Gene Kelly
gigatos | enero 2, 2022
Resumen
Eugene Curran Kelly (23 de agosto de 1912 – 2 de febrero de 1996) fue un actor, bailarín, cantante, director de cine y coreógrafo estadounidense. Era conocido por su estilo de baile enérgico y atlético, su buen aspecto y los simpáticos personajes que interpretaba en la pantalla. Protagonizó, coreografió o codirigió algunas de las películas musicales más apreciadas de las décadas de 1940 y 1950.
Kelly es más conocido hoy en día por sus interpretaciones en películas como Cover Girl (On the Town (Brigadoon (y It»s Always Fair Weather (1955). Kelly debutó en el cine con Judy Garland en For Me and My Gal (1942), y siguió con Du Barry Was a Lady (1943), Thousands Cheer (1943), The Pirate (1948), Summer Stock (1950) y Les Girls (1957), entre otras. ¡Después de los musicales, protagonizó dos películas fuera del género musical: Inherit the Wind (1960) y What a Way to Go! (1964). En 1967, apareció en la comedia musical del director francés Jacques Demy Las jóvenes de Rochefort junto a Catherine Deneuve. ¡Kelly dirigió en solitario la comedia Una guía para el hombre casado (1967), protagonizada por Walter Matthau, y posteriormente el extravagante musical Hello, Dolly! (1969) protagonizado por Barbra Streisand, reconocido con una nominación al Oscar a la mejor película. ¡Kelly coprotagonizó y actuó en Ziegfeld Follies (1946), That»s Entertainment! ¡(1974), That»s Entertainment, Part II (1976), That»s Dancing! (1985) y That»s Entertainment, Part III (1994).
Sus numerosas innovaciones transformaron el musical de Hollywood, y se le atribuye el mérito de haber hecho casi por sí solo que la forma de ballet fuera comercialmente aceptable para el público del cine. Kelly recibió un premio honorífico de la Academia en 1952 por los logros de su carrera; ese mismo año, Un americano en París ganó seis premios de la Academia, incluido el de mejor película. Posteriormente, recibió premios a toda una vida en el Kennedy Center Honors (1982) y del Screen Actors Guild y el American Film Institute. En 1999, el American Film Institute lo clasificó como la 15ª mayor leyenda masculina del cine clásico de Hollywood.
Kelly nació en el barrio de East Liberty de Pittsburgh. Era el tercer hijo de James Patrick Joseph Kelly, vendedor de fonógrafos, y de su esposa, Harriet Catherine Curran. Su padre nació en Peterborough, Ontario, Canadá, en el seno de una familia irlandesa-canadiense. Su abuelo materno era un inmigrante de Derry, Irlanda, y su abuela materna era de ascendencia alemana. Cuando tenía ocho años, la madre de Kelly les inscribió a él y a su hermano James en clases de baile. Según recuerda Kelly, ambos se rebelaron: «No nos gustaba mucho y estábamos continuamente metidos en peleas a puñetazos con los chicos del barrio que nos llamaban mariquitas… No volví a bailar hasta los 15 años». En un momento dado, su sueño de la infancia era jugar de shortstop en los Pittsburgh Pirates de su ciudad natal.
Cuando se decidió a bailar, ya era un deportista consumado y sabía defenderse. Asistió a la escuela primaria St. Raphael en el barrio de Morningside de Pittsburgh y se graduó en el instituto Peabody a los 16 años. Ingresó en el Pennsylvania State College como estudiante de periodismo, pero tras la crisis de 1929, dejó la escuela y encontró trabajo para ayudar a su familia económicamente. Creó rutinas de baile con su hermano menor, Fred, para ganar premios en concursos de talentos locales. También actuaron en clubes nocturnos locales.
En 1931, Kelly se matriculó en la Universidad de Pittsburgh para estudiar economía, y se unió a la fraternidad Theta Kappa Phi (más tarde conocida como Phi Kappa Theta tras fusionarse con Phi Kappa). Participó en el Cap and Gown Club de la universidad, que ponía en escena producciones musicales originales. Tras graduarse en 1933, continuó participando activamente en el Cap and Gown Club, del que fue director de 1934 a 1938. Kelly fue admitido en la Facultad de Derecho de la Universidad de Pittsburgh.
Su familia abrió un estudio de danza en el barrio de Squirrel Hill de Pittsburgh. En 1932, lo rebautizaron como Gene Kelly Studio of the Dance y abrieron un segundo local en Johnstown, Pensilvania, en 1933. Kelly trabajó como profesor en el estudio durante sus años de estudiante universitario y de derecho en Pitt. En 1931, la sinagoga Beth Shalom de Pittsburgh se puso en contacto con él para que enseñara a bailar y organizara la kermesse anual. La empresa fue un éxito y Kelly fue contratado durante siete años, hasta que se marchó a Nueva York.
