943), La batalla de China (1944), La guerra llega a Estados Unidos (1945)-, además de Conoce a tu enemigo: Japón (1945), Aquí está Alemania (1945), La victoria de Túnez (así como la película relacionada con los afroamericanos, El soldado negro (1944).
Cuando terminó los primeros documentales, los funcionarios del gobierno y el personal del ejército estadounidense consideraron que eran mensajes poderosos y excelentes presentaciones de por qué era necesario que Estados Unidos luchara en la guerra. Todas las imágenes procedían de fuentes militares y gubernamentales, mientras que en años anteriores muchos noticiarios utilizaban en secreto imágenes de fuentes enemigas. Los gráficos animados fueron creados por Walt Disney y sus animadores. Varios compositores de Hollywood escribieron la música de fondo, entre ellos Alfred Newman y el compositor de origen ruso Dimitri Tiomkin. Después de que la primera película completa fuera vista por el general Marshall junto con el personal del ejército estadounidense -y Franklin Roosevelt-, Marshall se dirigió a Capra: «Coronel Capra, ¿cómo lo hizo? Es algo maravilloso».
FDR fue efusivo. «Quiero que todos los americanos vean esta película. General, por favor, haga todos los arreglos necesarios». «Preludio a la guerra» fue distribuida por 20th Century-Fox, y fue aclamada a nivel nacional. Fox también lanzó la obra de Capra «Por qué luchamos» – «La batalla de Rusia». Esta epopeya de nueve rollos (casi 90 minutos), que se distribuyó en dos partes para acomodar los periodos de una hora de duración durante el entrenamiento de inducción, detallaba la historia rusa utilizando extractos de las grandes películas de Eisenstein, y procedía a la historia inmediata a través de los noticiarios nazis capturados y los suministrados a regañadientes por Stalin. El resultado fue una experiencia emotiva. Cuando le mostraron la película en Moscú, Stalin se mostró efusivo y pidió mil copias en 35 mm. Estaba tan ansioso por que su pueblo viera la película que no se molestó en crear una banda sonora rusa. Capra se rió con asombro años más tarde al relatar la historia: «Stalin tenía intérpretes al lado del escenario en todos los teatros. Se limitaban a traducir la película sobre la marcha, gritando como locos para que se les oyera por encima de la música y los efectos sonoros». La película era tan positiva para la Unión Soviética que fue retirada del servicio y prohibida de hecho durante la era McCarthy, prohibición que se mantuvo hasta los años ochenta. Pero la serie se vio en los cines de todo EE.UU. Se tradujeron al francés, español, portugués y chino para su uso en otros países, irónicamente bajo la égida de Robert Riskin. Winston Churchill ordenó que todas ellas se mostraran al público británico en los cines. Hoy en día se emiten a menudo por televisión y se utilizan como material didáctico, ahora que se ha retirado la tapa de todos los trabajos gubernamentales de Capra. Uno de los últimos reestrenados fue «Conoce a tu enemigo: Japón» que, aunque increíblemente impactante, fue quizás demasiado. Se terminó después de la rendición de los nazis, y sólo se vio brevemente en el momento en que se lanzaron las primeras bombas atómicas sobre Japón (9 y 14 de noviembre de 1945). Entonces, confió Capra, «de repente necesitábamos relaciones amistosas con los japoneses y la película, junto con varias otras, fue encerrada». Así, una joya del cine propagandístico, como reconoce cualquiera que haya visto la película, apenas se exhibió.
La serie Why We Fight está considerada como una obra maestra de los documentales de información sobre la guerra, y ganó un premio de la Academia. Prelude to War ganó el premio de la Academia de 1942 al mejor largometraje documental. Cuando terminó su carrera, Capra consideraba estas películas como sus obras más importantes. Fue licenciado del servicio en 1945 como coronel, habiendo recibido la Legión del Mérito en 1943, la Medalla al Servicio Distinguido en 1945, la Medalla de la Victoria de la Primera Guerra Mundial (por su servicio en la Primera Guerra Mundial), la Medalla del Servicio de Defensa Americano, la Medalla de la Campaña Americana y la Medalla de la Victoria de la Segunda Guerra Mundial.
