Hans Hofmann

Delice Bette | octubre 4, 2022

Resumen

Hans Hoffmann (21 de marzo de 1880, Weissenburg, Baviera – 17 de febrero de 1966, Nueva York) fue un artista estadounidense de origen alemán, representante del expresionismo abstracto, también conocido como profesor de arte.

Su carrera abarcó dos generaciones y dos continentes, y se considera que precedió e influyó en el expresionismo abstracto. Nacido y educado en las afueras de Múnich, participó activamente en la vanguardia europea de principios del siglo XX y trajo consigo una profunda comprensión y síntesis del simbolismo, el neoimpresionismo, el fauvismo y el cubismo cuando emigró a Estados Unidos en 1932. La pintura de Hoffmann se caracteriza por una estricta preocupación por la estructura y la unidad pictóricas, el ilusionismo espacial y el uso de colores vivos con fines expresivos. El influyente crítico Clement Greenberg consideró que la primera exposición individual de Hoffmann en Nueva York, en la exposición Art of this Century de Peggy Guggenheim en 1944 (junto con la de Jackson Pollock a finales de 1943), supuso un avance en la pintura sobre la abstracción geométrica que anunciaba el expresionismo abstracto.

En la década siguiente, el reconocimiento de G. Hoffmann creció gracias a numerosas exposiciones, sobre todo en la Galería Kutz, que culminaron con importantes retrospectivas en el Museo Whitney de Arte Americano (1957) y el Museo de Arte Moderno (1963), que viajaron por Estados Unidos, Sudamérica y Europa. Su obra forma parte de las colecciones permanentes de los principales museos del mundo, como el Metropolitan Museum of Art, la Tate Modern Gallery, el Museo Nacional de Alemania, la National Gallery of Art y el Art Institute of Chicago.

Hans Hoffmann también está considerado como uno de los profesores de arte más influyentes del siglo XX. En 1915 fundó una escuela de arte en Múnich, que se inspiró en las ideas y la obra de Paul Cézanne, Wassily Kandinsky y los cubistas; algunos historiadores del arte creen que fue la primera escuela de arte moderno del mundo. Tras trasladarse a Estados Unidos, reabrió la escuela en Nueva York y en Provincetown (Massachusetts), hasta que en 1958 abandonó la enseñanza para dedicarse a la pintura a tiempo completo. Sus enseñanzas influyeron notablemente en los artistas americanos de vanguardia de la posguerra, como Helen Frankenthaler, Nell Blaine, Lee Krasner, Joan Mitchell, Louise Berlawski-Nevelson y Larry Rivers, entre muchos otros, así como en las teorías de Greenberg, en las que hacía hincapié en el medio, el plano pictórico y la unidad de la obra. Otros principios clave de H. Hoffmann son sus teorías espaciales de la «repulsión».

Hans Hoffmann murió de un ataque al corazón en Nueva York el 17 de febrero de 1966 a la edad de 85 años.

Hans Hoffmann nació en Weissenburg, Baviera, el 21 de marzo de 1880, hijo de Theodor Friedrich Hoffmann (1855-1903) y Franziska Manger Hoffmann (1849-1921). En 1886 su familia se trasladó a Múnich, donde su padre aceptó un trabajo en el gobierno. Desde muy joven, Hoffmann se sintió atraído por la ciencia y las matemáticas. A los dieciséis años siguió a su padre en la administración pública, trabajando para el gobierno bávaro como asistente del director de obras públicas. Allí amplió sus conocimientos matemáticos y acabó desarrollando y patentando dispositivos como un comptómetro electromagnético, un radar para buques de guerra y un congelador portátil para uso militar. En esta época, Hoffmann también se interesó por el arte, y en 1898 y 1899 cursó estudios de arte con el pintor alemán Moritz Heimann. En 1898 comienza a estudiar pintura en una escuela de arte privada de Múnich.