Finalmente, Kelly decidió seguir una carrera como profesor de baile y animador a tiempo completo, por lo que abandonó la carrera de Derecho después de dos meses. Se centró más en la actuación y más tarde dijo: «Con el tiempo me desencanté de la enseñanza porque la proporción de chicas a chicos era de más de diez a uno, y una vez que las chicas llegaban a los 16 años, la tasa de abandono era muy alta». En 1937, tras haber gestionado y desarrollado con éxito el negocio familiar de escuelas de danza, finalmente se trasladó a Nueva York en busca de trabajo como coreógrafo. Kelly regresó a Pittsburgh, a su casa familiar en el 7514 de la calle Kensington, en 1940, y trabajó como actor teatral.
Tras una infructuosa búsqueda de trabajo en Nueva York, Kelly regresó a Pittsburgh para ocupar su primer puesto como coreógrafo en la revista musical de Charles Gaynor Hold Your Hats en el Pittsburgh Playhouse en abril de 1938. Kelly apareció en seis de los sketches, uno de los cuales, La cumparsita, se convirtió en la base de un número español ampliado en la película Anchors Aweigh ocho años después.
Su primer trabajo en Broadway, en noviembre de 1938, fue como bailarín en la obra de Cole Porter «Leave It to Me», como el secretario del embajador americano que apoya a Mary Martin mientras canta «My Heart Belongs to Daddy». Había sido contratado por Robert Alton, que había montado un espectáculo en el Playhouse de Pittsburgh, donde quedó impresionado por las habilidades docentes de Kelly. Cuando Alton pasó a coreografiar el musical One for the Money, contrató a Kelly para que actuara, cantara y bailara en ocho rutinas. En 1939, fue seleccionado para una revista musical, One for the Money, producida por la actriz Katharine Cornell, que era conocida por encontrar y contratar a jóvenes actores con talento.
El primer gran avance de Kelly fue en la obra ganadora del Premio Pulitzer The Time of Your Life, estrenada el 25 de octubre de 1939, en la que, por primera vez en Broadway, bailó con su propia coreografía. Ese mismo año, recibió su primer encargo como coreógrafo de Broadway, para Diamond Horseshoe, de Billy Rose. Comenzó a salir con una miembro del reparto, Betsy Blair, y se casaron el 16 de octubre de 1941.
En 1940, obtuvo el papel principal en Pal Joey, de Rodgers y Hart, de nuevo con coreografía de Robert Alton. Este papel le impulsó al estrellato. Durante su representación, dijo a los periodistas: «No creo en la conformidad con ninguna escuela de baile. Creo lo que el drama y la música exigen. Aunque estoy al cien por cien a favor de la técnica del ballet, sólo utilizo lo que puedo adaptar a mi propio uso. Nunca dejo que la técnica se interponga en el camino del humor o la continuidad». Sus colegas de esta época se dieron cuenta de su gran compromiso con los ensayos y el trabajo duro. Van Johnson -que también aparecía en Pal Joey- recordaba: «Le veía ensayar y me parecía que no había margen de mejora posible. Sin embargo, no estaba satisfecho. Era medianoche y llevábamos ensayando desde las 8 de la mañana. Bajaba somnoliento el largo tramo de escaleras cuando oí unos pasos entrecortados procedentes del escenario… Pude ver una sola lámpara encendida. Bajo ella, una figura bailaba… Gene».
Empezaron a llegar ofertas de Hollywood, pero Kelly no tenía prisa por dejar Nueva York. Finalmente, firmó con David O. Selznick, aceptando ir a Hollywood al final de su compromiso con Pal Joey, en octubre de 1941. Antes de su contrato, también se las arregló para hacer la coreografía de la producción teatral de Best Foot Forward.
Lea también, batallas – Batalla de las Termópilas
1941-1945: Estableciéndose en Hollywood
Selznick vendió la mitad del contrato de Kelly a la Metro-Goldwyn-Mayer para su primera película: For Me and My Gal (1942), protagonizada por Judy Garland. Kelly dijo que estaba «consternado al verme 20 veces volado. Tenía la horrible sensación de que era un tremendo fracaso». For Me and My Gal funcionó muy bien y, frente a mucha resistencia interna, Arthur Freed, de MGM, recogió la otra mitad del contrato de Kelly. Después de aparecer en un drama de serie B, Piloto nº 5 (1943) y en Christmas Holiday (1944), asumió el papel principal masculino en Du Barry Was a Lady (1943), de Cole Porter, con Lucille Ball (en un papel originalmente destinado a Ann Sothern). Su primera oportunidad de bailar con su propia coreografía llegó en su siguiente película, Thousands Cheer (1943), donde realizó un baile de amor falso con una fregona. Inusualmente, en Piloto nº 5, Kelly interpretó al antagonista.