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It»s a Wonderful Life (1946)
Al terminar la guerra, junto con los directores William Wyler y George Stevens, Capra fundó Liberty Films. Su estudio se convirtió en la primera compañía independiente de directores desde United Artists en 1919, cuyo objetivo era hacer películas sin la interferencia de los jefes de los estudios. Sin embargo, las únicas películas realizadas por el estudio fueron It»s a Wonderful Life (1946) y State of the Union (1948). La primera fue una decepción en taquilla, pero fue nominada a cinco premios de la Academia.
Aunque la película no resonó entre el público en 1946, su popularidad ha crecido a lo largo de los años, en parte debido a las frecuentes emisiones durante esos años en los que se sabía que era de dominio público. Mediante una manipulación legal, Paramount, sucesora de NTA
Para State of the Union (1948), Capra cambió de estudio. Sería la única vez que trabajó para la Metro-Goldwyn-Mayer. Aunque el proyecto tenía un excelente pedigrí con las estrellas Spencer Tracy y Katharine Hepburn, la película no fue un éxito, y la declaración de Capra, «Creo que Estado de la Unión fue mi película más perfecta en el manejo de personas e ideas» tiene pocos adeptos hoy en día.
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Representación de Estados Unidos en el Festival Internacional de Cine
En enero de 1952, el embajador de Estados Unidos en la India pidió a Capra que representara a la industria cinematográfica estadounidense en un Festival Internacional de Cine que se celebraría en la India. Un amigo de Capra del Departamento de Estado se lo pidió y le explicó por qué su viaje sería importante:
Bowles cree que el Festival es una travesura comunista de algún tipo, pero no sabe qué … Bowles le ha pedido. «Quiero un tipo libre que se ocupe de nuestros intereses por su cuenta. Quiero a Capra. Su nombre es grande aquí, y he oído que es rápido en una pelea de callejón.
Tras dos semanas en la India, Capra descubrió que los temores de Bowles estaban justificados, ya que muchas sesiones de cine eran aprovechadas por representantes rusos y chinos para pronunciar largos discursos políticos. En un almuerzo con 15 directores y productores indios, subrayó que «debían preservar la libertad como artistas, y que cualquier control gubernamental obstaculizaría esa libertad. Un sistema totalitario… y se convertirían en meros publicistas del partido en el poder». Sin embargo, a Capra le costó comunicar esto, como anotó en su diario:
Todos ellos piensan que algún supergobierno o supercolectivo de individuos dicta todas las imágenes americanas. La libre empresa es un misterio para ellos. Alguien debe controlar, ya sea visible o invisible … Incluso los intelectuales no tienen una gran comprensión de la libertad y la libertad … La democracia es sólo una teoría para ellos. No tienen idea del servicio a los demás, del servicio a los pobres. Los pobres son despreciados, en cierto sentido.
Cuando regresó a Washington para presentar su informe, el Secretario de Estado Dean Acheson elogió a Capra por «haber evitado prácticamente sin ayuda una posible toma de control comunista de las películas indias». El embajador Bowles también transmitió su gratitud a Capra por «un trabajo excelente».
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Período de desilusión y años posteriores
Después de Una vida maravillosa y El estado de la Unión, realizadas poco después del final de la guerra, los temas de Capra quedaron desfasados con respecto a los cambios en la industria cinematográfica y el estado de ánimo del público. Friedman considera que, si bien las ideas de Capra eran populares entre el público de la época de la depresión y de la preguerra, se volvieron menos relevantes para la próspera América de la posguerra. Capra se había «desconectado de una cultura americana que había cambiado» durante la década anterior. El biógrafo Joseph McBride sostiene que la desilusión de Capra estaba más relacionada con el efecto negativo que el Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara de Representantes (HUAC) tuvo sobre la industria cinematográfica en general. Los interrogatorios del HUAC a principios de los años 50 acabaron con muchas carreras en Hollywood. El propio Capra no fue llamado a testificar, aunque era un objetivo principal del comité debido a sus asociaciones pasadas con muchos guionistas de la lista negra de Hollywood.