Entre 1900 y 1904, Hoffmann conoció en Múnich a su futura esposa, Maria «Miz» Wolfegg (1885-1963), y también a Philipp Freudenberg, propietario de los grandes almacenes de lujo berlineses Kaufhaus Gerson y ávido coleccionista de arte. Freudenberg se convirtió en el mecenas de Hoffmann. Hoffmann durante la siguiente década, lo que le permitió trasladarse y vivir en París con Mies. De 1904 a 1914, hasta el comienzo de la Primera Guerra Mundial, Hoffmann vivió en París, donde asistió a la Académie de la Grande Chaumiere, donde también estudió Henri Matisse. Fue la época del nacimiento y desarrollo de movimientos artísticos como el fauvismo y el cubismo, y el joven Hoffmann se vio muy influenciado por ellos. Al mismo tiempo, conoce a Robert Delaunay y Sonia Delaunay-Terk en París y entabla amistad con ellos. Hoffmann trabajó y expuso en París hasta el estallido de la Primera Guerra Mundial, creando cuadros influenciados por los cubistas y Paul Cézanne.

Al regresar a Alemania, fue declarado no apto para el servicio militar debido a una dolencia respiratoria. En 1915, Hoffmann abrió una escuela de arte en Múnich, donde estudió, entre otros, el futuro jefe del departamento de arte de la Universidad de California en Berkeley, Worth Ryder.

Por invitación de Ryder, G. Hoffmann visita por primera vez los Estados Unidos en 1930 y se queda allí definitivamente en 1932. G. Hoffmann y Miz vivieron separados durante seis años, hasta que a ella se le concedió un visado de inmigración a Estados Unidos en 1939. Primero impartió cursos en la Liga de Estudiantes de Arte, y en 1933 abrió su propia escuela de arte. Entre otros, maestros del arte abstracto como Ray Ames, Allan Kaprow y Lee Krasner estudiaron con Hoffmann.

En 1941, G. Hoffmann adquirió la nacionalidad estadounidense. En esta época, su obra atrae cada vez más la atención y el reconocimiento de la crítica, los marchantes y los museos.

En 1942, Lee Krasner le presentó a su marido, el pintor Jackson Pollock, quien ayudó a Hoffman a organizar su primera exposición individual en 1944 en la Galería Peggy Guggenheim. A partir de 1935, las tendencias abstractas se hicieron cada vez más evidentes en la obra del artista.

En 1946, Hoffmann expone en la Galería Mortimer Brand. El crítico de arte Robert Coates, que reseñó la exposición en la revista The New Yorker, inventa el término «expresionismo abstracto» para describir lo que ve. Al mismo tiempo, la obra de Hoffmann se diferencia de las pinturas de otros clásicos del expresionismo abstracto -Adolf Gottlieb, Barnett Newman o Mark Rothko-, que Hoffmann consideraba «trágicas e intemporales». Hoffmann fue un «hedonista del expresionismo abstracto», como lo llamó Irving Sandler. Curiosamente, Sandler también llama «hedonista» a A. Matisse, compañero de estudios de Hoffmann en París.

En 1947, el artista participa -junto con Theodoros Stamos, Ed Reinhardt, Mark Rothko y Clifford Steele- en la exposición colectiva The Ideographic Picture, organizada por B. Newman. Newman en la Galería Betty Parsons.

En 1948 Hoffmann publica su obra teórica, un ensayo titulado «La búsqueda de la realidad en las artes visuales».

En 1958, tras más de 40 años de docencia, incluso en prestigiosas escuelas de arte de Nueva York y Princeton (Massachusetts), el artista dejó la enseñanza para concentrarse por completo en la pintura, lo que supuso el florecimiento tardío de su carrera (a los setenta y ocho años).

En 1963, el Museo de Arte Moderno de Nueva York organizó una exposición retrospectiva de la obra de Hans Hoffmann. Ese mismo año, Miz Hoffmann, su compañera y esposa durante más de sesenta años, falleció tras una operación.

Dos años más tarde, Hoffmann se casó con Renate Schmitz, que permaneció a su lado hasta su muerte por un ataque al corazón en Nueva York el 17 de febrero de 1966, poco antes de su 86º cumpleaños.