Logró un importante avance como bailarín en el cine cuando la MGM le prestó a la Columbia para trabajar con Rita Hayworth en Cover Girl (1944), una película que presagiaba lo mejor de su futuro trabajo. Creó una rutina memorable bailando su propio reflejo. A pesar de ello, el crítico Manny Farber se animó a elogiar la «actitud», la «claridad» y el «sentimiento» de Kelly como actor, al tiempo que concluía inauspiciosamente: «Las dos cosas que hace menos bien -cantar y bailar- son las que se le dan con más constancia». A finales de 1944, Kelly se alistó en el Servicio Aéreo Naval de los Estados Unidos y fue comisionado como teniente de grado menor. Fue destinado a la Sección Fotográfica, en Washington D.C., donde participó en la redacción y dirección de una serie de documentales, lo que estimuló su interés por el aspecto de la producción cinematográfica.
En la siguiente película de Kelly, Anchors Aweigh (1945), la MGM le dio vía libre para idear una serie de rutinas de baile, incluyendo sus dúos con el coprotagonista Frank Sinatra y el célebre baile animado con el ratón Jerry, cuya animación fue supervisada por William Hanna y Joseph Barbera. Esa icónica actuación fue suficiente para que Farber invirtiera por completo su anterior valoración de las habilidades de Kelly. En su crítica de la película, Farber dijo con entusiasmo: «Kelly es el bailarín más emocionante que ha aparecido en las películas de Hollywood». Anchors Aweigh se convirtió en una de las películas más exitosas de 1945 y Kelly fue nominado al Oscar al mejor actor. En Ziegfeld Follies (1946) -que se produjo en 1944 pero se retrasó su estreno- Kelly colaboró con Fred Astaire, por quien sentía una gran admiración, en la rutina de baile de desafío «The Babbitt and the Bromide».
Lea también, historia – Muro de Berlín
1946-1952: MGM
Después de que Kelly regresara a Hollywood en 1946, la MGM no tenía nada planeado y lo utilizó en una película rutinaria en blanco y negro: Vivir a lo grande (1947). La película se consideró tan floja que el estudio pidió a Kelly que diseñara e insertara una serie de rutinas de baile; se dieron cuenta de su capacidad para llevar a cabo tales encargos. Esto le llevó a conseguir un papel principal en su siguiente película, con Judy Garland y el director Vincente Minnelli, una versión cinematográfica musical de la obra de S.N. Behrman, El pirata (1948), con canciones de Cole Porter, en la que Kelly interpreta el papel principal frente a Garland. El Pirata dio rienda suelta al atletismo de Kelly. En ella, Kelly trabaja con los Nicholas Brothers -los principales bailarines negros de la época- en una virtuosa rutina de baile. Considerada ahora como un clásico, la película se adelantó a su tiempo, pero fracasó en la taquilla.
La MGM quería que Kelly regresara a vehículos más seguros y comerciales, pero él luchó incesantemente por una oportunidad de dirigir su propia película musical. Mientras tanto, aprovechó su imagen de espadachín como d»Artagnan en Los tres mosqueteros (también de 1948) y también apareció con Vera-Ellen en el ballet Slaughter on Tenth Avenue en Words and Music (de nuevo en 1948). Debía interpretar al protagonista masculino frente a Garland en Easter Parade (1948), pero se rompió el tobillo jugando al voleibol. Se retiró de la película y convenció a Fred Astaire para que saliera de su retiro y le sustituyera. Después llegó Take Me Out to the Ball Game (1949), su segunda película con Sinatra, en la que Kelly rindió homenaje a su herencia irlandesa con el número «The Hat My Father Wore on St. Esta película musical convenció a Arthur Freed para que Kelly hiciera On the Town (también de 1949), en la que se asoció con Frank Sinatra por tercera y última vez. Un avance en el género de las películas musicales, que ha sido descrito como «el musical más inventivo y efervescente producido hasta ahora en Hollywood».
Stanley Donen, llevado a Hollywood por Kelly para ser su ayudante de coreografía, recibió el crédito de codirector por On the Town. Según Kelly: «Cuando te dedicas a hacer coreografías para el cine, debes tener asistentes expertos. Necesitaba uno que vigilara mi actuación y otro que trabajara con el cámara en la sincronización… sin gente como Stanley, Carol Haney y Jeanne Coyne nunca podría haber hecho estas cosas. Cuando llegamos a hacer On the Town, supe que era el momento de que Stanley obtuviera crédito en la pantalla porque ya no éramos jefes-asistentes sino cocreadores». Juntos, abrieron la forma musical, sacando el musical cinematográfico del estudio y llevándolo a localizaciones reales, con Donen asumiendo la responsabilidad de la puesta en escena y Kelly encargándose de la coreografía. Kelly fue mucho más lejos que antes al introducir el ballet moderno en sus secuencias de baile, llegando a sustituir a Sinatra, Munshin, Garrett y Miller por cuatro destacados especialistas en ballet en la rutina «Day in New York».