Capra culpó de su temprana retirada del cine al creciente poder de las estrellas, que le obligaba a comprometer continuamente su visión artística. También afirmó que las crecientes exigencias presupuestarias y de programación habían limitado su capacidad creativa. El historiador de cine Michael Medved estuvo de acuerdo con Capra, señalando que se alejó del negocio del cine porque «se negó a adaptarse al cinismo del nuevo orden». En su autobiografía, escrita en 1971, Capra expresó sus sentimientos sobre la cambiante industria cinematográfica:
Los vientos del cambio soplaron a través de las fábricas de sueños de la fantasía, desgarraron sus jirones de crinolina… Los hedonistas, los homosexuales, los hemofílicos, los que odian a Dios, los artistas que sustituyen el talento por la conmoción, todos gritan: «¡Sacúdelos! ¡Sacúdanlos! Dios ha muerto. ¡Viva el placer! ¿Desnudez? Sí. ¿Intercambio de esposas? Sí. Liberad al mundo de la mojigatería. Liberad nuestras películas de la moral». … ¡Matar por la emoción! ¡Shock! Al diablo con el bien en el hombre, desentierra su maldad… ¡shock! ¡Shock!
Capra añadió que, en su opinión, «prácticamente todo el cine de Hollywood actual se rebaja a la pornografía barata y salaz en una loca bastardía de un gran arte para competir por el »patrocinio» de los desviados y los masturbadores».
Capra siguió trabajando en Hollywood durante y después de las audiencias de la HUAC, pero optó por demostrar su lealtad intentando volver a alistarse en el ejército al estallar la Guerra de Corea, en 1950. Fue rechazado debido a su edad. Más tarde fue invitado a unirse al recién creado proyecto Think Tank del Departamento de Defensa, VISTA, pero se le negó la autorización necesaria. Según Friedman, «estos dos rechazos fueron devastadores para el hombre que había hecho una carrera de demostración de los ideales americanos en el cine», junto con su dirección de documentales premiados para el Ejército.
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Películas posteriores (1950-1961)
Capra dirigió dos películas en Paramount Pictures protagonizadas por Bing Crosby, Riding High (1950) y Here Comes the Groom (pasó a trabajar con el Instituto Tecnológico de California, su alma mater, para producir películas educativas sobre temas científicos.
De 1952 a 1956, Capra produjo cuatro especiales de televisión relacionados con la ciencia en color para The Bell System Science Series: Our Mr. Sun (1956), Hemo the Magnificent (1957), The Strange Case of the Cosmic Rays (1957) y Meteora: La diosa desencadenada (1958). Estos documentales científicos educativos fueron los favoritos en las aulas de ciencias de las escuelas durante unos 30 años. Pasaron ocho años antes de que dirigiera otra película de cine, Un agujero en la cabeza (1959), con Frank Sinatra y Edward G. Robinson, su primer largometraje en color. Su última película teatral fue con Glenn Ford y Bette Davis, titulada Pocketful of Miracles (1961), un remake de su película de 1933 Lady for a Day. A mediados de la década de 1960 trabajó en la preproducción de una adaptación de la novela de Martin Caidin, Marooned, pero las limitaciones presupuestarias hicieron que finalmente la archivara.
La última película de Capra, Cita en el espacio (1964), fue una película industrial realizada para la Martin Marietta Company y proyectada en la Feria Mundial de Nueva York de 1964. Se exhibió en el Salón de la Ciencia de Nueva York después de la Feria.
El estilo de dirección de Capra se basaba en gran medida en la improvisación. Se caracterizaba por ir al plató sin más que las escenas maestras escritas. Él mismo explicaba sus razones:
Lo que necesitas es de qué trata la escena, quién hace qué a quién y quién se preocupa por quién… Todo lo que quiero es una escena maestra y yo me encargo del resto: cómo rodarla, cómo mantener la maquinaria fuera del camino y cómo centrar la atención en los actores en todo momento.