En general, el arte de Hoffmann se caracteriza por una estricta preocupación por la estructura y la unidad pictóricas, el desarrollo de la ilusión espacial a través de la «atracción y repulsión» del color, la forma y la colocación, y el uso de colores primarios audaces, a menudo únicos, con fines expresivos. En las primeras décadas del siglo pintó con un estilo pictórico modernista, aunque todavía identificable, creando paisajes, bodegones y retratos, influenciado principalmente por el cubismo y Paul Cézanne en cuanto a la forma y por Wassily Kandinsky, Henri Matisse y Vincent van Gogh en cuanto al color.

Г. Hoffmann inició un largo periodo centrado exclusivamente en el dibujo, en algún momento de la década de 1920, para volver a la pintura en 1935. En 1940, sin embargo, había empezado a pintar obras totalmente abstractas, como Primavera, un pequeño óleo sobre un panel de «gota». Los historiadores del arte describen esta obra y otras como El viento (1942), Fantasía (1943) y Chisporroteo (1944) en términos de sus «ataques pictóricos», contrastes agudos, color intenso y espontaneidad gestual, como «registros de la intensa experiencia del artista» de los colores, el color y los procesos que eran arbitrarios, casuales y directos, así como intencionales. Estas obras demuestran la temprana experimentación estilística de H. Hoffmann con las técnicas que más tarde se denominarían «pintura de acción», que hicieron famosos a Pollock y otros a finales de la década. H. Hoffmann creía que el arte abstracto era una forma de llegar a realidades importantes, y en una ocasión afirmó que «la capacidad de simplificar significa eliminar lo innecesario para que lo necesario pueda hablar».

El trabajo de G. Hoffman en la década de 1940 contó con el apoyo de varias figuras clave que inauguraron una nueva era de creciente influencia para los marchantes de arte y las galerías, como Peggy Guggenheim, Betty Parsons y Samuel M. Kutz. Su primera exposición individual en Nueva York en la Galería Guggenheim, The Art of this Century, en 1944, recibió críticas positivas en el New York Times, ARTnews y Arts Digest. Ese mismo año, G. Hoffman participó en una exposición individual en el Art Club de Chicago y en dos importantes exposiciones colectivas de arte abstracto y surrealista en Estados Unidos, comisariadas por Sidney Janis y Parsons. Al reseñar la exposición de H. Hoffmann en 1945, Greenberg escribió: «Hoffmann se ha convertido en una fuerza a tener en cuenta, tanto en la práctica como en la interpretación del arte contemporáneo». No todos los críticos fueron unánimes en sus elogios; por ejemplo, Robert Coates, uno de los primeros en llamar a las nuevas obras «expresionismo abstracto», en una reseña de 1946 sobre la obra de Hoffmann, expresó su escepticismo sobre el estilo de pintura de «rociar y manchar». Hoffmann comenzó a exponer anualmente en la Kutz Gallery de Nueva York (y lo hizo todos los años hasta 1966, excepto en 1948, cuando la galería cerró temporalmente), y siguió recibiendo elogios durante la siguiente década.

En el período posterior, G. Hoffmann trabajó a menudo de forma menos gestual, produciendo obras como Gates (1959-60), Pompeii (1959) o To Miz – Pax Vobiscum (monumento conmemorativo de 1964, tras la muerte de Miz), que se dedicaban débilmente a los volúmenes arquitectónicos y que a veces se denominaban sus «pinturas sobre losas». En estas obras utilizaba rectángulos de colores sensuales, que reforzaban la forma de su formato consistente de pintura de caballete y a veces sugerían una lógica modular, pero eludían la comprensión definitiva mediante zonas de pintura modular y formas irregulares.

En 1957, el Museo Whitney expuso una gran retrospectiva de Hoffmann, que visitó otros siete museos de Estados Unidos durante el año siguiente. En su reseña de la retrospectiva, el crítico Harold Rosenberg escribió: «Ningún artista estadounidense ha sido capaz de organizar una exposición con más diversidad que Hans Hoffmann». En 1960, Hoffmann fue elegido para representar a Estados Unidos en la Bienal de Venecia junto con Philip Guston, Franz Kline y Theodor Rozzak.

En 1963, el Museo de Arte Moderno presentó una retrospectiva completa, organizada por William Seitz, con un catálogo que incluía fragmentos de la obra de Hoffmann. En los dos años siguientes, la exposición viajó a otros cinco lugares de Estados Unidos, a museos de Buenos Aires y Caracas, y finalmente a cinco museos de los Países Bajos, Italia y Alemania.