Kelly pidió al estudio un papel de actor principal y aceptó el papel principal en el primer melodrama de la mafia Black Hand (1950). Esta exposición del crimen organizado está ambientada en la «Pequeña Italia» de Nueva York a finales del siglo XIX y se centra en la Mano Negra, un grupo que extorsiona bajo amenaza de muerte. En los incidentes de la vida real en los que se basa esta película, fue la Mafia, y no la Mano Negra, quien actuó como villano. Los cineastas tenían que actuar con cautela cuando trataban con el gran crimen, ya que era más seguro perseguir a una organización criminal «muerta» que a una «viva». Después llegó Summer Stock (1950), la última película musical de Garland para la MGM, en la que Kelly interpretó el solo «You, You Wonderful You» con un periódico y una tabla de madera que chirriaba. En su libro Easy the Hard Way, Joe Pasternak, jefe de otra de las unidades musicales de MGM, destacó a Kelly por su paciencia y su voluntad de dedicar todo el tiempo necesario para que la enferma Garland pudiera completar su papel.
Luego siguieron en rápida sucesión dos musicales que afianzaron la reputación de Kelly como figura principal del cine musical estadounidense. Primero, Un americano en París (1951) y -probablemente el más admirado de todos los musicales cinematográficos- Cantando bajo la lluvia (1952). Como codirector, protagonista y coreógrafo, Kelly fue la fuerza motriz central de estas dos películas. Johnny Green, jefe de música de la MGM en aquella época, dijo de él
Gene es fácil de llevar siempre que sepas exactamente lo que estás haciendo cuando trabajas con él. Es muy exigente y le encanta el trabajo duro. Si quieres jugar en su equipo, será mejor que también te guste el trabajo duro. No es cruel, pero es duro, y si Gene creía en algo, no le importaba con quién estaba hablando, ya fuera Louis B. Mayer o el portero. No se dejaba intimidar por nadie, y tenía un buen historial de conseguir lo que quería.
Un americano en París ganó seis premios de la Academia, incluido el de mejor película. La película también supuso el debut de la bailarina Leslie Caron, de 19 años, a la que Kelly había visto en París y traído a Hollywood. Su secuencia de ballet de ensueño, de una duración sin precedentes de 17 minutos, fue el número de producción más caro jamás filmado en aquella época. Bosley Crowther lo describió como «uno de los mejores que se han llevado a la pantalla». También en 1951, Kelly recibió un premio honorífico de la Academia por su contribución a los musicales cinematográficos y al arte de la coreografía.
Al año siguiente, Singin» in the Rain incluyó la célebre y muy imitada rutina de baile en solitario de Kelly con la canción principal, junto con la rutina «Moses Supposes» con Donald O»Connor y el final «Broadway Melody» con Cyd Charisse. Aunque la película no generó inicialmente el mismo entusiasmo que creó Un americano en París, posteriormente ha superado a la película anterior para ocupar su actual lugar preeminente en la estima de los críticos.
Lea también, biografias – Senopati ing Alaga
1953-1957: El declive del musical de Hollywood
En la cima de su capacidad creativa, Kelly cometió lo que, en retrospectiva, algunos consideran un error. En diciembre de 1951, firmó un contrato con la MGM que le enviaba a Europa durante 19 meses para utilizar los fondos de la MGM congelados en Europa para hacer tres películas mientras se beneficiaba personalmente de exenciones fiscales. Sólo una de estas películas era un musical, Invitación al baile, un proyecto favorito de Kelly para llevar el ballet moderno al público cinematográfico. La película sufrió retrasos y problemas técnicos, y fracasó cuando se estrenó en 1956.