Según algunos expertos, Capra dirigía con gran destreza y discreción, y consideraba que era una mala dirección distraer al público con trucos técnicos extravagantes. El historiador de cine y autor William S. Pechter describió el estilo de Capra como uno «de pureza casi clásica». Añade que su estilo se basaba en el montaje para ayudar a sus películas a mantener una «secuencia de movimiento rítmico». Pechter describe su efecto:
El efecto de Capra es imponer un orden a las imágenes en constante movimiento, imponer un orden al caos. El resultado de todo esto es una especie de belleza, una belleza de movimiento controlado, más parecida a la danza que a la pintura… Sus películas se mueven a un ritmo vertiginoso: dinámicas, impulsivas, tensas, en su extremo incluso histéricas; la aceleración implacable y frenética del ritmo parece surgir de la liberación de una tremenda acumulación de presión.
El crítico de cine John Raeburn analiza una de las primeras películas de Capra, American Madness (1932), como ejemplo de cómo dominaba el medio cinematográfico y expresaba un estilo único:
El ritmo de la película, por ejemplo, está perfectamente sincronizado con la acción … a medida que aumenta la intensidad del pánico, Capra reduce la duración de cada plano y utiliza cada vez más cortes cruzados y planos con saltos para enfatizar la «locura» de lo que está sucediendo … Capra añadió a la calidad naturalista de los diálogos que los interlocutores se superpusieran unos a otros, como suele ocurrir en la vida ordinaria; esta fue una innovación que contribuyó a alejar las películas habladas del ejemplo del escenario legítimo.
En cuanto a la temática de Capra, el autor cinematográfico Richard Griffith intenta resumir el tema común de Capra:
inocente mesiánico… se enfrenta a las fuerzas de la codicia arraigada. Su inexperiencia le derrota estratégicamente, pero su gallarda integridad frente a la tentación reclama la buena voluntad de la «gente pequeña», y gracias a su protesta combinada, triunfa.
La personalidad de Capra a la hora de dirigir le dio fama de «feroz independencia» al tratar con los jefes de los estudios. En el plató se decía que era amable y considerado, «un director que no muestra absolutamente ningún exhibicionismo». Dado que las películas de Capra suelen transmitir un mensaje sobre la bondad básica de la naturaleza humana, y muestran el valor del desinterés y el trabajo duro, sus temas sanos y positivos han llevado a algunos cínicos a calificar su estilo de «Capra-corn». Sin embargo, los que aprecian su visión prefieren el término «Capraesque».
Los temas básicos de Capra de defensa del hombre común, así como su uso de diálogos espontáneos y rápidos y de personajes principales y secundarios tontos y memorables, le convirtieron en uno de los cineastas más populares y respetados del siglo XX. Su influencia puede rastrearse en las obras de muchos directores, como Robert Altman, Akira Kurosawa, John Milius, Steven Spielberg y François Truffaut.
Capra se casó con la actriz Helen Howell en 1923. Se divorciaron en 1928. Se casó con Lucille Warner en 1932, con quien tuvo una hija y tres hijos, uno de los cuales, Johnny, murió a los 3 años tras una amigdalectomía.
Capra fue cuatro veces presidente de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas y tres veces presidente del Gremio de Directores de América, que ayudó a fundar. Bajo su presidencia, trabajó para dar a los directores un mayor control artístico de sus películas. Durante su carrera como director, conservó una temprana ambición de enseñar ciencias, y tras el declive de su carrera en la década de 1950, realizó películas televisivas educativas relacionadas con temas científicos.
Físicamente, Capra era bajo, fornido y vigoroso, y disfrutaba de las actividades al aire libre, como la caza, la pesca y el montañismo. En sus últimos años, se dedicó a escribir cuentos y canciones, además de tocar la guitarra. Durante las décadas de 1930 y 1940 coleccionó libros finos y raros. En abril de 1949, Parke-Bernet Galleries vendió en una subasta de Nueva York 60 artículos de su «distinguida biblioteca» por 68.000 dólares (739.600 dólares actuales).
Su hijo Frank Capra Jr. fue presidente de los estudios EUE Screen Gems en Wilmington, Carolina del Norte, hasta su muerte el 19 de diciembre de 2007. Sus nietos, los hermanos Frank Capra III y Jonathan Capra, han trabajado como ayudantes de dirección; Frank III trabajó en la película de 1995 The American President, que hacía referencia a Frank Capra en el diálogo de la película.