Las retrospectivas póstumas de la obra de Hoffmann incluyen exposiciones en el Museo Hirshhorn (1976), el Museo Whitney (1990) y la Tate Gallery de Londres («Hans Hoffmann: Late Paintings», 1988), comisariada por el artista británico John Hoyland. D. Hoyland conoció la obra de Hoffmann durante su primera visita a Nueva York en 1964 en compañía de Clement Greenberg y quedó inmediatamente impresionado.

Г. Hoffmann era conocido no sólo como artista sino también como profesor de arte, tanto en su Alemania natal como posteriormente en Estados Unidos. Su valor como profesor reside en la coherencia y el rigor inflexible de sus normas artísticas y en su capacidad para enseñar los principios fundamentales de la abstracción de posguerra a una gran variedad de alumnos. Fundó su primera escuela de bellas artes en Múnich en 1915, inspirándose en las ideas y obras de Paul Cézanne, los cubistas y Wassily Kandinsky. Sus métodos prácticos de enseñanza incluían la discusión constante de la teoría del arte, sesiones de dibujo al natural y críticas regulares al propio Hoffmann, lo que era una rareza en la Academia. A mediados de la década de 1920 se había ganado una reputación como profesor avanzado y atrajo a una comunidad internacional de estudiantes que buscaban una enseñanza más vanguardista, como Alf Beyerle, Alfred Jensen, Louise Nevelson, Wolfgang Paalen y Worth Ryder. G Hoffmann dirigió la escuela, incluyendo las sesiones de verano celebradas en toda Alemania, así como en Austria, Croacia, Italia y Francia, hasta que emigró a los Estados Unidos en 1932.

En Estados Unidos impartió por primera vez una sesión de verano en la Universidad de California, Berkeley, en 1930, por invitación de un antiguo alumno, Worth Ryder, que entonces era miembro de la facultad de arte. Al año siguiente volvió a dar clases en Berkeley y en el Chouinard Art Institute de Los Ángeles antes de regresar a Alemania. Tras trasladarse a Nueva York, comenzó a dar clases en la Art Students League de Nueva York en 1933. En 1934, Hoffman había abierto sus propias escuelas en Nueva York y Provincetown (Massachusetts). Muchos artistas famosos estudiaron con él, como Lee Krasner, Helen Frankenthaler, Ray Eames, Larry Rivers, Allan Kaprow, Red Grooms, Nell Blaine, Irene Rice Pereira, Jerome Kamrowski, Fritz Bultman o Israel Levitan, Robert De Niro Senior, Jane Freilicher, Wolf Kahn, Marisol Escobar, Burgoyne Diller, James Gahagan, Richard Stankevich, Linda Lindeberg, Lillian Orlowski, Louise Mattiasdottir y Nina Tryggvadottir. Entre sus alumnos estaba Beulah Stevenson, conservadora del Museo de Brooklyn durante muchos años. En 1958, Hoffman cerró sus escuelas para dedicarse exclusivamente a su propio arte. En 1963, el Museo de Arte Moderno de Nueva York organizó una exposición itinerante, Hans Hoffmann y sus alumnos, que incluía 58 obras de 51 artistas.

Aunque se le atribuye el mérito de haber enseñado a varias de las artistas femeninas más dotadas de la época -en un momento en el que todavía eran bastante escasas-, a veces se describe a Hoffmann como una persona con una «actitud directamente machista». A veces se describe a Hoffmann como una «actitud directamente machista». Leigh Krasner, que seguía siendo su alumna, comparaba algunas de sus críticas con los elogios que a menudo recibían las mujeres artistas (por ejemplo, «¡es tan bueno que nunca se sabría que lo ha hecho una mujer!»). La escultora Lila Katzen cuenta que le dijo que «»sólo los hombres tienen alas para el arte».

Los influyentes escritos de Hoffmann sobre el arte contemporáneo han sido recogidos en The Search for the Real and Other Essays (1948), que incluye sus reflexiones sobre las teorías espaciales de «repulsión

Г. Hoffmann estaba convencido del valor espiritual y social del arte. En 1932 escribió: «Orientar a los maestros y apoyar a los artistas en desarrollo es un deber nacional, un seguro de solidaridad espiritual. Lo que hacemos por el arte, lo hacemos por nosotros mismos, por nuestros hijos y por el futuro».