Cuando Kelly regresó a Hollywood en 1953, el musical cinematográfico empezaba a sentir las presiones de la televisión, y la MGM recortó el presupuesto de su siguiente película, Brigadoon (1954), con Cyd Charisse, obligándole a rodar la película en los platós del estudio en lugar de en Escocia. Este año también apareció como estrella invitada con su hermano Fred en el número «I Love to Go Swimmin» with Wimmen» en Deep in My Heart (1954). La negativa de MGM a prestarle para Guys and Dolls y Pal Joey tensó aún más su relación con el estudio. Negoció una salida de su contrato que implicaba la realización de otras tres películas para la MGM. La primera de ellas, It»s Always Fair Weather (1955), codirigida con Donen, era una sátira musical sobre la televisión y la publicidad, e incluye su rutina de baile en patines de I Like Myself, y un trío de baile con Michael Kidd y Dan Dailey que Kelly utilizó para experimentar con las posibilidades de la pantalla ancha del Cinemascope. MGM había perdido la fe en el atractivo de Kelly para la taquilla, y como resultado It»s Always Fair Weather se estrenó en 17 autocines del área metropolitana de Los Ángeles. A continuación llegó la última película musical de Kelly para la MGM, Les Girls (1957), en la que formó pareja con un trío de protagonistas, Mitzi Gaynor, Kay Kendall y Taina Elg. La tercera película que realizó fue una coproducción entre MGM y él mismo, una película barata de serie B, The Happy Road (1957), ambientada en su querida Francia, su primera incursión en un nuevo papel como productor-director-actor. Tras dejar la MGM, Kelly volvió a trabajar en los escenarios.
Lea también, biografias – Carlos Eduardo Estuardo
1958-1996: Después de MGM
En 1958, Kelly dirigió la obra musical Flower Drum Song, de Rodgers y Hammerstein. A principios de 1960, Kelly, ferviente francófilo y que hablaba con fluidez el francés, fue invitado por A. M. Julien, administrador general de la Ópera de París y de la Opéra-Comique, a seleccionar su propio material y a crear un ballet moderno para la compañía, la primera vez que un estadounidense recibía un encargo de este tipo. El resultado fue Pas de Dieux, basado en la mitología griega, combinado con la música del Concierto en Fa de George Gershwin. Fue un gran éxito, y le llevó a ser honrado con el Chevalier de la Légion d»Honneur por el Gobierno francés.
Kelly continuó haciendo algunas apariciones en el cine, como Hornbeck en la producción de Hollywood de Inherit the Wind (1960) y como él mismo en Let»s Make Love (también en 1960). Sin embargo, la mayor parte de sus esfuerzos se concentran ahora en la producción y dirección de películas. En París, dirigió a Jackie Gleason en Gigot (1962), pero la película fue recortada drásticamente por Seven Arts Productions y fracasó. Otra película francesa, el homenaje de Jacques Demy al musical de la MGM, Las señoritas de Rochefort (Les Demoiselles de Rochefort, 1967), en la que aparecía Kelly, fue un éxito de taquilla en Francia y fue nominada a los premios de la Academia a la mejor música y partitura de una película musical (original o adaptación), pero no tuvo buenos resultados en otros países.
Le pidieron que dirigiera la versión cinematográfica de Sonrisas y lágrimas, que ya había sido rechazada por Stanley Donen. Acompañó a Ernest Lehman, el guionista, fuera de su casa, diciéndole: «Ve a buscar a otro que dirija esta mierda».
Su primera incursión en la televisión fue un documental para el programa Omnibus de la NBC, Dancing is a Man»s Game (1958), en el que reunió a un grupo de los mejores deportistas de Estados Unidos -entre ellos Mickey Mantle, Sugar Ray Robinson y Bob Cousy- y reinterpretó sus movimientos coreográficamente, como parte de su búsqueda de toda la vida para eliminar el estereotipo afeminado del arte de la danza, a la vez que articulaba la filosofía de su estilo de baile. Obtuvo una nominación al Emmy por su coreografía y ahora es el documento clave que explica el enfoque de Kelly sobre la danza moderna.
Kelly apareció con frecuencia en programas de televisión durante la década de 1960, como Going My Way (1962-63), que se basaba en la película de 1944 del mismo nombre. Gozó de gran popularidad en los países católicos fuera de Estados Unidos. También apareció en tres grandes especiales de televisión: The Julie Andrews Show (1965), New York, New York (1966) y Jack and the Beanstalk (1967), un programa que produjo y dirigió y que combinaba de nuevo la animación de dibujos animados y la danza en vivo, lo que le valió un premio Emmy al mejor programa infantil.
En 1963, Kelly se incorporó a Universal Pictures por un periodo de dos años. En 1965 se incorporó a la 20th Century Fox, pero tuvo poco trabajo, en parte debido a su decisión de rechazar encargos fuera de Los Ángeles por motivos familiares. Su perseverancia dio finalmente sus frutos, con el gran éxito de taquilla Guía para el hombre casado (1967), en la que dirigió a Walter Matthau. Luego, se le presentó una gran oportunidad cuando la Fox -alentada por los beneficios de Sonrisas y lágrimas (1965)- le encargó a Kelly que dirigiera ¡Hola, Dolly! (1969), dirigiendo de nuevo a Matthau junto a Barbra Streisand, nominada a siete premios de la Academia y ganando tres.