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Opiniones políticas
Las opiniones políticas de Capra confluyeron en sus películas, que promovían y celebraban el espíritu del individualismo americano. Republicano conservador, Capra arremetió contra Franklin D. Roosevelt durante su mandato como gobernador de Nueva York y se opuso a su presidencia durante los años de la Depresión. Capra se opuso a la intervención del gobierno durante la crisis económica nacional.
En sus últimos años, Capra se convirtió en un autodenominado pacifista y fue muy crítico con la guerra de Vietnam.
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Opiniones religiosas
Capra escribió en su juventud que era un «católico navideño».
En sus últimos años, Capra volvió a la Iglesia católica y se describió a sí mismo como «un católico de espíritu; uno que cree firmemente que los antimorales, los intelectuales fanáticos y las mafias de la mala voluntad pueden destruir la religión, pero nunca conquistarán la cruz».
En 1985, a la edad de 88 años, Capra sufrió una serie de derrames cerebrales. Murió en La Quinta, California, de un ataque al corazón mientras dormía, en 1991, a la edad de 94 años. Fue enterrado en el cementerio público de Coachella Valley, California.
Dejó parte de su rancho de 1.100 acres (445 hectáreas) en Fallbrook, California, al Instituto de Tecnología de California, para que lo utilizara como centro de retiro. Los documentos personales de Capra y algunos materiales relacionados con el cine se encuentran en los Archivos de Cine de la Universidad de Wesleyan, que permiten a los académicos y a los expertos en medios de comunicación un acceso completo.
Durante la época dorada de Hollywood, las «fantasías de buena voluntad» de Capra lo convirtieron en uno de los dos o tres directores más famosos y exitosos del mundo. El historiador de cine Ian Freer señala que en el momento de su muerte, en 1991, su legado seguía intacto:
Había creado entretenimientos para sentirse bien antes de que se inventara la frase, y su influencia en la cultura -desde Steven Spielberg a David Lynch, y desde las telenovelas a los sentimientos de las tarjetas de felicitación- es simplemente demasiado grande para calcularla.
Director
Al igual que su contemporáneo, el director John Ford, Capra definió y engrandeció los tropos de la América mítica donde el valor individual triunfa invariablemente sobre el mal colectivo. El historiador de cine Richard Griffith habla de la «… confianza en la conversación sentimental y la benevolencia final de la América común para resolver todos los conflictos profundos». La «América ordinaria» se visualiza como «… una calle arbolada, casas de armazón poco distinguidas rodeadas de modestas zonas de césped, unos pocos automóviles. Para ciertos propósitos, se asume que todos los americanos reales viven en pueblos como este, y tan grande es el poder del mito, que incluso el habitante de la ciudad nacido es probable que crea vagamente que él también vive en esta calle sombreada, o viene de ella, o va a hacerlo.»
El profesor de la NYU Leonard Quart escribe:
No habría conflictos duraderos: la armonía, por muy artificiosa y engañosa que fuera, acabaría triunfando en el último fotograma… Al más puro estilo de Hollywood, ninguna película de Capra sugeriría que el cambio social es un acto complejo y doloroso. Para Capra, habría dolor y pérdida, pero no se permitiría que la sensación de tragedia perdurara en su mundo fabulista.
Aunque la estatura de Capra como director había decaído en la década de 1950, sus películas experimentaron un renacimiento en la década de 1960:
Diez años después, estaba claro que esta tendencia se había invertido. Los críticos postautores volvieron a aclamar a Capra como un maestro del cine y, lo que es más sorprendente, los jóvenes llenaron los festivales y reposiciones de Capra en todo Estados Unidos.
El historiador de cine francés John Raeburn, editor de Cahiers du cinéma, señaló que las películas de Capra eran desconocidas en Francia, pero también allí sus películas fueron descubiertas de nuevo por el público. Cree que la razón de su renovada popularidad tuvo que ver con sus temas, que hizo creíble «una concepción ideal de un carácter nacional americano»:
En las películas de Capra hay una fuerte vena libertaria, una desconfianza hacia el poder dondequiera que se produzca y en quienquiera que se invierta. A los jóvenes les convence el hecho de que sus héroes no se interesan por la riqueza y se caracterizan por un vigoroso … individualismo, un entusiasmo por la experiencia y un agudo sentido de la justicia política y social. … Los héroes de Capra, en definitiva, son tipos ideales, creados a imagen de un poderoso mito nacional.