Las obras de Hoffman forman parte de las colecciones permanentes de muchos de los principales museos de Estados Unidos y de todo el mundo, entre ellos: El Museo de Arte de la Universidad de California en Berkeley, el Museo Metropolitano de Arte, el Solomon R. Museo Guggenheim, Museo Whitney, Museo de Arte Moderno (Nueva York), Museo de Arte Moderno de San Francisco, Museo de Bellas Artes de Boston, Instituto de Arte de Chicago, Museo de Arte de Seattle, Museo de Arte de Baltimore, Museo de Bellas Artes de Houston, Museo de Arte de Cleveland, Museo de Arte de Filadelfia, Asociación y Museo de Arte de Provincetown, Stadtische Galerie im Lenbachhaus (Múnich), Museo de Arte Moderno (Barcelona), Tate Gallery y Art Gallery of Ontario (Toronto). G. Hoffmann también diseñó un proyecto público, un colorido mural situado en la entrada de la Escuela de Postgrado de Artes de la Comunicación Gráfica, situada en el barrio de Hell»s Kitchen de Manhattan.

En una subasta de Christie»s de 2015 en Nueva York, el cuadro Auxerre (1960) de H. Hoffmann, inspirado en las vastas vidrieras de la Catedral Saint-Etienne en Francia, alcanzó un récord mundial en subasta para el artista de 6.325.000 dólares.

Cuando H. Hoffmann falleció el 17 de febrero de 1966, su viuda, Renate Hoffmann, administró su patrimonio. Tras la muerte de Renate en 1992, el New York Daily News publicó un artículo titulado «Del caviar a la comida para gatos» en el que se detallaba la «triste y dolorosa historia» de la viuda de Hoffmann. El artículo afirmaba que los tutores designados por el tribunal de Renata «ordeñaron su propiedad durante más de una década» y permitieron que la mentalmente inestable Renata viviera «con sus gatos y el licor en una casa frente al mar llena de basura». Bajo la amenaza de ser procesado, el albacea original de la herencia de G. Hoffman, Robert Warshaw, consiguió que los tutores negligentes pagaran 8,7 millones de dólares por «dolor y sufrimiento extremos».

Según el testamento de Renate Hoffmann, se creó formalmente la Fundación Renate, Hans y Maria Hoffmann con R. Warshaw a la cabeza. La misión de la Fundación es «promover el estudio y la comprensión de la extraordinaria vida y obra de Hans Hoffmann» y lograr estos objetivos «a través de exposiciones, publicaciones y eventos y programas educativos dedicados a Hans Hoffmann», así como la producción de un catálogo de H. Hoffmann. Hoffmann. El representante de los derechos de autor de la Fundación Renate, Hans y Maria Hoffmann en Estados Unidos es la Sociedad para los Derechos de los Artistas.

Fuentes

1. Гофман, Ганс
2. Hans Hofmann
3. 1 2 Hans Hofmann // Encyclopædia Britannica (англ.)
4. German // (unspecified title)
5. 1 2 https://rkd.nl/explore/artists/39017
6. 1 2 https://americanart.si.edu/artist/hans-hofmann-2264
7. 1 2 de la Croix, Horst and Richard G. Tansey. Gardner»s Art Through the Ages, 7th Ed. — New York: Harcourt Brace Jovanovich, 1980. — С. 857-858.
8. ^ a b de la Croix, Horst and Richard G. Tansey. Gardner»s Art Through the Ages, 7th Ed., New York: Harcourt Brace Jovanovich, 1980, p. 857-8.
9. Annette Gautherie-Kampka: Hans Hofmann, in: WELTKUNST, Heft 13, S. 1522ff.
10. a b [1], vom 16. Januar 2012: Tina Dickey, Hans Hofmann: Schule für Bildende Kunst, in: Historisches Lexikon Bayerns
11. a b Harrison p. 174
12. Harrison p. 170
13. Citaat van Hofmann. Harrison p.204