En 1966, Kelly protagonizó un especial de televisión musical de una hora de duración para la CBS titulado Gene Kelly in New York, New York. El especial se centra en Gene Kelly en un recorrido musical por Manhattan, bailando a lo largo de lugares emblemáticos como el Rockefeller Center, el Hotel Plaza y el Museo de Arte Moderno, que sirven de telón de fondo para los divertidos números de producción del programa. El especial fue escrito por Woody Allen, que también actúa junto a Kelly. Entre las estrellas invitadas figuran el coreógrafo Gower Champion, la estrella británica de la comedia musical Tommy Steele y la cantante Damita Jo DeBlanc.
En 1970, hizo otro especial de televisión: Gene Kelly and 50 Girls y fue invitado a llevar el espectáculo a Las Vegas (Nevada), lo que hizo durante una temporada de ocho semanas con la condición de que le pagaran más de lo que ningún artista había cobrado nunca allí. Dirigió a los veteranos actores James Stewart y Henry Fonda en la comedia del oeste The Cheyenne Social Club (1970), que tuvo un bajo rendimiento en taquilla. En 1973, volvió a trabajar con Frank Sinatra en el especial de televisión nominado al Emmy, Magnavox Presents Frank Sinatra. ¡Apareció como uno de los muchos narradores especiales en el éxito sorpresa That»s Entertainment! (1974). Posteriormente dirigió y coprotagonizó con su amigo Fred Astaire la secuela That»s Entertainment, Part II (1976). Su capacidad de persuasión le permitió convencer a Astaire, de 77 años, que había insistido en que su contrato excluía el baile, ya que se había retirado hace tiempo, para que interpretara una serie de dúos de canto y baile, evocando una poderosa nostalgia de los días de gloria del cine musical estadounidense.
Kelly protagonizó la película de acción Viva Knievel (1977), que tuvo una mala acogida. (1977), con el entonces acróbata de alto nivel, Evel Knievel. Kelly siguió haciendo frecuentes apariciones en televisión. Su último papel en el cine fue en Xanadú (1980), un sorprendente fracaso a pesar de una popular banda sonora que generó cinco éxitos en el Top 20 de la Electric Light Orchestra, Cliff Richard y la coprotagonista de Kelly, Olivia Newton-John. En opinión de Kelly, «el concepto era maravilloso, pero no salió bien». Ese mismo año, fue invitado por Francis Ford Coppola a reclutar personal de producción para la película de American Zoetrope One from the Heart (1982). Aunque la ambición de Coppola era que estableciera una unidad de producción que rivalizara con la Unidad Freed de MGM, el fracaso de la película acabó con esta idea. ¡Kelly fue productor ejecutivo y copresentador de That»s Dancing! (1985), una celebración de la historia del baile en el musical americano. ¡La última aparición de Kelly en pantalla fue para presentar That»s Entertainment! III (1994). Su último proyecto cinematográfico fue la película de animación Cats Don»t Dance (Los gatos no bailan), que no se estrenó hasta 1997 y en la que Kelly actuó como asesor coreográfico sin acreditar. Se dedicó a su memoria.
Cuando comenzó su trabajo de colaboración en el cine, se vio influenciado por Robert Alton y John Murray Anderson, esforzándose por crear estados de ánimo y una visión de los personajes con sus bailes. Coreografió su propio movimiento, junto con el del conjunto, con la ayuda de Jeanne Coyne, Stanley Donen, Carol Haney y Alex Romero. Experimentó con la iluminación, las técnicas de cámara y los efectos especiales para lograr una verdadera integración de la danza con el cine, y fue uno de los primeros en utilizar las pantallas divididas, las imágenes dobles y la acción en vivo con la animación, y se le reconoce como la persona que hizo que la forma de ballet fuera comercialmente aceptable para el público del cine.