En 1982, el American Film Institute rindió homenaje a Capra otorgándole su AFI Life Achievement Award. El acto sirvió para crear el telefilme The American Film Institute Salute to Frank Capra, presentado por James Stewart. En 1986, Capra recibió la Medalla Nacional de las Artes. Durante su discurso de aceptación del premio de la AFI, Capra destacó sus valores más importantes:
El arte de Frank Capra es muy, muy simple: Es el amor a la gente. Añade a este amor por la gente dos simples ideales: la libertad de cada individuo, y la igual importancia de cada individuo, y tienes el principio en el que basé todas mis películas.
Capra amplió sus visiones en su autobiografía de 1971, The Name Above the Title:
Olvidados entre el alboroto y los gritos estaban los duros trabajadores que volvían a casa demasiado cansados para gritar o manifestarse en las calles… y rezaban para que les sobrara lo suficiente para mantener a sus hijos en la universidad, a pesar de que sabían que algunos eran fumadores de hierba y parásitos que odiaban a los padres.¿Quién haría películas sobre, y para, estas ruedas sin quejas y sin chirridos que engrasaban los chirridos? Yo no. Mi Hollywood de «un hombre, una película» había dejado de existir. Los actores lo habían rebanado en ganancias de capital. Y, sin embargo, la humanidad necesitaba dramatizaciones de la verdad de que el hombre es esencialmente bueno, un átomo vivo de divinidad; que la compasión por los demás, amigos o enemigos, es la más noble de todas las virtudes. Hay que hacer películas que digan estas cosas, para contrarrestar la violencia y la mezquindad, para ganar tiempo y desmovilizar los odios.
La serie Why We Fight le valió a Capra la Legión del Mérito en 1943 y la Medalla al Servicio Distinguido en 1945.
En 1957, Capra recibió el premio George Eastman, otorgado por la George Eastman House por su distinguida contribución al arte del cine.
El alcalde de Los Ángeles, Sam Yorty, declaró por votación del ayuntamiento el 12 de mayo de 1962 como «Día de Frank Capra». George Sidney, presidente del Gremio de Directores, declaró que «es la primera vez en la historia de Hollywood que la ciudad de Los Ángeles reconoce oficialmente un talento creativo». En la ceremonia del evento, el director John Ford anunció que Capra también había recibido una Orden del Imperio Británico (OBE) honorífica por recomendación de Winston Churchill. Ford sugirió públicamente a Capra:
Haz esas comedias-dramas humanas, del tipo que sólo tú puedes hacer, el tipo de películas que Estados Unidos se enorgullece de proyectar aquí, tras el telón de acero, el telón de bambú y tras el telón de encaje.
En 1966, Capra fue galardonado con el Premio al Alumno Distinguido de su alma mater, Caltech. (véase la sección «Early Life», supra)
En 1972, Capra recibió el Golden Plate Award de la American Academy of Achievement.
En 1974, Capra recibió el Premio Inkpot.
En 1975, Capra recibió el Premio Ancla de Oro del Grupo de Cámaras de Combate de la Reserva Naval de Estados Unidos por su contribución a la fotografía naval de la Segunda Guerra Mundial y la producción de la serie «Why We Fight». La ceremonia de entrega incluyó un saludo en vídeo del Presidente Ford. Asistieron muchos de los actores favoritos de Capra, como Jimmy Stewart, Donna Reed, Pat O»Brien y Jean Arthur, entre otros.
La celebración anual de It»s a Wonderful Life a la que asistió Capra en 1981, durante la cual dijo: «Este es uno de los momentos más orgullosos de mi vida», fue relatada en The New Yorker.
Ha sido nominado seis veces al mejor director y siete veces a la mejor producción
El Archivo Cinematográfico de la Academia ha conservado dos de las películas de Capra, «El ídolo de la matiné» (1928) y «¡Dos menos y uno más!». (1945).
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Bibliografía
Fuentes