En su desarrollo se aprecia una clara progresión, desde una temprana concentración en el claqué y el estilo de comedia musical hasta una mayor complejidad utilizando formas de ballet y danza moderna. El propio Kelly se negó a clasificar su estilo: «No tengo un nombre para mi estilo de baile… Es ciertamente híbrido… He tomado prestado de la danza moderna, de la clásica y, desde luego, de la danza folclórica americana: tapping, jitterbugging… Pero he intentado desarrollar un estilo propio. Pero he intentado desarrollar un estilo propio del entorno en el que me he criado». Reconoció especialmente la influencia de George M. Cohan: «Tengo mucho de Cohan en mí. Es una cualidad irlandesa, una arrogancia de mandíbula y dedos de los pies, que es una buena cualidad para un bailarín masculino». También estuvo muy influenciado por un bailarín afroamericano, Robert Dotson, al que vio actuar en el teatro Loew»s Penn hacia 1929. Recibió brevemente clases de Frank Harrington, un afroamericano especialista en claqué de Nueva York. Sin embargo, su principal interés era el ballet, que estudió con Kotchetovsky a principios de la década de 1930. Su biógrafo, Clive Hirschhorn, escribe: «De niño, solía correr durante kilómetros por parques, calles y bosques, en cualquier lugar, siempre que pudiera sentir el viento contra su cuerpo y a través de su pelo. El ballet le proporcionaba la misma sensación de euforia y, en 1933, estaba convencido de que era la forma más satisfactoria de expresarse.» También estudió danza española con Ángel Cansino, el tío de Rita Hayworth. En general, tendía a utilizar el claqué y otros bailes populares para expresar alegría y exuberancia, como en la canción principal de Singin» in the Rain o «I Got Rhythm» de An American in Paris, mientras que los sentimientos pensativos o románticos se expresaban más a menudo a través del ballet o la danza moderna, como en «Heather on the Hill» de Brigadoon o «Our Love Is Here to Stay» de An American in Paris.
Según Delamater, el trabajo de Kelly «parece representar el cumplimiento de la integración de la danza y el cine en las décadas de 1940 y 1950». Mientras que Fred Astaire había revolucionado la filmación de la danza en la década de 1930 al insistir en la fotografía de los bailarines con la figura completa, permitiendo sólo un modesto grado de movimiento de la cámara, Kelly liberó la cámara, haciendo un mayor uso del espacio, el movimiento de la cámara, los ángulos de la cámara y la edición, creando una asociación entre el movimiento de la danza y el movimiento de la cámara sin sacrificar el encuadre de la figura completa. El razonamiento de Kelly era que consideraba que la fuerza cinética de la danza en vivo a menudo se evaporaba al ser llevada al cine, y buscaba superar parcialmente esta situación involucrando a la cámara en el movimiento y dando a la bailarina un mayor número de direcciones en las que moverse. En la obra de Kelly abundan los ejemplos de este tipo, bien ilustrados en la secuencia «Prehistoric Man» de On the Town y «The Hat My Father Wore on St. Patrick»s Day» de Take Me Out to the Ball Game. En 1951, resumió su visión como: «Si la cámara ha de contribuir de algún modo a la danza, éste debe ser el punto central de su contribución: el fondo fluido, que ofrece a cada espectador una visión no distorsionada y totalmente similar del bailarín y del fondo. Para lograrlo, la cámara se hace fluida, moviéndose con el bailarín, de modo que la lente se convierte en el ojo del espectador, su ojo».
El atletismo de Kelly daba a sus movimientos una cualidad distintiva, amplia y musculosa, y esto fue una elección deliberada por su parte, como explicó: «Hay un fuerte vínculo entre el deporte y el baile, y mi propio baile surge de mis primeros días como atleta… Creo que el baile es un juego de hombres y si lo hace bien lo hace mejor que una mujer». Caron dijo que mientras bailaba con Astaire se sentía como si flotara, Kelly bailaba cerca del suelo. Criticaba lo que consideraba el afeminamiento generalizado en el baile masculino, que, en su opinión, estigmatizaba «trágicamente» el género, alejando a los chicos de entrar en el campo:
La danza atrae a los jóvenes afeminados. No me opongo a ello siempre que no bailen afeminadamente. Sólo digo que si un hombre baila afeminado, baila mal, igual que si una mujer sale al escenario y se pone a cantar bajo. Por desgracia, la gente confunde la gracia con la suavidad. John Wayne es un hombre elegante y también lo son algunos de los grandes jugadores de béisbol… pero, por supuesto, no corren el riesgo de ser llamados afeminados.
En su opinión, «uno de nuestros problemas es que la mayoría de los bailes son enseñados por mujeres. Puedes detectar a muchos bailarines masculinos que tienen esta enseñanza por sus movimientos de brazos: son suaves, flojos y femeninos». Reconoció que, a pesar de sus esfuerzos -en programas de televisión como Dancing: A Man»s Game (1958), por ejemplo, la situación no ha cambiado mucho con el paso de los años. También trató de romper con las convenciones clasistas de los años 30 y principios de los 40, cuando el sombrero de copa y el frac o el esmoquin eran la norma, bailando con ropa de trabajo informal o cotidiana, para que su baile fuera más relevante para el público del cine. Su primera esposa, la actriz y bailarina Betsy Blair, dijo:
Un traje de marinero o sus calcetines y mocasines blancos, o las camisetas de su musculoso torso, daban a todo el mundo la sensación de que era un tipo normal, y que tal vez ellos también podrían expresar su amor y su alegría bailando en la calle o pisando fuerte en los charcos… democratizó el baile en el cine.
En particular, quería crear una imagen completamente diferente de la asociada a Fred Astaire, entre otras cosas porque creía que su físico no se adaptaba a una elegancia tan refinada: «Solía envidiar su estilo frío y aristocrático, tan íntimo y contenido. Fred lleva sombrero de copa y frac para ir a la mansión; yo me los pongo y parezco un camionero».
Lea también, biografias – Avicena
Matrimonios
Kelly se casó tres veces. Su primer matrimonio fue con la actriz Betsy Blair en 1941. Tuvieron un hijo, Kerry (nacido en 1942), y se divorciaron en abril de 1957.
En 1960, Kelly se casó con su asistente coreográfica Jeanne Coyne, que había estado casada con Stanley Donen entre 1948 y 1951. Kelly y Coyne tuvieron dos hijos, Timothy (nacido en 1962) y Bridget (nacida en 1964). Este matrimonio duró hasta que Coyne murió en 1973.
Kelly se casó con Patricia Ward en 1990 (cuando él tenía 77 años y ella 30). Su matrimonio duró hasta la muerte de él, seis años después, y ella no se ha vuelto a casar.
Lea también, biografias – James Clerk Maxwell
Opiniones políticas y religiosas
Kelly apoyó durante toda su vida al Partido Demócrata. Su periodo de mayor protagonismo coincidió con la era McCarthy en Estados Unidos. En 1947, formó parte del Comité para la Primera Enmienda, la delegación de Hollywood que voló a Washington para protestar en las primeras audiencias oficiales del Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara de Representantes. Su primera esposa, Betsy Blair, era sospechosa de ser simpatizante comunista, y cuando United Artists, que había ofrecido a Blair un papel en Marty (1955), se planteó retirarla por la presión de la Legión Americana, Kelly amenazó con éxito la influencia de MGM en United Artists con retirarse de It»s Always Fair Weather a menos que su esposa recuperara el papel. Utilizó su posición en la junta directiva del Writers Guild of America West en varias ocasiones para mediar en las disputas entre los sindicatos y los estudios de Hollywood.
Se crió como católico romano y fue miembro de la Parroquia del Buen Pastor y del Gremio Cinematográfico Católico de Beverly Hills, California. Sin embargo, tras desencantarse por el apoyo de la Iglesia Católica Romana a Francisco Franco contra la Segunda República Española durante la Guerra Civil, rompió oficialmente sus vínculos con la iglesia en septiembre de 1939. Esta separación fue provocada, en parte, por un viaje que Kelly realizó a México en el que se convenció de que la iglesia no había ayudado a los pobres de ese país. Tras su salida de la Iglesia católica, Kelly se convirtió en un agnóstico, tal y como se había descrito anteriormente.
Conservó toda su vida la pasión por el deporte y disfrutaba de la competición. Era conocido como un gran fan de los Pittsburgh Steelers y los Pittsburgh Pirates. Desde mediados de los años 40 hasta principios de los 50, Blair y él organizaban fiestas semanales en su casa de Beverly Hills, y a menudo jugaban a una versión intensamente competitiva y física de las charadas, conocida como «The Game».
Sus documentos se encuentran en el Centro de Investigación de Archivos Howard Gotlieb de la Universidad de Boston.
A finales de su vida, Kelly obtuvo la ciudadanía irlandesa en virtud del programa de Ciudadanía por Nacimiento en el Extranjero de Irlanda. La solicitud fue iniciada en su nombre por su esposa Patricia Ward Kelly.
Lea también, biografias – Licinio
Pérdida de material
El 22 de diciembre de 1983, la mansión del actor en Beverly Hills se incendió. Se culpó a un cableado defectuoso del árbol de Navidad. Su familia y sus mascotas escaparon y él sufrió una quemadura en la mano.
Kelly fue uno de los cientos de artistas cuyo material fue destruido en el incendio de los Estudios Universal de 2008.
La salud de Kelly empeoró constantemente a finales de la década de 1980. En julio de 1994, sufrió un derrame cerebral y permaneció en el hospital Ronald Reagan UCLA Medical Center durante siete semanas. A principios de 1995, sufrió otro derrame cerebral en Beverly Hills que le dejó gravemente discapacitado. Gene Kelly murió el 2 de febrero de 1996 en su casa de Beverly Hills a la edad de 83 años. Su cuerpo fue incinerado sin que se celebrara un funeral o un servicio conmemorativo.
Películas musicales
Kelly apareció como actor y bailarín en películas musicales. Siempre coreografiaba sus propias rutinas de baile y, a menudo, las de otros y utilizaba ayudantes. Como era habitual en la época, rara vez se le acreditaba formalmente en los títulos de las películas.
Lea también, biografias – John Lennon
Más información
Fuentes
